Японский дизайнер: 4 японских дизайнера, которые изменили мир моды

Содержание

4 японских дизайнера, которые изменили мир моды

Йоджи Ямамото

Дизайнер родился в 1943 году в Токио, в семье портнихи и солдата. Во время Второй мировой войны отец Йоджи погиб на фронте, и мать начала носить исключительно траурный черный. С тех пор этот цвет играет важную роль в жизни дизайнера.  

«Черный цвет одновременно скромен и благороден. Непринужденный, удобный и вместе с тем таинственный. Но более всего черный — это посыл окружающим: я не беспокою вас, и вы не беспокойте меня», — рассуждает Йоджи.

В молодости Ямомото собирался стать адвокатом, но позже сделал выбор в пользу школы моды Bunka Fashion College, где и нашел свое призвание. В 1972 году  дизайнер открывает собственную фирму, которая презентует дебютную коллекцию в Токио только через 5 лет.

Yohji Yamamoto SS 2007

Когда в 1981 году Йоджи устраивает первый показ в Париже, критики приходят в ужас: вместо привычных высоких каблуков и блесток на подиуме царила асимметрия, бесформенность и унисекс.

Так началась волна японского деконструктивизма.

Yohji Yamamoto SS 1998

В 2002 году Йоджи Ямомото становится креативным директором отдела Sport Style бренда Adidas и создает линию Y-3, в которой Y означает Yamamoto, а 3 — количество полосок Adidas. В ходе сотрудничества были разработаны модели кроссовок, спортивная одежда и даже мячи.

Дизайнер по сей день принимает участие в работе собственной фирмы, а также возглавляет музыкальную группу и увлекается автоспортом.

Y-3 SS 2007

Иссей Мияке

Иссей Мияке родился в городе Хиросима в 1938 году. Когда мальчику было 7 лет, произошла атомная бомбардировка и почти все его родные погибли. Мияке окончил художественную школу, а позже поступил на факультет графического дизайна в Токийский университет. В 1964 году он приезжает в Париж, чтобы углубить свои знания в школе при Синдикате высокой моды. Спустя год Мияке оканчивает обучение с отличием и получает работу у Юбера Живанши.

Через некоторое время дизайнер посещает США, знакомится с местной культурой и вдохновляется поп-артом. Иссея тянуло на родину, поэтому он принимает решение вернуться и открыть свое дело.

Issey Miyake FW 2014-15

Так в 1969 году появляется фирма Issey Miyake Design Studio, а вслед за ней и собственный бренд. В коллекциях Иссея Мияке можно заметить отсылки к искусству оригами: дизайнер стремится придавать форму одежде исключительно с помощью сгибов ткани. Он также создавал объемные вещи из непривычных материалов. Например, делал корсеты из ротанга и виниловые бюстье. Прославиться дизайнеру помогло гофрирование шелка. До него это казалось невозможным, ведь натуральный шелк не поддается такой технике и при малейшем попадании влаги гофре попросту расходится. Но у Мияке есть секретная технология, которую он не выдает и по сей день.

Issey Miyake SS 2020

Рей Кавакубо

Рей Кавакубо — отважный самурай. Она родилась в Токио, в 1942 году. В университете изучала литературу и изящные искусства, но со временем решила уйти в дизайн. Свою карьеру Кавакубо начала с работы в рекламном отделе компании, которая занималась выпуском синтетических тканей. Но так как подходящей одежды для съемок Рей найти не могла, то стала придумывать вещи сама. Так в 1969 году и появился бренд Comme des Garçons, что в переводе означает «Как мальчишки». Рей не умела шить, но это не мешало ей объясняться с портными.

Comme Des Garcons SS 2016

В 1981 году Кавакубо приезжает в Париж, чтобы презентовать первую собственную коллекцию, и приводит публику в шок. В своих изделиях дизайнер переосмыслила общепринятые идеалы красоты и представила не элегантные платья, а рваную, многослойную, геометрическую одежду. Все модели были исключительно в черном, за что были прозваны «воронами», а стиль Рей Кавакубо стал известен как «Хиросима-шик».

«В моих вещах женщинам не нужны длинные волосы и большая грудь, чтобы чувствовать себя женственными», — делится дизайнер своим видением.

Выставка Rei Kawakubo/Comme des Garcons: Art Of The In-Between, 2017

Рей также произвела революцию, выпустив одеколон Odeur 53. Он состоит из 53 неорганических запахов, которые ранее никто не использовал: жженая резина, металл, кислород, песок и многие другие.

Сейчас Кавакубо продолжает развивать собственный бренд и создает коллекции, полагаясь на личные принципы.

Кензо Такада

Кензо Такада родился в 1939 году, в маленькой деревне Хиого. Он рос в окружении четырех сестер и обожал мастерить наряды для их кукол. Так еще в раннем детстве зародилась любовь Кензо к моде.

Когда Такада решил связать свою жизнь с дизайном, его родители были категорически против. Но упорство и желание молодого человека победили, и он поступил в Bunka Fashion College, где стал первым в истории студентом мужского пола. В 1965 году, накопив достаточно денег, Кензо отправляется в Париж. Там он изучает эскизы знаменитых кутюрье и решает создать что-то кардинально новое. Спустя 5 лет поисков рождается бренд Kenzo, а затем в галерее Вивьен проходит показ дебютной коллекции. Зрители остались в восторге, ведь дизайнер умело соединил традиции Запада и Востока. Теперь японские мотивы аккуратно сплетались с европейским кроем. Силуэты привычных вещей стали свободнее, и на подиуме появились модели в платьях-кимоно с широкими рукавами, яркие цвета, разноцветные полоски и клетка. В 1999 году Кензо покинул бренд, чтобы наслаждаться жизнью и много путешествовать.

Умер дизайнер в октябре 2020 года от осложнений, связанных с COVID-19.

Kenzo FW 1987-1988

 

Текст: Мила Хорьков


Японские дизайнеры одежды — самые известные и популярные бренды

Япония — одна из самых загадочных и неоднозначных стран в мире. Ее культура, предметы искусства, архитектура, техника — все вызывает восхищение своей продуманностью и утонченностью. Японская нация славится своей способностью вникать досконально в любую мелочь. Но вместе с тем японцам не чуждо стремление к экстравагантности и эпатажу. Немудрено, что и предметы одежды японские дизайнеры выпускают оригинальные и интересные, качественные, как и все остальное — продуманные. В статье рассмотрим, какие японские дизайнеры одежды наиболее знамениты в мире, выясним — каковы особенности их коллекций.

Общее о японской моде

Основная особенность, характеризующая практически все творения современных японских модельеров — это концептуальное понятие моды. Японские дизайнеры не идут проторенными дорожками классических модных мэтров. Японцы и в моде придерживаются своей стилистики — особой, экстравагантной и безумно интересной.

Японская мода не так давно стала популярной во всем мире, это достаточно молодое направление. В нашей стране пока мало у кого в шкафу можно обнаружить японский пуховик или деловой костюм. Однако, темпы, с которыми эта одежда завоевывает рынок, не оставляет сомнений, что пик ее популярности не за горами.

Самые знаменитые дизайнеры

Рассмотрим нескольких именитых дизайнеров, которые на сегодняшний день олицетворяют японское направление на мировой модной арене.

Такада Кензо

В нашей стране этот модельер больше известен как создатель одноименных духов. Однако, прежде всего господин Кензо — дизайнер одежды. Как и Ямамото, он один из старейших японских модельеров. Первый свой магазин Кензо открыл в Париже еще в 70-х годах прошлого века.

Дизайнер стал известен благодаря ярким принтам, которые использует в своей одежде. Он обожает восточные узоры и животные принты — все это он комбинирует между собой, выпуская необычные коллекции порой удивительных, кислотных оттенков.

На данный момент марка Кензо может похвастать несколькими линейками одежды — от бюджетной до люксовой. Творчество этого дизайнера отличается неповторимой уникальностью. Он очень узнаваем, часто пишет на своей одежде название марки, которая по совместительству — его фамилия.

Иссей Мияке

Один из легендарнейших фигур индустрии моды. Прославился тем, что одним из первых показал на подиуме модели одежды, созданные из нетрадиционных материалов. Так, наряду с Кензо, Мияке демонстрировал коллекции одежды из бумаги, картона, пластика, резины, металлических сеток и других необычных конструкций. Изысканная европейская публика, уставшая от текстильного однообразия, с восторгом восприняла новый свежий взгляд на моду.

Многие модницы в мире носили в одно время трикотажные майки с необычными принтами в виде картинок-персонажей, изображающих традиционную японскую мафию — якудза. Стилизованные портреты рок-легенд — Джимми Хендрикса и Дженис Джоплин — тоже знаменитый дизайнерский прием Мияке. И знаменитые платья и футболки «в гармошку» — выдумка этого японского дизайнера.

Мияке произвел фурор, создав коллекцию «кусок ткани». Коллекция представляла действительно несколько кусков ткани, в которую модельер предлагал людям завернуться и создать свою модель одежды, которая наиболее полно отразит внутренний мир и внешний стиль этого человека.

Иссей Мияке каждый раз в своих коллекциях возвращается к одной и той же теме — встреча востока и запада. И каждую новую коллекцию дизайнер вновь эту тему по-новому толкует. Прочно закрепившихся «фишек» и приемов, повторяющихся из коллекции в коллекцию за этим дизайнером не водится, он способен каждый раз по-новому удивлять своих поклонников.

Модели одежды от Мияке отличаются комфортом и простотой. Вместе с тем эта одежда функциональна и ее можно по-разному использовать. Так, брюки могут превратиться в шорты, а платье — в юбку.

Ямамото также славится созданием моделей-трансформеров.

Йоджи Ямамото

Этого японского дизайнера называют в западном мире «реформатором моды». Это название закрепилось за модельером из-за того, что многие приемы он начал использовать при пошиве одежды первым. Так, Ямамото ввел в наш повседневный обиход модели верхней одежды из нарочито грубой ткани: брезента, плащевки, грубой джинсы, холста. Небрежный пошив и асимметричные детали — тоже признак стиля Ямамото.

Отличительный признак коллекций этого дизайнера — преобладание черного цвета.

Этот дизайнер не придерживается условностей, стремится скорее разрушить традиции, чтобы создать на их основе что-то новое, свое.

Ямамото популярен не только в странах западного мира, его боготворят и на родине. В Японии это дизайнер номер один. В настоящее время его марка является настоящей модной классикой и признана во всем мире. Кроме того, Йоджи Ямамото первым среди всех японских дизайнеров принят во Франции в Кавалеры Ордена Искусств.

Рей Кавакубо

Эта миниатюрная японка завоевала западный модный мир, представив на суд публики свою первую коллекцию марки Comme des Garcons. И стала популярной буквально сразу же после показа. И до сих пор марка пользуется небывалым спросом и любовью всех продвинутых модников.

