Известные дизайнеры 20 века: Знаменитые дизайнеры | Знаменитые архитекторы и дизайнеры

Содержание

Charles Rennie Mackintosh. Чарльз Рени Макинтош | Знаменитые архитекторы и дизайнеры

Человек, объединивший в своём творчестве современность и дух романтики, шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош (Charles Rennie Mackintosh) стал автором многих Работ, которые оказали большое влияние на развитие дизайна и остаются актуальными и любимыми до сих пор.

 

Немногие дизайнеры имеют право утверждать, что они создали уникальный индивидуальный стиль, который был бы мгновенно узнаваем. Известный сегодня в основном как дизайнер мебели, Чарльз Ренни Макинтош был архитектором в самом широком смысле понятия, он занимался проектированием школ, офисов, церквей, чайных комнат (tearoom – британский вариант кафе), частных домов. Чарльз Макинтош —  архитектор, дизайнер и декоратор, в сферу деятельности которого входило конструирование мебели, работа с металлом, текстилем, витражами в последние годы показал себя как талантливый акварелист. Благодаря Чарльзу Макинтошу флористика в живописи и орнаментике поднялась на принципиально другой уровень.

 

Его особый стиль слил вместе элементы шотландских и английских народных искусств и ремесленной традиции с органическими формами L'Art Nouveau. Работы Чарльза Макинтоша совместили в себе смелые геометрические формы с органическим символическим орнаментом.

 

Работы Чарльза Макинтоша  можно условно разделить на три основные области: общественные здания, частные дома и чайные комнаты. Первый проект чайной комнаты был реализован им в 1900 году, и вероятно является наиболее уникальным вкладом в развитие архитектуры и дизайна, в котором все элементы собрались в единой  среде. Эти лёгкие, элегантные и современные интерьеры имели огромное отличие от задымленных улиц и песчаных ландшафтов Глазго — крупного промышленного города-порта, где Чарльз Макинтош родился, обучался и прожил большую часть жизни. Глазго, где он выполнил большинство своих работ. К концу 19 века Глазго был богатым, бурно развивающимся европейским городом с огромной сетью торговли и производства, что представляло хорошие возможности для молодого архитектора и дизайнера.

 

Один из одиннадцати детей, Макинтош родился 7 июня 1868 года  в семье Маргарет и Уильяма Макинтоша, служившего клерком в полиции.

 

Первоначальное профессиональное образование Макинтош получил в Глазго в Художественной школе А. Глена (Allan Glen’s Institution). С 1885 по 1892 год  изучал архитектуру у Фрэнсиса Ньюбери (Francis Newbery)  — творческого директора Школы Искусств и практиковался у архитектора Джона Хатчинсона (John Hutchins). В 1889 году Макинтош работал чертежником в Honeyman & Keppie . В 1890 году он использовал стипендию А. Томпсона на поездку во Францию и Италию, где изучал архитектуру и посещал лекции. Его ранние произведения в Глазго включают здание редакции «Глазго геральд» (совместно с Кеппи, 1893 год) и общественной школы Мартира на улице Барони (1895).

 

Еще будучи студентом, Макинтош уделял большое внимание созданию нового изобразительного языка графики, отличающегося от рутинного академического стиля. В своих поисках он шел по пути, типичному для многих художников модерна.

Макинтош изучал и зарисовывал различные, часто неожиданные, природные формы, например, узор, возникший на срезе кочана капусты, или рыбий глаз под микроскопом. Позднее он пытался выразить настроение, чаше всего меланхолическое, какого-либо стихотворного или прозаического фрагмента абстрактным сочетанием изогнутых линий.

 

В результате, как пишет Т. Ховард, Макинтош «приобретает умение выразить определенную идею с помощью чисто символических средств», без сомнения, его поиски шли под влиянием творчества прерафаэлитов и их последователей. Близкие устремления обнаружились у соучеников Макинтоша — Герберта Макнейра (Herbert MacNair),  и сестёр Маргарет и Фрэнсис Макдональд (Margaret and Frances Macdonald — в будущем их жёны) — эта группа стала известна как группа «Четыре» (The Four). Окончательно «стиль Глазго» сложился уже в совместной работе, хотя определенные различия творческих подчерков у членов группы сохранились.

 

Вместе они разрабатывают и выставляют работы, в том числе мебель и плакаты.

В результате совместного творчества Макинтош обогащает свой художественный мир, в частности перенимает графический стиль сестёр Макдональд. В 1894 г. они были иронично описаны в прессе как «the Spook School» («Школа Привидений») — с намёком на их вытянутые, волнообразные женственные графические темы. В 1895 году Макинтош выступал на Выставке нового искусства в Париже как плакатист.

 

Макинтош был единственным из ее членов, кто кроме этого серьезно занимался архитектурой. При этом источники архитектурного творчества Макинтоша сильно отличались от источников его деятельности в других областях искусства.

 

Как архитектор Макинтош опирался на традицию сельского шотландского жилища и так называемый «баронский стиль» средневековых шотландских замков, то есть с этой точки зрения он был типичным представителем неоромантизма. Все его работы в жанре загородного особняка представляют собой талантливое и своеобразное проявление этого направления модерна.

 

В 1896 году Фрэнсис Ньюбери (Francis Newbery)  объявил конкурс на проект нового здания Школы Искусств Глазго.

Одной из 12 компаний, представивших проекты, была Honeyman & Keppie, в которой на тот момент работал Чарльз Макинтош. Компания получила заказ почти наверняка из-за дружбы Чарльза с Фрэнсисом Ньюбери. Этот заказ положил начало будущей репутации Чарльза Макинтоша. 

 

Проект Школы Искусств на крутом склоне холма был очень прост, даже утилитарен с учётом очень жёстких бюджетных требований. Из-за финансовых ограничений проект был реализован в два этапа: северная часть была открыта в 1899 году, а строительство западной части было начато лишь в 1907 году и завершилось  в 1909. Это время совпало с наиболее продуктивным периодом в жизни и карьере Чарльза Макинтоша и считается промежуточной фазой в творчестве архитектора и дизайнера. По окончании строительства это стало очевидно — Западная часть Школы Искусств была гораздо более радикальна и прогрессивна, нежели Северная, также был добавлен чердачный этаж-студия. Умение вписать современный дизайн в исторический контекст, соединить в напряженно-выразительном облике здания аскетичную монументальность и чувственность, богатство декора со сдержанностью форм, — все эти качества создали Макинтошу репутацию выдающегося художника.

 

Здание имеет Е-образную форму. Рисовальные студии и архитектурные мастерские в основном расположены вдоль северного фасада школы. Другие учебные и служебные помещения - в восточном крыле. На запад выходят главный лекционный зал, библиотека и несколько студий.

 

Длина здания — семьдесят пять метров, ширина — двадцать восемь метров. Кроме пяти основных этажей в нем имеется чердачный этаж для мастерских, добавленный на втором этапе строительства. Перепад высот, составивший с севера на юг десять метров, помог создать эффектную вертикаль западного фасада. Лёгкая асимметрия во всех частях здания придает композиции живописность, свойственную народной архитектуре. Например, на северном фасаде два крайних окна на одну панель уже, чем остальные проемы.

 

Большие окна-витражи обеспечивают хорошее естественное освещение. Контрастируя с массивным каменным фасадом, они напоминают одновременно о стиле эпохи Елизаветы I и о крупных стеклянных элементах, характерных для современной архитектуры. Для естественного освещения подвального этажа вдоль северного фасада был вырыт глубокий ров, куда выходят окна нижних помещений.

 

Дверь первого этажа украшена цветным витражом. Рисунок включает характерные для Макинтоша элементы — «древо жизни», которое превращается в женское лицо и бутоны роз. Эти стилизованные, эротические и в то же время символические мотивы отражают разные стороны творческой индивидуальности мастера.

 

В мощной композиции западного фасада жесткость сочетается с асимметрией, характерной для традиционной народной архитектуры. Особенности внутренней структуры здания снаружи выразились в контрастном противопоставлении крупных стеклянных витражей с массивом глухой стены.

 

Интерьер библиотеки не менее удивителен — свет, падающий через витражное освещение, контрастирует с тёмными пятнами деревянной галереи, и лучи как бы раздваиваются. По замыслу Макинтоша тёмные пятна мебели украшены вставками-вспышками красного, зелёного и белого — магическое сочетание академической трезвости и современной геометрической интенсивности.

 

Вероятно, помещение библиотеки представляет собой самое интересное решение интерьера в здании. 

 

На верхней лестничной площадке расположен выставочный павильон музея. Он освещён через остекление крыши, комбинированное с деревянными балками, напоминающими средневековый амбар.

 

За исключением каменной резьбы над центральным входом, любое декорирование, которое Макинтошу удалось включить, было функциональным и при этом изящным. Оживлённое украшение чугунных перил стилизовано в виде цветов, пчёл, птиц и жуков, и напоминают собой японский гребень. 

 

В своем проекте Макинтош пошел нетрадиционным путем. Поиски в области новых способов формообразования привели его к методу проектирования «изнутри наружу». Функциональное назначение интерьера отражалось во внешнем облике здания. Например, потребность в естественном освещении студий живописи определила необычайно большую остеклённость фасада.

 

Макинтош разрабатывал идею тотального дизайна: здание со всей его начинкой (вплоть до мебели и мелких деталей внутренней отделки) - это целостный объект, все элементы которого должны находиться в стилевом единстве.

Предполагалось системное проектирование всей жилой или общественной среды.

 

Одновременно с работой над проектом Школы Макинтош строит и оформляет крупные общественные здания в Глазго — церковь Куинс-Кросс (Queen’s Cross Church), школу на Скотланд-стрит (Scotland Street School).

 

Серию проектов частных одноквартирных домов Чарльз Макинтош начал в 1900 году с дома своего друга Уильяма Дэвидсона в Windyhill, Kilmalcolm. Следующим проектом стал дизайн музыкальной комнаты в Вене для Фрица Вандорфера, сторонника движения  Secession Movement и после — Wiener Werkstätte. Но наиболее важным был проект Hill House.

 

В 1902 году Чарльз Макинтош берётся за проект собственного дома для Вальтера Блэки (Walter Blackie) — Дом на холме (Hill House) в Хелленсбурге с видом на залив Клайда. Дом идеально вписан в ландшафт и ориентирован по сторонам света. Это классический семейный дом с библиотекой, главным залом для приёма клиентов и садом для детей.
Здесь он также использует традиционные элементы шотландской «баронской традиции», объединённые с современными средствами визуализации. Всё стилистически объединено – от фасадов здания до дровяных шкафов и каминных щипцов. Его стремление к созданию общей среды обитания идёт в соответствии с общеевропейской тенденцией — Йозеф Хоффман в Вене и  Бэйли Скотт (Baillie Scott) в Англии работают в том же манере.

 

Hill House, пожалуй, был самым продуманным проектом Чарльза Макинтоша, до этого в подобном стиле был выполнен собственный дом супругов Макинтош на 120 Mains Street в Глазго (а затем на Southpark Avenue), где они экспериментировали с контрастом чёрных и белых комнат, «женской» и мужской» средой.

 

Чарльзу Макинтошу очень повезло с клиентами, такими как Вальтер Блэки, которые позволяли ему иметь полный контроль над проектом. Самым щедрым клиентом и постоянным покровителем Макинтоша была миссис Кэтрин Крэнстон, которой принадлежала сеть чайных заведений (tea rooms) по всему Глазго. В то время чайные комнаты были уникальным явлением. В них могли собираться люди разных классов, встречаться с друзьями и наслаждаться безалкогольными напитками в разных залах одного комплекса. На момент, когда идеи воздержания становятся всё более популярными, чайные комнаты того типа, которыми владела миссис Кэтрин Крэнстон, играли важную роль в культурной и экономической жизни Глазго.

 

Макинтош был первым, кто использовал трафареты для декорирования интерьера (tea rooms, 91-93 Buchanan Street, 1896 год). Эти помещения реконструированы Брауном Эдинбургом, оформлением и меблировкой занимался Джордж Уолтон.

 

Макинтошу предложили украсить стены в дамской чайной комнате, обеденном зале и галерею для курильщиков. Он выполнил этот проект в виде удлинённых женских фигур, стоящих парами друг с другом в окружении роз. Успех этой работы привёл к длительному сотрудничеству. В 1899 году в чайной на Argyle Street Макинтош впервые меблировал зал стульями с высокой спинкой. Которые впоследствии стали известны как «Стул Макинтош». В 1900 году он разработал дамскую комнату для завтраков (The Ladies’ Luncheon Room) на Ingram Street, в 1903 году – чайную Willow.  

 

Чайные комнаты Willow были расположены на узкой улице Sauchiehall — старой шотландской «Ивовой аллее», что подтолкнуло к использованию темы ивы в орнаментике интерьеров. Ничто не избежало внимания Макинтоша. Он и Маргарет разработали всё — от мебели и меню до униформы официанток. В здании четыре этажа: дамский чайный зал на первом этаже, общий обеденный зал и чайная галерея над ними.

 

Первый этаж был исключительно дамским, мужские залы, бильярдные и комнаты для курения находились выше. Наиболее экстравагантными были номера de Luxe на первом этаже. Вид на улицу, белые стены с фризом из цветного стекла, зеркала, великолепные двойные двери из свинцового стекла и серебряными украшениями, кресла и диваны с высокими спинками в фиолетовых тонах.

 

В 1914 году Макинтош разрывает партнёрство с  Honeyman, Keppie & Mackintosh. Это был сложный период. Говорили, что он много пьёт, что у него сложный характер и он не способен привлекать новых клиентов. Может и так, но, скорее всего Макинтош к тому времени исчерпал возможности Глазго. В архитектуре Англии, где господствовал неоромантизм, влияние Art Nouveau ощущалось слабо. Макинтош оставался единственным  представителем нового течения на всём острове. Вполне возможно, что он намеревался переехать в Вену, где он пользовался большим авторитетом (гораздо большим, чем у себя на родине), его друзьями были знаменитые австрийские архитекторы Йозеф Хоффман (Josef Hoffmann) и Коломан Мозер (Koloman Moser). Его планы прервала Мировая война. Макинтош переехал в Walberswickв Саффолке. Там он создал серию акварелей с флореальным мотивом. Там же он был арестован как германский шпион (вина налицо — странный человек не полон патриотических чувств, демонстративно рисует «цветочки», да ещё получает корреспонденцию с вражеской стороны). В итоге Макинтош вместе с женой переехал в Лондон, в Chelsea.

 

Макинтош пытался получить работу, соответствующую его статусу и квалификации, но в данный момент патриотические чувства гегемонии обострены — популярна классика, а «стиль школы Глазго» признан устаревшим. Макинтош ещё создаёт дизайн и меблировку на 78 Derngate, Northampton для W.J. Bassett-Lowke, производит эскизы тканей. Дизайн дома на Derngate был выполнен в радикально современном стиле, подобно тому, как была оформлена библиотека Школы Искусств Глазго. Макинтош и Школа Глазго были основателями британского модерна, и, вместе с тем, им не свойственны стилеобразующие черты Art Nouveau — взвинченный ритм, линии, напоминающие удар хлыста, обильные растительные орнаменты. У них свой путь в дизайне, опережающий время. Вещи Макинтоша геометричны и функциональны. Их пропорции стройны, все лишнее удаляется. Макинтош создает серию стульев, проектирует часы, светильники, витражи, камины и столы.

 

Лишённый возможности, а возможно и желания строить, Макинтош в течение 20-х годов создал замечательную серию акварельной живописи.

 

В 20-х годах всё большее влияние на развитие архитектуры оказывает прогрессивное функционалистическое движение Германии и Австрии. Стиль Макинтоша и Школы Глазго, возникший из традиционной шотландской сельской эстетики и ремесла становятся неинтересны публике.  В 1923 г. он переехал на юг Франции, где он провел последние пять лет его жизни перед смертью в Лондоне. Несмотря на все разочарования архитектора, его работы в Глазго, многие из которых используются и сегодня, вошли в историю мировой архитектуры и дизайна как одни из самых важных произведений, они  актуальны — мебель по его проектам до сих пор производится и успешно продается, а его дизайнерский метод стал основой мастерства для последующих поколений.

 

 

 

Краткая биография Чарльза Макинтоша:

 

1868 — Родился в Глазго, Шотландия

 

1875 — Обучался в Reid’s Public School, затем в 1877 —  Allan Glen’s Institution

 

1883 — 1894 — Обучение в Школе Искусств Глазго (Glasgow School of Art), где получает много призов

 

1884 — Обучается у архитектора из Глазго Джона Хатчинса (John Hutchins)

 

1889 — Присоединяется к архитектурной группе Honeyman & Keppie, где знакомится с Гербертом Макнейром (, 1868-1955)

 

1891 — Путешествует в Италию по студенческой путёвке

 

1894 — Вместе с Гербертом Макнейром  и сестрами Маргарет и Фрэнсис Макдональд (Margaret and Frances Macdonald) создает творческое объединение, известное как «Четыре» (The Four)

 

1896 — Чарльз Макинтош становится ведущим дизайнером Honeyman & Keppie. The Four выставляются на Arts and Crafts Exhibition Society в Лондоне. Проектируют и производят настенные декорации для Buchanan Street tea rooms в Глазго для мисс Cranston

 

1897 — Дизайн Queen’s Cross Church в Глазго, строительство ведёт Школа Искусств Глазго. Появляются публикации о Чарльзе Макинтоше.

 

1898 — Представляет несколько проектов зданий на Международной выставке в Глазго. По заказу Крэнстон реализуется дизайн помещения tearoom на улице Argyle. Проектирует дизайн для Ruchill St. Church Halls в Глазго, а также два проекта интерьера: в Queen’s Palace в Глазго для Robert Maclehose и проект столовой для Hugo Brückmann, редактора Dekorative Kunst в Мюнхене.

 

1899 — Открывается новая Школа Искусств Глазго

 

1900 — женится на Маргарет Макдональд. Вместе они занимаются дизайном и меблировкой собственной квартиры на 120 Mains Street в Глазго. Выполняет заказ на проектирование дизайна и меблировки для The Ladies’ Luncheon Room в чайных комнатах на Ingram Street. Проектирует дом для своего друга Уильяма Дэвидсона в Windyhill, Kilmalcolm. 

 

1901 — Становится партнером в Honeyman, Keppie & Mackintosh. Создаёт дизайн интерьера и мебели для миссис Rowat  на 14 Kingsborough Gardens в Глазго.

 

1902 — Дизайн музыкальной комнаты в Вене для Фрица Вандорфера, сторонника движения  Secession Movement и после — Wiener Werkstätte. Строит Hill House в Хелленсбурге для издателя Вальтера Блэки (Walter Blackie)

 

1903 — Миссис Крэнстон заказывает разработку интерьера и экстерьера чайных комнат Willow в Глазго. Школьный совет Глазго поручает Чарльзу Макинтошу разработку Scotland Street School в Глазго.

 

1904 — завершает Hill House в Хелленсбурге. Дизайн, декорирование и меблировка столовой, гостиной и двух спален в Hous'hill Nitshill в Глазго для миссис Крэнстон и её мужа — Major Cochrane.

 

1905 — Дизайн магазина на 233 Sauchiehall Street. Проектирование Dutch Kitchen в подвальном этаже чайных комнат на  Argyle Street в Глазго.

 

1906 — Разрабатывает дизайн помещения для заседания совета директоров Школы Искусств Глазго (Glasgow School of Art). Чарльз Макинтош вместе со своей женой переезжает на 78 Southpark Avenue, где они создают новые интерьеры

 

1907 — Дизайн The Oak Room (Дубовая Комната) в чайных комнатах на Ingram Street. Проектирует западное крыло Школы Искусств Глазго.

 1909 — Дизайн Card Room для Hous'hill, а также Oval Room (Овальный зал) и дамскую комнату для чайных комнат на Ingram Street. Открытие западного крыла Школы Искусств Глазго (Glasgow School of Art).

 

1911 — Создает интерьеры Cloister Room (Зал заседаний) и Chinese Room (Китайская комната) для чайных комнат на Ingram Street в Глазго.

 

1914 — Расторгает партнёрство с Honeyman, Keppie & Mackintosh и уезжает в Walberswick, Suffolk, где рисует акварели. Местные жители подозревают его в шпионаже.

 

1915 — Переезжает в Chelsea, Лондон

 

1916 — Создаёт дизайн и меблировку на 78 Derngate, Northampton для W. J. Bassett-Lowke, производит эскизы тканей.

 

1917 — Дизайн Dug-Out для чайных комнат Willow, а также  часы для W.J. Bassett-Lowke.

 

1919 — Разрабатывает дизайн гостевой спальни на 8 Derngate, Nothampton и коттеджа на East Grinstead для E.O. Hoppé.

 

1923 — Уезжает в Port Vendres на юге Франции, где рисует серию акварелей. В основном пейзажи.

 

1928 — умирает в Лондоне от рака

10 лучших дизайнеров со всего мира

Чтобы всегда оставаться в тренде, смотрите также:
23 тренда в моушн дизайне 2021 (с примерами).
57 трендовых бесплатных шрифтов для типографики в 2021.

Приятного просмотра!

01.

Тобиас ван Шнайдер – немецкий производитель полезных и красивых вещей (просто ему не нравится слово «предприниматель»). Сейчас Тобиас живет и работает в Нью-Йорке, где расположена его дизайн-студия. За свою деятельность дизайнер сотрудничал с Red Bull, NASA, Sony, Google, Toyota, BMW и другими мировыми компаниями.

Тобиас ван Шнайдер получил большое количество наград, среди которых: Designer of the Year и Art Director of the Year awards. Имя дизайнера не раз появлялось в известных газетах, журналах и электронных изданиях.

В свободное время дизайнер любит фотографировать. Посмотреть его снимки можно в аккаунте в Instagram @vanschneider. Из профессиональных работ дизайнера можно отметить пользовательский интерфейс микшера Audient, на изображении ниже.

Tobias van Schneider

Тобиас ван Шнайдер также разработал дизайн цифрового зеркала memomi, платформы электронной коммерции Wacom, огромного количества сайтов, приложений и даже обуви. В портфолио дизайнера можно заметить последние тренды графического дизайна: пользовательский интерфейс, трехмерная графика, яркие цвета, игра с типографикой и другие.

Tobias van Schneider

Tobias van Schneider

Tobias van Schneider

Tobias van Schneider

02.

Орельен Саломон – дизайнер с мировым именем. Родом из Франции, но на данный момент проживает в городе Монреаль, Канада. Образование – компьютерная инженерия. Как утверждает Aurélien, он родился со страстью к дизайну. Сейчас занимается UI/UX дизайном: мобильные и десктопные приложения, веб-сайты, моушн дизайн, AR/VR.

За свою карьеру дизайнер разрабатывал продукты для Apple, Google, Uber, Tinder, Watson, Universal Studios, Metalab и других мировых брендов.

Одна из гордостей Орельена – редизайн Apple OS / MacOS 2020 на Macbook под названием «Edge to edge» на примере ниже.

Aurélien SALOMON

Дизайн приложения Navigo Transportation – это удивительное сочетание стиля и удобства. Пользовательский интерфейс разработан по правилам эргономики и дополнен легкой анимацией.

Aurélien SALOMON

Орельен также любит разрабатывать концепты будущих или выдуманных продуктов. Это могут быть приложения, операционные системы, концепт-кары или AR голограмма ассистента Siri на примере ниже.

