современные профессии в цифровой индустрии — fashionstudies.ru
Дизайн представляет собой довольно широкое и неопределенное понятие. Когда кто-то говорит: «Я – дизайнер», не понятно, чем конкретно он занимается на своей работе и, что входит в зону его ответственности. Существуют дизайнеры, работающие в промышленном секторе (мебель, автомобили), в интерьерном дизайне, в печати (газеты, журналы, листовки, плакаты), а также в цифровой отрасли. С развитием современных технологий и распространению интернета, все большую актуальность приобретают дизайнеры, специализирующиеся на мобильных приложениях, веб-сайтах, играх и программах для компьютеров и сматрфонов.
На волне этой тенденции, мы предлагаем вам рассмотреть особенности и разнообразие профессии дизайнера в цифровой индустрии, узнать больше об обязанностях дизайнеров и разобраться, какое получить образование.
UX дизайнер (дизайнер пользовательского опыта взаимодействия)
UX дизайнеры отвечают за создание проектов интуитивно понятных интерфейсов веб-сайтов или мобильных приложений, где каждый следующий шаг вытекает из предыдущего.
Профессия UX дизайнера предполагает высокий уровень владения инструментами дизайна, художественный вкус, развитые коммуникационные и аналитические способности, увлеченность, креативное мышление и знание психологии поведения людей.
Основные инструменты: Photoshop, Sketch, Illustrator, Fireworks, InVision.
Рекомендуемые программы обучения на факультете дизайна института Марангони:
– Программа Бакалавриата по графическому дизайну и Магистратура «Интерактивный дизайн и мультимедиа».
– Бакалавриат по промышленному дизайну и Магистратура по итальянскому промышленному дизайну.
UI дизайнер (дизайнер интерфейса)
Если в обязанности UX дизайнеров входит создание вайфрейма, то UI дизайнеры отвечают за то, как интерфейс будет выглядеть и реагировать на действия пользователя, т.
е. они создают интерактивный интерфейс. UX и UI дизайнеры, как правило, работают совместно, после того как UX дизайнер выполнил работу по проектированию, он передает ее UI дизайнеру, который занимается визуальной и интерактивной реализацией проекта.
Чтобы работать UI дизайнером, необходимо знать основы графического дизайна и программирования, а также обладать художественным вкусом и разбираться в психологии цвета.
Основные инструменты: Photoshop, Sketch, Illustrator, Fireworks.
Графический дизайнер (визуальный)
Графические дизайнеры универсальные профессионалы, которые работают над созданием стильного и красивого дизайна для веб-сайтов, мобильных приложений, журналов, открыток, рекламных буклетов, упаковок и т.д. В отличие от UI и UX дизайнеров, они не заостряют внимание на опыте взаимодействия или интерактивности интерфейса, их интересует только качественный дизайн иконок, баннеров, кнопочек и всех остальных элементов конечного продукта.
Основные инструменты: Photoshop, Sketch.
Рекомендуемые программы обучения на факультете дизайна института Марангони:
– Бакалавриат по графическому дизайну.
– Программа Магистратуры «Интерактивный дизайн и мультимедиа».
Интерактивный дизайнер (моушн)
Работа моушн-дизайнера заключается в создании анимации на сайтах или приложениях, они отвечают за реакцию интерфейса на действие или бездействие пользователя. Например, интерактивные дизайнеры решают, как и на сколько будет появляться баннер на сайте, каким образом будет нажиматься кнопка и прокручиваться экран, также они могут добавить анимированного персонажа на сайт, который будет подсказывать пользователям полезную информацию.
Основные инструменты: AfterEffects, Core Composer, Flash, Origami.
Рекомендуемые программы обучения на факультете дизайна института Марангони:
– Магистратура по интерактивному дизайну и мультимедиа.
– Программа Бакалавриата по графическому дизайну.
Дизайнер продукта
Профессия промышленного дизайнера получила широкое применение во всех областях дизайна, начиная от проектирования мебели и заканчивая созданием качественных приложений, благодаря их участию в создании внешнего вида продукта.
Обязанности таких дизайнеров отличаются в зависимости от компании и ее сферы деятельности. Касательно цифрового дизайна, они могут проводить исследования целевой аудитории, изучать поведение пользователей, а на основании полученных результатов ставить задачи перед командой разработчиков. Также они создают и визуализируют проекты интерфейсов, учитывая особенности опыта взаимодействия пользователя с продуктом. Современные технологии внесли серьезные корректировки в распределение ролей различных профессий, промышленные дизайнеры не стали исключением, в настоящее время они, зачастую, выполняют обязанности UX дизайнеров.
Рекомендуемые программы обучения на факультете дизайна института Марангони:
– Программа Бакалавриата по промышленному дизайну.
– Магистратура «Итальянский промышленный дизайн».
Если вы хотите узнать подробности о программах обучения дизайну, представленных в Istituto Marangoni в Милане, а также ознакомиться с открывающимися перед выпускниками возможностями, обращайтесь к консультантам STUDIES&CAREERS – официального представительства Марангони в России и Странах СНГ:
Москва +7 (495) 255 2979
Санкт-Петербург +7 (812) 612 2679
Алматы +7 (727) 224-52-01
Статья подготовлена по материалам FastCoDesign.
Крутые дизайнеры 20 века, о которых должен знать каждый, кто считает себя крутым дизайнером в 21-м веке
Зачем тебе это знать?
В цифровом маркетинге главный компонент — это контент. А контент должен быть правильно упакован. Иллюстрации для постов в ФБ, обложки страниц, инфографика, дизайн сайта, оформление презентаций — всё это инструменты борьбы за внимание клиента.
Когда у тебя заказывают дизайн, то платят за объем выполненной работы либо за затраченное время.
Но покупают твоё видение, стиль и понимание, как вообще работает дизайн.
Современный маркетинг — это преимущественно визуальный контент. Грамотный графический дизайн становится инструментом эффективного маркетинга и влияет на успех бизнеса в целом. Поэтому для дизайнера, который рассчитывает на серьезные проекты, важно опираться не только на свои неглубокие представления о визуальной стороне маркетинга.
Умения искать хорошие референсы также недостаточно. Тот, кто ориентируется на работы других дизайнеров без понимания основ дизайна — это как ребенок, который перерисовывает силуэты героев любимых мультфильмов. Дизайнер, который копирует референсы, пусть даже талантливо, просто отрабатывает свою зарплату и довольствуется второстепенными позициями.
В сфере визуализации атрибутов бренда и создания визуального контента дизайнер должен вести бренд вперёд и задавать тренды, а не плестись в хвосте креативных процессов и питаться только идеями других дизайнеров.
В основе современных дизайн-систем подходы, которые заложили основоположники дизайна. Посмотри на список фамилий, который мы публикуем ниже, и оцени свой уровень понимания основ современного графического дизайна.
Пол Рэнд. Человек, который сделал все крутые логотипы 20 века
Почему он важен. Пол, помимо создания логотипов для IBM, UPS, ABC, Esquire и других брендов, одним из первых классифицировал полезность логотипа и описал её.
Логотип IBM.
Почему о нем следует знать. Рэнд создал так много легендарных лого, потому что он строил свое творчество на системном подходе. Многие молодые дизайнеры считают, что дизайн — это чистый креатив. Пол Рэнд считал, что творчество должно строиться на системе ценностей, взглядов и определенной методологии. Его взгляды нашли отражение в легендарном тесте Рэнда — универсальном алгоритме проверки логотипа по 7 параметрам: уникальность, читаемость, адаптивность, запоминаемость, универсальность, вневременность и главный пункт — простота.
Почему он важен. Именно он придумал Swiss Design — стиль, на котором построен весь графический дизайн второй половины 20-го столетия; более того, активно нёс его в массы.
Плакат «Бетховен» для концертного зала.
Почему о нем следует знать. Принцип «Дизайн должен быть настолько очевидным, насколько это возможно» — основа современного минималистичного дизайна.
Армин Хофманн. Человек, который определил место шрифтов в дизайне
Почему он важен. Армин продвигал принципы, схожие со Swiss Design, однако в основу своих плакатов ставил работу со шрифтами, их положение и контраст с остальной картинкой.
Плакат к балету «Жизель».
Почему о нем следует знать. Принципы экономически выверенного использования цвета и типографики актуальны и по сей день. Более того, последние несколько лет они даже прибавили в популярности.
Йозеф Биндер. Человек, который создавал убедительные плакаты
Почему он важен.
Йозеф взял всё лучшее от геометрии кубизма и реалистичных образов, а после перенёс это в свои плакаты — получились запоминающиеся изображения, поражающие своей динамикой и монументальностью.
Постер для всемирной выставки в Нью-Йорке.
Почему о нем следует знать. Если ты хочешь научиться создавать убедительный визуальный контент — изучи работы Биндера. Этот человек — признанный мастер красноречивых плакатов.
Александр Родченко. Человек, который сделал графику динамичной
Почему он важен. Родоначальник дизайна в СССР превратил плакаты из статичных картинок в динамичные истории. Жаль, что его творчество эксплуатировалось деспотичным СССР. Родченко знаменит во всем мире, однако в более свободной стране он смог бы раскрыться намного сильнее.
Плакат «Дешевый хлеб» в сотрудничестве с Маяковским.
Почему о нем следует знать. Работы Родченко — доказательство того, что дизайн становится более убедительным, когда в нём работает вся композиция: интересная идея и динамичное исполнение.
Мари Нейрат. Человек, который заменил слова иконками
Почему она важна. Мари в сотрудничестве с коллегами разработала систему визуализации данных Isotype — первый прообраз информационного дизайна. Вообще-то идеологом изотайпа считается Отто Нейрат, однако рисовала все эти символы именно Мари.
Страница из книги Нейрат.
Почему о ней следует знать. Если тебе нравится создавать иконки, тебе обязательно стоит познакомиться с работами Мари: именно она показала миру, как можно самый заурядный график превратить в захватывающую визуальную историю — при помощи понятных иконок.
Иоханнес Иттен. Человек, который описал искусство цвета
Почему он важен. Йохан — крупнейший исследователь не только физических свойств цвета, но и его связи с формой, содержанием и даже настроением картин.
Обложка книги.
Почему о нем следует знать. «Искусство цвета» — если ты ещё не читал эту книгу, то быстро исправляй это упущение.
Эвклид. Человек, который дал нам Золотое сечение
Почему он важен. Мы знаем, что Эвклид жил не в 20 веке. Но он был первым, кто предложил понятие Золотого сечения, которое глаз воспринимает как самую «правильную» пропорцию. На этом основан весь дизайн — от графического до веб-дизайна.
Обложка книги «Элементы».
Почему о нем следует знать. «Элементы» Эвклида — это пособие по современному дизайну, написанное более 2 тысяч лет назад. Оливер Бёрн поработал над ним и сделал его ближе к нам — обязательно изучи эту версию. Эта книга была написана не в 20-м веке — в 1847 году.
Кстати, ниже ты найдешь еще двух человек, которые создавали графику задолго до 20-го века. Не удивляйся — мы не захотели перегружать заголовок словами «19 век».
Карл Герстнер. Человек, который заставлял типографику развиваться
Почему он важен. Карл ещё в 50-х годах 20-го века создавал работы, которые не теряют своей актуальности до сих пор, а также популяризовал искусство.
Обложка альбома Boite a Musique.
Почему о нем следует знать. Даже если ты не считаешь работы Карла стоящими внимания, обрати внимание на его подход: не останавливайся в творческом развитии — это означает смерть искусства.
Дизайн всегда помогал доносить информацию. Когда информации стало слишком много, понадобилась визуализация данных.
Шарль Жозеф Минар. Человек, который заложил основы инфографики 200 лет назад
Почему он важен. Шарль не был первым, кто нанёс линии на карту. Но он был первым, кто в основу этого ставил донесение информации понятным для людей визуальным языком. Сегодня такие графики, которые объединяют показатели количества в динамике, называют Sankey Diagram. Посмотри, насколько драматично выглядит инфографика военных походов, когда демонстрирует потери войск на каждом этапе кампании.
Поход Ганнибала в инфографике Минара.
Почему о нем следует знать. Именно Шарль стал революционером графических методов анализа и представления информации, и дал основу последующим работам.
Интересно, что именно Минар первым использовал такой тип диаграмм, как sankey chart, однако свое название они получили от фамилии ирландского инженера Sankey, который использовал такой подход для изображения потока энергии в паровом двигателе.
Уильям Плейфэр. Изобретатель графического отображения статистической информации
Почему он важен. Уильям изобрёл главные инструменты современной инфографики: линейные, столбчатые и круговые диаграммы.
Сравнение цен на зерно и зарплат рабочих.
Почему о нем следует знать. Уильям является прародителем информационной статистики, который совершил настоящую революцию в области представления данных.
Эдвард Тафти. Пионер визуализации данных
Почему он важен. Эдвард — автор книги «Представление информации», в которой рассказывает о важнейших принципах информационного дизайна: многомерном представлении информации, размещении информации по слоям и другом.
Книга «Представление информации».
Почему о нем следует знать. Обязательно прочитай книги Эдварда, если ты работаешь с визуализацией данных. Принципы Тафти — как 10 заповедей.
Ханс Рослинг. Человек, который сделал из статистики шоу
Почему он важен. Вместо гистограмм профессор Рослинг использует блоки LEGO, картонные коробки и другие предметы, чтобы «оживить» статистику.
Кадр с выступления на TED.
Почему о нем следует знать. Ханс не был дизайнером, но наглядно показал, что даже самые скучные данные могут быть интересными и увлекательными, если их правильно подать. Если ты хочешь научиться рисовать инфографику, надо думать не только о графическом стиле, который ты используешь. Попробуй представить, как подать инфографику так, чтобы она смогла удивить читателя, рассказать ему интересную историю из данных.
В Украине так сложилось: любой, кто научился держать стилус, через неделю считает себя гуру дизайна. Но если бы стать дизайнером было так просто, мы бы не писали этих статей.
В плане дизайна Украина — страна, у которой есть богатая история. Казимир Малевич и его супрематисты, Георгий Нарбут, Нил Хасевич, Клавдия и Евгений Кудряшовы — далеко не полный список графиков, художников, работы которых удивляют людей во всём мире. В силу различных исторических причин, прежде всего, из-за вынужденной иммиграции и подчинения украинской дизайнерской школы советской идеологии, украинская школа не смогла нормально развиваться.
Сейчас у тебя есть все возможности сказать свое слово и поучаствовать в становлении новой школы украинского дизайна. Для этого важно не только отслеживать новые тренды (это делают все), но и понимать, откуда они идут и с чего всё начиналось. Не знать людей, о которых мы написали выше, для дизайнера — все равно, что пытаться проповедовать в христианской церкви, ни разу перед этим не открыв Библии.
Скажи и ты свое слово в современном дизайнеКак раз сейчас мы ищем себе толковых дизайнеров в Top Lead. Если ты хочешь остаться в истории дизайна, попробуй поработать в нашей компании.
Мы работаем в индустрии визуализации данных и сможем сегодня научить тебя подходам, которые твои коллеги будут использовать только лет через пять.
Кликни по баннеру ниже, пришли нам свое портфолио, и мы дадим тебе тестовое задание.
13 современных дизайнеров, у которых есть стиль
Вы наверняка знаете, что шеф-повара дома вовсе не такие вдохновенные кулинары, таксисты не катаются на машине ради удовольствия, а врачи ненавидят консультировать родственников во время праздничных застолий. Даже самые отъявленные трудоголики знают, что лучше разделять рабочее и личное, иначе велик риск заработать эмоциональное выгорание, а то и нервный срыв. Побыть сапожником без сапог иногда очень полезно. Зарабатываете на жизнь интеллектуальным трудом? Включите после тяжелого дня тупую комедию. Постоянно объясняете клиентам, как правильно питаться? Закажите доставку из «Макдоналдса». Занимаетесь организацией мероприятий? Проведите выходные под одеялом в компании Netflix.
Этим же правилом руководствуются многие работники индустрии моды. Ничего удивительного, что дизайнеры, стилисты и модели в обычной жизни зачастую ходят в белых футболках и синих джинсах, – одежда окружает их постоянно, поэтому сил на то, чтобы продумывать собственный гардероб, не остается. Более того, некоторые модельеры принципиально не носят своих творений – например, Джонатан Андерсон считает это излишним бахвальством.
Исключения, впрочем, были всегда. Мэтры прошлого столетия, среди которых Ив Сен-Лоран, Юбер де Живанши, Ральф Лорен, Карл Лагерфельд, всегда выступали стильными ориентирами. К тому же сейчас инстаграм-реальность диктует совсем другие условия, особенно для креативных директоров. Мы так привыкли следить за блогерами, что и во главе брендов хотим в первую очередь видеть инфлюенсеров, чтобы не только покупать у них брюки и рубашки, но и разделять их ценности (и, конечно, смотреть, как они одеваются). Есть и еще одна категория дизайнеров – те, кто в принципе основал свой бренд, потому что носить было нечего.
Как правило, эти герои особенно выделяются из толпы. Мы выбрали 13 современных дизайнеров, среди которых есть и визионеры, и талантливые маркетологи. Объединяет их одно: кроме того что им удается выпускать по несколько коллекций в год, они еще и всегда думают о том, как выглядят сами.
1. Хайдер Акерманн
Да, мы все любим Тимоти Шаламе в костюмах Haider Ackermann и Berluti времен Хайдера. Но ученику пока не удалось превзойти учителя. Пальто с приподнятым воротником или объемный бомбер, подвернутые брюки, очки на носу и безупречные усы – так вы его узнаете. Хотя иногда у дизайнера и бывает настроение надеть пресловутую белую футболку и джинсы, намного чаще Акерманн выглядит как модель с его же показа.
2. Стефано Пилати
Коллекцию Random Identities, которую Пилати показал на Pitti Uomo в январе этого года, приняли невероятно тепло даже самые закоренелые скептики. Гендерно-нейтральные вещи отличного кроя, без лишнего китча и при этом совершенно не скучные – большая редкость в эпоху мерча.
При этом Пилати остается одним из тех дизайнеров, чьи образы рассматривать не менее интересно, чем коллекции: по его словам, в первую очередь он одевается для себя и получает от этого удовольствие каждый день. «Я много раз слышал, что шик не продает. Я бы сказал, что шик вообще не продается».
3. Алессандро Микеле
В Gucci Алессандро Микеле не только креативный директор, но и амбассадор (как и директор бренда Марко Биццари, куда более сдержанный в выборе одежды). На красных дорожках дизайнер всегда одет так, словно сам вот-вот выйдет на подиум. А если он и выбирает простые синие джинсы, то непременно с алыми носками, приметным ожерельем, а то и тиарой.
4. Том Форд
Автор самых элегантных смокингов в мире во всех интервью утверждает, что носит один и тот же костюм, пока тот в прямом смысле не порвется (причем в месте, где по логике вещей должно быть нижнее белье, которое Форд принципиально не надевает). Мы, конечно, призываем вас к осознанному потреблению, но не настолько.
А вот тщательно подбирать аксессуары советуем настоятельно. У Тома Форда это традиционно очки с полупрозрачными линзами и изящная булавка на воротнике рубашки.
5. Симон Порт Жакмюс
Львиная доля популярности Jacquemus зиждется на личности основателя. Простой парень Симон из-под Марселя научил нас красиво вести инстаграм, показал, как носить микросумки на шее, и окончательно похоронил скинни. Если вы тоже предпочитаете удобную обувь, свободные брюки и песочные оттенки, то поздравляем – стиль Жакмюса вам подходит идеально.