Все коллекциии Рей Кавакубо изготовлены почти полностью из темных тканей, в них очень много черного цвета. Геометрия, строгий символизм — отличительные признаки строгого и минималистичного стиля дизайнера. Асимметрия — то, что Рей Кавакубо использует всегда — во всех своих коллекциях.

Дизайнер совсем не использует в своей одежде приемы облегания — всегда есть, что домысливать и о чем догадываться. Подчеркнутая сексуальность — это то, что не встретишь ни в одной коллекции марки. Вместо этого Рей Кавакубо покоряет стилем и необычным кроем.

Практически вся одежда марки выполнена в стиле унисекс: куртки, джинсы, рубашки, пальто могут носить и женщины, и мужчины — в любом случае смотреться одежда будет вполне гармонично.

Лучше всего одежда этого дизайнера смотрится на худеньких девушках, не обладающих пышными формами. Пухленьким дамам лучше поискать для себя другую марку — Рей Кавакубо даже не выпускает больших размеров нарядов. Само название торгового бренда, означающее в переводе «как мальчики», говорит о том, что для Рей Кавакубо что девочки, что мальчики — примерно одно и тоже, поэтому и нарядить она всех старается одинаково.

Эта женщина-дизайнер может похвастать тем, что одежда ее марки продается во всем мире лучше, чем наряды еще какого-нибудь японского дизайнера. По продажам и популярности эта марка среди японских на первом месте.

Ясуко Фурута

Основательница модной марки Тога, базирующейся во франции. Одежда от Ясуко Фурута узнаваема благодаря ярким лакированным кожаным пиджакам, сексуальным юбкам-карандаш с подчеркнуто высокой талией. Такой же высокой талией отличаются и платья этой марки.

Фурута отличается от своих земляков-японцев тем, что в то время, когда остальные предпочитают асимметрию, она склонна к традиционному крою. Не использует слишком экстравагантные детали, ее одежда вполне носибельна, несмотря на некоторую концептуальность.

Ханае Мори

Эта японская женщина-дизайнер известна и своими коллекциями одежды, и тем, что первой из представителей Японии стала членом элитной палаты Haute-Couture во Франции.

Тао Курихара

Не самая известная, но очень перспективная дизайнер из Японии. В своих коллекциях Тао Курихара использует различные народные мотивы, причем, далеко не только японские. Можно заметить и норвежские узоры, и турецкие орнаменты. Также отличительным признаком этого дизайнера является использование образа Фриды Кало.

Конспект дизайнера: Япония в дизайне

Япония – уникальная страна, о чем ни говори. Графический дизайн, созданный в этом государстве – не исключение. Даша Стеценко прочитала лекцию о визуальной культуре Японии, культовых японских дизайнерах и современных проектах, а Telegraf.design снова законспектировал услышанное.

Источники: 1, 2, 3

Япония была закрыта для Европы до эпохи великих географических открытий. В 1543 году западная культура ненадолго проникла на остров. Но уже в 1639 Япония установила политику самоизоляции и полностью закрылась на два столетия. Посмотрим, как развивалась традиционная графика на протяжении японской истории. Начать стоит с живописи, так как в Японии она во многом схожа с графикой.

Японская живопись

Источники: 1, 2 (Keibun Matsumoto), 3, 4 (Ito Jakuchu), 5, 6 (Kanô Yasunobu), 7, 8, 9 

Живопись в Японии носит декоративно-прикладной характер. В основном это не картины, а ширмы, раздвижные двери в интерьерах и иллюстрации к литературным произведениям. Распространена техника использования золотой фольги. Сейчас она не менее актуальна. Также характерны скругленные края. Например, в “Острове собак” есть отсылки к традиционной японской живописи.

Техника «Суми-э»

Источники: 1, 2, 3, 4

Суми-э – это монохромная живопись тушью. Техника была позаимствована у Китая, но в Японии она также получила довольно широкое распространение. В основном расписывали ширмы. Поскольку в традиционных интерьерах не использовались стулья и люди сидели на полу, то и все важные элементы на ширмах размещались внизу. Кроме того, в живописи Суми-э активно использовалась каллиграфия как неотъемлемая часть композиции.

Каллиграфия

Источники: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7

Каллиграфия – один из ярчайших видов японского и азиатского искусства в целом. Современный японский язык сочетает в себе несколько азбук: китайские Кандзи иероглифы, две японские азбуки Хирагана и Катакана, арабские цифры и латиница, которая сейчас активно используется.

Куклы кокэси

Источники: 1, 2, 3, 4

Кокэси – это деревянные куклы без рук и ног с очень интересной росписью. Буквально двумя-тремя линиями изображены волосы и брови, что хорошо отражает японское видение прекрасного – скромно и в тоже время выразительно.

Гравюра укиё-э

Источники: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8 (Kuniteru II Utagawa), 9

Укиё-э является самым ярким видом японского искусства. Для ее создания на деревянной доске вырезают печатную форму, для каждого цвета форма будет своей. Затем совмещают оттиски – цвета печатаются один за другим, после чего получается изображение. Ксилография – сложная техника, но в то же время она позволяет тиражировать и делать произведения доступными для большого количества людей.

На гравюрах чаще всего изображают пейзажи, городские мотивы, мифологические сюжеты, иллюстрации к литературным произведениям, а также гейш, куртизанок, актеров, борцов сумо, самураев. Все лица практически одинаковые, упрощенные. Тогда же возникает отдельный жанр «Сюнга» – это эротические картинки, которые отображают жизнь так называемых веселых кварталов в Японии.

В 1853 году Америка заставляет подписать Японию договоры о ведении внешнеэкономической деятельности. С этого момента государство становится открытым для Запада. В то же время в Европе проходят всемирные выставки. В Париже в 1867 году на одной из них впервые демонстрируется Япония. Здесь показывается быт японцев, дома, и конечно же, гравюры. Европа просто сходит с ума по всему японскому – в том числе по японской графике и культуре. Влияние Японии на европейское искусство конца XIX века называют «японизмом».

Источники: 1, 2, 3

Японский графический дизайн ХХ века. Старая школа

Юсаку Камэкура – один из известнейших японских дизайнеров. Его плакаты не пропитаны особенным японским духом — они выполнены в распространенном в то время интернациональном стиле. Юсаку разнообразно играет с формой и объектами внутри нее.

Дизайнер запомнился в первую очередь логотипом для летних олимпийских игр в Токио в 1964 году. Он изобразил «бессмертную» форму – красный японский круг, который четко символизирует Японию. Также Юсаку был автором логотипа Nikon, одной из версий ракушки Shell и основателем первого в Японии журнала о графическом дизайне и искусстве Creation.

Источники: 1, 2, 3, 4

Казумаса Нагаи – дизайнер с неповторимым авторским стилем графики. Как и многие тогда он создавал логотипы и знаки, но запомнился прежде всего своими анималистическими плакатами. Цвета, формы, контрасты, простая композиция и потрясающий эффект. Животные смотрят прямо в душу.

Источники: 1, 2, 3, 4, 5, 6

Икко Танака – дизайнер-модернист, который создавал японские по цвету, духу, и сюжетам работы. Может показаться, что сделать такой плакат очень легко, но на самом деле добиться такой выразительности и звонкости композиции не так уж и просто. Обратите внимание на контраст цвета, когда каждый угол на плакате – разный по цвету и по напряжению.

Источники: 1, 2, 3, 4

Сигео Фукуда – наверное, самый известный японский графический дизайнер. Он запомнился использованием в своих работах оптических иллюзий и работой с контрформой. Также Сигео делал экологические и антивоенные плакаты. Знаки Сигео отличаются от других как раз таки использованием контрформы и оптических иллюзий.

Источники: 1, 2, 3

Таданори Ёкоо – дизайнер, который делал умопомрачительные и очень сложные по композиции плакаты. В основном, это были афиши для фильмов и театров. Можно увидеть, как сложно он сочетает огромное количество элементов. Здесь и силуэты, и фотографии, и кадры, много текста, градиент – и все сочетается. Количество объектов сумасшедшее, но смотрится очень круто. Здесь и сакура, и веер, и красные круги, и фотографии в каждом углу, и текст.

Источники: 1, 2, 3, 4

Коити Сато – противоположность вышеупомянутым авторам по своему стилю. Он делал воздушные, минималистичные плакаты. И здесь вспоминаются ширмы, у которых основной акцент находится в нижней части. На этих плакатах тоже картинка находится внизу, а верхняя часть остается воздушной.

Источники: 1, 2

Ёсикадзу Эбису – дизайнер, который рисовал очень веселые картинки. Это манга, но манга не типичная японская, а манга андеграундная. Он рисовал непривычные по графике комиксы и эротические картинки.

Источники: 1, 2, 3, 4, 5

Современный графический дизайн

Начнем с иллюстратора Рио Токимаса, который делает графичные, геометрические иллюстрации, которые немного похожи на гравюры. Например, если сравнить гравюру и иллюстрацию, то мы видим похожие композицию, цвета, градиенты и текстуры. Рио рисует замечательные по пластике овощи, фрукты, животных и птиц. Особенностью японской графики есть совмещение тонких линий с большими по массе пластичными пятнами.

Источник: www.behance.net

Противоположность Токимаса – Томоми Мицукоши, который как раз таки делает иллюстрации в духе андеграундной манги. Он создает примитивные, но в то же время пластичные и выразительные иллюстрации. Общее в работах Мицукоши и Эбису – словно рисовал один человек, но разными инструментами.

Источник: tomomizukoshi.tumblr.com

Шун Сасаки – дизайнер, который делает суперкрутые знаки и плакаты с использованием больших, массивных иероглифов и букв. Он так закручивает внутренние просветы в иероглифах, что получаются отдельные структуры.

Источники: 1

Тадаши Уэда – дизайнер, который делает замечательные японские постеры. Трендовые элементы, сочетания цветов – японцы круто миксуют свою письменность, иероглифы и латинские буквы, написанные разными шрифтами. Похоже, он наследует приемы плакатов со сложной композицией и нагромождением элементов.

Источники: 1, 2

Японские проекты

Теперь рассмотрим отдельные японские проекты. Проект Агата Ямагути Cool Japan Culture – это три постера, которые демонстрируют красоту японской культуры. Здесь дизайнер совмещает традиционные японские образы с современными, например, деревянные сандалии гэта с глазами из аниме.И благодаря такому миксу чувствуется Япония, даже без использования иероглифов.

Источник: agatayamaguchi.com

Проект Mikanz – это упаковка для мандаринов от студии Maru. Когда вы ее открываете, на вас благодаря прозрачным стикерам «смотрят» мандарины. Сама упаковка очень минималистичная, и что самое главное – на ней нет изображения продукта.

Источники: 1, 2

Следующий проект для кофе % Arabica. Надо обратить внимание, что буквы А в логотипе заменены символами дельты, благодаря чему у бренда появился не только запоминающийся логотип, но и уникальный хештег в социальных сетях. На стакане только знак процента, никаких логотипов и названий – по-японски минималистично.

Источники: 1, 2

Проект Kotori Juice Stand – это соки с логотипом-птичкой. Сайт синего фирменного цвета. Это позволяет любой цвет напитка легко комбинировать с синим цветом.