Aurélien SALOMON

Дизайнер разработал огромное количество мобильных и десктопных версий веб-сайтов. Мобильные приложения Aurélien разрабатывал для iOS и Android.

Aurélien SALOMON

Aurélien SALOMON

Aurélien SALOMON

03.

Михал Парульски – это дизайнер с 9-тилетним опытом проектирования самых различных продуктов. Родился и проживает в Польше, город Гданьск. По профессии – UI/UX дизайнер, веб-дизайнер, аниматор, иллюстратор и графический дизайнер.

Профессиональные навыки Михала впечатляют. Он владеет навыками программам Adobe Photoshop, Adobe Illustrator, Corel Draw, Macromedia FreeHand, Macromedia Flash, а также владеет языками XHTML, HTML и CSS.

Michal обожает смотреть фильмы и играть в теннис. Помимо этого, он является энтузиастом фотографии. Посмотреть фото можно в его профиле в Instagram @mparulski. Одну из профессиональных работ дизайнера вы можете увидеть ниже: брендинг компании CLOUD JET.

Michal Parulski

  • Michal Parulski

  • Michal Parulski

Michal выполнил огромное количество проектов по дизайну мобильных приложений и веб-сайтов для известных брендов. В своих работах автор часто использует технику моушн дизайна.

Michal Parulski

Michal Parulski

Michal Parulski

04.

Leo Natsume – креативный дизайнер и иллюстратор из Бразилии. Также Лео является мастером моушн дизайна. В портфолио дизайнера можно увидеть большое количество его работ для компаний Google и Uber. Но кроме них, Лео сотрудничал с такими мировыми брендами: Nike, Coca-Cola, McDonald’s, Disney, The New York Times, Maybelline NY, Rede Globo и другие.

За свою профессиональную деятельность Leo Natsume удостоился получить множество наград. Он занял 1 место в двух категориях на Grupo RBS Award 2018. Также дизайнер победил на премиях Best of Design Digital 2016 и 2018, LATAM Digital Media 2017, Сайт года – обзор Behance 2016, Дизайнер года – Zero Hora, Grupo RBS 2015.

В цифровом дизайне и иллюстрациях Лео четко заметен его авторский стиль. Он любит яркие цвета, что заметно на каждом его проекте. Большинство работ автора включают в себя рисунки людей или других персонажей, поэтому можно отметить художественный талант дизайнера. К примеру, он разработал набор стикеров для мессенджера Google Allo.

Leo Natsume

Leo Natsume

Также можно заметить проекты, посвященные футбольным событиям. Это оформление информативного ресурса о ЧМ 2018 и новостной игры Mano a Mano.

Leo Natsume

Leo Natsume

  • Leo Natsume

  • Leo Natsume

05.

Rolf Jensen – дизайнер-фрилансер родом из Норвегии. Сейчас проживает и работает в Нижнем Манхэттене. Свою деятельность Рольф ведет от имени личного ООО, и сотрудничает с самыми крупными брендами и агентствами в США. Он разрабатывал проекты для Google, Microsoft, WatsonDG, Basic и других мировых компаний.

За свою карьеру Rolf Jensen успел выступить в качестве дизайнера, фотографа, креативного и арт-директора, а также партнера для крупных проектов. Дизайнер издал большое количество журнальных публикаций и интервью. Его работы побеждали в номинациях таких премий, как Awwwards Site of the day, The Webby Awards, The FWA Award, Hive Awards.

Автор создал несколько проектов для компьютерных и мобильных игр. Прекрасный пример мастерства Рольфа в графическом дизайне и анимации – создание навигации и персонажей для игры от студии Disney – Big Hero 6.

Rolf JensenRolf Jensen

Также дизайнер разработал немало дизайнерских проектов для мобильных приложений, как Frontier, Fair и другие.

Rolf Jensen

  • Rolf Jensen

  • Rolf Jensen

Веб-сайты, дизайн которых разработал Rolf Jensen, поражают своим ультрасовременным стилем. Прекрасные примеры тому проекты Diva и Enso.

Rolf JensenRolf Jensen

06.

Jason Little – дизайнер с огромным опытом. На данный момент Джейсон проживает в Сиднее, Австралия, где является креативным директором нескольких компаний. До этого дизайнер работал креативным директором в Париже.

Помимо дизайнерской деятельности, он выдал немало публикаций в известных журналах и провел большое количество лекций. Его работы действительно приносили положительный эффект клиентам, за что Jason удостоен более чем 30 наградами.

Сейчас Джейсон является председателем Австралийской ассоциации графического дизайна. Поэтому ему было поручено ребрендинг города Мельбурн, Австралийского фонда исследования рака, ресторана Sydney Pavilion и других проектов в Австралии. Помимо того, дизайнер преобразовал такие компании, как Optus, Seat, One Degree и другие.

Jason Little

Jason Little

В 2014 году Jason Little со своим коллегой основали агентство For The People. Агентство помогает творческим компаниям переосмыслить их деятельность, сосредоточив внимание на развитии корпоративной культуры. Поэтому основная работа Джейсона посвящена крупным проектам по брендингу, ребрендингу и идентификации компаний.

Jason Little

Jason Little

Jason Little много работает не только с графическим дизайном, а и с фотографиями. Одна из последних его работ – идентификация театра Queensland Theatre.

Jason Little

  • Jason Little

  • Jason Little

07.

Сергей Гуров – арт-директор, дизайнер из России, открыт для удаленного сотрудничества и постоянной работы в студии/агентстве. Проживает в городе Санкт-Петербург. Владеет навыками разработки UI/UX дизайна адаптивных веб-сайтов и мобильных приложений для Android и iOS.

С недавнего времени Сергей занялся образовательной деятельностью. Она включает в себя идентификацию брендов за счет повышения корпоративной культуры и квалификации персонала. Сергей Гуров – фрилансер, который увлекается концептуальным дизайном.

В своих работах дизайнер часто использует приемы игры с типографикой. Его портфолио вдохновит вас на минимализм и простоту форм. Каждый проект по брендингу и UI/UX дизайну представлен в портфолио со всеми деталями и этапами разработки.

Сергей Гуров

Сергей Гуров участвовал в разработке приложения BrickFinder, которое предназначено для детей в возрасте 5-12 лет. Приложение помогает находить нужные детали конструктора Lego при помощи камеры смартфона.

Сергей Гуров

Сергей Гуров

В качестве примера концептуального проекта можно посмотреть веб-сайт для компании ZARA. Сергей также сотрудничал с компанией, разрабатывая дизайн мобильного приложения.

  • Сергей Гуров

  • Сергей Гуров

08.

Александр Лагута занимается цифровым UI/UX дизайном и брендингом. Опыт работы дизайнера превышает 17 лет, что позволило ему установить почасовую ставку в 80$. Как утверждает сам Александр, он «любит делать вещи простыми и прямолинейными».

За свою карьеру Александр Лагута вывел вперед немало проектов, будучи арт-директором. Также он владеет навыками CSS проектирования. Это позволило стать автором огромного количества веб-дизайн, цифрового UI и брендинг проектов.

Александр Лагута вместе с женой Екатериной создали небольшое агентство Fuge. Они создают дизайн интерфейсов и анимацию, как самодостаточная творческая группа. Их совместные и авторские проекты не раз удостаивались наград от Website of the day, Honorable mention, Kudos и др.

Александр Лагута

Одним из проектов, который получил награду Website of the day, является их личный веб-сайт fuge.ru.

Александр Лагута

Александр часто использует анимацию фона в разработке веб-дизайна. Он создает дизайны сайтов для десктопных и мобильных версий. Также он создал внешний вид большого количества мобильных сервисов. Один из примеров — проект Golden Suisse.

Александр Лагута

Александр Лагута

09.

Слава Корнилов – еще один талантливый дизайнер из России. Он является креативным директором Geex Arts. Это digital-агентство полного цикла, которое занимается разработкой веб-сайтов, приложений и «космическим дизайном».

В свое время дизайнер работал на компании Rambler & Co и Комсомольская Правда. До того, как Слава стал креативным директором в Geex Arts, он 3 года занимал должность арт-директора в португальской компании Flatstudio.

Чаще всего Слава занимается проектированием приложений на Android и iOS, а также веб-дизайном новостных порталов. В своих работах автор отдает важную роль типографике, которая нередко появляется в центре внимания. Также он увлекается анимацией, которую любит сочетать с типографикой.

Слава КорниловСлава КорниловСлава Корнилов

Студия Geex Arts не зря упоминает о «космическом дизайне». В качестве примера можно посмотреть их концепцию редизайна веб-портала USA Today на видео ниже.

Довольно интересным является редизайн самой известной газеты США – The New York Times. В создании веб-страниц автор также использовал моушн эффекты и традиционную для газеты типографику.

Слава Корнилов

10.

Carlos Pariente – UI/UX дизайнер с опытом работы более 8 лет. Проживает в Мадриде, Испания. На данный момент является ведущим дизайнером в компании BBVA. За свою карьеру ему удалось сотрудничать с такими крупными клиентами, как Vodafone, Mango, Roca, Grupo Prisa, OHL и др.

Carlos Pariente владаеет навыками работы в Photoshop, Illustrator, Invision, Sketch, Smartsheet, Principle, Basecamp. Более того, дизайнер ведет образовательную деятельность – преподает курсы по Sketch, Invision и Principle. Профессиональные навыки Карлоса позволили ему работать в роли визуального и интерфейс дизайнера, ведущего дизайнера и креативного директора.

В свободное время Карлос любит творить концепты воображаемых продуктов, создавая удобство их использования. За словами автора: «это дает возможность попробовать новые инструменты дизайна, как прототипирование, управление временем, анимация (…), а потом применить их к рабочим проектам».

Carlos Pariente

Карлос занимался разработкой приложений на iOS и Android для крупных клиентов, таких как Netflix, Daily Ace, The Forties, Cadena Ser, BBVA. Особо интересными являются проекты SendMoney – банковское приложение и сервис от Adobe, который помогает определить и найти нужный шрифт для типографики.

Carlos ParienteCarlos Pariente

Обязательно подписывайтесь на этих крутых дизайнеров. У них вы научитесь многому нового, и сможете следить за последними трендами в дизайне веб-сайтов, приложений и брендинге.

Читайте так же обзоры профессий графического, веб и интерьер дизайнера.

Кутюрье высокой моды 20 века имя. Самые известные дизайнеры мира. Современные мэтры: Дольче и Габбана

– люди творческие, непредсказуемые, восхотительные. Кажется, иногда сложно сразу понять всю коллекцию, представленную ими на показах моды в Париже, Милане и других столицах моды и красоты. Но тем не менее с каждым годом их популярность набирает обороты все больше и больше, мода не стоит на месте, все в мире кружится и хочется каждый день добавлять в мир красоты и стиля, чем и занимаются ниже указанные знаменитости. Итак, начнем..

Александр Мак-Куин – величайший дизайнер конца 20 века и начала 21 века. В 2010 году этот знаменитый кутюрье, трендсеттер покинул этот мир. Его поступок до сих пор остается не понятным многих любителям моды и увлекающимся этим занятием.


Ведь Александр Мак-Куин как ни кто другой знал моду на век вперед, он представлял такие вещи на показах, от которых были в шоке даже такие звезды поп-сцены, как Леди Гага и Рианна. Модные критики и ценители любили его за красоту внутреннюю, которая проникала в каждый наряд. Его умение кроить одежду также видно в каждом наряде.



На протяжении многих лет его правой рукой была Сара Бартон, которая сейчас является креативным директором марки «Александр Мак-Куин». Она продолжила дело мастера. Уже в 1996 году Мак-Куин был удостоен премии «Лучший дизайнер года», Британия его любила по-настоящему. Компания «Живанши» на тот период с радостью приняла его на должность главного художника – модельера.



Так Александр заменил своего предшественника в «Живанши» всем известного Джона Гальяно. Вскоре Александр открыл собственную одноименную марку одежды и аксессуаров и быстро поднялся на звездный олипм, его нельзя было не заметить. Еще в Живанши у него были уникальные показы моды на Неделе высокой моды в Париже. Многие критики за успех Мак-Куина были не рады и говорили о нем, что выбрался из британской помойки на звездный олимп. Шоком в его карьере стал показ под названием «Изнасилование Шотландии». Напомним, что Александр Мак-Куин – шотландского происхождения и то, что творилось в этой стране когда-то в истории его очень затронуло. На показе появились девушки в бинтах и имитации крови. В то время, начале 2000 годов, никто и подумать не мог, что возможны такие показы.



Так дизайнер «встряхнул» дом моды «Живанши» от тяготы 2000 годов, зародил новое время в парижской моде, одежда стала более раскрепощенной и открытой. За это его прозвали «бык в бутике». Даже Чалаян и Джон Гальяно были в неком шоке и восторге от таких показов и идей Александра. А ведь этих персон очень сложно удивить. Девон Аоки – парижская модель, он заставлял одевать бесцветные линзы, и выходить так на подиум. Или же посыпал подиумный проход камнями и гравием и ставил моделей на высокие каблуки – как вам экстрим?! Этим и запомнился Мак-Куин-своими шок-шоу. Его одежда всегда вызывала эмоции у всех – плохие или хорошие, впрочем, неважно. Главное- запоминающиеся. Его одежду сложно носить в повседневной жизни. Всему миру запомнилась его коллекция «Атлантида Платона».


Леди Гага скупила много вещей, посвященных женщине-насекомому, женщине-богине Атлантиды. Туфли на высоченном каблуке произвели настоящий фурор в мире моды и красоты.




Вивьен Вествуд –еще одна звезда английской моды. Эта женщина – настоящая королева моды Англии. Ведь на вершине модного олимпа она уже на протяжении полувека. Вивьен родилась в 1941 году!!! И до сих пор полна сил и энергии, что проявляется в ее нарядах. Ее мода часто менялась, но всегда была необычной. В 70-х годах она ввела в Британии панк-моду.




Все ходили в разорванный яркий чулках и колготках, поверх которых были такие же разорванные короткие шорты или просто кожаные трусы. В коллекции «Буфало» в начале 80-х уже все поменялось – балахоны, длинные юбки, широкие брюки –шаровары, кипиш на голове. В моду Вествух вошел неоромантизм. Затем был проволочный кринолин из 90-х.



Вновь она вспомнила про панк, но уже было все намного мягче: пышные юбки и корсеты, довольно насыщенные драматичных цветов. Она делает коллекции прет-а-порте так, словно это от кутюр! И это носибельно, что самое важное! Ее моду понимают!


Вот кто ввел секс в понимания людей через моду. Это Джон Гальяно – уникум в мире моды. На подиуме его коллекции – настоящее шоу. С великолепной живой музыкой. Или же если нет музыки – есть голые модели на подиуме.


Мех, кожа, замша (напомним, что это тренд 2015 года) прекрасно сочетаются с шелком и кружевом. Феерические модели Гальяно всегда на вершине славы.



Многие его наряды находятся в знаменитых музеях мода Парижа и Англии. У Джона Гальяно одеваются такие известные знаменитости, как Дайна Росс, Ванесса Паради, Кира Найтли, Рианна, Бейонсе, Леди Гага, Мадонна, ДЖенифер Энистон, Дженифер Лопез, Наоми Уоттс.


Дизайн его одежды также очень любят и модели , Иман, и . Гальяно, помимо одежды создает парфюм с одноименным названием, которые мгновенно становится популярным. На протяжении многих лет Джон Гальяно занимал пост креативного директора и модельера дома «Диор». На тот момент Диор вновь обрел свое имя, стал ярким, одежда женственной в духе Кристиана Диора. Параллельно он вел и свою линию одежды «Джон Гальяно». Дизайнер сам всегда проводил рекламные компании и фотосесии своих моделей одежды. На самом пике карьеры он был уволен из компании «Диор», также лишился и своей компании из – за оскорбления в парижском кафе. Сейчас Джон вновь пытается встать на олимп моды с низов, не сомневаемся, что ему это удастся.

Дизайнеры одежды: Рой Холстон



Рой Холстон Фроуик – американец по происхождению, родившийся в 1932 году. Малоизвестный дизайнер, по сравнению с Джоном Гальяно, и . Но тем не менее его история моды тоже очень интересна. Он изначально был шляпных дел мастером у Чарлза Джеймса, непризнанного гения 60-х в мире моды. Набравшись опыта, он понял, что нужно открывать свою мастерскую и в 1953 год делает это, открыв первый бутик шляп в Чикаго, а затем и в Нью-Йорке. О нем быстро узнали звезды шоу-бизнеса и знаменитости Голливуда.


Постоянной клиенткой кутюрье была Глория Свенсон – секс-символ 60-х. После чего, женщины толпой бежали за новой шляпкой к Рою Хостону. Модели платьев Роя сводились к идее женщин к диетам и правильному питанию.




Он ввел в моду худобу, все стремились влезть в платье от Холстона.


Портивное платье-рубашка с глубоким вырезом показывало идеальные формы девушек в нем. Рой Холстон одевал жен президентов, первых леди. Эпоха Холстона закончилась очень быстро и стремительно. В 1990 – м году дизайнер умер от СПИДа, многие идеи из одежды от Холстона передались в коллекциях Гуччи.

Дизайнеры одежды: Донна Каран


О Донне Каран хочется говорить много. Это женщина – эпоха.






Великолепные наряды носятся модниками всего мира. Деми Мур в 90-х снималась практически с каждой коллекцией Донны, была лицом ее бренда. Каран очень любит 3 цвета: черный, белый и беж. На протяжении всей ее карьеры именно эти три цвета сделали из нее – кумира миллионов модниц. Ее упорство и умение вести правильный бизнес привели Донну Каран к заслуженному месту на модном пьедестале: она вошла в тройку величайших женщин-модельеров наряду с

Дизайнер одежды - это не просто профессия. Это настоящее призвание. Лучшие мировые кутюрье доказывают эту истину на собственном примере. У каждого из них есть дом моды со своими поклонниками и критиками, не одна линейка модных и стильных изделий, свой характер и видение мира моды в целом.

Модные дизайнеры одежды современности

Благодаря особому культу моды, всеобщей истерии вокруг собственных луков и фешн-подачи, особую роль в развитии модной индустрии играют именно современные популярные бренды и модные дизайнеры одежды, диктующие новаторские идеи. Мастера своего дела трудятся над созданием настоящих дизайнерских шедевров и в одиночку, и в компании с не менее талантливыми помощниками или начинающими дизайнерами. Ведущие дизайнеры уже стали легендами, а некоторые модельеры только начинают покорять вершины успеха.

Самые известные дизайнеры Европы

Так уж сложилось, что сердцем фешн-индустрии стала старая Европа, где рождались гениальные модельеры, прославившиеся на весь мир. Особо богатой на модные таланты оказалась Франция. Именно здесь чаще всего рождались всемирно известные модельеры.

Самые культовые и признанные миром дизайнеры мужской одежды и женских эксклюзивных нарядов, родившихся во Франции:

  1. Пьер Карден;
  2. Жан Поль Готье;
  3. Кристиан Лакруа;
  4. Пако Рабан;
  5. Живанши.

Привет из романтичной Франции

Карден - модельер, подкупающий своим особым стилем. Во всем мире он прослыл экстраординарным выдумщиком и смелым экспериментатором. Свою карьеру мэтр высокой моды начал в Париже. Его наряды с самого начала и до сегодняшнего дня - олицетворение шика и элегантности, подкрепленное оригинальной подачей и нестандартным видением отдельных деталей.

Еще один хороший пример мужского таланта - Жан Поль Готье. Примером для подражания он всегда считал Кардена. Готье был главным основателем модных тенденций и новых направлений в 80–90-х годах. Многие звезды шоу-бизнеса считали за честь обзавестись обновкой от знаменитого модельера.

Традиционное этно и модный авангард

Кристиан Лакруа начал свою головокружительную карьеру с простеньких зарисовок вязаной одежды и костюмов в этническом стиле. Первая коллекция мэтра также была олицетворением национального фольклора. Этнические акценты до сих пор считаются «фишкой» модельера.

Пако Рабан прославился тем, что в создании своих экстравагантных одеяний использовал очень необычные материалы: от толстых листов бумаги до металлических элементов. Каждая коллекция от французского модника - очередной вызов консервативному миру и классическим модным направлениям.

Известные дизайнеры одежды из Италии

Безусловно, наделены особым талантом создавать роскошные фешн-произведения и выходцы из Италии. Королем модной индустрии по праву считается харизматичный Валентино Гаравани. Его платья - искушение для самых роскошных и элегантных дам всех возрастов.

Среди его поклонниц была замечена Жаклин Кеннеди. Сегодня мэтр не так активен в создании новых линеек одежды. Однако по-прежнему считается одним из самых влиятельных персон в современной модной индустрии красоты.

А вот в модном доме Прада рождалась целая династия талантливых модельеров. Их имена навсегда останутся в истории мировой моды. Сегодня во главе модного дома Прада Миучча. Внучка легендарного Марио смогла аккумулировать все гениальные идеи и наработки целого поколения фешн-мэтров. Ее коллекции состоят исключительно из роскошных нарядов, источающих великолепие и шик.

Светский шик и провокационный «анимал»

Джорджио Армани - великолепный модельер, который тратит все свои силы, время и таланты на создание эффектных нарядов для мужской аудитории. Кроме этого, именитый дизайнер смог уловить тончайшие метаморфозы, происходящие в обществе, и реализовал лучшие концепты современности в сегменты респектабельных нарядов для прекрасных дам.

Роберто Кавалли стал основоположником модного течения с анималистическими принтами. Его коллекции всегда ярко демонстрируют особый стиль своего автора. Они очень узнаваемы.

Итальянский дизайнер одежды первым стал использовать особую технологию работы с кожаными материалами. Главные особенности каждой коллекции - животный мотив и блеск. Еще одна новаторская идея мэтра - лоскутная техника.

Настоящие иконы стиля

Доменико Дольче и Стефано Габбана - самые известные дизайнеры мира, успевшие заполучить статус весьма скандальных и провокационных персон. Несмотря на довольно подпорченную биографию, великий и прекрасный дом «Дольче и Габбана» всегда будет самым главным брендом в Италии и во всем мире.

Настоящей легендой стал культовый Карл Лагерфельд. Его биография - такая же захватывающая и интересная, как и его стиль, манера и концепт в моде. Сегодня личность Лагерфельда влияет не только на обычных почитателей модных творений. Самые известные дизайнеры и не менее влиятельные модельеры находятся под влиянием мэтра.

Самые культовые модельеры из Америки

Американский континент также дал миру немало достойных личностей. Особого внимания заслуживает легендарный Кельвин Кляйн. Именно он стал основателем модной логомании. Он сделал из обычной рабочей одежды культовые джинсы, полные гламура, стиля, изысканности и модной провокации.

Ральф Лорен на сегодняшний день является одним из самых солидных, богатых и успешных кутюрье в целом мире. Свою карьеру «самый богатый дизайнер» начал в Штатах. Его главные «фишки» в изделиях - изящные линии кроя, лейтмотив «дикого запада», украшение многих ансамблей шелковым галстуком.

Вера Вонг - известная законодательница в мире свадебной моды. Свадебные платья от этой прекрасной женщины - предел мечтаний любой модницы и счастливой невесты.

