Арт объект в интерьере: как вписать арт-объекты в интерьер — INMYROOM

Содержание

как вписать арт-объекты в интерьер — INMYROOM

Завершенный интерьер – это сложная структура, которая всегда складывается из множества составляющих. Здесь важны стилистическая цельность всех элементов, рациональная планировка пространства, гармоничное цветовое решение, верно расставленные световые акценты. И равнозначной по важности составляющей интерьера высокого класса являются грамотно подобранные предметы искусства. 

Современное пространство может органично включать в себя искусство в самых различных его проявлениях – от традиционных живописных холстов до современных и, порой, неоднозначных арт-объектов. Более того, во многих домах искусство является не отстраненной частью декора, а композиционным центром, вокруг которого строится интерьер.

1. Живопись 

Такой вид искусства, как живопись, сопровождает интерьер на протяжении нескольких столетий, а ее роль постоянно меняется – от регламентированной религиозной темперной живописи на досках до более стилистически свободной светской, выполненной масляными красками на холсте. 

Сейчас как техники, так и живописные стили настолько разнообразны, что позволяют выбрать удачное решение в любой интерьер. Живописный холст дает декоратору прекрасную возможность поработать с таким мощным инструментом, как цвет – поставить яркий акцент в пространстве или дать поддержку выбранной колористической гамме интерьера.

2. Графика

Из-за своей относительной доступности и значительной распространенности графика – самый популярный вид искусства, используемый в интерьере. Она делится на уникальную и печатную (тиражную), авторскую и репродукционную, что дает декоратору массу различных возможностей наполнить интерьер рисунками, плакатами, шелкографиями, литографиями и офортами. 

Разумеется, репродукции являются более доступными по цене, в то время как оригиналы авторских работ представляют больший инвестиционный и коллекционный интерес и считаются более статусным элементом наполнения интерьера. Независимо от техники, небольшие листы обычно компонуют на стене, объединяя их в группы и блоки, а крупногабаритные работы экспонируют по отдельности. 

3. Роспись 

Роспись, или фресковая живопись, является предтечей живописи станковой и, пожалуй, одним из первых видов искусства, вошедших в интерьер. На сегодняшний день роспись, изменившаяся по форме и содержанию, осталась по-прежнему актуальной. Фреска – один из лучших способов декорировать одну или несколько стен, потому что в процессе росписи создается уникальное произведение искусства, которое не повторится ни в одном другом интерьере.

4. Скульптура 

В то время как многие дизайнеры уделяют внимание исключительно оформлению стен, для создания объемного, многослойного пространства необходим трехмерный скульптурный объект. Скульптура – наиболее традиционная форма наполнения интерьера, в наше время представленная большим разнообразием материалов и техник. При выборе скульптуры следует обращать внимание на ее стилистическое единство с интерьером, сочетание фактур в пространстве, а также на то, чтобы она одинаково удачно выглядела с разных ракурсов.

5. Арт-объект  

Отличие арт-объектов от других художественных форм в том, что они не подчиняются никаким точным правилам с точки зрения материала и формы. Часто это нефункциональный предмет, суть которого состоит в привлечении внимания и визуальном взаимодействии со зрителем. В интерьере это всегда акцентная вещь, поэтому располагать арт-объект стоит в хорошо освещенном, простором помещении, например, в гостиной или спальне.

Арт-объекты в интерьере — наш внутренний космос

Добавить в избранное

Арт-объекты в интерьере, как черные дыры в космосе, рожденные искрой секундного вдохновения автора, погружают нас в мир неосознанного мировосприятия, в наш внутренний космос…

Предметы искусства могут, как помочь создать неповторимый образ, так и превратить интерьер в заброшенный склад безобразных и безвкусных предметов. Где проходит эта тонкая грань, разделяющая успех от провала?

Хочется поделиться, на наш взгляд, удачным «ответом», решением, найденным дизайнером Доном Стюартом.

Большое количество изысканных, тщательно подобранных предметов находится в центре гостиной, все они здесь, чтобы в атмосфере комфорта можно было провести время в кругу друзей. Но именно картины в этой части комнаты заставляют почувствавать легкость и непринужденность , несмотря на визуальную нагрузку, которую несут темные винтажные кресла, бронзовые столики, золотистый комод с иероглифами, одного взгляда на картины достаточно, чтобы почувствовать игривое настроение … На стене работы Дональда Султана (в центре) и Полли Борланд (слева).

Фоном для картины стала стена из вторично использованного дерева. Этот элемент отделки присутствует во всех комнатах, элемент с историей, наполняющий пространство теплом и уютом…

Маленькое квадратное окно задает тон камерности этой мини творческой мастерской, расположенной в центре гостиной. Картина, словно визуализирует ход мыслей, течение музыки. Звучит одна нота, за ней другая и вот перед нами — поток, живой, местами трагичный, как черные мазки на картине. Все это — игры разума, рожденные под влиянием удачно подобранных элементов дизайна. На стене картина Линн Мапп Дрекслер.

Стена из состаренной стали отделяет прихожую от остальной квартиры — находка дизайнера, которая помогла обыграть уже имеющиеся в старом здании чугунные колонны. Нельзя не заметить, какой это эффектный фон для картины в светлых тонах и технике сфумато. Глубина темной стены, свет, отраженный на ней, формы скульптур, размещенных на бюро, тонкие линии подсвечников, невольно заставляют вновь и вновь рассматривать картину, словно что-то еще осталось неразгаданным. Круглые и округлые формы предметов, находящихся в столовой, лишь усиливают эффект загадочности.

Ничто так не приковывает взгляд на кухне, как дизайнерские табуретки. Идеально вымеренный фасад кухни с асимметрией дверок, цветочные мотивы фартука – все уходит на второй план. В центре внимания формы, не то сошедшие с шахматной доски, не то взятые с гигантских фабричных конструкций.

В свойственной эклектике гармонии чувствуется доминирование исторического произведения искусств. Орнамент на ширме XIX века переносит нас совершенно в другую эпоху, несет в себе отпечаток прошлого, что, несомненно, придает интерьеру спальни роскошный вид. Утонченность линий и ювелирная точность рисунка, нанесенного вручную, говорят без слов об уровне мастерства и затраченном времени на изготовление такого шедевра. Тайны и образы каких людей веками скрывает за собой эта ширма?

Общая площадь квартиры небольшая, несмотря на большое количество предметов искусства и дизайнерских объектов, есть ощущение «дома» неординарной личности, а не галереи искусств.

Что такое арт-объекты в интерьере дома и квартиры, и для чего их создают. Фото

Арт-объектом можно назвать не каждую привлекательную и милую вещицу в доме Это должно быть настоящим произведением искусства, имеющим неоспоримую художественную ценность. Когда предмет интерьера, ландшафтного дизайна или экстерьера является уникальным, передает определенное настроение, служит «изюминкой», тогда он может претендовать на звание арт-объекта. Создание арт-объектов предполагает использование различных материалов и техник. Эти предметы могут быть не только декоративными, но и функциональными.

Поскольку каждого человека отличают индивидуальные границы чувства прекрасного, обладающего собственными оттенками, то и арт-объекты будут носить уникальный характер. Но, что бы это ни было, оно должно делать обстановку неповторимой и оригинальной.

Созданием арт-объектов в Москве, архитектурное бюро Snou Project — http://snou.org/services/.

По числу заказов в создании арт-объектов первые позиции занимают скульптуры и барельефы, витражи, декоративная керамика, роспись, живопись. Например, художественная роспись по стеклу способна удивительно ярко преобразить интерьер. Обычный витраж не вызывает изумления, а в сочетании с коваными элементами эта часть отделки помещения станет объектом, привлекающим восхищенные взгляды.

Самые обычные вещи, выполненные на заказ, создают особый образ, являясь выражением индивидуальности своего хозяина. Двери с витражом, картины, выполненные на зеркальной поверхности при помощи глины или акрила, журнальный столик, украшенный резьбой ручной работы — все это особое решение привычных предметов жилища, которые делают его уникальным, достойным восхищения. Даже если скульптура абстрактна, и не просто привлекает внимание своей непонятностью, но надолго задерживается в уме, вызывает эмоции, врезаясь в память, то ее можно считать арт-объектом, который несет в себе назначение яркого акцента.

Поиск свежей идеи, выходящей за границы обыденности — главная задача, которая делает создание арт-объектов возможным далеко не для всех. Ведь такой объект должен не просто выделяться, но и вписываться в общую обстановку, гармонично сочетаться с прочими предметами в интерьере.

После того, как идея сформировалась хотя бы на уровне понимания, начинается поиск и отбор материалов, которые позволили бы максимально изящно и точно воплотить ее из миража в осязаемый предмет. Для этого создаются чертежи, наброски, эскизы. После нахождения наиболее эффективного воплощения мечты в реальность наступает следующий этап в создании арт-объектов: реализация и оформление желания заказчика на основе наработанных материалов. Грамотные специалисты не только выполнят эту часть работы, но и подскажут, как лучше разместить созданный арт-объект. В зависимости от характера и назначения предмета это может быть подставка, центр некой композиции или организация подсветки. Главное, чтобы «изюминка» дома предстала в выгодном ракурсе, дарящем хорошее настроение как владельцам жилья, так и их гостям.

 

Еще идеи для дома и дачи:


Искусство в интерьере. Арт-объекты | Novitta Style

Одним из самых главных трендов в дизайне интерьера в 2019 году -арт-объекты!
Картины, статуи, узоры, фотообои, дизайнерская необычная мебель – все это является главным хитом в дизайне интерьера в 2019 году.
Еще с давних времен люди считали важным украшать дома фигурами, разными рукодельными элементами. Элементы искусства дают интерьеру завершенный вид, наполняют комнату аурой, показывают индивидуальность владельца.

разбавим интерьер элементами искусства

Если раньше за недорого можно было купить только репродукцию какой — нибудь известной картины, то сейчас множество молодых современных креативных художников готовы предложить свои работы. Современная арт индустрия предлагает картины или арт-объекты, так же роспись стен в разнообразных стилях. Искусство неотделимо от сферы моды и дизайна интерьера, ведь дизайнерская мебель тоже считается искусством.

простота и шик

Важно помнить, что с помощью арт объекта как можно украсить, так и можно испортить дизайн интерьера.
С помощью больших картин или росписи стен, так же фотообоев, можно визуально увеличить комнату.

прекрасное решение для маленьких помещений

интересное решение с помощью светотеней

С помощью природных принтов светлых оттенков можно освежить интерьер или добавить глубину с помощью более насыщенных цветов.

цветочные обои добавили свежести в интерьер

добавили глубину в комнату и яркость одновременно

Если ваш интерьер базовых однотонных цветов, можно разбавить с помощью цветных картин и другими небольшими элементами интерьера в одной цветовой гамме. Так уже интерьер будет смотреться нескучно, но и неярко.

весеннее настроение созданное с помощью картин и небольших элементов интерьера

Акценты

Если в предыдущих вариантах арт объекты вливаются в интерьер, то в данном случае, наоборот, надо выделить конкретную деталь. Это требует более утонченного чувства стиля.
Дизайнеры советуют при выборе объекта обязательно почувствовать связь с арт объектом, он не только должен подойти вашему интерьеру, но и “зацепить” и вдохновлять вас.

ярко-синие акценты в сером интерьере то,что надо

Дизайнерская мебель и элементы интерьера кроме своих основных функций так же могут быть арт объектами.

дизайнерская мебель как искусство

необычный уголок

дизайнерская мебель

Тематика

Тематика очень важна при выборе арт объекта. Это может быть послание, или желание быть ближе к природе, либо что-то вас вдохновляет или успокаивает, либо впечатление, которое вы хотите произвести на гостей.

этническая тематика разнообразна и всегда интересна

светлый и успокаивающий морской принт. Полное погружение в атмосферу

Размеры

Размеры зависят от того, с какой целью выбираете арт объект, если это акценты, то могут быть небольшие, если же вы хотите полное погружение в атмосферу, то можно приобрести дизайнерские фотообои или роспись стен.

небольшое дополнение в насыщенный интерьер

небольшой яркий рисунок завершает общий вид интерьера

нежная роспись на стене

Насыщенная роспись на стене- почувствуйте себе на природе

Фон, выбор цветовой гаммы

Если вы хотите украсить интерьер арт объектами, то лучше фоном выбирать более нейтральные цвета, либо если у вас картина спокойных тонов, то стены могут быть более яркими. Главное, сохранить баланс.

Яркая картина приковывает к себе внимание, фон остается на втором плане

Однотонный яркий интерьер и успокаивающая легкая картина- отличное сочетание

7 арт-объектов, идеально вписанных в интерьер

1. Абстрактная картина

Центр композиции в этой необычной прихожей цвета моря — абстрактное полотно художника Зазы Харабадзе. Авторы проекта дополнили картину аксессуарами, попадающими в цвет и подходящими по стилю: ваза, женская головка, стеклянный клош, шкатулка и книги.

2. Японский гобелен

Старинный японский гобелен эпохи Эдо украшает столовую в московской квартире. Хозяева решили пользоваться этой вещью, а не хранить под стеклом в витрине, как советовали музейные работники. Столь редкая вещь способна изменить и качество жизни, и качество интерьера.

3. Керамическая статуэтка

Авторы проекта Нина Прудникова, Филипп Юшин, Алла Ефанова

Авторы проекта Нина Прудникова, Филипп Юшин, Алла Ефанова

Антикварная статуэтка из керамики — яркий декоративный акцент в интерьере венского пентхауса. Фигурку, идеально совпадающую по оттенку с зеленоватыми крышами в окнах пентхауса, купили в одном из антикварных салонов Вены.

4. Охотничьи трофеи

Автор проекта Барри Диксон

Автор проекта Барри Диксон

Охотничьи трофеи контрастируют с гламурным обликом этой гостиной (по проекту американского декоратора Барри Диксона). Состаренные поверхности настольных ламп и столиков успокаивают яркий розовый оттенок стен. Контраст и баланс — любимые приёмы декоратора.

5. Картины в стиле поп–арт


Картины в стиле поп–арт — портреты голливудских актёров — написаны художником Сергеем Гриневичем специально для этого интерьера. Сам интерьер яркий и многоцветный: тут и синий, и коралловый, и лимонно–жёлтый. Живопись в духе Энди Уорхола — это финальный штрих концептуального пространства.

6. Холст без рамы

Этот холст дизайнер Марина Бусел купила во Франции: понравился жёлто–голубой орнамент с красными «брызгами». Подпись художника есть, но установить авторство не удалось. Картину повесили в спальне, над кроватью. Холст без рамы — дорогой и оригинальный вариант «ковра».

7. Оригинальный столик

Автор проекта Евгения Гаицгори

Автор проекта Евгения Гаицгори

Столик в виде головы — это не просто столик, а ироничный арт–объект, добавляющий чуть–чуть «перца» в спокойный бирюзовый интерьер с элементами неоклассики. Автор проекта рискнула и поставила в гостиной целых два таких столика. Больше нельзя — будет перебор.

Арт-объекты и предметы декора в домашнем интерьере

Дизайн домашнего интерьера определяют детали, и именно благодаря им наш дом приобретает индивидуальность. На самом деле существует не так много стилей интерьерного дизайна, которые сегодня актуальны: хай-тек, лофт, прованс или деревенский стиль, а также парочка других, еще менее известных. И, тем не менее, сегодня практически в каждом доме наличествует своя обстановка, которую в принципе нельзя перепутать с другими. Прошли те времена, когда в типовых квартирах стояли одинаковые мебельные гарнитуры и стенки, одни и те же люстры и светильники, часы и фарфоровые статуэтки.

Сегодня дизайн большинства квартир и частных домовладений стал более индивидуальным и причудливым, и, в первую очередь, это выражается в мелочах, предметах декора, которые практически не повторяются от интерьера к интерьеру благодаря своему широкому ассортименту. В основном сегодня прерогатива разработки и создания предметов интерьера и декора принадлежит китайским производителям, однако наряду с фабричным производством все более широкое распространение получают авторские сувениры ручной работы. Они обычно немного дороже по цене, но их необычность и эксклюзивность чаще всего «перевешивают» несомненные достоинства китайского декора.

 

Элементы декорирования ручной работы

Ручная работа обычно подразумевает уникальность, то есть двух одинаковых произведений декоративного искусства, даже если и делались они по одной технологии, просто не существует. Наглядно демонстрируют этот факт сувениры творческой мастерской, занимающейся изготовлением миниатюрной мебели ручной работы, раскрашенной по авторским эскизам.

Миниатюрная мебель для украшения домашнего интерьера

Не приходится сомневаться в том, что такой арт-объект может стать отличным украшением интерьера в стиле прованс или винтаж. Уместность данного сувенира в современном интерьере, разумеется, дело вкуса. Кому-то такие наивные рисунки и миниатюры могут показаться старомодными и уже не актуальными. Кто-то любит более брутальный стиль интерьера, в котором бы по максиму выражался его характер. Но и в этом случае совсем не обязательно окружать себя только дорогостоящими дизайнерскими вещицами. Особенно это проявляется в кухонном интерьере, где каждая хозяйка стремится создать максимальный уют.

Вот пример оформления полки над вытяжкой в стиле прованс с авторскими сувенирами: миниатюрным буфетом, набором разноцветных тыкв и уток. Такая композиция будет уместна практически в любом кухонном интерьере благодаря своей оригинальности и декоративности, что сочетается вместе не так уж часто.

Дизайнерская композиция с миниатюрным буфетом и мини-тыквами

 

Из чего складывается обстановка любой комнаты?

В первую очередь, это мебель, цвет и материал стен, освещение. На первый взгляд, обстановка каждого помещения вполне предсказуема и логична. Но в действительности именно небольшие, тонкие дизайнерские штрихи, к которым относятся подобранные произведения искусства и арт-объекты, формируют уникальность и неповторимость интерьера. Это совсем не означает, что каждая стена в вашем доме должна быть обвешена картинами, словно в галерее. Напротив, воспринимая стены комнаты как раму под произведения искусства, хозяева и дизайнеры часто перегружают свой интерьер. Даже один правильно подобранный арт-объект с нужными цветами и формами может полностью преобразить внешний вид помещения, а не только его украсить.

Пустив искусство в дом, Вы сможете сделать каждый его уголок сугубо индивидуальным. Ничто так не выразит Ваши вкусы и предпочтения как живопись или скульптура, которые Вы выбрали для украшения интерьера. Арт-объект может выступить в роли бессловесного заявление о том, как Вы себя воспринимаете и видите свое место в мире. Многие дизайнеры даже советуют сначала найти наиболее импонирующее Вам произведение искусства, а затем, вдохновляясь им, подобрать цвета и обстановку для всей комнаты. Этот метод позволяет подобрать цветовую палитру для помещения, а в некоторых случаях и определить весь его вид.