Источники: 1, 2

Следующий пример – фирменный стиль для буддистской церемонии, которая проходила во время открытия пагоды после ее реконструкции в одном из японских парков. Дизайнеры сделали логотип на основе форм самой пагоды. И снова он был с элементами золота и кругами.

Источник: daikoku.ndc.co.jp

Театральный проект для спектакля студии Akaoni. В лягушке примечательно то, что скорее всего она была вырезана как японская гравюра, только более грубо на дереве или на другом материале. Например, похожего эффекта можно добиться с помощью линогравюры — гравюры на линолеуме.

Источник: www.akaoni.org

Это пример социального проекта Olive студии Nosigner. В 2011 году в Японии случилось землетрясение, вследствие которого произошла авария на АЭС. И в тот же день эта дизайн-студия выпустила сайт и проект под названием Olive. У логотипа тут много смыслов. На этом сайте люди со всего мира должны были делиться советами, информацией по выживанию в условиях катастрофы. Писали, что есть, что пить, как оказать первую помощь. Спустя 4 года студия решила собрать самые важные советы, оставленные на сайте, и сделать коробку «второй помощи», которая может находиться у каждого японца дома и в автомобиле. В укрытии с ней можно оказывать вторую помощь. В коробке находится инструкция с советами и правилами, проиллюстрированная таким образом, чтоб быть понятной в условиях паники.

Источники: 1, 2

Как передать дух Японии, если вы не японский дизайнер?

Как же нарисовать так, чтоб считывался дух Японии? Посмотрим проекты для ресторанов японской кухни, так как это самая распространенная в нашей повседневной жизни точка контакта с японской культурой.

Тайско-японский ресторан Kaiju в Малайзии. Дизайнеры изобразили годзиллу как японского персонажа и тайского дракона. Также тут используется золото и розовый цвет, который очень характерен для всей азиатской культуры.

Источник: www.behance.net

Проект Cha.ology – это фирменный стиль для чайного домика в Англии. Здесь, чтобы показать японское настроение, дизайнеры решили графически интерпретировать систему «татами». Татами – это японский коврик, которыми застилают полы в домах. Татами имеет четкие пропорции относительно человека. И сами помещения строятся с пропорциями, зависящими от размеров татами и их количества на полу. Дизайнеры решили использовать эту систему, но не сохранять в логотипе пропорции. Кроме того, используется табличная верстка и японские иллюстрации, когда много черных пятен и тонких воздушных линий.

Источник: www.behance.net

Проект Sushi&Co – суши-ресторан на круизном лайнере в морях возле Финляндии. Здесь комбинируется скандинавский и японский минимализм. Простейшим сочетанием обычных форм получаются замечательные штуки — обратите внимание, как с помощью одной точки в знаке амперсанда получилась рыбка.

Источник: bond-agency.com

Проект Kisume в Австралии – опять-таки это ресторан суши. Здесь дизайнеры решили использовать не традиционные приемы, а футуристические и технологические. Здесь используется пластик и муар. Соединяется синий с красным. На улице никаких вывесок и логотипов.

Источник: bpando.org

Omakase Room, сделанная студией Savi, – это небольшой ресторанчик в Нью-Йорке. Он рассчитан лишь на 8 человек, в котором все продумано до мельчайших деталей. Например, серая обивка кресел перекликается с серой обложкой меню. Дизайнеры используют тонкую прозрачную рисовую бумагу и японскую каллиграфию, комбинируют тексты с использованием антиквы и гротеска. «Красный кружок» – это не просто декор, это подарок – керамический диск, который ароматизируется запахами в зависимости от сезона. В Японии традиционно есть 5 сезонов – зима, весна, лето, осень и межсезонье. Поэтому в зависимости от времени этому диску придается аромат, напоминающий Японию. Диск вкладывается в конверт с красным кругом и становится подарком для гостя.

Источник: savvy-studio.net

Проект Nihonshi – это этикетки для саке. Здесь используется золото и фигурируют женщины из японских гравюр. При чем в гравюрах золото не использовалось, но дизайнеры соединили золото с силуэтами гейш. Шрифт – контрастная антиква. Здесь нет букв, которые напоминают по своей форме иероглифы, нет жестких линий. Но японское настроение чувствуется все равно.

Источник: www.behance.net

Личный опыт

Фирменный стиль, созданный в агентстве Canape, для ресторана и доставки еды Roll Club в Харькове. Меню ресторана сочетает в себе четыре кухни мира: японскую, американскую, итальянскую и китайскую. В фирменном стиле мы показали Японию с помощью красного и розового кругов, волн, веера и текстов в тонких рамках, отсылающих зрителя к подписям на традиционных гравюрах. Плюс в некоторых случаях логотип и тексты написаны сверху вниз, создавая настроения японской письменности. Причем сами буквы ничуть не напоминают иероглифы по своей форме.

Источник: www.behance.net

Ранее Telegraf.design писал о том, как японский дизайнер переделал известные логотипы в полезные вещи.

Японский дизайнер Оки Сато и секреты его успеха

Добавить в избранное

Оки Сато (Oki Sato) благодаря своему уникальному почерку и огромному таланту завоевал признание во всем мире. Его дизайнерские объекты соединяют в себе истинно японскую эстетику, современность, эксперимент и функциональность минимализма.

По словам самого дизайнера, секрет его успеха очень прост: главное — помнить, что в дизайне нет места скуке и сухой рациональности. Важно, чтобы объекты были созданы с эмоцией и легкостью. Такой подход всегда чувствуется и вызывает только положительные переживания и приятные моменты в процессе пользования изделиями.

Японец основал свою собственную дизайнерскую студию Nendo в 2002 году, когда ему было всего 24 года. С тех пор его детище динамично развивается, а список мировых дизайнерских наград растет в геометрической прогрессии. Возможно, главным залогом успеха студии является определение четкой философии дизайна и логичное следование ей.

Легкое настроение и юмористические нотки просматриваются во всех дизайнерских проектах Оки Сато, будь то интерьер или небольшой декор. Кроме того, все его объекты, в противовес глубокой эмоциональной составляющей, имеют очень лаконичные и простые формы.

Оки Сато не просто придумывает удобные и функциональные вещи — он создает собственную историю. Возможно, благодаря его искренней многогранности такой дизайн одинаково интересен и очарователен как для детей, так и взрослых. Это для Оки Сато высшая оценка качества продукта.

В приоритете у японца — функциональность и эстетическая составляющая, но он не боится идти на эксперимент. Ярким тому примером стал дизайн душевой лейки Axor LampShower для бренда Hansgrohe, в котором Оки Сато подверг полному переосмыслению привычный вид этого объекта. В нем душ объединен со светильником, что позволяет, к примеру, мыться под лампой и читать под душем. Очень ярко и смело!

Дизайнер экспериментирует не только с функциями, но и с формой, цветом и материалом объекта. Его успех обеспечен, главным образом, производством множества свежих идей и смелых решений. Примечательно, что в его дизайне практически нет плоскостей — только пространство и линии. Инсталляция для модной марки COS, состоящая как раз из линий, прекрасно подчеркивает отличительные черты дизайна Nendo: лаконичность, юмор и свежесть идеи.

Оки Сато никогда не сидит на месте, и его объекты также видоизменяются, усложняются и живут своей жизнью. Дизайнер никогда не делает слишком сложные и декоративные вещи — для него важнее всего смысловое наполнение и комфорт. В переводе с японского слово «nendo» означает «пластилин», и, действительно, Оки Сато, подобно пластилину, старается быть гибким и постоянно меняться. Отсюда такое разнообразие и неординарность.

Что касается экспериментов с цветом и материалом, Оки Сато всегда остается на высоте. Благодаря уникальному, нестандартному подходу к дизайну, японец создает удивительные вещи, которые становятся бестселлерами по всему миру. Так, его коллекция Soft для бренда Glas Italia стала настоящим открытием: стеклянные журнальные столики будто парят в воздухе. Прокрашенные грани обеспечивают мягкое свечение, а эффект градации цвета придает объектам вид совсем другого материала.

Оки Сато в полной мере демонстрирует то, каким должен быть современный дизайнер. Бесспорно, его проекты отвечают его философии — они функциональны, полезны, эмоциональны, свежи и красивы. Оказываясь перед выбором между эмоцией и функцией, он без малейших колебаний берет обе составляющие и комбинирует их.

Как и подобает настоящему успешному дизайнеру, Оки Сато демонстрирует свой талант во всем, ведь японец создает самые разнообразные вещи — от посуды до оформления интерьеров крупных магазинов. Главное в дизайне — любовь и идея, которые сделают повседневность комфортней и ярче.