ССегодня она шьет наряды для свадебных церемоний и эффектные наряды для вечерних мероприятий. А все началось с того, что однажды Вера решила создать для собственной церемонии бракосочетания наряд таким, каким она видела его в идеале.

Отечественные мэтры

фешн-индустрии

Россия полнится талантливыми личностями. Самые популярные модельеры, уже достигшие невероятных высот:

  1. Валентин Юдашкин.
  2. Вячеслав Зайцев.
  3. Татьяна Гордиенко.
  4. Алена Ахмадуллина.

Талантливую плеяду мастеров пополняют и известные модельеры из Украины:

  1. Ирина Каравай.
  2. Виктория Гресь.
  3. Михаил Воронин.
  4. Андре Тан.
  5. Александр Залевский.

Легенды модного мира

Однако кроме именитых кутюрье современности в истории остались имена невероятно талантливых, харизматичных и необычайных личностей. Первыми приходят на ум такие солидные имена:

  • Коко Шанель;
  • Кристиан Диор;
  • Гуччио Гуччи и его сын Альдо Гуччи;
  • Джанни Версаче;
  • Луи Виттон;
  • Ив Сен Лоран;
  • Оскар де ла Рента.

Немножко истории

Чарльз Фредерик Уорт считается основателем моды, как таковой. По национальности этот удивительный мужчина - англичанин. Однако душа его истинно французская. Эстет, обладающий особо утонченным стилем, смог перевернуть мир красоты XIX века.

Ранее вся одежда создавалась только по желанию клиента. Его желания и были модой. Уорт осмелился разработать ряд фасонов и особых деталей и предлагать их своим клиентам. Он полностью пересмотрел каноны женской красоты того времени.

Мэтр тяготел к утонченности и элегантности. Рюши, обилие складок и оборок он считал дурным тоном. Красоту и женственность придают исключительно плавные линии, изящество и утонченность во всем. Данное мнение актуально и сейчас. Именно в простоте кроется элегантность, а утонченность и скромность - признак изысканного стиля.

Самыми знаменитыми клиентками дизайнера были Сара Бернар, Нелли Мельба, Дженни Линд. Особая персона - императрица Елизавета Баварская. Преклонялись перед талантом дизайнера и другие монашеские представители.

Каждый сезон Уорт неустанно шокировал аудиторию новыми интересными коллекциями нарядов. Первыми манекенами были настоящие женщины, а не деревянные муляжи. Каждый выход новой лини нарядов ожидали, словно волшебную мистерию или статусное событие особой важности.

Впрочем, и сейчас ничего не изменилось. Каждая коллекция известного модельера - это важное событие в мире моды. Оно притягивает внимание всех. Мода пленила разум человека, и похоже - навсегда.

Именно дизайнеры помогают в поиске неповторимого образа, предсказывают, что станет модным в ближайшем сезоне. Своё видение моды они представляют в личных коллекциях. Интересно, кто из дизайнеров является самым известным и популярным?

Среди наиболее известных дизайнеров можно выделить самых дорогих и тех, кто относит себя к сексуальным меньшинствам. Всё больше в мире моды появляется российских дизайнеров одежды.

Самые известные дизайнеры-геи

Как известно, многие из весьма успешных мужчин дизайнеров являются геями. В своих коллекциях они представляют личное мнение о том, как должна одеваться женщины. Кто-то из дизайнеров нетрадиционной ориентации давно стал корифеем в мире моды, кто-то же пока не приобрёл большой популярности.

Большинство модных домов были основаны мужчинами дизайнерами. Практически все они относятся к людям с нетрадиционной ориентацией. Некоторые заявляют об этом открыто, об ориентации других можно догадаться исходя из их образа жизни, высказываний, созданных коллекций и случайно сделанных фото.

Ив Сен-Лоран стал широко известен в середине прошлого столетия, когда возглавил собственный модный дом. Почти всю жизнь рядом с ним находился его партнёр Пьер Берже. Их отношения незадолго до смерти кутюрье были зарегистрированы официально.


Всем известный Джанни Версаче не скрывал отношений с Антонио Дамико, с которым прожил пятнадцать лет. Нельзя не сказать о Валентино и Жан-Поле Готье, Дольче и Габбано, Кристиане Диоре и Томе Форде. Все они известны миру, как талантливые дизайнеры, однако их ориентация не является традиционной.

Фактами не доказано, но имеется немало косвенных доказательств того, что Карл Лагерфельд, Армани, Карден и Джон Гальяно также относятся к сексуальным меньшинствам.

Самые известные российские дизайнеры одежды

Множество дизайнеров в России выпускают свои коллекции, но по-настоящему популярными смогли стать лишь некоторые. И в России, и за её пределами популярен наш кутюрье Вячеслав Зайцев . Он обладает почти всеми наградами, которые должны быть у модельера его уровня. Его коллекции всегда богаты шляпами и крупной бижутерией.


Кира Пластинина известна как модельер, представляющий молодёжную моду. Дебют её состоялся в Милане на Неделе Моды. Современным молодёжным дизайнером не только женской, но и мужской моды является Денис Симачёв. Его карьера началась в 2001-ом году с московского показа.

Более четверти века работает и создаёт коллекции Валентин Юдашкин . Его коллекции нередко показываются за рубежом. Среди постоянных коллекций этого дизайнера – политические лидеры, звёзды и бизнес-элита.

Самые дорогие дизайнеры

Дизайнеры с мировой известностью весьма дорогие, но и среди них есть самые дорогие. Лидирует в рейтинге Армани и его элегантные коллекции. Брендом роскоши считается Версаче. Этот дизайнер на втором месте. Многие любят одежду от Кевина Клайна . Его вещи – это городской стиль. Брендом классики признан Прада. Он по стоимости на четвёртом месте.


Сексуальные, романтичные и замысловатые коллекции Victoria"s secret любимы, однако эта одежда одна из самых дорогих. По стоимости бренд находится на пятом месте. В десятку самых дорогих также входят популярные дизайнеры, создавшие такие бренды, как Gianfranco Ferre, Missoni, Gucci, а также Dolce & Gabbana.

Самый известный дизайнер в мире

Пристрастия миллионов формируют самые известные дизайнеры. Сегодня их немало, однако, начиналось всё с прекрасной француженки, дизайнера-революционера Коко Шанель. Восприятие женской моды она перевернула с ног на голову.


Благодаря Шанель дамы стали носить одежду, в которой могли чувствовать себя свободно. Все неудобные элементы женского наряда, в том числе и корсеты, ушли в небытие. Именно она создала спортивную линию одежды для женщин. Неутолимая жажда свободы и самовыражения подвигла Коко создать совершенно новый стиль в моде.

Как о самом известном дизайнере можно было бы написать и о Ив Сен-Лоране, и о Джорджио Армани , и о Валентино Гаравани, и о Жанни Версаче. Каждый из них заслуживает звания лучшего. Тем не менее, именно Коко Шанель совершила революцию в мире моды и на сайте сайт есть подробная биография этой гениальной женщины.
Подпишитесь на наш канал в Яндекс.Дзен

Мода - это не только индустрия, но и искусство. Мода всегда чутко реагирует на изменения в обществе, иногда помогает «держать марку» и сохранять присутствие духа в невыносимых ситуациях – стоит вспомнить француженок в оккупированном Париже, которые упрямо продолжали носить платья и демонстрировать захватчикам французский шик, чтобы показать: «Вам нас не покорить. Вы можете захватить наши земли, но не можете сломить наш дух!..» Мы решили рассказать о 20 именитых кутюрье , главных новаторах и революционерах мира моды и настоящих Художниках, трудившихся во имя красоты.

Чарльз и Жан-Филип Ворты

Первым кутюрье в истории Высокой Моды заслуженно считается англичанин Чарльз Фредерик Ворт - король модельеров и модельер королей, среди клиенток которого было 9 коронованных особ. В 1857 году Ворт открыл свой первый полноценный Дом моды – на Рю де ла Пэ в Париже. После смерти самого Чарльза Дом перешел его сыновьям, Жану-Филипу и Гасну. Жан-Филип Ворт в XX веке тоже станет известным кутюрье, любимцем великой итальянской актрисы Элеоноры Дузе. Ворты станут первой модной династией.

Жак Дусе

Молодой Жак Дусе совсем не собирался связывать свое будущее с модой – он мечтал стать известным художником. Но после смерти родителей Жаку в наследство досталось их производство Doucet Lingerie, семейное дело по продаже нижнего белья. «Господин Жак», как его теперь стали называть, втянулся в дело и превратил его в главный модный Дом начала XX века. Дусе создавал роскошные, величественные, замысловатые наряды, а роскошь и красоту ценил гораздо больше, чем практичность и актуальность. Он был известным меценатом и помогал молодым талантам: например, именно господин Жак открыл миру моды Поля Пуаре и Мадлен Вионне.

Жанна Пакен

Поль Пуаре

Поль Пуаре начал шить еще в детстве, создавая наряды для кукол своих сестер. Отучившись у Жака Дусе, он попал на работу в Дом Ворса, а отточив там свое мастерство, открыл и собственный Дом. Пуаре был первым модельером, предложившим женщинам отказаться от корсета и носить платья-туники и платья с завышенной талией в античном стиле. Наряды и ткани Пуаре всегда были роскошны – он искал вдохновение в культуре Востока, как и многие кутюрье после приезда русского балета и знаменитых «дягилевских сезонов» в Париже. «Востоком» тогда считалась и Россия, и Пуаре даже создал коллекцию «Казань» с элементами русского народного костюма.

К сожалению, уже в 20-х годах популярность кутюрье пошла на спад. В моде были совершенно другие вещи, а символом перемен стала Коко Шанель. Пуаре возмущало обилие черного цвета и простота ее одежды, он даже спросил саму Мадемуазель Коко, не означает ли все это, что она в трауре. Жестокая Коко ответила Пуаре: «Да, по вам!»

Коко Шанель

Эта легендарная женщина в представлении действительно не нуждается – думаем, каждый, независимо от возраста, пола и места проживания, слышал о Мадемуазель Коко. Маленькое черное платье, духи Chanel №5, первые брючные костюмы, ставший культовым твидовый жакет, роскошь простоты и элегантность, вместо помпезности и украшательств, стеганые it-bags Chanel 2.55 – это все досталось современным модницам в наследство от главной француженки мира моды.

Эльза Скиапарелли

«Шокирующая Эльза», первый эксцентрик моды и родоначальница pret-a-porte, сейчас далеко не так известна, как ее главная конкурентка, Коко Шанель. Их методы работы и подход к моде отличались так сильно, как только возможно: Эльза любила эпатировать, работала с художниками-сюрреалистами и совсем не любила черный цвет и твид. Именно она ввела в моду shocking pink – яркую фуксию, шокирующий розовый, ставший ее визитной карточкой – в костюме именно этого цвета ее и похоронили. Вместе с Сальвадором Дали Эльза придумала и создала платье-лобстера, платье-скелет, а еще целую коллекцию шляпок: шляпу-баранью отбивную, шляпу-туфлю, шляпу-телескоп... Говорить об этой женщине, полной идей и энергии, без восторга мы не можем – обязательно прочитайте ее вдохновляющую автобиографию «Моя шокирующая жизнь»!

Мадлен Вионне

Мадлен Вионне всегда называли «архитектором моды» – именно она придумала технику кроя по косой и была настоящим мастером драпировок. Ее платья, благодаря мастерству кроя, всегда сидели идеально, подчеркивая каждый изгиб тела клиентки. А модные «пираты», пытаясь скопировать наряды Вионне и заработать на ее таланте, часами бились, пытаясь разобраться в их конструкции – приходилось сначала распарывать платье, расшивать многочисленные вытачки и пытаться понять, как вместе эти кусочки складывались в одну гармонию.

Жанна Ланвэн

Карьера Жанны Ланвэн как модельера началась с нарядов для маленькой дочки – видя очаровательные платья малышки, гуляющей с мамой, другие женщины останавливались, чтобы узнать, какой же портной шьет такие чудесные детские вещи. Скоро Жанна Ланвэн начала шить и платья для взрослых, но во всех ее магазинах обязательно продавались и детские коллекции. Она всегда искала вдохновение в живых красках природы и полотнах художников, восхищалась Боттичелли и Ренуаром. А визитной карточкой Дома стал знаменитый оттенок «синий Lanvin».

Жан Пату

Жан Пату не был мастером ни в рисовании, ни в шитье, и свои модели часто создавал прямо на манекене. Он стал первым дизайнером, начавшим выпускать спортивную одежду – теннисные юбки и шорты, купальные костюмы, и известность приобрел как портной, одевающий звезду большого тенниса Сюзанн Ланолин. Вдохновение Пату искал в работах художников-кубистов, перенимая их геометричные формы, строгие линии и контрастные цвета.

Мадам Гре

Мадам Гре, по ее собственным словам, всегда хотела быть скульптором – и не видела разницы между работой с камнем и работой с тканью. Все свои платья-шедевры она, как настоящий скульптор, создавала «вживую», прямо на манекене и без выкроек, поэтому копировать ее вещи было просто невозможно. Невероятной сложности драпировки, идеальная посадка нарядов превращали моделей в лучшие образцы античного искусства.

Марсель Роша

Марсель Роша в 1942 году предвосхитил революцию, которую через пять лет совершит в моде Кристиан Диор: еще до появления знаменитого new look Роша возвращает в женские гардеробы корсет, забытый на долгие военные годы. А еще – свободные фланелевые брюки, предмет, вообще для женского гардероба тех лет ну совсем не характерный. Женщины до появления Марселя Роши надевали брюки только в исключительных случаях – либо на отдыхе, либо дома, а Роша сделала их полноправной частью повседневного гардероба.

Жак Фат

До того, как стать модельером, Жак Фат успел отслужить в армии, попасть в плен, получить несколько военных наград и поработать на фондовой бирже – только потом он открыл собственное ателье. Мастерству дизайнера Фат научился сам. А популярность получил благодаря созданному им новому стилю шикарной молодой парижанки: шил развевающиеся воздушные юбки, роскошные платья и еще до Кристиана Диора начал экспериментировать с силуэтом, который вскоре получит название new look.

Кристиан Диор

Кристиана Диора прославила его знаменитая коллекция 1947 года – та самая, которая продемонстрировала послевоенному миру женственный силуэт new look. С той самой коллекции на протяжении десяти лет (до смерти в 1957) Кристиан Диор был признанным королем моды. К созданию коллекций Диор подходил с невероятной тщательностью: в своей автобиографии «Диор о Dior» он подробно рассказывает о том, как работал над показами, как по 7-8 раз мог отправлять на переделку одно-единственное платье и в конце концов даже не включить его в коллекцию.

Юбер де Живанши

До того, как открыть собственный Дом, Юбер де Живанши успел поработать у самых именитых дизайнеров тех лет: Жака Фата, Кристиана Диора, Эльзы Скиапарелли. Путевку в жизнь дала ему именно Эльза, которая разглядела в молодом человеке талант. Музой и постоянной клиенткой Живанши на протяжении 40 лет была Одри Хэпберн – она пришла к нему за костюмами к фильму «Сабрина», и эта встреча стала началом многолетней дружбы. За этот фильм Юбер Живанши получил первый «Оскар» как художник по костюмам и создавал наряды для Одри еще во множестве фильмов – в том числе и в самом знаменитом, «Завтраке у Тиффани».

Кристобаль Баленсиага

Кристобаль Баленсиага – настоящая загадка мира моды. В свою жизнь посторонних он никогда не пускал, поэтому о ней известно не так много. В 13 лет он выполнил свой первый заказ – подошел на улице к маркизе де Касса Торрес и заявил, что сшил бы наряд гораздо лучше, чем тот, что на ней сейчас, будь у него такие же ткани. Маркиза удивилась, но предложила мальчику попытаться сделать ей туалет – и была шокирована, когда он сшил для нее наряд не хуже, чем любой именитый кутюрье. В 16 он открыл собственное ателье. В 19 – собственный модный Дом. Он был великим архитектором и умел сочетать строгость линий с гипертрофированными объемами, сдержанность и роскошь. Сама Коко Шанель признавала его единственным своим конкурентом – и единственным Кутюрье с большой буквы среди дизайнеров.

Пако Рабан

Пако Рабан в 60-х совершил в моде настоящую революцию – на этот раз технологическую. Его коллекция, состоящая всего из 12 нарядов и представленная в Париже в 1966 году, произвела настоящий фурор – он создавал наряды из современных материалов: пластика, металла, перьев и металлических сеток, бумаги, сухих цветов. Его работы полностью отражали дух космической эры, моды на футуризм и фантазии о техногенном будущем. Возможно, к использованию совсем не «модных» и не применяемых в моде материалов Пако Рабана подтолкнуло его образование архитектора – хотя по специальности он ни дня так и не проработал.

Пьер Бальман

Первая же коллекция Пьера Бальмана, выпущенная в 1945 году, поразила публику. Бальман воспевал забытую за военные годы роскошь, блеск и яркость. В коллекции были вечерние платья, кимоно, брючные костюмы из дорогих тканей – и все с богатой отделкой, шитьем, вышивками, кружевом. Он любил одевать женщин красиво, но без излишней экстравагантности.

Пьер Карден

Первые годы своей работы Пьер Карден посвятил созданию исключительно костюмов для театра, и только потом перешел к созданию женских и мужских коллекций. Некоторую театральность в подходе к моделированию он сохранил: главными отличительными чертами стиля Кардена были использование необычных синтетических материалов, яркие простые цвета и необычные формы – именно благодаря этому он получил негласное звание главного футуриста мира моды. Самым известным творением Кардена стало платье-шар.

Ив Сен-Лоран

Свою карьеру Ив Сен-Лоран начал с работы у Кристиана Диора, а после его смерти встал во главе дома Dior. Его коллекция 1958 года заслужила восторженные отзывы критиков, но в 60-м Сен-Лорана забрали в армию, и в моду он вернулся только через год – но уже в собственном Доме Yves Saint Laurent. Ив Сен-Лоран придумал первый женский смокинг, ввел в женскую моду множество других элементов мужского гардероба и считается основателем стиля унисекс.

Модельеры одежды - люди невероятно творческие, которые снабжают свои и чужие магазины новой соовременной интересной одеждой. Эта профессия нравится очень многим, однако не всем удается стать модельером. В данной статье мы расскажем многое об этой работе, а также о некоторых известных дизайнерах, таких как Коко Шанель, Ив Сен-Лоран и других.

Профессия дизайнера

В России человек, который работает модельером, встречается намного реже, нежели в странах Европы и в Америке. Это люди, которые не только разрабатывают декор и определяют стиль коллекции, но выбирают ткань, аксессуары и очень часто сами изготавливают придуманную одежду. Эта работа требует больших затрат сил и времени человека. Но, как и любая творческая профессия, она вызывает только радость и приятные ощущения, и в конечном итоге приносит удовлетворение.

Как и в любой деятельности, здесь есть своя специализация, есть несколько направлений, которые охватывают разные области. Модельеры одежды тоже делятся на три узких специальности. Если вы выбрали эту профессию, то можете быть модельером-конструктором, художником, а также специалистом по работе с мехом.

Конструктор

Модельер-конструктор одежды — одно из узких направлений мира моды. Специалист должен обладать многими профессиональными качествами. Он обязан чувствовать настроения людей, любить свою работу, уметь рисовать, хорошо ориентироваться в тенденциях, следить за коллекциями домов моды, знать виды тканей и многое другое.

Модельер-конструктор одежды занимается тем, что выполняет эскизы для пошива одежды. При этом если модельер-художник изготавливает эскизы на бумаге небольшого размера, то конструктор должен каждую деталь прорисовать в реальном размере. Он изготавливает лекала и выкройки. Однако на этом не заканчиваются обязанности специалиста. Ведь он должен еще участвовать в пошиве, выбирать ткань для вещи, подбирать сочетания тканей по цвету.

Обучение

Особенности этой профессии заключаются в том, что специалист обучается не 5-6 лет, а всю жизнь. Каждый год что-то меняется: появляется новая техника работы, ткани, цвета, модели одежды. Мода всегда движется вперед с огромной скоростью. Нужно успевать ловить тенденции и настрой покупателей.

Но специальное образование получить обязан модельер одежды. Обучение начинается еще в молодости. Сначала необходимо закончить среднюю школу, где хорошо обучают рисованию. Многие уходят в техникумы после 9-х классов, где обучают шитью и рисованию. После школы или техникума необходимо закончить высшее учебное заведение по своей специальности.

Модельеры одежды учатся всю свою жизнь, стараются постоянно пополнять багаж своих знаний.

Список самых известных

Среди знаменитых русских модельеров особенно выделяют Валентина Юдашкина и Вячеслава Зайцева. Среди тех, кто покорил весь мир, в первых рядах значатся следующие имена: Коко Шанель, Ив Сен Лоран, и Стефано Габбана, Кристиан Диор, Джорджо Армани и другие.

Коко Шанель

О творчестве Коко Шанель слагают легенды. Даже знаменитые модельеры одежды часто признаются в своей любви к творчеству этой женщины. Она долго шла к своей цели, но в итоге стала законодательницей моды 20 века. Сейчас ее бренд процветает, всего открыто 147 бутиков по всему миру.

Коллекции Chanel

На компанию "Шанель" работают многие модельеры одежды. Известные модельеры трудятся по несколько месяцев над одной коллекцией. Но чаще всего они придерживаются одного стиля - производят элегантную, но удобную одежду. Офисные костюмы, пальто и платья - основной ассортимент бренда.

Ив Сен-Лоран

Успешный дизайнер-модельер одежды - это именно Ив Сен-Лоран, который покорил сердца женщин своими нарядами. Некоторое время он работал на бренд "Кристиан Диор", после чего оставил его и создал свой бренд под названием YSL. Сейчас наряды от Ив Сен-Лорана стоят запредельно дорого, ровно как и косметика и парфюмерия этого бренда. Многие знаменитые модельеры одежды работали в этой компании, среди которых и Эди Слиман, который до недавнего времени был дизайнером бренда.

Коллекции Yves Saint Laurent

Коллекции бренда в основной массе интересуют ярких девушек и женщин из миры моды и бизнеса. Ведь бренд Yves Saint Laurent предлагает экстравагантные брючные костюмы ярких цветов, прозрачные рубашки, платья в африканском стиле, смокинги для женщин, кожаную одежду. Отзывы об одежде модного дома поражают. Женщины, которым дорогая одежда по карману, все чаще выбирают Yves Saint Laurent.

и Стефано Габбана

Доменико Дольче и Стефано Габбана - два чью одежду особенно сильно любят именно в России. Сейчас эти легендарные дизайнеры признаны богатейшими людьми на планете журналом "Форбс", хотя несколько лет назад, когда их дом только был открыт, они даже не могли оплатить работу моделей и звали на свои показы знакомых. По их собственному мнению, дизайнер-модельер одежды должен быть всегда идеально одет и обязательно любить свою профессию.

Коллекции Dolce & Gabbana

Элитная одежда, обувь, парфюмерия и косметика представлена в модных домах этого бренда. Стили бренда всегда разнообразны. Деловые костюмы и комбинезоны в стиле сафари - все это уживается под одной крышей. Дизайнеры всегда напоминают о том, что они не следуют моде, а задают ее. Высказывание, конечно, вызвало бурю ажиотажа, но зато это правда.