6. Том Браун
Пожалуй, единственный человек, который носит шорты даже чаще, чем Фаррелл Уильямс. Том Браун много лет верен и еще двум вещам: трикотажным жилеткам и серому цвету. Невзрачную цветовую гамму разбавляют точно расставленные акценты: нагрудный платок в кармане пиджака, зажим для галстука и фирменная полоска Thom Browne, напоминающая нидерландский флаг.
7. Стефан Ашпул
Стефан Ашпул – представитель молодого поколения дизайнеров, которые на деле и не дизайнеры вовсе, а, скорее, стилисты, продюсеры и промоутеры в одном лице.
В детстве и юности Стефан всерьез занимался баскетболом, но вместо карьеры в НБА (там, кстати, тоже немало модников) Ашпул открыл магазин Pigalle, названный в честь Девятого района Парижа. Чуть позднее последовал запуск одноименной марки, которая приглянулась в том числе и A$AP Rocky – большому ценителю стритвира. Образы Ашпула никогда не бывают скучными. Он обожает яркие цвета, уважает баскетбольную культуру и в целом одевается без привязки к конкретному стилю. Кто сказал, что любители стритвира не могут позволить себе кепи?
8. Грег Лорен
Племянник Ральфа Лорена вдохновляется не американской мечтой, а Оливером Твистом; самый большой фанат Greg Lauren – Евгений Чичваркин, который свой стиль иначе как «клошар-делюксом» не называет. Грег и сам любит выглядеть слегка небрежно и как будто помято, но за внешним видом скрывается серьезная работа. Карьеру дизайнера Лорен начинал не с принтов на купленных в Uniqlo футболках, а с изучения портновского ремесла, поэтому даже в деконструированном пиджаке плечо будет точно на месте.
9. Раф Симонс
«Что бы вы ни придумали, это когда-то было у Рафа» – мнение в индустрии моды расхожее. Свой творческий потенциал дизайнер предпочитает реализовывать в коллекциях, пока в гардеробе царит порядок. Симонс редко решается на смелые эксперименты и предпочитает проверенные вещи: строгие брюки и свободные рубашки, объемные джемперы и двубортные пиджаки, минимум аксессуаров и классическую обувь. Разве что изредка делает исключение для лаковых челси Calvin Klein с квадратным металлическим носом.
10. Ким Джонс
Сразу видно, кто привел Supreme в Louis Vuitton, а Nike – в Dior Men. У Кима Джонса был бы далеко не самый выразительный гардероб (хотя хорошее базовое пальто никогда не лишнее), если бы не страсть дизайнера к кроссовкам и массивным украшениям. Он патриотично отдает предпочтение аксессуарам Dior Men, за которые в бренде отвечает основательница Ambush Юн Ан.
11. Марк Джейкобс
Нельзя сказать, что бренд Marc Jacobs процветает, но зато его основатель чувствует себя превосходно. Возможно, Марку пора переквалифицироваться в коуча: он способен многое рассказать про принятие себя и самовыражение, борьбу с дурными привычками и страхами показаться не таким, как все. Но пока запись на вебинары не открыта, нам остается только восхищаться тем, как Джейкобс красит ноготочки, взбирается на чудовищно высокие каблуки, возвращает в моду силуэты времен Пьера Кардена и не устает хвастаться архивами Celine.
12. Хироки Накамура
Первое, что вы узнаете про марку visvim, которую Хироки Накамура основал в 2001 году, – все очень дорого. Такой ценовой политики бренд придерживается неслучайно. Кажущиеся простыми и местами даже невыразительными вещи при ближайшем рассмотрении оказываются если не произведениями искусства, то технологическими шедеврами. Одежду visvim разрабатывают годами – чтобы вы могли носить ее в три раза дольше. Накамура трепетно относится к традициям и дотошно – к деталям. А еще он уважает винтаж и всегда выглядит так, будто особо не старался, но мы-то знаем, что это не так.
13. Канье Уэст
Хотя Канье Уэста сложно в полной мере назвать дизайнером – он скорее талантливый маркетолог, чем художник, – замашки у него имперские: последняя задумка Ye – создать идеальное худи. В чем Уэсту не откажешь, так это в верности своей эстетике: приглушенные тона и бесформенные силуэты на нем всегда смотрятся органично (да еще и обеспечивают продажи коллекций Yeezy). Ради этого стоило отказаться от белых пиджаков, футболок с V-образным вырезом и джемперов в стиле преппи, которыми Канье увлекался в нулевых.
Вероятно, вам также будет интересно:
Как инстаграм стал для модных брендов важнее дизайна
Раф Симонс и источники его вдохновения
Как одевается Хайдер Акерманн – один из самых стильных дизайнеров современности
10 самых известных дизайнеров мира
В России дизайн интерьера получил активное развитие относительно недавно: лишь с началом эпохи капитализма успешные и состоятельные персоны начали отказываться от общепринятых клише в сторону выражения собственной индивидуальности. Для инсайдеров этой, как ни крути, молодой профессии ориентиром послужил мировой опыт.
Участники обзора ранжированы условно – по частоте упоминания в отраслевых изданиях всего мира. Основой рейтинга послужили данные авторитетного агентства Brand Analytics. Представляем вам лидеров интерьерного дизайна наших дней.
1
КАРИМ РАШИД
Страна: США
Начало карьеры:
собственную студию открыл в 1993 году
Всё, что он делает, – абсолютно нестандартно и всегда принимается на ура. Только за последние 10 лет Карим Рашид получил около 30 наград в области промышленного дизайна.
Наполовину англичанин, наполовину египтянин, Карим Рашид родился в Египте, вырос в Канаде, а курсы дизайна окончил в Неаполе. Он полагает, что мебель должна отражать реальность. И старается делать предметы, которые приносят радость, упрощают задачи и повышают наш уровень красоты. Жизнь Карима расписана на год вперед. Он сделал уже более 2000 работ. Ежемесячно в мире проходит по две его выставки.
Карим Рашид хочет проектировать всё: автомобили, самолеты, одежду, дома, роботов. Футуристические проекты среды обитания Карима Рашида кажутся многим чересчур смелыми и далекими от реальности. Хотя сам дизайнер считает, что они подчинены гармонии и удобству, и каждая вещь в них максимально полезна: «Человек, однажды поживший в моем интерьере, уже никогда не сможет вернуться в традиционную обстановку, потому что дизайн от Карима Рашида раз и навсегда покажет ему, что такие простые и прагматичные вещи, как окно с правильно падающим светом, или особая высота потолка, или многофункциональная мебель – это жизненно Majik Café в Белграде необходимые вещи».
Знаменитое кресло PYRAMID
Правда, дизайнер признает, что окончательный переход к предложенной им среде обитания – это дело будущего. А в настоящем Карим Рашид придумывает мебель для Alivar, BoConcept, Edra, Frighetto, Pure Design, Zerodisegno, Kartell и др. Посуду – для Mglass, Nambe, Micasa, Covo, светильники – для Fosсarini, Penta, Artemide, бытовую технику – для Gorenje. Однако заподозрить Карима Рашида в корысти не приходит в голову. Его принцип: «Работай for fun, а не ради вознаграждения. Или не работай вовсе».
Дизайн аптеки в Белграде
Ресторан Morimoto в Филадельфии
Majik Cafe в Белграде
2
ФИЛИПП СТАРК
Страна: Франция
Начало карьеры:
собственную студию открыл в 1968 году
Старк – супервыдумщик, суперуниверсал и супербизнесмен. Он создает частные дома и интерьеры, проектирует всё и вся. Выступает за «доступность» дизайна, показывая, что его вещи может если не купить, то увидеть каждый.
«Когда я начал работать, понятие «дизайн» означало очень красивые и дорогие вещи для очень богатых людей. Если вы думаете, что я всю жизнь проведу, работая на горстку людей, – спасибо, я лучше посплю. Поэтому всю жизнь я убиваю дизайн, вернее, уничтожаю эту его элитарность».
Филипп Старк своеобразно и талантливо продвигает свой бренд. Он продвигает в первую очередь себя, а за брендом Starck идет весь созданный им предметный мир. Он в огромных количествах плодит и распространяет идеи и мифы о себе, умея объяснить всё и вся, убедив окружающих в своей правоте. Создал шедевр дизайнерской мысли – соковыжималку для цитрусовых для Alessi – и сообщил всем, кто упрекал ее за неудобность: «А выжимать сок ею интереснее, чем удобной электрической. Надо понимать, что очевидная функция вещей не всегда есть их истинное предназначение».
Письменный стол BAOBAB для Vitra больше
похож на скульптурный объект
Соковыжималка
Juicy Salif
Спорить с ним бесполезно, всё равно переспорит. Его работы признаны и высоко оценены, как международным профессиональным сообществом, так и огромным числом потребителей – от самых состоятельных слоев общества до простых людей. Вещи от Старка узнаваемы, притягательны и любимы. Его дизайн – супертехнологичен, изобретателен, остроумен, ироничен. Филипп Старк «играет» в вещи. «Моя работа – постараться очистить мир и сделать жизнь лучше.
Окружив себя уродливыми вещами, мыслями и намерениями, вы и сами становитесь уродом. Но среди красивых вещей, прежде всего красивых по смыслу, жизнь становится лучше». Казалось, нет области дизайна, в которой он не попробовал бы своих сил, причем с неизменным успехом.
Интерьер отеля
Sanderson в Лондоне
3
ПАТРИЦИЯ УРКИОЛА
Страна: Испания
Начало карьеры:
собственную студию открыла в 2001 году
Патрицию Уркиолу называют ураганом за ту головокружительную скорость и мощь, с которой она взошла на олимп мирового дизайна. Места на нем занимают в основном мужчины, и появление женщины всякий раз вызывает удивление. Но в случае с Патрицией заслуги дамы неоспоримы. «Женщины добавляют в дизайн больше здравого смысла. Если правая половина кресла напоминает левую, жизнь останавливается. Мебель надо отделять от нас и представлять ее частью большого мира».
Музеи мира уже пополняют ее произведениями свои постоянные коллекции. Лампа Bague от Foscarini из перфорированного металла с силиконовым покрытием и кресло Fjord от Moroso, своей формой напоминающее очертания гор, представлены не где-нибудь, а в знаменитом MoMA – Музее современного искусства в Нью-Йорке. «В положении, которое мы занимаем в обычном кресле, в кресле Fjord не будет удобно. Надо обязательно принять асимметричную позу, чтобы опереться на расположенную сбоку спинку и единственный подлокотник. Ведь будущее дизайна в отсутствии симметрии!» – уверена дизайнер.
Стул Flower, софа Loom и горизонтальное кресло Chaise Longue — строгие, но элегантные, простые, но изысканные — выражают понимание Патриции того, каким должен быть дизайн
Патриция сотрудничает с компаниями мирового значения: Moroso, Lissoni Associati, Agape, Alessi, B&B, De Padova, De Vecchi, Driade, Foscarini, Kartell, MDF, Molteni, San Lorenzo, Knoll, Marks and Spencer, Sand, Somma, Roberto Torretta. Она умеет убедить производителей в том, что надо выходить за границы традиционных и стандартных вещей.
Кредо Патриции – комфорт. Ее специализация – «сидячие места» и всё, что с ними связано. При этом она не делает вещей, которые нужно держать за стеклом, как музейные экспонаты: «Если мой продукт выглядит современно и модно, но совершенно не пригоден в использовании, значит, я идиотка».
Современный винтаж от Патриции
Уркиолы для отеля Room Mate в Милане
Творения Патриции копируют. После того как итальянская фабрика Moroso выпустила софу Lowland, рынок наводнили диваны-двойники. Модель даже собирались снять с производства
4
АРНЕ КУИНЗ
Страна: Бельгия
Начало карьеры:
собственную студию открыл в 1999 году
«Я люблю искусство – потому что в нем нет правил, и я могу придать реальную форму всем своим чувствам. С другой стороны, я люблю дизайн – потому что в нем есть правила, и мне нравится с ними бороться», – заявляет Арне Куинз. Выполненные им в 1999 году пуфы из уникального вспененного материала стали предвестниками зарождения полноценной мебельной дизайн-студии Quinze&Milan, которую Арне Куинз до сих пор возглавляет в качестве арт-директора.
С самого начала студия Quinze&Milan позиционировала себя «творцом атмосферы»: ее мебель была не самоцелью, а образом жизни, который бросил вызов царящему в дизайне минимализму. Получившиеся формы были дикими и сексуальными, беззаботными и свободными, кричащими и необузданными. Очень скоро журналисты окрестили Куинза «плохим парнем из мира дизайна» и «любителем Prada в стиле Punk».
Модульный
стеллаж
Honey Comb
Сегодня в работе студии задействовано более 60 архитекторов, девелоперов и дизайнеров, а комплекс услуг стал включать в себя дизайн в самом широком смысле слова: от создания брендбуков до дизайна обуви и архитектурного проектирования. Однако лицом и носителем философии студии Quinze&Milan по-прежнему остается Арне Квинз – главная «поп-звезда мебельной тусовки». «Я никогда не учился. Никогда не умел работать на компьютере. Машины слишком медленные – моя мысль быстрее. И у меня всегда есть блокнот и карандаш, чтобы ее записать».
Для него не существует границ, нет ничего невозможного. Когда-нибудь он мечтает построить собственный город. А пока мебель Куинза можно встретить во всех значимых постройках последнего десятилетия. Да и вообще этот бельгиец, больше похожий на лидера хардкор-группы, считает себя, прежде всего, художником. Будучи бездомным подростком, он был мастером уличной живописи – граффити. Видимо, оттуда и привычка выставлять себя напоказ, жажда широкой аудитории.
Кресла-шезлонги JELLY FISH
Диван CLUB SOFA спроектирован наподобие
джинсов со множеством карманов
Интерьер ресторана Kwint в Брюсселе
Концепт-кар MAGNA
5
ФАБИО НОВЕМБРЕ
Страна: Италия
Начало карьеры:
Собственную студию в Милане открыл в 1994 году
Фабио – дизайнер-индивидуалист. Но при этом уважает Марка Ньюсона, Рона Арада, Тома Диксона. Все они, между прочим, живут и работают в Англии. Но Новембре – итальянец до мозга костей, поэтому в противоположность инженерному подходу Диксона или поверенной компьютерными программами расчетливой гармонии Арада его творческий метод основан на чувственности и эмоциях: «Чем дольше я живу, тем больше становлюсь технократом. И чем больше я подчиняюсь власти технологий, тем сильнее мои предметы связаны с чувствами и инстинктами».
Будучи арт-директором Bisazza, Фабио Новембре воздвиг из мозаики настоящий Памятник Любви. На унитазе и биде VOID для Flaminia как будто бы остались вмятины от прикосновений к еще не подсохшим чашам.
Наверное, сложно назвать другого дизайнера, которого бы так вдохновляло человеческое тело. Начиная от округлостей собственной жены и заканчивая абстрактными женскими и мужскими попами – их реалистичные очертания он скульптурно запечатлел в стульях HIM&HER для Casamania. В остальном очертания у стульев узнаваемые, хрестоматийные – получился эдакий Вернер Пантон «поновембревски». Вместо спинки дивана для Driade – силуэт женщины в расслабленной и соблазнительной позе, да и вообще в каждом кресле или сиденье невольно проглядывают человеческие черты: нос, скулы, губы, плечи.
Всё пространство обувного
бутика в Риме опутано лентами
из кориана
Простые рубленые формы – это не про него. У Новембре всё течет, меняется, живет, пульсирует: интерьер обувного бутика опутан бесконечной лентой полок, изголовье кровати плавно переходит в каркас, форма смесителя такова, что кажется, будто он вытекает из раковины вместе с водой, а стеклянная столешница на десятках ножек-щупалец – почти видишь, как она колышется при малейшем движении воздуха, – на самом деле очень устойчива. «Люблю проектировать пространства, где может собираться много народа, – места бесчисленных встреч. Ведь смысл жизни для дизайнера-индивидуалиста – в общении с другими».
Стулья HIM&HER для
Casamania («Его»
и «Ее») имеют более
чем характерные
формы. Столь
натуралистичные
слепки «мягких
мест» отливаются из
высококачественного
пластика
Стол Org Tables для Capellini с гибкими ножками, как у спрута
Спинка дивана Divina для Driade сделана в виде
силуэта «дивы». Фабио обожает устраивать
фотосессии с собственными творениями, чью чувственность форм
всегда подчеркивает недвусмысленными позами
6
КРИСТОФЕР ХОЛЛ
Страна: Турция
Начало карьеры:
1988 год
В Стамбул новозеландский дизайнер Кристофер Холл перебрался еще в начале 2000-х, движимый большим интересом к восточной культуре. Со временем он проникся ею настолько глубоко, что теперь реализует свои самые масштабные проекты именно здесь, на Востоке.
Среди его заказчиков числятся несколько арабских принцев. Холл строит свои интерьеры на соединении современного европейского дизайна и восточных архитектурных традиций. Это хорошо заметно не только в его проектах, но и в мебели, которую он проектирует, придумывая замысловатые металлические конструкции по мотивам арабесок.
Так же Кристофер проектирует и выпускает
под своим брендом предметы мебели
Его интерьеры
всегда по-хорошему
старомодны,
как правильно
выдержанное вино
или фамильный,
передаваемый
из поколения
в поколение ковер
Холл — один из немногочисленных дизайнеров, которые работают
на стыке арабского традиционализма и европейского ретро
Один из проектов для внука короля Саудовской
Аравии — принца Фейсала бен Саттама
7
ДЖОНАТАН АДЛЕР
Страна: США
Начало карьеры:
2002 год
Родился в Нью-Джерси. В свои одиннадцать лет он впервые сел за гончарный круг, годами позднее безуспешно пытался выучиться на адвоката, работал в кино и в итоге стал дизайнером. То, что он является самоучкой, не помешало Джонатану Адлеру основать собственную компанию по выпуску керамики и прочих аксессуаров, открыть двадцать магазинов и декораторское бюро в придачу.
В своих проектах часто берет за основу элегантный дизайн 1950-х, но за счет щедрого использования кричащих цветов, графичных орнаментов и провокационного современного искусства интерьеры у него получаются экстравагантными и избыточными.
Дом
в Нью-
Йорке
Адлер обвиняет симметрию в том, что она «отнимает легкость
в восприятии окружающего мира». Тем интереснее наблюдать,
как он обращается к ней в своих работах
В числе любимых «фишек» дизайнера –
ковер с графичным орнаментом,
структурирующим пространство
Дизайн
гостиной
8
АКСЕЛЬ ВЕРВОРДТ
Страна: Бельгия
Начало карьеры:
открыл свою компанию в 1968 году
На данный момент компания Акселя Вервордта базируется в здании бывшей винокурни неподалеку от Антверпена.
В 1970-х дизайнер выкупил и отреставрировал по картинам Вермеера и Питера де Хоха целый квартал в Антверпене. Кроме того, Вервордт сам выпускает мебель: пухлые кушетки и ушастые кресла в льняных чехлах, отлично дополняющие антикварные буфеты и столы из состаренного дерева, без которых редко обходятся его проекты.
Интерьеры Вервордта зачастую обставлены скупо, но поскольку вещи он отбирает с характером и с историей, в них нет холодности, свойственной минимализму.
Замок
декоратора
Акселя
Вервордта
Пентхаус в стиле шале
В 1990-е годы легендарный французский
булочник Лионель Пуалан купил бывший форт
на частном острове у берегов Бретани
и поручил его реставрацию Акселю Вервордту
Обшарпанный
столетний стол на
кухне, голый бетон
на стенах и полах…
В отеле Роберта
Де Ниро это самый
лучший номер.