Автор: Забуранная Светлана

Йоджи Ямамото — биография авангардного дизайнера высокой моды

«, «articleBody»: «Йоджи Ямамото является, пожалуй, одним из немногих дизайнеров, которым восхищаются как представители старшего поколения, так и молодежь. Наиболее известным проектом модельера является его совместная линия с adidas — Y-3, вошедшая в историю как одна из первых коллабораций между люксовым сектором и спортивным брендом. Но талант Ямамото этим не ограничивается.Карьера японского мастера продолжается уже более пятидесяти лет, в течение которых он развил собственный специфичный авангардный стиль, характеризующийся деконструкцией традиционных форм, исследованием мрачной, романтичной и вместе с тем ироничной эстетики, а также явным преобладанием черного цвета. Фирменные силуэты Йоджи Ямамото легко узнать благодаря преувеличенным размерам, большому количеству драпировки и множеству разных текстур.В честь дня рождения вспоминаем историю жизни культового дизайнера.Биография Йоджи Ямамото Начало пути Йоджи Ямамото — первые успехи Стремительный рост и сложности Наследие Йоджи Ямамото Коллаборации Йоджи Ямамото Y-3 Yohji Yamamoto x Dr. Martens Yohji Yamamoto x Supreme Yohji Yamamoto x LamborghiniНачало путиЙоджи Ямамото родился в токийском районе Синдзюку в 1943 году. Его мать работала портнихой, а отец управлял ресторанным бизнесом.История жизни будущего дизайнера тесно переплетается с событиями Второй мировой войны. В Советском Союзе только закончилась Сталинградская битва, немецкие войска ликвидировали еврейское гетто в Кракове, а японская авиация вновь бомбардировала австралийский аэродром Дарвин. Как и другие страны, участвовавшие в войне, Япония постановила, что все мужчины в возрасте 20 лет должны зарегистрироваться на срочную двухлетнюю службу и оставаться в военнообязанном резерве до 40 лет.Йоджи Ямамото и его мать Фуми ЯмамотоОтец Йоджи, Фумио Ямамото, был одним из миллионов мужчин, призванных в Императорскую армию Японии и погиб в результате одного из сражений против антигитлеровской коалиции на Филиппинах. Он пошел [на войну] против своей воли, — вспоминал Ямамото в документальном фильме 1989 года Записки об одежде и городах. — Когда я думаю о своем отце, я понимаю, что война всё еще бушует во мне.Детство Ямамото сформировало его представления о мире: впитывая разрушительные последствия войны — голод, горе и отчаяние, — модельер полагал, что это повсеместное явление. Уже в три-четыре года я знал, что жизнь, должно быть, очень тяжелая штука, — говорил он в интервью The Independent. — Я должен был сражаться. Я должен был защитить свою маму.После утраты мужа мать Йоджи, Фуми Ямамото, поступила в престижный колледж моды Бунка и стала швеей. До конца своей жизни она выдерживала траур, нося одежду лишь черного цвета. После выпуска Фуми открыла собственное ателье в одном из кварталов Синдзюку. В те времена такая работа была особенно популярна среди женщин, которые потеряли супругов во время войны и вынуждены были самостоятельно обеспечивать свои семьи. Именно работа матери пробудила в Йоджи интерес к созданию собственных выкроек и моделей одежды.Йоджи Ямамото, 1985Йоджи Ямамото, 1990-еНазадДалееВ 12 лет его перевели из государственной школы в престижную французскую гимназию Ecole de L’Etoile du Matin, где он познакомился со своим будущим деловым партнером, Гои Хаяси.В 1966 году Йоджи Ямамото, пытаясь угодить своей матери, закончил юридическую школу. После этого он намеревался помогать Фуми с ее бизнесом, но та заявила, что если он настроен серьезно, то он должен получить профильное образование в этой сфере. Тогда Йоджи пошел по стопам матери и поступил в Колледж моды Бунка — учебное заведение, которое также окончили такие известные личности, как NIGO, Джун Такахаси и Джунья Ватанабе. Три года спустя он выпустился из престижного колледжа и начал свою профессиональную карьеру.Йоджи Ямамото — первые успехиПосле окончания обучения Йоджи Ямамото выиграл приз в конкурсе молодых дизайнеров и провел год в Париже. Но по-настоящему раскрывать свой талант он начал, лишь вернувшись в Японию и основав акционерную компанию Y. В течение следующих нескольких лет он работал в задней части бутика матери и в 1977 году выпустил свою дебютную женскую коллекцию Y’s. В том же году в Токио прошла презентация его первой коллекции RTW.Уже тогда стиль Ямамото был узнаваемым: дизайнер стирал грань между мужским и женским, отказывался от симметрии и предпочитал темную цветовую палитру. В самом начале мне просто хотелось одевать женщин в мужском стиле, — признавался Йоджи в интервью The New York Times. — Обычно японки носили импортную и очень женственную одежду, и мне это не нравилось. Я ухватился за идею создания пальто для женщин. Для меня это что-то значило — идея пальто, охраняющего дом, скрывающего тело женщины. Возможно, мне нравилось представлять, что прячется внутри.Йоджи Ямамото за работой в студииЙоджи Ямамото за работой в студииЙоджи Ямамото за работой в студииНазадДалееПостепенно список байеров Y во всех крупных городах Японии увеличивался. Успехи заставили Ямамото вновь задуматься о Париже, и в начале 1980-х годов он вернулся во французскую столицу, чтобы открыть там первый магазин. В 1981 году дизайнер представил свою коллекцию в Париже, а еще год спустя — в Нью-Йорке.Первые показы Y’s вызвали у критиков и журналистов бурю эмоций. Презентация проходила без традиционного музыкального сопровождения, и модели дефилировали по подиуму лишь под громкий звук сердечного ритма. Для модной индустрии тех времен было непривычным отсутствие макияжа, а также бесформенность и асимметрия силуэтов, необработанные швы и обилие черного цвета.Критики ознаменовали коллекцию стилем беженцев, что позже положило начало формированию новой эстетики, известной как Хиросима-шик. (Большой вклад в развитие стиля также внесла Рей Кавакубо, которая в тот период тоже дебютировала на французской сцене. Схожее видение сблизило Кавакубо и Ямамото, что вылилось в романтические отношения между дизайнерами, которые продлились до начала 90-х.) Некоторые называли дебют Ямамото началом новой эры. Через несколько сезонов стало понятно, что они были правы: деконструктивный стиль дизайнера стал альтернативой обтягивающей и сексуальной одежде 1980-х.Йоджи Ямамото и Рей КавакубоРанние представления модельера о том, как должна выглядеть женщина в послевоенной Японии, отражали определенную потребность в маскулинных доспехах. Вместо того, чтобы предаваться жизнерадостным и обнадеживающим настроениям, свойственным европейским брендам, одежда Ямамото рассказывала историю детей войны, которые видели в своих матерях и воспитателей, и строгих командиров. Монохромные образы Фуми навсегда отпечатались на стиле бренда ее сына: Она носила лишь черную траурную одежду, и я наблюдал, как развевается подол ее юбок, — говорил он в интервью изданию AnOther.Готичный цвет, который дизайнер описывал, как одновременно скромный и высокомерный, стал фирменной чертой его брендов. Черный ленив и легок, но в то же время загадочен, — отметил он в беседе с The New York Times. — Но прежде всего черный говорит: “Я тебя не беспокою — и ты не беспокой меня”.Говоря о названиях своих коллекций, Ямамото упоминает следующее: Я думал, что модный дизайнер должен оставаться за кулисами. Когда я начинал, кутюрные дизайнеры никогда не выходили на поклон, и мне это нравилось. Очень нравилось. Мне нравилось скрываться. Поэтому когда я основал компанию RTW, я назвал ее “Y’s” — как бы “Yohji’s”. Тогда же у нас был замечательный дизайнер — Ив Сен-Лоран. И было очень здорово, что, когда мой менеджер договаривался с менеджером Yves Saint Laurent, тот сказал: “Можете использовать ‘Y’s’, но только не на модных показах”. И когда я работал над первой парижской коллекцией в Токио, мне позвонили. “Мистер Ямамото, вам нужно как можно скорее написать свое название и отправить его мне. Для марки”. Тогда я наконец согласился и написал “Yohji Yamamoto”. В начале люди даже не могли выговорить имя “Йоджи”. “Йоги? Как это произносится?”https://youtu.be/SkI9NAmWqXEЛиния женской одежды Yohji Yamamoto была запущена в 1984 году. Еще через три года появилась мужская линейка Yohji Yamamoto POUR HOMME, наполненная художественными, деконструктивными образами и всё тем же черным цветом. Наряду с экспериментальной маркой Yohji Yamamoto дизайнер также представил более практичные линии под названиями Y’s For Men и Y’s For Women.Стремительный рост и сложностиПериод, в который Йоджи Ямамото начал выпускать свои первые коллекции, пришелся на фазу стремительного экономического роста Японии, также известную как японское экономическое чудо. После поражения во Второй мировой войне Япония восстановила свое благополучие благодаря военно-экономическому партнерству с США во время Корейской войны. Это были годы технологического и творческого роста и международного престижа, которые помогли развитию бренда дизайнера. Через год после своего дебюта годовой доход компании уже составлял 15 миллионов долларов.В 1990 году Ямамото создал костюмы для оперы Джакомо Пуччини Мадам Баттерфляй. Позже он также отвечал за разработку образов для постановки оперы Рихарда Вагнера Тристан и Изольда на Байрейтском фестивале и многочисленных фильмов японского режиссера Такеши Китано.В 2002 году Йоджи Ямамото представил в Париже свою первую кутюрную коллекцию. Это привело к контрактам с эксклюзивными бутиками французской столицы. На следующий год модельер открыл флагманский магазин Y’s в крупном токийском комплексе Roppongi Hills и запустил совместную линейку с adidas — Y-3.Yohji Yamamoto в Elle, 1980К тому времени у брендов Ямамото уже сформировалась преданная аудитория поклонников по всему миру. Две его основные линии — Yohji Yamamoto и Y’s — стали особенно популярными в Японии. Эти марки также были доступны в его магазинах в Париже и Антверпене и в элитных международных универмагах. В 2007 году компания Yohji Yamamoto Inc. заявила, что объем продаж двух основных брендов в среднем превышает 100 миллионов долларов в год.Год спустя Ямамото запустил линейку одежды под названием Coming Soon. Она была доступнее других линий и ориентировалась на молодежь. Все предметы коллекции дополняли и сочетались друг с другом. Еще одной отличительной деталью марки стало то, что на ее одежде не было этикетки с названием бренда.Несмотря на огромные успехи и признание критиков, неудачные решения финансовых менеджеров и мировой экономический кризис загнали компанию в долговую яму. В 2009 году в конце одного из своих показов дизайнер объявил, что Yohji Yamamoto Inc. находится на грани банкротства с долгом в 65 миллионов долларов. Однако Ямамото уверил гостей в том, что не планирует покидать модную индустрию и надеется на улучшение ситуации.Частный инвестиционный фонд Integral Corporation провел реструктуризацию Yohji Yamamoto Inc., и спустя полгода компания смогла выйти из долгов и избежать риска банкротства. В дальнейшем Йоджи называл произошедшие финансовые трудности несчастным случаем. Я владею компанией уже больше 30 лет, но в первую очередь я считаю себя дизайнером, — заявил он в то время изданию WWD. — Думаю, причина, по которой компания пришла к этому, заключается в том, что я слишком многое поручал другим. Мне сообщали о положительных новостях, но до меня редко добиралось что-то негативное.Страницы из автобиографии Йоджи Ямамото Моя дорогая бомба, 2010Страницы из автобиографии Йоджи Ямамото Моя дорогая бомба, 2010Страницы из автобиографии Йоджи Ямамото Моя дорогая бомба, 2010Страницы из автобиографии Йоджи Ямамото Моя дорогая бомба, 2010НазадДалееВ 2010 году модельер выпустил автобиографию Моя дорогая бомба, в которой рассказал и о пережитом кризисе. Я действительно потерял право собственности на компанию, — писал он в своей книге. — Но с другой стороны, я чувствую себя так, как будто меня избавили от тяжкой ноши. Больше не будет никаких семейных разборок по финансовым вопросам наследства или доли в компании… Я считаю это переломным моментом моей заключительной главы. Повествование Моей дорогой бомбы ведется не в хронологическом порядке и больше похоже на поток ярких воспоминаний, мыслей, коротких стихов, пословиц и перечисление результатов 30-летней карьеры дизайнера.В последующие годы плещущая через край креативность Ямамото выразилась в запуске новых линий одежды, которые продолжали множиться, создавая всё более запутанное генеалогическое древо брендов. Y’s, Y’s for men SHIRTS, Yohji Yamamoto, Yohji Yamamoto Pour Homme и Costume D’Homme, Gothic Yohji Yamamoto Homme, Haute Couture, Black Label, Red Label — это лишь часть из множества отдельных коллекций, которые впоследствии объединялись, переплетались друг с другом или просто закрывались.Наследие Йоджи ЯмамотоЧто сделало творения Ямамото поистине уникальными, так это андрогинная натура его силуэтов, которая шла вразрез с традиционным делением одежды на мужскую и женскую — то же видение продолжает подпитывать творчество дизайнера сегодня.Беседуя с The Wall Street Journal в 2013 году, Ямамото объяснил свой интерес к женской одежде: Я люблю женщин, и мне нравится, как на их телах одежда одновременно функциональна и красива. Это меня вдохновляет.Слева направо: Yohji Yamamoto Spring/Summer 2013 Menswear, Yohji Yamamoto Spring/Summer 2015 RTW, Йоджи Ямамото в финале показа Spring/Summer 2013 MenswearВ более поздних коллекциях Йоджи Ямамото по-прежнему присутствует болезненная мрачность, которую особенно легко заметить на презентациях. Так, во время показов в сезонах Spring/Summer 2013 и Spring/Summer 2015 он собрал каст моделей с синяками, ожогами, порезами и фингалами, из-за чего они выглядели так, как будто вышли на подиум сразу после драки. Это могло быть как комментарием на тему токсичной маскулинности, так и метафорой о том, как жизнь периодически пускает в ход кулаки.Одежда Yohji Yamamoto часто окутывает тело в стиле театральной драпировки, разрушающей симметрию и пропорции и создающей пространство между тканью и кожей для циркуляции воздуха — что соответствует японской концепции негативного пространства, или ма. Его творения искажают традиционные западные представления о одежде. Наряду с темными, деконструированными и мягкими силуэтами в коллекциях присутствуют такие предметы одежды, как шерстяные свитера с интарсией, преувеличенные рубашки, украшенные принтами черепов и костей, а также максималистской цветочной графикой и японской каллиграфией.Говоря о том, как его работы связаны с его этническим наследием, Ямамото отмечал: Если говорить об ассоциации с Японией как о чем-то экзотическом — это интересно. Японцы, или азиаты, любят европейскую эстетику, а европейцы любят азиатскую чувствительность. Это нормально, с этим я совершенно согласен. Но когда обо мне пишут в каком-то издании и начинают со слов “японский дизайнер”… Нам нужно найти какие-то новые слова для этого. Я понимаю, почему европейцы воспринимают мои творения как что-то очень японское. Вероятно, потому, что, если вы видите творение в целом как 100 процентов, я всегда буду стараться закончить дизайн, не достигая этих 100 процентов. В Японии мы называем эти 5-7 или 10 процентов пустыми или промежуточными, или незавершенными.Детали одежды Yohji Yamamoto: шерстяное пальто со вшитой сумкойДетали одежды Yohji Yamamoto: Кимоно с техникой шибориДетали одежды Yohji Yamamoto: Платье в стиле кимоно с техникой шибориДетали одежды Yohji Yamamoto: Кимоно с техникой юзенДетали одежды Yohji Yamamoto: белая рубашка и темно-синяя юбка с необработанными краямиНазадДалееПри этом продукция компании производится в Японии. Возможно, я буду последним дизайнером, который придает большое значение знаку “Made in Japan”. Если я прекращу это делать, возможно, молодые дизайнеры не смогут позволить себе вести бизнес таким образом. Это дорого: труд японцев стал самым дорогим в мире. Так что мой долг — не долг — мое желание — защитить эти маленькие традиционные японские техники.За свою долгую карьеру Ямамото получил множество наград. В числе самых престижных — японская Медаль Почета, французский Орден За заслуги, а также звание Королевского промышленного дизайнера от Британского Королевского общества искусств и премия Мастер дизайна от Fashion Group International.В 1989 году вышел документальный фильм Записки об одежде и городах, в котором режиссер Вим Вендерс философствует о визуальной коммуникации в коллекциях Йоджи Ямамото и кинопроизводстве. В 2011 году состоялась первая крупная экспозиция дизайнера в Музее Виктории а Альберта в Лондоне. А еще через три года издательство Rizzoli New York выпустило книгу под названием Yamamoto & Yohji, посвященную 40-летней карьере модельера и основанной на рассказах его давних друзей — французского архитектора Жана Нувеля, японского режиссера Такеши Китано, голливудской актрисы Шарлотты Рэмплинг и немецкого режиссера Вима Вендерса. В 2016 году вьетнамский режиссер Нго Зе Чау снял фильм о кутюрье под названием Yohji Yamamoto. Dressmaker, в котором Ямамото делится своими мыслями о жизни и карьере.Йоджи Ямамото пишет музыку для своих шоу и иногда даже сам исполняет ее, находясь за кулисамиНесмотря на то, что ранее модельер заявлял о том, что он аполитичен, в 2008 году он основал благотворительный фонд Yohji Yamamoto Fund for Peace, поддерживающий развитие модной индустрии в Китае и урегулирование давнего конфликта между Китаем и Японией. Каждый год один из начинающих китайских дизайнеров получает двухлетнюю стипендию в колледже моды в Японии или Европе. Кроме того, ежегодно фонд выбирает китайских моделей для дебюта на Неделе моды в Париже.В честь запуска инициативы весной 2008 года кутюрье провел модный показ в Пекине. Я собираюсь открыть здесь магазин, и тогда китайцы смогут приходить и делать там покупки, и они будут счастливы, — рассказал он о своих планах на тот момент. — Настоящее искусство заключается не только в том, чтобы делать людей счастливыми, но и задавать вопросы об обществе.Yohji Yamamoto на FarfetchYohji Yamamoto в ЦУМYohji Yamamoto на YOOXКоллаборации Йоджи ЯмамотоПомимо авангардного стиля своих коллекций, Йоджи Ямамото также получил известность благодаря многочисленным коллаборациям с другими брендами, в том числе Hermès, PORTER, New Era, Mikimoto и Mandarina Duck. В 2005 году Йоджи Ямамото стал куратором второго выпуска издания A MAGAZINE, выпустив интервью с художниками, которые вдохновляют его работы, и тем самым дав читателям более полное представление о закулисном мире своих коллекций. Он также разрабатывал сценические костюмы для Элтона Джона, Тины Тёрнер, Пины Бауш и группы Placebo.Разберем ключевые сотрудничества в портфолио дизайнера.Y-3Самой важной коллаборацией в карьере Ямамото по праву считается партнерство с adidas и Ником Голуэем, который позже также сотрудничал с Канье Уэстом при создании Yeezy. Изначально модельер обратился с предложением о совместной коллекции к Nike, но американский бренд отклонил предложение. Тогда настала очередь adidas, где проявили интерес к задумке Йоджи.В 2002 году, впервые в истории моды Ямамото решил объединить высокую моду и спортивную одежду, начав свою коллаборацию с adidas, которая балансировала между двумя противоположными эстетическими кодами. Это партнерство заложило основу будущим культовым коллаборациям, включая линейки adidas с Риком Оуэнсом и Рафом Симонсом, а также сотрудничеству Nike с Джуном Такахаши.Кроссовки Y-3 QasaКроссовки Y-3 Stan ZipКроссовки Y-3 KuboКроссовки Y-3 PureBOOSTНазадДалееКак рассказывал Ямамото i-D в 2016 году: Мода стала такой скучной. Я чувствовал, что слишком далеко ушел от улиц. Я больше не мог найти людей, которые носят мою одежду, и из-за этого я чувствовал себя одиноким. В то время нью-йоркские бизнесмены начали ходить на работу в костюмах и кроссовках. Эта странная смесь показалась мне невероятно очаровательной — таким завораживающим гибридом.После разработки ограниченной коллекции кроссовок Ямамото и adidas основали целую совместную линию — Y-3. Их первая коллекция была представлена в Нью-Йорке в рамках сезона Spring/Summer 2003 и обернулась оглушительным успехом. В 2003 году, комментируя сочетание авангардной и спортивной одежды, которое на тот момент казалось чем-то шокирующим, Джанет Оззард из Vogue написала, что если прогнозы Adidas сбудутся, мейнстримная мода станет намного красивее.Назад в будущее: анализ 15-летней истории Y-3Y-3 на BrandshopY-3 на FarfetchY-3 на adidasY-3 в ЦУМЗа эти годы экспериментальные кроссовки Ямамото стали неотъемлемым элементом гардероба любителей высокой моды, а его уникальный подход к дизайну обуви оказал большое влияние на дальнейшее развитие современных кроссовок. В число самых культовых релизов Y-3 входят такие модели, как необычные Y-3 Kubo, разделившие сникер-сообщество на энтузиастов и ненавистников, Y-3 PureBOOST, благодаря которым линия BOOST перестала ассоциироваться исключительно с практичностью и появилась в поле зрения ценителей моды, Y-3 Qasa, оснащенные забытой технологией adidas Tubular и классическими японскими техниками, и Y-3 Stan Zip, в футуристичном дизайне которых Йоджи переосмыслил классические Stan Smith.Сегодня, спустя практически 20 лет со своего основания, Y-3 продолжает функционировать, выпуская всё новые кроссовки, пользующиеся популярностью.Yohji Yamamoto x Dr. MartensY-3 — не единственное сотрудничество Ямамото с брендом обуви: с 2008 года дизайнер выпускает совместные модели с Dr. Martens, зачастую дополняя тяжелыми ботинками образы моделей на своих презентациях. Мы видели, как он переосмысляет наши “доки” в различных авангардных стилях, — говорится о коллаборации на сайте Dr. Martens. — Получающиеся в результате ботинки всегда выглядят современно и вызывающе — а еще они оставляют неизгладимое впечатление на мир моды.Yohji Yamamoto x Dr. Martens 1460 RemasteredСовместные релизы партнеров выходят каждый сезон. За годы коллаборации Йоджи Ямамото успел поработать над такими моделями, как 1490, Double Monk Strap Shoe, 101 YY Gusset, Temperley Twisted Boot и многие другие.В 2020 году в рамках коллекции Dr. Martens 1460 Remastered, приуроченной к 60-летию силуэта, дизайнер представил собственную версию классических ботинок. Эта коллаборация была особенно важна для обувного бренда, поскольку Ямамото был первым коллаборатором в истории Dr. Martens.В видении Йоджи ботинки были украшены рисунком паутины, выжженным на поверхности с помощью лазера. К системе шнуровки была добавлена декоративная фигурка паука, разработанная специально для релиза. Другие характеристики включали в себя автограф кутюрье на язычке, а также желтую строчку над подошвой и золотистую петлю на голенище. Yohji Yamamoto x Dr. MartensБотинкиКупить Yohji Yamamoto x Dr. MartensТуфлиКупить Yohji Yamamoto x Dr. MartensБотинкиКупитьYohji Yamamoto x SupremeЕще одной громкой коллаборацией в послужном списке Йоджи Ямамото стало сотрудничество со стритвир-брендом Supreme. Коллекция, вышедшая в рамках сезона Fall/Winter 2020, объединила уникальный стиль дизайнера и эстетику нью-йоркской марки.Коллаборация Yohji Yamamoto x SupremeКоллаборация Yohji Yamamoto x SupremeКоллаборация Yohji Yamamoto x SupremeНазадДалееВ коллекцию вошли парки, куртки, кожаные куртки, а также шерстяной костюм, рубашки, футболки, свитер, худи и шапки. Основная часть айтемов была представлена в черном оттенке, но также была разбавлена красными, белыми и зелеными оттенками. Капсулу украсили оригинальные принты графического дизайнера Питера Сэвилла, а также рисунки граффити-артиста Sancheeto и художницы Ююки Асакуры. Yohji Yamamoto x SupremeСвитерКупить Yohji Yamamoto x SupremeСвитшотКупить Yohji Yamamoto x SupremeПаркаКупитьYohji Yamamoto x LamborghiniОсенью 2020 года Ямамото объявил о коллаборации с итальянским производителем автомобилей Lamborghini. Партнеры представили совместную модель Aventador S: автомобиль с черным кузовом был разрисован белыми японскими иероглифами и крупными мазками черного и красного цветов.В дополнение к суперкару Йоджи также поработал над специальной капсульной коллекцией одежды. В нее вошли худи, парки и бомберы, выполненные в той же эстетике, что и автомобиль. Благодаря своему неповторимому дизайну суперкары Lamborghini более узнаваемы, чем автомобили других производителей — достаточно одного взгляда, — говорил Ямамото о сотрудничестве. — Я очень рад увидеть реализацию этого сотрудничества, подчеркивающего уникальность, вневременное качество и безграничную страсть, которые характерны для обоих наших брендов.***Спустя полвека с начала своей карьеры Йоджи Ямамото продолжает разрушать барьеры между модными традициями и авангардом, подиумами и улицей, роскошью и спортом. Несмотря на огромный опыт дизайнера, его коллекции сохраняют свежесть и наивность, а сам он демонстрирует искреннее желание передать свои знания и опыт молодым поколениям. В свои 77 лет Ямамото не собирается останавливаться: он не раз выражал глубокую любовь к дизайну одежды, говоря о том, что не может даже представить, что когда-то уйдет на пенсию.Философию японского таланта идеально описывает сказанная им фраза: С глазами, обращенными в прошлое, я иду спиной вперед в будущее.https://mcmag.ru/zabytoe-nasledie-kansaya-yamamoto/» }

Кансай Ямамото: дизайнер, который придумал принты для круизной коллекции Louis Vuitton

В прошлом сезоне показом Maison Margiela Artisanal Джон Гальяно привлек внимание к художнику Бенджамину Шайну, поместив на платья его работы из тюля. Пьерпаоло Пиччоли в осенне-зимней коллекции Valentino обратился к работам художников группы «Мемфис» — арт-объединения из Милана, пик популярности которого пришелся на 80-е годы, и даже привлек их непосредственно к созданию коллекции. Эти миланские художники довольно известны в Италии, но именно благодаря Valentino группу «Мемфис» стали узнавать по всему миру. Так же случилось и с архивом японского дизайнера Кансая Ямамото, чье имя редко вспоминают без ассоциаций с Дэвидом Боуи. Творчество дизайнера было переосмыслено в последней круизной коллекции Louis Vuitton.

Николя Гескьер известен своим стремлением каждый сезон показывать что-то новое и неожиданное — будь то аниме-персонажи вместо моделей или яркая коллаборация с Джеффом Кунсом. В круизной коллекции 2018 он обратился к японскому дизайну, и речь идет не о Рей Кавакубо или Йоджи Ямамото. Гескьер заинтересовался человеком, который открыл феномен японского дизайна всему миру, — Кансаем Ямамото. В отличие от культовых восточных авангардистов, которые сохранили японскую идентичность разве что в глубоко концептуальном смысле, Кансай в своей работе делал упор именно на традиционную символику своей культуры. Но не в спокойном духе дзен-буддизма, а наоборот — при помощи самых ярких и провокационных эпизодов японской культуры. Так, дизайнер впервые стал известным благодаря переосмыслению и деконструкции кимоно, а потом еще дальше углубился в размышления о японской культуре, смешивая в своих коллекциях как ее низкие, так и высокие элементы. В его коллекциях эстетика театра кабуки, наряды гейш и самураев переплетаются с символикой якудзы, принтами из манги и заимствований из уличного стиля хараджуку.

Кансай Ямамото закончил Колледж моды Бунка в 1967 году, а в 70-х начал проводить свои шоу в Японии, а потом и по всей Европе. На одном из его показов, который состоялся в Лондоне в 1971 году, оказался Дэвид Боуи. Коллекция поразила певца, и он решил сразу же приобрести пару произведений японского авангарда от Ямамото для выступлений. Сам дизайнер вспоминает, что вскоре после этого он получил ночной звонок от друга из США, который посоветовал отложить все дела и приехать в Нью-Йорк, так как один певец мечтает с ним познакомиться. Прямо с самолета Кансай попал на выступление Боуи, во время которого тот вышел на сцену в костюме Ямамото по мотивам театра кабуки — и этот образ стал главной темой всего шоу.

В своей одежде японский дизайнер не только перенимал принты и мотивы театра, но и прием под названием hikinuki, когда один слой одежды эффектно срывается, чтобы обнажить новый образ, — это и привлекло Боуи. Так, на концерт 1973 года Боуи надел черный балахон и в какой-то момент легким движением руки превратил свой готичный наряд в разноцветный. После личного знакомства японский дизайнер и британский музыкант стали не только коллабораторами, но и друзьями, поддерживавшими связь вплоть до последних дней Боуи.

Кансай создал ключевые образы для самых узнаваемых амплуа музыканта — Зигги Стардаста и Аладдина Сейна, без которых мы бы не помнили раннего Боуи — позирующего перед камерой в виниловом комбинезоне с гиперболизированными овальными штанинами, в калейдоскопическом комбинезоне из джерси с синим боа или в огромном белом кимоно с иероглифами. Все эти наряды уже попали в Музей Виктории и Альберта и прочно укрепились в поп-культурном пространстве.

В 90-х Кансай отошел от дизайна и сосредоточился на организации акробатических шоу. Первое из них прошло в Москве в 1993 году прямо на Красной площади. Во многом из-за того, что дизайнер решил посвятить себя шоу-бизнесу, его имя оказалось незаслуженно забыто и теперь всплывает только в привязке к Дэвиду Боуи. И Николя Гескьер, будучи таким же фанатом Японии, как и Боуи, решил напомнить о человеке, значение которого мир моды и культуры определенно недооценил. И, судя по всему, ему это отлично удалось.

Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.

Купить билет

Японский дизайнер кастомизирует модные аксессуары подручными средствами: как это выглядит

Японский дизайнер Дайсуке, который в Инстагрaме известен как пользователь @dimda_, сейчас набирает популярность по всему миру благодаря тому, что превращает обычные и ничем не примечательные вещи в настоящие произведения современного искусства.

Сумка Prada из губок для мытья посуды, Dior Saddle из медицинских масок, Lady Dior, изготовленный из упаковок для яиц, а также самые различные вариации аксессуаров Prada, Fendi, Louis Vuitton и Jacquemus – все это можно найти в коллекции Дайсуке. 

Источником вдохновения для дизайнера служит его родная страна – Япония, ее богатая и удивительная культура. В основе же изделий Дайсуке лежат различные винтажные аксессуары, которые позволяют ему не только изобретать столь необычные вещи, но и беречь окружающую среду. Используя предметы, которые больше не нужны, и преобразовывая их в новые fashion-изделия, Дайсуке на своем примере показывает, как мода может быть eco-friendly. В дополнение ко всему некоторые изделия японского инфлюенсера можно не только надеть, но и попробовать. Что хотите сегодня на завтрак: сумку Bottega Veneta из бекона или, быть может, хлебный галстук Prada?

Все творения Дайсуке эксклюзивны и в настоящий момент не продаются. Как признается сам дизайнер, его главная мечта – коллаборации с различными крупными компаниями. Так, на его счету уже есть сотрудничество с Vogue Taiwan.

Супермодели 1990-х: как сейчас выглядят и чем занимаются Синди Кроуфорд, Кейт Мосс, Линда Евангелиста и другие
Подробнее

Как двое детей сохраняют наследие отцовского дизайна

В 1933 году ЯПОНСКИЙ философ и историк искусства Соэцу Янаги опубликовал эссе «Что такое народное ремесло?», Которое станет основополагающим текстом мингэй (народное ремесло). ) движение, изменившее японскую эстетику в середине 20 века. В своем письме Янаги предложил возродить «провинциальную индустрию» утилитарных предметов ручной работы, которые «незаменимы в повседневной жизни обычных людей, используются в повседневной жизни, производятся в больших количествах и стоят недорого.Он чувствовал, что эти народные промыслы имеют основополагающее значение для восстановления красоты в мире, движущемся к бездушной механизации. Он писал, что люди, создавшие их, «бессознательной верой вступили на путь спасения. Это путь, открытый для всех ». Ремесло, по оценке Янаги, было не только художественным, но и нравственным движением, не что иное, как способ спасти мир.

Через год после того, как Янаги опубликовал свое эссе, молодой американский архитектор японского происхождения по имени Джордж Накашима родился в 1905 году в Спокане, штат Вашингтон., прибыл на свою исконную землю. Сын иммигрантов в первом поколении, он получил степень магистра архитектуры в Массачусетском технологическом институте в 1930 году и вскоре после этого бежал из профессиональных пустошей Америки эпохи депрессии, чтобы учиться по всему миру. В Токио он работал с чешско-американским архитектором Антонином Раймондом над пристройками Фрэнка Ллойда Райта к монументальному отелю Imperial. А с 1936 по 1939 год Накашима жил на юге Индии, где он руководил строительством одного из первых железобетонных зданий на субконтиненте, общежития Голконда в ашраме Шри Ауробиндо в Пондичерри.Находясь там, он стал преданным индуистского аскета Шри Ауробиндо, который дал ему санскритское имя, которое через 50 лет появилось на его деревянной надгробной плите, которая сейчас хранится в его семейном поместье в Новой Надежде, штат Пенсильвания — Сундарананда. , или «Наслаждающийся красотой».

Имя окажется пророческим. Несмотря на свое профессиональное образование, Накашима позже был известен не как архитектор, а как один из ведущих мастеров Америки: хранитель ручной красоты Янаги в стране, стремительно отказавшейся от своих ремесленных традиций в пользу эффективности и одноразовости, которую он назвал современностью.С 1946 года, когда он основал свою студию на участке площадью три акра в Новой Надежде, исторической колонии художников на полпути между Нью-Йорком и Филадельфией, до своей смерти в 1990 году в возрасте 85 лет Накашима посвятил свою жизнь преобразованию плит грецкого ореха. из вишни, растрепанного клена и красного дерева в кофейные столики в форме лужиц, стулья в стиле шейкер с вытесанными вручную шпинделями и столовые столы, сделанные из кусочков стволов деревьев, их трещины и швы соединены стыками, как бабочки, пойманные в янтарь.«Он чувствовал, что его работа — это форма интегральной йоги: все взаимосвязано между тем, как работаешь и живешь», — сказала мне его 78-летняя дочь Мира прошлой осенью сырым серым утром, показывая мне территорию студии, которая она бежала после смерти отца. Органические, импровизационные и индивидуальные, десятки тысяч предметов, которые он создал в течение своей жизни, также были функциональными, предназначенными для повседневного использования; они были, по словам Миры, «антитезой модернизма, протестом против массового производства».