Марк Джейкобс

Современный дизайнер и владелец собственного бренда начинал свою карьеру модельера одежды продавцом в магазине. Марк окончил школу дизайна в Нью-Йорке, где был лучшим учеником. Однажды его пригласили занять пост главного дизайнера бренда Perry Ellis. Созданная молодым дизайнером коллекция в стиле гранж для этого бренда принесла Марку не только известность, но и мировое призвание. После своего головокружительного успеха Джейкобс основал фирму, которую назвал своим именем. Через несколько лет Марку предложили пост главного дизайнера в еще более престижной компании Louis Vuitton. Не так давно он прекратил сотрудничать с этой фирмой и состредоточился на развитии своей собственной компании.

Коллекции Марка Джейкобса

На сегодняшний день модный дом Marc Jacobs славится коллекцией парфюма для женщин, постоянно выходят новинки, которые невероятно востребованы и в России. Сейчас бренд находится на стадии развития. Коллекции бренда крайне необычны, практические всё яркое, чаще всего со своеобразными принтами.

Джейкобса любят и другие модельеры одежды. Известные модельеры говорят, что Марк - гений, и его ждет большое будущее.

Джанни Версаче

С самого детства будущий модельр Джанни Версаче помогал своей матери в ее небольшом магазине одежды. Там он научился подбирать к одежде аксессуары, шить, а также разбираться в тканях. Когда Джанни исполнилось 25 лет, из своего небольшого, но уютного итальянского городка он едет покорять крупный и неизвестный ему Милан. Там он выполняет работу дизайнера в двух модных домах.

Через несколько лет он представляет свою первую коллекции одежды и в этом же году основывает бренд, названный своим именем. В его деле ему помогал его старший брат, который работал администратором, а также сестра, которая отвечала за фотосессии. Пик карьеры Джанни Версаче пришелся на конец 20 века, когда его одежду покупали Мадонна и принцесса Диана.

В 1997 году Джанни Версаче был застрелен. Сейчас его бизнес возглавляет его младшая сестра.

Коллекции "Версаче"

Модный дом "Версаче" славится своими роскошными платьями, в которых актрисы и певицы появляются на красных дорожках. Среди постоянных клиентов Анджелина Джоли, которая практически на каждое мероприятие надевает платье от Versace.

Модный дом Gucci

Итальянский модельер одежды Гуччо Гуччи был основателем дома Gucci, который является наиболее успешным, и по объемам продаж занимает второе место после Louis Vuitton. Среди известных любителей бренда: Грейс Келли (княгиня Монако), которая носила шелковый шарф этого бренда, и Джеки Кеннеди (первая леди США).

Коллекции бренда Gucci часто выполнены в оттенках коричневого, зеленого и красного цветов. Одежда крайне экстравагантна, многие модели не подходят для повседневной носки.

Модный дом Burberry

Модный дом Burberry за последние годы завоевал огромную популярность, отличительным знаком продукции стала английская клетка. Основной ассортимент товаров - шарфы, сумки, одежда, что украшены этим принтом. Одежда имеет огромную популярность в Англии, Франции, Италии, Германии и многих других европейских государствах. Даже модный модельер одежды Виктория Бекхем призналась в любви к этому бренду.

10 главных имен XX века

Мис ван дер Роэ проектировал кресло для короля Испании, Алвар Аалто открыл собственную фирму по производству мебели, а Марсель Брёйер придумал первый в истории дизайна стул из гнутой металлической трубы. Архитекторы нередко создавали мебель, а многие знаковые дизайнеры XX века были архитекторами по образованию.

Losko вместе с Софт Культурой — образовательной площадкой для архитекторов и дизайнеров интерьера — рассказывает о 10 архитекторах, которые создавали предметы, ставшие иконами дизайна XX века.

Жан Пруве

Французский архитектор и дизайнер Жан Пруве остался в истории как новатор, который для всего находил простые и функциональные решения. Придуманный им лёгкий навесной фасад из металла для «Народного дома» в Клиши стал прообразом декоративных фасадов — впоследствии эта идея помогла сохранить и обновить визуальный облик самых разнообразных построек по всему миру (в том числе здания Министерства Культуры в Париже). А созданный архитектором в 1944 году Maison Démontable («Cборный дом») стал прообразом всех современных быстровозводимых мобильных домов.

Jean Prouvé, School Desk, 1946 Jean Prouvé, Cite Chair Vitra, 1930 Jean Prouvé, Standart SP

В 1924 году Пруве открыл у себя дома небольшую мастерскую по производству мебели. Уже через 20 лет она превратилась в крупную студию, выпускающую мебель в промышленных масштабах — таков был запрос непростого послевоенного времени. Придумав предмет на бумаге, дизайнер тут же старался соорудить его, а готовый вариант сначала испытывал на домочадцах. Если всем нравились стул, стол или кресло, он выпускал его серией для более широкой аудитории. Так произошло с креслом Cité, навесной полкой Rayonnage Mural и другими работами дизайнера. 

Легендарный стул Standart SP дизайнер спроектировал для конкурса на меблировку студенческого общежития в Нанси. Задние ножки кресла имеют форму конуса и сужаются книзу в противовес классическим трубчатым передним ножкам. Сиденье и спинка стула сделаны из дубовой фанеры, а его прямая форма поддерживает правильную осанку во время учёбы. Школьная парта School Desk, объединенная со стульями, — инновационный вариант рабочего стола, до сих пор популярный в некоторых школах как во Франции, так и во всём мире.

Вернер Пантон

Гений футуризма, ярких цветов и пластичных материалов, датский архитектор и дизайнер Вернер Пантон не боялся экспериментировать ни с цветом, ни с формой. Одни из первых разработанных Пантоном архитектурных проектов — холл отеля Astoria в Трондхайме и столовая для редакции журнала Der Spiegel в Гамбурге — пестрят яркими красками и геометрическими паттернами. 

Verner Panton, Flowerpot Verner Panton, Fun Verpan Verner Panton, Chair Classic Vitra

Традиционному для скандинавской культуры дереву Пантон предпочитал новые для XX-го века материалы: плексиглас, пластик, пенопропилен, фибергласс. На эту страсть к инновациям во многом повлиял Пол Хеннингсен, наставник и учитель Пантона, а также архитектор и дизайнер Арне Якобсен, в мастерской которого Вернер работал в 50-х годах. 

Одно из революционных произведений дизайнера — созданная в 1969 году жилая инсталляция Living Tower. Она стала одним из первых предметов мебели, меняющих конфигурацию в зависимости от нужд владельцев. Но главным дизайнерским увлечением Вернера Пантона были кресла и лампы: «Сидеть на стуле должно быть не только удобно, но и интересно, как в игре», — считал Пантон.

В созвучии с этим принципом появились знаменитый изогнутый стул Pantone, выпускающийся сегодня компанией Vitra, кресло в форме сердца Cone Heart, стул С1 и ещё несколько культовых моделей. Дизайнер спроектировал также более 20-ти разнообразных светильников, в том числе нарядную люстру Fun, и яркие полукруглые абажуры Flowerpot. 

Шарлотта Перриан

Французский дизайнер и архитектор Шарлотта Перриан — первая феминистка от архитектуры. Именно она ввела моду на объединённую кухню и гостиную, чтобы дать женщинам возможность одновременно общаться с гостями и следить за готовкой. В своей миниатюрной парижской квартирке она построила барную стойку, визуально разделив пространство. Для Франции XX-го века, привыкшей к отдельной маленькой кухне, куда не заходят гости, всё это было сродни настоящей революции. 

Perriand LC7 Perriand LC4 Perriand Tabouret Berger

Когда Перриан было 24 года, она пришла в студию к уже известному тогда Ле Корбюзье, чтобы устроиться на работу, но получила обидный отказ: «Мы здесь не подушки вышиваем». Совсем скоро, после Парижского Осеннего салона, где Перриан выставила свою трубчатую мебель, маэстро извинился и пригласил её на работу. 

В 20-х годах вместе с Ле Корбюзье и Пьером Жаннере Шарлотта Перриан выпускала легендарные кресла LC1, LC7 и шезлонг LС4, ставшие символами века дизайна. Там же, в студии Ле Корбюзье, где создавалась дорогая металлическая мебель, архитектор работала над тем, чтобы сделать модернистский дизайн доступным для всех. Так появились лаконичные деревянные стулья и табуреты Berger, чтобы и небогатые люди могли сделать своё жилище более аккуратным и современным. 

До конца февраля на масштабной выставке, посвящённой Шарлотте Перриан, в Парижском Фонде Louis Vuitton можно посмотреть на мебель и интерьеры, созданные дизайнером. 

Марсель Брёйер

Один из важнейших архитекторов-инноваторов середины XX века, Марсель Брёйер учился у основателей Баухауза, а затем работал скульптором и художником в одной из мастерских школы. Как архитектор Брёйер одним из первых раскрыл потенциал популярного сегодня железобетона. Он стремился создавать одновременно компактные, функциональные и приятные глазу сооружения и жилые дома. Известные во всем мире модернистские постройки, такие как музей Уитни в Нью-Йорке, жилой комплекс Дольтерталь в Цюрихе, исследовательский центр IBM во французском городке Ла-Год — всё это произведения Брёйера.

Marcel Breuer, Laccio Table Marcel Breuer, Wassily Chair

Когда архитектор работал в школе Баухауз в немецком городке Дессау, он чаще всего перемещался по городу на велосипеде. Считается, что именно стальной руль велосипеда Adler послужил вдохновением для создания мебели из стальных трубчатых конструкций. Так появилось знаменитое кресло B3, позже названное Wassily в честь друга и коллеги Брёйера — Василия Кандинского. Художнику очень понравилась модель, которую придумал Брёйер, и он попросил архитектора соорудить ему такое же кресло.

Итальянский производитель мебели Gavina, позже выпускавший кресло B3, нашёл историю симпатичной и переназвал модель в честь её первого поклонника. В серию мебели из стальных трубок также вошли стол Laccio и стул Cesca, названный Cesca в честь приёмной дочери архитектора — Франчески. Оригинальные кресло Wassily и стул Cesca с натянутой на них тканью в начале XX века напоминали настоящие конструктивистские скульптуры. 

С 1925 по 1928 год Брёйер возглавлял мебельную мастерскую Баухауза, а объекты, собранные из трубок, получили неведомую прежде популярность: дизайн не был запатентован, и подобную мебель мог произвести практически кто угодно. Так трубчатые предметы интерьера стали эталонной офисной мебелью, а стулья Cesca и Wassily вместе со столом Laccio до сих пор выпускает американская компания Knoll.

Людвиг Мис ван дер Роэ

Less is more — главный девиз и принцип легендарного американского архитектора немецкого происхождения Людвига Миса ван дер Роэ. Он первым начал строить длинные геометрические здания из стали и стекла без обилия внутренних стен, но с большим количеством естественного света и воздуха в пространстве.

MR Chair Tugendhat Villa Renovation Barcelona Chair Knoll

Именно такими, просторными и открытыми, выглядят вилла Тугендхат в Брно, Национальная библиотека в Берлине, Фарнсуорт-хаус и здание Иллинойского Технологического Института, а также многие другие постройки архитектора. Простота, минимализм, геометрия и открытая планировка зданий во многом благодаря Людвигу Мис ван дер Роэ прочно вошли в моду и до сих пор остаются актуальными. 

Когда Мис разрабатывал проект павильона Германии для Всемирной выставки в Барселоне, он знал, что павильон собирается посетить король Испании Альфонсо XII. Никакая мебель для павильона запланирована не была, однако специально для короля Испании архитектор создал знаменитое кресло Barcelona, которое позже стала выпускать компания Knoll. Другой мебельный шедевр архитектора — кресло Brno — тоже появилось, когда Мис ван дер Роэ разрабатывал проект виллы для Фрица Тугендхата и его жены Греты в Чехии.

Чарльз и Рэй Имз

Знаменитая американская пара, архитектор Чарльз Имз и его будущая жена художница Рэй Кайзер познакомились во время учёбы в Академии Художеств в Крэнбруке — в то время центре концентрации всех самых ярких представителей творческих профессий. Ректором Академии был известный финский архитектор Элиэль Сааринен, а одним из приглашённых преподавателей — основатель Баухауза Вальтер Гропиус. После окончания Академии Чарльз Имз стал главой факультета промышленного дизайна, а Рей начала рисовать обложки для популярного калифорнийского журнала об архитектуре и искусстве. 

Eames Hang It All Eames Storage Unit Eames Plastic Chair

Когда Чарльз и Рей поженились и открыли собственную мастерскую, они начали создавать удобную и функциональную мебель. Специально для международного конкурса недорогой мебели для массового производства, организованном нью-йоркским музеем современного искусства MoMA, Имзы придумали стул Eames Plastic Chair, позже ставший настоящей легендой. Его сидение повторяло форму человеческого тела и благодаря этому было максимально комфортным.

Стул поступил в продажу, однако вскоре его выпуск прекратили, так как основание было сделано из пластика, армированного стекловолокном, а этот материал быстро признали крайне неэкологичным. Только в 2000-м году, когда материал заменили переработанным полипропиленом, выпуск Eames Plastic Chair возобновился. 

Знаменитые модули для хранения Eames Storage Units, созданные парой в 1949 году, тоже стали настоящим прорывом: теперь обладатели мебели сами могли решать, какая конфигурация полок и ящиков подходит им больше. Сегодня Eames Plastic Chair, модули ESU, смешную и функциональную вешалку Hang It All и другие творения Имзов можно приобрести у компании Vitra. 

В 2011 году про Чарльза и Рэй Имзов вышел отличный документальный фильм «Имз: архитектор и художник» (Eames: The Architect & The Painter, 2011).

Алвар Аалто

«Работа гения»: так отозвался в 1939 году Фрэнк Ллойд Райт о спроектированном Алваром Аалто Финском павильоне на Всемирной выставке в Нью-Йорке. Аалто и правда был настоящим гением архитектуры и дизайна XX века: он строил здания и придумывал для них функциональную мебель, которая впоследствии активно продавалась по всему миру. 

Aalto Paimio Chair Aalto Stool 60 Aalto Tea Trolley

Алвара Аалто принято считать родоначальником модернизма в Северной Европе. Архитектор построил один из кампусов MIT в США и знаменитый санаторий в Паймио, для которого вместе с женой Айно спроектировал всю мебель: металлические кровати без острых углов, кресла для зала медитации и шезлонги для приёма солнечных ванн — чтобы туберкулёзные больные могли отдыхать на воздухе в полулежачем положении, Аалто придумали знаменитое кресло Paimio Chair. Также появился и Side table 606, изначально задуманный Айно как табурет для переобувания больных. 

Благодаря архитектурным проектам Аалто появилось множество предметов мебели. Так, трёхногие табуреты из гнутой березы Stool 60 изготовили специально для лекционного зала библиотеки в Выборге, который тогда был финским городом Виипури. Ножки в форме буквы «Г» – инновационная технология архитектора: благодаря устойчивой форме расшатать их практически невозможно, и они намного прочнее обычных ножек-колышков. А столик на колесиках Tea Trolley был сделан специально для финского павильона на Всемирной выставке в Париже в 1937 году. 

Сегодня практически всю культовую мебель, придуманную Алваром и Айно Аалто, выпускает фабрика Artek, основанная парой в 1935 году.

Геррит Томас Ритвельд

Участник лейденского кружка «Стиль» (De Stijl), нидерландский архитектор, художник и дизайнер Геррит Томас Ритвельд искал новые выразительные средства в искусстве и дизайне. Он создавал мебель, напоминающую произведения искусства, и интерьеры, вошедшие позже в список наследия ЮНЕСКО. Первая архитектурная работа Ритвельда — дом для своей возлюбленной Трюс Шрёдер в Утрехте. Он фактически перенёс в это 3D-пространство манифест сообщества De Stijl и принципы неопластицизма: мебель здесь двигается и легко трансформируется, повсюду прямые углы, а весь интерьер выполнен в классических цветах движения: красном, синем, жёлтом, белом и чёрном. 

Rietveld Table Lamp Rietveld Red Blue Chair Rietveld ZigZag Chair

Про знаменитый стул ZigZag архитектор говорил, что «это не стул, а шутка дизайнера». Впервые у такого обычного предмета мебели отсутствовали классические ножки, спинка и подлокотники. Дизайнер хотел создать полностью монолитное кресло и долго экспериментировал с металлом и древесиной, в итоге остановившись на максимально простой конструкции из 4-х фанерных листов. Позже дизайнер выпустил это кресло в других вариациях: с подлокотниками, с заниженным сидением и с перфорированной спинкой. 

Другой шедевр Ритвельда — Red Blue Chair, или Красно-синее кресло. Изначально кресло было монохромным, и лишь в 1923 году обрело узнаваемую окраску, напоминающую полотна Пита Мондриана. Светильники Hanging Lamp и Table Lamp тоже были созданы как дань течению De Stijl с соблюдением важнейших принципов неопластицизма: функциональные, практичные, геометричные. Сегодня большинство предметов, созданных Ритвельдом, выставлены в нью-йоркском музее современного искусства MoMA и амстердамском Stedelijk.

Александр Жирар

Американский дизайнер и архитектор, заядлый путешественник Александр Жирар стал одним из тех, кто отошёл от классического модернизма и модного в 60-е года монохрома. Он ввёл в моду цвет и обилие декора. Его расписные ткани, созданные для компании Herman Miller, яркие статуэтки, вдохновлённые народным искусством Мексики, Индии и Египта, разноцветная посуда — важный этап для минималистичного дизайна. 

Girard Wooden Dolls Girard Textile

Знаменитый дом актёра Ирвина Миллера, построенный Ээро Саариненом и оформленный Александром Жираром, стал прототипом нью-йоркской квартиры Дона Дрейпера в популярном сериале «Безумцы» (Mad Men). Яркая мебель, в том числе кресло №66310 для бренда Herman Miller, где дизайнер возглавлял отдел текстиля, как и многие другие дизайн-объекты Жирара, попало в коллекцию музея дизайна Vitra. 

Кроме разработки интерьеров, тканей и предметов мебели и декора, Александр Жирар также выпустил детскую книгу «Цвет» (Color), где на 26 страницах с забавными иллюстрациями дизайнер попытался рассказать детям всё о цвете.

Арне Якобсен

Настоящий перфекционист и любитель всё делать «от начала до конца», датский архитектор и дизайнер Арне Якобсен создавал полноценные архитектурные проекты с мебелью и предметами декора — например, первый в мире дизайнерский бутик-отель. Для отеля SAS Royal Hotel в Копенгагене Якобсен не только создал архитектурный проект, но и разработал всю мебель, начиная от кресел и кроватей и заканчивая пепельницами и прикроватными лампами. Специально для лобби Якобсен создал знаменитые кресла Egg («Яйцо»), Swan («Лебедь») и Drop («Капля»), а также придумал минималистский светильник A, который затем стал выпускаться для широкой продажи. 

Arne Jacobsen Table Lamp Arne Jacobsen Table Lamp Jacobsen Egg Chair

При разработке предметов мебели архитектор часто сначала лепил прототип модели из глины, чтобы точно понять, какая форма будет идеальной, и рассчитать масштабы и пропорции. 

Стулья-иконы Ant («Муравей») и Series 7 («Серии 7») Арне Якобсен соорудил с помощью инновационного метода Имзов, изогнув листы фанеры и получив таким образом предмет цельной формы. Популярные сегодня Ant и Series 7 не сразу стали модными. Лишь когда дизайнер решил заменить классический чёрный цвет на красный, белый и коричневый, их стали закупать для ресторанов, баров и других общественных пространств. Сегодня мебель, созданную по дизайну Арне Якобсена, можно заказать у датского производителя Fritz Hansen. 

Больше о вдохновляющих примерах, профессиональном развитии, современных навыках и культуре работы архитекторов и дизайнеров интерьера — на образовательных курсах и в блоге Софт Культуры. 


Посмотреть на красивые дизайнерские предметы вы можете в наших материалах, таких как:
Less is more: Культовые предметы школы Баухауз или Русские дизайнеры: 7 талантов в области предметного дизайна.

Также следите за нами в социальных сетях, чтобы не пропускать новые материалы: Вконтакте, Facebook, Telegram, Instagram. Если вы цените свой и чужой труд, то всегда можете поддержать нас финансово на Patreon.

10 знаковых дизайнеров ювелирных украшений XX века

Ли Сигельсон знает про драгоценности все. Ювелир в третьем поколении, он посвятил много лет оценке, коллекционированию и продаже винтажных украшений выставочного уровня в своем офисе на Пятой авеню. Его дед Луис открыл семейное дело в 1920 году, и со временем фамильная коллекция разрослась до впечатляющего собрания, которое сегодня считается одним из наиболее заметных в международном сообществе ювелиров.

Многие экземпляры этой коллекции были проданы или выставлялись в лучших музеях, включая Национальный музей дизайна Купер-Хьюитт и Смитсоновский Институт. Специально для Robb Report Сигельсон создал краткий курс по истории ювелирного искусства от Колдера до Van Cleef; рассказал, какая брошь была любимой у Жанны Буавен и что общего у авиационного проектирования с работами Жана Депре. Запомните несколько фактов, чтобы блеснуть в разговоре на какой-нибудь светской вечеринке.

Сюзанн Бельперрон

Сюзанн Бельперрон можно назвать главным ювелиром всех времен и народов. Ее стиль легко считать. Собственно, она никогда и не подписывала свои работы, руководствуясь девизом: «Мой стиль — моя подпись». Бельперрон отличало использование необычных резных самоцветов (розового кварца, горного хрусталя и халцедона) в браслетах и кольцах. Она также старалась изобрести сложносочиненные закрепки для камней с разнообразными огранками. Каждая оправа подбиралась вручную, чтобы идеально вписать конкретный камень.

Это нагрудное колье в стиле модернизма, паве из овальных рубинов с бриллиантовыми вставками (ок. 1945 г.), — знаковое украшение Belperron. И хотя сперва может показаться, что рубины и бриллианты разбросаны здесь в случайном порядке, на самом деле дизайнер выбирала место для каждого камня с максимальной точностью. Так художник-импрессионист создает прекрасное целое из хаотичного набора мазков. В результате украшение передает ощущение переливающейся водной глади.

Бельперрон поклонялись и продолжают поклоняться многие дизайнеры, фэшн-редакторы и поклонники высокой моды. Дейзи Феллоуз, Эльза Скиапарелли, Диана Вриланд, Уоллис Симпсон и Карл Лагерфельд — вот лишь некоторые имена из списка коллекционеров ее работ.

Boivin/Буавен

Жанна Буавен, возглавив фирму после смерти мужа в 1917 году, стала настоящей герцогиней мира моды и ювелирного искусства. Женщина, стоявшая у руля известной ювелирной компании, была сестрой Поля Пуаре — кутюрье, изменившего моду благодаря своим новаторским моделям 1910−1920-х годов.

Жанна дала старт карьере Сюзанн Бельперрон, а также работала с Жюльетт Мутар. Трио этих женщин создало несколько важнейших ювелирных работ с узнаваемо плавными очертаниями, зачастую подсмотренными у природы.

Брошь в форме морской звезды с рубинами и аметистами (1937 г.) — лучший образец дизайна под маркой Boivin, и у самой Жанны это изделие было любимым. Его приобрела звезда Голливуда 30-х годов Клодетт Кольбер, прославившаяся оскароносной ролью в фильме «Это случилось однажды ночью». С этой брошью она снялась для журнала Photoplay в 1939 году.