Стоит 15 000 USD
за ночь
9
ТОМАС ФИЗАНТ
Страна: США
Начало карьеры:
в 1980 году основал бюро Thomas Pheasant
Американский декоратор и мебельный дизайнер – в этом качестве он сотрудничает с марками Baker и McGuire. Не любит ничего яркого, в его проектах преобладают теплые сливочные оттенки и цвет слоновой кости, а акцент сделан не на цвет, а на фактуры.
С точки зрения стиля это типичная американская классика, в которой понемногу от ар-деко, Beaux-Arts и французского модернизма 1950-х годов. Однако сам Физант говорит, что на него сильнее всего повлияло знакомство с культурой Востока. Он считает, что хороший интерьер должен вызывать умиротворение. Вполне в духе дзен-буддизма.
Современные 30-е в квартире
над Центральным парком в Нью-Йорке
Зеркало Blossom,
Baker. Рисунок
рамы, по мысли
Физанта,
стилизованно
воспроизводит
цветки вишни на
кимоно
Гостиная дома
в Вашингтоне
Столовая дома в
окрестностях Вашингтона
10
ТАНДЕМ
BARBEROSGERBY
Страна: Великобритания
Начало карьеры:
студия организована в 1996 году
Два английских дизайнера Эдуард Барбер и Джей Осгерби работают под одним брендом – BarberOsgerby. Мужчины вместе изучали архитектуру в Королевском колледже искусств в Лондоне. После его окончания в 1996 году основали собственное дизайн-бюро.
Первая же совместная работа – стол Loop (для Isokon Plus) – вошел в постоянную коллекцию лондонского Музея Виктории и Альберта. Барбер и Осгерби ведут дела компании Universal Design Studio, профиль которой – архитектурное проектирование и дизайн интерьеров. Они работали над интерьерами магазинов Стеллы МакКартни и знаменитым баром Pharmacy Дэмиена Херста.
В области предметного дизайна Барбер и Осгерби выполнили серию аксессуаров для ванных комнат Lunar – для Authentics, спроектировали новую бутылку Ipsei для компании Coca-Cola. Среди их клиентов немало других уважаемых брендов: Cappellini, Established & Sons, Flos. Созданное ими кресло Glove для Swedese названо лучшим на лондонской выставке 100 % Design 2007. А в Майами их наградили титулом «дизайнеры будущего».
Стул-качалка Tip Ton для компании Vitra, имеющий своеобразные полозья, которые позволяют сидящему наклоняться вперед на 9 градусов, достигая максимально удобного для работы положения
Стол Loop вошел в постоянную коллекцию
лондонского Музея Виктории и Альберта.
Стол Tobi Ishi полностью изготовлен
из мрамора — белого каррарского
или черного Маркина
Диван с меняющимися одним движением руки чехлами
позволяет экспериментировать с интерьером без
особых затрат и кардинальной смены мебели
*источник: журнал tmn №31 (декабрь 2016–февраль 2017)
Проект подготовил Никита Марченко
Современный российский текстиль: семь дизайнеров и брендов
В рамках темы месяца Design Mate в августе, «Русский сезон: современный российский дизайн и архитектура», мы вспомнили 7 российских дизайнеров и брендов, которые занимаются текстилем, от большой и знаменитой Solstudio Textile Design до маленьких семейных проектов Elnik и Ivanka Home. Составить подборку нам помогла приглашенный редактор DM в этом месяце Татьяна Кудрявцева.
Студия текстильного дизайна Solstudio Textile Design
Студия дизайна, специализирующаяся на разработке паттернов для текстильного дизайна, Solstudio Textile Design была основана в 1999 году, и сегодня она единственный российский участник многих текстильных выставок: парижской Premiere Vision, шанхайской Intertextile Shanghai, мюнхенской Munich Fabric Start и нью-йоркской Indigo. В Solstudio работает 30 профессиональных художников и дизайнеров, помимо разработки коллекций на несколько сезонов вперед студия ведет лекционную и обучающую работу по продвижению современного текстильного дизайна, в том числе экспериментальный курс в МГХПА им. С.Г.Строганова. Один из проектов Solstudio – собственный бренд шелковых платков Radical Chic, а еще в группу текстильной студии входит фабрика печати на тканях Red Dot Industry.
Света Герасимова
Молодой дизайнер Света Герасимова родом из Санкт-Петербурга и училась текстильному дизайну в Санкт-Петербургской академии им. А. Л. Штиглица. Света рисует принты, которые покупают итальянские текстильные фабрики и поклонники красивых тканей в России, она сотрудничает с дизайнерами Ильей Челышевым и Сананом Гасановым, разработала принты для коллекций татьяны Парфеновой. кроме того, у Светы есть свой бренд расписных плащей для детей и их родителей Heknah Degul, а совсем недавно другой бренд одежды, OLA OLA, запустил линейку платьев с ее принтами. Кроме моды, дизайнер занимается текстильным декорированием помещений, делает авторский текстиль для интерьеров. «В интерьере обязательно должно быть то, что вызывает у вас хорошие эмоции, и ткани как раз являются тем, что может поднять вам настроение», – говорит Света.
Карина Петросян
Дизайнер по текстилю Карина Петросян сотрудничает с H&M, Other Stories, Twist&Tango и другими брендами, создает авторские ткани для фэшн-индустрии и делает художественные гобелены. Растительные мотивы и яркие, в духе Марко Ротко, цвета – общий признак работ Карины. Помимо текстиля, она занимается живописью, графикой и аппликацией.
Анастасия Бухинская
Анастасия Бухинская хоть родом и из России, сейчас живет и работает в Милане. Девушка успела поработать с некоторыми большими компаниями – Red Valentino, Versace и Vogue Italy, – основала свой бренд шелковых шарфов Teffy и продолжает рисовать принты для текстиля: купальников, свитшотов, подушек и одеял. Рисунки, цифровые изображения и фотография природы складываются в руках дизайнера в органичный коллаж, динамичный и максимально яркий. «Мое вдохновение – энергичный и изменяемый мир, в котором мы живем», – говорит Анастасия.
Kokosha Studio
Компания-производитель текстильных аксессуаров была основана художником-орнаменталистом и дизайнером интерьеров Ксенией Коссой. Влюбленная в народное творчество она решила создавать орнаменты, основанные на народных узорах, но разработанные в контексте современных тенденций в моде. Один из последних проектов – платки, шарфы и шали по мотивам Кайтагских дагестанских вышивок. Мастерицы вышивали по памяти, поэтому одинаковых рисунков не найти. Панно наполнены символикой: круг и полукруг – это солнце и вселенная, крест – четыре времени года или стороны света, фигурки людей – мужское и женское начало.
Elnik
Elnik – проект дизайнеров Егора и Кати. Марка появилась в 2014 году из увлечения ребят Русским севером. С тех пор дизайнеры наладили шелкотрафаретное дело и выпустили несколько коллекций текстиля для детей и дома, в том числе минималистические скатерти и полотенца Elnik по мотивам природных явлений. Красивые скатерти «Утренний дождь» и «Вечерний дождь» изготовлены из плотного небеленого льна с нанесенным на ткань (техника – ручная печать) темно-синим или бледно-розовым орнаментом. Один из последних коллекций – покрывала, подушки и шторы из коллекции «Мхи», расписанные мхами, лесными растениями и зайцами.
Ivanka Home
Ivanka Home – еще одна маленькая семейная студия. Ее основатели, Даша и Леша, учились на архитекторов, занимались моушен-дизайном, а потом начали рисовать принты в современном русском стиле. Ребята делают не только текстиль, но и обитую им мебель – кресла, диваны и пуфы. Сейчас у них вышли уже семь полноценных коллекций. Последняя – «Веточки» – самая минималистичная, и от того, кажется, самая выразительная.
На обложке – платок по дизайну Светланы Герасимовой.
современный дизайнер для Дома моды • Интерьер+Дизайн
В 2017 году Дому Nina Ricci исполняется 85 лет. Событие отметят первой в России выставкой в пяти залах Государственной галереи на Солянке. На вернисаж приедет Ана Штрумпф (Ana Strumpf).
По теме: Хаяо Миядзаки (Hayao Miyazaki): первая выставка в России
Основные черты моды от Nina Ricci — абсолютную женственность и непобедимую жизнерадостность — дополняют сегодня нотки риска и свежие коллаборации с популярными авторами.
Мадам Нина Риччи перед своим портретом кисти Сирмёза. 1960-е.В 2016 году резонансным стал альянс Дома Nina Ricci с французской художницей Сoco (она придумала коллекционные флаконы Nina Pop), а в 2017 — с бразильским предметным и интерьерным дизайнером Аной Штрумпф. Ана создала рисунки для рекламной кампании парфюмов Les Gourmandises Nina & Luna.
Колумнист Vogue Brazil (ведет колонку о дизайне), мама маленьких близнецов, в активе Аны Штрумпф есть и запуск собственного модного магазина, и проект Re.Cover, который принес ей мировую известность. «Рисовала всякие каракули на обложках, но результат мне понравился и я стала выкладывать фотографии в инстаграм.» Успех пришел быстро.
«Переделать, пересмотреть, перекомпоновать — принцип, который пропитал мою работу в течение длительного времени. Когда был магазин, я брала винтажный текстиль для отделки сумок, подушек и обивок. Теперь делаю что-то похожее с обложками журналов мод. Когда печатные издания переживают столь сильный кризис, я считаю это хорошим и ненавязчивым способом выделить публикации, которые могли остаться незамеченными».
Проведя в Нью-Йорке несколько лет со своим мужем кинематографистом Деннисоном Рамальо, она вернулась в родной Сан-Паулу, в 180-метровую квартиру, которая служит для Аны и любимым домом, и настоящей мастерской. «Я никогда не буду минималистом. Мне нравится смешивать стили: вещи с блошиных рынков, собственные работы, картины новых художников. Стены у меня — «всегда растут…»
Выставка «Nina Ricci. Во сне и наяву» пройдет с 26 октября 2017 по 10 декабря 2017 года.
Современный веб-дизайн: популярные стили и элементы
По мере того, как WEB среда развивается, меняются восприятие пользователем дизайна и оформления контента. Новые направления веба с передовыми технологиями сайтостроения меняют и дизайнерские взгляды, но в целом, популярность современного чистого веб-дизайна продолжает расти. В моде лаконичность оформления и простота визуальных решений – разработка которых потребует от web-дизайнера учитывать еще и пользовательские ожидания.
Coastal Creative называет 2018-й годом контрастов и сочетаний разных стилей & направлений. Оформляя веб-сайт крупными изображениями, современный дизайнер волен добавить ретро-паттерны, цвета & типографику. Может использовать 2D окружение в трехмерном дизайне или статические иллюстрации с ненавязчивыми эффектами.
Визуальные контрасты уже начинают менять веб-дизайн. Стремясь к ясному разграничению, дизайнеры тонко сочетают изысканные штрихи с объёмными формами. Далее, ТОП популярных элементов и стилей современного веб-дизайна с примерами применения в композициях запоминающихся сайтов.
Текст, перекрывающий графический контент
Не секрет, что многие сайты выглядят скучновато и в 2017 году появилось неожиданное решение – перекрывающий контент. Это различные пересечения текста с изображениями, плашками, блоками. Применением крупных и жирных шрифтов продемонстрирует вашу уверенность, а посетителю позволит взглянуть на сайт с различных точек зрения.
Дизайны с наслаиванием и пересечением контента в общем пространстве:elegantseagulls.com – сайт агентства с чистым дизайном и нестандартными подходами
carbonbeauty.com – минималистичный черно-белый дизайн, заголовок смещается вниз с прокруткой и проходит за и перед блоками
thibaultpailloux.com – разработчик на собственном сайте разнообразил тренд, украсив переходы градиентами
Асимметричные макеты и «ломаная» сетка
Ломаное размещение элементов – набирающий популярность web-тренд, для реализации которого не требуются экстра ресурсы разработки. Нестандартную сетку применяют, чтобы сайт не походил на другие из своей ниши. Вместе с направлением асимметричного дизайна, стиль наслаивания элементов порождает особую эстетику и свои правила. Нетипичная, как и любая другая верстка, подразумевает необходимость поддерживать визуальный баланс. Тут нужно будет планировать пересечения так, чтобы уравновесить асимметричную структуру оформления сайта.
Дизайны с асимметричной разметкой и наслаиванием элементов:welikesmall.com – ультрасовременный дизайн digital-агентства использует ломаную сетку с асимметричными пересечениями элементов. Крутые эффекты и микро-анимации интерфейса
techstyle.com – черно-бело-синий дизайн с анимацией и параллаксом. Полупрозрачные плашки поверх фото с реалистичными тенями перекрывают собой синие круги, наезжающие на гранжевые фоны. Множественное наслаивание асимметричных flat-элементов создает объем, а вертикальное свободное пространство добавляет креатива и стильности
originalterritory.com – приятный eCommerce сайт «Территория собак» с асимметричной разметкой. Дизайн мягкий, компактный и современный
imsproductions.com – красивое применение тренда на сайте американской продакшн компании
heeds.eu – яркий и нестандартный дизайн. Двуцветная коррекция изображений, градиенты, ломанная разметка
Duotone и оверлей поверх изображений
Двутон (Дуплекс), overlay (перекрытие) с наложением слоя цвета и применение эффекта двойной экспозиции фотографий уже применяются в дизайнерских сайтах и ресурсах с медиа-контентом. Интерес масс к двутоновому окрашиванию пробудил запуск персонального плейлиста Spotify.
Современные и эстетичные веб-дизайны применяющие дуотон:muller.it – итальянский продуктовый бренд красиво оформил сайт дуотон-видеобекграундом с добавлением мягкого градиента
cliquestudios.com – на главной странице сайта дизайн-агентства кейсы разграничены цветовыми фильтрами (overlay)
socialplayground.com.au – дуотон фото усиливают социальные доказательства, украшают главную и страницу «О нас»
Современное ретро в иллюстрациях и элементах
Как старина в дизайне уживается с новыми тенденциями и остается актуальным направлением? В сознании потребителей, винтажное оформление часто ассоциируется с высокой планкой качества. Для одних винтаж – синоним роскошного и дорогого. Другие, воспримут винтажный сайт как оживленный, полный энергии. У ретродизайна, также немало ценителей – красиво поданная композиция с ретро очаровывает. Еще одно конкурентное преимущество: дизайн с элементами прошлого вызывает ностальгические нотки. Со свойственной винтажному стилю укрупненностью элементов, он вполне вписывается в минималистичную концепцию современного веб-дизайна.
Современные сайты с элементами ретро-стиля:sugarfirepie.com – винтажная иллюстрация в главном экране создает первое впечатление о кондитерском бренде, улучшает UX-дизайн сайта
Кастомные иллюстрации
Творчески проиллюстрированные коммерческие сайты пользуются популярностью, потому как их стремление к индивидуальности не остается без внимания. Уникальная иллюстрация в фоне, способна создать особый настрой и даже повлиять на эстетику сайта.
Эстетичные сайты с уникальными иллюстрациями:getonboardbrt.com – красивое применение акварельной иллюстрации в плоском дизайне
bostonbrt.org – инновационную систему транспорта, бостонский сайт иллюстрирует акварелью
mamyfactory.com – рисованным изображением процесса вязки французский e-Commerce сайт привлекает целевого посетителя
lattice.com – стартапу важно показать фото с рабочим процессом, однако призывы к действию они усилили позитивными иллюстрациями
Брутальный веб-дизайн
Стиль брутализма в веб-дизайне достаточно многообразен. По сути это незавершенный дизайн и воплощение идеи минималистического контраста. Многих привлекает бруталистская эстетика: гранж, неотесанность, аскетизм. Есть мнение, что в определенных нишах брутальный веб-дизайн повышает конверсию сайта.
Стиль брутализм применяемый в веб-дизайнах:gift.gucci.com – интерес к брутализму проявляют не только в веб дизайнерской среде: звездный бренд применяет не ради забавы
balenciaga.com – этот вид Web брутализма критик назвал минимализмом на стероидах (к примеру, mahzedahrbakery.com уже выглядит простым минималистичным сайтом)
Стильные текстуры в фонеПодобно тому, как в дизайне интерьера обои то входят в моду, то выходят из моды – сейчас наблюдается возрождение фоновых текстур. Снова в тренде плиточные фоны и бэкграунды с повторяющимися элементами. Творчески подобранные текстуры придают сайту персональности. Также, стильный бэкграунд может отлично гармонировать с нестандартным формами элементов (например иконками) или кастомными иллюстрациями.
Современные веб-дизайны творчески применяющие фоновые текстуры:simone-simon.fr – стильный французский сайт, эффектный дизайн создается наложением кусков текстур, полых фигур, больших букв
abcdentaltexas.com – необычное для сайта стоматологии мультяшное оформление с красивой текстурой фона
djeco.com/ru – клетчатый фоновый паттерн и другие текстуры в красивом мультяшном дизайне сайта компании
Градиенты 2.0
В 2017 году градиенты вернулись в веб-дизайн с более чистыми цветами (без примеси грязного оттенка). Возможно не надолго, но в 2018-м тренд крепнет и применяется в разных стилях.
Характерные признаки модного направления: колорит, оживленность, сайт с градиентами 2.0 выглядит свежим и современным.
Сайты с яркими оттенками и градиентами в дизайне:wpengine.com – wordpress-хостинг оформил градиентами выпадающее меню и формы подписки
chunkagency.com – сайт креативного агентства с двухцветным неоновым градиентом и эффектными переходами
fullstory.com – двухцветные градиенты применяются для кнопок и в фонах
Продуманные анимации и эффекты UI
Анимация в веб-дизайне проделала долгий путь и применялась еще в 1999-м для создания агрессивных flash-баннеров «Кликни меня!». Продуманные микроитерации выглядят стильно и улучшают пользовательский опыт, интересные анимационные сценарии могут развлекать и служить навигационным центром, визуально обозначив интерактивное взаимодействие с пользователем. Без преувеличения – аудитория любителей анимированных эффектов широка.
Примеры сайтов с хорошо продуманной анимацией:insuranceexperiments.org.uk – занимательный промо-сайт британской страховой компании в стиле FLAT, с плоским видео и мультяшными анимациями
aproposducancer.fr – свежий сайт лионского хосписа с фантастически иллюстрированным и анимированным дизайном. Красивые прелоадер, интерактив, скролл, UI
hellobloom.io – анимация с высокой детализацией, эффектное обучающее видео. Так, товарный Landing Page вовлекает и настраивает на позитив
stripe.com – уникальный эффект превращает выпадающее меню в украшательство, а легкая анимация акцентирует важный контент
district0x.io – современный полу-плоский дизайн анимирован по максимуму: креативные хедер / футер, облака в фоне карточек и сами карточки
Масштабируемая SVG-графика
Важные преимущества масштабируемой векторной графики (SVG) перед растровыми форматами: изображения масштабируются без потерь в качестве, легко редактируются при помощи CSS и весят мало. Технологии HTML5 позволяют интегрировать гибкие SVG-элементы в веб-страницу. С сервисами вроде svgator.com, можно создавать SVG-анимации без знаний кодинга.
Примеры эффектного применения SVG-графики:blockcollider.org – свежий современный сайт с SVG эффектами и анимацией
boite-a-oeufs.com – креативное агентство сделало свой сайт на вордпрессе, используя SVG и анимировав на GSAP платформе
playground.it – страница-«заглушка» пока идет редизайн, анимированные SVG-иллюстрации делают ее просто залипательной. Сыграете в Jump UP?
Изометрия в дизайнеВероятно, возвращение изометрического дизайна стало реакцией на FLAT-экспансию по всему миру.
Этот стиль оформления достаточно трудоемкий. Для 3D-визуализации в двумерном пространстве веб-страницы потребуется работа с графическими элементами. С другой стороны, изометрические иконки и графика – это отличный способ показать свою индивидуальность.