В то время как одни ценители прекрасного предпочитают развешивать по стенам минималистичные черно-белые фотографии, другие, напротив, хотят добавить интерьеру красок при помощи ярких, оригинальных арт-объектов. Если Вы являетесь поклонниками стилей винтаж и прованс, то разноцветные, проникнутые очарованием сельских мотивов дизайнерские стеллажи станут отличным решением для украшения интерьера.

Арт-объекты для интерьера в стиле прованс

Выбор предмета искусства, который по-настоящему отражает Вашу индивидуальность и показывает, кто Вы есть на самом деле и что любите, занимает намного больше усилий и времени, нежели поиск элемента декора, который наилучшим образом подойдет к цвету кресла. Но занятие по определению своей индивидуальности и поиску ее воплощения в арт-объекте обещает быть настолько увлекательным занятием, что в итоге может захватить Вас больше, чем сама переделка интерьера. Предмет искусства, который наилучшим образом выразит Ваши вкусы и предпочтения, который, в конце концов, найдется, может в значительной мере влиять на Ваше эмоциональное пространство и дизайн комнаты в принципе. При подборе элементов декора и искусства главное не переборщить и оставаться одновременно и тонким, и непринужденным, то есть независимым от общепринятых вкусов.

В отношении того, где можно разыскать подобные уникальные произведения искусства, советуем Вам не сужать область своего поиска до ближайших сувенирных лавок или магазинов подарков, так как в них Вас, скорее всего, будет ждать только новая партия китайских изделий. Если Вы предпочитаете живопись и рассматриваете картины как способ украшения интерьера, советуем Вам изучить различные галереи: большие и маленькие, прославленные и никому не известные. Также можно походить по антикварным и сувенирным магазинам, барахолкам и блошиным рынкам. Творческие мастерские известных и не очень художников и мастеров порой предлагают уникальные возможности для «культурного шопинга», так как в них по скромным ценам можно найти удивительные авторские сувениры ручной работы, многие из которых только что «вышли из-под пера» или кисточки мастера. Каких только сувениров и арт-объектов не увидишь в творческих мастерских, и вполне возможно, один из них станет тем самым произведением искусства, которого так не хватало Вашему интерьеру.

В творческой мастерской есть сувениры на любой вкус

Идеальные интерьерные предметы часто находятся в самых странных и неожиданных местах. Во время совершения покупки всегда держите под рукой фотографию комнаты, к которой Вы хотите докупить элементы декора. Вы, конечно, думаете, что прекрасно представляете себе пространство и внешний вид своей комнаты, но все же фотография Вам не помешает. Ведь упустив из виду какие-то детали, Вы можете купить дизайнерский предмет, который будет работать в интерьере совсем не так, как это представлялось в магазине.

 

Подходящее место в интерьере

Когда Вы, наконец, выбрали произведение искусства, которое наилучшим образом подходит, остается найти для него подходящее место в интерьере, чтобы арт-объект не затеряется в беспорядке обстановки с большим количеством других предметов искусства. Может получиться и наоборот, если в строгом классическом интерьере современный арт-объект ни с чем не будет гармонировать, а только «кичиться» своей дороговизной. Если пространство комнаты достаточно большое, в нем можно разместить несколько произведений искусства, и тогда не создастся эффекта перегруженности.

Начните с покупки одного крупного элемента декора и расположите его на центральном месте либо там, где Вы проводите много времени. Затем можно приобрести другие, дополняющие элементы декора в похожем стиле, которые вместе будут составлять собрание предметов искусства или коллекцию. Вообще, размещение коллекционных арт-объектов в пространстве интерьера – это актуальное сегодня направление дизайна. Коллекционные статуэтки, фигурки и другие элементы, как правило, ставят рядом, так как вместе они смотрятся эффектно.

Коллекционные арт-объекты – пример цветовых сочетаний и элементов декора

На иллюстрации мы видим пример мини-коллекции из деревянных ящичков, декоративных тыкв, уток. Такой композиционный арт-объект – красочный, яркий и немного наивный, отлично подойдет для «разбавления» классических интерьеров, которым как раз недостает дизайнерских акцентов.

Итак, как уже было отмечено, произведение искусства полное красок отлично подходит для спокойного интерьера темных тонов. Но причудливо раскрашенные авторские сувениры также будут уместны и в другой обстановке. Предметы декора в виде декоративных тыкв и миниатюрной мебели наполняют пространство яркими красками, прекрасно сочетаясь с посудой в русском стиле.

Красочные арт-объекты в кухонном интерьере

Это наглядный пример тех самых особенных элементов декора, которые коренным образом способны изменить внешний вид комнаты. Эти и другие арт-объекты в значительной мере определяют стилистику пространства и, конечно, выполняют свою главную функцию – украшают интерьер и повышают настроение. Произведения искусства ручной работы, созданные художниками и дизайнерами – это прекрасный способ сделать обстановку не такой скучной. Преображайте пространство вместе с арт-объектами и произведениями искусства, и Вы увидите, как они без значительных затрат изменят домашний интерьер к лучшему.

 

 

 

 

Что бы еще почитать?

8 советов, которые помогут вписать в квартиру искусство

Чтобы интерьер выглядел не скучным, нужно наполнить его особым настроением, созвучным вашей энергетике. «Случайные» картины или скульптуры в интерьере сразу видны, они не созвучны с остальным пространством и совершенно не подходят по темпераменту хозяевам. Как этого избежать? Не бойтесь проявлять свое «я» в интерьере, уходите от шаблонного декорирования и добавляйте предметы, которые нравятся и дороги именно вам. А как выбрать и вписать в интерьер подобный декор, рассказываем ниже.

1 Планируйте заранее

Лучше всего заранее спланировать, какие арт-объекты и где будут находиться в вашей квартире. Так вы сможете выстроить остальное пространство вокруг них наиболее выигрышным способом. Если вы задумались о деталях уже после окончания ремонта, придется ориентироваться как минимум на общую стилистику и палитру.

2 Начните с малого

Не уверены, что арт-объекты — это ваше? Попробуйте начать с бюджетных аналогов, которые легко заменить при необходимости. Не обязательно покупать копии, можно сымитировать настроение. Например, если вы задумали украсить стену абстрактной живописью, но не уверены, подойдет ли она вам и вашему интерьеру, начните, например, с текстиля. Чтобы уловить и почувствовать настроение, купите диванные подушки в той же стилистике. Да, это не одно и то же, но поможет вам присмотреться, и при этом вы сохраните бюджет.

3 Не гонитесь за ценой

Оставьте экспозиции музеям. В жилом пространстве обилие дорогого искусства выглядит помпезно. Дом — это прежде всего пространство для жизни, в нем должно быть удобно. А накопление дорогих арт-объектов превращает интерьер в лучшем случае в подобие музея, а в худшем — в склад.

4 Не воспринимайте арт-объект только как декор

Арт-объекты в интерьере несут большую энергетику, чем обычный декор, поэтому их важно включать в общую концепция пространства. Это касается любых предметов искусства: картин, скульптур, графики, фотографий.

5 Ориентируйтесь на собственные ощущения

Ваш главный цензор в вопросах искусства — вы сами. Добавляйте в интерьер то, что нравится лично вам, предметы, с которыми вы чувствуете эмоциональную связь. Помните, что вы оформляете пространство для себя, оглядываться на мнение и оценку окружающих, даже если они знатоки искусства, стоит далеко не всегда. Картина, которую подобрали в тон обоям, никогда не станет семейной реликвией. Претендовать на это место может лишь объект, с которым у владельца мощная энергетическая связь.

6 Учитывайте общую стилистику пространства

Даже самая красивая и дорогая картина или скульптура должна вписываться в общую стилистику интерьера. Иначе это будет выглядеть странно, и красоты вашему дому точно не добавит. Хорошо сочетаются классическая мебель и современное искусство, сдержанность и раскрепощенность подчеркивают эстетичность друг друга, делая интерьер наполненным.

7 Узнайте арт-объект поближе

Перед покупкой обязательно изучите историю создания предмета искусства. Возможно, та идея, которую вложил в свое произведение автор, совершенно непохожа на ту, что вкладываете вы.  Более того, контекст, стоящий за произведением искусства, может вам категорически не подойти. Лучше узнать обо всех тонкостях заранее, чем разочароваться в предмете после покупки.

8 Не пренебрегайте ретро

Ретро в современном интерьере — это актуальный тренд. Даже то, что еще 10-20 лет назад считалось старьем, сегодня обретает статус винтажа. А если говорить о более «возрастных» предметах, например, середины и начала прошлого века, то эти вещи сегодня требуют пристальной охоты. А это придает им особую ценность.

Дизайн интерьера | Britannica

Принципы дизайна интерьера

Важно подчеркнуть, что дизайн интерьера — это специализированная отрасль архитектуры или дизайна окружающей среды; не менее важно иметь в виду, что ни одна специализированная отрасль в какой-либо области не будет иметь большого значения, если ее практиковать вне контекста. Лучшие здания и лучшие интерьеры — это те, в которых нет очевидного несоответствия между множеством элементов, составляющих единое целое. Среди этих элементов — структурные аспекты здания, планирование участка, ландшафтный дизайн, мебель и архитектурная графика (знаки), а также детали интерьера.Действительно, есть много примеров выдающихся зданий и интерьеров, которые были созданы и согласованы одной руководящей рукой.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Из-за технологической сложности современного планирования и строительства отдельный архитектор или дизайнер уже не может быть экспертом во всех аспектах, составляющих современное здание. Однако важно, чтобы многие специалисты, составляющие команду, могли общаться друг с другом и обладали достаточными базовыми знаниями для достижения своих общих целей.В то время как архитектор обычно занимается общим дизайном зданий, дизайнер интерьеров занимается более масштабными аспектами дизайна, конкретными эстетическими, функциональными и психологическими вопросами, а также индивидуальным характером пространств.

Хотя дизайн интерьера все еще развивается, без четкого определения ее границ, эту область можно рассматривать в терминах двух основных категорий: жилые и нежилые. Последнее часто называют контрактным дизайном из-за способа, которым дизайнер получает свою компенсацию ( т.е., договорное вознаграждение), в отличие от комиссионных или процентных ставок, преобладающих среди декораторов жилых интерьеров. Несмотря на то, что объем деловой активности в области жилых интерьеров продолжает расти, потребность в профессиональном дизайнере становится все меньше и меньше проблем, в результате чего все больше и больше квалифицированных специалистов привлекаются к нежилым работам.

В области дизайна интерьеров уже есть ряд специализированных направлений.Одной из новых областей является «планирование пространства» — , то есть , анализ потребностей в пространстве, распределения пространства и взаимосвязи функций внутри коммерческих фирм. Помимо этих предварительных соображений, такие дизайнерские фирмы обычно являются специалистами по офисному дизайну.

Многие дизайнерские фирмы специализируются в таких областях, как дизайн отелей, магазинов, промышленных парков или торговых центров. Другие работают в основном над крупными проектами колледжей или школ, а третьи могут быть специалистами по проектированию больниц, клиник и домов престарелых.Дизайнерские фирмы, занимающиеся нежилыми работами, варьируются от небольших групп сотрудников до организаций, насчитывающих от 50 до 100 сотрудников. Большинство крупных фирм включают архитекторов, промышленных дизайнеров и графических дизайнеров. Напротив, дизайнеры интерьеров, которые берут на себя жилищные заказы, скорее всего, будут работать индивидуально или, возможно, с двумя или тремя помощниками. Размер фирм, занимающихся проектированием нежилых зданий, ясно указывает на относительную сложность больших комиссионных. Дизайн жилых домов не только менее сложен, но и представляет собой другой вид деятельности.Жилой интерьер обычно является очень личным заявлением как для владельца, так и для дизайнера, каждый из которых участвует во всех аспектах дизайна; Вряд ли клиент, желающий воспользоваться услугами дизайнера интерьера для своего дома, будет доволен организованным системным подходом.

Большинство крупных архитектурных фирм открыли свои собственные отделы дизайна интерьера, а более мелкие фирмы имеют по крайней мере одного специалиста в этой области. Нет четких границ ни для профессии дизайнера интерьеров, ни, собственно, ни для одной из дизайнерских профессий.Например, дизайном мебели занимаются промышленные дизайнеры и дизайнеры мебели, а также архитекторы и дизайнеры интерьеров. Как правило, мебель, предназначенную для массового производства, проектируют промышленные дизайнеры или дизайнеры мебели; дизайнер интерьера или архитектор обычно проектирует те специальные предметы, которые не доступны на рынке или которые должны отвечать конкретным потребностям для конкретной работы. Эти потребности могут быть функциональными или эстетическими, и часто специальный стул или стол, предназначенный для конкретной работы, оказывается настолько успешным, что производитель включит такие предметы в свою обычную линию.Та же самая основная ситуация наблюдается в дизайне тканей, осветительных приборов, напольных покрытий и всех предметов интерьера. Все виды деятельности по дизайну в основном схожи, даже несмотря на то, что обучение и образование в разных областях дизайна различаются по акцентам. Талантливый и хорошо обученный дизайнер может легко перейти из одной специализированной области в другую без особых трудностей.

При обсуждении общих аспектов дизайна важно отметить, что существует важное различие между искусством и дизайном.Дизайнер в основном озабочен решением проблем (функциональных, эстетических или психологических), которые ему предъявляются. Художника больше интересуют эмоциональные или выразительные идеи и решение проблем, которые он ставит сам. По-настоящему великолепный или красивый интерьер действительно можно назвать произведением искусства, но некоторые предпочли бы назвать такой интерьер «великолепным дизайном».

Значение искусства в интерьере | The Independent

Эксперты индустрии искусства говорят, что эпоха живописи на миллиард долларов неизбежна, отслеживая возрождение искусства до его некогда почитаемого статуса.Оживленный арт-рынок не показывает никаких признаков замедления, прогноз отразился в недавней продаже Леонардо да Винчи Salvator Mundi Лувру Абу-Даби за рекордную сумму в 450,3 миллиона долларов (340 миллионов фунтов стерлингов).

Основатель онлайн-базы данных Artprice Тьерри Эрманн ожидает «устойчивого и устойчивого роста» отрасли на международном уровне. В одной только Великобритании рынок искусства внес в экономику 1,46 млрд фунтов стерлингов в 2016 году — сравнительно небольшую цифру, если учесть чистую стоимость его продаж, которая составила 9 фунтов стерлингов.2млн.

Но как это отразится на потребителе; домовладелец с коллекцией произведений искусства, состоящей из унаследованных картин, одного или двух произведений, сделанных по заказу, и набора украшенных блестками рамок для макарон ручной работы? Хотя очень немногие из нас будут работать с бюджетом, аналогичным бюджету покупателя произведений искусства для Лувра Абу-Даби, мы все же хотим вкладывать свои деньги с умом в произведения, которые нам нравятся.

Эндрю Мартин представил коллекцию произведений искусства для дополнения своей коллекции интерьеров (Эндрю Мартин)

(Стул Эндрю Мартина Скля)

Искусство быстро становится важным компонентом современного дома, и влиятельные лица и дизайнеры интерьера поют похвалы галерейным стенам и тому подобное.Если вы поговорите практически с любым дизайнером интерьеров о важности искусства в доме, вы встретите оглушительный, взволнованный шквал вдохновения, который он дает, то, как оно поднимает пространство, или радость, которую приносит поиск работ из разных источников. вокруг света.

Однако это еще не все, что касается смешения художественной и интерьерной отраслей. Для домовладельцев, дизайнеров интерьеров и продуктов искусство имеет первостепенное значение, мощь и первостепенное значение.

Бренды домов и интерьеров также поддерживают стремление потребителей наполнить свои дома произведениями искусства, тесно сотрудничая с художниками и галереями в рамках сотрудничества или берут его в свои руки для создания брендовых произведений искусства.Например, Эндрю Мартин представил коллекцию эксклюзивных произведений искусства в дополнение к своему обширному архиву мебели, подушек и предметов искусства (все это можно легко найти в выставочном зале на Уолтон-стрит).

«Ничего не закончится без искусства. Это то, что оформляет пространство »(Эндрю Мартин)

(Художественная работа Эндрю Мартина Ириса)

Коллекция включает серию трехмерных, похожих на диорамы произведений искусства, представленных в рамках. Сложные работы переосмысливают сущность повседневных предметов, группируя и искажая их, чтобы создать привлекательные текстурные произведения, которые добавляют ощущение осязания к схеме интерьера.

О новой коллекции Мартин Уоллер, основатель Andrew Martin, говорит: «Ничто не закончится без искусства. Это то, что оформляет пространство «.

Идея художественного оформления пространства подразумевает, что вы можете основывать дизайн всей комнаты на произведении искусства, от цветов до тканей и отделки, которые вы укажете.

Потребители на каждом конце финансовой шкалы стали кураторами (Эндрю Мартин)

(Сервант Эндрю Мартина Этта)

Godrich Interiors — лондонская студия дизайна интерьеров, во всех своих проектах уделяющая большое внимание художеству.Соучредитель и креативный директор Эд Годрич считает, что искусство жизненно важно для создания схемы. «Искусство всегда является нашей отправной точкой при проектировании интерьера, поэтому оно очень личное», — говорит он.

Похоже, то же самое и с продуктовыми дизайнерами. Искусство не всегда нужно отображать в рамке, на холсте или на каменном постаменте. Команда дизайнеров Sheridan Australia взяла на себя задачу создать прекрасные коллекции постельного белья, вдохновленные работами местных художников.

«Дизайн наших коллекций создается как произведения искусства — это не искусственный текстиль, а настоящее искусство на кровати», — говорит Джоанна Росс, генеральный менеджер по дизайну Sheridan.

Искусство и интерьер неразрывно связаны для дизайнеров и домовладельцев (Эндрю Мартин)

(Turnball Chair, Diego Storm)

Для каждой сезонной коллекции Шеридан отправляет команду художников в район выдающейся природной красоты в Австралии для рисования и рисования. рисовать из дикой природы и ландшафта.Создавая коллекцию SS18, команда художников путешествовала по Южной Австралии, от древних хребтов Флиндерс до тропических пиков горы Гамбье, чтобы черпать вдохновение для создания легкого, воздушного и живописного образа.

Наброски и нарисованные дизайны оцифровываются в Сиднейской дизайн-студии и печатаются на белье для продажи в Великобритании и Австралии.