Более поздняя версия морской звезды была у Миллисент Роджерс — светской львицы и наследницы нефтяной империи. С морской звездой она позировала для Vogue, и это была одна из четырех публикаций с 1937 по 1945 годы, в которых засветилось это украшение — неслыханная популярность для журнала, который всегда был в авангарде моды.

Cartier

Мало кто из ювелирных домов создал больше выдающихся произведений, чем Cartier. Зачастую их украшения отражают целую эпоху или стиль. Нет такого материала или камня, который бы не покорился мастерам марки. В столетней история династии Картье нашлось место и доступным столовым приборам из серебра, и шедеврам, сделанным на заказ для махараджей и королевских домов Европы. Дом нанимал лучших мастеров, давая им доступ к обширной библиотеке книг по искусству и персидской миниатюре для вдохновения.

Подобный браслет в стиле ар-деко с бриллиантами, жемчугом, изумрудами и ониксом (ок. 1925 г.) мог бы купить самый взыскательный клиент. И дизайн, и исполнение превосходны! Черный лак делает предмет современным, а узор с трилистником отсылает к экзотическому орнаментальному стилю. Зеленые изумруды выделяются на строгом черно-белом фоне, а переливающиеся жемчужины становятся их обрамлением. Такое украшение могли сделать только в Cartier, и когда держишь браслет в руке, понимаешь, что в нем нет ни единой лишней детали — все продумано идеально.

Van Cleef & Arpels

Дом Van Cleef & Arpels известен чрезвычайно элегантными творениями. Его мастера особенно преуспели в использовании необычной огранки и дизайнерских ноу-хау - таких как невидимая оправа, ювелирный минодьер и колье в виде застежки-молнии. Особенно красивы изделия с камнями фирменной огранки «маркиза» под названием navette.

Это колье из платины с бриллиантовой «бахромой» (1948 г.) демонстрирует мастерство, с которым дизайнеры VCA сочетают различные огранки, чтобы подчеркнуть геометрию камней. Это поразительное произведение — квинтэссенция роскоши, но при этом выглядит современным и носибельным.

Boucheron

С самого основания в 1858 году компания Boucheron неизменно привлекала внимание на международных выставках благодаря продуманному и смелому дизайну. На Всемирной выставке в Париже в 1925 году Дом показал целую композицию из украшений c подогнанными по размеру футлярами из розовой шагреневой кожи. Геометрические рисунки для них были созданы специально к выставке (в коллекции Siegelson есть браслет в единственном из известных сохранившихся футляров).

Этот браслет в стиле ар-деко с бриллиантами, эмалью и драгоценными камнями (создан к выставке 1925 г.) — один из важнейших образцов ювелирного дизайна. Стивен Харрисон, куратор департамента декоративного искусства в Художественном музее Кливленда, комментирует: «В Boucheron создали уникальный браслет, новаторски используя сочетание осмия с рубиновыми, сапфировыми и изумрудными кабошонами, образующими рисунок пузырьков на поверхности воды».

Революционный дизайн этой работы заключается в геометричном расположении камней, которые будто скользят, заезжая под бриллиантовую рамку. Черные трубки, покрытые эмалью, закреплены по диагонали и создают эффектный зеркальный фон для цветных камней.

Gérard Sandoz/Жерар Сандоз

Жерар Сандоз создавал свои фантастические ювелирные украшения в период расцвета ар-деко — с 1920 по 1931 годы. Его знали как кутилу и завсегдатая вечеринок в Maxim’s, а со временем он и вовсе променял семейный ювелирный бизнес на скромную кинокарьеру.

Созданные им украшения — сложная геометрия, воплощенная в различных материалах, цветах и текстурах. Ничего подобного больше никто не делал. Сам Сандоз говорил так: «Можно сотворить прекрасное ювелирное украшение из одного золота, а можно — ужас из моря бриллиантов».

Дизайн этой геометричной броши (ок. 1927 г.) вдохновлен механизмами, которые так любил Сандоз. В центре — платиновый стержень, пронизывающий преломленный золотой прямоугольник с шестеренками из золота и оникса. Фон для центрального композиции — треугольник c элементами из матового горного хрусталя и бриллиантовым паве. В данном случае Сандоз вывернул наизнанку все правила: он использовал бриллианты в качестве фона, а в центр композиции поставил полированное золото, создав действительно выдающийся образец дизайна.

Jean Després/Жан Депре

Жан Депре родился в семье ювелиров, а в годы Второй мировой участвовал в проектировании самолетов, что сказалось на его творчестве. Депре вошел в историю ювелирного дизайна благодаря украшениям, инспирированным механизмами, которые получили название bijoux-moteurs (украшения-механизмы).

Этот серебристо-черный лакированный браслет (ок. 1931 г.) — образцовый пример дизайна эпохи модернизма, объединяющий эффектную простоту и индустриальный узор. Отделка напоминает зубцы шестеренки, а сам браслет сужается, чтобы повторить форму запястья. Эта изящная деталь дизайна подсказывает, что массивный браслет создавался с мыслью о том, как он будет носиться и выглядеть на руке.

Jean Dunand/Жан Дюнан

Жан Дюнан — один из главных дизайнеров эпохи ар-деко, известный прежде всего своей лакированной мебелью, предметами декора и ювелирными украшениями. Ему поручали декорировать лаковыми панелями роскошные салоны грандиозных океанских лайнеров (таких как «Нормандия»).

Не ограничиваясь декоративно-прикладным искусством, Дюнан писал портреты, на которых зачастую можно обнаружить изображения его ювелирных работ. Два года назад на аукцион был выставлен изящный портрет его наставницы мадам Анье, на котором она изображена в колье с жирафовым мотивом.

«Жираф» — знаковая работа Дюнана, отсылающая к конкретному периоду 1920-х, когда мастера начали отходить от классического использования драгоценных материалов в сторону более современного дизайна. Схожая модель была и у Жозефины Бейкер — музы Дюнана. На знаменитом портрете для Vanity Fair она позировала в «жирафовом» комплекте (и это практически все, что на ней было).

Этот комплект — 6 предметов из ореума с красной и черной лакировкой — самый большой из тех, что есть на рынке. В Парижском Музее декоративного искусства, а также Метрополитен-музее хранятся комплекты поменьше.

Paul Flato/Пол Флато

Пол Флато был главным ювелиром звезд: его работы украшали элиту Голливуда. Свою компанию он основал в Нью-Йорке в 1928 году, а в 1937 открыл магазин в Лос-Анджелесе. Его образный стиль, часто с изрядной долей иронии, особенно расцвел в 1930 годы, когда дизайном украшений занимались такие мастера, как Адольф Клити, Джордж Хедли и герцог Фулько ди Вердура.

Среди эффектных украшений Флато — бриллиантовые перья, руки, держащие букет, и брошь в виде сундука, набитого драгоценностями.

Завсегдатаями его ателье были Джоан Кроуфорд, Марлен Дитрих, Вивьен Ли и главные голливудские герои — Дуглас Фэрбенкс, Лоренс Оливье и Орсон Уэллс. В его украшениях Кэтрин Хэпберн появлялась в фильме «Праздник», Грета Гарбо в «Двуликой женщине», а Рита Хейворт — в картине «Кровь и песок».

В этом колье, созданном для жены композитора Коула Портера (ок. 1935 г.), Вердура превратил практичный элемент одежды, ремень, в сногсшибательное ювелирное произведение с аквамаринами и рубинами. Поистине незаурядный ход в эпоху, когда большинство ювелиров выпускали цветочные или геометрические украшения! Ожерелье так хитро сконструировано, что выглядит как завязанный в узел ремень, который можно носить как прямо, так и сдвинутым набок, как в съемке Vogue 1944 года.

Alexander Calder/Александр Колдер

Александр Колдер больше известен своими «мобилями» и скульптурами, которые приходят в движение от порыва ветра или прикосновения, но ювелирное дело было его самым личным и долговечным увлечением. В украшениях Колдера — те же изящество и стиль, а также характерная ковка по металлу, что и в более масштабных конструкциях. Его ювелирные образцы — нетривиальные, но утонченные — были в коллекциях таких модных любителей искусства, как Пегги Гуггенхайм, Мэри Рокфеллер и Миллисент Роджерс.

Эта брошь «Шесть кругов» из латуни и стали (ок. 1940 г.) передает то же движение, что и его мобили, а динамика геометрического рисунка напоминает о литографиях, в которых он часто изображал множество переплетающихся окружностей.

Элизабет Арго, куратор нашумевшей выставки «Ювелирные украшения Колдера» так описывала его творения: «Пространство. Это все про освоение пространства. И Колдер воспринимает тело как „заземляющий элемент“. Это не означает, что тело портит всю задумку — нет, просто оно становится частью произведения искусства, как только вы его надеваете».

Материал впервые опубликован 22 ноября 2018 года.

Уругвайский графический дизайн середины XX века доказывает, что для креатива важны ограничения

Добавьте слово «дизайн» к названию страны – и вы сразу представите себе образ или эстетику. Скандинавский дизайн – спокойный, разумный минимализм; голландский дизайн – смелый, часто концептуальный подход. Если вы услышите что-то про Швейцарию, то подумаете о строгой типографике.

Увы, у нас нет таких ярких ассоциаций с уругвайским дизайном. Но, как свидетельствует платформа Gráfica Ilustrada del Uruguay (GIU), история графического дизайна в Уругвае захватывает и заслуживает изучения. Вы наверняка слышали о дизайнерах из Южной Америки меньше, чем их американские и европейские коллеги. Долгое время – почти до конца XX века – графический дизайн в Уругвае не признавался термином (тем более профессией).

На все это накладывалась нехватка материалов и инструментов – из-за экономических кризисов, которые переросли в переворот 1973 года.

Поиском истории дизайна занимается дизайнер

Главный вывод из предыдущего абзаца: то что вы не знаете об уругвайском дизайне, не значит, что его нет. Долгие годы дизайнер Мартин Азамбужа находил работы уругвайских дизайнеров середины века на Flickr и в различных блогах. Именно он и стал основателем GUI – Мартин просто хотел продемонстрировать свои находки и рассказать об истории дизайна.

«Если вы учились дизайну в Уругвае, то почти не ориентировались на местные работы. Мы не понимаем и не можем оценить эпоху целиком».

Вместе с несколькими друзьями из собственной студии Estudio Mundial, Азамбужа приступил к созданию платформы, которая демонстрирует старую и редкую графику родом из Уругвая. Период – от 1950 до 1980 года.

Некоторые дизайнеры этого периода все же добились некоторого признания, но о большинстве из них не слышали даже в Уругвае. Во-первых, это произошло по естественным причинам: многие дизайнеры эпохи уже скончались, оставив свои работы либо на попечение семей, либо их просто потеряли из-за времени.

Еще одна причина – сильный крен уругвайского образования в сторону США и Европы.

Когда я учился в университете, некоторые из моих учителей узнавали найденные мной работы – авторами были их друзья или знакомые. Но их работы нигде не публиковались, – рассказывает Азамбужа. – Долгое время нашу работу не признавали, а потому и в истории ее нет.

Чтобы найти больше работ середины прошлого века, Мартин изучал все: от принтов на пластинках до слухов от знакомых дизайнеров. Ситуацию упростил географический факт: Уругвай – маленькая страна, поэтому найти общие контакты с нужными людьми было гораздо проще.

«Мы находили дизайнеров, которые знали других дизайнеров – и так по цепочке до людей, который занимались креативом несколько десятилетий назад».

Но почему именно эти три десятилетия?

«Estudio Mundial увлекается смешением графического дизайна и иллюстраций – именно этим занимались художники той поры, – говорит Азамбужа. – Выразительность рисунка усиливает нашу идею, что рисунок может нести много разных аспектов и что его можно использовать как основу графического дизайна.

Для нас было очень важно взглянуть на работу, сделанную в докомпьютерную эпоху. Кажется, после появления ПК все ушли в другую сторону. Дизайнеры начали играть с градиентами, эффектами и подобными вещами, но мы всегда предпочитали работу, созданную до компьютеров».

Этот подход виден во многих работах, которые Азамбужа собрал в свою коллекцию. Например, плакат с изображением Христа, открытки с Санта-Клаусом и многое другое.

Несмотря на закрытость Уругвая, эти работы создавались не в вакууме. В архиве можно найти много работ, созданных под польским влиянием – в Южной Америке много мигрантов из Польши. Азамбужа также предполагает, что румынский мультипликатор Саул Стейнберг, наиболее известный своими работами для The New Yorker, оказал большое влияние на то, как уругвайские дизайнеры подошли к цвету, композиции и дизайну персонажей. В работе также угадывается типографика, пришедшая в то время в Уругвай из Италии, Франции и Испании.

Возможно, главное событие, о котором сообщали уругвайские дизайнеры середины 20-го века – это ограничения, с которыми они столкнулись. Один из наиболее известных уругвайских дизайнеров Орасио Аньон известен тем, что использовал ярко-оранжевый цвет – но не потому, что он ему нравился. Просто он получался лучше при печати, а других вариантов особо не было.

«Чернила приходили им в огромных банках и были всего нескольких цветов. Поэтому особо выбирать не приходилось – приходилось проявлять фантазию и смешивать, экспериментировать».

Это «творчество в ограничениях» хорошо иллюстрируется на плакате для Hot Club (выше).

«Он обладает огромной силой: один цвет, потому что других нет, дает больше, чем разнообразие. А еще мы буквально видим музыку».

Графические дизайнеры даже не использовали термин «графический дизайн» – вместо этого считали себя мультипликаторами. Они начали использовать термин, увидев его в немецком журнале Novum.

«Их ограничения излучают очень мощный и узнаваемый собственный язык, – добавляет Азамбужа. – На них дизайнеры построили свою работу, и это отличный урок».

Источник

Еще немного истории:

Видео подборка: история современного искусства и дизайна

Фотопроект: татуировки исчезают при мокроколлодионной фотографии

Как зарождалась современная каллиграфия

33 женщины, которые делают невероятные вещи в графическом дизайне

Эти талантливые женщины раскрыли свои творческие способности и умения в мире графического дизайна.

Знаете ли вы, что Кэролин Дэвидсон разработала логотип Nike в 1971 году? Или что Сьюзен Кэр разработала многие оригинальные элементы интерфейса Apple Macintosh? С талантом, самоотверженностью и креативом, льющимся через край, женщины есть, и всегда были убийственны в графическом дизайне.

Мы составили список еще 33 женщин, которые оставили след, и продолжают это делать, в мире графического дизайна, во многом благодаря удивительным визуальным коллекциям, статьям, ссылкам на интервью на сайте Women of Graphic Design, который содействует продвижению работ графических дизайнеров женщин.

01. Пола Шер

Пола Шер — американский графический дизайнер, иллюстратор, преподаватель, и первая женщина, которая стала главой в Pentagram. Она начала экспериментировать с типографикой в начале 1980-х, и обращалась к историческим источникам дизайна,таким как Русский Конструктивизм, неизвестные и редко используемые шрифты, и ее, кажется, неограниченную фантазию.

Пола Шер

02. Лета Собьеражски

У многопрофильного дизайнера и арт-директора Леты Собьеражски блестящее портфолио, которое включает в себя работы для таких громких имен клиентов, как Target, UNIQLO, Tate Modern, Bloomberg Businessweek и Google. У нее игривый, красочный стиль, который очень сложно назвать скучным.

Лета Собьеражски

03. Цзин Чжан

Работы Цзин Чжан яркие и игривые, ее стиль дизайна и иллюстраций переносит сложные идеи в цифровые изображения. Они одновременно сложные и простые, сочетают разные детали, инфографику и миниатюрные миры.

Цзин Чжан

04. Ванесса Экштейн и Марта Катлер

Ванесса Экштейн основала Blok в 1999, и позже пригласила присоединиться Марту Катлер, у которой уже был опыт работы в таких рекламных агентствах, как MacLaren McCann и DDB. Они создают разнообразные и значимые проекты, а их простой и элегантный стиль лег в основу концептуального мышления бренда.

Blok design

05. Индре Климайте

Литовка Индре Климайте сейчас живет и работает в Нидерландах. «Со смелым и графическим стилем должна быть только одна визуальная идея, но она должна быть достаточно сильной, чтобы не казаться скучной и предсказуемой» — говорит Индре.

Индре Климайте

06. Джессика Уолш

Джессика Уолш рвет Bēhance с более чем 130000 подписчиками, в качестве одного из партнеров Sagmeister Walsh. Ее работы получили множество наград: журнал Forbes выбрал ее в свой рейтинг «30 моложе 30», а Art Director’s Club наградили ее «Young Guns».

Джессика Уолш

07. Дебби Миллман

Дебби Миллман хозяйка подкаста «Design Matters» и директор по дизайну в Sterling Brands, где она работала над редизайном более 200 брендов, включая Pepsi и Nestle. Graphic Design USA по праву назвал ее «одним из самых влиятельных, работающих сегодня, дизайнеров».

Дебби Миллман

08. Джессика Хиш

Джессика Хиш одна из самых потрясающих женщин, которых Дебби приглашала в свой подкаст «Design Matters». Она иллюстратор и дизайнер шрифтов, аWes Anderson и Penguin Books среди многих других ее клиентов.

Джессика Хиш

09. Кьяра Алиотта

Выступая на Awwwards Conference в Амстердаме в январе 2016, Кьяра возглавляет дизайн-студию Until Sunday и работает бренд менеджером в Joomla!. Ее работы отражают ее любовь к красоте типографики и веру в дизайн.

Кьяра Алиотта

10. Сара Борис

Сара Борис из Лондона завоевала свое признание в некоторых культурных центрах Великобритании, включая Barbican Centre, Tate, the Architecture Foundation, и Gasworks. Ее сильное портфолио включает в себя визуальную айдентику, графические выставки, дизайн изданий, книжный дизайн и многое другое.

Сара Борис

11. Цзяни Лу

Цзяни Лу обладательница множества наград, Канадский многопрофильный дизайнер и фотограф, которая специализируется на брендинге, печати, и информационном дизайне. Ее стиль легкий, элегантный и современный, потому что она использует пространство в свою пользу.

Цзяни Лу

12. Келли Андерсон

Набирая подписчиков на Dribbble, Келли Андерсон любит экспериментировать с новыми способами создания изображений. Она рисует, фотографирует, создает гравюры, пишет код, и даже работает на своей собственной печатной машинке 1919 года, а также с другими гаджетами и устройствами.

Келли Андерсон

13. Лотта Ниеминен

Родом из Хельсинки, Лотта Ниеминен работала в Pentagram и RoAndCo прежде чем создать свою собственную студию дизайна в Нью-Йорке. Побеждая в многочисленных номинациях, и получая множество наград, ее список клиентов включает в себя Google, Hermès, United Airlines, и Volkswagen, а также ряд известных изданий.

Лотта Ниеминен

14. Рэйвин Брэндон

С более чем 42000 подписчиками на Bēhance, Рэйвин Брэндон просто обязана делать что-то потрясающее. На самом деле она освоила искусство графики и макетов настолько, что представляла творческое направление и дизайн (вместе с Матиасом Кореа) в Super-Modified: The Bēhance Book of Creative Work.

Рэйвин Брэндон

15. Нина Геометриева

Нина Геометриева также добивается успеха в мире графического дизайна. Талантливый дизайнер и иллюстратор соединяет в своих работах геометрические формы и яркие цвета, для легкого и привлекательного визуального стиля.

Нина Геометриева

16. Верена Мичелитч

Верена Мичелитч делала первые шаги в Sagmeister & Walsh, Pentagram, и RoAndCo, прежде чем стать директором по дизайну в Sid Lee NY. В ее работах присутствует сильный акцент на линии, поскольку она создает сложные рисунки с линейной графикой и паттернами с большим количеством свободного пространства.

Верена Мичелитч

17. Тереза Сдралевич

Уроженка Италии, Тереза Сдралевич — дизайнер и иллюстратор постеров, которая сейчас живет в Брюсселе. С опытом работы в области политологии, в своих работах она обращается к социальным, политическим и культурным темам, создавая смелые плакаты, которые совмещают в себе образы и лозунги с максимальным воздействием.

Тереза Сдралевич

18. Трэйси Ма

Как заместитель креативного директора в Bloomberg Businessweek, Трэйси Ма занимается дизайном журнала, создавая потрясающую графику, которая сопровождает нелицеприятые истории. Ее работы были признаны Type Directors Club, Print magazine, а также Society of Print Designers и другими.

Трэйси Ма

19. Фанетт Мелье

Фанетт Мелье дизайнер из Парижа, которая работает с яркими и абстрактными цветами. От дизайна до высокого искусства, ее работы украшают журналы, графические фестивали и художественные музеи, в том числе Центр Помпиду в Париже.

Фанетт Мелье

20. Анна Кутс

Анна Кутс недавняя выпускница, у которой уже есть сильное портфолио. С большим интересом к дизайну логотипов, ее работы разнообразные и утонченные, которые сочетают в себе текстуры, приятные цвета и акценты на линии.

Анна Кутс

21. Бекка Клейсон

Как художник шрифтов и мультипликатор, Бекка Клейсон создает типографику, используя еду, продукты и другие предметы. Не стоит говорить, что ее Instragram — это нечто. Даже Time Out New York, The Washington Post, Denny’s и American Express признали вкус Бекки в дизайне.

Бекка Клейсон

22. Алекс Проба

Родилась в Германии, а сейчас живет в Нью-Йорке, Алекс Проба — графический дизайнер, иллюстратор и арт-директор — создала Studio Proba после того, как работала арт-директором в Kick Starter. Живое доказательство того, что ежедневная практика — залог успеха. 30 минут в день Алекс посвящает своему проекту «Плакат в день».

Алекс Проба

23. Вероника Фуэрте

Вероника Фуэрте входит в состав талантливого трио из Hey Studio. Студия создает потрясающие работы с акцентом на цвет, геометрию, сильные и мощные идеи, и в подавляющем большинстве случаев несут позитив.

Вероника Фуэрте

24. Моника Ленг

Иллюстратор и графический дизайнер Моника Ленг специализируется на проектах, связанных с культурой, таких как фестивали и выставки. Овладев искусством цвета, Моника играет с оттенками, которые структурируются и/или тонко переплетаются, не теряя при этом динамичности.

Моника Ленг

25. Катарина Медич

У Катарины Медич четкий и методичный подход к дизайну, и большой интерес к системам и новым технологиям. Ее страсть к взаимодействиям дизайна выражается в ее смелых и ярких работах по айденике, UI-дизайну и редакционному дизайну.

Катарина Медич

26. Анаис Бурде

Анаис Бурде графический дизайнер и арт-директор с сильным и разнообразным портфолио, которое включает в себя редакционный дизайн, брендинг, дизайн упаковок и иллюстрации. Анаис создает проекты, заточенные под каждого клиента, а цвет объединяет все ее работы.

Анаис Бурде

27. Шанти Сперроу

Шанти Сперроу создает красивые плакаты, брошюры и многое другое для крупных и для некоммерческих организаций. Ее дизайну характерны сетки и диагональная геометрия, которые становятся ясной и потрясающей визуальной коммуникацией.

Шанти Сперроу

28. Кейлин Уолкер

Дизайн Кейлин обладает отчетливым женственным стилем, который прекрасно работает в области моды. Теплые и мягкие цвета привлекательны и романтичны, а все ее работы обращают внимание на природные текстуры в фотографиях.