Примеры современных изометрических дизайнов:pikmykid.com – приятный веб-дизайн в мягких тонах с плавными эффектами, изометрическими иллюстрациями, фиксированными полигональными фонами и красивыми кнопками (призрачные / с градиентным фоном)
brightscout.com – зеленый дизайн сайта компании красиво проиллюстрирован, использован полу-плоский стиль с тенями, градиентами и скорлл-эффектами
mibexsoftware.com – сайт софт-компании, современный плоский изометрический дизайн с фирменным персонажем
Разделенный экран
Мода на разделение веб-страниц пополам появилась в результате эволюции Hero-изображений.
Вертикальное разделение позволяет добавлять другие стилевые элементы. Сплит-экраны дают отличные возможности для продвижения контента.
Сайты эффектно использующие вертикальное разделение экрана:enginethemes.com – разделенный пополам объект (элемент фирменного стиля) в центре главного сплит-экрана представляет компанию WP-разработчиков (код внутри / дизайн визуально)
bigeyeagency.com – нестандартная навигация с разделением экрана для кейсов, фоновое видео с текстурой и фотоэффекты в бэкграундах (высветление, размытие, боке, двойная экспозиция)
special.bose.eu – логическое разделение контента на главной, ярко представляет продукцию Bose и упрощает навигацию по сайту
chekhov.withgoogle.com – разделенным контентом представлен опрос «Узнай себя в произведениях Чехова»
Что такое современный дизайн? — Все, что вам нужно знать о современном дизайне
Когда вы описываете стили дизайна, вы можете использовать слова «современный» и «современный» как синонимы — и вы не будете одиноки. Хотя на самом деле они совершенно разные, сами слова имеют схожие определения, так что можно подумать, что стили дизайна тоже. Но вы (и все остальные) ошиблись бы. Хотя это может быть одно из наиболее часто используемых слов в дизайне, современный дизайн, вероятно, является одним из самых неверно определяемых стилей дизайна, поэтому мы собираемся внести ясность. Этот — это то, что на самом деле представляет собой современный дизайн.
Этот контент импортирован из {embed-name}. Вы можете найти тот же контент в другом формате или найти дополнительную информацию на их веб-сайте.
Современный дизайн относится к определенному периоду времени; Современность постоянно развивается.
Современный дизайн — это определенный период времени с начала до середины 20 века. Он возник на рубеже веков, уходя корнями как в немецкий, так и в скандинавский дизайн, и действительно завоевал популярность в течение первой половины века.И модерн середины века (популярный в 40-60-е годы), и постмодернистский дизайн произошли от современного дизайна. «Модернизм был будущим в начале середины века. Он использовал возможности машин, чтобы предлагать доступное жилье и мебель для масс. Это информировало об архитектуре, интерьерах, мебели и искусстве», — говорит дизайнер интерьеров из Лос-Анджелеса Натали Майерс.
Современный дизайн, напротив, относится к стилю наших дней. Это сложно определить и определить, потому что современный дизайн постоянно развивается.Это отражение настоящего, и через 50 лет он, вероятно, будет выглядеть совсем иначе, чем сегодня.
«То, что сейчас можно считать современным, может оказаться мимолетным трендом или может произвести неизгладимое впечатление, которое превзойдет эту эпоху», — говорит дизайнер интерьеров Кэти Ходжес.
«Я думаю, что все в вашем доме должно иметь смысл».
линий чистые и декор минимальный.
Современному дизайну предшествовали готика, ренессанс и викторианский стиль, включающий тяжелые текстуры, орнамент и множество темных и драматических элементов.Современный дизайн отверг их в пользу чистых, прямых линий, незагроможденных пространств и полного отсутствия суетливости. По сути, форма следует за функцией. «Я думаю, что все в вашем доме должно иметь смысл. Если вы не знаете, почему оно здесь, избавьтесь от него», — говорит гончар, дизайнер и писатель Джонатан Адлер.
Нейтраль — это название игры.
Белый, бежевый и даже некоторые оттенки черного являются основной цветовой палитрой для современного дизайна, но он может включать цвет в качестве акцента, если он склоняется к землистому.В современном дизайне большое внимание уделяется натуральным материалам, поэтому важно сохранять вещи в более естественной цветовой палитре. Когда используется жирный цвет, он никогда не покрывает всю стену, а скорее используется экономно, чтобы обеспечить фокус и помочь разбить нейтральные оттенки. «Чистые линии поверх кривых. Нейтральные цвета и натуральные материалы вместо ярких оттенков, синтетических материалов и узоров», — говорит Майерс.
В современном дизайне предпочтение отдается планировкам с открытой концепцией.
По сути, вам нужно как можно меньше стен.Мебель, напротив, должна отделять пространство, как кухонная стойка, визуально отличаясь от гостиной или столовой. Также необходимо обильное естественное освещение, чтобы пространство выглядело более воздушным и открытым, поэтому окна остаются без украшений.
Предоставлено Jette Creative
Мебель из натуральных материалов.
Эра современного дизайна открыла путь к появлению новых материалов для изготовления мебели. Вместо того, чтобы лепить из дерева, были сталь, формованная фанера и пластик.Все дело в достижении баланса между функциональностью и эстетикой. Он должен быть практичным, но при этом привлекательным. Одним из главных маркеров современного дизайна был стул Wassily, цельнотянутый стул из стальной трубы, разработанный в 1925 году, который радикально изменил подход к дизайну мебели.
Keystone-Франция Getty Images
Стул Eames, один из определяющих предметов эпохи и тот, который вы, скорее всего, знаете по имени, был изготовлен из формованной фанеры и кожи в 1956 году в рамках цели разработки мебели, которая была бы доступной и способной быть массовой. -производится.Он был вдохновлен креслом английского клуба.
BravoGetty Изображений
Наконец, кресло-тюльпан, которое сегодня остается одним из самых популярных предметов современной мебели, было отходом от всего, что было до него, со стулом, имеющим только одну ножку в центре, сделанным из армированной стекловолокном смолы. Вы можете связать оба эти фактора больше с современным дизайном середины века, который, эй, является ветвью современной семьи, так что вы правы в этом отношении.
Дизайн в пределах досягаемости
КУПИТЬ Стул Tulip, $ 2,000, dwr.com
Следуйте за House Beautiful в Instagram .
Сиенна Ливермор Редактор коммерции Сиенна Ливермор — коммерческий редактор Hearst, освещающая самые продаваемые товары, предметы домашнего обихода, моду, красоту и вещи, без которых вы просто не можете жить.Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.
Дизайнер Рут Адлер Шни помогла определить модернизм середины века
Автор Аня Вентура, CNN
В ноябре 1938 года, когда Рут Адлер Шни было 15 лет, нацистские солдаты разбили окна ее семейного дома в Дюссельдорфе, Германия.Они сорвали двери с петель, разбили лиможский фарфор и выбросили в окно мебель в стиле бидермейер в рамках жестокой кампании против еврейских семей в прологе Холокоста.
Родители Адлер Шни были связаны с искусством и литературой — ее отец, Джозеф, владел антикварным книжным магазином, а ее мать Мари училась в культовой школе дизайна Баухаус — и среди испорченных предметов была акварель Поля Синьяка, Нацисты разрубили на мелкие кусочки.Адлеров в то время не было дома, а когда они вернулись, все было разрушено. Они собрали части картины Синьяка и позже отреставрировали ее, хотя она уже не была прежней.
Адлеру Шнее, который стал пионером в области текстиля и дизайна интерьера середины века, сейчас 96 лет. Она по-прежнему владеет акварелью «Синьяк»: наглядный урок стойкости. «Это ничего не стоит, если бы оно было целым», — сказала она в устной истории, проведенной для Архивов американского искусства Смитсоновского института в 2002 году.«Тем не менее, это действительно гораздо важнее для меня из-за того, что с ним случилось».Дизайн гостиной Адлера Шни для Rosenthal Residence, Блумфилд-Хиллз, Мичиган, 1961 г.
Дизайнер был недавним героем ретроспективы «Рут Адлер Шни: современные дизайны для жизни» в Художественном музее Крэнбрука в Мичигане. За 70 лет своей карьеры Адлер Шни стала известна своими красочными абстрактными тканями и интерьерами, которые она создавала для архитекторов, включая Фрэнка Ллойда Райта и Бакминстера Фуллера.Если работы Адлера Шни не получили должного признания, то, возможно, это связано с тем, что текстильный дизайн и «женская работа» в области декоративного искусства в более широком смысле давно отошли на второй план истории искусства. Хотя ее сверстники-мужчины широко известны своим вкладом в дизайн 20-го века, история Адлер Шни подчеркивает, как женщина помогла сформировать эстетическую революцию, известную как модернизм середины века.Ранние трудности
Адлер Шни был творческим человеком с юных лет.Художник-модернист Пауль Клее был близким другом семьи, и она проводила время со своим младшим братом в студии Клее, играя с его красочными мобильными телефонами и стабилизаторами. «Я думаю, это было действительно начало», — сказала она о своем интересе к дизайну во время выступления в 2013 году в Центре исполнительских искусств Крэнбрука.В подростковом возрасте она рискнула попасть в тюрьму, чтобы проникнуть на печально известную выставку дегенеративного искусства 1937 года в Мюнхене, организованную нацистской партией, чтобы продемонстрировать то, что они считали упадком эпохи. Адлер Шни, маскирующийся в большой коричневой меховой шапке, сразу был очарован яркими красками таких художников, как Оскар Кокошка, Джордж Гросс и Василий Кандинский.
Яркий полиэфирный текстиль Адлера Шни «Fission Chips», 2012 г. Фото: PD Rearick
Уже сейчас Адлер переживает неуклонное ужесточение ограничений на еврейскую жизнь. Семья больше не могла заходить в христианские магазины, поэтому их няня оставляла продукты на пороге дома на ночь. Зимой 1939 года Иосифа отправили в концлагерь Дахау. Он был чудесным образом освобожден после неустанного прошения Мари и вернулся в семью голодным, без обуви и без передних зубов.Через несколько дней семья начала подготовку к побегу в США. Остальные члены расширенной семьи умрут в Лодзи и Освенциме.
«Неужели снова узнают человека? О, это слишком красиво, чтобы быть реальностью», — написала в своем дневнике юная Адлер Шни, пересекая границу с Францией. Когда Адлеры в конце концов прибыли в Детройт, где Джозефу обещали работу, которая так и не состоялась, Мари шила матрасы на фабрике, а семья шила по ночам абажуры.
Рут Адлер Шни работает над дизайном прорезей, планок и ямок и контейнеров.
Адлер Шни работал в ночную смену в пекарне, добираясь до местной средней школы искусств по часу в каждую сторону. Ее амбиции были целенаправленными и сильными. После получения стипендии в Школе дизайна Род-Айленда для изучения архитектуры интерьера — области, в которой мало евреев и женщин — она продолжила работать на промышленного дизайнера Раймонда Лоуи, дизайнера автомобилей Студебеккер. В 1946 году она покинула его офис в Нью-Йорке, чтобы поступить в Академию искусств Крэнбрук, где она стала одной из первых женщин, получивших степень дизайнера в элитной Мичиганской программе, в которой также обучались Рэй и Чарльз Имс.Согласно каталогу выставки «Современный дизайн для жизни», после окончания учебы она пыталась устроиться на работу в офис Альберта Кана, и ей сказали, что «у них не было салона красоты».Модернистское видение
Адлер Шни обратила свое внимание на текстиль в 1947 году, когда искала драпировки для отмеченного призами интерьера, который она разработала для конкурса, спонсируемого The Chicago Tribune. Она могла найти только цветочные антисептики, которые, казалось, принадлежали устаревшему прошлому. Под влиянием плавных биоморфных форм Александра Колдера, Генри Мура и Исаму Ногучи она начала создавать собственные ткани с яркими абстрактными узорами.Она выделялась яркими красками и минималистичными органичными формами. «Дизайн должен не только говорить, он должен петь», — сказала она.
Ткань Адлер Шни «Wireworks», 1950 год, для которой она использовала тушь на белом батисте из гремучей ткани. Предоставлено: PD Rearick
В том же году она основала собственную текстильную студию и познакомилась с Эдди Шни, выпускником Йельского университета, который изучал экономику и влюбился в нее и ее ткани. Он стал ее мужем, ее деловым партнером и ее самым горячим чирлидером. (Адлер Шни вспомнил во время выступления в Крэнбруке в 2013 году, что Эдди любил говорить: «Рут — мое хобби», когда его спрашивали о его развлечениях).
В 1949 году пара открыла красочную студию и магазин товаров для дома. По мере того, как Адлер Шни продолжал разрабатывать ткани и внутренние пространства, Adler-Schnee Associates принесла на рынок Среднего Запада лучшее из модернистского дизайна: белый фарфор Rosenthal, эмалированную посуду Copco, одежду Marimekko. и народное искусство из Мексики и Южной Америки. В конце концов, переехав на первый этаж универмага в центре Детройта, их бизнес стал эпицентром передового дизайна в городе. Когда большинство предприятий, особенно после расовых беспорядков 60-х, покидали город, Адлер-Шнее соблазняла толпу изобретательными маркетинговыми уловками.
Schnees не ограничивались простой продажей работ ведущих дизайнеров, но также стремились ознакомить публику с красотой и практичной элегантностью повседневных предметов. Посетить магазин означало приобщиться к модернистской этике, ее чистой простоте форм.
«Разве у кухонной ложки не может быть красивой формы?» — спросил Адлер Шни, вспомнив в устной истории Смитсоновского института сценарий одной из радиопередач в магазине. «Метла для подметания может быть яркого жизнерадостного цвета и удобна в руке.«Их видение не всегда было убедительным: складское помещение Eames, которое не удалось продать, в конечном итоге было изгнано из выставочного зала для хранения туалетной бумаги.
Текстиль Адлера Шне« Construction »1950 года, сделанный чернилами на отбеленном полотне. Предоставлено: PD Rearick
Адлер Ши в конечном итоге считал, что хороший дизайн должен сочетать в себе узор, цвет и текстуру в рамках функциональности. «Если это будет сделано, он никогда не выйдет из моды», — сказала она Dwell в 2018 году.
Это рубрика она применялась и к своим собственным работам, от лирических тканей до гладких внутренних аранжировок.Несмотря на то, что она пережила один из самых ужасных периодов 20-го века, ее творчество всегда источало яркость, любовь к цвету и форме и радость от материала. Он находит красоту в своих обстоятельствах: поющий дизайн.
100 лучших дизайнеров интерьеров — Contemporary Design Inspiration
100 лучших дизайнеров интерьера проведет вас через мысли некоторых из лучших создателей мира современного дизайна .Вдохновляйтесь этими проектами современного дизайна и приготовьтесь услышать имена, которые вас полностью вдохновят! Откройте для себя 100 имен , которые процветают в индустрии дизайна, и насладитесь этим чудесным выбором, который собрал для вас Inspiration and Ideas .
BRUNETE FRACOOLIУвлеченная своей областью знаний, Брюнетка Фракооли — известный бразильский дизайнер интерьеров , известный созданием современных и роскошных дизайнерских проектов интерьера , наполненных цветом и индивидуальной мебелью.Она также известна тем, что сочетает уникальные цвета, разные текстуры и элегантные формы в одной атмосфере.
ЧАХАН МИНАССИАНКоллекционер, галерист, знаток жизнерадостности в мире дизайна интерьеров: Чахан Минасян — больше, чем просто дизайнер интерьеров. В каждом проекте, который он строит, Чахан превращает свой собственный уникальный стиль в не что иное, как стиль, в соответствии с этим ходом мыслей.Его работа, по его словам, является вершиной его страсти. Творчество его текущей работы описывает его лучше, чем любые другие слова.
CRISTINA CELESTINOКристина Селестино — ведущий архитектор и дизайнер интерьеров , которая работает креативным директором эксклюзивных брендов. Она является хорошим примером дизайнера, который придерживается философии концентрации своей творческой работы на исследованиях и наблюдениях.В настоящее время Кристина Селестино работает и живет в Милане. В каждом из своих проектов она всегда использует потенциал форм, мебели и функций, а также выстраивает связь между модой, искусством и дизайном.
ДОМ-A CASA RICCAОт классики до современности, от эклектики до самых шокирующих, Dom-A Casa Ricca — это дизайн-студия , в состав которой входят Мария Сильвер и Сергей Макушев .Признанные за то, что предлагают самые умные решения при сохранении роскошного стиля, они также обеспечивают путешествие с гидом во всех областях архитектуры и дизайна интерьера, от пентхаусов до коттеджей и отелей, Дом-А является одной из лучших российских дизайнерских студий.
GRAÇA VITERBOГраса Витербо , один из ведущих португальских дизайнеров , , верит в авангардное видение. Она основала свою собственную дизайн-студию — Viterbo Interior Design — компанию, которая успешно управляет и создает изумительные дизайн-проекты интерьеров , полные непочтительности, индивидуальности и современности.
HOK CHINAHOK — международная компания, занимающаяся дизайном, архитектурой, проектированием и планированием. HOK проектирует архитектурных здания и пространств, отвечающих потребностям людей и окружающей среды. Дизайнеры основаны на техническом совершенстве, движимы воображением и сосредоточены на единственной цели: предоставлять решения, которые вдохновляют клиентов и сообщества.
ДЖЕФФ ЭНДРЮСДжефф Эндрюс , всемирно известный дизайнер интерьеров, создает изысканные и современные интерьеры как для семей, так и для знаменитостей.Джефф умеет раздвигать творческие границы, уважая и переопределяя традиционную эстетику дизайна. Его новаторский и освежающий подход делает его одним из самых востребованных дизайнеров интерьеров в отрасли, а его способность визуализировать и интерпретировать потребности широкого круга клиентов не имеет себе равных.
JO HAMILTON ИНТЕРЬЕРЫДжо Гамильтон , креативный директор Jo Hamilton Interiors , широко известна как один из ведущих дизайнеров интерьера Великобритании , известная своим уверенным владением цветом, разумным использованием пространства и роскошным дизайном .Она также является уважаемым оратором, писателем, комментатором по дизайну, специалистом по поиску недвижимости и телеведущей.
ДЖО ГИНСБЕРГРасположенная в самом центре Нью-Йорка, Joe Ginsberg , отмеченная наградами дизайн-студия , хорошо известна большим количеством индивидуальных проектов, от роскошных частных резиденций до элегантных ночных клубов, развития ресторанов и бутик-отелей.
JORGE CAÑETEЖенева каталонского и андалузского происхождения, Хорхе Каньете не случайно решил посвятить свою жизнь дизайну интерьера.Сделав карьеру в сфере предметов роскоши и обладав острым чувством прекрасного, он решил выразить свое творчество в 3D через дизайн интерьера. Основатель студии «ФИЛОСОФИЯ ДИЗАЙНА ИНТЕРЬЕРА », где сверхперсонализированный подход предполагает создание проектов, вдохновленных окружающей средой, самим местоположением, а также личностью клиента.
LAURA POZZIОснованная в 2003 году, студия Laura Pozzi Studio сочетает стиль, дизайн интерьера, сценографию и производство фотографий, работая вокруг нескольких слов: цвета, эмоции и простота.Благодаря этому они создают волшебные, неожиданные визуальные настроения, фокусируя видение на том, что нужно брендам и агентствам для их творческих проектов . Работая в Фоллине, Тревизо, и в Милане, Италия, она работает в различных средствах массовой информации, специализируясь на дизайне и рекламе. Ее страсть к дизайну, архитектуре и стилю, а также ее учеба и 19-летняя карьера помогают ей создавать полностью индивидуальные визуальные настроения вокруг концепции.