Искусство и интерьер неразрывно связаны сложными эстетическими и эмоциональными аспектами для дизайнеров и домовладельцев. Акцент на искусство (и его ценность) в новых проектах и ​​выпусках новых продуктов очевиден.От неизбежного ценника в миллиард долларов на следующем произведении Да Винчи, Пикассо или Херста, выставленного на аукцион, до недавнего добавления доступных коллекций произведений искусства в такие магазины, как Оливер Бонас, потребители на всех концах финансовой шкалы, стали кураторами. .

17 различных видов искусства для вашего дома

Независимо от размера или типа дома, в котором мы живем, искусству всегда должно быть место в нашем доме, поэтому откройте для себя различные виды искусства, которые могут придать интерьеру вашего дома нотку классности.

Найдите минутку и подумайте обо всех местах, которые вы посетили. А теперь подумайте об этих местах без искусства. Были бы они такими же? Конечно, нет! Без искусства жизнь была бы удручающе скучной.

Искусство использовалось как средство самовыражения с древних времен. Вы помните, как читали о рисунках и картинах, обнаруженных в пещерах? Люди используют искусство для самовыражения с тех пор, как древний человек впервые узнал, что он может использовать различные вещества для обозначения деревьев и стен пещер.

Искусство говорит за человека без слов. Вы можете сказать, что нравится человеку, просто посмотрев на искусство, которое он выставил у себя дома. Например, если у кого-то на стенах дома висит искусство, связанное со спортом, он, скорее всего, будет любителем спорта. Точно так же, если у человека есть много живописных изображений на стенах своего дома, он, скорее всего, любит природу. Они вам это сказали? Нет, их художественная выставка сделала! В этом сила искусства в доме.

Искусство не только определяет людей, но и играет важную роль в оформлении помещения. Он может служить центром внимания вашего дома. Под фокусом мы подразумеваем точку, которая автоматически привлекает ваше внимание и фокус, когда вы входите в комнату. Сила искусства привлекает людей к себе.

Еще одна причина, по которой вы должны включить искусство в свой дом, заключается в том, что оно может добавить цвета в скучный декор. Какой бы модной ни была ваша мебель, до тех пор, пока у вас белые стены, декор будет выглядеть скучно.

Итак, прежде чем вы пойдете и купите первое увиденное вами произведение искусства, вам нужно кое-что знать об искусстве. Во-первых, это разные виды искусства, о которых мы поговорим ниже. Во-вторых, речь идет не только о покупке произведений искусства, которые «красиво выглядят». Есть определенные соображения, которые необходимо сделать. Давайте посмотрим на некоторые из них.

Как выбрать искусство для дома

Правильное произведение искусства может оживить ваш дом, в то время как неправильный выбор может отпугнуть.Упомянутые ниже советы будут большим подспорьем, когда вы планируете приобрести произведения искусства для своего дома.

Рассмотреть шкалу

Размер произведения искусства играет важную роль как в создании, так и в нарушении декора комнаты. Если у вас есть огромная белая стена, стоящая ровно, то крохотное произведение искусства не подойдет. С другой стороны, слишком большие произведения искусства могут затмить все остальное в комнате. Всегда учитывайте масштаб, когда решаете купить произведение искусства для любой комнаты в доме.Если вы не уверены в размере, попробуйте купить картины стандартного размера.

Следуй своему инстинкту

Искусство — это личный выбор, и любое произведение искусства, которое вы вешаете у себя дома, — это то, на что вам придется смотреть каждый день. Следовательно, вам должно нравиться то, что вы покупаете! Покупайте произведения искусства, с которыми у вас крепкая связь.

Купить что-нибудь в черно-белом

Прелесть черно-белого искусства в том, что оно может дополнить любую комнату и любую цветовую гамму.Независимо от того, где в вашем доме вы разместите черно-белые произведения искусства, они обязательно добавят элегантности и изысканности этой конкретной комнате.

Найдите любимого художника

Ваш любимый художник не обязательно должен быть кем-то столь же известным, как Пикассо или Винсент Ван Гог. Это может быть кто угодно, даже художник, нарисовавший ваш любимый стрит-арт. Найдите их, купите их произведения искусства и повесьте их работы у себя дома.

Попробовать смешать и подобрать

Вам не обязательно сочетать современное искусство с современным интерьером или традиционное искусство с традиционным интерьером.Смешивание и сочетание — отличный способ оживить интерьер. Вы можете смешивать современное с античным, традиционное с современным — варианты бесконечны.

Жирным шрифтом

Если вы выбираете смелое произведение искусства, убедитесь, что другие предметы декора в комнате имеют минималистский тон. Слишком много смелости везде может сделать интерьер перегруженным и задыхающимся. Искусство, которое вы планируете добавить в свое жилое пространство, должно соответствовать цветовой палитре, чтобы хорошо с ней сочетаться.Вы всегда должны стараться сохранять баланс, чтобы интерьер оставался теплым и гостеприимным.

Виды искусства

Прежде чем переходить к видам искусства для вашего дома, вам необходимо знать о различных категориях, к которым относится искусство. Давай посмотрим на них.

Изобразительное искусство

Изобразительное искусство — это вид искусства, который известен своей красотой и эстетической ценностью, а не своей функциональной ценностью, которая отличает его от прикладного искусства и декоративного искусства.К этому виду искусства относятся картины, рисунки, гравюры и скульптуры. Изобразительное искусство — это широкий зонтик, который охватывает множество различных видов искусства под своей тенью.

Изобразительное искусство

Изобразительное искусство включает все виды произведений искусства, оказывающих визуальное воздействие, включая керамику, скульптуры, ремесла, фотографию, живопись, рисунок, создание фильмов и архитектуру. Прикладные искусства, такие как графический дизайн, промышленный дизайн, дизайн интерьера, дизайн одежды и декоративное искусство, также могут быть включены в изобразительное искусство.

Пластик Арт.

Пластическое искусство включает трехмерное искусство, в том числе скульптуры и керамику. Он состоит из любого искусства, которое включает в себя лепку, лепку и резьбу.

Декоративно-прикладное искусство

Это вид искусства, который включает в себя дизайн и украшение функциональных предметов и не всегда обладает внутренними эстетическими качествами. Термин декоративное искусство часто используется как синоним ремесла.Более того, это большая категория прикладного искусства.

Прикладное искусство

Прикладное искусство предполагает нанесение художественного рисунка на предметы повседневного обихода. Это очень не похоже на изобразительное искусство, которое не имеет никакой функции, кроме как создавать эстетически приятные предметы. Прикладное искусство обычно делает функциональные предметы красивыми, творчески создавая их. Такие предметы создаются с учетом эстетики и функциональности.

Виды искусства для вашего дома

Когда дело доходит до украшения вашего дома, оно должно быть функциональным и эстетичным.Наиболее распространенные виды произведений искусства, которые можно увидеть в домах, включают картины и скульптуры, причем картины являются наиболее распространенным типом произведений искусства, которые вы видите в домах.

Коллекция произведений искусства для каждой комнаты индивидуальна. Художественное оформление гостиных должно создавать гостеприимную и уютную атмосферу, рисунки в спальнях должны отражать ваши личные интересы, рисунки для обеденных зон должны быть немного сдержанными и формальными, а рисунки для кухни, ванной комнаты, детских комнат и коридоров должны быть хорошо согласованным с назначением комнаты.

Вы не хотите демонстрировать необычные картины на стенах в комнате, где вы принимаете официальных гостей, а также не хотели бы выставлять официальные произведения искусства в своей ванной комнате.

Каждая часть дома должна быть оформлена с одинаковым вниманием и любовью, потому что ваш дом — это ваше личное пространство, которое должно отражать ваш стиль.

Есть несколько видов искусства для вашего дома, которые всегда будут популярны. Мы перечислили их, чтобы вы могли немного упростить подбор произведений искусства для вашего дома.

1. Абстрактное искусство

Абстрактное искусство существует уже более 100 лет. Вы можете любить это, ненавидеть это или тратить много времени, пытаясь расшифровать то, что он пытается вам сказать. В буквальном смысле абстрактное искусство означает дистанцировать идею от любых объективных референтов.

Чтобы помочь вам лучше понять абстрактное искусство, давайте посмотрим на него с другой стороны. В изобразительном искусстве искусство включает в себя визуальное представление идей с использованием легко понятных ссылок.Однако в абстрактном искусстве визуализация не предполагает объективных ориентиров, которые можно сразу понять.

Причина, по которой абстрактное искусство так популярно в домах, заключается в его способности вызывать любопытство и стимулировать воображение.

С помощью абстрактного искусства вы можете выразить различные настроения. Различные произведения абстрактного искусства оказывают разное влияние — они могут растворяться в окружении или становиться центром внимания с помощью ярких цветов. Независимо от того, оформляли ли вы свой дом в деревенском, современном, традиционном или любом другом стиле, абстрактное искусство прекрасно сочетается с ним, делая абстрактное искусство одним из самых популярных видов искусства для вашего дома.

2. Современное искусство

Современное искусство восходит к середине 18 века, когда происходили быстрые изменения и развитие технологий, производства и транспорта. Благодаря различным технологическим разработкам искусство претерпело революцию и отошло от традиционных стилей и техник, породив новый вид искусства — современное искусство.

Современное искусство — один из наиболее часто используемых видов искусства в доме сегодня, так как он чрезвычайно увлекателен.Современное искусство довольно сложно определить, поскольку это не совсем художественный стиль, а период времени (1860–1970-е годы).

Современное искусство включает в себя широкий спектр ярких цветов, форм и линий и применяет свежий взгляд на почти все аспекты существования. Благодаря смелому дизайну и цветовой гамме он оживляет любой интерьер. Если у вас простой интерьер с глухими стенами, лучшее, что вы можете сделать, — это работы с произведениями современного искусства. Современное искусство привлекает внимание и поднимает настроение всему помещению!

3. Поп-арт Щелкните изображение для получения дополнительной информации

Поп-арт использует образы средств массовой информации, таких как кинозвезд, реклама, новости, комиксы и популярная культура. Он возник после Первой мировой войны. Поп-арт с картинами и скульптурами медиа-звезд и культурных объектов стер грань между высоким искусством и низкой культурой. Это следует из концепции отсутствия иерархии в культуре. Также существует идея о том, что искусство можно заимствовать из любого источника, что является одной из самых ярких характеристик этого вида искусства.

Люди всех возрастных групп любят поп-арт. Он делает декор любой комнаты ярким, будь то спальня вашего ребенка, мужская пещера, женский уголок или гостиная. Поп-арт может говорить на языке, понятном всем поколениям. Благодаря сочетанию ярких цветов и реалистичной визуализации, поп-арт обязательно станет изюминкой любой комнаты.

Поп-арт очень универсален, поэтому его можно включить в любую комнату дома. Его универсальность, привлекательность и влияние делают его одним из самых любимых видов искусства, которое люди добавляют в свои дома.

Поп-арт отлично смотрится в гостиных и спальнях, где вы хотите, чтобы атмосфера была гостеприимной, уютной и комфортной. Он оживляет любую комнату, что делает ее идеальным видом искусства для любого жилого помещения, где собирается семья, чтобы посмеяться.

4. Кубизм

Кубизм — направление в искусстве, зародившееся в начале 20 века. Это одно из самых влиятельных художественных течений всех времен, которое продолжает оставаться источником вдохновения для художников даже сегодня.Это был поворотный момент в эволюции современного искусства. Это открыло дорогу чистому абстрактному искусству. Будущие движения, такие как дадаизм, футуризм, сюрреализм и конструктивизм, были вдохновлены кубизмом.

В искусстве кубизма предмет изображения обычно различим. Он не включает связь с природой. Кубизм не использует традиционные техники и подчеркивает двумерный дизайн. Объекты, нарисованные в этом стиле, обычно сводятся к геометрическим формам, а затем перестраиваются на небольшом пространстве.

Картины в стиле кубизм — это поиски понимания и подчеркивание того факта, что мир не такой, каким кажется. Об этом свидетельствует тот факт, что картины кубизма включают в себя один объект, который показан под разными углами. Вот почему в этом виде искусства так много жизни и столько красок, что он может стать очень популярным видом искусства для вашего дома.

Искусство кубизма хорошо сочетается с формальными помещениями, которые могут быть столовыми или кабинетами. Поскольку искусство кубизма состоит из сдержанных и сложных оттенков одного цвета (обычно серого и коричневого), они придают любому жилому пространству упрощенный, минималистский и очень изысканный вид.

5. Современное искусство Щелкните изображение для получения дополнительной информации

Как мы упоминали ранее, современное искусство — это скорее временной период, чем художественный стиль. Точно так же современное искусство можно рассматривать как искусство сегодняшнего дня. Сегодня мы имеем в виду искусство, созданное при нашей жизни.

Это стиль настоящего, который постоянно меняется, и не будет ошибкой сказать, что современное искусство является важным «созданием нового искусства».«Некоторые художники говорят, что искусство, созданное за последние два-десять лет, можно рассматривать как современное искусство.

Термин «современное искусство» довольно часто используется как синоним современного искусства. Как бы мы ни думали, что термин «современный» означает «вещь», на самом деле он относится к периоду времени с 19 века до 1960-х годов.

Современное искусство — это новаторские и свежие работы, в которых используются передовые медиа и новые технологии. Это причина того, почему современное искусство бросает вызов нашему интеллекту и чувствам.

То, что делает современное искусство таким популярным, — это высокая вероятность того, что вы найдете что-то по своему вкусу, когда будете искать произведение искусства для своего дома. Разнообразие, которое охватывает этот вид искусства, делает его сегодня таким популярным видом искусства для дома.

Если повесить произведение современного искусства в гостиной, это обязательно станет центром внимания. Даже если интерьер вашего жилого помещения прост, одно произведение современного искусства на простой стене может поднять уровень декора вашего дома.

6. Искусство импрессионизма

Искусство импрессионизма было совершенно новой концепцией. Он развился как формальная практика искусства в Париже в 1860-х годах, а затем распространился по США и Европе. Большинство художников того времени использовали для рисования в студиях мифологические, исторические и аллегорические сцены. С другой стороны, импрессионизм был сосредоточен на том, чтобы запечатлеть впечатление конкретного мгновения.

Искусство импрессионизма создавалось не в студии, а на улицах, где художники запечатлели преходящие и мгновенные эффекты солнечного света на их предмет.Обстановка под открытым небом, над которой работали эти художники, привела к созданию произведений искусства с большим эффектом цвета и света. Это искусство создавалось на глазах у испытуемых, запечатлевая их в тот самый момент.

С помощью мазков кисти искусство импрессионизма способно передать истинную суть предмета. Он рассказывает историю о предмете, опираясь на реалистичные изображения. Прикосновение к реальности делает этот вид искусства чрезвычайно популярным. Люди действительно могут понять сообщение, которое картина пытается передать, и именно по этой причине любители искусства обязательно имеют этот вид искусства в своих домах.

Искусство импрессионизма прекрасно смотрится на стенах гостиных или более формальных гостиных. Он обязательно привлечет внимание ваших гостей из-за прикосновения к реальности и потока эмоций, которые обычно несут эти картины.

7. Искусство сюрреализма

Искусство сюрреализма — это форма выражения, которая явно превосходит реализм. Цель сюрреализма — освободить язык, мысль и человеческий опыт от границ рационализма.Искусство сюрреализма — это все, чтобы дать волю воображению. Многие люди называют этот вид искусства странной формой искусства, поскольку оно превосходит реальность и создает искусство, выходящее за рамки практичности.

Искусство сюрреализма не так распространено, как другие виды искусства, но по-прежнему остается одним из самых любимых видов искусства. Благодаря ярким цветам и забавному изображению нереалистичных изображений из него получаются отличные настенные рисунки для гостиных. Искусство сюрреализма также можно увидеть в офисных помещениях, где сотрудников поощряют раскрывать свой творческий потенциал!

8. Фэнтези Арт

Искусство фэнтези уходит корнями в фольклор, мифологию и религию со всего мира. Это средство передачи тайн и невидимых сил жизни. История этого вида искусства восходит к китайскому фольклору, греческой мифологии, африканскому вуду, различным культурным традициям и магии. Это стало общепринятым видом искусства в 20 веке.

Если говорить о популярности фэнтези-арта сегодня, кто не любит фантазии? Кому не нравятся истории, в которых есть волшебники, феи, супергерои, демоны и тому подобное? Из-за нашего интереса к фэнтези и фантастике искусство фэнтези продолжает оставаться популярным видом искусства, которое сегодня можно увидеть в домах.Фэнтези-арт с разными персонажами довольно часто можно увидеть на стенах детских спален. Кроме того, искусство фэнтези можно увидеть висящим и в других комнатах дома.

Конечно, в искусстве фэнтези должны быть не только феи и демоны; все, о чем можно фантазировать, можно включить в искусство фэнтези.

9. Искусство граффити

Искусство граффити более известно как уличное искусство. Это форма свободного искусства, которую вы часто видите в общественных местах, таких как здания и общественный транспорт.Это было после 1960-х годов, когда возникло повальное увлечение украшением окружающей среды с помощью маркеров и аэрозольных красок. Он возник в Филадельфии и Нью-Йорке, и он прочно связан с хип-хоп культурой.

Впервые он был использован как средство выражения разочарования в жизни. Обычно использовались аэрозольные краски, маркеры, трафареты и акрил. В качестве полотен использовались все типы поверхностей, в том числе рекламные щиты, стены общественных зданий, метро и везде, где было видно пустое пространство. Сегодня искусство граффити считается вандализмом в большинстве стран.Однако вы всегда можете позволить своим эмоциям течь на холсте, какими бы сильными они ни были.

Граффити обычно очень красочное и привлекательное. Он притягивает зрителя ближе. Именно по этой причине искусство граффити можно увидеть висящим на холстах во многих домах. Наличие этого искусства в вашем доме — отличный способ украсить интерьер вашего жилого помещения. Цвета, присутствующие в граффити, делают любой интерьер более живым, а также делают комнаты веселыми и гостеприимными.

10. Каллиграфия

Каллиграфия — это вид искусства, в котором красивые символы создаются и расставляются вручную. Это набор техник и навыков, которые необходимы для позиционирования и написания слов таким образом, чтобы они отображали целостность, ритм, гармонию и какую-то родословную.

Впервые было замечено в китайском искусстве. Это вид изобразительного искусства, для которого характерно стилизованное письмо. Слова оформлены в выразительные образы настолько красиво, что выглядят почти как рисунок.Каллиграфия — это не просто красивый почерк. На самом деле, это намного больше. Требуются десятилетия обучения и практики, чтобы стать в ней в первую очередь.