Кейлин Уолкер

29. Стинн Вилхелмсен

Специализируясь на digital-дизайне, датчанка Стинн Вилхелмсен — старший дизайнер и арт-директор в Red Antler в Нью-Йорке. Ее работы постоянно стремятся разорвать стандарты и ограничения дизайна. Она не боится экспериментировать с яркими цветами и пустым пространством.

Стинн Вилхелмсен

30. Марта Гавин

Марта Гавин заслуженно получила ряд наград за свою короткую карьеру многопрофильного графического дизайнера. Она использует концептуальный и логический подход к дизайну, отталкиваясь от контента, а также рассматривает графический дизайн как поле визуального исследования и экспериментов.

Марта Гавин

31. Лора Пол

Дизайнер-самоучка (в настоящее время посещает Международный Университет Майами Искусства и Дизайна), Лора Пол обладает минималистичным стилем, который подчеркивает артистизм ее работ. Ее работы утонченные и элегантные, что кажется, будто она вообще не прикладывает усилий, создавая их.

Лора Пол

32. Марта Велудо

В отличие от Лоры, стиль Марты очень яркий и игривый. Вдохновленный поп-культурой и народным искусством, и дополнен цветом и композицией (и не только). Марта создает дизайн для Adidas, Reebok, и Lego, сочетая разные средства и подходы для создания потрясающей атмосферы.

Марта Велудо

33. Вики Тернер

Вики Тернер обладает стилем в иллюстрациях, который напоминает дизайн средны века, в частности работы великого Александра Жирара. Ее стильдетальный и компактный, с сильным чувством геометрии и приятными цветовыми комбинациями.

Вики Тернер

Эти женщины лишь небольшая часть талантливых дизайнеров, которые работают в индустрии дизайна, где доминируют мужчины. Их превосходные работы являются отражением их таланта, выражением из творчества и мастерства. Их можно найти на Behance, читать на Twitter, и смотреть их фотографии в Instagram, и вдохновляться ими и еще многими женщинами из мира дизайна.

Лучшие модельеры ХХ века

Лучшие модельеры ХХ века

Женщины-модельеры проявили себя на протяжении всего ХХ века, зарекомендовав себя мастерами-предпринимателями и художниками. Выражая себя с начала 1900-х годов до тысячелетия, многие из представленных ниже женщин играли жизненно важную роль в моде, дизайне и меняющемся мире женщин на протяжении всего этого времени.

Жанна Ланвин (1867-1946)
Начав с малого, шить одежду для детей в подростковом возрасте, карьера и империя Lanvin как модельера резко выросли в 1920-е годы.Создавая мех, парфюмерию, красильную фабрику, а также одежду и нижнее белье, Lanvin был крупным дизайнером и предпринимателем.
Известна тем, что добавляет индивидуальности каждому дизайну и блестящим глазом на синий (Lanvin Blue - популярный цвет), Жанна Ланвин вдохновляет и сегодня.

Жанна Пакен (1869–1936)
Французский модельер, Пакен по-прежнему считается современным и современным. Будучи одной из первых женщин-кутюрье, она оказала огромное влияние на модный бизнес и вдохновила многих женщин.
Она демонстрировала талант с раннего возраста и еще в подростковом возрасте стала премьерой в Rouff.
Пакуин зарекомендовала себя как вдохновляющая деловая женщина; Фактически она была первым модельером, одевавшим моделей в свою одежду. Ее фирменный красный цвет одежды и поразительное использование черного оттенка с яркими цветами выделялись в операх и скачках.

Коко Шанель (1883-1971)
У этого очень известного французского дизайнера яркая империя парфюмерии, сумок и украшений, а также одежды.Теперь она фигурирует в биографических фильмах и книгах. В эпоху после Первой мировой войны Шанель уважали за то, что она сделала повседневный шик женским эталоном. Считается, что она освободила женщин от традиционной тесной и неудобной одежды, которая предшествовала этой тенденции.

Эльза Скиапарелли (1890-1973)
Работая в 20-м веке как один из крупнейших представителей моды, по сравнению с Коко Шанель, ее соперницей в индустрии, Эльза Скиапарелли подняла мир дизайна на новый уровень.Вдохновленная движением DADA того времени, Скиапарелли играла с сюрреализмом в своих проектах, создавая новаторские и современные работы.

Клэр Маккарделл (1905-1958)
В 1930-х годах Маккарделл стала известной в индустрии моды, создавая одежду свободного кроя, более практичную, чем многие другие женские стили. Она известна как новатор спортивной одежды, особенно американской спортивной одежды.

Дама Барбара Мэри Квант (1934)
Инструментальная фигура стиля 1960-х, она считается одной из самых влиятельных женщин эпохи свободной любви с ее освобождением женщин, проиллюстрированным цветом и модой.Квант был одним из первых дизайнеров мини-юбки и шорт-брюк и популяризировал стиль Mod. Этот забавный образ был синонимом перемен 1960-х годов и до сих пор является неотъемлемой частью многих образов 21 века.

Дама Вивьен Изабель Вествуд (1941)
Вивьен Вествуд - первый дизайнер, который приходит на ум людям, когда они думают о крупнейших британских модных художниках в мире, которые все еще работают сегодня и прославились в 20 веке.
Она раздвинула границы моды в 1980-х, выводя на улицы и подиумы панк и стили новой волны. Сегодня Вествуд по-прежнему является новатором, а также голосом за права человека и изменение климата.

Рей Кавакубо (1942)
Однажды процитировали Кавакубо, скромную женщину, за то, что она не считала себя иконой, что противоречит большинству мнений в мире моды.
Ее популярные стили включают в себя слои, оборки и сопоставленные ткани и узоры, завоевавшие множество поклонников и награды за огромное наследие, охватывающее последнюю половину 20-го века.

Многие из этих женщин и дальше будут вдохновлять дизайнеров в 21 веке и далее. Многим теперь еще больше приписывают их роль на протяжении всего 20-го века, поскольку мы все больше и больше осознаем важность дизайна на протяжении веков для нашей идентичности и свободы.

Телефон

01525 2

Woburn

Только по предварительной записи

с понедельника по пятницу
Первый прием 9 утра,
Последний визит 4.30 вечера
Суббота
Первая встреча 9:00,
Последняя встреча 14:00
  • В нерабочее время по особым условиям
  • Бесплатная автостоянка

Savile Row Часы работы

Только по предварительной записи

5 лучших дизайнеров 20 века

Составить списки всегда сложно. Вы чувствуете, что упускаете из виду важные вещи, и это заставляет задуматься, а не поступаете ли вы несправедливо.В любом случае, эти 5 дизайнеров, несомненно, повлияли на профессию, которая становится все более привязанной к новым инструментам и технологиям. Эти 5 показали, что самым важным инструментом дизайнера была и всегда будет способность творчески общаться.

1. Пол Рэнд

Известный профессионал, Пол Рэнд работал с такими крупными корпорациями, как IBM, ABC, Enron, Ford и NexT. Во всем этом Рэнд продемонстрировал США принципы европейского модернизма, объединив русский конструктивизм, голландский де Стейл и немецкий рационализм Баухауза.Его сдержанный дизайн стремится к простоте, не подрывая коммуникабельность логотипа. По его собственным словам, «дизайн прост. Вот почему это так сложно ».

2. Сторм Торгерсон

Родившийся в Соединенном Королевстве, этот недавно скончавшийся графический дизайнер был известен созданием обложек Pink Floyd. такие как «Темная сторона луны».Образный, творческий и сюрреалистический, его стиль сделал его ведущим художником своего времени. Помимо работы с Pink Floyd, Торгерсон сотрудничал с Led Zeppelin, Peter Gabriel, Phish, Styx, The Cranberries и Muse и другими.

'Темная сторона луны' (1973) Pink Floyd

'Животные' (1977) Pink Floyd

'Желаю вам быть здесь '(1975) Pink Floyd

' The Division Bell '(1994) Pink Floyd

' Peter-Gabriel '(1978) Peter Gabriel

Похороните топор »(1999) The Cranberries

« Черные дыры и откровения »(2006) Muse

3.Шигео Фукуда

Фукуда родился в Токио в 1932 году в семье, посвятившей себя изготовлению игрушек. Его детство было отмечено Второй мировой войной и поражением Японии, что повлияло на мирный социальный характер его работы.

После войны он учился в Токийском университете искусств, который окончил в 1956 году.

Фукуда стал мастером плаката, в этой области он экспериментировал с оптическими иллюзиями в стиле М.С. Эшер и другие, смешивая японскую традицию оригами с мощным графическим стилем, основанным на черной иллюстрации на ярком ярком цветном фоне.

4. Милтон Глейзер

Мысли Милтона создали некоторые из самых важных дизайнов США. Он был соучредителем Pushpin Studios и создал вместе с Клэем Фелкером известную обложку журнала New York Magazine. Вместе с Уолтером Бернардом он работал в WBMG, где занимался редизайном таких газет, как The Washington Post, La Vanguardia и O’Globo.

Его талант выставлялся в различных галереях и постоянных коллекциях за пределами США. По словам художника, его проекты не придерживаются определенного стиля, а в целом характеризуются прямыми, простыми и оригинальными концепциями. Одно из самых известных его творений - знаменитый логотип «Я люблю Нью-Йорк».

5. Сол Басс

Его имя фигурирует в лучших записях в истории его композиций в фильмах для Альфреда Хичкока (Психо, Север через северо-запад) и Мартина Скорсезе ( Goodfellas) среди других.Можно сказать, что Сол Басс ввел движение в графический дизайн, предсказав важность анимированной графики для изобразительного искусства. Как будто этого было недостаточно, Басс также отвечает за некоторые из самых знаменитых в мире постеров к фильмам и некоторые из самых известных корпоративных логотипов всех времен.

Заголовки Сола Басса для Альфреда Хичкока из MovieTitles на Vimeo.

Вот и все: список 5 самых влиятельных дизайнеров 19, и века, краткое изложение пяти жизней, посвященных этой профессии, которую мы так любим. Это не было бы тем, что есть сегодня, без работы этих пяти провидцев.

Главное фото: Карл Магнусон

11 знаковых дизайнеров мебели 20-го века и не только

Основная выставка Eames | Sarah_Ackerman / Flickr

На протяжении 20 века мебель стала больше, чем просто практичной формой.Благодаря внимательному и творческому взгляду нескольких ведущих дизайнеров мебель будет вдохновлена ​​архитектурными идеями и оформлена так, чтобы стать формой искусства. Культурная поездка рассматривает ведущих дизайнеров, которые не только первыми создавали смелые творения в свое время, но также разработали культовые стили, которые определили эпоху и не только.

Шотландский дизайнер Чарльз Ренни Макинтош был одним из главных художников, предшествовавших модернистскому движению. Он считается одним из самых авторитетных сторонников школы искусств Глазго.Творения Макинтоша известны своим более упрощенным стилем, а не использованием смелых украшений или узоров. Он также стремился уравновесить практическую сторону дизайна с художественными элементами, в основном вдохновленными ар-нуво и азиатским искусством. Такое сочетание закрепило бы за ним статус образцовой фигуры среди европейских дизайнеров.

The Room de Luxe в Willow Tearooms, Глазго, спроектированный Чарльзом Ренни Макинтошем в сотрудничестве с Маргарет Макдональд | WikiCommons

Фрэнк Ллойд Райт родился в Висконсине и решил сделать карьеру в области архитектуры. В возрасте 20 лет он переехал в Чикаго, чтобы работать с пионерами в области дизайна.Он нашел работу у Адлера и Салливана, с которыми сотрудничал почти десять лет. В 1893 году он начал свой собственный бизнес в Чикаго и начал провозглашать новую концепцию в архитектуре, ориентированную на органические стили. Будучи самым известным за инновационные архитектурные проекты, такие как Larkin Building и Unity Temple, Райт также баловался дизайном мебели, вдохновленным экстерьером его загородных проектов, таких как Prairie School. Его сочетание внутреннего и внешнего дизайна сделало его одним из самых известных американских архитекторов в истории.

Внутренний вид дома Холлихок, Лос-Анджелес, 1921 год. Структура, интерьер и обстановка были спроектированы архитектором Фрэнком Ллойдом Райтом | WikiCommons

Шарль-Эдуард Жаннере-Гри, также известный как Ле Корбюзье, был швейцарско-французским архитектором и дизайнером, известным своими градостроительными проектами, такими как Unité d'Habitation во Франции и реструктуризацией Чандигара, столицы индийских штатов Пенджаб и Харьяна. Ле Корбюзье продолжал вносить свой вклад в инновационные архитектурные проекты на протяжении всей своей карьеры, в том числе в области дизайна мебели.В 1928 году он основал свою собственную компанию по дизайну мебели, выпустив выдающуюся коллекцию, в том числе серию кресел для отдыха, в результате сотрудничества с Шарлоттой Перриан и Пьером Жаннерретом.

После окончания Баухауса (уважаемой художественной школы в Германии) Марсель Брейер начал работать в Берлине, а в 1937 году переехал в США; В конце концов, в 1946 году он открыл собственную практику. Признание ему принесла кафедра Василия, названная в честь русского художника Василия Кандинского.Чистый отход от более традиционной тяжелой мебели того времени, легкая рама Wassily Chair была вдохновлена ​​гладкой трубчатой ​​сталью, которая больше использовалась для велосипедов, - это дальновидный стиль, который в конечном итоге воплотил его корни в стиле Баухаус.

Стулья Василий в Баухаусе Дессау | © Gaf.arq / Wikimedia Commons

Несмотря на то, что ей сначала отказали в помощи Ле Корбюзье, упорство Шарлотты Перриан принесло ей заслуженное место в студии дизайна мебели, где она была влиятельным партнером в разработке коллекции стульев Корбюзье с такими выдающимися предметами, как Гранд Комфорт.Покинув студию Корбюзье в 1937 году, французский дизайнер и архитектор продолжала развивать свои проекты с осторожной эстетикой, применяя различные материалы в своей практике.

Siège pivotant (1927), Музей декоративного искусства, Париж; Шарлотта Перриан | WikiCommons

Чарльз и Рэй Имз доминировали на сцене дизайна мебели в США с начала 1950-х до 1970-х годов, и они наиболее известны своими креслами Eames Lounge и Ottoman. Хотя дуэт участвовал в других художественных проектах, таких как фотография, кино и другие архитектурные проекты, властная пара известна своим значительным вкладом в создание современных произведений в США.Дизайн мебели Чарльза и Рэя Имз послужил вдохновением для других ведущих дизайнеров того времени.

Основная выставка Eames | © Sarah_Ackerman / Flickr

Вико Маджистретти, вдохновленный архитектором Эрнесто Натаном Роджерсом, начал свою дизайнерскую карьеру с разработки городских проектов в Милане. Он перешел от промышленного дизайна к мебели в 1950-х годах и развил свою карьеру, сотрудничая с многочисленными мебельными компаниями. Маджистретти считается одним из ведущих итальянских дизайнеров мебели середины 20-го века, поскольку он получил награды за свои работы, в том числе две награды «Золотой компас» и золотую медаль Ассоциации промышленных художников и дизайнеров.Некоторые его работы также представлены в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Стул Carimate, разработанный Вико Маджистретти в 1959 году и произведенный Cassina | WikiCommons

Датский архитектор и дизайнер Арне Якобсон наиболее известен своим культовым стулом в форме яйца, который на протяжении многих лет, казалось, использовался в других тенденциях дизайна. Вдохновленный дизайном и материалами, использованными Имсами, Якобсон вскоре начал переходить от мира архитектуры к дизайну мебели в 1950-х годах, создавая множество стильных и легких стульев, такие известные предметы, как кресло Egg, выдержали испытание. время.Он признан внесшим большой вклад в скандинавский дизайн.

Известный французский дизайнер и архитектор Филипп Старк наиболее известен своим невероятным количеством промышленных образцов и изделий. После разработки массовых продуктов для своей компании Starck Product (или Ubik) его портфель расширился, включив в него мебель, дизайн интерьера и другие линии потребительских товаров. Он также продолжил строительство зданий в Японии, Франции и США, включая, помимо прочего, отель Royalton в Нью-Йорке, пивной зал Asahi Beer Hall в Токио и заведение Alhondiga в Бильбао.Работы Старка выставлены в ряде музеев искусства и дизайна по всему миру.

Gun_Table Gun - дизайн Филиппа Старка в 2005 году | Mike G / Flickr

Обучаясь под руководством таких известных архитекторов, как Вальтер Гропиус и Марсель Брейер, Бассетт начал заниматься дизайном мебели с многолетним опытом работы в архитектуре. Когда она переехала в Нью-Йорк и встретила своего мужа Ханса Кнолля, она решила заняться мебельным бизнесом. Благодаря своему опыту в архитектуре, она использовала пространство и современные штрихи в коллекции мебели компании.Хотя Ханс Кнолль скончался, Бассет продолжал руководить компанией и ее повседневными делами, закрепив за собой успех в качестве ведущей компании, создавшей популярную и культовую мебель 1950-1960-х годов.

12 самых влиятельных дизайнеров ХХ века

Я считаю, что история моды действительно увлекательна. Мне нравится узнавать об индивидуалах, которые изменили индустрию моды, и дизайнерах, которые повлияли на современную моду. Я хотел бы поделиться с вами, кого я считаю 12 самыми влиятельными дизайнерами 20-го века (ну, один из 19-го).

Чарльз Уорт произвел революцию в моде, когда в 1858 году он открыл в Париже свое ателье по пошиву одежды. Он был первым дизайнером, который нанес ярлыки на свою одежду. В то время дизайн платья было принято диктовать заказчик. Вместо этого Уорт проводил показы мод четыре раза в год. Заказчик выбирал внешний вид и ткань, а платье шивалось по фигуре. Многие богатые покровители и члены королевской семьи стали его клиентами и приехали в Париж даже из Нью-Йорка, чтобы купить его одежду.Актрисы Сара Бернар и Лилли Лэнгтри были клиентками Дома Уорта.

Дом Уорта, 1909
Метрополитен-музей Института костюма

Поль Пуаре был очень известным кутюрье в начале 20 века. Он работал на House of Worth, но ему не нравился простой и практичный стиль, который он характеризовал, поэтому он ушел сам в 1903 году. Пуаре был дизайнером разносторонним; он создал духи и был дизайнером интерьеров, а также модельером.Его проекты были художественными, включали восточные детали и дикие украшения. Его шаровары пользовались большим успехом, и он был одним из первых дизайнеров, чей внешний вид не требовал юбок и корсетов. Однако Пуаре был не из тех, кто менялся со временем. Его роскошная одежда не пользовалась популярностью в суровые времена Первой мировой войны, и он впал в немилость.

Поль Пуаре, 1926

Габриэль «Коко» Шанель. Самая известная фигура моды в истории была сиротой и выросла в монастыре.Тем не менее, она быстро освоила мирские обычаи и нашла любовника, который профинансировал для нее магазин шляп. В 1919 году она открыла свой магазин в Париже (по сей день там же!). Шанель создала то, что хотела носить: простую и элегантную одежду черного и нейтрального цветов. Она дизайнер, который подарил нам маленькое черное платье (LBD), которое мы все знаем и любим. Когда Поль Пуаре проходил мимо Шанель на улице в черном платье, он спросил ее: «По кому ты оплакиваешь?» Она, зловеще предвещая его падение, ответила: «Для вас, месье.«Мне нравятся цитаты Шанель. Два из моих любимых: «Мода исчезает, стиль вечен» и «Девушка должна быть двумя вещами - стильной и великолепной».

Шанель, 1924-1926
Метрополитен-музей института костюма

Мадлен Вионне открыла свой дом высокой моды в 1912 году в Париже. Она создала одни из самых красивых платьев из когда-либо созданных благодаря своей необычной технике. Она создавала свои модели в стиле нижнего белья на манекене, а не на бумаге, поэтому она могла видеть, как двигается фарбик, когда она шила платье.Также Вионнет была первой, кто разрезал свою ткань по диагонали (поворачивая ткань по диагонали и разрезая, а не по горизонтали). Крой по диагонали создал платье, которое подчеркивало изгибы женщины и двигалось вместе с ней. Представленное ниже платье было создано в 1938 году. За исключением декольте, свадебное платье, которое Кэролайн Бессетт носила почти 60 лет спустя, очень похоже. После смерти Vionnet в 1975 году линия покупалась и продавалась несколько раз. Сейчас она принадлежит итальянской компании, и коллекция продается в Barney’s, Saks и других крупных розничных магазинах предметов роскоши.Кэмерон Диаз, Натали Портман, Мадонна и Эмили Уотсон носят одежду Vionnet.

Вионнет, 1938

Кэролайн Бессетт на свадьбе с Джоном Ф. Кеннеди-младшим

Мадам Аликс Гре училась на скульптора и смогла использовать этот талант для создания архитектурных греческих колонн складок, которыми она стала известна. Что мне нравится в ее дизайнах, так это то, что они неподвластны времени. Платье, представленное ниже, было разработано 75 лет назад, и сегодня оно по-прежнему будет великолепно смотреться на красной ковровой дорожке.Грейс Келли, Грета Гарбо и Марлен Дитрих носили платья Madame Grès.

Мадам Гре, 1938

Эльза Скиапарелли была уникальным дизайнером, известным своей причудливой одеждой. Она была первым дизайнером, который интегрировал искусство в одежду и относился к одежде как к искусству. На пике своего творчества в 30-е годы Скиапарелли сотрудничала с художниками-сюрреалистами, включая Сальвадора Дали (на шляпе для обуви ниже) и Жана Кокто. Она первой показала сезонные коллекции, созданные на такие темы, как цирк, бабочки и музыка.Мэй Уэст была большой поклонницей одежды Скиапарелли.

Эльза Скиаперелли, 1937-1938
Метрополитен-музей института костюма

Claire McCardell - мать американской спортивной одежды, повседневный подход к одежде, который сегодня воплощают такие дизайнеры, как Tommy Hilfiger и Ralph Lauren. С 1930-х по 1950-е годы она разрабатывала доступную и стильную женскую спортивную одежду массового производства, которая отвергала формальность французской моды. Во время Второй мировой войны Lord & Taylor продвигала кампанию «Американский взгляд», чтобы компенсировать ослабевшую модную индустрию Франции, и бестселлерами были модели McCardell, сочетающие комфорт, функциональность и повседневные ткани.В 1990 году журнал Life назвал ее одной из 100 самых важных американцев двадцатого века.

Клэр Маккарделл, 1952–1953

Клэр Маккарделл, 1954

Christian Дом моды Dior начал свою деятельность в Париже в 1946 году, и его первая коллекция изменила взгляд мира на моду. Кармел Сноу, в то время редактор Harper’s Bazaar, назвала коллекцию «The New Look», потому что обтягивающего лифа и пышной юбки никто раньше не видел.Это был огромный успех после жесткой экономии Второй мировой войны, и этот образ был популярен вплоть до 50-х годов (Грейс Келли и Одри Хепберн часто носили этот образ в своих фильмах). Рита Хейворт и Ава Гарднер были поклонниками его творчества. Диор умер от сердечного приступа в 1957 году, но, к счастью, молодой дизайнер Ив Сен-Лоран, работавший на него, продолжал создавать прекрасные коллекции для дома, пока не начал действовать самостоятельно.