МАРКО ПИВАStudio Marco Piva работает в области архитектуры, генерального планирования, интерьера и промышленного дизайна.Итальянский архитектор глубоко заинтересован в исследованиях материалов и технологиях, а также в том, как применять эти элементы таким образом, чтобы информировать людей о взаимодействии с его пространственными объемами.
МАРИЯ БОРОВСКАЯМария Боровская — ведущий российский дизайнер интерьеров , который предоставил нам самые удивительные интерьеры, которыми вы когда-либо могли восхищаться! Ее роскошные интерьеры призваны произвести впечатление на каждого ценителя дизайна интерьера, ведущего изысканный образ жизни.
MUSA DÉCORMusa Décor — это дизайнерская фирма, созданная в 1999 году Сорайя Перейра . То, что сначала начиналось как проект, больше ориентированное на показ многих всемирно известных дизайнерских брендов, в конечном итоге превратилось в инициативу по оформлению интерьеров с целью создания интерьеров, наполненных страстью, любовью и жизнью.
ПОЛИНА ПИДТСАНПолина Пидцан Интерьеры идеально сочетают в себе комфорт, функциональность и высокий стиль, одновременно современный и классический, сочетающий в себе целомудрие стиля, элегантность и изысканность.Ее работы созданы на основе создания яркого узнаваемого образа и тщательного подбора цветовой гаммы, фактуры и деталей.
См. Также: 100 лучших идей из мира эксклюзивного дизайна
КРИС ТЕРНБОЛЗаслуженный как один из ведущих лучших дизайнеров интерьеров в Великобритании, Kris Turnbull Showroom — это высококлассная архитектурная и роскошная студия дизайна интерьеров со штаб-квартирой в Белфасте, Северная Ирландия.
МАРСЕЛЬ ВАНДЕРСКультовый, провокационный, противоречивый: как истинный гуманист Марсель Вандерс создал более 1900 проектов. Он работает с современными и брендами высокого класса , такими как Baccarat, Cappellini, Kartell, Louis Vuitton, Poliform и Swarovski.
МАТТЕО НУНЗИАТИ
Признанный одним из самых важных и выдающихся международных современных архитекторов и ведущих дизайнеров интерьеров своего поколения, Маттео Нунциати является прекрасным примером профессионала в области дизайна, который с самого начала занимался искусством. Ведущий дизайнер интерьеров родился в Болонье в 1972 году. В 2000 году он открыл дизайн-студию в Милане под названием « Studio Matteo Nunziati ». В его услуги входят дизайн-проектов интерьера , планирование внутреннего пространства, современная архитектура , современная мебель с уникальным дизайном , выбор поставщика освещения и покрытия, координация на месте.
NINI ANDRADE DA SILVAПризнанная одним из лучших дизайнеров интерьеров в Португалии, Нини Андраде да Силва работала в разных странах и общалась с разными культурами, что дало ей уникальную способность воспринимать разные культуры.Известный дизайнер , выполненный на заказ, определенно является международной энергией, когда речь идет о продвижении португальского мастерства через ее роскошные проекты дизайна интерьера . О своем стиле дизайна она заявляет, что он определенно «минималистичный с долей души».
СТУДИИ PTANG
Основанная в 1997 году, PTang Studio быстро стала одной из лучших архитектурных, и компаний, занимающихся дизайном интерьеров, компаний в Азии и участвует в разнообразных проектах. PTang Studio Философия скромна: они верят в основы. Они создают пространства, создавая для клиентов максимально комфортную атмосферу, понимая их индивидуальные предпочтения.
РИЧАРД МИШААН
Как один из лидеров и лучших дизайнеров интерьера в Нью-Йорке, в течение последних двадцати пяти лет ведущий дизайнер интерьеров создал проектов современного дизайна интерьера , в которых живет изысканность и роскошь. лучший дизайнер интерьеров был выбран несколько раз как AD 100 и Elle Décor A-List .
РОБЕРТ КУТЮРЬЕРВнося свой вклад в историю дизайна с 1987 года, Роберт Кутюрье является одним из лучших дизайнеров интерьера в мире. В каждом проекте дизайна интерьера , созданном талантливыми профессионалами из Нью-Йорка, каждый может быть поражен детальным видением мастерских и потрясающих интерьеров.
САША БИКОФФСаша Бикофф , признанный профессионал за ее четкое понимание дизайна, безупречное исполнение и технические ноу-хау, созданные на основе ее огромных мирских подвигов и опыта. Стиль ведущего дизайнера интерьеров ’вдохновлен мультикультурным колоритом ее родного города, Нью-Йорка, и ее опытом зарубежных поездок.
СЕБАСТЬЯН ХЕРКНЕРСебастьян Херкнер — мастер, потому что он создает проекты, в которых традиции сочетаются с творчеством, современные технологии и мастерство , всегда создавая современный дизайн интерьера . Немецкий дизайнер имеет давнюю привычку утолять жажду идей в другом месте, а различные культуры, навыки и стили жизни подпитывают его вдохновение. Его безоговорочная любовь к традиционному мастерству и цвету сделала его глобальным и космополитическим дизайнером, который черпает вдохновение во всех проявлениях культуры мира. Все модели имеют эксклюзивный дизайн .
СУСАННА КОТЫSusanna Cots — ведущий каталонский дизайнер интерьеров с особым талантом создавать пространства, стирающие границы между контрастами и уравновешивающие все составляющие хорошего и уникального дизайна в поисках комфорта и изысканности.В каждом из ее проектов дизайна интерьера можно увидеть эмоции и медленную философию как корень всего творчества.
ТАРА БЕРНЕРДТара Бернерд — британский ведущий дизайнер интерьеров , а также основатель и руководитель Tara Bernerd & Partners , авторитетной архитектурной практики с исполнительной командой чрезвычайно знающих архитекторов и дизайнеров, базирующейся в штаб-квартире в Лондоне Белгравия.Признан одним из лучших дизайнеров интерьера , Работа Тары Бернерд известна созданием тепла и атмосферы, а также потрясающими дизайн-проектами интерьера .
ТОМ ДИКСОНТом Диксон — британский ведущий дизайнер интерьеров , известный во всем мире: его творческие работы были приобретены международными музеями современного искусства , включая Музей Виктории и Альберта в Лондоне, Музей современного искусства в Нью-Йорке. а также Центр Жоржа Помпиду в Париже. Основная цель Тома Диксона как дизайнера продукции и как одного из лучших дизайнеров интерьера — возродить британскую мебельную промышленность: чтобы улучшить ее, творческий художник вдохновляется национальным наследием и мастерством.
ЯБУ ПУШЕЛЬБЕРГДжордж Ябу и Гленн Пушелберг основали Yabu Pushelberg Studio более 30 лет назад. Имея студии в Торонто и Нью-Йорке и текущие проекты в более чем 16 странах, это одна из мировых лидирующих студий.Работая с проектами современного дизайна, они в основном известны своими эксклюзивными проектами в розничной торговле, гостиничном и гостиничном бизнесе.
ZZ АРХИТЕКТОРЫZZ Architects — это дизайнерская студия из Мумбаи , основанная на творчестве и инновациях. ZZ Architects представляет собой многопрофильную дизайнерскую фирму, получившую награды под руководством главных архитекторов Крупа Зубина и Зубина Зайнуддина, в своих творческих работах с акцентом на «Внимание к деталям». ZZ Architects , известная как одна из ведущих архитектурных и дизайнерских фирм в Индии, представляет собой замечательное образование чрезвычайно увлеченной группы архитекторов, дизайнеров интерьеров и графических визуализаторов, которые постоянно стремятся вводить новшества и создавать удивительные проекты дизайна интерьера .
AB КОНЦЕПЦИЯAB Concept — это ведущая студия дизайна интерьеров и архитектуры в Азии, основными клиентами которой являются ведущие отельеры мира, застройщики предметов роскоши и рестораны премиум-класса.Основанная в 1999 году Эд Нг и Теренсом Нганом, AB Concept сочетает в себе архитектурную точность и индивидуальное мастерство для создания проектов неизменно высокого качества для списка ведущих девелоперов, гостиничных компаний класса люкс, рестораторов и частных лиц по всему миру.
ЭМИ ЛАУЭми Лау — ведущий современный дизайнер интерьеров и соучредитель ярмарки Design Miami. Известная как один из лучших дизайнеров интерьера на планете, Эми Лау была отмеченным дизайнером в журнале Luxe Magazine, New York Spaces, Open House и HGTV.Лау родилась в Аризоне и в настоящее время проживает в Нью-Йорке, где она открыла свою студию дизайна интерьера : Amy Lau Design , расположенную в районе искусств Западного Челси.
Б + К АРХИТЕКТУРАБ.К. Миссия ARCHITECTS состоит из стратегического консалтинга и технических услуг для крупных инфраструктурных проектов, как частных, так и государственных, в развивающихся странах. Б.К. ARCHITECTS предоставляет своим клиентам полный пакет услуг.Они создали опытную команду, которая обеспечивает профессиональную реализацию в соответствии с мировыми стандартами.
ЕПИСКОП ДИЗАЙНЯвляясь одним из самых популярных дизайнеров в мире современного дизайна интерьера, Paul Bishop входит в число лучших дизайнеров интерьера в мире. От Дубая до всей планеты, признанный профессионал построил и создал проекта современного дизайна интерьера по всему миру и получил международные награды в области дизайна.Его проекты являются источниками вдохновения благодаря превосходному уникальному дизайну .
КАМПАНА БРАТЬЯCampana Brothers , Фернандо и Умберто — бразильские дизайнеры, чьи работы воплощают идею трансформации и переосмысления. Этот дуэт придает ценность бедным, приземленным или обычным материалам, превращая их в мебель, инсталляции, интерьеры или продукты; одновременно выражая свои южноамериканские корни через цвет, богатую фактуру и творческий хаос, результатом которого является торжество простых решений.
СЕЛИЯ СОЙЕРЛюбой ценитель дизайна признает Celia Sawyer одним из лучших дизайнеров интерьера в мире: в этом нет никаких сомнений! Селия Сойер — лучший дизайнер интерьеров из Соединенного Королевства, и за время своей чудесной карьеры она стала источником вдохновения для многих. Как ведущий британский дизайнер интерьеров , она берет на себя современный дизайн мир со своими знаниями, вниманием к деталям и страстью. Селия Сойер , безусловно, одна из лучших дизайнеров интерьера нашего времени.
ЛЮБОВЬCuriosity — это многопрофильная студия в Токио, созданная французским дизайнером Гвенаэль Николя . Студия постоянно меняет границы дизайна, от дизайна интерьера до архитектуры и дизайна продукта . Не абстрактно, а реалистично, сотрудничая с широким кругом компаний и клиентов, чтобы создавать новые продукты, разрабатывать новые материалы и определять новый стиль дизайна.
ДЭВИД КОЛЛИНСДэвид Коллинз несомненно был одним из лучших дизайнеров интерьера своего времени. Внезапно скончавшись в 2013 году, Дэвид Коллинз за свою жизнь и карьеру был признан лучшим дизайнером интерьеров , вдохновляя других и создавая одни из самых красивых проектов дизайна интерьера , которые когда-либо видел этот мир.
ФРАНСИС СУЛТАНАФрэнсис Султана — гуру дизайна.Он более чем заслуживает место в Top 100 дизайнеров интерьера . Его работы узнаваемы по уровню уникальности. Фрэнсис выделяет свою работу по использованию экземпляров ограниченного выпуска и уникальных предметов художественного декора. Он основал свою студию в 2009 году, чтобы создавать интерьеры для многих своих крупных клиентов — коллекционеров произведений искусства. Ателье и выставочный зал расположены в Сент-Джеймс, в том же здании, что и David Gill Gallery , генеральным директором которой является Султана.
ЖЕРАР ФЭВРЖерар Фэвр — французский автор концепции революционных домов искусства.Дизайнер задумывает полностью отремонтированные, готовые к проживанию и престижные квартиры на продажу. Он сочетает максимум удовольствия с минимумом усилий. Вдохновленный декорациями интерьеров Второй Империи, Фавр признается, что он проникается душой каждой собственности и что каждый проект — это уникальное произведение искусства.
ЖАН-ЛУИ ДЕНИОПарижский архитектор и дизайнер интерьеров Жан-Луи Денио t — один из самых влиятельных дизайнеров интерьера наших дней.Постоянно фигурирующий в списках лучших дизайнеров интерьеров престижных изданий, таких как Elle Decor или Architectural Digest , дизайнер известен своими эклектичными интерьерами, в которых классические элементы блестяще сочетаются с современным дизайном .
ХУАН ПАБЛО МОЛИНЕПризнан одним из лучших дизайнеров интерьеров , Хуан Пабло Молинье предлагает смелую, эклектичную, забавную и самобытную творческую работу.Изучив архитектуру в Католическом университете Сантьяго, лучший дизайнер интерьеров посетил Ecole des Beaux-Arts и Ecole du Louvre. Работая в нескольких странах, Хуан Пабло Молинье создал роскошных дизайнерских проекта интерьера для частных резиденций в Южной Америке, США, Канаде, Европе, России и на Ближнем Востоке.
КАТЕРИНА ГУДВИЛЛИзвестная и признанная одним из лучших дизайнеров интерьера в России, Катерина Гудвилл — чрезвычайно многообещающий российский дизайнер , который завоевывает прочные позиции в российской дизайн-индустрии со своей собственной дизайн-студией: The Goodwill Design Studio.По словам ведущего российского дизайнера интерьеров , ей нравится «создавать определенный симбиоз объектов, материалов, текстур в одном новом продукте, который нельзя повторить дважды, потому что на его рождение влияет слишком много разных факторов».
КАТЕРИНА ЛАШМАНОВАКарьера молодой дизайнера интерьеров началась сравнительно недавно, однако она приняла участие в замечательных проектах дизайна интерьеров . Уникальные интерьеры, создаваемые российским дизайнером, известны своей элегантностью, роскошью и вниманием к деталям.Каждая из них адаптирована к индивидуальности и вкусу каждого из ее клиентов, и результат всегда волшебный. Катерина Лашманова , очень влиятельная фигура в российском дизайне интерьеров, приняла участие во многих проектах дизайна интерьеров и имеет впечатляющее портфолио, которое можно показать.
КЕЛЛИ ХОППЕНКелли Хоппен — всемирно известный британский дизайнер интерьеров , нашедший простой, но роскошный стиль, который пронизывает современный дизайн интерьера на всех уровнях.Помимо проектирования квартир, домов и яхт для постоянно расширяющегося международного списка частных клиентов, Kelly Hoppen также выполняет коммерческих проектов дизайна интерьера , включая отели, рестораны, офисные помещения и интерьеры самолетов.
Вам понравилась эта статья?См. Также: 100 лучших идей из мира эксклюзивного дизайна
Современная дизайнерская мебель, которую можно изготовить без инструментов | Идеи дизайна интерьера
Больше мебели Modo — революция в восприятии мебели
Modo — это бренд мебели с особым характером.Но прежде чем я вам об этом расскажу, мы хотели бы представить своих изобретателей. Речь идет об Эндрю Персонетте и Мэтте Тайсоне, которые твердо убеждены в том, что подобранная мебель может спасти человеческие отношения. Хотя мы не думаем, что он скоро заменит советы для пар, но, с другой стороны, он может уменьшить стресс, связанный с подбором мебели. Так будет проще добиться гармонии в паре. Modoserfinder хотят совершить революцию в восприятии мебели и в том, как мы относимся к ней. Вы хотите делать то, что вам нужно беспокоиться о ключах.Система Modossystem упрощает сборку супер-мебели. Прозрачный анодированный алюминий стильно закрепит ваш декор! ЭкспозицияСовременный дизайн мебели можно создать без инструментов
В Modo мы чувствуем складывание в совершенно новой легкой мебели. Они состоят в основном из алюминиевых разъемов и прочного дерева, а все остальное — просто креативный дизайн. Вы можете творить, удалив коннектор и немного новаторская компиляция новых вариаций. Результат уникальный, многофункциональный, прочный. Украсить так просто, не правда ли? Мебель Modo по-прежнему можно очень легко транспортировать.Они не очень большие, что делает их более экологически чистыми. Теперь мы можем подключить эту компанию к различным полкам, панелям управления, стеклянным столам и выиграть. Им становится сама мебель, а также инструкция. Также с ним можно реализовать индивидуальные проекты. Это умный, умный и действительно идеальный вариант для тех, кто любит воплощать в жизнь несложные идеи подарков своими руками. Вы не тратите зря ресурсы и тратите много часов на то, чтобы возиться Modo — это хорошо для клиентов и для нашей земли одновременно! Что ты хочешь? Моды собрать стойку — это одно делоМебель инновационная система Modo Конструкторское бюро Ноутбук Стол практика Дизайн мебели в повседневной жизни Инновационный дизайн мебели можно перестроить Садовая мебель To Go Безопасные сиденья в парк Городское вдохновение Администраторы-дизайнеры, безусловно, получают удовольствие от создания
Дизайнерская мебель, мебель, офисная мебель
[related_posts_by_tax format = «эскизы» image_size = «medium» posts_per_page = «9»]
Выбор современного дизайнерского навеса для автомобиля, который соответствует вашему стилю
Вашему автомобилю нужна защита от солнца, дождя и снега? Созданные на заказ дизайнерские навесы для машины можно рассматривать как современное и практичное решение этих неудобств.
Защитите свой автомобиль с помощью дизайнерского навеса для машины
Когда дело доходит до вашего автомобиля, оставлять его незащищенным от непогоды может быть неудобно и рискованно.Несмотря на то, что у вас есть полное покрытие для вашего автомобиля, оно будет покрываться за такие вещи, как град, падающие ветки деревьев и другие повреждения, связанные с погодой, через ваш полис страхования автомобиля, подача иска и ремонт — это хлопоты, которых лучше вообще избежать расходы. Кроме того, неудобство, связанное с ненастной погодой, — это неприятность, которой лучше всего избегать, если это вообще возможно, — а с изготовленным на заказ навесом от Renson удобство, которое вы ищете, не только возможно, но и практично.
Независимо от того, живете ли вы на морозе и вынуждены соскребать лед и снег с машины зимой, вам часто приходится беспокоиться о повреждении солнцем во время сильной летней жары или просто ненавидите бегать к своей машине во время ливня. , добавив алюминиевый навес , изготовленный по индивидуальному заказу, — отличный минималистичный способ уберечь автомобиль от снега, солнца, дождя и других элементов каждый день и защитить вас от возможных повреждений от шторма.
Хотя функция очень практична, форма дизайнерских навесов может быть столь же стильной и визуально привлекательной, и вам захочется, чтобы это дополнение дополняло существующий экстерьер вашего дома.
Таким образом, при выборе правильного стиля для навесов для автомобилей, построенных на заказ, вы захотите рассмотреть как практические аспекты дизайна, так и общее влияние конструкции при установке рядом с вашим домом. Тщательное обдумывание этих соображений в начале этапа проектирования обеспечит целостный внешний вид и общий успех проекта к тому времени, когда вы закончите установку.
Материалы и цвет
Дизайнерские навесы для автомобилей могут быть изготовлены из различных материалов, предлагающих различную отделку и цветовую гамму, а также свои собственные практические особенности.Если вас больше всего беспокоит потенциальный ущерб от солнца, идеальным вариантом может стать традиционный деревянный навес с решетчатой крышей. Лучи можно оставить естественными для деревенского дизайна, если это будет соответствовать стилю, который вы ищете. Вы также можете подумать о том, чтобы покрасить навес для машины в соответствии с вашей отделкой или в нейтральный белый или кремовый цвет, чтобы создать причудливый вид «белого штакетника».