Чему японский модельер может научить нас о мебели

Эта история из нашего архива была впервые опубликована 6 февраля 2020 года.


Пионер коллекций готовой одежды парижской моды 1970-х годов, Кензо Такада говорит, что теперь он хочет создавать стили, которые будут длиться годами, а не только сезон.

В прошлом месяце кульминацией его перехода от моды к высококачественной посуде для дома стал запуск в Maison & Objet его нового бренда дизайна интерьера K 三 (или K3, используя японский иероглиф вместо цифры три). «Для меня это было естественным прогрессом», — говорит он через 20 лет после ухода из своего одноименного модного бренда Kenzo и передачи его бразды правления LVMH.

Известный яркими цветами и выразительной графикой, напоминающий как японские костюмы периода Муромати, так и костюм Анри Руссо The Dream , мебель и домашний декор Такада по-прежнему демонстрируют его смелое использование культурных влияний.

Яркие принты — отличительная черта дизайна одежды и мебели Takada. Фото любезно предоставлено K.

«Это более медленная среда, чем мир моды», — добавляет 80-летний дизайнер через своего коллегу и переводчика, управляющего партнера K Джонатана Буше Манхейма.«Учитывая мой возраст, теперь я предпочитаю работать в более долгосрочной среде».

Модное наследие Такада восходит к началу 1970-х годов, когда, будучи молодым иммигрантом и недавним выпускником школы моды из Японии, он открыл свой собственный бутик в Galerie Vivienne (первоначально назывался Jungle Jap, пока спорное название не стало проблемой на некоторых рынках).

Задолго до того, как азиатские модельеры, такие как Йоджи Ямамото или Рей Кавакубо, стали опорой Парижской Недели моды, Такада проложил путь, посеяв идею демонтажа собственной культуры, чтобы взглянуть на нее.Отстраняясь от своего собственного прошлого, Такада открыл для себя новые фокусы японских традиций и внедрил их на подиумах Парижа.

В своих работах Такада опирается на японскую культуру, но при этом дистанцируется от нее. Фото любезно предоставлено K.

Даже после выхода на пенсию Такада не покидал своей чертежной доски. В 2017 году он стал партнером французского мебельного дома Roche Bobois, чтобы переосмыслить их культовый диван Mah Jong, вдохновленный традиционной японской формой искусства театра Но. Его недавно представленный проект также пронизан тремя четко выраженными японскими темами: сакура (цветение вишни), майко (юная гейша) и сёгун (император) — хотя он быстро отмечает, что его проекты выходят за рамки культурных границ.

«Мы всегда вдохновляемся эстетикой разных культур и смешиваем их воедино, чтобы создавать изделия с savoir faire», — говорит он.

Золотые кинцуги украшены японским мастерством. Фото любезно предоставлено K.

В новой линии диванов, стульев, текстиля и декоративных предметов для дома Takada, многие из которых созданы в сотрудничестве с более чем 200 мастерами и консультантами, в том числе творческим помощником Энгельбертом Хоноратом, мастерство Кё сияет через его мерцающие марки кинцуги , вдохновленные традиционным японским ремеслом закрепления битой керамики золотом.Яркие цветочные мотивы и смело переосмысленная японская графика напоминают дни, когда Такада работал в Kenzo, когда он стремился освободить тело от обтягивающей женской одежды того времени.

Его философия домашнего дизайна в равной степени ориентирована на комфорт и радость. «Я хочу, чтобы они были полны жизни», — говорит он. «Для меня важно передать как можно больше позитива».


Эта история из наших архивов была впервые опубликована 6 февраля 2020 г. Подробнее читайте в нашем разделе «Дизайн».

Касива Сато — уважаемый бренд-дизайнер японского дизайна

Японская культура всегда восхищалась своей кухней, живописными местами и традиционным искусством. В то же время страна входит в число ведущих разработчиков дизайна, будь то мода, продукт, архитектура или графический дизайн. На международной арене дизайна горячо почитаются здания архитектора Тадао Андо, модные работы Иссея Мияке или костюмированные и театральные постановки Эйко Ишиока.К лучшим японским специалистам в области графического дизайна присоединился дизайнер Касива Сато, который считается одним из самых уважаемых креативных директоров не только в Японии, но и во всем мире. Его логотипы стали частью нашего повседневного потребительства: Uniqlo, Nissin, Seven Eleven, пиво Kirin, Rakuten и многие другие.

Касива Сато, креативный директор, Portrait

Кто такой Касива Сато?

После окончания Художественного университета Тама Сато работал в ведущей рекламной компании Японии Hakuhodo в 1989 году в течение одиннадцати лет, а пока он работал в Hakuhodo, он в течение восьми лет отвечал за брендинг линии минивэнов Honda Step WGN.К 2000 году он построил собственный независимый бизнес со своей творческой студией SAMURAI. Неся с собой свои навыки творческой концептуализации и коммуникационной стратегии, Сато продолжает обслуживать таких известных клиентов, как Rakuten с 2003 года, Uniqlo с 2006 года и Seven Eleven с 2011 года. В 2006 году Uniqlo начала расширять свой модный бренд за рубежом, например быть их флагманским магазином в Нью-Йорке. Компания Sato занималась коммуникациями по глобальному брендингу, включая разработку логотипов, дизайн фирменных магазинов, планирование продуктов и стратегии продвижения.

UNIQLO Soho New York, наружная реклама (строительство строительных площадок), 2006 г.

Его портфолио работ кажется бесконечным: Nissin, Cup Noodle Museum, Yanmar, Imabari Towel Japan, T-Point, Mitsui & Co., Daiwa, Suit Select и логотип схемы вывесок для Национального центра искусств в Токио и многие другие. Он также руководил общим направлением дизайна интерьера для Takeda Pharmaceutical Co. и обновленным архитектурным планированием детского сада Fuji. Невероятный объем его участия в проектах варьируется от бизнес-компаний, школ, больниц, музеев, развлечений, моды, продуктов питания, транспорта и других местных отраслей.

Корни и начало Касива Сато

В одном из интервью Сато отмечает, что с детства он всегда любил дизайн обложек манги, знаки и вывески. Когда он смотрел на них, образы в его голове начали увеличиваться. В юности он любил рисовать картинки и часто рисовал на любом подручном материале, например, на газетах. К третьему и четвертому классам у него появилась страсть к мультфильмам и логотипам, которые он рисовал не только в тетрадях, но и в школьных учебниках и на обратной стороне листов с ответами.Он накладывал логотипы на изображения и копировал иллюстрации из мультфильмов. Во время просмотра футбольных матчей он уделял пристальное внимание брендам обуви и ветровок и почему-то считал, что логотип заставляет все выглядеть по-другому. Он вспоминает: «Я почувствовал огромный космос бренда = пространство внутри этого небольшого логотипа и был привлечен к его привлекательности». (с выставки Касива Сато, Национальный центр искусств, Токио)

Организация и пространство сыграли важную роль в видении дизайна Сато.Еще в начальной школе он научился систематически организовывать свои комиксы дома, заставляя его чувствовать и видеть другой ландшафт мира. Отец Сато был архитектором и спроектировал их дом, в котором не было перегородок и было свободное пространство. Сато научился ценить огромное пространство, в котором он чувствовал себя частью невидимого мира. Таким образом, чистый лист белой бумаги был для него пустым пространством, которое приглашало его исследовать с помощью своего воображения. «Я хочу свободно отправиться в воображаемое путешествие, чтобы увидеть мир, которого я никогда раньше не видел, и отправиться в другое измерение.Там должно быть что-то новенькое. Я нахожусь в постоянном путешествии, чтобы создать что-то новое ». (с выставки Касива Сато, Национальный центр искусств, Токио)

Праздничный сценический занавес для спектакля, посвященного церемонии присвоения имен Накамура Шикан VIII, Театр Кабукиза, Токио, октябрь 2016 г.

Успех Касива Сато

Касива Сато, как говорят, привнес совершенно иное значение в понятие «СМИ», которое традиционно включает телевидение, радио, газеты и журналы.Вместо этого он расширил рекламные носители, включив в них конверты для компакт-дисков, дизайн упаковки для напитков, пакеты для покупок, рекламные щиты, салфетки и плакаты, висящие внутри поездов. Вывески, таким образом, стали повсеместными на улицах, чтобы все могли видеть их в виде значков и эмблем, передающих информацию. Сато произвел революцию в парадигме дизайна, придав идентичности бренда давнюю осознанность в человеческом сознании.

NISSIN KANSAI FACTORY, Total Proroduction, 2019

Как бренд-архитектор, Сато обладает огромной способностью идентифицировать, освещать и визуализировать суть предмета.Его стиль прост, но поразителен и фокусируется на воздействии, которое должно оставаться сильным и продолжаться долго. За свои отличные усилия он был удостоен множества наград: Mainichi Design Prize, Tokyo ADC Award (Гран-при), Tokyo TDC Prize (Золотой приз), Asahi Advertising Award (Гран-при), Kamekura Yusaku Award, и японская премия за дизайн упаковки.

Сато, как известно, часто вступает в диалог со своими клиентами, чтобы глубже узнать потребности компании. «Что для тебя важно?» — это вопрос, который он обычно задает своим клиентам лицом к лицу.«В дизайне всегда стоит вопрос, сколько сохранить, а сколько изменить. В каждом артефакте есть основная функция, архаическая форма, которая всегда должна оставаться неизменной ». — уточняет Сато.

По словам Сато, «концепция не должна отклоняться слишком далеко от известного пути, в противном случае люди чувствуют себя подавленными, и она немедленно отвергается. Достаточно дать небольшой стимул. Как мышца, без всякого раздражителя она тоже не может расти ».

Национальный центр искусств, Токио, проект визуальной идентичности, 2006 г.

Первая большая персональная выставка Касива Сато

В Национальном центре искусств в Токио, который продлится до 10 мая 2021 года, будет представлена ​​первая грандиозная персональная выставка Сато, названная просто «Касива Сато», которая охватывает 30 лет творческих достижений автора в области дизайна.Выставка демонстрирует основные принципы визуального дизайна Сато от организации информации, извлечения ее сути и перевода концепций на визуальный язык. Полное собрание его работ представлено в семи разделах: «Пространство внутри», «Реклама и за его пределами», «Логотип», «Сила графического дизайна», «Знаковые брендинговые проекты», «Линии / поток» и футболки, созданные Сато в магазине Uniqlo’s UT Store.