Искусство каллиграфии более широко практикуется на Дальнем Востоке исламскими художниками. В Китае это считается высшим видом искусства. Искусство каллиграфии сложное, тонкое и необычайно элегантное. Это добавляет красоты обычной стене.

Искусство каллиграфии не предполагает смелого смешения цветов. Он довольно тонкий и простой и отлично сочетается с интерьерами, которые нужно сохранять изысканными.Они представляют собой более формальный вид искусства и поэтому не очень распространены в домашних условиях.

11. Мозаика

Мозаичное искусство — невероятный вид искусства, очень популярный среди домовладельцев. Мозаичное искусство состоит из множества крошечных кусочков цветной плитки. Результаты, которые вы получаете от мозаичного искусства, потрясающе красивы.

Существует множество способов добавить мозаику в свой дом .Вы можете сделать мозаичную стену или сделать мозаичные декоративные элементы. Включение искусства в дом — это не только искусство стен. Искусство может принимать любую форму, будь то стены, мебель или другие аксессуары, которые есть у вас дома.

Вы можете разместить на лестнице мозаичные горшки или даже сделать мозаичную табличку с именем. Мозаичное искусство очень универсально, и нет предела тому, что вы можете сделать, когда имеете дело с этим видом искусства. Вы можете использовать его как хотите!

Мозаика добавит красивых красок в любой интерьер.Если у вас довольно скучный интерьер, добавление мозаики мгновенно преобразит весь образ, и мы можем заверить вас в одном — вам это понравится!

12. Искусство скульптуры Щелкните изображение для получения дополнительной информации

Как упоминалось ранее, искусство, которое вы выбираете для своего дома, не обязательно должно ограничиваться картинами или настенными рисунками. Искусство — это очень личный выбор, и вы можете принять любую форму, которая вам нравится. Вы можете выбрать любой тип настенного искусства из бесконечного множества, или вы можете выбрать трехмерное искусство, которое занимает часть площади пола.Все сводится к вашему личному выбору и доступному пространству, которое у вас есть.

Искусство скульптуры — довольно необычный вид искусства, который не часто встречается в большинстве домов. Поскольку он приходится на дорогую сторону, не каждый может себе это позволить. Однако скульптура — один из самых сильных и мощных видов искусства, которое вы можете добавить в свой дом.

Благодаря скульптуре интерьер выглядит роскошно. Если вы хотите украсить свой дом, чтобы он выглядел модно, утонченно и стильно, мы рекомендуем вам использовать скульптуру в какой-либо форме.Скульптура в вашем доме обязательно привлечет внимание посетителей!

13. Витраж арт

Витражи обычно используются в старых зданиях и церквях, но это не единственные места, где можно использовать витражи. Витражи — это чрезвычайно универсальный вид искусства, который можно использовать в любом стиле и дополнять любой тип проема или окна.

Будь то окно в гостиной, кухне или ванной, установка витражей вместо обычного стекла автоматически повысит эстетическую привлекательность этой комнаты.Если вы думаете, что окна — единственные проемы, в которых можно использовать витражи, вы ошибаетесь. Можно даже использовать витражи для потолков. Когда солнечный свет падает на это стекло, цветное стекло создает завораживающий вид.

Витражи арт — один из самых красивых и привлекательных видов искусства, которые вы можете добавить в свой дом. Витражи доступны во множестве дизайнов и цветов, поэтому вы обязательно найдете что-то, что подойдет к вашему интерьеру. Даже если вы этого не сделаете, вы можете подготовить индивидуальные витражи.Когда дело доходит до этого вида искусства, действительно нет недостатка в вариантах.

14. Искусство аборигенов Щелкните изображение для получения дополнительной информации

Искусство аборигенов возникло в Австралии и датируется 40 000–60 000 лет назад. Первоначально это было сделано на камнях, земле и телах, но сегодня искусство аборигенов доступно на полотнах.

Искусство аборигенов использовалось для передачи историй. У аборигенов не было языка, и поэтому они использовали символы и рисунки для передачи своих сообщений, что сегодня стало очень популярным видом искусства.В этом виде искусства обычно используются цвета земли и моря, такие как зеленый, черный, апельсин, коричневый, желтый, синий и белый, но искусство аборигенов не ограничивается только этими цветами. Также довольно часто используются яркие и флуоресцентные цвета. Самый известный вид искусства аборигенов — это точечная роспись.

Искусство аборигенов — довольно эффектный вид искусства. Если у вас простой и незамысловатый интерьер, и вы хотите оживить его, добавьте искусство аборигенов на одну из стен.Он отлично подходит для гостиных и прихожих.

15. Искусство Африки

Африканское искусство практикуется на самых разных материалах, включая предметы повседневного обихода, ткани и скульптуры. Только в 20 веке африканское искусство фактически считалось видом искусства в Европе.

Этот примитивный вид искусства очень увлекателен. Когда вы смотрите на любое произведение африканского искусства, будь то картина или предмет повседневного обихода, вы почувствуете, как искусство передает историю.Эстетика африканского искусства привлекает внимание, и нельзя не восхищаться результатами этого вида искусства.

Если вы планируете переделать интерьер своего дома и хотите, чтобы старая комната выглядела свежей и новой, африканское искусство действительно может иметь значение. Африканское искусство придает богатый вид своей неповторимой сущностью. Будь то гостиная, кухня или спальня, вы можете использовать африканские произведения искусства различными способами, чтобы придать дому неповторимость.

Не только картины, но и африканское искусство можно найти в форме скульптур.Скульптуры создают невероятные угловые элементы в гостиной. Африканские маски также можно использовать по-разному. Вы можете разместить их в серии или расположить так, чтобы придать вашему интерьеру особый вид.

Картины, изображающие африканское искусство, можно выставлять в гостиных, спальнях и даже коридорах. Как мы уже говорили, существует множество способов использования африканского искусства в домашних условиях, и вам обязательно понравится каждый из них.

16. Японское искусство

В японском искусстве все, что спроектировано и создано, считается произведением искусства.Не делается различий между скульптурой, изобразительным искусством живописи и декоративным искусством. Наиболее распространенные произведения искусства в японском искусстве включают текстиль, гравюры на дереве, лак и керамику. Японское искусство рождает эстетичные интерьеры.

Японское искусство на холстах создает прекрасные произведения, которые могут вызвать трепет. Женщинам нравятся принты сакуры и женственность гейш, а мужчинам нравятся древние принты войны и сила воина.

Японское искусство отлично подходит для декора мужской пещеры или дизайна женского уголка.Японское искусство мягкое, безмятежное и упрощенное, оно добавляет элегантности и неповторимости любому интерьеру.

17. Искусство Китая

Китайское искусство включает в себя многочисленные формы визуального искусства, включая резьбу по нефриту, китайскую керамику, ювелирное искусство, металлообработку, терракотовые скульптуры, каллиграфию, китайскую живопись и такие ремесленные изделия, как лакированная посуда.

Если вам нравится уникальность китайского искусства и вы хотите включить китайское искусство в интерьер своего дома, есть много способов сделать это.Китайское искусство отражает китайскую мебель, картины и скульптуры в стиле деко.

Самый известный и самый популярный вид китайского искусства — это искусство туши, которое выполняется кистью, смоченной чернилами (черными или цветными). Эти картины выполняются на шелке или бумаге, а затем прикрепляются к стене в виде свисающего свитка.

Потрясающие картины китайского искусства на холсте — это то, что люди любят выставлять у себя дома. В китайском искусстве не так много ярких красок. Мягкость и утонченность этого вида искусства делают его идеальным для упрощенного декора.Если вы хотите, чтобы интерьер вашей гостиной или спальни был милым и простым, китайское искусство — лучший доступный вид искусства для вас!

При таком большом количестве предметов искусства для вашего дома очень легко запутаться, когда дело доходит до выбора правильного произведения искусства, которое действительно подчеркнет красоту вашего жилого пространства. Как мы неоднократно отмечали, искусство — это личный выбор. Только вы знаете, что вам нравится, и вам следует искать произведения искусства, которые говорят с вами на более глубоком уровне.Мы также упоминали, что искусство не должно ограничиваться только картинами и рисунками. Скульптуры, свитки и каллиграфия могут повысить эстетическую привлекательность любой комнаты, в которой они находятся.

Ваш дом — ваше святилище, и вы должны украсить его всем, что вы любите. Как правило, когда дело доходит до искусства, если оно вам нравится, покупайте его!

Джульетта Кинчин, «Из гостиной в буфетную: чтение домашнего интерьера на картинах Уолтера Сикерта и группы Camden Town» (The Camden Town Group в контексте)

Будь то гостиная, спальня или кухня, интерьер Камден-таун отражает эдвардианское общество, его ценности и вкусы.Сосредоточившись на работах Уолтера Сикерта, Джульетта Кинчин исследует социальные значения домашнего интерьера в картинах Камдентауна.

Тенденция оценивать развитие британского искусства середины девятнадцатого — начала двадцатого века по отношению к модели французского авангарда, как правило, затемняет определенные культурно специфические качества британского искусства и его внутреннего содержания. Однако с точки зрения Уолтера Сикерта было ясно, что французское и британское искусство основано на разных традициях:

Картины в New English Art Club часто описываются как импрессионисты, а их художников — импрессионистов.Это всегда удивляет и забавляет французских посетителей Англии. Художник руководствуется и подталкивается своим окружением во многом как актер, и атмосфера английского общества воздействует на группу одаренных художников, которые узнали то, что они знали, либо в Париже, либо из Парижа, обеспечила школа с целями и качествами, совершенно отличными от таковых у импрессионистов. он предположил, возникло из определенного социального и культурного контекста.В этом эссе исследуется, как Сикерт и его товарищи из Камдентауна «руководствовались и подталкивались» их домашним окружением к исследованию смещающихся границ между психологическим и телесным пространством. В основе содержания или повествования многих из их картин лежало тонкое понимание символических, повествовательных и выразительных условностей, связанных с домашним пейзажем. Эти знания пронизывают «высокие» и «низкие» формы визуальной, материальной и литературной культуры.

Сикерт и его современники работали в рамках устоявшейся британской традиции жанровой живописи интерьера, а зачастую и против нее.Этот период был особенно богат изображениями дома, созданными художниками-любителями и профессиональными художниками для потребления в различных контекстах, будь то сам дом, галерея, универмаг или на страницах популярного журнала, теоретического трактата или правительственного отчета. . Уровень интереса к домашним интерьерам отражал предполагаемую центральную роль британского дома в более широких дискуссиях о социальных и моральных ценностях, гендерных ролях, национальной экономике, а также о вопросах вкуса, функции искусства и его связи с повседневной жизнью.Из обширной литературы по домашнему вкусу и внутреннему убранству, опубликованной в конце девятнадцатого и начале двадцатого веков, и неоднократных ссылок на домашний дизайн в многочисленных других источниках, становится ясно, что отдельные комнаты в доме среднего класса отражают ряд социальных и культурных особенностей. значения, выходящие за рамки простого повседневного использования. Материальная культура дома хореографировала взаимодействие между людьми, предметами и пространствами, давая подсказки к определенным формам поведения.

Гарольд Гилман 1876–1919

Эдвардианский интерьер c.1907

Масляная краска на холсте

Опора: 533 x 540 мм

Tate T00096

Представлено попечителями Chantrey Bequest 1956

Рис.1 Гарольд Гилман

Эдвардианский интерьер c.1907

Тейт T00096

В более широком смысле, такие значения и ассоциации отражены в картинах, изображающих фигуры или предметы, установленные в этом домашнем контексте с помощью многочисленных знаков и ссылок, все адресованные аудитории, которая была искусно грамотна .Гарольд Гилман Edwardian Interior c.1907 (Tate T00096, рис.1), вид Сикерта на спальню в La Hollandaise c.1906 (Tate T03548) и The Gas Cooker 1913 Спенсера Гора (Tate T00496, рис.14), например, все используют цветовые схемы, типы мебели, текстуры, материалы и домашнюю деятельность, связанные в сознании зрителя с определенными типами комнат — частично для создания соответствующей обстановки, но часто с чувством иронии или контрапункта. , чтобы подчеркнуть особенности домашней драмы или несоответствие между жителями и их окрестностями.Решив изобразить свою младшую сестру Ирен на фоне гостиной в доме их родителей в Edwardian Interior , Гилман исследовал знакомую территорию. С середины девятнадцатого века гостиная была на подъеме как образец дома среднего класса, о чем свидетельствует распространение изображений, нарисованных любителями, а также профессиональными художниками, такими как Аткинсон Гримшоу2. в пределах рабочего класса или небольших сельских домов, однако из всех типов комнат среднего класса он был наиболее широко представлен.Ирен прочно находится в интерьере, общается со своим окружением и находится под визуальным контролем и эстетической оценкой зрителя. Чайный столик рядом с ней и, как следствие, интерьер изобилуют его «женскими» символами — акварельными красками в позолоченных рамах, восточными предметами искусства , лакированным шкафом и обилием мягкой мебели — создают пространство для созерцания и приостановленного оживления. 3 Процессы взгляда и взгляда были пережиты с особой интенсивностью в гостиной, одном из наиболее публично видимых и явно театральных пространств дома, где оспаривалось так много ценностей и идентичностей.4 Женщины знали, что здесь за ними наблюдают и что их выступления имеют решающее значение для социального и, в конечном итоге, материального успеха. Это особенно характерно для незамужних женщин, демонстрирующих свое мастерство и достижения потенциальным женихам. Осознание того, что они видимы и постоянно наблюдаются, было интернализовано в их самооценке. В этом контексте все женщины среднего класса были в некотором смысле актерами, выполняющими сложные социальные ритуалы как можно более «естественно», не показывая никаких признаков того, что они фиксируют аналитический взгляд своей аудитории.Было важно появляться «дома» и заодно с комнатой, чтобы подчеркнуть согласованность между «истинным» характером и проецируемым изображением5. Гостиная часто служила местом для любительской драматургии, живых картин, или «живых». картины и музыкальные вечера, и, наоборот, как утверждал Хью Магуайр, викторианский театр был во многих смыслах «домом вдали от дома», в котором использовались общие знания об обстановке6. В частности, создание живых картин привлекло внимание к уловка, связанная с тем, что женщины представляют себя объектами искусства, и невозможность сохранить живую, живую красоту как часть вечной гармонии.Чувство скуки и почти смертельной неподвижности, сравнимое с ощущением живого образа , пронизывает такой образ, как Gilman’s Edwardian Interior . Такой способ прочтения таких изображений женщин в интерьере явным образом отражен в литературных источниках, таких как роман Эдит Уортон The House of Mirth (1905), в котором Лили Барт участвует в образе tableau vivant и сознательно представляет себя как «объект искусства». ‘в гостиной7.

В современной литературе, посвященной домашнему вкусу, женщинам предлагалось рассматривать себя как часть общей схемы гостиной и подбирать свою фигуру, цвет лица и одежду в соответствии с домашней обстановкой.Их постоянно побуждали создавать как самих себя, так и свое окружение в виде живописной композиции. По словам доктора Якоба фон Фальке в 1879 году, это была «Эстетическая миссия женщины»:

Как хозяйка дома она должна приучить себя смотреть на свои комнаты во всех их деталях как на картины, на которых все предметы расположены так и так соединены, как чтобы способствовать общему художественному эффекту … ни один объект не существует сам по себе, но по отношению ко всем другим объектам.8

Интерьерная обстановка стала рамкой, ограничивающей границы живого произведения искусства, что повлекло за собой соответствие женской фигуры, платья и цвет лица для домашнего окружения:

Она блондинка? Тогда пусть в ее беседке будет хоть немного бледно-голубого…. роза будет отвлекать от светлой кожи, бледно-бирюзовый будет предпочтительнее, но она не подойдет для свежего цвета лица … Здесь мы предпочитаем простую гармонию, делающую сосредоточенность внимания на леди 9

Джордж дю Морье 1834–1896

«Эстетика с местью», Удар 8 марта 1873 г.

Фото © Джульет Кинчин

Рис. 2

Джордж Дю Морье

«Эстетика с местью», Удар 8 марта 1873 г.

Фото © Джульетта Кинчин

Этель Пески 1873–1962

Ситцевый диван ок.1910–11

Масляная краска на доске

Опора: 465 x 385 мм

Tate N03845

Представлено Обществом современного искусства 1924

© Поместье Этель Сэндс

Рис.3

Ethel Sands

Chintz Couch c.1910–11

Tate N03845

© Поместье Этель Сэндс

Карикатуры Джорджа дю Морье в журнале Punch , адресованные знающей публике, пародировали женскую красоту как художественный товар, взаимозаменяемый с мебелью. гостиной.«Эстетика с удвоенной силой», например, изображает холостяка, владеющего «потрясающим домом», который рассматривает двух сестер как потенциальный материал для брака на вечеринке в гостиной (рис. 2). Судя по внешнему виду, он выбирает коротышку на том основании, что она «кажется, лучше сочетается с той мебелью , которую я люблю, — buhl и marqueterie , разве вы не знаете» 10. концептуальное слияние женщин с их интерьерами, в частности мягкой мебелью и цветочными композициями, аналогично отмечено в The Chintz Couch c.1910–11, Этель Сэндс (Tate N03845, рис. 3). Несмотря на ее физическое отсутствие в этой лондонской гостиной в фешенебельной Белгравии, интерьер читается как автопортрет, пропитанный эстетической чувственностью художника как женщины, так и декоратора 11

Гарольд Гилман 1876–1919

Леди на диване 1910 г.

Масляная краска на холсте

Опора: 305 x 406 мм; рама: 475 x 578 x 100 мм

Tate N05831

Куплен в 1948 году

Рис.4

Гарольд Гилман

Дама на диване ок. 1910

Тейт N05831

Филип Уилсон Стэр 1860–1942

Девушка на диване 1891

Холст, масляная краска

563 x 613 мм

и I0004 Colchester Служба музеев

© Поместье Филипа Уилсона Стэр

Фото © Колчестерская служба музеев Ипсвича

Рис.5

Филип Уилсон Стэр

Девушка на диване 1891

Музейная служба Колчестера и Ипсвича

© Поместье Филипа Уилсона Steer

Фото © Служба музеев Колчестера и Ипсвича

Модель Гарольда Гилмана Дама на диване , c.1910 (Tate N05831, рис.4), использует другой знакомый образ — лежащую читающую роман женщину в гостиной (рис.5) .12 Романы и стихи считались достаточно легкими или «творческими» материалами для чтения для тех интерьеры, в которых женщины могли проводить свои «праздные» часы, и большинство гостиных было оборудовано лампами для чтения и, соответственно, небольшими или мобильными книжными шкафами. Мало того, что повествования многих буржуазных домашних драм разворачивались в контексте гостиной, это также было местом, где заядлые читатели романов могли усвоить и усвоить детали таких литературных описаний in situ .Книга, которую читает модель на картине Гилмана, становится онейрической средой для вытесненных фантазий и воспоминаний зрителя, и этот частный интровертный момент имеет вуайеристскую привлекательность.

Похожее чувство вуайеризма и внутренней атмосферы характеризует картину Сикерта The Mantelpiece c.1906–1907 (рис. 6). Эта картина основана на более ранних изображениях женщин, смотрящих в зеркало, в частности на картинах бывшего наставника Сикерта, Джеймса Эббота Макнилла Уистлера, таких как Symphony in White, No.2: Маленькая белая девочка 1864 (Тейт N03418, рис. 7). В последнем Уистлер органично связывает уравновешенный женский субъект-объект с идеализированной средой его гостиной на Линдси-Роу. Фактически, автономия женской фигуры растворяется в изображении, которое в названии сравнивается с музыкальным исполнением «симфонии» 13.

Уолтер Ричард Сикерт 1860–1942

Каминная полка около 1906–7

Масляная краска на холст

762 x 508 мм

Художественная галерея Саутгемптона

© Estate of Walter R.Сикерт / DACS

Фото © Городская художественная галерея Саутгемптона, Гэмпшир, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Рис.6

Уолтер Ричард Сикерт

Каминная часть 1906–7

Художественная галерея Саутгемптона

© Estate of Уолтер Р. Сикерт / DACS

Фото © Southampton City Art Gallery, Хэмпшир, Великобритания / Художественная библиотека Бриджмена

Джеймс Эббот Макнил Уистлер 1834–1903

Симфония в белом, № 2: Маленькая белая девочка 1864

Масло на холсте

опора: 765 x 511 мм; рама: 1085 x 830 x 118 мм

Tate N03418

Завещано Артуром Стаддом 1919

Рис.7

Джеймс Эбботт Макнил Уистлер

Симфония в белом, № 2: Маленькая белая девочка 1864

Тейт N03418


Зеркала доминировали во многих поздневикторианских и эдвардианских схемах гостиных, объективируя представления о наблюдении и усиливая саморегулирование. поведение. Репрезентативный образ женщины, наблюдающей за собой перед зеркалом, был разработан в бесчисленных романах, картинах и фотографиях того периода14. Рисуя отраженный образ модели, Уистлер навсегда замораживает мгновенный опыт, который в противном случае существовал бы только как мимолетное воспоминание или фантазия, элемент интерьера, который можно было увидеть, но не потрогать.Психологический интерьер женщины и ее физическое «я» вместе с отраженным и актуальным пространством интерьера сходятся на одной и той же плоской плоскости холста. Ее можно рассматривать как композицию, удерживаемую искусством, как интерьер и сама картина. Уистлера обычно считают новатором в своем подходе к домашнему интерьеру, не только как художник, но также как коллекционер и декоратор интерьеров. Дом художника был новым явлением конца девятнадцатого века, широко обсуждавшимся и иллюстрировавшимся в художественной прессе как проявление индивидуальной личности художника.Другими словами, для Уистлера гостиная была не только богатой предметной областью, но и обеспечивала весь контекст, в котором такие картины создавались, демонстрировались и потреблялись. Дом художника также был местом, где картины «Эстетика» продавались частным клиентам и дилерам, таким как Август Хауэлл.

К 1908 году, однако, Сикерт стал открыто критиковать Уистлера, написав первую из нескольких проклятых статей, в которых карикатурно изображались невысказанные культурные ценности и устаревшие социальные и эстетические условности, за которые теперь стоял его бывший наставник:

Предположим, мы получим самую красивую женщину. можно достать, и одеть ее в лучшую одежду, которую только можно вообразить! Предположим, мы даже создадим платье! … Окружим ее самым драгоценным фарфором! Да будут брызги азалии и так далее! Возможно, таким образом мы создадим настоящий рай искусства! Кто знает? Разве продукт не должен был быть сиропом с чистейшим вкусом? 16 По мнению Сикерта, нет; «Лилии и томления любителей Челси» отправили Уистлера в тупик гостиной и задушили его там. «Вкус» был смертью художника; это мешало наблюдать и фиксировать «готовую жизнь» 17. Его собственная картина того года, Новый дом , изображает женщину из рабочего класса, сидящую у камина своей «грязной» квартиры в Камден-Тауне, а точнее. чем «самая красивая женщина, которую можно достать» в буржуазной гостиной (рис.8) .18 Здесь старомодный колпак, окружение белого огня и грязные обои явно контрастируют с «сиропом вкуса» Уистлера, как и осанка и платье модели, одной из двух девушек-продавцов, которых Сикерт описал. его друзья Этель Сэндс и Нэн Хадсон, одетые «в роскошную нищету своего класса, притворный бархат и т. д.» 19

Уолтер Ричард Сикерт 1860–1942

Новый дом 1908

Масляная краска на холсте

495 x 390 мм

Частная коллекция, Ivor Braka Ltd

© Поместье Вальтера Р.Сикерт / DACS

Фото © Ivor Braka Ltd, Лондон

Рис.8

Уолтер Ричард Сикерт

Новый дом 1908

Частная коллекция, Ivor Braka Ltd

© Имение Уолтера Р. Сикерта / DACS

Фото © Ivor Braka Ltd, Лондон

Гарольд Гилман 1876–1919

Выставка миссис Маунтер за столом для завтрака 1917

Масляная краска на холсте

подставка: 610 x 406 мм; рама: 808 x 605 x 93 мм

Tate N05317

Куплен в 1942 году

Рис.9

Гарольд Гилман

Выставка миссис Маунтер за столом для завтрака 1917

Тейт N05317

Сикерт намеренно бросает вызов нарциссическим чарам отраженного изображения и раскрывает парадокс культивирования «естественного» поведения в изначально искусственной среде. Существует очевидное несоответствие между одеждой женщины, ее окружением и душевным состоянием. Ее неудобный язык тела посылает сообщения, которые противоречат представлению о доме как о восстанавливающем или «внешнем одеянии женской души».20 Тот факт, что она все еще носит шляпу, предполагает, что она гость, а не «дома» в своем личном пространстве. Портрет Гилмана миссис Маунтер за столом для завтрака , выставленный в 1917 году (Тейт N05317, рис.9), можно рассматривать как критику в аналогичном ключе — в данном случае « самой красивой женщиной, которую можно достать » была его стареющая экономка в одежде. немодный платок, далеко не «лучший халат, который только можно представить», и сидящий за простым глиняным чайником и несовместимыми чашками, а не за «самым драгоценным фарфором».В отличие от «Белой девочки» Уистлера или сестры Гилмана Ирэн, миссис Маунтер отвечает прямо на зрителя взглядом. Она не объективированный, пассивный шифр для сферы поэтических и духовных ценностей, а личность, на лице которой видны следы старения и пережитого опыта.

Сикерт продолжил свою критику Уистлера в 1910 году: «Чем серьезнее наше искусство, тем больше оно будет стремиться избегать гостиной и придерживаться кухни … Стой! Я забыл, — продолжал он, — у нас есть применение гостиной — карикатурно изобразить ее.’21 Вряд ли такие комментарии были радикальными. Была широко распространена критика гостиной как среды для поверхностного общения и бессмысленных претензий, антитезы «серьезной» культуре. Например, в своем проницательном отчете о The English House , опубликованном в 1904 году, немецкий искусствовед Герман Мутезиус описал убранство и содержание гостиной как исключающие «серьезность». «Повсюду наблюдается тенденция к красивости, непринужденности и легкости, — продолжил он, — это женская характеристика.Такие комментарии иллюстрируют цепочку ассоциативного мышления, которая вовлекла гостиные в негативный дискурс, окружающий женщин, консьюмеризм и моду. С тех пор, как Джон Раскин критиковал фанерованную мебель для гостиной в книге Уильяма Холмана Ханта «Пробуждение совести » 1853 года и публикации популярной книги Чарльза Локка Истлейка «Советы по домашнему вкусу » в 1868 году, отражающие поверхности гостиной постоянно подвергались критике. литература о домашнем вкусе как вульгарная, показная и обманчивая, и в терминах, передающих скрытую тревогу по поводу краха различий между поддельным и подлинным, человеком и вещью.22 Сикерт подхватил эту риторику: пластические искусства — это грубые искусства, которые с радостью имеют дело с грубыми материальными фактами. Они взывают к своим слугам о крепком животе и великой выносливости, и пока они процветают в судомойне или на навозной куче, они блекнут на мгновенье от гостиной23.

«Грубое искусство» Сикерта. сделайте ссылку на прикосновение («пластик»), вкус («крепкий желудок») и запах («навозная куча») по сравнению с ароматом азалий, сладким и мягким вкусом сиропа и утонченной тактильностью фарфора и текстиля в Искусство Уистлера.Этот контрастирующий регистр сенсорных деталей воплощен в изображениях домашнего пространства Сикерта в последующие годы. Блеклые цвета навоза его интерьеров в Камден-тауне сопротивляются вторжению в сверхтонкую эстетику Уистлера. Ожидалось, что в доме в целом и в гостиной в частности женщины будут создавать оазис света и спокойствия. Мебель, которая была светлой по цвету и форме, могла служить материальной аналогией гигиенической и духовной чистоты дома, аналогию, опровергнутую Сикертом.Аура грязи и экскрементов, переданная в его работах из Камдентауна, благоухающая телесными потребностями и смертностью, знаменует возвращение подавленных — всех тех элементов, которые эстетизм Уистлера стремился подавить и сублимировать. Хотя изображение навозной кучи намекало на разложение и разложение, тем не менее, оно также содержало в себе обещание оплодотворения, органического роста и более жизненно важной связи между жизнью и искусством, чем могли предложить эстеты.

Уолтер Ричард Сикерт 1860–1942

Эннуи ок.1914

Масляная краска, холст

опора: 1524 x 1124 мм; рама: 1741 x 1340 x 110 мм

Tate N03846

Представлено Обществом современного искусства 1924

© Tate

Рис.10

Walter Richard Sickert

Ennui c.1914

Tate N03846

Уолтер Ричард Сикерт 1860–1942

Маленькое чаепитие: Нина Хамнетт и Роальд Кристиан 1915–16

Масляная краска, холст

подставка: 254 x 356 мм; рама: 421 x 513 x 88 мм

Tate N05288

Куплено в 1941 году

© Tate

Рис.11

Уолтер Ричард Сикерт

Маленькое чаепитие: Нина Хамнетт и Роальд Кристиан 1915–16

Tate N05288

© Tate


Самая известная картина Сикерта, Ennui (Tate N03846, рисунок 10), была разработана из подготовительных рисунков в пять версий, самая большая из которых была выставлена ​​на выставке New English Art Club в 1914 году. Он приближает зрителя к беспорядочным, прожитым домашним переживаниям, чем «Симфония в белом № 2
» Уистлера , несмотря на двусмысленность очевидного «реализма» и одинаково постановочный характер сцены.Обстановкой была комната на Грэнби-стрит в лондонском Камден-тауне, которую Сикерт использовал как студию примерно с 1908 года. В отличие от Уистлера, он держал свой дом и работу отдельно. «В рисовании того, что является частью вашей жизни, есть постоянная ловушка», — предупредил он двух своих учеников24. Образцами служили алкоголик «Муженек» и Мари Хейс, которые присоединились к его нетрадиционной семье. Как и в Маленькое чаепитие: Нина Хамнетт и Роальд Кристиан 1915–16 годов (Тейт N05288, рис. 11), скрытая общительность буржуазной гостиной подвергается критике в смещенном расположении двух фигур, каждая из которых заперта в одну. личные мечтания, их язык тела отыгрывает последствия отчуждения и психологического дискомфорта.Скучающая поза женщины, прислоненной к комоду, и взгляд мужчины вдаль сквозь дымку и алкоголь, наводят на мысль о клаустрофобии и нервном истощении.

Уолтер Ричард Сикерт 1860–1942

Мой ужасный папа ок. 1912 г.

Бумага, мел

248 x 347 мм

Доверие Сэмюэля Курто, Галерея Курто, Лондон

© Estate of Walter R. Sickert / DACS

Фото © The Samuel Courtauld Trust, Галерея Курто, Лондон

Рис.12

Уолтер Ричард Сикерт

Мой ужасный папа ок. 1912 г.

Доверие Сэмюэля Курто, Галерея Курто, Лондон

© Поместье Уолтера Р. Сикерта / DACS

Фото © Фонд Сэмюэля Курто, Галерея Курто, Лондон

Женщина в Ennui , кажется, мысленно дистанцируется от своего окружения, вместо того, чтобы плавно сливать свою идентичность с идентичностью гостиной. Фокус ее созерцания, колпак, можно рассматривать как представление ее замкнутого внутреннего мира в микрокосме, но мысленно она стоит отдельно от него, наблюдая за его содержимым извне.В том, как она относится к колпаку, она имитирует и тем самым привлекает внимание к вуайеристскому взгляду зрителя, всматривающегося в ее домашнее пространство. Точно так же на связанном рисунке 1912 года Сикерт изображает молодую женщину одновременно внутри и снаружи сцены, изображенной с помощью заголовка, Мой ужасный папа (рис.12), направляя зрителя к просмотру сцены через глаза дочери. Колебания между зрителем-субъектом-объектом становятся частью непрерывного взаимодействия, которое меняет динамику просмотра на себя.

Содержит засушенные цветы и чучела птиц, стеклянный колпак в Ennui — старомодный, символ окаменевшей жизни, в которой сжимаются время и пространство. (Он уже появился в The Mantelpiece c.1906–1907 и The New Home 1908). Он представляет собой миниатюрный мир, мнемоническую вселенную в уже замкнутой внутренней среде, ее содержимое защищено от внешнего вторжения. у стекла, чтобы на него смотрели, но не трогали. Выступающий колпак пародирует корреляцию «вкуса» и художественного различения с интересами коллекционирования, сосредоточенными на изысканных, редких или любопытных предметах в обычной гостиной; такие предметы были разработаны, чтобы стимулировать воображение и тонкую беседу, обеспечивая неформальное образование через проявление моральных чувств, истории и космополитической культуры.

В Ennui , однако, подразумеваемое путешествие женского воображения ведет нас не в далекие культуры и места, а в этот крошечный морг органической жизни. Стеклянный купол представляет собой попытку собрать органический и аутентичный опыт «мира природы» в пределах внутреннего интерьера, но парадоксальным образом его содержимое — больше не связанное ни с чем жизненно важным — стало символом смерти, скуки и неповторимого опыта. Как каминное зеркало в коллекции Symphony in White No.2 , колпак действует как обрамление или контейнер пережитого опыта, который может существовать только на уровне памяти или фантазии. Подобно тому, как куполообразное стекло окружает его образцы, так и гостиная Уистлера (и Gilman’s Edwardian Interior ) захватывает женщину как декоративный объект, на который можно любоваться и визуально наблюдать, как если бы в аквариуме. Жизнь за пределами колпака в студии Сикерта может вызвать у зрителя признаки смерти и разложения, но, по крайней мере, это жизненно важно. Тема «жизненного» разложения и визуального сдерживания за стеклом получила дальнейшее развитие в небольшом натюрмортах Roquefort , написанном после Первой мировой войны в его французском доме в Энверме (Tate N03847, рис.13). Образ сыра вызывает острое обоняние в сочетании с чувственным, жизнеутверждающим удовольствием от простой еды и пива, что косвенно опровергает напыщенное британское подражание французскому «вкусу».

Уолтер Ричард Сикерт 1860–1942

Рокфор 1919–20

Масляная краска на холсте

Опора: 409 x 328 мм

Tate N03847

Представлено Обществом современного искусства 1924

© Tate

Рис. 13

Уолтер Ричард Сикерт

Рокфор ок.1919–20

Тейт N03847

© Тейт

Спенсер Гор 1878–1914

Газовая плита 1913

Холст, масляная краска

Опора: 730 x 368 мм; рама: 898 x 556 x 63 мм

Tate T00496

Представлено попечителями Chantrey Bequest 1962

Рис.14

Спенсер Гор

Газовая плита 1913

Тейт T00496


9000 Газовая плита
9000
1913 (рис. 14), Спенсер Гор последовал предписанию Сикерта отдать приоритет посудомойке перед гостиной, в то же время используя временное кодирование интерьеров и способность своей аудитории распознавать несоответствие между внутренним окружением и социальным классом жителей.На картине изображена его жена Молли, которая готовит еду в квартире на первом этаже, которую они занимали по адресу 2 Houghton Place NW1. Высота помещения и красный декор стен — остатки былого величия того, что, должно быть, было одним из главных общественных помещений, когда собственность функционировала как городской дом на пяти этажах. Вместо муслиновых занавесок на окне висит веревка для белья; коврика для очага нет, а напольное покрытие кажется простым и прочным, как и следовало ожидать в служебных помещениях.Продукты питания и кухонный инвентарь толпятся вдоль камина, а не по обе стороны от каминных часов со вкусом симметрично расположенная гарнитура.

Как профессиональный актер и яркий персонаж, Сикерт понимал природу театрального представления. «Дом, где человек рождается, женился и умирает, становится его театром», — писал он в 1914 году.25 В частности, он упивался явно искусственной и ура-патриотической формой мюзик-холла, не претендующей на звание «высокого искусства». .26 Картина, которую он выставил в New English Art Club в 1888 году, Гатти «Хангерфордский дворец разнообразия» , вызвала бурю споров. Исполнитель Artist сказал, что он олицетворяет «агрессивное убожество, которое пронизывает в большей или меньшей степени все современное существование» 27. Посредством названия, Tipperary (относится к популярной песне мюзик-холла), он позже передал намек на эту «убогость» в домашней обстановке с изображением его неуклюжей зубастой модели (Эмили Пауэлл, известная как «Цыпленок»), гремящей воодушевляющей мелодией на рояле (Tate N05092, рис.15) .28 Хриплые звуки этого домашнего концерта разрушают « натурализованные » представления, связанные как с классическим театром, так и с буржуазным домом, критикуя образы создания музыки в гостиной, восходящие к пьесе Уистлера At the Piano 1858–9 (рис.16). Столь же осуждающим был его взгляд на якобы благородное взаимодействие чаепития, другого ритуала, тесно связанного с гостиной, в его картине Маленькое чаепитие (рис. 11).

Уолтер Ричард Сикерт 1860–1942

Типперэри 1914

Холст, масляная краска

Опора: 508 x 406 мм; рама: 600 x 500 x 55 мм

Tate N05092

Завещано леди Генри Кавендиш-Бентинк 1940

© Tate

Рис.15

Уолтер Ричард Сикерт

Типперэри 1914

Тейт N05092

© Tate

Джеймс Эбботт Макнил Уистлер 1834–1903

У фортепьяно 1858–9

Холст

Масляная краска на холсте

Художественный музей. Завещание Луизы Тафт Семпл

Фото © Taft Museum of Art, Цинциннати, Огайо, США / Художественная библиотека Бриджмена

Рис.16

Джеймс Эбботт Макнил Уистлер

У фортепьяно 1858–9

Художественный музей Тафта.Завещание Луизы Тафт Семпл

Фото © Taft Museum of Art, Цинциннати, Огайо, США / Художественная библиотека Бриджмена


Из всех художников Камдентауна, возможно, именно Сикерт дал наиболее изощренную и осуждающую критику современной моды. для изображения домашних пространств, но Гилман и Гор также продемонстрировали новое понимание социальных и психологических аспектов такого предмета и внесли свой вклад в сложный дискурс, связанный с «художественным» вкусом и домашним интерьером в Великобритании, который продолжался с 1860-х годов.Пытаясь более «аутентично» описать интерьеры в своих домах и домах своих семей, они постепенно дистанцировались от идеи домов художников как воплощения модного вкуса среднего класса в англо-американском мире. В то время как тип домашних интерьеров мог измениться, резонанс таких изображений продолжал опираться на отчетливо британские и глубоко укоренившиеся традиции дизайна и репрезентации, которые отличали картины Камдентауна от сопоставимых работ французских художников-авангардистов.

Видео

Выписка

Искусство инсталляции — относительно новая форма искусства, но возникла из ряда традиционных и экспериментальных жанров. Вместо того, чтобы создавать произведения искусства, которые вешали на стены галерей или устанавливали на пьедесталы, многие ранние цивилизации использовали искусство для преобразования своего окружения. Вдобавок, добавляя иллюзию глубины, художники пытались стереть грань между искусством и жизнью и спровоцировать зрителя подвергнуть сомнению его или ее восприятие реальности.

В девятнадцатом веке картины, принятые в Парижский салон, выставлялись на каждом доступном сантиметре пространства — от пола до потолка — таким образом погружая зрителя в эстетический опыт.

Художники двадцатого века начали подвергать сомнению само понятие арт-объекта. Некоторые художники вообще отказались от производства материальных предметов и вместо этого сосредоточились на создании художественного опыта с помощью таких новых способов выражения, как перформанс и концептуальное искусство.Искусство перформанса предполагает использование тела и действий как средства передачи идей перед аудиторией. Концептуальные произведения часто придают большее значение идеям, лежащим в основе произведения, чем его внешнему виду или способу создания.

В середине двадцатого века новый жанр, известный как «искусство инсталляции», начал получать признание. Художники-инсталляторы начали манипулировать окружающей средой, чтобы создать вызывающий размышления эстетический опыт. Отношения и взаимодействие зрителя с объектами и окружающей средой стали центральными в работе.

Инсталляционные работы часто имеют эффект присутствия и полностью занимают внимание зрителя. Заполняя периферийное зрение и интегрируя пространственный звук и интерактивную обратную связь, иммерсивная инсталляция может создать ощущение присутствия внутри самого произведения.

Мультисенсорные инсталляции включают визуальный, слуховой, тактильный и, возможно, даже ароматический материал. Этот синергетический опыт может повлиять на зрителя физически и эмоционально.

Кинетические арт-инсталляции исследуют симбиотические отношения, такие как расширение и сжатие, а также интеграцию звуковых и визуальных элементов.Благодаря использованию цвета, направленного движения и окружающего звука окружающая среда превращается в живой организм.

Понятие и манипулирование временем легко изобразить, поскольку зрители испытывают трансформации изображения и звука. Художники по видеоинсталляции часто используют проекции или несколько мониторов, чтобы со временем раскрыть свои концепции.

Иногда художники работают с преходящими материалами, такими как свет, для преобразования пространства. С помощью светодиодного освещения и электроники можно превратить окружающую среду в уникальные и запоминающиеся впечатления.

Создавая абстрактные архитектуры исключительно с помощью звука, программного обеспечения и света, эфемерные пространства создаются и уничтожаются в реальном времени.

Часто инсталляция состоит из провокационной расстановки скульптурных объектов. Контекст объектов и их отношения друг к другу помогают определить опыт зрителя. Использование повторов в большом масштабе значительно меняет смысл и отношение зрителя к произведению.Используя человеческие тела, а не объекты, художник-инсталлятор предлагает зрителю переосмыслить предвзятые представления о том, что составляет произведение искусства.

Художники-инсталляторы, создающие объекты, не ставят свои работы на пьедесталы, а вместо этого интегрируют их в галерею или музей. Стены галереи могут стать частью самого произведения искусства. Вмешательство художника и его манипуляции с окружающей средой помогают стереть границу между произведением искусства и его окружением.

Искусство инсталляции, ориентированное на конкретное место, разработано с учетом особенностей конкретного места. Художник-инсталлятор может изменить восприятие зрителем как внутреннего, так и внешнего пространства, используя цвет, повторение, ритм и масштаб.

Некоторые художники-инсталляторы используют переработанные материалы и создают среду, которая отражает современные экологические проблемы и отвечает им. Перепрофилируя и реконфигурируя знакомые объекты, художник играет с ожиданиями зрителя и побуждает его или ее переосмыслить свое отношение к материалам.Художник также может вызвать чувство страха и ожидания, подражая ритмам природы.

Интерактивная инсталляция добавляет человеческий фактор как важный компонент. Зритель становится участником, а не просто наблюдателем, и его или ее взаимодействие помогает определять исход пьесы. Зрителям часто предоставляется выбор, или их физическое присутствие помогает создать эстетический результат.

Художники иногда используют электронные датчики и специально написанные компьютерные программы для облегчения взаимодействия.Другие используют инструкции или простой реквизит, чтобы побудить зрителя принять участие.

Искусство инсталляции может быть временным и выставляться в галереях и музеях или постоянно отображаться в общественных местах. Возможность творческого преобразования окружающей среды с использованием физических объектов и таких эфемерных элементов, как свет, открыла для художников безграничные возможности. Привлекая зрителя посредством интерактивности, погружения, сопоставления необычных элементов и творческого использования принципов искусства и дизайна, художники по инсталляции радикально бросают вызов нашему представлению о том, что можно рассматривать как искусство.

© Темза и Хадсон, 2011 г.

визуальных элементов | Безграничная история искусства

Строка

Линия определяется как отметка, которая соединяет пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути.

Цели обучения

Сравните и сопоставьте различные варианты использования линии в искусстве

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Фактические линии — это линии, которые физически присутствуют и существуют как сплошные соединения между одной или несколькими точками.
  • Подразумеваемая линия относится к пути, по которому глаз зрителя следует за формами, цветами и формами на любом заданном пути.
  • S traight или classic Линии обеспечивают стабильность и структуру композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на рабочей поверхности.
  • Выразительные линии относятся к изогнутым линиям, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства.
  • Контур или контур линий создают границу или путь вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее.«Поперечные контурные линии» очерчивают различия в деталях поверхности.
  • Линии штриховки представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям, в то время как линий штриховки обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут ориентироваться в любом направлении.
Ключевые термины
  • текстура : ощущение или форма поверхности или вещества; гладкость, шероховатость, мягкость и т. д.чего-либо.
  • штриховка : метод отображения штриховки с помощью нескольких пересекающихся мелких линий.
  • линия : путь через две или более точек.

Линия — важный элемент искусства, определяемый как знак, который соединяет пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути. Линии чаще всего используются для определения формы в двумерных произведениях и могут быть названы древнейшими, а также наиболее универсальными формами нанесения знаков.

Существует много разных типов линий, каждая из которых характеризуется длиной больше ширины, а также путями, по которым они идут. В зависимости от того, как они используются, линии помогают определить движение, направление и энергию произведения искусства. Качество линии относится к персонажу, который представлен линией для разной степени анимации поверхности.

Фактические линии — это линии, которые физически присутствуют, существующие как сплошные соединения между одной или несколькими точками, в то время как подразумеваемые линии относятся к траектории, которую выбирает глаз зрителя, когда он следует форме, цвету и форме в произведении искусства. Подразумеваемые линии придают произведениям искусства ощущение движения и удерживают зрителя в композиции. В книге Жака-Луи Давида «Клятва Горациев » мы можем увидеть многочисленные подразумеваемые линии, соединяющие фигуры и действия пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Жак-Луи Давид, Клятва Горациев , 1784 : Многие подразумеваемые линии соединяют фигуры и действие пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Прямые или классические линии добавляют стабильность и структуру композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на поверхности работы. Выразительные линии относятся к изогнутым меткам, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства. Эти типы линий часто следуют неопределенному пути извилистых кривых. Линии контура или контура создают границу или путь вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее. Поперечные контурные линии очерчивают различия в особенностях поверхности и могут создавать иллюзию трехмерности или ощущение формы или тени.

Линии штриховки представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям. Штриховые линии обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут быть ориентированы в любом направлении. Слои штриховки могут добавить поверхности изображения богатую текстуру и объем.

Свет и ценность

Ценность относится к использованию светлого и темного в искусстве.

Цели обучения

Объяснить художественное использование света и тьмы (также известное как «ценность»)

Основные выводы

Ключевые моменты
  • В живописи изменение значений достигается путем добавления к цвету черного или белого цвета.
  • Значение в искусстве также иногда называют «оттенком» для светлых оттенков и «оттенком» для темных оттенков.
  • Значения в более светлом конце спектра называются «высокими», а значения в более темном — «сдержанными».”
  • В двумерных произведениях искусства использование ценности может помочь придать форме иллюзию массы или объема.
  • Кьяроскуро было распространенной техникой в ​​живописи в стиле барокко и относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень яркие белые цвета, расположенные непосредственно на очень сдержанных темных тонах.
Ключевые термины
  • светотень : Художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Использование светлого и темного в искусстве называется ценностью. Значение можно разделить на оттенок (светлые оттенки) и оттенок (темные оттенки). В живописи, в которой используется субтрактивный цвет, изменения значений достигаются путем добавления к цвету черного или белого цвета. Художники также могут использовать штриховку, которая относится к более тонкой манипуляции ценностью. Шкала значений используется для отображения стандартных вариаций тонов. Значения в более светлом конце спектра называются высокими, а значения в более темном — сдержанными.

Шкала значений : Шкала значений представляет различные степени освещения, используемые в произведениях искусства.

В двумерных произведениях искусства использование ценности может помочь придать форме иллюзию массы или объема. Это также придаст всей композиции ощущение освещения. Высокий контраст относится к размещению более светлых областей непосредственно против более темных, чтобы их различие было продемонстрировано, создавая драматический эффект. Высокий контраст также означает наличие большего количества черного, чем белого или серого.Низкоконтрастные изображения получаются в результате совмещения средних значений, поэтому между ними не так много видимой разницы, что создает более тонкое настроение.

В живописи в стиле барокко техника светотени использовалась для создания очень драматических эффектов в искусстве. Chiaroscuro, что в переводе с итальянского буквально означает «светлый-темный», относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень высокие оттенки белого, помещенные непосредственно на фоне очень сдержанных темных оттенков. Сцены при свечах были обычным явлением в живописи барокко, поскольку они эффективно создавали этот драматический эффект.Караваджо использовал высококонтрастную палитру в таких работах, как «Отречение от Святого Петра» , чтобы создать свою выразительную сцену светотени.

Караваджо, Отрицание Св. Петра , 1610 : Караваджо Отречение от Св. Петра — отличный пример того, как можно манипулировать светом в произведениях искусства.

Цвет

В изобразительном искусстве теория цвета представляет собой совокупность практических рекомендаций по смешиванию цветов и визуальному влиянию определенных цветовых сочетаний.

Цели обучения

Выражение наиболее важных элементов теории цвета и использования цвета художниками

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов.
  • Спектр цветов, содержащихся в белом свете: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.
  • Теория цвета делит цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами, и «вторичные цвета» — зеленый, оранжевый и фиолетовый, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов. .
  • Первичные и вторичные цвета комбинируются в различных смесях для создания третичных цветов.
  • Дополнительные цвета находятся напротив друг друга на цветовом круге и представляют собой самый сильный контраст для этих двух цветов.
Ключевые термины
  • дополнительный цвет : Цвет, который рассматривается как противоположный другому цвету на цветовом круге (т.е. красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и синий).
  • значение : Относительная темнота или яркость цвета в определенной области картины или другого визуального искусства.
  • основной цвет : любой из трех цветов, который при добавлении или вычитании из других в различных количествах может генерировать все остальные цвета.
  • оттенок : Цвет рассматривается по отношению к другим очень похожим цветам. Красный и синий — это разные цвета, но два оттенка алого — это разные оттенки.
  • градация : Переход небольшими градациями от одного тона или оттенка, как и цвета, к другому.
  • оттенок : цвет или оттенок цвета.

Цвет — это фундаментальный художественный элемент, связанный с использованием оттенка в искусстве и дизайне. Это самый сложный из элементов из-за множества присущих ему комбинаций. Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов. Спектр цветов, содержащихся в белом свете, следующий: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.

Теория цвета подразделяет цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами; и «вторичные цвета» зеленого, оранжевого и фиолетового, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов.Первичные и вторичные цвета комбинируются в различных смесях для создания «третичных цветов». Теория цвета основана на цветовом круге, диаграмме, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

Цветовой круг : Цветовой круг — это диаграмма, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

«Значение» цвета относится к относительной яркости или темноте цвета. Кроме того, «оттенок» и «оттенок» являются важными аспектами теории цвета и являются результатом более светлых и более темных вариаций значений, соответственно.«Тон» относится к градации или тонким изменениям цвета в более светлой или более темной шкале. «Насыщенность» относится к интенсивности цвета.

Аддитивный и вычитающий цвет

Добавочный цвет — это цвет, создаваемый смешиванием красного, зеленого и синего света. Например, в телевизионных экранах используется аддитивный цвет, поскольку они состоят из основных цветов: красного, синего и зеленого (RGB). Субтрактивный цвет или «триадный цвет» работает как противоположность аддитивного цвета, и основные цвета становятся голубым, пурпурным, желтым и черным (CMYK).Общие применения субтрактивного цвета можно найти в печати и фотографии.

Дополнительные цвета

Дополнительные цвета можно найти прямо напротив друг друга на цветовом круге (фиолетовый и желтый, зеленый и красный, оранжевый и синий). При размещении рядом друг с другом эти пары создают самый сильный контраст для этих двух цветов.

Теплый и холодный цвет

Различие между теплыми и холодными цветами было важно, по крайней мере, с конца 18 века.Контраст, как прослеживается этимологиями в Оксфордском словаре английского языка, кажется, связан с наблюдаемым контрастом в ландшафтном освещении между «теплыми» цветами, связанными с дневным светом или закатом, и «холодными» цветами, связанными с серым или пасмурным днем. Теплые цвета — это оттенки от красного до желтого, включая коричневые и коричневые. С другой стороны, холодные цвета — это оттенки от сине-зеленого до сине-фиолетового, включая большинство оттенков серого. Теория цвета описала перцептивные и психологические эффекты этого контраста.Говорят, что теплые цвета развиваются или кажутся более активными в картине, в то время как холодные цвета имеют тенденцию отступать. Говорят, что теплые цвета, используемые в дизайне интерьера или моде, возбуждают или стимулируют зрителя, а холодные цвета успокаивают и расслабляют.

Текстура

Текстура — это тактильное качество поверхности арт-объекта.

Цели обучения

Признать использование текстуры в искусстве

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Визуальная текстура — это подразумеваемое ощущение текстуры, которое художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.
  • Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту.
  • Видимые мазки и разное количество краски создают физическую текстуру, которая может добавить выразительности картине и привлечь внимание к определенным областям в ней.
  • Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь.
Ключевые термины
  • тактильно : Материальный; восприимчивы к осязанию.

Текстура

Текстура в искусстве стимулирует зрение и осязание и относится к тактильным качествам поверхности произведения искусства. Он основан на воспринимаемой текстуре холста или поверхности, включая нанесение краски. В контексте художественного произведения есть два типа текстуры: визуальная и актуальная. Визуальная текстура — это подразумеваемое ощущение текстуры, которое художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту, например, нанесение краски или трехмерное искусство.

Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь. Возьмем, к примеру, работы реалистов или иллюзионистов, которые основаны на интенсивном использовании краски и лака, но при этом сохраняют совершенно гладкую поверхность. На картине Яна Ван Эйка «Дева канцлера Ролена» мы можем заметить много фактуры, особенно в одежде и мантии, в то время как поверхность работы остается очень гладкой.

Ян ван Эйк, Богородица канцлера Ролина , 1435 : Богородица канцлера Ролина имеет много текстуры в одежде и мантии, но фактическая поверхность работы очень гладкая.

Картины также часто используют настоящую текстуру, которую мы можем наблюдать при физическом нанесении краски. Видимые мазки и разное количество краски создадут текстуру, которая добавит выразительности картине и привлечет внимание к определенным областям в ней.Художник Винсент Ван Гог, как известно, использовал много фактурной текстуры в своих картинах, что заметно по густому нанесению краски на таких картинах, как Starry Night .

Винсент Ван Гог, Звездная ночь , 1889 : Звездная ночь содержит много фактической текстуры благодаря толстому нанесению краски.

Форма и объем

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями; объем трехмерен, имеет высоту, ширину и глубину.

Цели обучения

Определите форму и объем и определите, как они представлены в ст.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • «Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.
  • «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами.
  • «Плоскость» в искусстве относится к любой площади поверхности в пространстве.
  • «Форма» — это понятие, связанное с формой и может быть создано путем объединения двух или более форм, в результате чего получается трехмерная форма.
  • Art использует как фактический, так и подразумеваемый объем.
  • Форма, объем и пространство, действительные или подразумеваемые, являются основой восприятия реальности.
Ключевые термины
  • форма : Форма или видимая структура художественного выражения.
  • объем : Единица трехмерной меры пространства, которая включает длину, ширину и высоту.
  • Плоскость : Плоская поверхность, бесконечно продолжающаяся во всех направлениях (например,g., горизонтальная или вертикальная плоскость).

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями. Формы, по определению, всегда плоские по своей природе и могут быть геометрическими (например, круг, квадрат или пирамида) или органическими (например, лист или стул). Формы могут быть созданы путем размещения двух разных текстур или групп фигур рядом друг с другом, тем самым создавая замкнутую область, такую ​​как рисунок объекта, плавающего в воде.

«Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.Обычно позитивное пространство является предметом художественного произведения. «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами. Положительное и отрицательное пространство может стать трудно отличить друг от друга в более абстрактных работах.

«Плоскость» относится к любой площади поверхности в пространстве. В двумерном искусстве «плоскость изображения» — это плоская поверхность, на которой создается изображение, например бумага, холст или дерево. Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости за счет использования художественных элементов, чтобы передать глубину и объем, как это видно на картине Яна Брейгеля Старшего « Маленький букет цветов в керамической вазе ».

Ян Брейгель Старший, Маленький букет цветов в керамической вазе, 1599 : Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости с использованием художественных элементов, чтобы придать глубину и объем.

«Форма» — это понятие, связанное с формой. Комбинируя две или более фигур, можно создать трехмерную фигуру. Форма всегда считается трехмерной, поскольку она демонстрирует объем — или высоту, ширину и глубину. Искусство использует как реальный, так и подразумеваемый объем.

В то время как трехмерные формы, такие как скульптура, по своей сути обладают объемом, объем также может быть смоделирован или имплицирован в двухмерном произведении, таком как живопись. Форма, объем и пространство — фактические или подразумеваемые — являются основой восприятия реальности.

Время и движение

Движение, принцип искусства, это инструмент, который художники используют для организации художественных элементов в произведении; он используется как в статической, так и в временной среде.

Цели обучения

Назовите некоторые техники и средства, используемые художниками для передачи движения в статических и временных формах искусства.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Такие техники, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статике визуального произведения.
  • Размещение повторяющегося элемента в другой области внутри произведения искусства — еще один способ обозначить движение и течение времени.
  • Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые произведены в середине 19 века, а фотограф Эдвард Мейбридж известен своими последовательными снимками.
  • Основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса используют время и движение в самом их определении.
Ключевые термины
  • кадров в секунду : сколько раз устройство формирования изображения создает уникальные последовательные изображения (кадры) за одну секунду.Аббревиатура: FPS.
  • статический : зафиксирован на месте; без движения.

Движение или движение считается одним из «принципов искусства»; то есть один из инструментов, используемых художниками для организации художественных элементов в произведении искусства. Движение используется как в статике, так и в среде, основанной на времени, и может показывать прямое действие или намеченный путь, по которому глаз зритель может проследить через фрагмент.

Такие техники, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статичных визуальных произведениях.Например, на плоской картинной плоскости изображение, которое меньше и светлее, чем его окружение, будет казаться фоном. Другой метод наложения движения и / или времени — это размещение повторяющегося элемента в разных частях произведения искусства.

Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые проведены в середине 19 века. Фотограф Идверд Мейбридж известен своими последовательными снимками людей и животных, идущих, бегающих и прыгающих, которые он демонстрировал вместе, чтобы проиллюстрировать движение своих объектов.Картина Марселя Дюшана «Обнаженная спускающаяся по лестнице» № 2 демонстрирует абсолютное ощущение движения от левого верхнего угла к правому нижнему углу произведения.

Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 , 1912 год : Эта работа представляет концепцию Дюшана о движении и времени.

В то время как статические формы искусства обладают способностью подразумевать или предлагать время и движение, основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса демонстрируют время и движение по самым своим определениям.Пленка — это множество статичных изображений, которые быстро проходят через объектив. Видео — это, по сути, тот же процесс, но в цифровом виде и с меньшим количеством кадров в секунду. Искусство перформанса происходит в реальном времени с использованием реальных людей и объектов, как в театре. Кинетическое искусство — это искусство, которое движется или зависит от движения для своего воздействия. Все эти медиумы используют время и движение как ключевые аспекты форм выражения.

Случайность, импровизация и спонтанность

Дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus полагались на элементы случая, импровизации и спонтанности как инструменты для создания произведений искусства.

Цели обучения

Опишите, как дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus опирались на случай, импровизацию и спонтанность

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Дадаисты известны своим «автоматическим письмом» или записью потока сознания, которое подчеркивает творческие способности бессознательного.
  • Работы сюрреалистов, как и работы дадаистов, часто содержат элемент неожиданности, неожиданного сопоставления и проникновения в подсознание.
  • Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа».
  • Движение Fluxus было известно своими «событиями», которые представляли собой перформансы или ситуации, которые могли происходить где угодно, в любой форме и в значительной степени полагались на случай, импровизацию и участие аудитории.
Ключевые термины
  • событие : Спонтанное или импровизированное событие, особенно с участием аудитории.
  • сборка : Коллекция вещей, собранных вместе..

Случайность, импровизация и спонтанность — это элементы, которые можно использовать для создания искусства, или они могут быть самой целью самого произведения. Любая среда может использовать эти элементы в любой точке художественного процесса.

Марсель Дюшан, Писсуар , 1917 г. : Писсуар Марселя Дюшана является примером «готового», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаизм

Дадаизм был художественным движением, популярным в Европе в начале 20 века.Его начали художники и поэты из Цюриха, Швейцария, с сильными антивоенными и левыми настроениями. Движение отвергало логику и разум и вместо этого ценило иррациональность, бессмыслицу и интуицию. Марсель Дюшан был доминирующим членом дадаистского движения, известного выставкой «готовых вещей», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаисты использовали то, что было легко доступно для создания так называемого «собрания», используя такие предметы, как фотографии, мусор, наклейки, проездные на автобус и заметки.Работа дадаистов предполагала случай, импровизацию и спонтанность для создания искусства. Они известны тем, что используют «автоматическое письмо» или письмо потока сознания, которое часто принимает бессмысленные формы, но допускает возможность потенциально неожиданных сопоставлений и бессознательного творчества.

Сюрреализм

Сюрреалистическое движение, развившееся из дадаизма в первую очередь как политическое движение, отличалось элементом неожиданности, неожиданного сопоставления и воздействия на подсознание.Андре Бретон, важный член движения, написал сюрреалистический манифест, определив его следующим образом:

«Сюрреализм, н. Чистый психический автоматизм, с помощью которого предлагается выразить устно, письменно или любым другим способом реальное функционирование мысли. Диктовка мысли при отсутствии всякого контроля со стороны разума, вне всяких эстетических и моральных забот. «

Подобно дадаизму до него, сюрреалистическое движение подчеркивало неважность разума и планирования и вместо этого в значительной степени полагалось на случай и неожиданность как инструмент для использования творческих способностей бессознательного.Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа» — упражнение, в котором слова и изображения совместно собираются одно за другим. Многие сюрреалистические техники, в том числе изысканный рисунок трупа, позволяли создавать искусство в игровой форме, придавая значение спонтанному производству.

Механизм Fluxus

Движение Fluxus 1960-х годов находилось под сильным влиянием дадаизма. Fluxus был международной сетью художников, которые умело сочетали воедино множество различных дисциплин и чьи работы характеризовались использованием экстремальной эстетики «сделай сам» (DIY) и в значительной степени интермедийных произведений искусства.Кроме того, Fluxus был известен своими «хэппенингами», которые представляли собой междисциплинарные мероприятия или ситуации, которые могли происходить где угодно. Участие публики было необходимо в мероприятии, и поэтому полагалось на немало сюрпризов и импровизации. Ключевые элементы событий часто планировались, но художники оставляли место для импровизации, что стирало границу между произведением искусства и зрителем, тем самым делая аудиторию важной частью искусства.

Включение всех пяти чувств

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляции и перформансе.

Цели обучения

Объясните, как инсталляция и перформанс включают пять чувств зрителя.

Основные выводы

Ключевые моменты
  • В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, в то время как несколько реже обращаются к запаху и вкусу.
  • «Gesamtkunstwerk» или «полное произведение искусства» — это немецкое слово, обозначающее произведение искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.
  • Искусство инсталляции — это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства.
  • Виртуальная реальность — это термин, обозначающий среды, смоделированные компьютером.
Ключевые термины
  • событие : Спонтанное или импровизированное событие, особенно с участием аудитории.
  • виртуальная реальность : компьютерная реальность.

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляционном и перформансном искусстве.Кроме того, работы, которые стремятся охватить все чувства одновременно, обычно используют некоторую форму интерактивности, поскольку чувство вкуса явно должно включать участие зрителя. Исторически такое внимание ко всем чувствам относилось к ритуалам и церемониям. В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, в то время как искусство несколько реже обращается к обонянию и вкусу.

Немецкое слово «Gesamtkunstwerk», означающее «полное произведение искусства», относится к жанру произведения искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.Эта концепция была выдвинута на первый план немецким оперным композитором Рихардом Вагнером в 1849 году. Вагнер поставил оперу, которая стремилась объединить формы искусства, которые, по его мнению, стали чрезмерно разрозненными. В операх Вагнера уделяется большое внимание каждой детали, чтобы добиться полного художественного погружения. «Gesamkunstwerk» — теперь общепринятый английский термин, относящийся к эстетике, но произошел от определения Вагнера, означающего включение пяти смыслов в искусство.

Искусство инсталляции — это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства. Набережная Рэйчел Уайтред является примером такого преобразования. Этот термин обычно относится к внутреннему пространству, в то время как Land Art обычно относится к открытому пространству, хотя между этими терминами есть некоторое совпадение. Движение Fluxus 1960-х годов является ключом к развитию инсталляции и перформанса как средств массовой информации.

Рэйчел Уайтред, набережная , , 2005 г. : Инсталляция Уайтреда Набережная — это искусство, призванное изменить восприятие зрителем пространства.

«Виртуальная реальность» — это термин, относящийся к среде, смоделированной компьютером. В настоящее время большинство сред виртуальной реальности представляет собой визуальный опыт, но некоторые модели включают дополнительную сенсорную информацию. Иммерсивная виртуальная реальность развивалась в последние годы с развитием технологий и все больше затрагивает пять чувств в виртуальном мире. Художники изучают возможности этих смоделированных и виртуальных реальностей с расширением дисциплины киберартов, хотя то, что составляет киберарту, продолжает оставаться предметом споров.Такие среды, как виртуальный мир Second Life, являются общепринятыми, но вопрос о том, следует ли считать видеоигры искусством, остается открытым.

Составной баланс

Композиционный баланс относится к размещению художественных элементов по отношению друг к другу в произведении искусства.

Цели обучения

Классификация элементов композиционного баланса в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Гармоничный композиционный баланс предполагает расположение элементов таким образом, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась тяжелее любой другой части.
  • Три наиболее распространенных типа композиционного баланса: симметричный, асимметричный и радиальный.
  • В сбалансированном состоянии композиция выглядит стабильной и визуально правильной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.
Ключевые термины
  • радиальный : расположены как лучи, исходящие от общего центра или сходящиеся к нему.
  • симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси. Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.
  • асимметрия : Отсутствие симметрии или пропорции между частями предмета, особенно отсутствие двусторонней симметрии. Отсутствие общей меры между двумя объектами или величинами; Несоизмеримость. То, что делает что-то несимметричным.

Композиционный баланс относится к размещению элементов искусства (цвета, формы, линии, формы, пространства, текстуры и стоимости) по отношению друг к другу.В сбалансированном состоянии композиция выглядит более устойчивой и визуально приятной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.

Создание гармоничного композиционного баланса включает в себя расположение элементов таким образом, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась тяжелее любой другой части. Три наиболее распространенных типа композиционного баланса — симметричный, асимметричный и радиальный.

Композиционные весы : Три распространенных типа весов — симметричные, асимметричные и радиальные.

Симметричный баланс является наиболее стабильным в визуальном смысле и обычно передает ощущение гармоничной или эстетически приятной пропорциональности. Когда обе стороны произведения искусства по обе стороны от горизонтальной или вертикальной оси плоскости изображения одинаковы с точки зрения ощущения, которое создается расположением элементов искусства, считается, что произведение демонстрирует этот тип баланса.Противоположностью симметрии является асимметрия.

Леонардо да Винчи, Витрувианский человек , 1487 : Леонардо да Винчи Витрувианский человек часто используется как представление симметрии в человеческом теле и, в более широком смысле, в естественной вселенной.

Асимметрия определяется как отсутствие или нарушение принципов симметрии. Примеры асимметрии часто встречаются в архитектуре. Хотя досовременные архитектурные стили имели тенденцию делать упор на симметрию (за исключением тех случаев, когда экстремальные условия местности или исторические события уводят от этого классического идеала), современные и постмодернистские архитекторы часто использовали асимметрию в качестве элемента дизайна.Например, в то время как большинство мостов имеют симметричную форму из-за внутренней простоты проектирования, анализа, изготовления и экономичного использования материалов, ряд современных мостов сознательно отошли от этого, либо в ответ на соображения, связанные с конкретным местом, либо чтобы создать эффектный дизайн. .

Мост через залив Окленд : Замена восточного пролета моста Сан-Франциско-Окленд через залив отражает асимметричный архитектурный дизайн.

Радиальные весы относятся к круглым элементам в композициях.В классической геометрии радиус круга или сферы — это любой отрезок линии от центра до периметра. В более широком смысле радиус круга или сферы — это длина любого такого сегмента, составляющая половину диаметра. Радиус может быть больше половины диаметра, который обычно определяется как максимальное расстояние между любыми двумя точками фигуры. Внутренний радиус геометрической фигуры — это обычно радиус самого большого круга или сферы, содержащейся в ней. Внутренний радиус кольца, трубки или другого полого предмета — это радиус его полости.Название «радиальный» или «радиус» происходит от латинского radius , что означает «луч», а также спица колеса круговой колесницы.

Ритм

Художники используют ритм как инструмент, чтобы направлять взгляд зрителя через произведения искусства.

Цели обучения

Распознавать и интерпретировать использование ритма в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Ритм в целом можно определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний» (Anon.1971).
  • Ритм может также относиться к визуальному представлению как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.
  • Например, размещение красной спирали в нижнем левом и верхнем правом углу, например, заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой и всему, что находится между ними. Он указывает на движение в произведении посредством повторения элементов и, следовательно, может сделать произведение более активным.
Ключевые термины
  • симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси.Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.

Принципы изобразительного искусства — это правила, инструменты и рекомендации, которые художники используют для организации элементов в произведении искусства. Когда принципы и элементы удачно сочетаются, они помогают создать эстетически приятное или интересное произведение искусства. Хотя между ними есть некоторые вариации, движение, единство, гармония, разнообразие, баланс, ритм, акцент, контраст, пропорции и узор обычно считаются принципами искусства.

Ритм

(от греческого ритм , «любое регулярное повторяющееся движение, симметрия» (Liddell and Scott 1996)) можно в целом определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний». (Аноним. 1971). Это общее значение регулярной повторяемости или закономерности во времени может быть применено к широкому спектру циклических природных явлений, имеющих периодичность или частоту от микросекунд до миллионов лет. В исполнительском искусстве ритм — это хронометраж событий в человеческом масштабе, музыкальных звуков и тишины, шагов танца или метра разговорной речи и поэзии.Ритм может также относиться к визуальному представлению, как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.

В визуальной композиции узор и ритм обычно выражаются согласованностью цветов или линий. Например, размещение красной спирали в нижнем левом и верхнем правом углу, например, заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой, а затем к пространству между ними. Повторение элементов создает движение глаза зрителя и, следовательно, может сделать произведение активным.Картина Хильмы аф Клинт Svanen (Лебедь) иллюстрирует визуальное представление ритма с использованием цвета и симметрии.

Хильма аф Клинт, Сванен (Лебедь) , 1914 : Цвет и симметрия работают вместе в этой картине, чтобы направлять взгляд зрителя в определенном визуальном ритме.

Пропорции и масштаб

Пропорция — это мера размера и количества элементов в композиции.

Цели обучения

Применение концепции пропорции к различным произведениям искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Иерархическая пропорция — это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.
  • Математически пропорция — это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое — это не просто здание, а обстановка и обстановка участка.
  • Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна.
Ключевые термины
  • золотое сечение : Иррациональное число (приблизительно 1 · 618), обычно обозначаемое греческой буквой φ (фи), которое равно сумме собственной обратной величины и 1, или, что то же самое, такое, что отношение 1 к числу равно отношению его обратной единицы к 1.Некоторые художники и архитекторы двадцатого века составили пропорции своих работ, чтобы приблизиться к этому, особенно в форме золотого прямоугольника, в котором отношение длинной стороны к короткой равно этому числу, полагая, что эта пропорция эстетически приятна.

Пропорция — это мера размера и количества элементов в композиции. Иерархическая пропорция — это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.Например, в древнеегипетском искусстве боги и важные политические фигуры кажутся намного крупнее обычных людей. Начиная с эпохи Возрождения, художники осознали связь между пропорцией и перспективой и иллюзией трехмерного пространства. Изображения человеческого тела в преувеличенных пропорциях использовались для изображения реальности, которую интерпретировал художник.

Изображение Нармера из палитры Нармера : Нармер, додинастический правитель, в сопровождении людей, несущих знамена различных местных богов.Это произведение демонстрирует использование пропорций древними египтянами, при этом Нармер кажется больше, чем другие изображенные фигуры.

Математически пропорция — это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое — это не просто здание, а обстановка и обстановка участка. Вещи, которые делают здание и его участок «правильным», включают все, от ориентации участка и построек на нем до особенностей территории, на которой оно расположено. Свет, тень, ветер, высота и выбор материалов относятся к стандарту архитектурных пропорций.

Архитектура часто использовала пропорциональные системы для создания или ограничения форм, которые считались подходящими для включения в здание. Практически в каждой строительной традиции существует система математических отношений, которая регулирует отношения между аспектами дизайна. Эти системы пропорций часто довольно просты: целочисленные отношения или несоизмеримые отношения (например, золотое сечение) определялись с использованием геометрических методов. Как правило, цель пропорциональной системы — создать ощущение согласованности и гармонии между элементами здания.

Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна. Например, все греческие классические архитектурные порядки являются пропорциональными, а не размерными или измеренными модулями, потому что самые ранние модули основывались не на частях тела и их размахе (пальцы, ладони, кисти и ступни), а на диаметрах колонн и ширине. аркад и окон.