Однако, если вам нужна дополнительная защита, чем просто прерывистая тень, решетчатая крыша просто не поможет.
Современный элегантный дизайн алюминиевого навеса для автомобиля представлен в различных вариантах отделки и цветовых сочетаниях, которые идеально сочетаются с экстерьером вашего дома.Возможность интеграции современных технологий для бесшовного стока воды, удобного освещения и других достижений также дает алюминиевым навесам для автомобилей преимущество над традиционными деревянными конструкциями с точки зрения функциональности.
Размер и форма
После определения материалов и общего цвета вашего идеального навеса для машины выбор размера и формы завершит общую картину конструкции. Навесы для автомобилейDesigner могут быть отдельно стоящими или прикрепляться непосредственно к стене вашего дома.При подключении навеса для машины к существующим стенам дома у вас есть возможность расширить покрытие до самой двери, чтобы обеспечить непрерывную защиту от элементов на пути к вашему автомобилю, или подключить расширенную или обернуть перголу для создания дополнительная затененная и защищенная зона отдыха на открытом воздухе.
Вам также нужно будет подумать, собираетесь ли вы укрыть один или несколько автомобилей под навесом, и выбрать практичный размер, который подходит для транспортных средств, которые у вас есть сейчас, или для тех, которые вы планируете иметь в будущем.Размеры наших навесов для машины на 100% индивидуализированы в соответствии с вашими требованиями и пожеланиями.
Перед началом работы проконсультируйтесь со специалистом
Как правильно сказал Джордж С. Клэйсон, «ничего не стоит спросить мудрого совета у хорошего друга».Когда дело доходит до изготовленных по индивидуальному заказу навесов для автомобилей, лучший ресурс при определении того, какой материал и стиль следует выбрать, чтобы дополнить свой личный вкус и свой существующий дом, — это обратиться за советом к специалистам по созданию дизайнерских навесов.
Обладая многолетним опытом и вниманием к деталям, эксперты Renson будут рады проконсультировать вас по вашему проекту, чтобы удовлетворить уникальные потребности вашего дома и семьи. Мы понимаем, насколько важно иметь целостную и привлекательную структуру, которая предлагает практическую защиту, которая вам нужна, при одновременном улучшении внешних качеств вашего дома.
Работа с Renson над созданием, проектированием, созданием и установкой специально построенного навеса для машины гарантирует, что ваш готовый проект будет именно тем, что вы хотите и в чем нуждаетесь вне навеса.
Почему мир одержим современным дизайном середины прошлого века
Сегодня, как никогда, современный образ середины века присутствует повсюду. Цифровые видеорегистраторы настроены на съемку последнего сезона Mad Men , разыгрываемого на AMC. Просмотрите апрельский выпуск Elle Décor , и вы обнаружите, что более чем в половине представленных домов заметно присутствует мебель середины века.
Включите The Daily Show , и вы увидите, как гости сидят в классических офисных креслах Knoll.Если вы сегодня пообедаете в современном ресторане, есть большая вероятность, что вы сядете в кресло, созданное в 1950-х годах — будь то Имс, Бертоя, Чернер или Сааринен. Несколько лет назад вы могли штамповать свою почту почтовой маркой Eames.
Между тем введите слова «середина века» и «современность» в поисковую панель любого продавца мебели, и вы, скорее всего, найдете десятки предметов, помеченных этими модными словечками из мира дизайна, несмотря на то, что здесь нет ничего «середины века». предметы, которые они описывают.За последние два десятилетия термин, описывающий определенный период дизайна, стал маркетинговым дескриптором du jour .
Термин «модерн середины века» сложно дать определение. Он широко описывает архитектуру, мебель и графический дизайн середины 20-го века (примерно с 1933 по 1965 год, хотя некоторые утверждают, что период конкретно ограничен 1947-1957 годами). Временные рамки являются модификатором для более крупного модернистского движения, которое берет свое начало в Промышленной революции в конце 19 века, а также в период после Первой мировой войны.
Фигуры Германа Миллера. Изображение предоставлено Германом Миллером.Автор Кара Гринберг придумала фразу «модерн середины века» в качестве названия для своей книги 1984 года Модерн середины века: Мебель 1950-х . В 1983 году Гринберг написала для Metropolitan Home статью о мебели 1950-х годов, и редактор Crown посоветовал ей написать книгу на эту тему. Что касается фразы «современность середины века», Гринберг «просто придумал ее как название книги», — говорит она.
Рецензия на книгу New York Times признала, что фолиант Гринберга попал в тренд. «Некоторым это нравится, а другие просто не могут этого вынести, но нельзя отрицать, что 50-е снова вернулись в моду. Кара Гринберг, автор книги« Модерн середины века: Мебель 1950-х »(30 долларов, Harmony Books) умудряется передать воодушевление, воображение и иногда чистую глупость того периода «. Книга сразу же стала хитом, разошедшимся тиражом более 100 000 экземпляров, и как только слово «модерн середины века» вошло в лексикон, это выражение было быстро принято как миром дизайна, так и мейнстримом.
Сегодняшняя популярность современного дизайна середины века уходит корнями во времена книги Гринберга. Большинство дизайнов середины века вышли из моды к концу 60-х, но в начале-середине 80-х интерес к этому периоду начал возвращаться. В течение десятилетия винтажные дизайны середины века становились все более популярными, и несколько мероприятий помогли повысить привлекательность модерна середины века из нишевой группы энтузиастов дизайна в мейнстрим.
К середине 90-х нишевый рынок коллекционеров уже поднял цены на оригинальные образцы середины века.В статье New York Times отмечается, что оригинальный складной экран Eames из формованной фанеры, снятый с производства, в 1994 году стоил около 10 000 долларов. В декабре 1999 года диван Джорджа Нельсона Marshmallow был продан за беспрецедентную сумму в 66 000 долларов. Год спустя два кресла Джорджа Нельсона «крендели» были проданы по цене чуть более 2500 долларов за штуку, а кабинет Джорджа Накашимы 1965 года был продан за 20 700 долларов.
Некоторые дизайны мебели середины века, такие как культовое кресло для отдыха Eames Lounge Chair, никогда не снимались с производства, но многие другие перестали выпускаться к середине 90-х годов.И даже получить в свои руки изделия, которые все еще производились, было бы непросто, если бы архитектор или дизайнер не заказали для вас изделие.
В начале 1990-х ситуация начала меняться: в 1993 году Knoll, крупный производитель культовых изделий середины века, открыл свой выставочный зал SoHo, когда-то предназначенный только для продажи (это означает, что изделия продавались только дизайнерам и архитекторам, а не потребителям). , розничным покупателям.
Стратегия компании«Прямой доступ к потребителю» отчасти была реакцией на серьезный спад на рынке офисной мебели в конце 1980-х — начале 1990-х годов — компании нужно было увеличить свою клиентскую базу, чтобы компенсировать потерянный офисный бизнес.Производитель также отменил специальные цены для архитекторов и дизайнеров (обычно на 40 процентов ниже) и вместо этого предложил более низкие цены для всех, кто войдет в выставочный зал.
БизнесKnoll сразу же увидел огромный рост бизнеса и в конечном итоге превратил свои выставочные залы в «более заметные, ориентированные на потребителя центры продаж». Шли годы, и все больше и больше предметов, которые когда-то продавались только для продажи, становились доступными напрямую рядовым потребителям.
Одновременно 90-е привели к переизданию многих знаковых дизайнов середины века.Производитель мебели Herman Miller был синонимом стиля модерн середины века во время его расцвета. Под руководством Джорджа Нельсона Herman Miller был в числе первых компаний, производящих современную мебель.
Однако к 1994 году Herman Miller сократил свой бизнес, чтобы сосредоточиться почти исключительно на офисной мебели, и в течение 30 лет отсутствовал на рынке жилой мебели. Как и Кнолл, на Хермана Миллера повлиял бы спад на рынке офисной мебели.Заметив тенденцию к тому, что люди работают на дому и создают домашние офисы, Херман Миллер увидел возможность вернуться на рынок розничной торговли.
Компания решила переиздать изделия из архива Германа Миллера под названием Herman Miller for the Home и предлагать их напрямую потребителям. Новые изделия остались верны оригинальному дизайну, но были обновлены с использованием современных тканей и материалов (переиздания также были отмечены медальоном, чтобы отличать их от винтажных изделий).
По словам Марка Шурмана, директора по корпоративным коммуникациям Herman Miller, причиной компании также было разочарование потребителей. И ограниченное количество винтажных вещей, и некачественные подделки, наводнившие рынок, вдохновили Германа Миллера на переиздание любимых дизайнов. Возвращая эти классические модели в производство, Herman Miller защитил свой дизайн и свою репутацию.
Рынок подражателей также вселил в Хермана Миллера уверенность в том, что у дизайнов есть рынок.Herman Miller также сделал раннюю ставку на электронную коммерцию, запустив веб-сайт в 1998 году. Ставки компании окупились: с того момента, как они были повторно представлены, изделия Herman Miller пользовались большим спросом.
Продажи современных репродукций винтажных дизайнов середины века резко выросли в 1999 году, когда калифорнийский предприниматель Роб Форбс запустил Design Within Reach, каталог прямой почтовой рассылки и онлайн-бизнес. (Хотя сегодня многие высмеивают название компании, оно должно было описать легкость, с которой потребители могут покупать продукты, а не их цены.DWR не только предоставил потребителям прямой доступ к современным предметам середины прошлого века, которые когда-то продавались только для торговли, но и каталоги также служили учебным пособием по дизайну для масс. Каждый предмет мебели сопровождался биографией дизайнера продукта, благодаря чему имена Имса, Ногучи и Сааринена стали нарицательными. DWR быстро стала крупнейшим розничным продавцом Herman Miller.
Пара стульев Knoll Barcelona, когда-то принадлежавшая Чарльзу Гватми, была предложена за 24000 долларов через 1stdibs.com.В нижнем ценовом сегменте коллекционерского рынка винтажные изделия массового производства имели (и до сих пор ценят) то, что некоторые могут посчитать поразительной ценой на изделия, которые производились тысячами. Сегодня кресло Eames из стекловолокна в хорошем состоянии можно продать всего за 150 долларов, но кресло Eames Lounge Chair 1970-х легко может стоить 7000 долларов. (Цены на некоторые вещи упали с переизданием и появлением eBay, что сделало рынок винтажных товаров более доступным.
Например, для оригинального экрана Eames было бы необычно получить сегодня 10 000 долларов, о которых говорилось в New York Times в конце 1990-х.) И цены могут быстро расти: коллекционеры середины века ценят патину на оригинальных изделиях и готовы платить, особенно если изделие находится в оригинальном, не реставрированном, состоянии или имеет интересное происхождение. Пара стульев Barcelona, еще один распространенный дизайн, недавно была предложена за 24000 долларов на 1stdibs.com, онлайн-рынке антиквариата (аналогичная пара без происхождения может стоить всего 4000 долларов), но коллекционеры заплатили бы премию за собственные стулья. который происходил из поместья архитектора Чарльза Гватми.
Многие сайты, посвященные продаже подержанной мебели, переполнены подлинным дизайном середины века, но они также переполнены тысячами предметов, которые помечены как «модерн середины века», но не имеют никакого дизайнерского значения. Опытные продавцы могут даже добавить список крупных дизайнеров и производителей к своим ключевым словам в списке, чтобы соблазнить коллекционеров щелкнуть по товарам, не относящимся к дизайнерским.
Стол Карло Моллино, проданный за 3 доллара.9 миллионов. Изображение предоставлено Christie’s Images Ltd.Настоящие коллекционеры скупают не только винтажные шезлонги Eames. Скорее, им нужны единственные в своем роде изделия, которые имеют задокументированную историю и происхождение. Рынок этих драгоценных камней середины века резко вырос за последние десять лет. Джошуа Холдеман, глава отдела дизайна 20-го века Sotheby’s, указывает на аукцион 2005 года стола Carlo Mollino, проданный за 3,9 миллиона долларов, как поворотный момент для аукционного рынка современной мебели середины века.«Это был первый раз, когда что-то в середине века сделало такой прорыв цены, — говорит Холдеман. «Эта [продажа] была знаком того, что эти предметы были чрезвычайно важны в истории дизайна — и для коллекционеров».
СМИ также сыграли роль в популярности модерна середины века. Wallpaper * и Dwell — два журнала, которые заслуживают большой похвалы за отстаивание образа середины века. Обои были выпущены в 1996 году, а Dwell — в 2000. Основные дизайнерские СМИ также обратили внимание на эту тенденцию; Например, теперь уже в основном традиционный House Beautiful посвятил несколько страниц Герману Миллеру при запуске Дома в 1994 году (после того, как в 1960-х годах он широко освещал современный дизайн середины века).
В своем обзоре века журнал Time назвал кресло Eames Molded Plywood «Лучшим дизайном 20-го века», описав его дизайн как «что-то элегантное, легкое и удобное. Много копируется, но никогда не улучшается». Упоминания «модерна середины века» и «модерна середины века» в New York Times показывают резкий всплеск с середины 80-х годов до наших дней.
Культурные учреждения также внесли свой вклад в празднование дизайна середины века.В частности, Музей современного искусства с самого начала поддерживал модернистское мебельное движение. Конкурс MoMA 1940 «Органический дизайн в предметах интерьера» привлек внимание к современному дизайну (в конкурсе победили два тогда еще неизвестных студента, Чарльз Имс и Ээро Сааринен, которые работали вместе над дизайном стула). Музей был настолько заинтересован в продвижении современного дизайна, что посетители действительно могли сидеть на мебели на выставке 1941 года финалистов конкурса «Органический дизайн».Всего пять лет спустя MoMA посвятил целую выставку дизайну мебели Имса.
Недавние выставки повысили осведомленность общественности о дизайне середины века. В 1999 году Библиотека Конгресса организовала обширную выставку, посвященную творчеству Чарльза и Рэя Имз. Шоу проходило в шести крупных городах за три года, благодаря чему имя Имса стало нарицательным во всем мире. Десять лет спустя МоМА представила более 100 предметов середины века из своей дизайнерской коллекции под названием «Что было хорошим дизайном?» Послание МоМА 1944–56.«
В 2001 году Художественный музей округа Лос-Анджелес представил первое крупное исследование современного калифорнийского дизайна середины века «Калифорнийский дизайн, 1930-1965 годы:» Жизнь по-современному «. Выставки современного дизайна середины века по-прежнему пользуются популярностью по всей стране. Фактически, выставка LACMA все еще гастролировала в прошлом году, когда она была показана в музее Пибоди Эссекс в Массачусетсе. В 2014 году Современный еврейский музей представил «Дизайн дома: евреи и модернизм середины века»
.В Музее изящных искусств в Бостоне на 10 апреля запланировано мероприятие под названием «Безумный стиль: современный дизайн середины века».«Мероприятие, вдохновленное Mad Men , предлагает кураторскую экскурсию по коллекции MFA дизайна середины века и коктейлей и призывает гостей« одеться в соответствии с вашим шиком 1950-х ».
Как следует из мероприятия MFA, популярная культура также помогла вывести современный дизайн середины века в мейнстрим. Mad Men , премьера которого состоялась в 2007 году, является одним из очевидных культурных источников. Репутация шоу за точность эпохи распространилась на декорации, которые были специально разработаны, чтобы отражать интерьеры Восточного побережья 1960-х годов.Исследование команды дизайнеров декораций включало прямое общение с Херманом Миллером, который помогал посоветовать подходящую для того времени обстановку и даже предоставил старинные произведения искусства из архива компании, которые появлялись на экране как творческие работы, в которых было задействовано агентство.
Однако не только предметы старины, такие как Mad Men или безупречная квартира Джейсона Бейтса 1980-х годов с шезлонгами и пуфами в Барселоне, сделали общественность осведомленной об этом периоде.Иконы середины века повсюду в фильмах, на телевидении и в рекламе. На The Daily Show Джон Стюарт взял интервью у всех своих гостей, сидящих на стульях для управления сеткой от Eames Aluminium Group.
В телевизионной рекламе L’Oreal в конце 90-х Хизер Локлир сидит на стуле Arne Jacobsen Egg; тот же дизайн снова появился в печатной рекламе телефона Razr в 2008 году. Современная мебель середины века часто фигурирует в рекламных объявлениях из-за своих чистых, хорошо продуманных линий, но также, возможно, из-за того, что рекламодатели считают, что эти предметы представляют свою рекламу.
Современный дизайн середины века — далеко не единственный стиль мебели, который вернулся в моду после своего времени. В конце 1960-х годов большой популярностью стал стиль ар-деко. (Подобно термину «модерн середины века», «ар-деко» не было придумано до тех пор, пока этим периодом не заинтересовались более поздние поколения.) Точно так же и ранние американские образы периодов королевы Анны, Чиппендейла и федерации, возникшие в 18-м веке. и в начале 19-го века все пережили возрождение в 1920-х и 30-х годах, а затем снова в 1980-х годах, когда этим периодом заинтересовались зажиточные бэби-бумеры.Коллекционеры в 1980-х, которые не могли позволить себе оригинальные ранние американские экземпляры, начали покупать репродукции начала 20-го века, которые имели патину возраста, которой не было у современных репродукций. Возможно, что если образ середины века потеряет популярность и вернется в моду через десятилетия, переиздания начала 21 века станут коллекционируемыми, как репродукция Чиппендейла 1930-х годов в 80-е.
Почему модерн середины века по-прежнему пользуется популярностью и почему современные розничные торговцы и производители так решительно восприняли его чистый внешний вид? По словам Sotheby’s Holdeman, изделия середины века — это просто хорошо продуманные предметы с вневременным внешним видом.«[Современный дизайн середины века] очень хорошо сочетается с современными домами и интерьерами — они все еще кажутся свежими сегодня, они все еще ощущаются современными. Многие из этих предметов не были улучшены. Они все еще выдерживают испытание временем».
Знакомство — также фактор непреходящей популярности середины века. Бэби-бумеры, выросшие на дизайне середины века, безусловно, являются частью рынка как оригиналов, так и репродукций. Для этого поколения дизайн напрямую связан с их молодостью. (В то же время многие бумеры хотят чего-то другого.Стейси Грир, продавец мебели середины века, опрошенная NPR, сказала репортеру: «Они выросли с этим, и их родители купили это, так что они хотят чего угодно, только не этого».
Поколение X также можно обвинить в более недавнем распространении в середине века. В статье 1998 года об интересе поколения X к дизайну середины века дизайнер интерьеров Джим Уолрод выдвинул гипотезу о том, что привлекательность этого периода для «поколения X, даже для тех, кто не знает его происхождения, естественна из-за« невидимой точки отсчета »молодых людей. приобретенные после многих лет пребывания в художественном руководстве старых фильмов и телешоу, не говоря уже о тиковом и нержавеющей стали в жилых комнатах их родителей.«С модным дизайном середины века, доступным в розничных магазинах, таких как West Elm, образ того периода также предлагается миллениалам».
Холдеман видит, что интерес к мебели середины века, находящийся в верхнем сегменте рынка, идет параллельно со вкусом рынка к современному искусству. (Вверху, низкий столик примерно 1950 года с аукциона Sotheby’s в декабре 2014 года коллекции европейского модернизма Джона Страйкера.) «Вся французская часть нашей категории середины века стала сегодня одним из якорей голубых фишек нашего рынка, — говорит Холдеман.«Это во многом связано с миром современного искусства — с тем, как эти две категории дополняют друг друга». Дэмиен Херст или Джефф Кунс будут выглядеть более комфортно со стулом Пруве, чем со стулом Людовика XIV, поэтому коллекционеры современного искусства приняли тот период.
Тенденция к городской жизни также может быть частью того, что поддерживает образ середины века. «Дизайн был разработан для послевоенного дома меньшего размера», — говорит Гринберг, отмечая, что они были спроектированы так, чтобы быть мобильными и легкими для жителей города, которые часто переезжали.«Все это по-прежнему влияет на то, как мы живем сегодня».
A Modern Designer’s Canvas — Smashing Magazine
Когда я озаглавил этот доклад, я назвал его «Холст современного дизайнера», потому что изначально я собирался рассказать об инструментах и процессах, которые я использую при проектировании. Но быть хорошим дизайнером или разработчиком — это гораздо больше, чем просто знать, как использовать инструменты. Это также касается нашего подхода к тому, что мы делаем, и нашего отношения к этому.Когда я назвал это выступление, я назвал его «Холст современного дизайнера», потому что изначально я собирался рассказать об инструментах и процессах, которые я использую при проектировании.Но быть хорошим дизайнером или разработчиком — это гораздо больше, чем просто знать, как использовать инструменты. Это также касается нашего подхода к тому, что мы делаем, и нашего отношения к этому.
Я расскажу о четырех уроках, которые помогут нам делать то, что мы делаем лучше . Это было важно для меня, особенно в последние несколько трудных лет, когда то, как мы делаем веб-сайты, сильно изменилось. Это уроки, которые я усвоил очень давно, в художественной школе:
- Найдите среду, которая выражает ваши интересы и таланты.
- Не отчаивайтесь от процесса или не влюбляйтесь в инструменты.
- Бросьте вызов тому, что вам говорят, включая то, что вы слышали на конференциях и в статьях.
- Лучше идти своим путем, чем идти чужим.
Прошло 30 лет плюс-минус неделя или две с тех пор, как я подал документы в художественную школу. Это было в 1984 году. Забавно, вспоминая. В 1984 году мы думали, что британское правительство, шпионящее за своими гражданами с помощью технологий, будет просто антиутопической фантастикой.
Дополнительная литература по SmashingMag:
То, что я узнал в художественной школе, осталось со мной на протяжении 20 с лишним лет после ее окончания. Это были уроки , которые помогли мне начать в этом бизнесе , которого даже не было на горизонте в 1984 году. Это уроки, которые помогли мне адаптироваться, чтобы я мог оставаться в бизнесе, когда бизнес по созданию веб-сайтов изменился так кардинально. .
Это уроки, которые позволили мне рисковать своим бизнесом, такими рисками, как принятие веб-стандартов и адаптивный дизайн до того, как это сделали многие люди вокруг меня в то время.
Художественная школа меня многому научила, но, честно говоря, попасть туда было очень унизительно. Я пришел из школы маленького городка, где всегда был одним из лучших в искусстве. В тот год я был одним из двух человек, которые продолжили изучать искусство, но когда я поступил в университет, я почувствовал, что все вокруг меня намного лучше меня.
Эндрю Кларк выступает на Smashing Conference, Оксфорд. (Изображение предоставлено Marc Thiele)Я полагаю, это то, что чувствуют многие люди, приходя на конференцию. Мы «эксперты» там, где работаем, но на конференции кажется, что все знают больше, чем мы.Я чувствую это, и я также чувствую это, когда читаю статью о каком-то новом языке, о технике или инструменте, и я думаю, что мне следует изучить это. Сомневаюсь, что я единственный человек, который так думает.
Поиск среды, которая наилучшим образом выражает наши интересы и таланты
Предполагается, что технологии делают нашу жизнь менее стрессовой, но трудно представить себе другую отрасль, где то, что кто-то делает, меняется так регулярно. Признаюсь, я больше, чем когда-либо, запутался в том, что мне нужно узнать.Трудно не чувствовать стресс от мысли о том, что мы должны учиться или стремиться быть экспертами практически во всем. Иногда этот стресс может превратиться в легкую панику, когда мы чувствуем, что все знают то, чего не знаем мы.
Когда я начал разрабатывать веб-сайты, я использовал Frontpage, а затем Dreamweaver. Одно из самых больших изменений, которое я внес в то, что я делаю, было в начале движения за веб-стандарты, когда я научился писать HTML и CSS. Многие дизайнеры сделали то же самое, но некоторые думают, что этого уже недостаточно.Джефф Крофт писал в январе:
: «Возможно, мы не осознавали, что если браузеры перестают работать отстойно, то быть« гуру »HTML и CSS на самом деле не очень востребовано».
Вряд ли обнадеживает.
«Диверсифицируйся или умри», — говорит он, прежде чем указать, что на собеседовании на Backbone.js, AngularJS или Node.js фронтенд-разработчики будут с такой же вероятностью, как и на HTML и CSS.
Но нужно ли каждому фронтенд-разработчику изучать Backbone, Angular или Node? А как насчет таких дизайнеров, как я? Я научился писать HTML и CSS, потому что они мне нужны для выражения дизайна, который я создал.Код стал моей средой, когда дизайн стал больше, чем просто создание впечатления художника о веб-сайте. HTML и CSS были первым «кодом», с которым я когда-либо работал.
Некоторые из моих технически подкованных друзей стали использовать те же языки после того, как выучили программирование. Хотя мы оба знаем HTML и CSS, их практические знания сильно отличаются от моих. Они знают языки программирования. Они понимают JavaScript. Им удобна командная строка. Это технически подкованные люди, разбирающиеся в Backbone, Angular или Node.
Я, Я бы не смог написать сценарий, если бы от него зависела моя жизнь . Это потому, что мой разум работает по-другому, и у меня другие рабочие знания. Это связано с моим опытом в области искусства и дизайна, поэтому я могу не знать Backbone, но я дьявол с кривой Безье.
Предположение, что кто-то обладает такими же знаниями, как и вы — потому что они используют общие языки, такие как HTML и CSS, — может сбить их с толку. Я снова и снова вижу эти предположения в статьях и учебных пособиях.
Я знаю, что не склонен к развитию, поэтому я никогда не испытываю необходимости изучать новые инструменты или технологии разработки, если они не имеют прямого отношения к моей работе. Существует очень большая вероятность того, что если вы дизайнер, вам, вероятно, никогда не понадобится знать, как написать Grunt Runner.
Дизайнеры могли почувствовать давление, чтобы узнать об инструментах и технологиях, которые традиционно были прерогативой тех из нас, кто более технически подкован. В то же время мы все еще можем испытывать давление, чтобы узнать о предметах, корни которых лежат в других академических областях — таких предметах, как информационная архитектура, контентная стратегия, исследования и, возможно, даже анализ данных.Но нужно ли нам быть экспертами в этих областях, чтобы стать хорошими дизайнерами?
Легко впасть в уныние, когда вы думаете, что просто «проектировать» недостаточно или что создание чего-то красивого — дело поверхностное. Если вам иногда кажется, что это такое, я с вами, но мы всегда должны помнить, что для создания чего-то прекрасного требует знаний и опыта . Понимание пропорций и соотношений для макета, знание цветовых принципов и «видение» типографики, действительно видение — это не то, чему вы можете научиться в одночасье.
«Сделать веб-сайт красивым» — это далеко не поверхностный навык, которым мы должны очень гордиться. Он также будет востребован еще долго после того, как будут забыты последние модные среды разработки.
Я не говорю, что мы не должны узнавать что-то новое или что мы должны оставаться в своей зоне комфорта. Важно найти подходящую среду для выражения наших идей и талантов. Скорее всего, нам не нужно будет учиться всему, но нам нужно будет научиться, чтобы преуспевать в том, что мы делаем.
Джеффри Зельдман недавно написал:
«[…] сейчас может быть время для повышения вашей игры в качестве графического дизайнера, дизайнера опыта или разработчика интерфейса. «Диверсифицируйся или умри» может немного преувеличивать. Но всегда будет хорошим советом «идти по пути, который любишь» ».
Если вы «пойдете по любимому пути», вы найдете свой носитель, хотя он может оказаться не таким, каким вы ожидали.
Когда я учился в художественной школе, я думал, что я хороший художник. Это потому, что в старшей школе рисование было связано с точностью и предсказуемостью не меньше, чем с творчеством.Уроки рисования в средней школе были посвящены изучению техник, чтобы мы могли воспроизвести картину того, что мы, вероятно, нарисовали несколько раз раньше в условиях экзамена.
Сегодня многие люди говорят о проектировании с использованием данных, чтобы мы могли создавать предсказуемые проекты. Многие люди жаждут предсказуемости , что иногда заставляет их полагаться на данные, а не на собственную интуицию. Лично я хочу видеть дизайн больше вдохновляющий, чем предсказуемый.
Текущая тенденция к «плоскому» дизайну вызывает у меня сильную ностальгию. Я рисовал плоско, потому что мне нравилась резкая графика поп-арта. Мне также нравились работы Дэвида Хокни, особенно его картины-всплески, но я видел их воспроизведенными только в книгах, где они, очевидно, были намного меньше. Процесс печати также сглаживал их, убирая тонкость и глубину, чего я не осознавал, пока не увидел картины в галереях.
Когда я поступил в художественную школу, я обнаружил, что на самом деле художник намного беднее, чем мои новые сверстники.В отличие от них, все, что я рисовал, выглядело плоским, независимо от того, чем я занимался. Это было не просто содержание, которое я выбрал — моя техника и способ рисования говорили обо мне столько же, сколько и о том, что я рисовал.
Сегодня мы много слышим о преимуществах повторения дизайна; это подход, который я рекомендую нашим клиентам. Но для меня рисование не было повторяющимся процессом. Я не мог позволить картине развиваться со временем, пробираясь по холсту, постепенно добавляя слои краски.Я не мог поверить в низкую точность воспроизведения, которую мы видим сегодня в наших серых каркасах. У меня не было ни веры, ни терпения, чтобы повторить. Мне с самого начала нужно было работать с высокой точностью. Сегодня это было бы эквивалентом пропуска набросков и погружения прямо в Photoshop для создания высококачественного дизайна.
Вместо этого я работал над одной частью картины, пока она не выглядела законченной. Затем я перейду к следующей части. Это было похоже на рисование по номерам. Я смотрел так близко к холсту, что не мог видеть, как выглядела моя картина на расстоянии. Я скучал по всему, потому что я был сосредоточен на частях . В результате мои картины оказались не только плоскими, но и разрозненными. Я вижу это и в сегодняшнем дизайне веб-сайтов.
Мне потребовались месяцы неудовлетворенности, чтобы понять, что живопись — это не только техника, но и темперамент. Я понял, что не подходил для рисования и что это был неподходящий способ передачи моих идей. Мне повезло, потому что степень, которую я изучал, была «неструктурированной», поэтому после первых нескольких недель знакомства и адаптации к нашему новому окружению нас оставили без присмотра, как мы и хотели.Не было ни расписания, ни лекций, ни установленных работ — за исключением диссертации, которую я написал о Бэтмене, — никаких организованных поездок в ботанический сад для рисования экзотических растений. Мы приехали, и наши наставники сказали: «Здравствуйте». Три года спустя они вернулись и сказали: «И что ты сделал?»
Отсутствие структуры позволяло студентам перемещаться между дисциплинами — живописью, скульптурой, гравюрой, фотографией — когда мы хотели. Некоторых людей это отсутствие контроля не устраивало. Если кто-то не обладал высокой мотивацией или не знал своего пути или среды, он обычно сбивался с толку.Некоторые люди вообще не могли справиться с этим и поэтому перешли на курс, который предлагал больше направлений. Остальные вообще ушли. Некоторые перешли в класс рисования и никогда не уходили. Они потратили три года на рисование дряблой плоти, потому что хотели предсказуемости, надежности, которую дала им жизнь в комнате жизни. Они стали невероятно технически опытными — как и следовало ожидать, — но мастерство не гарантирует ни хорошего искусства, ни великолепного дизайна.
Не напиваться своими процессами или не влюбляться в наши инструменты
В старшей школе нас учили, что на любой вопрос есть только один правильный ответ.Вся наша образовательная система — некоторые могут сказать, вся наша политическая система — основана на предпосылке, что ответ либо правильный, либо неправильный.
- Что-то есть или нет.
- Что-то либо произошло, либо нет.
- Что-то возможно или нет.
Нам нужно, чтобы все было правильно, поэтому мы пытаемся найти единственный правильный способ сделать это. Это одна из причин, по которой мы приходим на конференции . Мы хотим знать, как лучше всего работать с адаптивными изображениями.Мы хотим знать, следует ли нам использовать Flexbox. Мы хотим открыть для себя лучший процесс проектирования или разработки веб-сайта в эту современную, адаптивную эпоху. Мы хотим создавать системы, которые делают результат проектирования предсказуемым. Но:
- Что делать, если нет правильного способа работы с адаптивными изображениями?
- Что, если Flexbox иногда бывает полезен?
- Что делать, если не существует лучшего процесса для адаптивного дизайна?
- Что, если системы мешают творческому процессу?
Саманта Уоррен писала о стилизованных плитках в A List Apart еще в 2012 году:
«Стильные плитки являются краеугольным камнем надежной системы дизайна, которая определяет ожидания клиентов и передает визуальную тему всем членам команды проекта.Разработка системы, а не страниц сайта, дает вашей команде инструменты для создания живого, дышащего веб-сайта ».
Я писал о том, как избежать ложных ожиданий в течение нескольких лет. В частности, я писал о том, как процессы, инструменты и артефакты, которые мы ненадлежащим образом принесли с собой из исторических СМИ в Интернет, могут препятствовать общению и укреплять ложные ожидания.
С первых дней существования Интернета дизайнеры использовали графические инструменты, такие как Photoshop, затем Fireworks и в последнее время Sketch, для создания полностраничных визуальных элементов, которые предназначены для демонстрации того, как будет выглядеть веб-сайт, когда он попадет в браузер .Дизайнеры часто создают визуальные эффекты из десятков шаблонов или страниц. Эти композиции (или PSD, или плоские статические визуальные эффекты, или артефакты высокоточного дизайна) не только используются для экспериментов и творческого самовыражения, но и фактически становятся валютой веб-дизайна. Дизайнеры обменивают их с клиентами на одобрение, а затем на деньги. Клиенты и дизайнеры обмениваются ими с разработчиками, чтобы использовать их в качестве чертежей для содержания, дизайна и функциональности веб-сайта, а затем, наконец, в качестве инструментов контроля качества. Но, несмотря на свою популярность и долголетие, они ужасно не подходят для всех этих ролей.
Инструменты и процессы, на которые мы полагались в течение многих лет, больше не позволяют должным образом разрабатывать современный гибкий и отзывчивый Интернет.Использование этих статических изображений означает «использовать нож в перестрелке». Они могут сообщить только что-то поверхностное, искусственное. В них много фруктозы, они очень сладкие, но, несмотря на небольшую пищевую ценность, люди их любят и поэтому хотят все больше и больше. Мы, дизайнеры, в значительной степени научились жить со всеми недостатками статических визуальных эффектов, и мы компенсируем их, знакомясь с инструментами, которые мы используем для их создания.
Хуже любого недостатка является частое отсутствие связи, когда мы передаем кому-то визуальный материал и просим его оценить его. Вместо того, чтобы использовать визуальные эффекты в качестве вспомогательных средств для общения, мы позволяем визуальным эффектам говорить за нас. Это происходит, особенно когда мы отправляем их по электронной почте или загружаем в Basecamp вместе с нечетким запросом «мыслей».
Когда мы таким образом прячемся за артефактами дизайна, мы оставляем огромное количество вещей открытым для неправильного толкования и из-за этого с гораздо большей вероятностью установим неверные ожидания.Рендеринг типа на реальном устройстве будет выглядеть иначе, чем . Шрифты не будут иметь точно такой размер на всех устройствах. Макет будет отличаться от при разной ширине области просмотра.
Итак, каковы наши цели при демонстрации статического изображения кому-то, обычно клиенту? После того, как мы пройдем этап обратной связи, мы, вероятно, будем искать одобрение дизайна. Нам нужно это одобрение либо для завершения нашего бизнеса, либо для подтверждения того, что дизайн готов перейти к следующему этапу. Конечно, мы вообще не просим их оценивать визуальное оформление, не так ли? На самом деле мы просим их выйти за рамки визуального и решить, что они экстраполируют, будет выглядеть готовой веб-страницей.В сущности, мы говорим: «Это лучше, чем впечатление художника».
Чтобы их суждения были хоть сколько-нибудь значимыми, нам нужно сделать визуальное представление максимально точным. В идеале мы хотели бы, чтобы он выглядел так же, как снимок экрана готовой страницы. Когда мы просим подписаться, мы подразумеваем, что готовая веб-страница в конечном итоге будет факсимиле этого изображения, точной копией, клоном. И если мы говорим не об этом, то какой смысл просить кого-то вообще одобрить это?
Вы когда-нибудь задумывались — не говоря уже об адаптивных веб-сайтах — почему так много веб-страниц имеют фиксированную ширину и центрируются в области просмотра? Как вы думаете, имеет ли это какое-либо отношение к тому, что клиенты подписываются на визуальные эффекты фиксированной ширины.Я бы сказал, что одно является прямым результатом другого. Я бы пошел дальше и посоветовал считать просьбу об одобрении визуальных эффектов вредной, потому что мы усиливаем устаревшее представление о том, что веб-страница должна быть факсимиле застывшего изображения.
Мы страдаем от последствий этого понятия в течение многих лет, потому что, когда мы просим подписать замороженное изображение, мы сразу же оставляем себя открытыми для проблем, которые часто возникают, когда нам позже приходится реализовывать этот дизайн. Вспомните, сколько раз вам приходилось объяснять клиенту, почему Internet Explorer не отображает ваших border-radius, box-shadow, столбцов CSS или градиентов.Подумайте, сколько часов вы затем потратили на использование полифилов для поддержки стареющего браузера, чтобы он мог выполнить обещание, данное вами при продаже визуального элемента клиенту. Чтобы спастись от этой агонии на протяжении многих лет, мы использовали наименьший общий знаменатель в нашей матрице поддержки браузеров. Мы отказались от стольких полезных свойств CSS, пока доминирование устаревших браузеров не исчезло. Моя книга Hardboiled Web Design была посвящена тому, как бросить вызов этому не амбициозному мышлению.
В подходе Саманты Уоррен меня восхищает то, что она делает упор на общение. Саманта говорит, что стилистические плитки «служат катализатором для дискуссий», и я очень ценю это, потому что часто важнее всего не то, как мы проектируем, а то, как мы это сообщаем.
Ранее я говорил о поиске правильного носителя, и мне стало очень ясно, что высококачественные визуальные эффекты, которые представляют будущий вид полных страниц, редко являются подходящим средством для коммуникации веб-дизайна.Когда визуал инкапсулирует все, что касается дизайна, вместо того, чтобы помочь нам найти ясность, он провоцирует множество разговоров на разные темы одновременно. Возможно, нам придется поговорить о типографике. Вместо этого взгляд клиента блуждает по странице, потому что его отвлекает размер логотипа. В других случаях мы могли бы захотеть поговорить о цвете как о части словаря взаимодействия, но они не могут не заметить устаревшую фотографию продукта. Люди слишком легко отвлекаются, а разговоры становятся несосредоточенными, когда мы слишком рано показываем дизайн целиком.
Я искал лучшую среду для передачи моих проектов и обнаружил, что разделение дизайна на несколько компонентов невероятно полезно. С тех пор я также обнаружил, что мои разговоры о дизайне стали более целенаправленными и продуктивными.
Как часто вы слышали, как кто-то говорит: «Мне не нравится дизайн»? Вы копнули глубже и обнаружили, что они возражали не в деталях дизайна, не в шрифтах или не в том, как вы использовали цвет? Нет? Это могло быть так: «Боковая панель должна располагаться слева, а не справа.«Люди часто хотят прокомментировать макет дизайна, но выражают свою критику дизайна в целом. Они объединяют макет с внешним видом и называют это «дизайном». Дизайнеры тоже так поступают, потому что мы привыкли создавать и демонстрировать визуальные эффекты, включающие все эти вещи. Но теперь пришло время обсудить элементы дизайна, не относящиеся к макету, и элементы макета отдельно.
Это означает, что внешний вид отдельных компонентов и то, как они расположены в сетке, теперь представляют собой две отдельные задачи дизайна, и, хотя макет, несомненно, будет меняться в зависимости от размера экрана, внешний вид компонента почти наверняка останется прежним. одно и тоже.
Устройства и экраны, которые мы проектируем сегодня, имеют самые разные размеры. (Изображение предоставлено Фондом)Уберите макет, и останется то, что я называю «атмосферой» дизайна. Атмосфера — это чувства, которые вызывают цвет, текстура и типографика. Вы уже могли думать об атмосфере в других терминах. Вы можете назвать это «ощущением», «настроением» или даже «визуальной идентичностью». Как бы вы это ни описали, атмосфера дизайна не зависит от макета. Он не зависит от расположения и визуального размещения.Его можно будет увидеть или почувствовать при любом размере экрана и на любом устройстве.
Идея работы над компонентами вне контекста набирает обороты в последние несколько лет. Как это ни странно звучит, на самом деле мы абстрагируем дизайн таким образом долгое время — например, когда мы создаем доску настроения или делимся кадрированными снимками Dribbble. В своей статье «Content Choreography» Трент Уолтон пишет:
«Веб-дизайнерам придется выходить за рамки расположенного перед ними макета, чтобы представить, как его элементы будут перекомпоновываться и блокироваться при разной ширине, сохраняя при этом форму и иерархию.
Мне нравится этот подход, потому что отделение компонентов от макета может помочь каждому сосредоточиться на дизайне, не задавая никаких ожиданий относительно того, как компоненты будут располагаться в соответствии с размерами области просмотра.
Ранее я сказал, что нам нравится выявлять закономерности и создавать системы, потому что мы жаждем предсказуемости. Вот почему мы всегда ищем «правильный» процесс. Но хотя отделение компонентов от макета и их независимое проектирование улучшило коммуникацию, я знаю, что этот подход работает не для всех и, конечно же, подходит не для каждого проекта.Вот почему я опасаюсь определять это как «процесс».
Я насторожен, потому что понял, насколько важно не позволять нашим процессам определять то, что мы делаем. Когда я читаю о процессе проектирования, меня беспокоит, что мы просто заменяем один набор артефактов дизайна другим — в данном случае визуальные эффекты Photoshop для библиотек шаблонов — и что мы так опьяняемся нашими процессами и так сильно падаем. влюбленные в наши новые инструменты, что мы снова упустим из виду то, что мы на самом деле делаем.
Проблемы, о которых нам говорили
Еще в 2009 году я выступал с докладом под названием «Стены рушатся», в котором я обсуждал, как важно уделять больше времени, времени для творчества.Тогда я посоветовал нам уменьшить повторение — сделать меньше высококачественных визуальных эффектов — и разработать системы вместо страниц. Я должен пояснить, что я говорил о разработке системы, а не о проектировании как системы.
Дизайн-системное мышление утвердилось, и оно может принимать несколько форм, от руководств по стилю в качестве результатов проектирования до полноценных библиотек шаблонов в качестве инструментов проектирования, а не документации. В настоящее время существует несколько широко цитируемых библиотек шаблонов, в том числе одна от Starbucks и одна для A List Apart.
Одной из систем, которая стала синонимом адаптивного веб-дизайна, является «атомарный дизайн» Брэда Фроста. Брэд писал об атомарном дизайне только прошлым летом:
«В последнее время меня больше интересовало, из чего состоят наши интерфейсы, и как мы можем создавать дизайн-системы более методичным способом».
Далее он описывает, как его система состоит из атомов, молекул, организмов, шаблонов и страниц, в результате чего должна быть:
«четкая методология создания систем дизайна.[…] Благодаря этому мы можем создавать системы, обеспечивающие согласованность и масштабируемость. И, собирая, а не разбирая, мы создаем систему сразу же, вместо того, чтобы собирать вишневые шаблоны постфактум ».
Брэд вдохновил атомную конструкцию на периодическую таблицу химических элементов. Я не могу представить что-либо без , стимулирующего творчество.
Однако не все убеждены в том, что абстрагируется от дизайна атомарно. В прошлом году Марк Бултон писал о своих опасениях:
«Соответствие и эффективность имеют цену.И эта цена — дизайн. Эта цена — чувство человечности. Из чего-то, что было создано с нуля. То, что я описал, не является процессом проектирования. Это , производящее . Это машина для производства кексов, которая производит одинаковые торты с разной глазурью. Но все они на вкус одинаковы ».
Важно помнить, что творчество никогда не должно быть — по определению не может быть — таким же предсказуемым, как производственный процесс. Мы не можем и не должны пытаться рационализировать творчество, превращая его в процесс.
Флетчер Кнебель, американский писатель, родившийся в 1911 году, сказал следующее:
«Сейчас без сомнения доказано, что курение является одной из основных причин статистики».
Вместо того, чтобы уделять больше времени исследованиям и сбору данных, я хотел бы использовать любое дополнительное время, которое у нас есть, для придумывания новых, лучших идей, потому что никакие исследования не могут заменить хорошую идею. По крайней мере, не само по себе.
Питер Сейбел, один из дизайнеров Etsy, сказал это в 2012 году:
«Наука — мощная сила, и было бы глупо полностью отказаться от нее только потому, что есть способы, которыми она может пойти не так».И столь же глупо было бы думать, что наука может каким-то образом заменить сильных, талантливых дизайнеров продуктов. Цель должна состоять в том, чтобы объединить два ».
Пожалуй, самым важным уроком, который я усвоил в художественной школе, было не принимать то, что мы слышим или видим за чистую монету, а подвергать сомнению все, что нам говорят. Это должен делать каждый. Я хочу, чтобы вы всегда спрашивали: «Могу я сделать это лучше?» Помните, что просто потому, что что-то было сделано, не означает, что вы не можете сделать это лучше . На самом деле нет ничего, что мы могли бы улучшить, и нам не нужно улучшать это для всех — улучшение для себя часто важнее.
Нам очень повезло в нашей отрасли: у нас есть возможность и инструменты для улучшения того, что кто-то сделал — будь то небольшой фрагмент кода или полный фреймворк, подсказка или полный рабочий процесс. Блоги, RSS и, в последнее время, Twitter позволяют нам узнавать о новом методе через несколько минут после того, как он был написан. Такие инструменты, как CodePen и GitHub, позволяют нам разветвлять код и делать его нашим собственным.
Я опубликовал свой Contract Killer с открытым исходным кодом на GitHub, и лучшая часть этого заключалась не в том, чтобы дать людям возможность использовать то, что я сделал, а в том, чтобы дать им возможность добавить свои собственные идеи, чтобы сделать это лучше.На самом деле, ничто из того, чем я поделился, не улучшилось просто от того, что поделился.
Но обмен — это всего лишь катализатор; Разработка идеи требует времени и терпения . Ранее я упоминал, что в художественной школе я не мог позволить картине развиваться со временем. Мне нужно было начать с высокой верности. С другой стороны, мой друг Бен и другие художники вокруг меня знали, как дать картине развиваться. Бен начал курс с шести гигантских носилок 6 × 6 футов. Затем он провел все три года, работая над этими шестью картинами.
Я видел Бена в пабе чаще, чем в студии. Он приходил в студию раз в неделю, иногда дважды. Каждый раз он добавлял тонкий слой к каждой картине. Несколько недель он обматывал тряпку уайт-спиритом и снимал краску с холстов. Я нахожу это захватывающим, что мы можем сделать что-то лучше, убрав часть этого, уменьшив, упрощая, а не добавляя к этому.
Картины Бена развивались не только по верности, но и по чистоте его идей долго.Теперь мне интересно, имел ли он четкое представление о том, как они будут развиваться или во что они перерастут, когда он начал? Я надеюсь, что нет. Я надеюсь, что он позволил своим идеям развиваться, когда писал их. Жалко, что я его не спросил. Что бы он ни думал к концу курса, у Бена было шесть красиво тонких, изысканно многослойных картин, о которых я мог только мечтать.
На вопрос «Могу я сделать это лучше?» и оспаривание идеи или реализации не является неуважением к идее или к человеку, который ею поделился.Видеть, как к твоей идее обращаются, улучшаются, начинают самостоятельную жизнь — это прекрасное чувство. Хороший вызов — это уважение к идее и к человеку, который ее придумал. Бросить вызов не всегда легко, особенно если мы не считаем себя равными с другим человеком. Сравнивать себя с другими может быть неудобно. Однако всегда помните, что каждый из нас вносит свой вклад со своей точки зрения, и эта точка зрения не менее ценна, чем любая другая.
По мере того, как искусство веб-дизайна продолжает развиваться, мы осознаем необходимость разработки продуманных систем дизайна, а не создания простых коллекций веб-страниц.(Изображение предоставлено: Atomic Design)Я работаю в своей небольшой студии с еще одним дизайнером. Наши представления о процессе и рабочем процессе, вероятно, сильно отличаются от представлений аналогичных команд, работающих в аналогичных небольших студиях, и опять же от тех из нас, кто работает в крупных компаниях и организациях. Другая точка зрения может развить идею в направлении, которое ее создатель и представить не мог. Идею можно неизмеримо улучшить, просто взглянув на нее с другой точки зрения.
Оспаривать то, что нам говорят, ставить под сомнение полученную мудрость, будет иметь свои последствия, особенно когда другие люди кровно заинтересованы в том, с чем мы сталкиваемся.Эти последствия могут быть более серьезными, если вы работаете в большой компании или организации, чем в маленькой, как я. Я построил бизнес, в котором возможны сложные условности и реализация новых идей без каких-либо последствий. Вот почему мой совет использовать единую «универсальную» таблицу стилей для устаревших версий Internet Explorer на всех веб-сайтах был не просто идеей. Я уже несколько месяцев пробовал это на своих клиентах, и ни один человек не пожаловался.
Обе мои книги посвящены использованию потенциала новых методов и технологий, будь то разработка в браузере или продвижение вперед с использованием передовых экспериментальных свойств CSS.Хотя сейчас эти идеи стали мейнстримом, когда я их написал, ответ был далек от одобрения. Я думаю, что эта реакция возникла из-за нежелания меняться. Возможно, это также произошло из-за страха, и мы слишком часто ограничиваем потенциал идеи, потому что слишком рано беспокоимся о последствиях неудачи. Сколько раз вы видели, как отличная идея разбивалась на вашем рабочем месте, когда кто-то говорил: «Мы не можем этого сделать, потому что…»
Дети все время бросают вызов идеям. У них есть талант задавать вопросы, спрашивать «Почему?» Все.Файл. Время. (Если у вас есть дети, вы это знаете.) Они не научились бояться последствий так, как взрослые, потому что их не приучили думать о них.
Вместо того, чтобы приглушить мерцающее пламя идеи, вопросы помогают ей развиваться. Нам следует задать больше вопросов. Мы должны сделать вопросы привычкой.
- «Кто сказал, что мы не можем?»
- «Почему мы не можем этого сделать?»
- «Почему у нас так много встреч?»
- «Почему дизайнеры и разработчики работают в разных командах?»
- «Почему дизайнеры и девелоперы работают в разных зданиях?»
- «Почему мы не можем начать писать код, пока дизайн не подписан?»
- «Почему я не могу поговорить с клиентом?»
- «Почему мы не можем использовать только таблицу стилей типографики для устаревших браузеров?»
- «Почему этот список вопросов такой длинный?»
Такие вопросы могут стимулировать идеи.Всегда помните, что в какой бы среде вы ни работали, вместе с любыми последствиями приходят возможности, возможности для создания чего-то особенного.
Идя своим путем, не идя по чужому
В течение 15 лет я работал в основном самостоятельно, и, оглядываясь назад, я понимаю, как много я боролся, не получая особой стимуляции, получаемой от работы с другими людьми. люди. Честно говоря, я не думаю, что смог бы добиться успеха, если бы не самомотивация, которой я научился много лет назад в художественной школе.
Чуть более года назад мы наняли еще одного дизайнера, и теперь мы работаем вместе в моей крошечной студии три дня в неделю. Преобразование было замечательным. Я чувствую, что у нас есть больше идей, лучшие идеи, и теперь мы делаем все возможное вместе. Я чувствую, что мы только начали.
Люди могут чувствовать себя изолированными, им не хватает вдохновения, даже когда они работают вместе с другими, если структура и среда организации затрудняют реализацию идей. Многие организации классифицируют своих сотрудников точно так же, как мы классифицируем элементы при написании HTML:
- графический дизайнер
- дизайнер пользовательского интерфейса
- дизайнер пользовательского интерфейса
- дизайнер цифровых продуктов
- веб-разработчик
- интерфейсный разработчик
- интерфейсный архитектор
Конечно, то, что написано на вашей визитной карточке, не обязательно ограничивает вас придумывать идеи, но классификации могут иметь последствия для творчества .Когда вы определяете роль для себя или вам ее назначают, в лучшем случае эта роль может ограничивать то, что вы делаете, а в худшем — то, что вы стремитесь делать. Роли и обязанности могут определять границы. Я видел, как защита этих границ превращалась в битвы за территорию.
Если вы «веб-дизайнер», что бы почувствовали «профессионалы UX», с которыми вы работаете, если бы вы создавали вайрфреймы? Я работал с дизайнерами пользовательского опыта, которые очень болезненно относятся к тому, что дизайнеры вторгаются на их территорию.Точно так же, как мы, дизайнеры, реагируем, когда фронтенд-разработчики принимают решения, влияющие на макет при реализации дизайна? Мы негативно реагируем? Вы слышали, как дизайнер сказал: «Но это моя работа»?
Когда мы переходим в чью-то область знаний, работаем с их инструментами, используем эти новые знания, принимаем их точку зрения, нас может вдохновить движение в другом направлении. Попадание на место кого-то другого не только дает нам возможность оценить его работу, но и вдохновляет нас делать свою работу лучше.
Кроме того, объединение людей, например, в команду дизайнеров пользовательского интерфейса, команду графических дизайнеров и другую команду разработчиков может иметь огромное влияние не только на гибкость проекта, но и на то, как идеи передаются между этими командами. .
Самыми успешными проектами, над которыми я работал в последние годы, были те, в которых клиент, вместо того, чтобы распределять нас по командам специалистов, создал «проектную команду». В эту команду будут входить люди из всех дисциплин — дизайнеры, разработчики, специалисты по контенту.Мы работали вместе в едином пространстве и придерживались политики открытых дверей, чтобы побудить всех в организации взглянуть на то, что мы делаем. Это наполнило нас новыми идеями и, по совпадению, позволило проводить импровизированное тестирование пользователей и устройств, когда они приносили с собой свои телефоны. Лучшие проекты для меня всегда полны вопросов, потому что они побуждают нас творчески подходить к нашим ответам.
Покойный Аарон Шварц написал:
«Будьте любопытны. Читайте широко.Пробуйте новое. Я думаю, что многое из того, что люди называют интеллектом, сводится к любопытству ».
Во взрослом возрасте мы часто теряем эту черту любопытства. А также вопрос «Почему?» мы также должны постоянно спрашивать: «А что, если?»
В этом году исполняется 10 лет моему блогу, а также 10 лет со дня публикации многих новаторских статей в A List Apart. Эти статьи позволили нам создавать веб-сайты, которые мы делаем сегодня. Многие авторы этих статей просто спросили: «А что, если?»
Возьмем, к примеру, Дугласа Боумена, ныне креативного директора Twitter.К 2002 году Марк Ньюхаус уже писал о том, как превратить неупорядоченные списки в навигацию. Сегодня мы воспринимаем это как должное. Но тогда эти списки все еще выглядели квадратными, и люди искренне жаловались, что дизайн CSS выглядит «скучным». Поэтому Дуг спросил: «Что, если я использую два фоновых изображения для создания вкладок?» а в 2003 году он разработал «Раздвижные двери CSS».
Или возьмем Дэна Седерхольма, соучредителя Dribbble. Десять лет назад никто не решил проблему, как сделать фон двух неравных столбцов одинаковой высоты с помощью CSS.A List Apart опубликовал книгу Дэна «Faux Columns», в которой он спросил: «Что, если я обману и использую повторяющееся фоновое изображение в родительском контейнере?»
Также в январе 2004 года Патрик Гриффитс спросил: «Что, если я буду использовать em вместо пикселей или процентов для макета?» Он изобрел концепцию «эластичного дизайна». Дэйв Ши, куратор недавно перезапущенного CSS Zen Garden, снова спросил в 2004 году в A List Apart: «А что, если я помещу все свои значки в одно изображение?» Таким образом, мы изобрели CSS-спрайты — метод, который так хорошо зарекомендовал себя, что мы используем его сегодня.
Те вопросы, те «А что, если?» породили идеи, которые впоследствии изменили способ проектирования и разработки веб-сайтов на следующие 10 лет. Любопытство сегодня работает так же хорошо, как и тогда, для тех людей, которые позволили нам создавать веб-сайты с помощью HTML и CSS.
- «Что, если мы будем использовать для общения другой артефакт дизайна?»
- «А что, если мы будем работать в браузере вместо Photoshop?»
- «Что, если бы мы сначала разработали мобильные устройства?»
Подведение итогов
Работа в художественной школе научила меня многому.Фактически, я узнал о работе, бизнесе и себе больше, чем об искусстве. Я вспомнил уроки, которые я извлек, и попытался применить их во всем, что делал с тех пор 30 лет. Более половины этого времени я работал на себя, создавая веб-сайты для других людей, поэтому уроки, которые я усвоил, как сохранять самомотивацию, оказались бесценными.
Художественная школа преподала мне самый важный урок в моей трудовой жизни — способность адаптироваться. Сейчас я нахожусь в месте, которое не мог себе представить тогда, и через 10 лет вы окажетесь в месте, которое вы не можете себе представить сейчас .Жизненно важно найти среду, в которой можно выразить свои интересы и свои таланты. Когда вы работаете в одиночестве — как это делал я долгое время — или когда чувствуете, что находитесь в одиночестве, изучение того, где найти вдохновение, также сослужит вам хорошую службу.
С тех пор я узнал, что опьянеть процессом и забыть о самом важном — идее — слишком легко. Очень легко влюбиться в наши инструменты, будь то инструмент для печати, любимое сегодня приложение или модный фреймворк. При бездумном использовании любой инструмент или процесс может отвлечь внимание.Я не хочу забывать этот урок.
Я также не забуду людей, которые помогли мне поделиться тем, что я знаю. Я не могу себе представить, чтобы люди так свободно делились своими открытиями с совершенно незнакомыми людьми из любой другой отрасли. Я надеюсь, что вы это сделаете: возьмите то, что вы здесь узнаете, и сделайте что-нибудь лучше. Самое главное — делитесь тем, что вы делаете, чтобы другие люди могли извлечь из этого уроки. Будьте щедры со своими идеями.
Сет Годин недавно сказал:
«Щедрость вставания и речи проявляется.Мы должны признать для себя, что это решение проявить щедрость и поддержать ту работу, которую мы делаем, не обвиняя в этом кого-то другого, является элементом бренда, который имеет наибольшее значение в нашем движении вперед ».
Что такое холст современного дизайнера? Это не Photoshop или Sketch. Это не библиотеки шаблонов или руководства по стилю. Это не точки останова или медиа-запросы. Ничего подобного. Это здесь. Это наши умы, наши идеи.