Раф Симонс, новый дизайнер Christian Dior, вернулся к знаменитой первой коллекции 65-летней давности для своего вдохновения и продемонстрировал куртки с баской с шортами и платья с пышными юбками для весенней коллекции 2013 года (см. Фото ниже)

Кристиан Диор, 1947
Музей дизайна и мерчандайзинга Института моды

Christian Dior, весна 2013

Main Rousseau Bocher , более известный как Mainbocher , был первым американцем, добившимся успеха в качестве парижского кутюрье, когда он открыл свой салон в 1930 году.Он создавал элегантную, консервативную и практичную одежду, хотя создал вечернее платье без бретелек. Мэйнбошер одевал некоторых из самых влиятельных женщин своего времени, в том числе Этель Мерман, Розалинд Рассел и Бэйб Пейли. Он также одел Уоллис Симпсон, ради которой герцог Виндзорский отказался от британского престола. (Если вы не знаете историю, погуглите. Это захватывающая история о любви, предательстве и самопожертвовании !!!) Он создал свадебное платье Симпсона в голубом цвете, который стал известен как «Уоллис Блю.”

Mainbocher, 1937
Метрополитен-музей института костюма

Ив Сен-Лоран был одним из величайших дизайнеров в истории моды. Он был современным дизайнером, который преобразовал мужскую одежду, такую ​​как смокинг и куртка-сафари, в шикарную женскую одежду (хотя образ сафари не пользовался популярностью до выхода фильма Out of Africa в 1985 году). Он также умел создавать красивые цветовые сочетания. Как и Скиапарелли до него, YSL включила искусство в свои проекты (Мондриан и Пикассо).Он был одним из первых дизайнеров, которые общались со своими клиентами (включая Катрин Денев и Лулу де ла Фалез) и использовали их в качестве вдохновения для своей работы. И он был первым дизайнером, который использовал афро-американских моделей в своих показах на подиумах.

YSL вышел на пенсию в 1992 году и умер в 2008 году. Хеди Слиман был нанят в прошлом году для проектирования дома (после того, как Джона Гальяно уволили за оскорбления на расовой почве). Слиман отдал дань уважения оригинальному дизайнеру в своей первой коллекции линии Весна / Лето 2013, разработав современные версии фирменных образов YSL, включая современную кожаную куртку сафари, показанную ниже (и я действительно, очень, очень хочу ее). .

Ив Сен-Лоран, 1973
Метрополитен-музей института костюма

Ив Сен-Лоран, весна 2013

Ив Сен-Лоран, 1965-1966
Метрополитен-музей института костюма

Мэри Квант стала популярной в 60-х годах, и ей приписывают создание мини-юбки. Она была частью движения «молодежное землетрясение», когда подростки доминировали на сцене музыки и моды (к сведению: Дайана Вриланд, редактор Harper’s Bazaar, Vogue и изобретатель Института костюма в Метрополитене, придумала это выражение.Еще одна очаровательная личность в моде). Куант известен тем, что сказал: «Хороший вкус - смерть. Вульгарность - это жизнь ». Простота дизайна Квант сделала ее чрезвычайно популярной во всем мире, а ее одежду даже продавали в J.C. Penney. Она также была новаторской в ​​использовании ткани и первой применила пластик в моде.

Мэри Куант, 1968
Метрополитен-музей института костюма

Рой Хэлстон Фроуик начал свою карьеру в дизайне шляп для Bergdorf Goodman в 50-х годах, где он создал знаменитую шляпу для пилюль, связанную с Жаклин Кеннеди.Популярность Хэлстона быстро росла, как и его эксклюзивная клиентура. Он запустил свою первую коллекцию в 1962 году. Его одежда была современной и гламурной. В модных показах Халстона участвовали такие знаменитости, как Лайза Миннелли и Бьянка Джаггер. Днем он проектировал, а ночи проводил, танцуя в Studio 54 с Дайаной Вриланд и Энди Уорхолом. Halston переосмыслил американскую спортивную одежду, добавив легкие ткани в простые, но изысканные силуэты, и оказал влияние на таких дизайнеров, как Michael Kors, Calvin Klein и Donna Karan.Он умер в 1990 году. Бренд был возрожден как Halston Heritage в 2010 году.

Хэлстон, 1973

Надеюсь, вам понравился этот пост о 12 самых влиятельных дизайнерах 20 века. Было действительно весело писать это. Если вы хотите узнать больше об истории моды, моде в кино или о влиятельных модных людях, дайте мне знать. Я был бы счастлив написать другие сообщения на эту тему; это одна из моих любимых тем!

xoxo

Иллисия

PS-Если вы живете недалеко от Нью-Йорка и интересуетесь историей моды, посетите выставку Импрессионизм, мода и современность в Метрополитен-музее, которая открыта до 27 мая 2013 года.Это потрясающе!

70 дизайнеров, которые сформировали мир


Это огромное собрание самых важных дизайнеров продукции, графических дизайнеров, архитекторов и других великих профессионалов, которые стали частью нашей истории, внося свой вклад в эволюцию, которую мы наблюдаем сегодня в каждой области. Он должен решить, какой дизайнер сделает резку. Но мы должны выбрать из этого списка только 70.
Мы рассмотрим другие замечательные в отдельном списке.
Данные предоставлены музеем дизайна.

Алвар Аалто

Архитектор (1898-1976)


АЛВАР ААЛТО (1898–1976), крупнейший финский архитектор ХХ века, был центральной фигурой международного модернизма. Его величайшие здания, такие как библиотека Вийпури 1927 года и санаторий Паймио 1928 года, сочетают в себе натурализм финского романтизма с модернистскими идеалами: как и его влиятельная мебель и стеклянная посуда.

Рон Арад

Дизайнер + архитектор (1951-)


Сочетая игровые формы и эксперименты с передовыми технологиями, РОН АРАД (1951-) стал одним из самых влиятельных дизайнеров нашего времени. Он родился в Тель-Авиве, в 1973 году переехал в Лондон, чтобы изучать архитектуру, и сделал себе имя в начале 1980-х годов как дизайнер-самоучка, создавший скульптурную мебель. Сейчас он работает как в дизайне, так и в архитектуре.

Джонатан Барнбрук

Графический дизайнер (1966-)


ДЖОНАТАН БАРНБРУК - один из самых активных графических дизайнеров Великобритании.Пионер в концепции графического дизайна с общественным сознанием, Барнбрук делает сильные заявления о корпоративной культуре, потреблении, войне и международной политике. Работая как в коммерческой, так и в некоммерческой сферах, Барнбрук сочетает в себе оригинальность, остроумие, политическую смекалку и
горькая ирония в равной мере.

Сол Басс

Графический дизайнер (1920-1996)


СОУЛ БАСС (1920–1996) был не только одним из великих графических дизайнеров середины 20 века, но и бесспорным мастером дизайна названий фильмов благодаря сотрудничеству с Альфредом Хичкоком, Отто Премингером и Мартином Скорсезе.

Маноло Бланик

Дизайнер обуви (1942-)


MANOLO BLAHNIK (1942-) работает в одиночку, без помощников и учеников, и несет полную ответственность за дизайн каждой из тысяч туфель, носящих его имя. Он доминирует в дизайне обуви с момента основания бизнеса в Лондоне в начале 1970-х годов.

Роберт Браунджон

Графический дизайнер (1925-1970)


Сочетая смелые образы с оригинальной типографикой, иллюстрацией и найденными объектами, РОБЕРТ БРАУНДЖОН (1925-1970) был одним из самых новаторских графических дизайнеров Нью-Йорка 1950-х и Лондона 1960-х, где он разработал названия для фильмов о Джеймсе Бонде, графику для галереи Роберта Фрейзера и произведение для Rolling Stones.

Isambard Kingdom Brunel

Инженер-конструктор (1806-1859)


Один из великих британских инженеров XIX века ИСАМБАРД КОРОЛЕВСТВО БРУНЕЛЬ (1806-1859) построил двадцать пять железнодорожных линий, более сотни мостов, в том числе пять подвесных мостов, восемь причалов и причальных систем, три корабля и сборное армейское поле. больница.

Сэм Бакстон

Дизайнер продукции (1972-)


От серии складных скульптур MIKRO до его электролюминесцентных столов и часов - в работе британского дизайнера SAM BUXTON преобладают его эксперименты с передовыми материалами и технологиями.

Мэтью Картер

Дизайнер типографики (1937-)


МЭТЬЮ КАРТЕР (1937-), самый важный дизайнер типографики нашего времени, - один из немногих дизайнеров, чьи работы используются миллионами людей каждый день. Посвятив первую половину своей карьеры шрифтам для использования в печати, таким как Miller и Bell Centennial, он затем стал пионером в разработке шрифтов для использования на экране, особенно Verdana для Microsoft.

Хусейн Чалаян

Модельер (1970 -)


Хусейн Чалаян - один из самых дальновидных дизайнеров, работающих сегодня в моде.Его первая британская ретроспектива «От моды и обратно», которая в настоящее время демонстрируется в Музее дизайна, иллюстрирует его новаторское использование материалов, тщательный крой и прогрессивное отношение к новым технологиям.

Луиджи Колани

Конструктор самолетов и изделий (1928-)


LUIGI COLANI - один из великих индивидуалистов дизайна 20-го века, обладающий независимым духом, чутьем на зрелищность и готовностью привлекать широкую публику, что удерживало его от мейнстрима дизайна.Имея опыт в дизайне автомобилей и аэродинамике, Колани преследовал интерес к воображению мира, которого еще не существует - мира утопической архитектуры, высокопроизводительных автомобилей и огромных сверхзвуковых самолетов, летящих во много раз быстрее звука и.

Джо Коломбо

Продукт + Дизайнер мебели (1930-1971)


За свою короткую, но блестящую карьеру Джо Коломбо (1930–1971) произвел ряд инноваций, которые сделали его одним из самых влиятельных итальянских дизайнеров продукции.От Universale, первого стула, изготовленного из одного материала, до универсальной тележки Boby Trolley - все, что создал Коломбо, предназначалось для «окружающей среды будущего».

Джошуа Дэвис

Дизайнер мультимедиа


ДЖОШУА ДЭВИС был пионером в области веб-дизайна в начале 1990-х годов и теперь является мастером в этой области благодаря своей коммерческой работе для Kioken в Нью-Йорке и экспериментальным проектам, таким как PrayStation, за которые он выиграл престижную премию Prix Ars Electronica 2001 в области цифрового искусства.

Кристиан Диор

Модельер (1905-1957)


КРИСТИАН ДИОР (1905–1957), самый влиятельный модельер конца 1940-х и 1950-х годов, доминировал в моде после Второй мировой войны с силуэтом песочных часов своего сладострастного New Look. Он также определил новую бизнес-модель в послевоенной индустрии моды, сделав Dior глобальным брендом, предлагающим широкий спектр товаров.

Том Диксон

Дизайнер мебели (1959-)


Том ДИКСОН (1959-) как дизайнер-самоучка в Лондоне в начале 1980-х годов, так и руководитель отдела дизайна в розничной сети Habitat, а теперь и финском производителе мебели Artek, на протяжении всей своей карьеры сочетал креатив с рекламой.

Джон Гальяно

Модельер (1960-)


ДЖОН ГАЛЛИАНО (1960-) - один из самых влиятельных модельеров нашего времени. Он родился в Гибралтаре, вырос в Лондоне и основал свой собственный бренд, прежде чем стать главным дизайнером французского флагмана высокой моды Christian Dior в Париже.

Норман Фостер

Архитектор (1935-)


НОРМАН ФОСТЕР - архитектурный феномен; ответственный за дюжину или более ключевых зданий за последние 30 лет, но также как основатель, возможно, самой успешной в финансовом отношении архитектурной практики современности.

Эйлин Грей

Архитектор + дизайнер мебели (1878-1976)


Эйлин Грей (1878–1976), которой пренебрегали на протяжении большей части своей карьеры, сейчас считается одним из самых важных дизайнеров мебели и архитекторов начала 20 века и самой влиятельной женщиной в этих областях. Ее работы вдохновляли как модернизм, так и ар-деко.

Марти Гиксе

Продукт + графический дизайнер (1964-)


Посвященный изобретению «гениально простых идей любопытной серьезности», MARTI GUIXE делит свое время между своей родной Барселоной и Берлином.Называя себя «бывшим дизайнером», он разрабатывает продукты для Authentics и обувных магазинов для Camper, а также создает концептуальные проекты.

Заха Хадид

Архитектор (1950-)


Заха Хадид (1950-), первая женщина, получившая Притцкеровскую премию в области архитектуры за свою 26-летнюю историю, определила радикально новый подход к архитектуре, создав такие здания, как Центр современного искусства Розенталя в Цинциннати, с множеством точек зрения и фрагментированная геометрия, вызывающая хаос современной жизни.

Алек Иссигонис

Автомобильный дизайнер (1906-1988)


Один из самых оригинальных автомобильных дизайнеров современной эпохи, АЛЕК ИССИГОНИС (1906-1988) наиболее известен как создатель Mini, но он также разработал еще два из пяти самых продаваемых автомобилей в истории британского автомобилестроения - Morris Minor и Остин 1100.

Арне Якобсен

Архитектор + дизайнер мебели (1902-1971)


АРНЕ ЯКОБСЕН (1902–1971) был одним из самых влиятельных архитекторов и дизайнеров Дании 20 века.И его здания, и изделия, такие как стулья «Лебедь» и «Яйцо», сочетают в себе модернистские идеалы с нордической любовью к натурализму.

Майкл Марриотт
Продукт + Дизайнер мебели (1963-)

МАЙКЛ МАРРИОТТ (1963-), дизайнер продуктов и куратор, исследует влияние предметов и их конструкции на нашу повседневную жизнь. Его цель - создавать «действительно современные объекты» за счет «честного и надлежащего использования материалов, процессов и функций».

Джонатан Айв

Дизайнер продукции (1967-)


Победителем первой награды «Дизайнер года» от Музея дизайна в 2003 году стал ДЖОНАТАН ИВЕ (1967-), старший вице-президент по дизайну Apple, чьи инновации включают iPod и iMac.

Росс Лавгроув

Промышленный дизайнер / дизайнер продукции (1958 -)


В высшей степени экспериментальный и стремящийся преодолеть границы между наукой, технологией, дизайном и архитектурой, РОСС ЛОВЕГРОВ считает себя скорее «биологом-эволюционистом», чем дизайнером.

Александр Маккуин

Модельер (1969-)


АЛЕКСАНДР МАККУИН (1969-) ворвался на сцену моды в 1992 году, вызвав споры, поскольку заголовки приветствовали его как нового ребенка-ужасного. Несмотря на споры и часто недопонимание, он основал модный лейбл, который сейчас известен и востребован во всем мире, без ущерба для своего подхода.

Джаспер Моррисон

Продукт + Дизайнер мебели (1959-)


ДЖАСПЕР МОРРИСОН - один из самых влиятельных промышленных дизайнеров современности.Он родился в Лондоне, известен своим аскетично элегантным, спокойным юмористическим стилем и разработал все, от подноса до трамвайной системы.

Марк Ньюсон

Продукт + Дизайнер мебели (1963-)

МАРК НЬЮСОН (1963-) известен своим футуристическим, но технически строгим подходом к дизайну. Он родился в Сиднее, работал в студиях в Токио, Париже, а теперь и в Лондоне, создавая все, от частного самолета до автомобиля Ford.

Исаму Ногучи

Дизайнер + Скульптор (1904-1988)


ИСАМУ НОГУЧИ (1904-1988) был американо-японским дизайнером, который изначально получил образование скульптора и привнес скульптурную чувственность во все, что он создавал: освещение, мебель, сады и декорации.

Дэвид Меллор

Дизайнер + производитель столовых приборов (1930-)


Сочетая роли дизайнера, производителя, мастера и продавца, ДЭВИД МЕЛЛОР (1930-) занял уникальное положение в британском дизайне конца 20-го века.Известный как дизайнер и производитель столовых приборов, Меллор также разработал мебель, инструменты, церковное серебро, светофоры и почтовый ящик.

Жан Мюр

Портниха (1928 - 1995)


Легендарный портной JEAN ELIZABETH MUIR (1928–1995) создавал одежду, которая была одновременно радикальной и классической, преодолевая барьер между модой и прет-а-порте. Самоучка Мьюир сделала себе имя в 1960-х годах, создав репутацию изысканно скроенной, вневременной женственной одежды.Она была признана величайшей портнихой в мире в союзе с мадам Гре, Шанель и Вионнет.

Крис О’Ши

Художник и дизайнер


Крис О’Ши создает интерактивную работу как для государственных учреждений, так и для частных компаний. В 2005 году он был удостоен награды первой степени бакалавра искусств MediaLab в Университете Плимута. С тех пор он работал в AllofUs для Tate Britain, Onedotzero (в Музее Виктории и Альберта) и THEpUBLIC, в Moving Brands для запуска мюонов в Милане и Ico Design для Wellcome Collection.В 2006 году был приглашенным куратором выставки Cybersonica. Он регулярно пишет на Pixelsumo и является одним из основателей серии мероприятий «Это случилось».

Эрнест Рэйс

Дизайнер мебели (1913-1964)


Дизайнер текстиля и мебели, производитель, продавец - был одним из самых изобретательных и смелых представителей британского дизайна середины века. Сугубо личный дизайнерский словарь Рэйса, достигший пика в послевоенный период и на Фестивале Британии 1951 года, представлял собой плавный, искусный и временами эксцентричный синтез модернизма с Викторианой и массового производства с интеллектуальной импровизацией.Самым важным вкладом Рэса в современный дизайн мебели была его формулировка перехода от теоретической строгости довоенного модернизма к доступности и оптимизму послевоенного Contemporary.

Дитер Рамс

Промышленный дизайнер (1932-)


Как руководитель отдела дизайна в Braun, немецком производителе бытовой электроники, DIETER RAMS (1932-) стал одним из самых влиятельных промышленных дизайнеров конца 20-го века, определив элегантный, разборчивый, но строгий визуальный язык для своих продуктов.

Чарльз Ренни Макинтош

Архитектор + дизайнер мебели (1868-1928)

Сочетая прогрессивную современность с духом романтизма, шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош (1868-1928) создал многие из самых любимых и самых влиятельных зданий. мебель и декоративные схемы начала 20 века.

Ричард Роджерс

Архитектор (1933-)


Один из самых влиятельных британских архитекторов нашего времени, РИЧАРД РОДЖЕРС (1933-), зарекомендовал себя и его практика, Rogers Stirk Harbour + Partners, на переднем крае современной архитектурной индустрии благодаря таким громким проектам, как Центр Помпиду, штаб-квартира для Lloyds of London, Millennium Dome и мадридского аэропорта Барахас.

Джерси Сеймур

Дизайнер продукции (1968-)


ДЖЕРЗИ СЕЙМУР (1968-) - дизайнер предметов и мебели, в работе которого грубый юмор сочетается с новаторским использованием материалов. Сеймур родился в Берлине и вырос в основном в Лондоне, но с 1999 года жил и работал в Милане.

Питер Сэвилл

Графический дизайнер (1955-)


С момента своей первой работы для молодой Factory Records в конце 1970-х годов ПИТЕР САВИЛЛ был ключевой фигурой в графическом дизайне и стилевой культуре.В модных и художественных проектах, а также в музыке его работы сочетают в себе безошибочную элегантность с замечательной способностью распознавать образы, воплощающие настоящий момент.

Стефан Загмайстер

Графический дизайнер (1962-)


СТЕФАН САГМЕЙСТЕР (1962 г.) - один из самых известных графических дизайнеров современности. Он родился в Австрии, сейчас живет и работает в Нью-Йорке. Среди его давних сотрудников - AIGA и музыканты Дэвид Бирн и Лу Рид.

Эд Свон

Дизайнер продукции (1979-)


Лондонский дизайнер ED SWAN создает эфемерные световые эффекты, которые изменяют пространственное восприятие.Вдохновленный интересом к камерам-обскурам, древним устройствам для создания изображений, Свон использует эти оптические принципы с инновационным использованием материалов для создания иллюзорных проекций.

Ричард Суини

Дизайнер продукции (1984–)


Серия «Складной свет» Ричарда Суини стирает границы между дизайном, искусством и ремеслом. Сочетая ремесленные техники со сложными навыками решения проблем, Суини создает световые проекты, основанные на уникальных скульптурных формах.

Филип Трейси

Дизайнер головных уборов (1967-)


Сюрреалистичные и скульптурные шляпы PHILIP TREACY (1967-), сделанные вручную, - это настоящий подвиг. Трейси родился в сельской Ирландии и создает коллекции шляп от кутюр и прет-а-порте в своей лондонской студии. Он также создал шляпы для модных коллекций Карла Лагерфельда, Валентино и Александра Маккуина.

Вернер Пантон

Дизайнер мебели (1926-1998)


ВЕРНЕР ПАНТОН (1926–1998) был мастером плавного футуристического стиля дизайна 1960-х годов, который привнес эстетику поп в мебель и интерьер.Он родился в Дании и сделал себе имя до того, как поселился в Швейцарии в 1960-х годах.

Филлис Пирсолл

Дизайнер карт (1906-1996)


Работая по восемнадцать часов в день, прогуливаясь по улицам Лондона на 3000 миль, художница ФИЛЛИС ПИРСАЛЛ (1906–1996) не только придумала, спроектировала и выпустила атлас улиц Лондона от А до Я, но и основала свою собственную компанию для его публикации. Буквы A-Z остаются одним из самых гениальных примеров информационного дизайна начала 20 века.

Вивьен Вествуд

Модельер (1941-)


ВИВИЕНН ВЕСТВУД (1941-) олицетворяет мощную и подрывную оригинальность британской моды. Ее постоянное исследование и переосмысление истории в сочетании с неутомимым индивидуализмом укрепили ее репутацию самого значимого в культурном отношении модельера Великобритании.

Роберт Уилсон

Директор театра + дизайнер


РОБЕРТ УИЛСОН - театральный режиссер, художник и дизайнер, который объединяет звук, изображение, текст и движение для создания необычайно запоминающихся декораций, выставок и инсталляций.Он живет в Нью-Йорке и Лонг-Айленде.

Бен Уилсон

Промышленный дизайнер / Дизайнер продукции (1976-)
Работа британского дизайнера изделий БЕН УИЛСОН воплощает страсть к велосипедам, скейтбордам и технике. Эстетика дизайна Уилсона пронизана глубоким пониманием уличной культуры и присущего ей языка. Его работа несет в себе яркую энергию, и его список клиентов отражает этот активный характер, включая такие мировые бренды, как Levis, Nike, Adidas, Stussy, Artemide и Audi.

Филип Уортингтон

Интерактивный дизайнер (1977-)


Сосредоточившись на крупномасштабном и тактильном интерактивном опыте, который захватывает и окутывает посетителя, Филип Уортингтон (1977-) создал Shadow Monsters, цифровую версию традиционной теневой марионетки, как часть своей степени в области дизайна взаимодействия Королевского колледжа искусств.

Фрэнк Ллойд Райт

Архитектор (1867-1959)


Полагая, что «пространство внутри этого здания является реальностью этого здания», ФРАНК ЛЛОЙД РАЙТ (1867–1959) был одним из самых плодовитых и влиятельных архитекторов 20 века.От своих ранних домов в стиле прерий до скульптурных изгибов музея Гуггенхайма в Нью-Йорке он определил североамериканский стиль архитектуры, который был богат эмоциями и чувствителен к окружающей среде.