Храм Портана : Греческий храм Портана является примером классической греческой архитектуры с четырехстильным портиком из четырех ионических колонн.

Как правило, один набор модулей диаметра колонн, используемых египтянами и римлянами для корпусных и архитектурных карнизов, основан на пропорциях ладони и пальца, в то время как другой, менее деликатный модуль — используется для отделки дверей и окон, плитки и кровли. в Месопотамии и Греции — на основе пропорций кисти и большого пальца.

Еще у пифагорейцев была идея, что пропорции должны быть связаны со стандартами, и что чем более общие и шаблонные стандарты, тем лучше. Эта концепция — красота и элегантность, подтверждаемые умелым составом хорошо понятных элементов — лежит в основе математики, искусства и архитектуры. Классические стандарты представляют собой серию парных противоположностей, разработанных для расширения размерных ограничений гармонии и пропорции.

Космос

Пространство в искусстве можно определить как область, которая существует между двумя идентифицируемыми точками.

Цели обучения

Определите пространство в искусстве и перечислите способы его использования художниками

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Организация пространства называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства.
  • Пространство художественного произведения включает фон, передний план и средний план, а также расстояние между предметами, вокруг них и внутри них.
  • Есть два типа пространства: положительное пространство и отрицательное пространство.
  • После сотен лет разработки линейной перспективы западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20 века.
  • Кубизм и последующие модернистские движения представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, который ощущается и сегодня.
Ключевые термины
  • пробел : расстояние или пустое пространство между объектами.
  • Кубизм : Художественное направление начала 20 века, характеризующееся изображением естественных форм как геометрических структур плоскостей.

Организация пространства в искусстве называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства. Пространство в целом можно определить как область, которая существует между любыми двумя идентифицируемыми точками.

Пространство воспринимается по-разному в каждой среде. Пространство в картине, например, включает фон, передний план и средний план, в то время как трехмерное пространство, такое как скульптура или инсталляция, будет включать расстояние между точками произведения, вокруг и внутри него.Далее пространство подразделяется на положительное и отрицательное. «Позитивное пространство» можно определить как предмет художественного произведения, а «отрицательное пространство» можно определить как пространство вокруг предмета.

На протяжении веков пространство создавалось по-разному. Художники много времени уделяли экспериментам с перспективой и степенью плоскостности живописной плоскости.

Система перспективы была широко распространена в западном искусстве. Визуально это иллюзионистский феномен, хорошо подходящий для реализма и изображения реальности такой, какой она есть.Потратив сотни лет на разработку линейной перспективы, западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20-го века. Нововведения кубизма и последующих модернистских движений представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, влияние которого ощущается до сих пор.

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon , 1907 : Les Demoiselles d’Avignon — образец искусства кубизма, которое имеет тенденцию сглаживать плоскость изображения, а использование абстрактных форм и неправильных форм предполагает несколько точек зрения на одном изображении.

Двумерное пространство

Двумерное или двумерное пространство — это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем.

Цели обучения

Обсудить двумерное пространство в искусстве и физические свойства, на которых оно основано

Основные выводы

Ключевые моменты
  • С физической точки зрения, измерение относится к составной структуре всего пространства и его положению во времени.
  • Рисование — это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для обозначения двухмерного носителя.
  • Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отполированной формы.
Ключевые термины
  • измерение : Отдельный аспект данной вещи. Мера пространственной протяженности в определенном направлении, например высота, ширина или ширина или глубина.
  • Двумерный : Существуют в двух измерениях.Не создает иллюзии глубины.
  • Planar : Самолет или относящийся к нему. Плоский, двухмерный.

Двумерное или двумерное пространство — это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем. Эти два измерения обычно называют длиной и шириной. Оба направления лежат в одной плоскости. В физике наше двумерное пространство рассматривается как плоское представление пространства, в котором мы движемся.

Математическое изображение двумерного пространства : Двумерная декартова система координат.

В художественной композиции рисунок — это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для рисования для обозначения двухмерной среды (что означает, что объект не имеет глубины). Одно из самых простых и эффективных средств передачи визуальных идей, среда была популярным и фундаментальным средством публичного выражения на протяжении всей истории человечества. Кроме того, относительная доступность основных инструментов для рисования делает рисование более универсальным, чем большинство других средств массовой информации.

Измерение размеров объекта при блокировке на чертеже — важный шаг в создании реалистичного изображения объекта.Для измерения углов разных сторон можно использовать такие инструменты, как компас. Эти углы можно воспроизвести на поверхности чертежа, а затем перепроверить, чтобы убедиться, что они точны. Другой способ измерения — это сравнение относительных размеров различных частей объекта друг с другом. Палец, помещенный в точку вдоль инструмента для рисования, можно использовать для сравнения этого размера с другими частями изображения. Линейку можно использовать как линейку, так и как устройство для вычисления пропорций. При попытке нарисовать сложную форму, такую ​​как фигура человека, полезно сначала представить форму с помощью набора примитивных форм.

Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отполированной формы. Линии примитивных форм удаляются и заменяются окончательным подобием. Более изысканное искусство рисования фигур зависит от художника, обладающего глубоким пониманием анатомии и человеческих пропорций. Опытный художник знаком со структурой скелета, расположением суставов, размещением мышц, движением сухожилий и тем, как различные части работают вместе во время движения.Это позволяет художнику создавать более естественные позы, которые не кажутся искусственно жесткими. Художник также знаком с тем, как меняются пропорции в зависимости от возраста объекта, особенно при рисовании портрета.

Рисование человеческих фигур : «Мадам Пальмира с собакой» Анри де Тулуз-Лотрека , 1897.

Линейная перспектива и трехмерное пространство

Перспектива — это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимого глазом.

Цели обучения

Объясните перспективу и ее влияние на художественную композицию

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Считается, что систематические попытки разработать систему перспективы начались примерно в V веке до нашей эры. в искусстве Древней Греции.
  • Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.
  • В средневековой Европе использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно росли, но без систематической теории.
  • В эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах, как для изображения глубины, так и в качестве нового и «актуального» композиционного метода.
Ключевые термины
  • криволинейный : имеющий изгибы; изогнутый; образованы изогнутыми линиями.
  • линия горизонта : Горизонтальная линия на перспективном рисунке, прямо напротив глаза зрителя и часто подразумеваемая, которая представляет объекты бесконечно далекие и определяет угол или перспективу, с которой зритель видит произведение.
  • точка схода : точка на перспективном чертеже, в которой параллельные линии, удаляющиеся от наблюдателя, кажутся сходящимися.
  • Перспектива : Техника представления трехмерных объектов на двумерной поверхности.

В искусстве перспектива — это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимого глазом, вычисленное с учетом конкретной точки схода. Обычно считается, что систематические попытки разработать систему перспективы в искусстве Древней Греции начались примерно в V веке до нашей эры.В более поздние периоды античности художники — особенно представители менее популярных традиций — были хорошо осведомлены о том, что далекие объекты можно показывать меньшими, чем те, которые находятся поблизости, для усиления иллюзионизма. Но действительно ли это соглашение использовалось в работе, зависело от многих факторов. Некоторые из картин, найденных в руинах Помпеи, демонстрируют замечательный для своего времени реализм и перспективу.

Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.Наиболее важные фигуры часто показаны как самые высокие в композиции, также из иератических мотивов, что приводит к «вертикальной перспективе», обычной в искусстве Древнего Египта, где группа «более близких» фигур показана под большей фигурой (s ).

В искусстве Периода переселения народов не было традиции пытаться составить большое количество фигур, а искусство раннего средневековья было медленным и непоследовательным в переучивании условностей из классических моделей, хотя этот процесс можно наблюдать в искусстве Каролингов.Европейские средневековые художники знали об общем принципе изменения относительного размера элементов в зависимости от расстояния, а использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно увеличивались в течение периода, но без основы в систематической теории.

Однако в эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах. Использование перспективы было не только способом изобразить глубину, но и новым методом создания картины.Картины стали изображать одну единую сцену, а не комбинацию нескольких. Какое-то время перспектива оставалась прерогативой Флоренции. Постепенно, отчасти благодаря движению академий искусств, итальянские техники стали частью обучения художников по всей Европе, а позже и в других частях мира.

Перспектива в живописи эпохи Возрождения : Использование перспективы Пьетро Перуджино на этой фреске в Сикстинской капелле (1481–1482 гг.) Помогло принести в Рим эпоху Возрождения.

Чертеж имеет одноточечную перспективу, если он содержит только одну точку схода на линии горизонта. Этот тип перспективы обычно используется для изображений дорог, железнодорожных путей, коридоров или зданий, просматриваемых так, чтобы передняя часть смотрела прямо на зрителя. Любые объекты, состоящие из линий, либо непосредственно параллельных линии взгляда зрителя, либо перпендикулярных прямой (железнодорожные рейки), могут быть представлены в одноточечной перспективе. Эти параллельные линии сходятся в точке схода.

Двухточечная перспектива может использоваться для рисования тех же объектов, что и одноточечная перспектива, но с поворотом — например, если смотреть на угол дома или смотреть на две раздвоенные дороги, уходящие вдаль. Например, если смотреть на дом из угла, одна стена отступит к одной точке схода, а другая стена отступит к противоположной точке схода.

Трехточечная перспектива используется для зданий, изображенных сверху или снизу. В дополнение к двум точкам схода, по одной для каждой стены, теперь есть третья, указывающая, как эти стены уходят в землю.Эта третья точка схода будет под землей.

Четырехточечная перспектива — криволинейный вариант двухточечной перспективы. Получившийся удлиненный каркас можно использовать как по горизонтали, так и по вертикали. Как и все другие варианты перспективы в ракурсе, четырехточечная перспектива начинается с линии горизонта, за которой следуют четыре равноотстоящих точки схода, очерчивающие четыре вертикальные линии. Поскольку точки схода существуют только тогда, когда в сцене присутствуют параллельные линии, перспектива без точек схода («нулевая точка») возникает, если зритель наблюдает непрямолинейную сцену.Наиболее распространенный пример нелинейной сцены — это естественная сцена (например, горный хребет), которая часто не содержит параллельных линий. Перспектива без точек схода может создать ощущение глубины.

Искажения пространства и ракурса

Искажение используется для создания различных изображений пространства в двумерных произведениях искусства.

Цели обучения

Определите, как искажение используется и как избегается в произведениях искусства

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Искажение проекции перспективы — это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двумерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости.
  • Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, с помощью одной или нескольких точек схода.
  • Хотя искажения могут быть нерегулярными или следовать множеству шаблонов, наиболее часто встречающиеся искажения в композиции, особенно в фотографии, являются радиально-симметричными или приблизительно таковыми, возникающими из-за симметрии фотографического объектива.
Ключевые термины
  • радиальный : расположены как лучи, исходящие из общего центра или сходящиеся к нему
  • проекция : изображение, которое полупрозрачный объект отбрасывает на другой объект.
  • ракурс : метод создания внешнего вида, что объект рисунка расширяется в пространство, путем укорачивания линий, с помощью которых этот объект рисуется.

Искажение — это изменение исходной формы (или другой характеристики) объекта, изображения, звука или другой формы информации или представления.Художник может хотеть или нежелать искажения. Искажения обычно нежелательны, когда речь идет о физической деградации произведения. Однако его чаще называют перспективой, где он используется для создания реалистичных представлений пространства в двумерных произведениях искусства.

Искажение при перспективной проекции

Искажение проекции перспективы — это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двумерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости. Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Самый распространенный из них — перспективная проекция. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, используя одну или несколько точек схода.

Джотто, Плач (Оплакивание Христа) , 1305–1306 : Джотто — один из самых известных художников эпохи до Возрождения, который распознавал искажения в двухмерных плоскостях.

ракурс

Ракурс — это визуальный эффект или оптическая иллюзия, при которой объект или расстояние кажутся короче, чем они есть на самом деле, потому что они расположены под углом к ​​зрителю. Хотя ракурс является важным элементом в искусстве, где изображается визуальная перспектива, ракурс встречается в других типах двумерных представлений трехмерных сцен, таких как рисунки с параллельной наклонной проекцией.

Физиологическая основа зрительного ракурса не была определена до 1000 года, когда арабский математик и философ Альхазен в своей книге Perspectiva впервые объяснил, что свет конусно проецируется в глаз.Метод для систематического изображения укороченной геометрии на плоской поверхности был неизвестен в течение следующих 300 лет. Художник Джотто, возможно, был первым, кто осознал, что изображение, видимое глазом, искажено: глазу параллельные линии кажутся пересекающимися (как далекие края тропинки или дороги), тогда как в «неискаженной» природе они пересекаются. нет. Во многих картинах Джотто перспектива используется для достижения различных эффектов искажения.

Ракурс : Эта картина иллюстрирует использование Мелоццо да Форли ракурса вверх в своих фресках в Базилике делла Санта-Каса.

Искажение в фотографии

В фотографии механизм проецирования — это свет, отраженный от объекта. Чтобы выполнить рисунок с использованием перспективной проекции, проекторы исходят из всех точек объекта и пересекаются в точке станции. Эти проекторы пересекаются с воображаемой плоскостью проекции, и изображение создается на плоскости по точкам пересечения. Результирующее изображение на плоскости проекции воспроизводит изображение объекта, наблюдаемое с точки станции.

Радиальное искажение обычно можно разделить на два основных типа: бочкообразное искажение и подушкообразное искажение. Бочкообразное искажение возникает, когда увеличение изображения уменьшается по мере удаления от оптической оси. Кажущийся эффект — это эффект изображения, нанесенного на сферу (или бочку). Линзы «рыбий глаз», которые принимают полусферические виды, используют этот тип искажения как способ сопоставить бесконечно широкую плоскость объекта с конечной областью изображения.

С другой стороны, при подушкообразном искажении увеличение изображения увеличивается с удалением от оптической оси.Видимый эффект заключается в том, что линии, которые не проходят через центр изображения, изгибаются внутрь, к центру изображения, как подушечка для иголок. Определенное количество подушкообразных искажений часто обнаруживается с помощью визуальных оптических инструментов (например, биноклей), где они служат для устранения эффекта глобуса.

Цилиндрическая перспектива — это форма искажения, вызванная «рыбьим глазом» и панорамными линзами, которые воспроизводят прямые горизонтальные линии выше и ниже уровня оси линзы как изогнутые, а прямые горизонтальные линии на уровне оси линзы как прямые.Это также обычная черта широкоугольных анаморфных объективов с фокусным расстоянием менее 40 мм в кинематографии. По сути, это просто бочкообразное искажение, но только в горизонтальной плоскости. Это артефакт процесса сжатия, который делают анаморфные линзы, чтобы уместить широкоэкранные изображения на пленку стандартной ширины.

Важность искусства в вашем доме — ваше пространство определяет вас

Вы бы никогда не положили поддельные книги на свою книжную полку, так зачем вам ставить поддельные произведения искусства на стены? Оригинальное искусство в доме так же важно, как и качественная кровать.Искусство — не только ключевой предмет мебели для вашего дома, но и важно для вашего психического здоровья. В конце концов, вы проводите одну треть своей жизни в своем доме — так почему бы не потратить эту часть на то, что делает вас счастливым? Важность искусства в вашем доме, которую часто оставляют на задний план из-за необходимых предметов, приносит пользу вашему чувству дизайна интерьера, благополучию и социальной атмосфере. Каждый день вы приходите домой с настроением, которое вы создали. Итак, кто художник?

InLiquid не только ресурс по изобразительному искусству, но и предлагает различные кураторские услуги и услуги по управлению искусством для дома и бизнеса.Имея 15-летний опыт управления и курирования исключительных проектов в области искусства и дизайна, а также перехода карьеры художников от начинающих к устоявшимся, InLiquid обеспечивает индивидуальный и профессиональный уровень опыта с нашей большой базой данных художников и сотрудничества с дизайнерами интерьеров. таких как Кристина Хенк, владелица и креативный директор Henck Design. «Важно поддерживать связь и влиять на социальную и культурную жизнь нашего города, — говорит Хенк из своей студии дизайна в Graduate Hospital. — Люди живут здесь, прежде всего, благодаря работе; во-вторых, люди переезжают сюда ради культуры.То, кем вы являетесь, соответствует вашей культуре. Часто люди демонстрируют свою культуру через искусство в своих домах ». Мы сотрудничали с Кристиной во время Design Philadelphia в 2016 году. Вместе мы создали Apartment Walks в Park Towne Place, где мы дали Кристине возможность спроектировать целый этаж модельных единиц с работами наших художников-участников, начиная от картин, осветительных приборов и заканчивая инсталляциями, вместе с мебелью от Dane Decor. Результаты были гармоничными и внушали чувство творчества и вдохновения всем, кто присутствовал.

InLiquid в сотрудничестве с Henck Design во время выставки Design Philadelphia 2016. Художественная работа Эрики Харни. Комплименты мебели от Dane Decor.

Не только дизайнеры, такие как Хенк, и художественные организации, такие как InLiquid, создают пространства, но и совместно с клиентами и партнерами работают над созданием пространства, отражающего их индивидуальность, и создают предметы, которые могут жить с ними на протяжении всей их жизни (прощание со складным общежитием- мебель и постеры Хендрикса к любому миллениалу).

Независимо от возраста, социально-экономического положения, вы все равно можете быть личным хранителем своего дома, квартиры или даже рабочего стола. Вот три причины, по которым искусство в вашем доме так важно:

Вы получаете больше, имея меньше
Понятно, искусство недешево. Вы задаетесь вопросом: зачем покупать оригинал, если я могу получить распечатку в Ikea? Сделайте импульсную покупку и начните инвестировать. С меньшим количеством вещей не только ваш разум ясен, но и действительно растет ваш запас.

Искусство поддерживает художников
Ищете ли вы принт для своей ванной комнаты или люстру для фойе, искусство, которое вы покупаете, поддерживает жизнь и карьеру художников.

Искусство создает настроение и добавляет индивидуальности вашему пространству
По словам Кристины Хенк: «То, кем вы являетесь, соответствует вашей культуре. Часто люди демонстрируют свою культуру через искусство в своих домах ». Возвращение домой к своему искусству дает вам ощущение структуры, легкости и вдохновляет на то, чтобы стать лучше.

Искусство вызывает воспоминания
Отпразднуйте свою культуру со скульптурой или свой отпуск с картиной. В то время как прядильщики-непоседы — это повальное увлечение, оригинальное искусство, скорее всего, украсит ваши стены потомками.Когда ваше искусство передается из поколения в поколение, создается больше воспоминаний.

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.