Изображение вверху: Касива Сато, «LINES», 2020

Французско-японский дизайнер Кензо Такада умер от COVID-19

1 из 8

ФАЙЛ — В эту субботу, 28 марта 2015 года, японский модельер Такада Кензо позирует фотографам на балу роз в Монако.Модельер Кензо Такада умер от COVID-19 недалеко от Парижа в возрасте 81 года, сообщила пресс-секретарь и сообщает в воскресенье, 4 октября 2020 г. (AP Photo / Lionel Cironneau, файл)

1 из 8

ФАЙЛ — В эту субботу, март 28 августа 2015 г., японский модельер Такада Кензо позирует фотографам, прибыв на бал роз в Монако. Модельер Кензо Такада умер от COVID-19 недалеко от Парижа в возрасте 81 года, сообщила пресс-секретарь и сообщает в воскресенье, 4 октября 2020 г. (AP Photo / Lionel Cironneau, файл)

ПАРИЖ (AP) — Кензо Такада, культовый француз Японский модельер, прославившийся своим дизайном, наполненным джунглями, и беззаботной эстетикой, которая использовалась для путешествий по всему миру, умер.Ему был 81 год.

Семья заявила в воскресенье в заявлении французских СМИ, что Такада умер от осложнений, вызванных COVID-19, в больнице в Нейи-сюр-Сен, недалеко от Парижа. Сотрудник по связям с общественностью бренда Kenzo подтвердил, что Такада умер, но не назвал причину смерти.

«KENZO с огромной грустью узнал о кончине нашего основателя», — говорится в заявлении модного дома. «На протяжении полувека г-н Такада был символической личностью в индустрии моды, всегда наполняя мир творчеством и цветом.

Такада умер в конце Парижской недели моды, в девятидневном календаре которой отмечается необычный модный сезон весна-лето 2021 года из-за пандемии коронавируса. Всего несколько дней назад модный дом Kenzo представил здесь свою коллекцию, посвященную пчелам.

Хотя Такада ушел из дома с 1999 года, чтобы продолжить карьеру в искусстве, Kenzo остается одним из самых уважаемых представителей высокой парижской моды. С 1993 года бренд Kenzo принадлежит французской компании по производству предметов роскоши LVMH.

«Его удивительная энергия, доброта, талант и улыбка были заразительны», — сказал художественный руководитель Kenzo Фелипе Оливейра Баптиста, который в среду представил коллекцию, посвященную пчелам, модным редакторам. «Его родственный дух будет жить вечно».

В стилях Kenzo использовались смелые цвета, контрастирующие принты, и они были вдохновлены путешествиями по всему миру.

«Кензо Такада с 1970-х годов привнес в моду тон поэтической легкости и сладкой свободы, которые вдохновляли многих дизайнеров после него», — сказал Бернар Арно, председатель и главный исполнительный директор LVMH.

Такада родился 27 февраля 1939 года в городе Химедзи, префектура Хёго, Япония, в семье владельцев отелей, но после чтения модных журналов своих сестер у него началась любовь к моде.

Обучаясь в колледже моды Бунка в Токио, Кензо Такада ненадолго проработал в Японии, а затем в 1965 году переехал в Париж, где работал дизайнером-фрилансером.

В Париже он открыл бутик в 1970 году и воплотил свою будущую эстетику прет-а-порте, вдохновленную картинами художника Анри Руссо в джунглях, которые он объединил с азиатскими стилями.Это стало влиятельным.

Но это было скромное начало: первая коллекция Такады в магазине под названием была сделана полностью из хлопка, потому что у него было мало денег. Но одежда говорила сама за себя, и его модель поместила на обложку журнала Elle. Вскоре после этого новаторские формы плеч, большие проймы, комбинезоны, платья-палатки, инновационные формы плеч и его магазин были представлены в американском Vogue. Кензо показывал коллекции в Нью-Йорке и Токио в 1971 году.

Ив Сен-Лоран был важным источником вдохновения в его работах, сказал Такада.Такада разделял склонность Сен-Лорана к театральному искусству. в 1978 и 1979 годах он выступал в цирковой палатке, изображая себя верхом на слоне, а артисты ехали на лошадях в прозрачной униформе.

Любовь Такады к путешествиям и использование этнических мотивов были сильными чертами его тридцатилетия в его доме.

Его вклад в стиль был значительным. Он выступал за юношескую эстетику и бесструктурную форму и отказался от молний, ​​чтобы освободить силуэты. Его отличительными чертами были более широкие рукава и отверстия для рук, что соответствовало историческим стилям его родного континента Азии.

Художник по кулинарии создает привлекательные дизайны тостов на основе японского искусства

Так как это самая важная еда дня, многие из нас очень разборчивы в том, как нам нравится завтрак. Тост — основной продукт питания для большинства, но для японского дизайнера Манами Сасаки ломтики хлеба — это не просто вкусная закуска — это ее художественное полотно. Она тщательно украшает тосты красочными ингредиентами, чтобы создать съедобный дизайн, основанный на японском искусстве и геометрических узорах.

Эти завтраки не из тех блюд, которые можно быстро приготовить и съесть, выбегая за дверь.Сасаки часами режет и раскладывает каждый ингредиент на поджаренном хлебе с идеальной точностью. Для одного привлекательного весеннего дизайна она сложила авокадо, лук, апельсиновую цедру и укроп в круги, квадраты и дуги. «В одном тосте есть широкий спектр форм, вкусов, текстур и ароматов», — говорит Сасаки. «Сладость и хрусткость лука. Сливочная и мягкая текстура авокадо. Свежий аромат апельсина и укропа в носу ».

Сасаки развивает свое кулинарное искусство еще дальше, создавая тосты, вдохновленные традиционными японскими гравюрами на дереве ( Ukiyo-e ).Она отдает дань уважения традиционным женским фигурам на гравюрах, создавая их как съедобные шедевры. Она использует тушь кальмара, чтобы набросать контуры и детали, и использует съедобные цветы и овощи для завершения декоративных деталей. Одно целое кимоно состоит из пурпурной капусты, перца и редиса. А в другом — трехмерные украшения для волос из кукурузы, микрозелени и грибов эноки.

Прокрутите вниз, чтобы увидеть последние тосты Сасаки, и подписывайтесь на нее в Instagram, чтобы узнать больше.

Японский дизайнер Манами Сасак украшает тосты красочными ингредиентами, чтобы создать съедобный дизайн на основе японского искусства и геометрических узоров.

Ее невероятные блюда слишком хороши, чтобы их есть!

Манами Сасаки: Веб-сайт | Instagram | Твиттер

Все изображения предоставлены Манами Сасаки.

Статьи по теме:

Художник создает ежедневные дизайны тостов, вдохновленные японскими традициями

Японский кулинарный стилист создает восхитительные тосты из разноцветных ингредиентов

Художник по кулинарии вырезает вручную невероятно замысловатые узоры на фруктах и ​​овощах

Изящно-слоистое искусство еды изображает города Восточной Европы

Японский дизайнер сделал 100% натуральные мелки, переработав продукты и растительные отходы!

Я не родитель, но я достаточно общаюсь с детьми, чтобы знать, что они положат все себе в рот, и всегда есть риск, когда продукты, предназначенные для их развлечения, также содержат химические вещества, например мелки.Мелки (и детские) редко остаются внутри линий и попадают в рот или стены ребенка. Это не только опасность для здоровья и ответственность за чистку, мелки также оказывают поразительное воздействие на окружающую среду. Японская компания Mizuiro Inc. работала с дизайнером Наоко Кимура, чтобы создать экологичную альтернативу традиционному мелку. Они называются Oyasai Crayons, они сделаны из полностью натуральных ингредиентов!

Знаете ли вы, что ежегодно в США выбрасывается более 150 миллионов мелков?С. только по ресторанам? Большинство цветных карандашей на рынке сделаны из парафинового воска, который содержит нефть, токсичное химическое вещество для окружающей среды, делающее продукт небиоразлагаемым и вредным — теперь представьте, что ребенок кладет его в рот. Вот где пригодятся мелки Oyasai Crayons — эти безопасные и экологически чистые мелки сделаны из масла рисовых отрубей и рисового воска из рисовых отрубей. И твердый воск из рисовых отрубей, и жидкое масло из рисовых отрубей являются побочными продуктами процесса полировки риса, поэтому эти мелки в основном сделаны из отходов.Пигмент также полностью натуральный, он производится из переработанных растительных материалов, например, внешние листья овощей обычно выбрасываются после сбора урожая. Тем не менее, Oyasai Crayons используют эти пищевые отходы, собирая их и превращая в цветные карандаши. Фактически, это те же пигменты, которые используются для натуральных пищевых красителей, что дополнительно демонстрирует, что все в продукте не содержит химикатов.

Наоко Кимура — тот, кто придумал эту идею, когда он обнаружил красочные варианты, которые можно получить из овощей, работая графическим дизайнером и воспитывая детей из дома.Он работал над концепцией и понял, что растительные отходы от сбора урожая выбрасываются, потому что они не соответствуют стандартам, и именно это он использовал для производства цветных карандашей Oyasai в своей родной стране, Японии. На данный момент в коллекции представлены 10 цветов из японского ямса, зеленого лука, длинного картофеля, лопуха, кукурузы, снежной моркови, яблока, черной смородины, фиолетового картофеля и таксуми (бамбукового угля). Цветные карандаши Oyasai соответствуют стандарту JIS, который гарантирует, что они соответствуют эталону прочности цветных мелков. Они также получили сертификат безопасности игрушек европейского стандарта EN71-3: 2013 в результате строгой проверки безопасности и продолжили получать многочисленные награды за дизайн.Важно помнить, что, хотя это натуральные ингредиенты и продукт пищевого качества, это не съедобные мелки, а просто более безопасный, экологичный и легкий вариант игры для вашего ребенка.

Дизайнер: Наоко Кимура

Нажмите здесь, чтобы купить сейчас!

Кто самый известный дизайнер в Японии? — MVOrganizing

Кто самый известный дизайнер в Японии?

Топ-7 вдохновляющих модельеров Японии

  • Йоджи Ямамото.Революционный японский модельер, который заново изобретает западные технические и эстетические ценности, — никто иной, как Йоджи Ямамото.
  • Иссей Мияке.
  • Рей Кавакубо.
  • Джун Такахаши.
  • Nigo.
  • Kenzo.
  • Джунья Ватанабэ.
  • 9 модных японских брендов уличной одежды.

Кто такой японский дизайнер?

Помимо Рей Кавакубо, Йоджи Ямамото, возможно, является самым известным японским модельером 20-го века.

Какие бренды носят японцы?

Какие бренды одежды популярны в Японии? (Руководство для начинающих)

  • Uniqlo. Uniqlo — один из ведущих мировых брендов высококачественной доступной моды.
  • ГУ. GU — японский производитель, дизайнер и продавец одежды со скидками, имеющий 280 магазинов по всей Японии.
  • 6% DokiDoki.
  • Йоджи Ямамото.
  • Купающаяся обезьяна.
  • ASICS.
  • COMME des GARÇONS.

Кто входит в пятерку лучших модельеров?

Топ-10 модельеров мира

  • Коко Шанель (1883–1971).
  • Кельвин Кляйн (1942 г.р.)
  • Донателла Версаче (р. 1955)
  • Джорджио Армани (1934 г.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.