Майкл Янг

Дизайнер продукции (1966-)


МАЙКЛ ЯНГ (1966 г.) - дизайнер британского происхождения, который работает в студиях Брюсселя и Рейкьявика над созданием технически строгих, но всегда юмористических продуктов и мебели.

Паскаль Энсон

Дизайнер продукции (1973-)


ПАСКАЛЬ АНСОН (PASCAL ANSON, 1973-), один из нового поколения британских дизайнеров продукции, для которых повествование становится все более важным элементом в их работе, сочетает промышленное производство и импровизацию для создания продуктов и мебели, которые рассказывают историю, выполняя свою функцию.

Асса Ашуах

Продукт + Дизайнер мебели (1969-)


Экспериментируя с передовыми технологиями дизайна и производства, уроженец Израиля, лондонский дизайнер Асса Ашуах (1969-) переопределяет как форму, так и функцию повседневных товаров и мебели, одновременно создавая сюрреалистический новый эстетический дизайн.

Луис Барраган

Архитектор (1902-1988)


ЛУИС БАРРАГАН (1902–1988) был одним из самых влиятельных архитекторов Мексики 20 века.Прославившись своим мастерством пространства и света, он заново изобрел международный стиль как красочный чувственный жанр мексиканского модернизма.

Матиас Бенгтссон

Дизайнер мебели (1971-)


Экспериментируя с промышленными материалами и процессами, МАТИАС БЕНГТСОН, датский дизайнер мебели из Лондона, создает скульптурную мебель, которая визуально привлекает внимание и является технически инновационной.

Себастьян Бергне

Продукт + Дизайнер мебели (1966-)


SEBASTIAN BERGNE, работая из Болоньи и Лондона, разрабатывает продукты для таких компаний, как Authentics, Habitat и Vitra, которые учитывают изменения в нашей повседневной жизни, но мягко и ненавязчиво.

Фламинио Бертони

Автомобильный дизайнер (1903-1964)


Один из самых одаренных автомобильных дизайнеров 20-го века, ФЛАМИНИО БЕРТОНИ (1903-1964) отвечал за разработку кузова таких классических - и стилистически разнообразных - автомобилей, как элегантный Traction Avant, исключительно функциональный 2 CV и привлекательный DS 19.

Дерек Бёрдсолл

Графический дизайнер (1934-)


В детстве ДЕРЕК БИРДСАЛЛ (1934-) любил магазины канцелярских товаров: бесконечные стопки и пачки бумаги, блокноты, записные книжки и бухгалтерские книги; инструменты для письма, копирования и стирания; чистые чернила и бумага в бесконечных возможностях конфигурации.Он предполагает, что это чувство было унаследовано от его деда, служащего на химическом заводе, и, по признанию Бердсолла, фетишиста перьевой ручки.

Стрела Irma

Книжный дизайнер (1960-)


Многие из самых красивых книг, созданных за последние годы, созданы IRMA BOOM. Бум родилась в Лохеме, Нидерланды, в 1960 году. Она завоевала международное признание благодаря иконоборческой красоте своих книг.

Торд Бунтье

Дизайнер продукции (1968-)


Работая на стыке дизайна и ремесел, ТОРД БУНТЖЕ, лондонский дизайнер изделий голландского происхождения, сочетает передовые технологии с ремесленными методами для создания изысканной посуды, освещения и мебели.

Р. Бакминстер Фуллер

Изобретатель, конструктор, архитектор, теоретик (1895-1983)


Руководствуясь философией дизайна «больше за меньшие деньги», РИЧАРД БАКМИНСТЕР ФУЛЛЕР (1895–1983) одновременно работал над проектами домов, автомобилей, лодок, игр, телевизионных передатчиков и геодезических куполов, все из которых были спроектированы для массового производства с использованием самые простые и надежные средства.

Ахилл Кастильони

Продукт + Дизайнер мебели (1918-2002)


Один из самых важных промышленных дизайнеров 20-го века, ACHILLE CASTIGLIONI (1918-2002) за свою карьеру создал более 150 продуктов и наладил прочные отношения с итальянскими производителями, такими как Flos в области освещения, Zanotta в области мебели и Alessi в области товаров для дома.

Уэллс Коутс

Архитектор + промышленный дизайнер (1895-1958)


Один из пионеров появления современного движения в британской архитектуре и дизайне в 1930-х годах, Уэллс Коутс (1895-1958) также разработал новаторские подходы к дизайну жилья, особенно квартир на Лон-Роуд, а также электротехнических изделий, радиовещательных студий и других зданий. яхты.

Кристофер Дрессер

Промышленный дизайнер (1834-1904)


Среди первых независимых промышленных дизайнеров Кристофер Дрессер (1834–1904) выступал за реформу дизайна в Британии XIX века, одновременно применяя современное производство при разработке обоев, текстиля, керамики, стекла, мебели и металлических изделий.

Матали Крассет

Дизайнер продукции


В своем описании объектов и пространств французский дизайнер МАТАЛИ КРАССЕ побуждает нас задавать вопросы о том, как мы живем в повседневной жизни. Родившаяся в 1965 году, Крассе пять лет работала на Филиппа Старка, прежде чем открыть собственную студию в Париже.

Алан Флетчер

Графический дизайнер (1931-2006)


Синтезируя графические традиции Европы и Северной Америки для развития энергичного, остроумного и очень индивидуального визуального стиля, АЛАН ФЛЕТЧЕР является одной из самых влиятельных фигур в британском графическом дизайне как основатель Fletcher / Forbes / Gill в 1960-х и Pentagram в 1970-х. .

Абрам Игры

Графический дизайнер (1914-1996)


Некоторые из самых запоминающихся графических образов Британии середины 20 века были созданы дизайнером ABRAM GAMES (1914–1996). Как официальный военный художник во время Второй мировой войны, он разработал более сотни плакатов, а затем создал символы BBC и Британского фестиваля.

Джайлс Гилберт Скотт

Архитектор (1880-1960)


Бастион архитектурного истеблишмента в Великобритании начала 20 века, Джайлс Гилберт Скотт (1880-1960) соединил традиции с современностью, применив исторические стили к промышленным сооружениям в своих проектах от электростанций Баттерси и Бэнксайд в Лондоне до англиканского собора Ливерпуля и в телефонный киоск К2.

Эрнё Голдфингер

Архитектор (1902-1987)


ЭРНО ГОЛЬДФИНГЕР (1902–1987), влиятельная фигура в британском современном движении, родился в Будапеште и изучал архитектуру в Париже. После переезда в Лондон в 1934 году он получил похвалу за строгие, но деликатные проекты, в частности за его дом в Хэмпстеде, и вызвал споры из-за амбициозных планов в Elephant, Castle and Poplar.

Константин Грчич

Дизайнер продукции (1965-)


«Определяя функцию в человеческих терминах», немецкий дизайнер Константин Грчич (1965-) разработал язык дизайна, который сочетает строгость формальности с тонким юмором в дизайнерских изделиях и мебели для таких производителей, как Authentics, Flos, Krups и Magis.

Томас Хезервик

Дизайнер (1970 -)


Односоставная архитектура, а частично - товарный дизайн, с равным акцентом на скульптуру и городское планирование - работы Томаса Хезервика не поддаются определению. Лондонский дизайнер выполнил почти 200 проектов с момента основания своей студии в середине девяностых, и с каждой новой комиссией объединяет инженерное дело и дизайн, чтобы придать своим проектам волшебный вид.

** Обновление 09.07.09 **
Хорошо, хорошо, теперь мы учли все ваши предложения и собрали еще один раунд с «Еще 30 дизайнерами», которые изменили мир.Проверьте это и не стесняйтесь добавлять больше предложений.

Самые влиятельные женщины-дизайнеры прошлого века

К столетию избирательного права женщин в Великобритании мы рассмотрим женщин-дизайнеров, которые оказали влияние на все, от графики до текстиля за последние 100 лет.

Маргарет Калверт (1936-настоящее время)

Фотография Стива Спеллера

Маргарет Калверт, которую широко считают матерью современного информационного дизайна, родилась в Южной Африке до переезда в Англию в подростковом возрасте.После того, как она специализировалась на иллюстрации в Школе искусств Челси, она была нанята известным графическим дизайнером Джоком Киннейром в качестве своего помощника. Их самым значительным совместным достижением, несомненно, была реорганизация всей системы дорожных знаков Великобритании, которая заменила хаотичную мешанину из различных шрифтов и символов, заказанных различными организациями, существовавшими ранее. Они начали с новых автомагистралей, которые правительство возглавило в конце 1950-х годов, а затем перешли к пересмотру указателей на всех других дорогах по всей стране в 1960-х.В 1964 году Киннейр сделал Калверта своим партнером и переименовал свою консалтинговую компанию в Kinneir Calvert Associates. Помимо работы в качестве типографа, Калверт проработала руководителем отдела графического дизайна в Королевском колледже искусств с 1987 года. Она все еще работает дизайнером сегодня и регулярно выступает на крупных конференциях по дизайну, таких как президентская конференция D&AD. Лекция и дизайн Индаба.


Люсьен Дэй (1917-2010)

Люсьен Дэй с мебельной тканью Calyx, 1951 г. © Robin & Lucienne Day Foundation / фото: Studio Briggs

Дезире Люсьен Конради (позже известная как Люсьен Дэй) широко известна своим вкладом в современный текстильный дизайн.Хотя ее карьере поначалу помешало начало Второй мировой войны, большой прорыв Дэй наступил, когда ее пригласили принять участие в Фестивале Британии в 1951 году. Именно там она представила свой знаменитый геометрический текстильный дизайн Calyx в рамках павильона «Дома и сады». Ее работы были выставлены в павильоне вместе со стальной и фанерной мебелью, созданной ее мужем, известным дизайнером мебели Робином Дей. Сегодня Дэй известна тем, что воплотила в жизнь серость послевоенной Британии с помощью своих красочных узорчатых узоров, которые на протяжении многих лет наносились на бесчисленное количество ковров, обоев и керамики.Среди ее самых крупных клиентов были Джон Льюис, Liberty and Heal’s Fabrics, для которых она создала более 70 выкроек за их двадцатилетние отношения. Она была замужем за известным дизайнером мебели Робином Дэй,

.

Рэй Имс (1912-1988)

(Слева) Рэй и (справа) Чарльз Имс

Имя Рэя Имса, одной из половин другого дизайнерского дуэта мужа и жены, является синонимом появления американского современного дизайна в середине 20-го века. Изначально изучая живопись в Нью-Йорке, Рэй познакомился с Чарльзом в образовательном сообществе Крэнбрук в Мичигане в 1940 году.Менее чем через год Чарльз развелся со своей предыдущей женой и через месяц женился на Рэе в Чикаго. Они двое вместе переехали в свой первый дом в Лос-Анджелесе, где проводили большую часть своего свободного времени, возясь с фанерой. Результатом этого плодотворного периода экспериментов стал их первый продукт массового производства - формованная фанерная шина для ног, которая к концу Второй мировой войны получила 150 000 заказов от ВМС США. Они также экспериментировали с изготовлением мебели из самых разных материалов, включая стекловолокно, алюминий и, в случае кресла для отдыха 1956 года, кожу и фанеру.Один из их самых известных дизайнов, стул стал обязательным украшением кабинета любого начинающего генерального директора в 1960-х и 1970-х годах. После смерти Чарльза в 1978 году Рэй посвятила остаток своей жизни изложению их философии дизайна в письменной форме и бесчисленных беседах. Рэй скончалась в 1988 году, но наследие ее и Чарльза продолжается и сегодня через Фонд Имса, созданный их семьей.


Заха Хадид (1950-2016)

Фото Бриджит Лако

Быть первой женщиной, получившей Притцкеровскую премию в области архитектуры в 2003 году, было непросто для покойной Захи Хадид.Хадид родилась в Ираке и изучала математику в Американском университете в Бейруте, а с 1972 года поступила в Архитектурную ассоциацию в Лондоне. Именно там она училась у голландского архитектора Рема Колхаса, который предложил ей работу после того, как она окончила университет в качестве партнера в его новом доме. фирма «Офис столичной архитектуры». Однако Хадид не суждено было продержаться там долго. Вместо этого она решила разработать свой собственный бренд неомодернистской архитектуры, которым стала так хорошо известна. Первые годы ее карьеры были омрачены серией заброшенных проектов, самым известным из которых является Оперный театр Кардиффского залива.Но Центр современного искусства Розенталя в Огайо, открывшийся в 2003 году, ознаменовал момент, когда ее критики были вынуждены начать есть свои слова. Известно, что в ночь открытия ее первого крупного общественного здания сотрудники взяли на себя репутацию «дивы», которую Хадид заклеймила, надев футболки с надписью «Назвали бы меня дивой, если бы я был парнем?» Хадид построила множество высококлассных зданий в Великобритании, в первую очередь Олимпийский центр водных видов спорта в Лондоне в 2012 году.


Hella Jongerius (1963-настоящее время)

Фото Маркуса Янса

Берлинец-промышленный дизайнер Хелла Йонгериус, уроженка Нидерландов, известна своей верой в «долгосрочность» и открыто заявляет о том, что «в современном мире слишком много дерьмового дизайна».Ее работа обычно известна тем, что смешивает традиционные ремесленные техники с современными технологиями. Йонгериус открыла свою первую студию - Jongeriuslab ¬ - в Роттердаме в 1993 году, где она совмещала независимые проекты с работой для крупных клиентов, таких как авиакомпания KLM и штаб-квартира Организации Объединенных Наций (ООН) в Нью-Йорке. С 2012 года она работала арт-директором компании по производству ковров Danskina, а с 2007 года - арт-директором по цветам и материалам Vitra. Среди недавних проектов - крупная выставка в Музее дизайна в Лондоне, на которой рассматривались исследования дизайнера в области дизайна. возможности цвета.


Паула Шер (1948-настоящее время)

Паула Шер, один из гигантов графического дизайна в США, является партнером нью-йоркского офиса Pentagram с 1991 года. Ее большой прорыв пришелся на середину 1990-х, когда она стала знаковой, основанной на типографике айдентикой The Public Theater. Шер продолжала создавать индивидуальности для различных брендов, от Citbank до Tiffany & Co, и ее педагогическая карьера включает более двух десятилетий в Школе визуальных искусств, а также на должностях в Cooper Union, Йельском университете и Школе искусств Тайлера.Она входила в совет директоров Американского института графических искусств (AIGA), а также была удостоена его высшей награды - медали AIGA - в 2001 году. Шер также был героем различных книг и фильмов, в том числе монографии, опубликованной Unit Editions и документальный фильм Netflix об «искусстве дизайна» в 2017 году.


Шарлотта Перриан (1903–1999)

Фото Пола Гутмана, Archives Charlotte Perriand (любезно предоставлено Cassina)

Перриан, один из самых влиятельных дизайнеров мебели в стиле раннего модерна, известна своими женскими достижениями в эпоху, когда в архитектуре и дизайне преобладали мужчины.Она родилась в Париже и училась в Ecole de l’Union Centrale des Arts Décoratifs, но ее постоянно расстраивало традиционное обучение, основанное на ремеслах. С самого начала она придерживалась другого подхода, черпая вдохновение в промышленном дизайне автомобилей и велосипедов, которые она видела каждый день на улицах Парижа. После учебы карьера Перриан почти закончилась, не начавшись, когда в возрасте 24 лет она вошла в офис архитектора Ле Корбюзье и посоветовала ему нанять ее дизайнером мебели.Он ответил просто: «Мы здесь подушки не вышиваем». К счастью для Перриан, несколько месяцев спустя Ле Корбюзье увидел одну из ее комиссий для выставки «Осенний салон» в Париже и сразу же ее нанял. Работая с Ле Корбюзье и Пьером Жаннере, Перриан продолжила разработку серии стальных трубчатых стульев, которые она остается самой известной и сегодня. В общей сложности она проработала в студии более десяти лет и за это время также сотрудничала с художником-кубистом Фернаном Леже и дизайнером мебели Жаном Пруве.


Эйлин Грей (1878-1976)

Художник-дизайнер мебели и архитектор Эйлин Грей, возможно, является одним из самых недооцененных дизайнеров 20-го века. Лишь позднее в жизни она получила признание за свой классический дизайн, такой как стул Bibendum из кожи и стальных труб и стол E-1027 из стекла и стальных труб. Грей родилась в ирландском торговом городке Эннискорти, детство провела в Лондоне и была одной из первых женщин, поступивших в Слэйд, где она начала рисовать в 1898 году, прежде чем пройти обучение в лондонской мастерской по производству лаков.После открытия собственной галереи в 1922 году в Париже, она перешла к мебели и тесно сотрудничала со многими выдающимися деятелями современного движения, включая Ле Корбюзье и Ж. Дж. П. Оуда. Позже Грей перешел в архитектуру, снова поощряемый Ле Корбюзье и Дж. Дж. П. Оудом. Она спроектировала два дома в Приморских Альпах: один в Рокебрюне, который был построен в 1926-1929 годах, а другой в Кастеллар, построенный в 1932-1934 годах. После Второй мировой войны и вплоть до своей смерти в 1976 году она продолжала работать дизайнером в крупных проектах, таких как Культурный и социальный центр.Сегодня ее работы по праву хранятся в архивах крупных международных организаций, таких как V&A и MoMa.


Susan Kare (1954-настоящее время)

Фото Энн Рони

Сьюзан Кэр считается одной из пионеров компьютерной иконографии. Она начала свою карьеру в Apple в 1980-х годах, работая дизайнером экранной графики и цифровых шрифтов для оригинального компьютера Macintosh. Когда она работала в Apple, Каре, возможно, помогла сформировать то, как сегодня выглядит язык пользовательских интерфейсов.Ее архив рисунков на миллиметровой бумаге, демонстрирующих ее идеи для оригинального интерфейса Macintosh, был недавно приобретен Музеем МоМА и показан в рамках его выставки «Это для всех: эксперименты в дизайне для общего блага», а также выставлены в Музее дизайна. Выставка новаторского калифорнийского дизайна 2017 года.


Мораг Майерскоу (1963-настоящее время)

Дизайнер из Северного Лондона Мораг Майерскоу уже более двух десятилетий применяет свой фирменный стиль - красочную эстетику дизайна в интерьерах, инсталляциях и выставочных пространствах.С момента основания Studio Myerscough в 1993 году она работала над заказами, начиная от создания первого постоянного выставочного пространства на новом месте Музея дизайна в Кенсингтоне и заканчивая ярким обновлением комнат и палат детской больницы Шеффилда. Дизайнер также была удостоена звания Королевского дизайнера промышленности (RDI) Королевским обществом искусств (RSA) в 2017 году - широко признанной награды, которой отмечалось, что ее работа принесла «значительную пользу обществу».


Как вы думаете, какая женщина-дизайнер самая влиятельная за последние 100 лет? Дайте нам знать в комментариях ниже.

модельеров начала 20 века - лорен м. Лоуэлл, дизайнер костюмов

Современные события

  • До немецкой оккупации Парижа во время Второй мировой войны Париж оставался доминирующей силой в развитии женской моды.
  • Ключевые законодатели моды: Поль Пуаре (поздний эдвардианец), Коко Шанель (1920-е), Мадлен Вионне (начало 1930-х), Эльза Скиапарелли (конец 1930-х).
  • Во время Второй мировой войны внимание переключилось на американских дизайнеров.Среди этих дизайнеров были Клэр Маккарделл и кинорежиссер Адриан. Норман Норелл и Полин Триггер также оказались в центре внимания.
  • После окончания войны French Couture возобновляет свою роль в центре международного дизайна моды. Однако американские дизайнеры доказали, что они внесли свой вклад в инновации в одежде. Они оставили свой след, модные журналы (такие как Vogue и Harper’s Bazaar) предоставили место и для американских дизайнеров.

Эдвардианская эпоха: 1900-1919

Эскиз костюма к вакханке из оперы «Нарцисс» Черепнина, 1911. Леон Бакст

Жар-птица, балетный костюм, 1910. Леон Бакст

Художник-постановщик Леон Бакст сотрудничал с Сергеем Дягилевым в создании костюмов Шахерезады для балета Русские балеты .Ярко окрашенные экзотические костюмы вызвали сенсацию, когда спектакль был показан в Париже в 1909 году. Это событие еще больше укрепило моду на «ориентализм» в западной моде.

Костюмы Бакста оказали глубокое влияние на парижские дома моды, включая Poiret, Worth и Paquin.

Модная тарелка Поля Пуаре опубликована в Journal des Dames et des Modes. 1912-14

Минерет Туника. Шифон «сорбет», атлас, меховая юбка и туника, 1912 год. Дизайн Поля Пуаре.

Поль Пуаре определил эдвардианскую моду такими предметами одежды, как юбка hobble (слева) и туника из минерального волокна (справа). Ему приписывают создание корсета и руководство другими парижскими дизайнерами в использовании восточных мотивов. Великолепный самопомощник, он считает себя пионером этих идей.

Платье Fortuny Delphos. Платье, вдохновляющее греков, - самый известный дизайн Фортуни. На основе «дорического хитона».

Мариано Фортуни и Мадрасо (Фортуни) не был модным

Накидка из тонкого бархата Мариано Фортуни с трафаретом, 1920-е годы

дизайнер по профессии. Он был художником, которому довелось также работать в текстильном искусстве, создавая предметы искусства, которые можно было носить, что оказало большое влияние на мир моды. Его платье delphos было сшито из «волшебно» плиссированного шелка, которое только его салон мог правильно очистить и пополнить. Эти вневременные платья, вдохновленные классическими линиями древней Греции, сегодня являются ценными коллекционными предметами.Часто забывают, что Фортуни также создавал прекрасные платья из шелкового бархата, которые зачастую были более замысловатыми и впечатляющими, чем платье из дельфоса.

1920-е и 1930-е годы

Маленькое черное платье, Коко Шанель, 1926

Габриэль «Коко» Шанель дизайнов

Платье Chanel couture из шелкового кружева и тюля, около 1937 г. Этикетка: Chanel с номером от кутюр на спине. Представлен на выставке Chanel в Метрополитен-музее.

определил моду 1920-х годов.Среди ее новшеств было «маленькое черное платье» (первое черное платье, не предназначенное для траура или похорон). Хотя ее часто отождествляют с практичной одеждой, у нее также была мода на ультра-женственные кружевные платья, особенно в 1930-х годах. Шанель также продвигала тренд на большие бижутерию и длинные бусы.

Платье Мадлен Вионне. Названный Bas Relief, 1931, фотограф Vogue Джордж Хойнинген-Хюэн.

Мадлен Вионне, 1932. Метрополитен-музей

Мадлен Вионнет сделала акцент на

крой платья, а не накладное украшение.Ей приписывают создание и освоение огранки смещения , определяющей моду начала 1930-х годов. Косой крой - это техника кроя одежды с использованием диагонального направления ткани, которая имеет естественное растяжение и изящную драпировку. Эта техника позволяла одежде подчеркивать изгибы женского тела и цепляться за них. Вионнет успешно возвращает естественные женские формы.

Платье Lobster и свадебное платье Tear от Эльзы Скиапарелли в сотрудничестве с Сальвадором Дали.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *