Ар деко архитектура: Истоки и первые образцы стиля ар-деко в США

Содержание

Истоки и первые образцы стиля ар-деко в США

0

Впервые опубликовано в сборнике: Декоративное искусство и предметно-пространственная среда. Вестник МГХПА. №3. Часть 1 Москва, 2020 с. 21-31. Предоставлено автором. 

Расцвет стиля ар-деко в США пришелся на рубеж 1920-1930-х гг. и влияние на его становление оказал широкий круг источников, исторических и актуальных. Важнейшим среди них был т.н. «стиль 1925 года», воплощенный в знаменитых павильонах «Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности», открытой в Париже 28 апреля 1925 г. Однако помимо художественных и тектонических концепций стиль небоскребов формировался и благодаря градостроительным, юридическим ограничениям.

Определяющим для становления стиля небоскребов стал нью-йоркский закон о зонировании 1916 г.

, ограничивавший вновь возводимые здания ступенчатым силуэтом. [1] В 1922 г. Х. Корбетт и Х. Феррис выпускают проект башни с учетом его требований. И с этого момента неоархаическая, средневековая образность начинает осознаваться как художественно ценная идея. Так закон о зонировании 1916 г., равнодушный к стилевой характеристике высотного здания, определил высокохудожественный эффект тектонического утонения башен, сформировал неоацтекскую уступчатость и неоготический силуэт городов Америки.

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, общий вид. Арх. фирма «Холаберт и Рут», 1925

Фотография © Андрей Бархин


На смену традиционным пропорциям улиц и зданиям с классическими карнизами, в эпоху 1920-1930-х в города Америки приходит эстетика каньона. В Чикаго, втором центре развития нового стиля, в период с 1927 по 1930 гг.
фирмы «Холаберт и Рут», а также «Грехем, Андерсон, Пробст и Уайт» возводят по пять уступчатых небоскребов в неоархаическом, мезоамериканском ар-деко. Монументальные, расположенные друг напротив друга, они были призваны конкурировать и с достижениями неоклассики 1900-1910-х, и между собой. Они не могли не восхищать, и так стремились работать и советские архитекторы 1930-х. Более того, неоархаизм ар-деко обрел в США еще один, национальный источник вдохновения – кирпичные башни Р. Уалкера в Нью-Йорке восходили к блистательной эстетике скал Долины монументов (таковы, например, Вестерн Юнион билдинг, 1930 и Эй-Ти-энд-Ти Лонг Дистанс билдинг, 1932). Уступчатые и покрытые барельефами, башни ар-деко казались выросшими до небес творениями Ацтеков и Майя. [2]

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, портал главного фасада. Арх. фирма «Холаберт и Рут», 1925

Фотография © Андрей Бархин


Стиль ар-деко выступил в 1910-1930-е в качестве композиционной и пластической альтернативы неоклассике (историзму). Так, характерной чертой ар-деко США становятся миниатюрность, плоскостность декора, резкий масштабный и пластический контраст редких декоративных акцентов и грандиозной, аскетично решенной основной части башни. Подобно работам Луиса Салливана, входные порталы небоскребов решались роскошно, но камерно. Мастера ар-деко не стали укрупнять архаические мотивы, таков был образ грандиозной, «заселенной» древней пирамиды и предел масштабов его воплощения. Создаваемые на огромной высоте барельефы ар-деко кардинально отличалась от пластической пышности историзма. Это были намеренно уплощенные, миниатюрные детали, как бы попавшие из музея на улицу, не изменив своих размеров.

Дейли Ньюз билдинг в Чикаго, фрагмент бокового фасада. 1925

Фотография © Андрей Бархин

Чанин билдинг в Нью-Йорке, деталь. Арх. фирма «Слоан энд Робертсон», 1927

Фотография © Андрей Бархин


Пластика ар-деко была крайне разнообразна – она могла быть как заостренной, геометричной, так и намеренно скругленной, «набухшей» или аэродинамичной, созданной в эстетике т.н. стримлайна. Отбросив греко-римский канон, ар-деко позволяло авторам проявить свою фантазию и эрудицию. Так, например, в моду входит особая смягченная трактовка формы, восходящая к пластике буддийской и древнеегипетской скульптуры. Другой, противоположной модой 1920-1930-х становится заострение, геометризация силуэтов и рисунка деталей. Неслучайно в годы своего создания стиль 1920-1930-х получал наименования «зигзаг-модерн», «джаз-модерн» и подобные, подчеркивающие кубистскую основу ар-деко. Геометризм, условность становится характерным отличием ар-деко от неоклассики, столь же очевидным, как различия между скульптурным каноном Древней Греции и барельефами Мезоамерики. [3]

Таким образом, декоративность небоскребов могла принимать формы геометризации историзма (Американ Радиатор билдинг) и пластической фантазии (Дженерал Электрик билдинг), аутентичной архаизации или предельной, абстрактной аскетизации.

Небоскребы могли быть украшены геометризованными, неоархаическими (отель Интер Континенталь), фантазийными деталями, или лишены их вовсе. И, тем не менее, они предстают цельной, узнаваемой стилистикой. Пластика этих башен могла восходить как к идеям авангарда, новациям 1910-х и павильонам выставки 1925 г., так и к суровым монументам далекого прошлого. Однако именно пирамиды древних цивилизаций сформировали и уплощенность барельефов, и уступчатый силуэт башен ар-деко. Таков был пластический и композиционный неоархаизм ар-деко Америки.

Здание Ригли («Грехем, Андерсон, Пробст и Уайт», 1922) и Чикаго Трибюн (Р. Худ, 1923)

Фотография © Андрей Бархин

Отель Интерконтиненталь в Чикаго, В. Алшлагер, 1929

Фотография © Андрей Бархин


Впервые характерное для ар-деко сочетание уплощенных барельефов и уступчатого силуэта, осуществит в Нью-Йорке архитектор Р. Уалкер. Барклай-Везье билдинг (с 1923) стало первым, начатым еще до выставки 1925 г., небоскребом в стиле ар-деко. [4] В его архитектуре очевиден широкий круг стилевых истоков – это и эстетика уступчатого неоацтекского силуэта, и сложная, в духе кубизма композиция, а также редкие, сложно прорисованные в духе Л. Салливана рельефы, восходящие к ближневосточному, романскому и кельтскому наследию. Такими же будут и высотные здания рубежа 1920-1930-х.

Барклай-Везье-билдинг в Нью-Йорке. Р. Уокер. 1923

Фотография © Андрей Бархин


Однако какова была роль в становлении стиля небоскребов Международной выставки декоративного искусства и художественной промышленности 1925 г. в Париже?

Выставка в Париже, первоначально планируемая на 1914 г. и проведенная в 1925 г. после длительной строительной паузы, стремилась стать возрождением довоенной роскоши архитектуры, и собрала все новации первой четверти ХХ в. Ее павильоны, как впоследствии и небоскребы Америки, были решены в духе ориентализма и неоархаики – уступчатым силуэтом, уплощенными фантазийно-геометризованными рельефами, контрастом декоративных акцентов и аскетичного фона. Таковы были французские павильоны «Студиум Лувр» и «Примавера», «Помон» и «Метриз», торговые аркады на мосту Александра III. И одним из первых образцов импортированного в США «стиля 1925 года» стали изысканные металлические решетки знаменитого Эдгара Брандта, участника парижской выставки. Уже в 1925 они украсили нью-йоркский небоскреб Медисон Бельмонт билдинг. Выставка 1925 г. в Париже «подарила имя» стилю 1920-1930-х и стала его рекламой, однако она не могла в одиночку определить эстетику небоскребов. [5]

Барклай-Везье-билдинг в Нью-Йорке, деталь. Р. Уокер. 1923

Фотография © Андрей Бархин


Архитектура ар-деко на парижской выставке 1925 г. и американская архитектура рубежа 1920-1930-х имели общие истоки, которые питали оба явления. Недостающей промежуточной ступенью между единичными, уникальными в мировом контексте работами Л. Салливана и Ф.Л. Райта 1890-1900-х и массовым распространением нового стиля стала голландская архитектура рубежа 1910-1920-х. Именно в Амстердаме, впервые после Первой мировой войны и работ Райта 1900-х, возникают примеры фантазийно-геометризованного декора, и этот эксперимент носил массовый, убеждающий характер. Причем это были не временные сооружения, созданные лишь ради выставки, но городская среда. [6] Голландские архитекторы первыми ощутили новаторский потенциал стиля Райта и стали его развивать, а в конце 1920-х по их пути пойдут и создатели американского ар-деко. Так созданное на пересечении линий, идущих из Чикаго (от Салливана и Райта), Парижа и Амстердама, ар-деко Америки стало эпохой массового применения и укрупнения ранее созданных решений.

Эпохой зарождения тех тенденций, что сформируют ар-деко, становятся еще 1890-1900-е гг. Те стилевые линии, что пересекутся на рубеже 1920-1930-х, возникают еще в эпоху раннего ар-деко, и несколько десятилетий они будут пульсировать, конкурировать и формировать мировую моду. В 1893 г. Райт уходит из мастерской Салливана, и это расхождение двух гениев сформирует два русла, по которым впоследствии будет развиваться американское ар-деко. Последнее десятилетие XIX в. стало для Луиса Салливана периодом расцвета, вершиной его творческого пути. Тогда, в 1890-е он активно работает с фантазийным, плоскостным декором, Райт же изобретает собственную архитектуру, геометризованную.

Монументальным шедевром раннего ар-деко Райта стала, украшенная фантазийнно-геометрическим декором, Юнити темпл в Оак парке (1906). [7] И в ее архитектуре очевидно и увлечение японской культурой (особенно, в интерьере), и открытие мастером новых стилевых приемов. [8] Магическая форма этой церкви с невероятной силой «бьет» в два направления, она предрекает и неоархаизм ар-деко, и абстракцию авангарда. И именно эта двойственность будет характерна и для стиля небоскребов.

9 Баярд-Кондикт билдинг в Нью-Йорке. Л. Салливен. 1899

Фотография © Андрей Бархин

Баярд Кондикт билдинг в Нью-Йорке, Л. Салливан, 1899

Фотография © Андрей Бархин


1910-1920-е стали для Европы и США эпохой обмена архитектурными новациями, и после выставки 1925 года в Париже мода на новый стиль, ар-деко уже полновластно захватит города Америки. Однако еще в 1910-м в Берлине выходит двухтомное издание работ Ф.Л. Райта (т.н. портфолио Э. Васмута). Оно оказало значительное влияние на развитие в Европе и авангарда, и ар-деко. [9] Ответом Юнити Темпл стали, выстроенные в Амстердаме и повторяющие ее формы, здания – Синагоги (Г. Элте, 1927) и Иерусалимской церкви (Ф.Б. Янтсен, 1929). Редким в СССР приближением к стилю чикагского мастера и стримлайну стал вестибюль станции метро «Сокольники» в Москве (1935), решенный горизонталями карнизов и рамок, а также цоколями с характерными вазами. [10]

Творчество Фрэнка Ллойда Райта 1900-1920-х предстает постепенным движением от «стиля прерий» к концепции «текстильных блоков». И важнейшим источником вдохновения для мастера в эти годы становится наследие Ацтеков и Майя. [11] Влияние архаической, мезоамериканской архитектуры на стилевые приемы Райта было косвенным, но значительным. Это не была стилизация. Однако и монументальные ступенчатые основания, и сдвоенные горизонтальные тяги, рамки («дома прерий», Роби хаус), и пояса уплощенных рельефов и паттернов (дом Уинслоу, Мидвей Гарденс, склады Германа), и даже плоские кровли (Юнити темпл) – все это было одновременно и переосмыслением образов древней, мезоамериканкой архитектуры, в первую очередь, храмов Ушмаля, и разнообразной, талантливой стилистической новацией.

На рубеже 1910-1920-х Райт начинает работать в Японии и Лос-Анжелесе, где возводит великолепную серию частных вилл, особняков. Выстроенные в архитектуре т.н. «текстильных блоков», они воплотили в себе парадоксальный и выразительный синтез неоархаических и технократических мотивов. [12] Таким образом, эволюция стиля Ф.Л. Райта в 1910-20-е состояла в усложнении архитектурной декорации и приближении к эстетике ар-деко. [13]

Юнити темпл в Оак-парке, Чикаго. Ф.Л. Райт. 1906.

Фотография © Андрей Бархин


В 1924 г. Райт сам показывает, как можно превратить стиль его особняков в небоскребы: для Чикаго он создает великолепный проект Нэшнл Лайф Иншуранс билдинг. Его уступчатость была продиктована законом о зонировании, и лишь прием плоскостного геометризованного рельефа был, как кажется, действительно неоархаическим, мезоамериканским. Однако работа с декоративными вставками (паттернами, «текстурами») обретает в США еще один источник – предвестником плоскостных барельефов ар-деко станет фантазийный стиль Луиса Салливана.

Юнити темпл в Оак-парке, Чикаго. Ф.Л. Райт. 1906

Фотография © Андрей Бархин


В своих работах Салливан еще в 1890-е годы предлагает тему уплощенного фантазийного барельефа, как украшения межоконного медальона и входного портала. [14] Таковы были постройки мастера в Сент-Луисе (1891), Чикаго (1893), Баффало (1894), Нью-Йорке (1899) и др. Работая с фасадами многоэтажных офисных зданий, именно Салливан начинает использовать контраст декоративных акцентов и аскезы, импоста и уплощенного рельефа, и так будут решены и небоскребы ар-деко. Их декоративная палитра включала в себя неоархаические мотивы и фантазию – геометрическую, технократическую, как у Райта, и флористичную, ориенталистическую, как у Салливана. Однако оба мастера опирались на свой талант рисовальщика, выдумку, а также архаическое, ориенталистское наследие. И именно эта двойственность декоративного оформления, работа на стыке стилизации и новации, передалась в 1920-1930-е от Салливана и Райта стилю небоскребов.

Небоскребы ар-деко были созданы, можно сказать, в «стиле выставки 1925 года», однако их детали производят отчетливое впечатление нарисованных самостоятельно, талантливо. За ними чувствуется мощная культура, массированный эксперимент, выдающий уже только стилистически точные решения. Стиль выставки был воспринят через призму собственного наследия. И если для Парижа межвоенной эпохи «стиль 1925 года» был исключением, то в США он был отчетливо национален, получив здесь свое наиболее яркое воплощение. Небоскребы ар-деко стали для США своеобразным «возрождением» собственной архаики, пирамид Ацтеков и Майя, диалогом с пионерами нового стиля – Салливаном и Райтом, и именно поэтому «стиль 1925 года» приобрел столь широкую популярность в городах Америки.

Литература

  1. Бархин А.Д. «Амстердам 1920-х в стилевой эволюции ар-деко» // Капитель, № 1 (23), 2013 – С. 78-83.
  2. Васильев Н.Ю., Евстратова М.В., Овсянникова Е.Б., Панин О.А. Архитектура авангарда Москвы 1920-1930-х. Справочник-путеводитель. — М.: С. Э. Гордеев, 2011. – 480 с.
  3. Гольдштейн А.Ф. Фрэнк Ллойд Райт. – Москва, 1973.
  4. Зуева П.П. Американский небоскрёб / Искусство. Первое сентября, М.: 2011, № 12. – С. 5-7
  5. Малинина Т.Г. История и современные проблемы изучения стиля ар деко. // Искусство эпохи модернизма. Стиль ар-деко. 1910-1940 / Сборник статей по материалам научной конференции НИИ РАХ. Отв. ред. Т.Г. Малинина. М.:Пинакотека. 2009. – С.12-28
  6. Овсянникова Е.Б. Влияние экспрессионизма на архитектуру 1930-х годов. / Овсянникова Е.Б., Туканов М.А./ Русский авангард 1910-1920-х годов и проблема экспрессионизма / Под ред. Г.Ф.Коваленко. – М.: Наука, 2003. С. 387-406
  7. Петухов А.В. Ар деко и искусство Франции первой четверти XX века БуксМАрт, 2016. – 312 с.
  8. Филичева Н.В. Стиль Ар Деко: проблема интерпретации в контексте культуры ХХ века. Вестник Ленинградского государственного университета им. А.С. Пушкина, 2010 – 2 (2), 202-210.
  9. Хайт В.Л. «Фрэнк Ллойд Райт – архитектор и человек на все времена» // Об архитектуре, её истории и проблемах. Сборник научных статей/Предисл. А.П. Кудрявцева. – М.: Едиториал УРСС, 2003. – С. 261-274.
  10. Хилльер Б. Стиль Ар Деко / Хилльер Б. Эскритт С. – М.: Искусство – XXI век, 2005 – 240 с.
  11. Bayer P. Art Deco Architecture. London: Thames & Hudson Ltd, 1992. – 224 с.
  12. Bouillon J. P. Art Deco 1903-1940 – NY.: Rizzoli, 1989 – 270 с.
  13. Frank Lloyd Wright on Architecture Selected: Selected writings. 1894-1940 / Ed. by Frederick Gutheim. New York: Duell, Sloan and Pearce, 1941
  14. Holliday K. E. Ralph Walker: Architect of the Century. – Rizzoli, 2012 – 159 с.
  15. Secrest M. Frank Lloyd Wright: A Biography – University of Chicago Press, 1998
  
[1] Рубежным для нью-йоркской архитектуры стало возведение в 1915 г. рекордного по площади офисов здания Эквитабл билдинг. Уже в 1916 г. будет принят закон о зонировании, который, как поясняет П.П. Зуева, допускал, чтобы здания были сколь угодно высокими, начиная с сечения башни, равного четверти площади участка, и требовал делать отступ, начиная с отметки в 45-60 м, то есть в полторы ширины улицы. Впоследствии подобные законы о зонировании были выпущены и в других городах США. [4, С. 6]
[2] Эпоха ар-деко осознавала свои первоистоки, так павильон «храм Майя», выстроенный для Всемирной выставки «Век прогресса» в Чикаго (1933), стал ответом павильону «Ангкор» на Международной колониальной выставке в Париже (1931). Одним из первых примеров этого интереса стал павильон «храм Ацтеков» на Всемирной выставке в Чикаго (1893).
[3] Как указывает П. Баер, революция в Мексике 1910 г способствовала интенсивному изучению монументов доколумбовой Америки, их стиль оказался не просто удивительным, но новым – как говорили «индейцы были первыми кубистами». [11, С. 16]
[4] Как отмечает К. Холлидей, плоскостные рельефы Барклай-Везье билдинг были выполнены еще до начала выставки 1925 г. Сам же Р.Уалкер указывал в качестве источников римскую античность и работы Л. Салливана. [14, С. 50]
[5] Как указывает Т.Г. Малинина, термин «ар-деко» возник в 1966 г. на волне интереса к искусству межвоенного времени и в связи с экспозицией, посвященной 40-летнему юбилею выставки в Париже (Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes). Само же сокращение «ар-деко» (Arts Deco) было употреблено впервые в статьях Ле Корбюзье 1920-х вначале в ироничном, критическом смысле. [5, С. 27; 8, С. 206]
[6] Подробнее см. статью автора [1, С. 78-83]
[7] В 1910-е Райта создает целую серию проектов близких ар-деко – это, в том числе, ребристый небоскреб Колл билдинг для Сан Франциско (1912), проекты библиотеки Карнеги в Оттаве (1913), а также театра Алин Барнсдел (1918) и Мерчендайзинг билдинг (1922) в Лос-Анжелесе и др. В стилистике раннего ар-деко были осуществлены – Ларкин билдинг в Баффало (1904, не сохр. ), Бок хаус в Милуоки (1916) и Холлихок хаус в Лос-Анжелесе (1919-1922).
[8] Впервые с японской культурой Ф.Л. Райт (1867-1959) знакомится на Всемирной выставке в Чикаго (1893). В 1905 г. Райт предпринимает путешествие в Японию (первое из целой серии) и начинает коллекционировать японские гравюры. В Токио он проектирует в Токио отель «Империал» (1919-1923, не сохр.) и виллу Т. Ямамура (1918-1924). И именно из японской архитектуры Райт, как представляется, воспринимает и эстетику сильно вынесенных карнизов и скатов кровли, формирующих образ и силуэт «домов прерий», и цветовые решения интерьеров, например, в Юнити темпл и Роби хаус.
[9] Отчетливо ощутимо влияние Райта и в знаковом образце европейского авангарда – здании ратуши в Хильверсуме (В. Дудок, 1928), воплотившим своего рода укрупненный образ Роби хауса (1908). Заметно влияние стиля Райта и в работах О. Перре, витражи Роби хауса узнаваемы в интерьере церкви Нотр Дам де Ренси (1922), сильно вынесенный, упрощенный карниз церкви Юнити темпл «завершает» фасад театра на Елисейских полях (1913).
[10] Стримлайн принято рассматривать в качестве одного из течений эпохи ар-деко. И к числу его редких отечественных примеров исследователи относят выстроенное в Москве здание Даниловского универмага (Г.К. Олтаржевский, 1936). Как представляется, это был ответ зданию Мосс хаус в Берлине (Э.Мендельсон, 1923). Горизонталями карнизов и рамок было решено и здание Наркомзема (А.В. Щусев, 1933). Таким образом, в архитектуре первые примеры ребристого стиля и стримлайна возникают еще до аналогичных форм в автомобильном дизайне. Подробнее о стилевых приемах архитектуры стримлайна, см. [2, С. 29; 6, С. 389]
[11] Наследие Ацтеков и Майя было доступно Райту и по графике Ф. Казервуда, в 1840-е впервые исследовавшему и зарисовавшему руины храмов доколумбовой Америки, и известно по собственным впечатлениям – от «храма Ацтеков» на Всемирной выставке 1893 в Чикаго (где мастерская Салливана возводила павильон «Транспорт») и от специальной экспозиции с макетами и фото храмов Майя на Панамо-Калифорнийской выставке в Сан-Диего, которую мастер посетил в 1915 году.
[12] Впервые с «текстильными блоками» Райт работает еще в 1910-е, так были решены – Мидвей Гарденс (Чикаго, 1914, не сохр.) и складские помещения А. Германа (Ричленд Сентр, 1915). В Лос-Анжелесе в этом стиле Райт осуществляет серию особняков – Сторер хаус (1923), Миллард хаус (1923), Фриман хаус (1923) и Еннис хаус (1924). Шедевром Райта стала вилла Холлихок хаус (1919-22). Названная в честь цветка Штокрозы (по англ. Hollyhock), она была украшена разнообразным геометризованным декором, одновременно и напоминающим это растение, и технократическим.
[13] Поясним, в 1900-1910-е работы Райта действительно опередили время – и по архитектурной графике, и по пластике и композиции объемов. Однако в конце 1920-х, когда архитектура ар-деко достигла своего расцвета, Райт оказался не востребован. Более того, в то время как в работах мастера было заметно некое сближение фантазийно-геометризованной пластики его особняков с откровенной неоархаической, мезоамериканской стилизацией, в Европе и СССР уже шло зарождение эстетики авангарда. И на рубеже 1920-30-х архитектура Райта, парадоксальным образом, оказалась уже не актуальна ни в возводимых в классике столицах – Вашингтоне и Москве, ни в творческих лабораториях ВХУТЕМАСа и Баухауза.
[14] Райт унаследовал от Салливана и мышление уплощенными рельефами, паттернами, и сильно вынесенные карнизы прямоугольного очертания (как в Юнити темпл). Отличием же эпохи ар-деко 1920-30-х стало завершение зданий не карнизами, но уплощенными профилями и деталями, аттиками и неоархаическими уступами.

 

Ар-деко в архитектуре — Лабодина Валентина

Архитектурный стиль ар-деко зародился летом 1925 года на Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже. Развивался он в условиях послевоенного времени, когда люди отчаянно нуждались в ярком, кричащем и оптимистичном напоминании о былых временах.

В строительстве ар-деко для отделки фасадов и облицовки используются стекло, алюминий, керамика, сталь, мрамор, хром и бронза. Для стиля характерна прямая геометрия с выраженными вертикалями и горизонталями, арки, шпили и использование ступенчатых форм. Окна — прямоугольные простые с большими поверхностями стекол, зачастую украшены декоративными решетками с орнаментом в виде животных и растительных мотивов.

Зародился стиль во Франции, был очень популярен в Америке и, благодаря средствам массовой информации, новый стиль распространился по Европе и за океаном, приобретая в каждой стране свои формы, но сохраняя связь с французской культурой – с новыми представлениями о современной роскоши.

Самым известным архитектором ар-деко во Франции был Робер Малле-Стивенс – он застроил в этом стиле в Париже целую улицу, которую назвали его именем.

В строительстве домов на улице Малле-Стивенс применялись металлоконструкции с витражами из декоративного стекла. Например, один из домов на этой улице — вилла братьев Мартель.

Во Франции архитектура не была направлена на внешнюю помпезность, а скорее на комфорт и роскошь в повседневной жизни. Безусловно, возводились и весьма эффектные здания с яркими чертами нового стиля, например, фасад здания вокзала во французском городе Руан (архитектор Адольф Дерво, 1926-1928 года). Его фасад украшают большое количество окон и крупные скульптуры.

автор фото Daniel Vorndran.

Но более всего ар-деко полюбился в США и приобрел статус официального стиля. После окончания Первой мировой войны в Америке наблюдалось стремительное развитие крупного капитала и монополий на фоне успешной торговли с воюющими странами, что отразилось и на архитектуре. На Манхеттене насчитывается около 150 небоскребов, а самый известный из них — небоскреб Крайслер-билдинг, построенный в 1930 году по проекту архитектора Уильяма ван-Эллена.

Небоскреб имеет треугольные окна, символизирующие лучи солнца. Визитной карточкой небоскреба стали скульптуры на 31 этаже с эмблемой «Крайслера» и горгульи-орлы на 61 этаже. Здание небоскреба высотой 320 метров несколько месяцев было самым высоким в мире, пока в Нью-Йорке по проекту архитекторов Ф.Лемба и А.Хармона не был построен другой небоскреб — Эмпайер стейт билдинг, высотой 381 метр.

Архитектура Германии, Италии и Советского Союза 1920-30 годов характеризуется как тоталитарная архитектура, в которой проекты ар-деко в чистом виде не получили распространения, ассоциируясь с капиталистическими излишествами, но ар-деко точно повлиял на сталинскую архитектуру. Например, в довоенной Москве стиль ар-деко ясно читается в нереализованном архитектурном проекте Бориса Иофана для здания Дворца Советов. Проект утвержден в ходе закрытого конкурса в 1933 году.

Если отойти от общеевропейских временных рамок расцвета ар-деко, то в советских высотных зданиях 1940-50-х годов, построенных в стиле сталинского ампира можно наблюдать черты стиля ар-деко, например, в главном здании МГУ, построенном в 1949-1953 годах.

Если обобщить, то изначально ар-деко призван создать иллюзии роскоши, красивой жизни и благополучия во времена духовного и материального послевоенного кризиса, взяв за основу богатство отделки, живописность и симметрию.

Стиль ар-деко в архитектуре: историческая справка

Ар-деко — это направление в художестве 1920-х и 1930-х годов, переплетающееся со смесью современных стилей декоративного искусства, главные характерные черты которых происходят из самых разных стилей искусства авангарда начала двадцатого века. Работа в стиле ар-деко включает в себя различные ответвления кубизма, русского структурализма и итальянского футуризма.

В этом отношении он содержит довольно сложные комбинации и функции. Часто можно увидеть образцы и объекты в стиле арт-деко, поэтому они распознаются интуитивно. Во-первых, существуют различные национальные разновидности ар-деко, и этот стиль определяется как стилизация стилей (создание существующих произведений путем высмеивания), эклектичное сочетание движений, материалов и форм. Поэтому трудно отличить ар-деко от движений модерн, модерн, Баухаус или ремесленного искусства. Однако некоторые точные характеристики помогают нам понять отличия этого направления от других.

Ар-деко впервые появился на свет во Франции в 1920-х годах. После дебюта в Париже его принял весь мир. Этот стиль возник из разных источников и повлиял на различные дисциплины, от изобразительного и декоративного искусства до моды, архитектуры, кино и промышленного дизайна.

Сегодня искусствоведы спорят о том, был ли ар-деко самостоятельным стилем, хотя он и был самой популярной тенденцией в отрезок между двумя мировыми войнами. В ар-деко есть следы прошлых художественных течений, главной особенностью стиля ар-деко является ориентация на будущее и прославление современных представлений о прогрессе.

Характеристики стиля ар-деко

Помимо отражения современных технологий, для стиля ар-деко характерны прямые линии, геометрические формы, обтекаемые формы, яркие, а иногда и бархатистые цвета. Все началось с роскошного стиля. Для этого использовались серебро, хрусталь, слоновая кость, нефрит и лак. Кроме того, в ар-деко используются такие экзотические материалы, как кожа акулы, рога и шкуры зебры. После мирового экономического кризиса использовались более дешевые промышленные материалы, такие как медь и пластик. Благодаря использованию изящных искусств и ремесел, а также геометрических форм и симметричных композиций, ар-деко приближен к эстетике школы дизайна Баухаус.

Однако эти двое находятся на противоположных сторонах модернистского спектра. Преувеличенные орнаменты и роскошные изделия ар-деко контрастируют с простыми геометрическими формами Баухауса и его гармонией с практичностью современной жизни. Кроме того, ар-деко сравнивают с модерном. Хотя оба движения находятся под сильным влиянием традиций изобразительного искусства и экстравагантных орнаментов, есть также некоторые различия.

Наиболее очевидное отличие — это нанесение форм и линий. Ар-деко, как тенденция, вдохновленная индустриализацией и техническим прогрессом, включает геометрические узоры, яркие и контрастные цвета в симметричных композициях.

Этот стиль использует различные современные материалы, такие как алюминий, стекло, сталь, пластик. С другой стороны, модерн ориентирован в первую очередь на природную среду, и дизайнеры пытались адаптировать современные предметы к более естественным формам.

Ар Деко | Ecletti

Стиль, который уходит и возвращается

Каждая эпоха отличается поиском своего эстетического идеала, а определенный период – поиском особого ритма, который бы наилучшим образом отображал ход времени. Нередко облик текущих реалий основывается на упрощении прошлых традиций и создании чего-то нового, но не менее сложного. Снимая новые мерки для «идеального кроя» современности, история создает неожиданные образы, в которых текущая действительность уже оказывается за рамками традиции, становясь чем-то новым не только в отношении прошлого, но и в отношении своего времени.
Вряд ли этот стиль был сразу принят или даже понят. Его расценивали как «причудливое выражение моды», называли «поддельно-роскошным» и даже ассоциировали с фильмами noir. Это был некий интеллектуальный эпатаж, который проявил подлинную суть стиля как такового.

Состаренное зеркало в стиле Ар Деко от Arte Veneziana (стилизация по мотивам Serge Roche)

Неповторимый синтез искусств, дикой экзотики, архаичных артефактов и джазовых ритмов.
Наиболее эклектичный, не растиражированный и роскошный.
Стиль, который уходит и возвращается, –
«Модернистик», «Джаз Модерн», «Зигзаг Модерн», «Стиль Пуарэ», belle epoque, или просто –
Ар Деко.

Коллекция «Luna» от Giorgio Collection (living)

Сохранив дисциплину композиционной симметрии, но заменив орнаменты и плавучие линии конструктивными формами и беспокойным темпом, период Ар Деко предложил свой эстетический идеал.
«Официально» дефиниция «Art Deco» возникла в период известной парижской выставкой 1925 года – «Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industries Modernes».

«Все работы должны быть современными, и никакие исторические стили не позволяются» – это были главные правила выставки, в то время как ее основная тематика была сосредоточена на том, чтобы показать дизайн интерьеров «в новом стиле». Французские дизайнеры представили роскошную мебель, освещение, ковры, изделия из стекла и керамики, текстиль и другие аксессуары. Новыми источниками вдохновения становились современная живопись и скульптура, оригинальная интерпретация неоклассической мебели и мода, а также сенсационные на то время балеты Дягилева.

Павильон Рульманна

Новый стиль не был чем-то «статичным» и однородным, он не имел определенной «униформы» – казалось, будто он «коллекционировал» разные и часто противоречащие друг другу стили, сочетая модернистские направления, дорогие материалы и лучшие ремесленные традиции. Дизайн изделий отличался геометрией кубистов, колористикой фовистов, экзотическими мотивами индийской культуры, египетского искусства и древними архаическими формами. Дизайнеры вдохновлялись идеями «высокой моды» того времени, что нередко выражалось в новой геометрии, использовании мотива шеврона, зигзагов, ломаной линии и других элементов. Также эстетика Ар Деко была основана на технологических новшествах того времени – речь идет об активном развитии машиностроения и появлении океанских лайнеров. Интеграция дизайна и экспериментальных форм машиностроения привела к возникновению эстетики аэродинамических объемов и направления «Streamline».

Rembrandt Bugatti, «Panthère marchant» (1904)

Но неотъемлемой частью дизайна интерьеров «в новом стиле» становится использование эксклюзивных, редких материалов. Сложный «крой» Ар Деко удивительным образом поместил роскошные материалы в модернистские формы, освободив дизайн от строгой функциональности. Стиль Ар Деко главным образом был ориентирован на моду и выражение индивидуальности: каждый мог выбрать для себя то, что бы соответствовало его эстетическим предпочтениям, вкусу и статусу. Также концепция стиля Ар Деко может быть дополнена мыслью Nancy Troy о том, что «дизайнеры того времени сознательно стремились к менее «согласованной» эстетике, в которой разнообразие цвета, текстуры и формы – отображали разобщенный характер и беспокойный темп, которые наиболее ассоциировались с опытом современной урбанистичной жизни».
Весь мир был ошеломлен подобной выходкой дизайна. В скором времени Ар Деко становится влиятельным направлением начала ХХ века, а к 30-м годам – набирает популярность во всем мире. Этот стиль быстро выходит за рамки исключительно предметного дизайна, и становится неподражаемым культурным феноменом, который уходит и возвращается, оставаясь актуальным вне своего времени.

Жак-Эмиль Рульманн. Кресло

Ар Деко и мода: «Моде необходим тиран»

Этот период кардинально изменил представление о моде. «Трехмерный» образ женщины, похожей на изваяние, переходит в плоскость «двухмерной абстракции». «Моде необходим тиран» – провозгласил Поль Пуаре. Объемные платья были сняты, а женщина становилась стройной и могла проявить свою чувственность. Ее изящный  силуэт становился «восточным мифом». Женщина теперь могла проявить индивидуальность — как в стиле, так и в образе жизни.

Sorbet, a skirt and tunic (1912). Fancy Dress Costume (1911). Evening Dress (1910). Opera Coat (1912). (via V&A; via The Metropolitan Museum of Art)

Платья Поля Пуаре были скроены по мотивам греческого хитона или японского кимоно – это были фасоны одежды, основанные на форме прямоугольника. Шелка Пуаре отличались простыми узорами из розовых и серебристо-белых нитей, которые напоминали лучистые лепестки на черном фоне, и были ограничены лишь повторением упрощенных ромбовидных и округлых форм. Смелые и противоречивые сочетания цвета были вдохновлены экспрессивной сценографией Русских балетов 1910 года, а именно – «Шехерезады». Поль Пуаре вводит в моду женские «гаремные» штаны, создает «тунику-абажур» и изысканный тюрбан. Также его эскизы были основаны на свободе движения и более тесном взаимодействии между одеждой и телом. В то время это было шокирующим явлением.

Кроме того, дизайнер акцентировал на том, чтобы одежда гармонировала с обстановкой интерьеров. В оформлении каталогов того времени можно было увидеть, что выбор платьев гармонировал со стульями, портьерами, коврами и обоями и другими деталями интерьера. Молодые художники «вместо того, чтобы сделать искусство модным, превратили моду в искусство» (журнал «Vogue», 15.06.1914). Отметим также, что именно на парижской выставке был создан павильон «Элеганс», где были представлены работы женщин-кутюрье – Мадам Пакен, сестер Калло, Мадлен Вионне, Габриэль Шанель.

Ар Деко и архитектура

В это период были созданы наиболее узнаваемые и «знаковые» здания. Речь идет о нетрадиционной архитектурной эстетике, которая была создана для того чтобы показать престиж “через высоту, форму, цвет и драматическую иллюминацию в ночное время”. Речь идет о небоскребах.

«Chrysler Building» (фрагмент)

«Chrysler Building» (1927-1930, William Van Allen) становится «иконой» архитектуры в стиле Ар Деко. Вершина этого здания «коронована» стальным шпилем (который становится стилизованным мотивом «sunburst») и декорирована стальными горгульями (элемент готической архитектуры). Chrysler Building также является уникальным образцом архитектуры того времени, поскольку это – одно из первых зданий в мире, для внешнего оформления которого так интенсивно используется металл.

«Chrysler Building»

В интерьере лобби мы можем увидеть красный марокканский мрамор (оформление стен), для оформления напольного покрытия использовались оникс и окрашивание с применением сиены. Египетские мотивы в декорировании лифтов сочетаются с фресками Эдварда Трамбалла (изображение технического прогресса и деятельности человека).

«Chrysler Building» (интерьер)«Chrysler Building» (детали лифта)

Это была некая квинтэссенция уникального синтеза интерьера и архитектуры, предметного дизайна и инновационных технологий того времени, подлинных ремесленных традиций и безошибочного чувства стиля.

Palais de la Porte Dorée (1931)

Одним из наиболее ярких примеров архитектуры Ар Деко во Франции становится здание Palais de la Porte Dorée (1931, Albert Laprade, Léon Jaussly, Léon Bazin). Внешний фасад был полностью покрыт барельефами со сложными сюжетами, а интерьер лобби отличался уникальным паркетом с удивительными геометрическими узорами, стены же были декорированы фресками Луи Буке.

Palais de la Porte Dorée (интерьер)Palais de la Porte Dorée (фрагмент внешних барельефов)

Еще одной знаковой тенденцией периода Ар Реко был уникальный дизайн кинотеатров, которые создавались для того, чтобы вместить большую аудиторию. В 20-е годы в оформлении кинотеатров нередко использовались экзотические элементы. Например, дизайн театра Grauman’s Egyptian Theatre (1922) был вдохновлен формами египетских пирамид, а в интерьере огромного зала мы можем увидеть удивительную стилизацию на мотив «sunburst» (расходящихся солнечных лучей).

Grauman’s Egyptian Theatre (1922)Grauman’s Egyptian Theatre (1950-е)Grauman’s Egyptian Theatre

Сцена Radio City Music Hall (1932) была быстро переоборудована в здание кинотеатра, который был рассчитан на более чем 6-тысячную аудиторию. Над созданием его интерьера работал Donald Deskey. Уникальный дизайн этого кинотеатра был создан с использованием алюминиевых и хромированных поверхностей, инновационного на то время бакелита и кожи. Это было особое помещение, созданное для «красочного побега от реальности».

Radio City Music Hall

Bryant Park Hotel (1924, Raymond Hood и André Fouilhoux) является одним из наиболее загадочных небоскребов. До 1998 года это здание называлось «American Radiator Building». Архитектура этого небоскреба отличается уникальным сочетанием готики и современного направления.

Bryant Park Hotel (1924)

Облицовка фасадов выполнена с применением черного кирпича (что символизировало «уголь») – это создавало эффект массивности здания. Остальные части фасада были декорированы кирпичом с золочением, что создавало особый изысканный контраст, а также символизировало «огонь». В оформлении центрального входа мы можем увидеть мрамор и черные зеркала.

Bryant Park Hotel (детали фасада)

Появление океанских лайнеров стало еще одним уникальным феноменом ХХ века (30-е годы). Кроме внешней эстетики, особое значение имели интерьеры, которые создавались под стать лучшим отелям мира. Например, настоящими легендами стали лайнеры «Normandie» (1932) и «Queen Mary» (1935).

«SS Normandie»

Это были «корабли-небоскребы» или «плавучие замки». О процессе создания интерьеров «Нормандии» говорили, что «в таком количестве» французские художники-декораторы собирались только на парижской выставке в 1925 году. Вскоре возникла вовсе неожиданная тенденция – роскошные отели всего мира начали «подражать» интерьерам лайнера «Normandie».

SS Normandie (the Dinning Room)«SS Normandie» (The Grand Salon, «History of Navigation» mural panels by Jean Dupas)

Нередко форма предметов мебели также могла напоминать дизайн современных автомобилей. В связи с этим в период ар деко возникает новое направление, основанное на эстетике аэродинамических объемов. Речь идет о стиле океанских лайнеров, или «Streamline Moderne», или «Streamline», который был известен во Франции как «Style Paqueboat» или «Ocean Liner Style». Скругленные углы и продолговатые горизонтальные линии, усиленные бетонные конструкции, обтекаемые формы – становятся главными чертами архитектуры этого периода.

Первые интерьеры в стиле Ар Деко

Новый стиль не отрицал ремесленных техник прежнего стиля, поэтому нередко дизайн мебели в стиле Ар Деко был основан на оригинальной ре-интерпретации Ар Нуво. Так, в работах Армана Альбера Рато плавучие лиственные формы были упрощены до спиралей или арабесок, а хрупкие контуры изящных оленей были «настолько же не такими, как и блуждающие изгибы ар нуво». Арман Альбер Рато создавал эксклюзивные изделия из бронзы, дизайн которых отличался особым флером старины и мотивами египетского искусства.

«Dressing Table» (1925) Armand-Albert Rateau (via The Metropolitan Museum of Art)

Для изготовления предметов мебели в этот период используются эксклюзивные материалы – эбеновое дерево, панцирь черепахи и кожи рептилий, инкрустации слоновой костью, комбинации зеркальных, стеклянных и хромированных поверхностей.
Квинтэссенцией первых интерьеров в стиле Ар Деко являются «Grand Salon» Эмиля Рульманна и «Курительная комната» Дюнана. Эмиль Рульманн представил «Hôtel du Collectionneur», или «Отель Коллекционера» – это была некая отдельная структура, которая состояла из нескольких интерьеров.

Жак-Эмиль Рульманн, «Hôtel du Collectionneur» (Salle à manger)

Интерьер «Grand Salon» был создан в комнате овальной формы с высотой потолков выше 6 метров. Композиция огромной люстры, которая напоминала фонтан, состояла из концентрических колец и бесчисленных «лент из стеклянного бисера».

Жак-Эмиль Рульманн, «Grand Salon» («Hôtel du Collectionneur»)

Напротив камина был размещен монументальный буфет, который создал Жан Ламбер-Рюкки в мастерской Жана Дюнана. Для этого изделия были характерны ступенчатые контуры, глянцевые лакированные поверхности, гравировка «hendgehog» с мотивами анимализма и массивный облик.

Буфет, дизайн от Jean Lambert-Rucki, мастерская Jean Dunand — для Ruhlmann’s «Grand Salon» («Hôtel du Collectionneur»)

Центральным объектом комнаты было пианино в отделке Macassar ebony. Изгибы изделия по контурам были созвучны с формой опорных элементов, инкрустированных слоновой костью. Над мраморным камином можно было увидеть огромную картину «Les Perruches» (Жан Дюпа), на которой были изображены женские образы. Некоторые девушки были вовсе оголенными, некоторые – частично одетыми, либо накрытые тяжелыми атласными простынями или парчовыми тканями. На заднем плане был изображен пейзаж с пышными фруктами, листвой и весьма пухлыми птицами. Картина была не просто декоративным предметом в интерьере, a дополняла обстановку: например, цветовая гамма полотна гармонировала с мраморными текстурами камина. Эта картина будто олицетворяла тот облик изобилия и чувственного удовольствия, великолепия и роскоши, которые составляли внутреннее содержание интерьера Grand Salon.

«Grand Salon» Жак Эмиль Рульманн. Пианино

Более сложным и необычным был интерьер «Курительной комнаты», дизайн которой создал Жан Дюнан. Это была квадратная комната «со скошенными углами», что создавало форму восьмигранника. Композиция многоярусных ступенчатых потолков была похожа на пирамиду, или ассоциировалась с формой зиккурата. Общая тональность интерьера усиливалась лакированной отделкой стен в глубоком черном оттенке.

«Smoking Room» by Jean Dunand

Потолок же был окрашен в серебристый цвет с контрастными угловыми акцентами в красном цвете. В центре комнаты были расположены квадратный стол и кресла, геометрия которых была проявлена с помощью черных контуров в отделке композиционных элементов. В оформлении дверного проема можно было увидеть облицовку с абстрактными узорами. Интерьер «Курительной комнаты» отличался геометрической строгостью и некой «формальной элегантностью».

«Smoking Room» by Jean Dunand«Smoking Room» by Jean Dunand (настенные панели с абстрактными геометрическими узорами)

Для этой обстановки был характерен особый ритм и взаимосвязь между архитектурой пространства и мебели. Усиленное чувство прямых линий не имело ничего общего с чувственными формами природы, а общая тональность олицетворяла ощущение «психологической удаленности, мало чем отличаясь от чего-то отчужденного».

Детали в стиле Ар Деко

Жан Дюнан также был известен тем, что создавал уникальные вазы «dinanderie». Эти аксессуары, как правило, изготавливали из меди или латуни, а затем декорировали с помощью разных техник патинирования и нанесения эмалей. Если раньше с помощью техники «repoussé» мастера воссоздавали рельефные формы и узоры по мотивам флористики, то Дюнан экспериментировал с органическими формами, которые отличались уже более правильными контурами, а иногда это были даже классические пропорции или архаические узоры, основанные на простых геометрических элементах и ритмичном их повторении.

Jean Dunand, Ovoid vase (1925)Мы можем видеть пару монументальные ваз Жана Дюнана, которые были впервые представлены на Парижской выставке в 1925 году. На фото – интерьер Grand Salon в резиденции Ив Сен-Лорана.

В 1912 году Жан Дюнан начинает экспериментировать с техниками нанесения лака на деревянные и металлические поверхности, обучаясь у японского мастера Seizo Sugawara. Это была очень кропотливая работа, в результате которой удавалось создать уникальные аппликации и сложные слоистые поверхности с поразительной тонкостью. Отметим, что уникальные изделия были созданы в коллаборации «Жан Дюнан и Эжен Притц». Эжен Притц также изготавливал эксклюзивные изделия, декорированные металлическими аппликациями с уникальными художественными деталями.

Jean Dunand, Eugène Printz. Бар (фото via Drouot)

Среди общих работ Дюнана и Притца – узнаваемы эксклюзивные комоды и ширмы с мотивами японского, африканского и восточного искусства в сочетании с абстрактными геометрическими узорами, экзотическими пейзажами, птицами и животными. Для этих изделий нередко характерны смелые оттенки, аппликации в технике «яичная скорлупа» (broken eggshell inlay), что контрастировало с отполированными поверхностями.

«Panther» (Jean Dunand, Paul Jouve, 1924), The Metropolitan Museum of Art

Жак-Эмиль Рульманн экспериментировал с неоклассическими формами мебели. Это была виртуозная работа с использованием наиболее редких материалов. Например, это древесина амбойны (amboyna) из Лаоса, Macassar ebony из Индонезии, инкрустации слоновой костью, шагрень. Рульманн показал, как использовать кожу акулы, ската или игуаны в качестве ценных инкрустаций. А также он впервые продемонстрировал сочетания классики и конструктивизма, использовал комбинации стекла, металлических поверхностей и хромированных покрытий. Рульманн проявил текстуру редкой древесины в качестве самостоятельного композиционного элемента.

Буфет «Chariot» (1919, Macassar Ebony, Махагони, слоновая кость, мрамор Portor). Жак-Эмиль РульманнЖак-Эмиль Рульманн, Буфет (никелированная сталь, стекло, оникс, зеркальные поверхности)

Эрте, которого еще называли «эльфом Ар Деко», ввел в моду этого стиля бронзовые скульптуры. Такие изделия он изготавливал в уникальной манере с применением холодного или горячего патинирования, филиграни и чеканки, золочения, удивительных эмалей и драгоценных материалов. Эрте создал новые составы и оттенки, применяемые в патинировании, – это «Verdi green» и «Mauve». Все свои бронзовые статуэтки он создавал в технике «утраченного воска», которая использовалась еще в Древнем Китае. Известно, что главным его излюбленным образом была женщина – зыбкая, тонкая, нежная… будь то ассирийская принцесса или греческая богиня, робкая рабыня или редкая птица…

Erté. «Opening Night». «L’Amour du vin». «Deco». «Je l’aime». «Ecstasy».

Ар деко и Русские Балеты

Любой разговор о периоде ар деко будет неполным без упоминания еще одного культурного феномена – «Русских балетов» Дягилева, которые в свое время «перевернули Францию». Как однажды написал Анри Геон, это было «чудо восхитительного равновесия между движениями, звуками и формами». Начиная с премьеры 1910 года, балеты Дягилева стали уникальным явлением, отправной точкой которого был некий абсолют в поиске новых форм. Балет как таковой превратился в синтез искусства танца, актерского мастерства, живописи и сценографии. Танец становился «живым проявлением театральной декорации».

Вацлав Нижинский, «Синий Бог» («Le dieau Bleau». Париж, 1912)

Декорации и костюмы для балетов Дягилева создавали культовые художники того времени – Пабло Пикассо, Андре Дерена, Анри Матисс, Антуан Певзнер, Габриэль Шанель, Поль Пуаре и другие.

Costume for the Chinese Conjuror from Parade, designed by Pablo Picasso, 1917. Victoria & Albert Museum, Lomdon (image via V&A)

Беспрецедентная хореография основывалась на эксперименте с танцевальными формами Нижинского, а Мясин – добавил специфические «ломанные и вычурные формы». Нота как таковая была освобождена от понятия «лада» и «тональности», что позволило воплотить в балете эксперимент с ритмом.

Нижинский, «Послеполуденный отдых фавна» (1912)

Неоднозначно воспринятым явлением стала хореография Нижинского – с приземленными движениями, которые нарушали устоявшееся представление о сольном мужском танце. Речь идет о совершенно новой пластике, или «эуритмике», которая больше напоминала «театр поз», нежели классический балет. Так, в балете «Послеполуденный отдых фавна» (1912) появился «неподходящий фавн», с «отвратительными движениями», которые больше напоминали жесты «эротической животности» (Гастон Кальмет, Le Figaro от 30.05.1912). Он говорил о присутствии «животной действительности» вместо подлинного балета.


Но Огюст Роден констатировал, что Нижинский «никогда еще не был так хорош”, а именно – «нет больше никаких танцев, никаких прыжков – ничего, кроме положений и жестов полусознательной животности». «Он идет скорченный, выпрямляется, отступает движениями то медленными, то резкими, нервными, угловатыми. Его глаза дрожат, он протягивает руки… и поворачивая голову он продолжает выражать желание с намеренной неуклюжестью, которая кажется естественной. Форма и мимика – неразрывно связаны с его телом…» (Le Figaro, 31.05.1912).

Нижинский, «Послеполуденный отдых фавна» (1912)

Таким образом, этот «неподходящий фавн» показал архаичный жест – спонтанный, импровизированный и интенсивный. Настолько же примитивный и несдержанный, как и первобытный жест настоящего фавна «в состоянии сладострастного пыла». Он не был выдумкой, он был реальным.

NIJINSKI (1912), скульптура Огюста Родена (via Musée Rodin)

Декорации балетов Дягилева также повлияли на моду. Если же это был балет «Шехерезада», то Париж погружался в аутентичную восточную атмосферу – с экзотичными нарядами, полуобнаженными телами и яркими цветовыми сочетаниями. Так, становятся популярными шаровары и тюрбаны, насыщенные ярко-оранжевые оттенки, сочно-голубые, глубокие зеленые цвета.

Вера Фокина, «Шеререзада» (1910)

Даже цветовая гамма в постановках Дягилева была подобрана таким образом, чтобы цвет обретал собственный ритм – дикий, животный, спонтанный и непредсказуемый – первобытный. Цвет будоражил воображение зрителя, вызывая спонтанные эмоции.
Балеты Дягилева наилучшим образом показали душу эпохи Ар деко – первобытную, незнакомую, экзотичную, дикую. Поэтому часто такой интерьер вызывает смятение – ведь он обладает собственным ритмом – ломанным и несогласованным, а его атмосфера – древняя и современная, первобытная и роскошная одновременно.

Атмосфера Ар Деко

Стиль Ар Деко ориентирован на эклектику. Поэтому нередко сначала такие интерьеры не производили впечатления целостной композиции, а ассоциировались больше со скоплением ценных вещей. Это воспринималось как «павильон коллекционера» или «ателье художника». Но атмосфера Ар Деко выражала абсолютный гедонизм – удовольствие и возможность «наслаждаться жизнью здесь и сейчас». Таким интерьерам свойственна некая театральность, сценический жест и даже гротескные формы. Например, кресла или стулья с нарочито вытянутыми, очень высокими спинками – это классика Ар Деко.

Коллекция «Ellelux» от Lanpas (мы можем видеть пару стульев с «вытянутыми» высокими спинками)

Этому стилю свойственна экспрессивность и некий иррациональный подтекст, который проявляется в специфическом сочетании разных фрагментов реальности – как в натуральном виде, так и «парадоксально деформированном». Атмосфера Ар Деко строится на контрасте и наслоении ритмов, состояний статики и динамики, которые постоянно замещают друг друга. Поэтому для этого стиля характерна некая фрагментарность – фрагментарность восприятия такой атмосферы и пребывания в ней. Тем не менее, такой интерьер несет важное эмоционально-психологическое содержание – ведь он позволяет полностью дистанцироваться от индустриализации и проникнуться эстетикой, которая выражает индивидуальность в высшей мере.

Коллекция «Belle Epoque» от Soher
Источники Ар Деко

Дикая экзотика, а именно образы и формы животных, – является одним из основных источников стиля Ар Деко. Любые элементы анимализма олицетворяют особую пластику, воплощение разных состояний в материале. Например, это может быть состояние покоя или стремительного движения. Без такого элемента этот стиль не был бы «самим собой». Поэтому в интерьере Ар Деко присутствуют скульптуры диких животных (пантер, ягуаров, бизонов, ланей, птиц, образы оленей и другие).

Коллекция «Animals» от Ceramiche Trea

Также анимализм выражен и в использовании шкур диких животных, кожи рептилий и других ценных инкрустаций. Нередко отделка обеденного стола, бара или комода – может быть выполнена с применением таких материалов. Либо же мы можем видеть обивку стульев или кресел с использованием «окраски» тигра (например, это может быть искусственный мех в такой расцветке).

Жак-Эмиль Рульманн. Банкетка (Macassar Ebony, серебрение)

Стилистика сценографии балетов Дягилева, а именно – эскизы костюмов и декорации Леона Бакста – оказали огромное влияние на интерьеры Ар Деко. Нередко такая обстановка напоминает не столько стиль интерьера, сколько – определенный «жест». Геометрия Ар Деко устроена таким образом, что любые ритмы и гармония на первый взгляд кажутся – хаотичными и несогласованными, ломанными, но при этом жест Ар Деко в интерьере – всегда выражен в виде уникальной композиции с определенным внутренним содержанием.

«Decò» от Smania. Прямоугольная декоративная панель с деревянным обрамлением wengè. (Коллекция Master Collection)

Ритмы джаза, мотив клавиш рояля («черное-белое») – также становятся ключевой особенностью атмосферы Ар Деко. Джаз представляет собой синтез европейской и африканской культур, поэтому нередко такая музыка кажется импровизированной, состоящей из изощренных, неровных ритмов, которые основаны на смещении, несовпадении ритмических акцентов. «Пунктирный» ритм джаза задает специфическую внутреннюю динамику в интерьере Ар Деко, что проявляется не только во внутренней атмосфере, но и во внешних элементах.

Коллекция «Art Deco» от Vismara

Так, мы видим присутствие «клавиш рояля», или применение редких видов древесины с уникальными текстурами «в полоску» (палисандр, макассар, зебрано), либо чередование черного и белого, черного с золотом, черного с серебром – это обязательно будут контрастные полосы, которые занимают автономную позицию в интерьере, либо же присутствуют в декоре предметов мебели. Также «ритмы джаза» в интерьере Ар Деко будут подкреплены многочисленными контурами, обрамлениями, пунктирами.

Коллекция «Next Deco» от Arte Veneziana. Буфет. Лакированная древесина Ebony и черное стекло с гравировкой ручной работы (серебро)

Поэтому следует отметить еще одну специфическую черту ар деко – это «рамочность» и «контурность», которые присутствуют повсюду, – даже в оформлении декоративной шкатулки. Поверхность любого предмета – как будто состоит из контуров, обрамлений и контрастных по цвету линий, которые повторяются в заданном ритме. Такие элементы обязательно будут дополнены ступенчатыми формами – например, это может быть ступенчатое основание изделия (стола, комода, шкатулки и др.), перегородки или торцевые элементы изделий. Этот элемент происходит от формы «зиккурата» – многоступенчатого сооружения, которое было типичным для шумерской, ассирийской и вавилонской архитектуры.

«Femme Bras Levés» от Lalique (хрусталь и Black Ebony)

Еще один обязательный элемент любого интерьера Ар Деко – это мотив «sunburst», или образ «расходящихся солнечных лучей». Как правило, этот мотив используется в композиционном оформлении зеркал или изголовья кроватей. Полосы, линии любой формы (прямые, вертикальные или заостренные) – расходятся пышным каскадом лучей под разными углами, что как будто «взрывает» и останавливает причудливые, постоянно повторяющиеся и смещенные «джазовые» ритмы интерьера.

Состаренное зеркало в стиле Dèco по мотивам Serge Roche — от Arte Veneziana

Влияние древних культур и примитивных искусств значительно влияет на стилеобразование Ар Деко. Например, это могут быть египетские, африканские и ацтекские мотивы, элементы крито-микенской культуры. Нередко в интерьере Ар Деко можно увидеть аутентичные аксессуары: это могут быть африканские маски, статуэтки, вазы, текстиль с особыми орнаментами и другие ремесленные изделия.

орнаменты световых панно из коллекции «Glass Eyes» от Vismara
Геометрия Ар Деко

В то же время, Ар Деко прекрасно сочетает элементы живописи экспрессионистов, сюрреалистов, постимпрессионистов – с формами примитивных искусств, элементов стиля ампир и эстетикой аэродинамических объемов, вдохновленной дизайном океанских лайнеров, локомотивов и автомобилей. То есть, речь идет не только о синтезе искусств, но о слиянии совершенно противоположных культурных явлений.
Колористика фовизма привносит в атмосферу ар деко особую «дикую» выразительность, основанную на контрасте, чистоте и резкости цвета. «Фацеточные», или граненые формы кубистов – проявляются в особой геометрии Ар Деко. Это в некоторой степени геометризиррованные условные формы, эффект «раздробленности» объектов, который переходит в более сложную парадигму.

Кофейный столик «Gerard» от Epoca

Круги и эллипсы, зигзаги, квадраты и прямоугольники, трапеция, линия – энергично чередуются, накладываются друг на друга, образуя единый «пунктирный ритм». Граненные, фацеточные и кристаллические формы, трапеции – присутствуют в архитектонике предметов мебели и аксессуаров. Трапециевидное основание обеденного стола или консоли – это классика Ар Деко. Особая геометрия этого стиля также проявляется за счет использования редких видов древесины: так, уникальные природные фактуры макассар, палисандра, зебрано – позволяют проявить в обстановке зигзаги и ромбы.

Коллекция «Luna» от Giorgio Collection (dinning)

Интенсивность цвета и текстур, контрасты, графичность линий и контуров, блеск стали и хромированных поверхностей, сопоставление хроматических плоскостей – все эти сложные переходы позволяют наиболее отчетливо проявить геометрию Ар Деко, задав общую тональность джазовым ритмам. А расходящиеся солнечные лучи от зеркала, сверкание драгоценных камней, теплые оттенки золота и анималистичные мотивы – уравновешивают и смягчают этот сложный темп. Изгиб дикой кошки или грациозное движение лани, лепесток экзотического цветка – каждая из этих деталей проявляется в полной мере, открывая новые грани лабиринта Ар Деко.

Arte Veneziana. Деталь буфета. Лакированная отделка древесины Ebony и черное стекло с гравировкой в серебре.
Мебель в стиле Ар Деко

Сегодня известные мировые бренды представляют прекрасные коллекции мебели или аксессуаров, выполненных в манере Ар Деко, либо с элементами этого стиля. Например, это эксклюзивная мебель от Lalique. Или же это изысканные коллекции «Panther» и «Belle Epoque» от Soher. Коллекция «Privilege Collection» от Fimes также отличается особой эстетикой Ар Деко. Фабрика Giorgio Collection является одной из немногих, кто представляет уникальные коллекции в манере Ар Деко, полностью выдерживая каноны этого стиля и адаптируя его к современности (линейки «Daydream», «Absolute», «Paradiso», «Luna», «Coliseum» и др.). Бренд Lanpas представил коллекции «Ellelux» и «Blue Diamond» с элементами этого стиля. Изделия, выполненные в манере Ар Деко, мы можем увидеть в коллекциях фабрики Arte Veneziana («Next Déco»). Также речь идет об уникальной репродукции бара Рульманна — с центральной гравюровкой, основанной на рисунках Alfred Janniot.

Arte Veneziana. Бар. Репродукция изделия Рульманна с гравировкой по рисункам Alfred Janniot.

Бренд Vismara представляет уникальные системы для домашних кинотеатров и эксклюзивную мебель, в которой присутствуют элементы Ар Деко – это удивительный декор в виде примитивных орнаментов и пирамидок, изысканные цветовые контрасты и особая композиционная организация (коллекции «Eyes», «Art Deco», «Piramid»). Epoca представляет роскошные коллекции мебели в стиле Ар Деко, которые отличаются особой геометрией и эксклюзивными материалами (коллекции “Ebony”, “Art Deco”).

Коллекция «Piramid» от Vismara (фрагмент декоративных пирамидок)

 

Коллекция «Panther» от SoherЖак-Эмиль Рульманн

Author: Marina Schultz

Источники, использованные для написания эссе:

  • David Raizman. A History of Modern Design: Graphics and Productions Since the Industrial Revolution
  • Charlotte & Peter Fiell. Design of the 20th Century
  • John Pile. A history of interior design, 2nd edition
  • Софиева Н. Дизайн интерьера: стили, тенденции, материалы.
  • Erik Knowles. Art Deco
  • Koda, Harold, and Andrew Bolton. “Paul Poiret (1879–1944)” In Heilbrunn Timeline of Art History. New York: The Metropolitan Museum of Art (September 2008)
  • Harold Koda and Andrew Bolton, with contributions by Nancy J.Troy. Poiret (2007)
  • New York Architecture. Chrysler Building
  • Le Figaro, 30 May 1912 // Gallica BnF
  • Le Figaro, 31 May 1912 // Gallica BnF

Источники фотографий:

  • Первое фото: Erté, «Realy for the Ball» // Erté
  • Состаренное зеркало в стиле Ар Деко от Arte Veneziana (стилизация по мотивам Serge Roche) // Arte Veneziana
  • Коллекция «Luna» (living) от  Giorgio Collection // Giorgio Collection
  • Коллекция «Ellelux» от Lanpas // Lanpas
  • Коллекция «Belle Epoque» от Soher // Soher
  • Коллекция «Animals Collection» от Ceramiche Trea // Ceramiche Trea
  • «Decò» от Smania. Прямоугольная декоративная панель с деревянным обрамлением wengè. (Коллекция Master Collection) // Smania
  • Коллекция «Art Deco» от Vismara // Vismara
  • Коллекция «Next Deco» от Arte Veneziana. Буфет. Лакированная древесина Ebony и черное стекло с гравировкой ручной работы (серебро) // Arte Veneziana
  • Femme Bras Levés Bar от Lalique (хрусталь и Black Ebony) // Lalique
  • орнаменты световых панно из коллекции «Glass Eyes» от Vismara // Vismara
  • Кофейный столик «Gerard»от  Epoca // LuxDeco
  • Коллекция «Luna» от Giorgio Collection (dinning) // Giorgio Collection
  • Arte Veneziana. Деталь буфета. Лакированная отделка древесины Ebony и черное стекло с гравировкой в серебре // Arte Veneziana
  • Arte Veneziana. Бар. Репродукция изделия Рульманна с гравировкой по рисункам Alfred Janniot // Arte Venrziana
  • Коллекция «Piramid» от Vismara (фрагмент декоративных пирамидок) // Vismara
  • Коллекция «Panther» от Soher // Soher
  • International Exhibition of Modern Decorative and Industrial Arts: The Art Deco Exposition (Arthur Chandler)
  • Rembrandt Bugatti, «Panthère marchant» // Rembrandt Bugatti Sculpteur
  • Jacques-Émile Ruhlmann — мебель и редкие фото // Ruhlmann — About the master Art Deco furniture designer
  • Поль Пуаре: Heilbrunn Timeline of Art History. Paul Poiret (1879–1944) // The Metropolitan Musem of Art
  • Поль Пуаре: Introduction to 20th-Century Fashion // Victoria and Albert Museum
  • Поль Пуаре: Business of Fashion Fashion History – Paul Poiret // Eco Fashion Talk
  • Поль Пуаре: Paul Poiret (1879-1944) // The Red List
  • Armand-Albert Rateau, «Dressing Table» (1925): Dressing Table. Armand-Albert Reteau.Work of Art. Heilbrunn Timeline of Art History // The Metropolitan Musem of Art
  • Жак-Эмиль Рульманн, «Hôtel du Collectionneur», Salle à manger // L’histoire par l’image.
  • Жак-Эмиль Рульманн, «Hôtel du Collectionneur», Piano // Maxime Old
  • Жак-Эмиль Рульманн, «Grand Salon» // Art Deco Style
  • Буфет, дизайн от Jean Lambert-Rucki, мастерская Jean Dunand — для Ruhlmann’s «Grand Salon» («Hôtel du Collectionneur») // Ruhlmann — About the master Art Deco furniture designer
  • «Smoking Room» by Jean Dunand: Laquered smoking room, Ambassade Francaise, Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes, Paris 1925 //ARCHITECTURE.COM by RIBA
  • «Smoking Room» by Jean Dunand (настенные панели с абстрактными геометрическими узорами): Unique and important pair of wall-panels, designed for the smoking room // MutualArt
  • Jean Dunand, Ovoid vase (1925) // Galerie Marcilhac
  • Пара монументальных ваз Жана Дюнана, которые были впервые представлены на Парижской выставке в 1925 году. На фото – интерьер Grand Salon в резиденции Ив Сен-Лорана: Revisiting Yves Saint Laurent’s Paris Apartment // Architectural Digest
  • Jean Dunand, Eugène Printz. Бар (фото via Drouot) // Drouot
  • «Panther» (Jean Dunand, Paul Jouve, 1924): Panther // The Metropolitan Museum of Art
  • Erté. Скульптуры // Erte. Sculpture
  • Вацлав Нижинский, «Синий Бог» («Le dieau Bleau». Париж, 1912): Diaghilevs Russian Seasons // Viola.bz
  • Costume for the Chinese Conjuror from Parade, designed by Pablo Picasso (1917): Diaghilev and the Ballets Russes. Victoria & Albert Museum, London // V&A
  • Нижинский, «Послеполуденный отдых фавна» (1912): The New York Public Library Digital Collections // NYPL Digital Collections
  • Вера Фокина, «Шеререзада» (1910): Diaghilevs Russian Seasons // Viola.bz
  • NIJINSKI (1912), скульптура Огюста Родена (via Musée Rodin) // Musée Rodin
  • «Chrysler Building» (фрагмент): Chrysler Building, Detail of the stainless steel roof, New York City, USA // History of Architecture and Urbanism in New York City
  • «Chrysler Building» // Cogent
  • «Chrysler Building» (детали лифта) // 6sqft NYC real estate and architecture news
  • «Chrysler Building» (интерьер) // Jake Rajs
  • Palais de la Porte Doreé (1931) // Cyril Sancereau
  • Palais de la Porte Doreé (interior) // Association Artistique et Culturelle de Villemomble AACV
  • Grauman’s Egyptioan Theatre (1922) // Historic Hollywood Photograph Collection
  • Grauman’s Egyptioan Theatre (1950-е) // SFO Museum
  • Grauman’s Egyptioan Theatre // Cinema Series, Franck Bohbot
  • Radio City Music Hall // The New Yourk Pass Blog
  • Bryant Park Hotel (1924) // Tablet
  • Bryant Park Hotel (детали фасада) // Luxury Dream Hotels
  • «SS Normandie» // Arzamas
  • «Normandie» interiors (The Grand Salon and The Dinning Room) // The Magazine Antiques. Celebrating the ‘Decodence’ of the SS Normandie.

Ар-деко. Анатомия архитектуры [Семь книг о логике, форме и смысле]

Ар-деко

В истории современного искусства роль ар-деко представлена парадоксально. С одной стороны, книги об архитектуре первой половины XX века, как правило, уделяют ему не так много внимания, как развивавшемуся параллельно модернизму. Именно модернизм обычно нанизывают на общую историческую нить, будто одну из бусинок в череде сменяющих друг друга стилей. И именно архитекторов-модернистов поначалу первыми запоминают те, кто приступил к изучению культуры Новейшего времени. С другой стороны, сегодня ар-деко стало чрезвычайно популярным, даже модным образцом для подражания там, где требуется подчеркнуть эстетское отношение к жизни или сформировать целостную, не опошленную грубой эклектикой художественную среду. В облике многих современных зданий нетрудно заметить реминисценции этого стиля. Произведения декоративно-прикладного искусства, созданные мастерами ар-деко, в наши дни с удовольствием используются дизайнерами интерьеров. Наконец, в пространствах этого художественного направления действуют герои многих снятых в последние годы фильмов, такие, например, как Дживс и Вустер или Эркюль Пуаро (соответственно, и одетые по моде того времени).

На самом деле до начала Второй мировой войны именно ар-деко было доминирующим направлением, точнее, именно произведения, созданные в этом стиле, воспринимались как следующие норме. Модернисты же в то время были бунтующим меньшинством. Так, на знаменитой парижской Выставке современных декоративных и промышленных искусств 1925 г. «современную архитектуру» представляли только павильон СССР Константина Мельникова и павильон «Новый дух» («L’Esprit Nouveau»), спроектированный Ле Корбюзье, причем этот последний устроители мероприятия даже пытались огородить забором, чтобы не портить общую панораму из богато декорированных сооружений.

Кстати, скорее всего благодаря именно этой выставке родилось название Art Deco – как сокращение от Arts D?coratifs (декоративные искусства). Однако широко использовать данный термин стали лишь с конца 1960-х гг., когда появились первые издания, в которых этот стиль осмысливался как самостоятельное художественное направление. Эстетика ар-деко точно соответствует названию. В отличие от модернистов, выступавших за «честность» в демонстрации работы конструкций и в соответствии функциям, деятели ар-деко (прежде всего архитекторы) никогда не отказывались от применения декора, то есть «бесполезных» элементов, украшающих объект и рассказывающих о том, как его следует воспринимать. Можно сказать, что этот стиль сложился естественным путем, плавно трансформировавшись из ар-нуво, поэтому его появлению не предшествовали многочисленные теоретические работы или пламенные манифесты.

Рис. 7.4.25. Старый фасад магазина «La Samaritaine». Архитектор Франц Джордан. 1903–1907 гг. Париж, Франция[354]

Рис. 7.4.26. Фасад магазина «La Samaritaine». Архитектор Анри Саваж. 1933 г. Париж, Франция[355]

Вместе с тем архитекторы и художники данного направления считали обращенными и к себе все острые вопросы, встававшие перед искусством в XX веке, однако, в отличие от модернистов, давали ответы, далекие от радикальных. Ар-деко, как и модернизм, во многом выросло из характерного для эпохи рубежа веков осознания ценности чистой формы, свободной от внешних содержательных аспектов. Это заметно по эстетскому отношению к каждой формальной черте, взятой отдельно, абстрагированно от общего образа произведения. Например, для творцов этого направления всегда важна художественная самоценность линии, ее очертаний. Такая линия, как правило, избегает простой геометрии и следует курватурам, выстроенным по сложным математическим формулам. Впрочем, стиль 1920–1930-х гг. чаще вообще предпочитает параллельные прямые и четкие углы, правда, не обязательно проведенные под столь ценимыми модернистами 90°. К примерам интереса к чистой форме следует, пожалуй, отнести и негласное приглашение зрителя к любованию гладкой поверхностью, чистой плоскостью объекта. Для решения этой задачи в произведениях ар-деко широко применялись ценные (но, как правило, не драгоценные) материалы: полированный камень дорогих сортов, благородные породы дерева, лаки, бронза и – в скульптуре – слоновая кость.

Рис. 7.4.27. Здание газеты «Chicago Tribune». Конкурсный проект. Архитектор Адольф Лоос (Лоз). 1922 г.[356]

Рис. 7.4.28. Здание газеты «Chicago Tribune». Архитектор Раймонд Худ. 1924 г. Чикаго, США[357]

Другое средство оформления поверхностей – орнамент, преимущественно геометрический, а не растительный, как в предшествующую эпоху, – также охотно использовался приверженцами ар-деко. Это еще один способ сделать объект «дорогим». В то же время допуск орнамента на поверхность функциональных объемов в архитектуре и в прикладном искусстве (как помним, «преступный», с точки зрения модернистов) давал возможность широко использовать этнические мотивы, где выбор зависел от обстоятельств и моды. Культуры Африки, Океании, Древнего Египта, американских индейцев и многих других поэтому широко представлены в облике произведений, созданных в этом стиле. Одновременно обращение к орнаменту было еще одним ответом на вопросы, поставленные культурой перед искусством XX века. Именно в нем мастера ар-деко искали решение таких актуальных проблем, как сочетание художественной свободы с требованиями машинного производства и использование ремесленных традиций в качестве источника творческого потенциала.

Рис. 7.4.29. Пенобскот-билдинг. Архитектор Уирт Клинтон Роуланд, скульптор Коррадо Пардуччи. 1928 г. Детройт, США[358]

Разумеется, главным стилевым признаком ар-деко в контексте эпохи являются очевидные исторические реминисценции. Степень их присутствия в тех или иных произведениях может быть очень разной, от почти незаметной, когда, например, венчающий карниз и пропорции классического ордера используются в членении фасадов модернистских по духу сооружений, до прокламационной – при «дословном» воспроизведении деталей, применявшихся в предшествующие века. В принципе, в этом последнем случае наиболее заметно тяготение ар-деко к эстетике классицизма. Речь, прежде всего, идет об обращении к симметричным композициям с использованием выступающих частей фасадов (ризалитов) и об отказе от чрезмерной «текучести» форм. Однако главный секрет выразительности произведений данного стиля состоит как раз в намеренном и смелом искажении, в фантазийном преобразовании как отдельных элементов классического ордера, так и его пропорций в целом. Архитектура этого периода не могла сохранять метафизическую невозмутимость настоящего классицизма. Формула «благородная простота и спокойное величие» никак не соответствовала эпохе – неспокойной, с энтузиазмом или тревогой глядящей в близкое будущее. Будущее же в эти годы обещало неизбежное осуществление утопий: технократических, коммунистических или фашистских. В постройках ар-деко поэтому часто заметен особый пафос порыва, устремленности вперед, взлета по параболе, аналогичной траектории взлетающего самолета. Кстати, увлечение современной техникой – прежде всего авиационной – также хорошо заметно во многих произведениях данного стиля. Именно этим объясняется интерес к использованию нетрадиционных для зодчества материалов – нержавеющей стали или полированного алюминия, а также применение в композициях обтекаемых, «аэродинамических» обводов, подражающих кабинам самолетов, дирижаблей и глиссирующих катеров.

Рис. 7.4.30. Крайслер-билдинг. Архитектор Уильям ван Элен. 1929–1930 гг. Нью-Йорк, США[359]

Можно сказать, что стремление к красоте, к изысканному совершенству форм стало главной идеологической предпосылкой стиля. Ар-деко намеревалось поместить человека в тотальную эстетизированную среду, полную звуков джаза, не чурающуюся ни ценностей прошлого, ни благ технического прогресса, чуждую аскетизму и приветствующую умеренное гурманство, в том числе в потреблении бытовых удобств, изящных вещиц, ювелирных изделий, интересных мужчин и шикарных женщин. Для нас сегодня ар-деко – это, скорее, миф о прекрасных временах между страшными войнами, эпическая история о рукотворном пространстве, где безраздельно правил хороший вкус.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Стиль Ар Деко в архитектуре


Стиль Ар Деко в архитектуре (начало-середина XX века)

Стиль Ар Деко в архитектуре не всегда было принято обозначать как самостоятельный. Термин появился в 1960-е. Его истоки, создатели и представители естественным образом трансформировались из стиля ар нуво. Стиль, вошедший в моду в 20-30-е г.г. XX столетия отчасти продолжил традиции Ар-нуво, вместе с тем на него оказали влияние кубизм, народное американское искусство и дизайн бурно развивавшегося в то время машиностроения и самолетостроения.

Идеолог модерна, бельгийский художник ван де Вельде, становится теперь одним из наиболее ярких выразителей «абстрактного» направления модерна. Флористическому декору противопоставляется линейный, геометрический как более соответствующий новой технике в архитектуре и художественной промышленности. Этот стиль характеризуется скругленными углами, строгими вертикальными линиями, и «отступающими» формами. От всех мебельных стилей его отличает применение декоративных элементов в виде зигзагов, окружностей, треугольников, солнц. Становится популярным разработанный художниками венского сецессиона геометрический орнамент из прямых линий, треугольников и кругов. В 1901 году организовал экспериментальные художественно-промышленные мастерские, на базе которых в 1919 году был основан знаменитый Баухаус, школа, объединившая в своих стенах архитекторов, дизайнеров, художников, целью творчества которых стала пропаганда новой эстетики жилища. Крупнейшие мастера Баухауза Вальтер Гропиус, Людвиг Мис ван дер Роэ, Марсель Брейер, эмигрировав в 30-е годы из фашистской Германии в США, внесли большой вклад в развитие дизайна в Америке.

А во Франции проектировщики мебели в продолжали следовать традициям создания декоративных предметов, используя технику маркетри и другие виды инкрустации из экзотических пород дерева. Собственно, по названию международной выставки декоративного искусства в Париже ( 1925 г .) стиль Ар Деко и получил свое название.

Если ар нуво тяготел к прошлым стилям, то Ар Деко соединял прошлое с будущим. В геометрических формах и стремительных линиях он отражал прогресс в развитии новых технологий. Вершиной Ар Деко в дизайне мебели Франции явилось творчество Жака Эмиля Рульмана, в работах которого самые изысканные материалы сочетались с первоклассным мастерством. Стиль Ар Деко вернулся в Европу в 1990-е и стал весьма популярен. Прогресс в развитии новых технологий открыл эру массового производства мебели.

Наряду с оформлением частных домов растет число проектов интерьеров отелей, банков. Традиционные материалы в архитектуре и интерьерах заменялись новыми: прокатным металлом, стальными трубками, зеркальным стеклом, бетоном, клееной фанерой, полудрагоценными камнями. Уже к концу первого десятилетия XX века модерн соседствует с конструктивизмом с его эстетикой целесообразности и строгих утилитарных форм, очищенных от декоративности модерна. В 1903 году архитектор Огюст Перре построил в Париже первый многоквартирный дом с каркасом из железобетона. На художественно-промышленной выставке 1906 года в Дрездене впервые экспонируются предметы массового промышленного производства с чертами той самой декоративности, противниками которой выступают конструктивисты. В 1911 году впервые в истории архитектуры фасад здания фабрики, спроектированного Гропиусом, был сделан полностью из стекла и металла. В развитии конструктивизма наряду с Баухаузом ведущая роль в европейском дизайне принадлежит группе архитекторов и художников Голландии, объединившихся вокруг журнала «Стиль» («De Stile»). К ним принадлежал Г. Т. Ритвельд, разработавший на основе новых принципов построения «аппарат для сидения». Дизайн Ар Деко являлся основой почти всех домашних интерьеров в 20-х30-х годах. Простота и геометричность стиля открыли эпоху массового производства мебели, сделав ее доступной. Именно в эти годы были созданы практически все образцы мебели XX века.

Ар Деко – термин стал общепринятым после Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств (Exposition Internationale des Arts Decoratifs Et Indastrie is Modernes) в Париже в 1925 году.

Ар Деко взял у модерна цветы, смешал с геометрией конструктивизма, добавил к ним свою страсть к экзотическим материалам и архаичным культурам и получил формулу роскоши, не потерявшую актуальность и до сих пор. “Стиль звезд” особенно прижился в Америке и в первую очередь в Голливуде. Он предлагал новое представление о роскоши. Широко стал использоваться металл в сочетании со стеклом. Сварное железо и никель пригодились для решеток, дверей, лифтов, перил, каминных принадлежностей, уличных фонарей и мебели.

В отличие от растительных тем модерна, Ар Деко предпочитал геометрические формы и орнаменты, прямые линии, абстрактные композиции, узоры с восточными и африканскими мотивами. Очень характерно изображение обнаженных женских фигур с развитой мускулатурой и в экспрессивных “изломанных” позах.

В чистом виде Ар Деко сохранился только в Америке. Последний десяток лет Ар Деко на гребне волны вообще по всему миру. Он – сама мода, вожделенная мечта советского общества.

Информация:

Введение в Ар Деко — ЗНАНИЕ-СИЛА

 

Владислав Дегтярев

В этом году исполняется сто лет со дня окончания Первой мировой войны и начала становления нового, хрупкого, тревожного межвоенного мира, которому предстояло рухнуть в новую катастрофу меньше чем через два десятилетия. Разговор об этом времени, о том наследии, которое оно нам оставило, мы начинаем статьей петербургского искусствоведа, преподавателя факультета Свободных искусств и наук СПбГУ Владислава Дегтярева об Ар Деко, в котором он видит не только существенно большее, чем один из художественных стилей: симптом — или даже совокупность симптомов — целого культурного состояния.

В августе 1921 года в Бельском Устье (Псковская губерния) Владислав Ходасевич пишет это стихотворение, то ли галлюцинаторное, то ли пророческое:

Все жду: кого-нибудь задавит
Взбесившийся автомобиль,
Зевака бедный окровавит
Торцовую сухую пыль.
И с этого пойдет, начнется:
Раскачка, выворот, беда,
Звезда на землю оборвется,
И станет горькою вода.
Прервутся сны, что душу душат.
Начнется все, чего хочу,
И солнце ангелы потушат,
Как утром — лишнюю свечу.

К этому времени в Петрограде, переставшем быть имперской столицей, успела произойти революция, умер Блок и расстрелян Гумилев. Казалось бы, пришло время просить высшие силы о покое. Но Ходасевич, напротив, ожидает какой-то новой, окончательной катастрофы, которая может начаться едва ли не с бунта машин. А «зевака бедный» оказывается не кем иным, как бодлеровским фланером, ставшим у Вальтера Беньямина символом XIX столетия. Время незаинтересованности, говорит Ходасевич, закончилось, и нам показывают это со всей возможной жесткостью. Новым героем будет не бездельник с тростью, а рабочий (в широком, юнгеровском смысле). И, судя по упоминанию торцовой мостовой, несчастный случай, запускающий механизм катастрофы, должен произойти на Невском проспекте, словно без этого там было мало бедствий.

Но это не простые бедствия: Ходасевич называет многие из неврозов межвоенной эпохи. Взаимоотношения человека с техникой и историей, ничтожные события, становящиеся причиной катастроф, и сами катастрофы, уравнивающие всех перед лицом уничтожения — лучшие из нас все время думали об этом, но после Первой мировой войны ожидание беды становится культурной обсессией.

Какое название можно подобрать для той, говоря словами Эрика Хобсбаума, эпохи контрастов, которая закончилась с завершением Второй мировой войны, а началась то ли с выстрела в Сараево, то ли десятилетием раньше? Назвав ее эпохой модернизма, мы оставим за бортом многие вещи и явления, более консервативные по форме, но проникнутые тем же эсхатологическим духом. Снять этот конфликт можно, возвысив до культурологической категории наименование основного художественного стиля тех лет — Ар Деко.

И тогда мы увидим, что в хронологические рамки эпохи Ар Деко попадают и газовые атаки Первой мировой, и Октябрьская революция, и евгенические законы многих стран. Если же в свете этого представить, какие настроения порождали тексты, подобные «Дивному новому миру» Олдоса Хаксли, то станет видно, что степень вмешательства в человеческое тело и в социальный организм, считавшаяся тогда допустимой и желательной, категорически неприемлема для нас с вами. Имя тому, что объединяет все перечисленное и многое другое, вплоть до невинных реклам, изображающих черное небо, пересеченное огнями прожекторов, известно из Фрейда — это влечение к смерти. Та культура жила предчувствием катастрофы.

И катастрофа не заставила себя ждать.

* * *

Начиная рассуждать об Ар Деко, испытываешь некоторую неловкость. Приходится доказывать, что это тоже можно изучать — и не в качестве культурологического курьеза, а как серьезное явление искусства. Люди, так сказать, с улицы склонны видеть в Ар Деко всего лишь довоенный гламур, показное и вульгарное благополучие, разрушенное войной. Мы до сих пор не можем решить, что это было — праздник, закончившийся трагедией, или безнравственный пир во время чумы.

При этом Ар Деко, похоже, всем нравится, хотя и не все готовы признаться в этом. Все любят картинки из «прошлой жизни», которая никогда не была нашей. Ведь что, как не Париж межвоенных лет, будет в наших глазах квинтэссенцией иностранного — в России было Ар Нуво, был свой близкий аналог викторианства, а этого не было: точнее, было похожее искусство, но та жизнь, которую оно оформляло в Париже или Нью-Йорке. Поэтому всем нравятся статуэтки Кипаруса и виньетки Эрте. Всем нравятся довоенные автомобили, у каждого из которых было свое выражение лица. Самый банальный сюжет обретает некую значительность в декорациях предвоенной эпохи — видимо, только из-за того, что мы еще помним все даты.

Снисходительного отношения к стилю в целом это не отменяет. Вот что пишет Дмитрий Швидковский в сборнике материалов конференции по Ар Деко, проведенной в 2005 году московским Институтом теории и истории изобразительных искусств[1].

«Ар Деко — стиль намеренно дорогой и солидной красивости (sic!), предназначенной для среднего класса, поэтому в советское время о нем избегали говорить. В отличие от своей современницы, строгой и функциональной архитектуры авангарда, Деко не строил новый и справедливый мир будущего. Он давал возможность наслаждаться жизнью здесь и сейчас. Несколько снобистское отношение к Деко у некоторых искусствоведов на Западе связано с тем, что этот стиль процветал в Америке и доказал, что кое в чем Новый Свет может превзойти «старую» Европу. Коктейли, Джаз и Ар Деко переносили в Лондон, Париж и Милан ощущение радости жизни, охватившее Америку, не видевшую разрушений и жертв Первой мировой. И хотя Европу вскоре настигли новые политические и военные конфликты, а Америку — Великая депрессия, Ар Деко стойко противостоял пессимизму. Интерес к нему ослаб после вступления США во Вторую мировую войну».

Этот фрагмент чрезвычайно показателен в отношении оптики, сквозь которую обычно смотрят на стиль межвоенных десятилетий. В Ар Деко видят гедонизм, не замечая странного, драматичного и даже болезненного характера этого так называемого гедонизма (Швидковский словно забывает о том, что мировоззрение carpe diem[2] может быть сколь угодно трагическим в своей основе).

Если мы попытаемся среди известных нам стилей отыскать тот, что удовлетворял бы представлению о чисто гедонистическом искусстве, не учитывающем даже в возможности «холод и мрак грядущих дней», лучшего примера, чем рококо, нам не найти. Если же сравнить типичное произведение рококо — например, «Туалет Венеры» Франсуа Буше, с любой из работ Тамары Лемпицкой, мы увидим во втором случае нечто мрачное и тревожное. Темный колорит, четко очерченные геометризованные объемы — кого же изображает эта светская портретистка, живых людей или металлические статуи?

Или, например, пассаж из статьи Татьяны Гнедовской о взаимоотношениях немецкого Веркбунда и Ар Деко, взятый из того же сборника:

«Стиль Ар Деко был… «стилем коктейлей». В нем переплавлялись и смешивались теоретические и творческие установки практически всех существовавших тогда художественных течений. Это, безусловно, не могло не вызывать бешенства у создателей и поборников этих течений — кубизма, сюрреализма, функционализма — от которых «отщипывал по кусочку» новый массовый стиль. Ведь он не только упрощал и примитивизировал все, что попадало в его воронку, он еще и уравнивал в правах враждующие и конкурирующие направления, легко совмещая то, что казалось несовместимым».

Автор говорит о порочности компромисса — и действительно, художественная практика ХХ века и мейнстрим современной искусствоведческой мысли приучили нас ценить наиболее радикальные художественные жесты и, соответственно, тех мастеров, которые выбрали для себя наиболее узкий путь. Но ведь можно и перевернуть цитату: смешивается лишь то, что можно смешать. Ар Деко ясно демонстрирует, что непримиримость разных течений — лишь маска; школы и секты, кричащие о своей исключительности и неповторимости, на самом деле внутренне едины. Собственно говоря, это — секрет Полишинеля, но раскрытие таких секретов всегда вызывает всеобщее возмущение среди адептов разных школ, демонстративно друг друга ненавидящих.

В той же статье содержится еще одно интересное утверждение, вскрывающее очередной штамп мышления:

«… быть может, именно потому веркбундовцам не удалось создать единый стиль, что каждый из них был слишком индивидуален и не желал вливаться в общее русло… а в искусстве Ар Деко не было шедевров и не было творческих гигантов, но зато был стиль. И прикладное искусство, равно как и архитектура, существовали в нем именно в виде «стиля», а не в виде отдельных уникальных и совершенных изделий или построек».

Да, при всей цельности эпохи Ар Деко нам трудно отделаться от ощущения, что части здесь важнее и значительнее целого. Отчасти в этом виновато советское искусствоведение, повторявшее применительно к межвоенной эпохе романтические штампы о гениях, противостоящих, если не толпе, то, значит, потоку массовой продукции, коммерческой живописи не слишком высокого разбора, но при этом, что называется, мастеровитой, эффектной и способной бесконечно тиражировать находки гениев. Если в XIX веке этих гениев звали, допустим, Делакруа или Ван Гог, то в ХХ — Пикассо, Матисс, а дальше можно добавить любое из имен позднесоветского интеллигентского пантеона. Заменяя одного художника другим, мы не изменим общей картины, общего принципа восприятия.

В архитектуре ситуация представляется еще более однозначной и поляризованной. Есть Современное движение, то есть прежде всего русский конструктивизм, Баухаус и Корбюзье, и есть рядовая коммерческая или официозная архитектура, эклектичная и половинчатая. Серьезного обсуждения она не заслуживает. Так, в монументальном двухтомнике А. В. Иконникова «Архитектура ХХ века» раздел «Стиль ар деко в Европе и Америке» занимает всего восемь страниц — это больше, чем отведено архитектуре франкистской Испании, но гораздо меньше, чем сталинской архитектуре 1930‑х.

Получается, что стиль должен быть порицаем за то, что он представляет собой конвенцию, не скрывающую своего конвенционального характера и не прикрывающуюся объективистской риторикой. Нам говорят, что единый язык форм невозможен, если только он не основан на функционалистском подходе к проектированию и на чистой геометрии. Все прочее есть произвол, который из архитектуры всячески изгоняется, а за ее пределами — в живописи, например — дозволен только «гению», но никак не сообществу.

Ар Деко часто обвиняют в эклектизме, противопоставляя не только Ар Нуво, как более последовательной и тонкой системе, но даже историзму предыдущего столетия. Вот еще одна цитата из сборника (Вячеслав Локтев): «Типичные для Ар Деко стилизации в сравнении с прошлыми историческими заимствованиями имеют… одну принципиальную особенность. Они не скрывают и не маскируют свою неподлинность. В одних случаях стилизация представляет собой неожиданную метафору стиля-прототипа (видимо, это относится к историзму XIX века. — Прим. авт.), в других — обращает на себя внимание ее намеренная пародийность. Стиль не репродуцируется, а свободно, театрализованно разыгрывается с сохранением всех монтажных швов, разоблачающих «подделку».

Возможно, первым примером такого архитектурного коллажа (и, соответственно, сложившегося стиля Ар Деко) следует считать Виллу Карма в Монтре, построенную Адольфом Лоосом в 1904. Дорическая колоннада и дорический же портик сочетаются в этом здании с белыми стенами, лишенными всякого декора. Еще один пример коллажа у Лооса — венский дом Руфера (1922) — почти кубическое здание, в стену которого вмонтированы слепки фриза Парфенона. Лоос, допустим, был одиночкой. Но и на крайнем правом, традиционалистском фланге архитектуры мы тоже увидим коллаж, исполненный, кстати, еще сложнее. Эдвин Латьенс в жилом комплексе в лондонском Пимлико (1928—1930) делает стены зданий подобием шахматной доски и накладывает на столь же элементарные объемы георгианские портики, которые парадоксальным образом сочетаются со вполне модернистскими лоджиями дворового фасада. Если же мы, не покидая пределов Лондона, переместимся «влево», то увидим, что Бертольд Любеткин, представитель Современного Движения, прибегает к коллажу в оформлении входного козырька своего лондонского здания «Хайпойнт 2» (1938): модернистским фасадам, предвосхищающим архитектуру 60‑х, противопоставлены копии кариатид Эрехтейона, поддерживающие криволинейный бетонный козырек на входе.

Архитектуре Ар Деко вообще свойственна графичность, точнее, тяготение к плоскостности и линеарности. В брюссельском Дворце Стокле, построенном Йозефом Хоффманном (1905—1911), стыки плоскостей, облицованных белым мрамором, подчеркнуты контрастными бронзовыми тягами. От этого приема один шаг до плавающих плоскостей Дома Шредер Геррита Ритвелда (Утрехт, 1924). Но если есть эффектный прием, то столь же эффектной должна быть и его инверсия. И действительно, архитектор Гарри Уидон, построивший кинотеатр «Одеон» на Лестер-сквер в Лондоне (1937), облицевал фасад черным мрамором и выделил углы вертикального объема неоновыми трубками — так что по вечерам, когда публика шла на сеанс, здание исчезало, а оставался лишь световой рисунок на фоне темного неба.

Собственно говоря, подчеркивание легкости стены, акцент на ее тонкость и стремление к дематериализации границ постройки — то есть всё, что считается родовыми чертами модернизма, — присутствует уже здесь, прекрасно сочетаясь с объемной декорацией фасада. Что характерно, этой дематериализации совершенно нет у Лооса, которого принято считать пионером архитектуры без декора.

Вернемся же к нашим коллажам. Собственно говоря, оформление типичного доходного дома второй половины XIX века, наложенное на равномерную фасадную сетку, уже можно рассматривать как коллаж. Другое дело, что эта декорация стремилась притвориться естественной и однородной, поскольку занимала все видимое пространство фасада. Чтобы обнаружить ее коллажную сущность, нужно сравнить уличный фасад здания с дворовым или с плоскостью брандмауэра.

Архитекторы периода эклектики всячески скрывали театральный характер своих декораций, мастера Ар Деко, напротив, стремились его подчеркнуть. Коль скоро эта неподлинность входила в намерения архитекторов, значит, на то были существенные причины. Ар Деко играло со «сложностью и противоречиями» (если воспользоваться названием книги Роберто Вентури), полностью отдавая себе в этом отчет и заранее зная все выгоды и все опасности подобных игр. Другое дело, что приверженцы Современного движения резко отрицательно относятся к проявлениям игрового начала и иронии в архитектуре. По их мнению, ироничные намеки уместны только в поэзии, на долю же архитектуры остаются правда и социальная ответственность. Судя по всему, как раз ответственность породила печально знаменитый квартал Пруитт-Айгоу в Сент-Луисе, построенный в 1954 году по проекту Минору Ямасаки и снесенный уже через двадцать лет. Категория же «правды» относится к области коммуникации, то есть архитектура, если даже ей и позволяются какие-либо высказывания, должна говорить лишь о себе и только протокольным языком.

Стоит заметить, что задолго до появления Ар Деко уже существовала архитектурная традиция, полностью основанная на игре, иронии и комбинации разнохарактерных «знаков». Речь идет об английских псевдоготических парковых постройках XVIII века. Там, как и здесь, элементы различного происхождения (часто — упрощенные и словно нарисованные ребенком) сталкивались между собой для получения просчитанного эффекта. И так же, как в Ар Деко, неподлинность этих строений, порой выполнявшихся из недолговечных материалов, становилась поводом для иронической или меланхолической рефлексии.

Напротив, попытка воспроизведения классической гармонии (или даже гармонии исторического стиля) представляет собой проявление памяти, которая не склонна акцентировать различие между воспоминанием и предметом воспоминания, или даже активно отрицает такое различие. Так, Огастес Уэлби Пьюджин (1812—1852) и его последователи в середине XIX века серьезно пытались воспроизвести готические постройки в поисках утраченного органического стиля и органического общества.

Но есть и другая стратегия обращения с историческим наследием. (Собственно говоря, в отношениях с некоторым другим их всегда две). Исторические детали можно подвергнуть процедуре упрощения, в пределе сведя их к уровню знака. Это будет проявлением ностальгии, подчеркивающей дистанцию между нами и объектом нашего желания. Испытывая тоску по неизбежно уходящему прошлому, мы сочетаем ее с осознанием того, что удержать возможно все меньше и меньше. Из этой двойственности, словно из конфликта эмоций и разума, и рождается эстетический эффект.

Современное искусство видит свой моральный долг в том, чтобы напоминать о травме утраты золотого века; любые же попытки отыграть что-либо назад отвергаются как детские и безответственные. Модернизм показывает нам, что современность далека от идеала, который остается в области подразумеваемого. Постмодернизм (и Ар Деко вместе с ним) действует иначе: нам демонстрируют кусочки этого недостижимого идеала, как рассыпанную мозаику, констатируя, что собрать их воедино уже невозможно. «Неподлинность» исторических цитат Ар Деко привлекает внимание к зазору между тем, что есть, и тем, чего уже не вернуть — и этот зазор приобретает характер ностальгической дистанции. Прошлое нас не покидает, но контекст непоправимо разрушен — и оно остается обломком в музее, подделкой, театральной декорацией.

В эстетико-философской системе Ар Деко равнозначной «прошлому» может оказаться любая экзотика, для чего ремесленникам и нужны дорогие и редкие материалы. Чем интенсивнее чувство утраты, тем театральнее становятся и средства возместить ее, и жесты бессилия.

Продолжение — в следующем номере

 

[1] Искусство эпохи модернизма: стиль Ар Деко. 1910—1940‑е годы. — М., 2009.

[2] «Лови момент», дословно — «лови день» (лат.).

10 лучших зданий в стиле ар-деко в мире


Мы делимся подборкой лучших зданий в стиле ар-деко в мире, выбранных автором книги «Город в стиле ар-деко: самые красивые здания мира» Арнольдом Шварцманом.


Слова Арнольда Шварцмана

Когда вас попросят выбрать ваши любимые здания в стиле ар-деко, это все равно что попросить выбрать вашего любимого ребенка; В пределах Art Deco City, можно найти так много впечатляющих примеров, где представлены образцы красивых зданий в стиле ар-деко со всего мира.Тем не менее, я нашел десять, которые, как мне кажется, заслуживают более подробного объяснения, — зданий с очень интересной предысторией.

Bullocks Wilshire, универмаг, Лос-Анджелес (стр. 112)

Построенный в 1929 году, Bullocks — бывший универмаг — теперь юридическая школа — расположен в Лос-Анджелесе, моем приемном доме для последние сорок лет. Разработанный в сотрудничестве с его сыном Дональдом, архитектором из Ланкашира, Джоном Паркинсоном (дальний родственник), он отвечал за дизайн многих знаковых сооружений Лос-Анджелеса 1920 и 30-х годов, включая здание мэрии Лос-Анджелеса, Юнион-Стейшн и Лос-Анджелес. Анхелесский Мемориальный Колизей.

Посетив в 1925 году Парижскую международную выставку декоративно-прикладного искусства, Джон Паркинсон решил отказаться от своих оригинальных дизайнов универмага, заменив их тем, что я считаю одним из лучших образцов архитектуры ар-деко во всем мире.

Для обложки Art Deco City, я выбрал одну из дверей лифта универмага. В качестве форзаца книги я выбрал изображение фрески на потолке здания «Скорость транспорта» Германа Сакса, на которой изображен дирижабль «Граф Цеппелин»; и «RMS Queen Mary», которая сейчас постоянно пришвартована в близлежащем Лонг-Бич.В этой книге представлено несколько примеров интерьера корабля.

Одна из моих любимых особенностей магазина Bullocks — терракотовый рельеф Джорджа Стэнли. Скульптор также отвечал за дизайн входного фонтана «Муза музыки» 1929 года в Голливудскую чашу, а также фигуру Исаака Ньютона 1935 года на «Памятнике астрономам» в обсерватории Гриффит-Парк в Голливуде. Не забывая о самом известном творении Стэнли — статуэтке «Оскар», пример которой гордо стоит передо мной на книжной полке, когда я пишу!

Академический театр, Инглвуд (стр. 135)

Как кинорежиссер, у меня слюнки текут при изобилии многочисленных кинотеатров в стиле ар-деко в районе Лос-Анджелеса, и я бы предложил Академический театр 1938 года. , Инглвуд, как один из лучших.Первоначально планировавшийся как место проведения церемонии вручения премии Оскар (он никогда не использовался для этой цели), театр теперь является церковью. Он был разработан Чарльзом Ли, который отвечал за дизайн многих других местных кинотеатров, включая Alex Theater 1942 года в Глендейле и Fox Bruin Theater 1937 года в Вествуде.

Голливуд-Вестерн Билдинг, Лос-Анджелес (стр. 130-131)

Еще одно здание, связанное с кинотеатром, созданное архитектором Чарльзом Ли, — это голливудское западное здание 1928 года; он был разработан для магната MGM Луи Б. Майера и был открыт Нормой Ширер и ее мужем Ирвингом Тальбергом.

По иронии судьбы, здание покрыто рельефными обнаженными фигурами, поскольку одним из обитателей здания был цензор фильма Уилл Хейс (Царь всех камушков)! Под каждой из площадок для пожарных лестниц в здании находится каменный рельеф, изображающий полностью обнаженную фигуру спереди с пленочной камерой, а также снимок съемочной группы и режиссера в полных костюмах, который через мегафон направляет группу обнаженных фигур.

Eden Theatro, Лиссабон. (стр. 58-59)

Как лектор на борту круизного лайнера, у меня была возможность несколько раз побывать в Лиссабоне, Португалия.Именно здесь я обнаружил здание кинотеатра / театра «Эдем» 1931 года, которое сейчас преобразовано в апартаменты и гостиницу. Каменный фризный фасад здания, спроектированный архитекторами Кассиано Бранко и Карло Флоренсио Диас, украшен серией картин, изображающих актеров, выступающих перед съемочной группой и камерой.

Banco Popular de Puerto Rico, Сан-Хуан (стр. 110-111)

Во время посещения карибского острова Сан-Хуан для съемок на фабрике по производству рома я наткнулся на чудесные скульптурные рельефы Цереры, Меркурио 1938 года. , Сегуридад и Сабидурия украшают банк, спроектированный архитектором Освальдо Торо.Набор небесных богов напомнил мне о многих интерпретациях знаков Зодиака, которые я фотографировал по всему миру, которые были такими популярными мотивами в период ар-деко. Другие примеры этого мотива включают символы зодиака, окружающие великолепный бронзовый глобус в вестибюле здания «Таймс» в Лос-Анджелесе.

Некоторые из этих примеров можно найти в моей книге London Art Deco (Palazzo), включая входные двери из травленого стекла Королевского масонского госпиталя, мозаичный потолок у входа в ратушу Гринвича и скульптурные изображения на фасад лондонского здания «Дельфы».Другой яркий пример — галактика знаков зодиака, окружающая люстру Rotunda, которая украшает обложку моей книги о Центральной публичной библиотеке Лос-Анджелеса 1928 года.

The Daily Express Building, Лондон (стр. 64)

Моя родина, Лондон, вызывает в памяти множество возможностей, среди которых фасад здания лорда Бивербрука из черного витролита. 1930-32 гг. Штаб-квартира газеты на Флит-стрит.Восточная и западная стены главного вестибюля здания, спроектированные архитекторами сэром Оуэном Уильямсом совместно с Эллисом и Кларком, украшены двумя позолоченными фресками: «Великобритания» и «Империя» скульптора Эрика Омонье. Волнистый синий узор дна представляет собой океан между двумя местностями.

Здание фабрики Гувера, Перивал (стр. 76)

Архитекторы Уоллис Гилберт и партнеры спроектировали это уникальное здание, которое было построено в 1931-1935 годах как фабрика пылесосов.Сегодня в здании работает супермаркет. Расположение здания было выбрано специально для доступа к Великой Западной железной дороге и докам, чтобы упростить доставку пылесосов Hoover. Внешний вид здания фабрики Гувера построен с использованием «Snowcrete» (белый бетон, который остается белым несмотря на британскую погоду) и украшен фаянсовой керамической плиткой в ​​египетском стиле.

Универмаг Barkers, Лондон (стр. 68)

Теперь это комплекс модных магазинов, этот Портлендский универмаг из камня и стекла 1937–1938 годов демонстрирует впечатляющее фасадное здание блочной башни.Он был спроектирован архитектором Бернардом Джорджем и украшен множеством скульптурных предметов домашнего обихода, которые изначально предлагались в магазине.

Eltham Palace, Greenwich (стр. 80)

В 1936 году промышленник Стивен Курто и его жена Вирджиния приобрели Eltham Palace, бывший дом короля Генриха VIII. Они поручили архитекторам Сили и Пэджету и дизайнеру Рольфу Энгстромеру преобразовать интерьер дворца Тюдоров в то, что стало замечательным примером дизайна в стиле ар-деко.

Эта аномалия напомнила мне о моем первом посещении «Дворца изящных искусств» Мехико, спроектированного архитекторами Адамо Боари и Фредерико Марискаль. Строительство фасада в стиле изящного искусства было начато в 1904 году. Однако из-за отсутствия финансирования строительство не продолжалось до 1934 года. Таким образом, интерьер здания — что удивительно — представляет собой чистый ар-деко.

Мемориал АНЗАК, Сидней (стр. 86-87)

Во время лекционного тура по Австралии я влюбился в архитектуру страны в стиле ар-деко — от Перта на западе до Мельбурна, Брисбен , Канберра и Сидней на юге и востоке.

Меня особенно поразил знаменитый мост Сиднея и красочная ярмарочная площадь Лунного парка. Напротив, я также обнаружил мрачный мемориал АНЗАК 1934 года, спроектированный архитектором К. Брюсом Делитом; В его дизайн были включены две длинные бронзовые панели, изображающие восточные и западные кампании Первой мировой войны, а также несколько каменных скульптурных фигур, выполненных Райнером Хоффом, бывшим студентом Лондонского Королевского колледжа искусств.


Арнольд Шварцман — автор книги Art Deco City: The World’s Most Beautiful Buildings , изданной Palazzo.

Не пора ли возродить ар-деко?

Настало ли время для возрождения ар-деко?

© Delfino Sisto Legnani и Marco Cappelletti ShareShare
  • Facebook

  • Twitter

  • Pinterest

  • Whatsapp 9183

  • или www .archdaily.com / 968258 / are-we-overdue-for-an-art-deco-revival

    Спустя почти столетие после появления культовой эстетики ар-деко наконец возвращается.Как видно из новых проектов, внутренних пространств и мебели по всему миру, блеск и гламур, которые заставляют нас тосковать по ревущим 20-м годам начала 20-го века, теперь дают нам небольшой вкус возрождения ревущих 20-х годов в 21 веке. Поскольку уникальная идентичность архитектуры и дизайна в стиле ар-деко продолжает вдохновлять мир, чего мы можем ожидать от новых дизайнов и сохранения существующих?

    + 9

    Ар-деко, сокращенно от Arts Décorativs, — это стиль искусства, охватывающий все дизайнерские дисциплины, но, пожалуй, наиболее ярко выраженный в смелых геометрических формах, богатстве материалов и исторических акцентах в сочетании с футуристическими элементами. видно в архитектуре, на которую он повлиял.Эстетика была продуктом Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства, проходившей в Париже, но ее влияние быстро распространилось на запад, помогая сформировать некоторые из самых знаковых зданий в мире, такие как Эмпайр-стейт-билдинг в Нью-Йорке, находящийся под защитой ЮНЕСКО. улица Марин Драйв в Мумбаи и красочные ряды зданий в районе, названном в честь этого стиля в Майами.

    via ILMIODESIGN

    Хотя столетие назад мир сильно отличался, трудно не сравнить некоторые социально-экономические факторы, которые привели к возникновению ар-деко как маяка надежды на будущее.В 1920-х годах США столкнулись с тяжелыми настроениями по отношению к иммигрантам, пережили пандемию испанского гриппа и добились значительных успехов в науке и технологиях. Повторяющиеся узоры из золотых солнечных лучей и вертикальных металлических линий, контрастирующие с черным фоном, олицетворяли прогресс. Дизайнерские движения, предшествовавшие ар-деко, часто были посвящены только самым богатым слоям общества, но когда в 1929 году фондовый рынок рухнул, предметы и мебель в стиле ар-деко легко производились из более дешевых материалов и были более доступными, что делало стиль более популярным и обтекаемым.Возможно, то, что мы переживаем сегодня, — это то же самое чувство безвременья и обновления, а поскольку тенденции дизайна всегда цикличны, возможно, эра архитектуры Гэтсби станет следующим большим движением.


    Связанная статья

    Рождение дизайнерских движений: где мы сейчас?

    Одно из самых примечательных зданий эпохи ар-деко — здание Крайслер. В настоящее время в нем ведутся внутренние ремонтные работы, которые не только вернут ему былую славу, но и вернут его в наши дни, чтобы будущие посетители и арендаторы могли оценить его историю и архитектурное значение.А в Париже, родине ар-деко, BIG недавно завершила реконструкцию культовой галереи Galeries Lafayette, дав новую жизнь банку 1932 года и превратив его в тщательно подобранную лабораторию розничной торговли для ведущих брендов моды, продуктов питания и стиля жизни. Даже многие крупные гостиничные сети, которые когда-то добились успеха в дизайне модернистской отделки и меблировки, обращают внимание на влияние ар-деко при создании роскошной эстетики.

    © Domaine Chandon

    Ар-деко — это все о надежде и волнении.Когда мы заглядываем в 2022 год и размышляем о будущих тенденциях в дизайне, возможно, нас больше не интересуют постоянные споры о том, живем ли мы в эпоху модернизма или постмодернизма, а скорее в эпоху ар-деко. Наше понимание прошлого дает нам новую возможность понять и оценить влияние и безмерную красоту этого важного движения.

    Исследуйте культовую архитектуру Канзас-Сити в стиле ар-деко в этом самостоятельном туре | KCUR 89,3

    Эта история была впервые опубликована в информационном бюллетене KCUR Creative Adventure.Вы можете подписаться на получение подобных историй на свой почтовый ящик каждый вторник.

    Посмотрите вокруг Канзас-Сити, и вы наверняка заметите здание или произведение искусства, вдохновленное ар-деко, даже если вы этого не замечаете. Обращать внимание на ар-деко — значит путешествовать во времени почти 100 лет назад, когда гражданские и экономические лидеры и архитекторы предприняли согласованные усилия по превращению Канзас-Сити в современный город.

    Ар-деко, или современный стиль, получил свое название от Arts Décoratifs и появился на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства 1925 года в Париже, Франция.Это движение распространилось по Европе и США до 1930-х годов. Стиль ар-деко олицетворяет экстравагантность, современность и смелый, динамичный дух начала 20 века, проявленный через технический прогресс.

    Промышленная революция привела к переходу от сельского хозяйства к производству и массовому производству на фабриках. Период жесткой экономии во время Первой мировой войны привел к возрождению архитектуры в конце войны. К середине 1920-х годов возникла очень декоративная и гладкая эстетика ар-деко, которая охватила архитектуру и визуальный дизайн.

    Вдохновленные ар-деко дизайнеры и архитекторы использовали сочетание искусственных и машинных материалов, включая хром, нержавеющую сталь, лепнину, терракоту и непрозрачное листовое стекло. Этот стиль известен использованием слоновой кости, нефрита, известняка и мрамора, собранных в простые формы с острыми углами и линиями, геометрическими узорами и повторяющимися узорами.

    Вы можете исследовать замысловатый дизайн в стиле ар-деко в этих знаковых зданиях, расположенных в центре и в центре Канзас-Сити.

    Муниципальная аудитория

    Муниципальная аудитория DLC

    открылась в 1935 году как окончательное подтверждение нового статуса Канзас-Сити как современного города 20-го века.

    Municipal Auditorium открылся в 1935 году как окончательное подтверждение нового статуса Канзас-Сити как современного города 20-го века. Массивная конструкция заменила большой конференц-зал, разрушенный в 1900 году пожаром. Hoit, Price & Barnes была одной из двух архитектурных фирм, разработавших эти планы.Фирма также спроектировала здание Kansas City Power and Light.

    Построенный из стали и железобетона, зрительный зал представляет собой спартанский объемный холст, украшенный орнаментом. Обойдите зрительный зал и полюбуйтесь его линейно-геометрическим дизайном. Барельефные медальоны с классическими фигурами украшают обширный фасад из известняка. Другие элементы интерьера в стиле ар-деко включают в себя осветительные приборы и геометрический кафельный пол, который вы можете увидеть воочию в этом виртуальном туре по Муниципальному залу.

    Канзас-Сити Пауэр энд Лайт Билдинг

    Roy Harryman

    Построенный в 1931 году в разгар движения ар-деко, здание Kansas City Power and Light Building представляет собой легко узнаваемый небоскреб на горизонте города.

    Построенное в 1931 году в разгар движения ар-деко, 36-этажное здание Kansas City Power and Light Building представляет собой легко узнаваемый небоскреб на горизонте города. Здание теперь называется Power & Light Apartments, элитным жилым комплексом рядом с районом Power and Light.

    Элементы ар-деко включают в себя подробные изображения, выгравированные на дверях лифта, использование граненого стекла и мотив солнечных лучей — фирменный узор ар-деко. 21-футовый фонарь в стиле ар-деко на верхнем этаже — это, пожалуй, завершающий штрих. В дополнение к внешнему освещению фонарь служит маяком, который светится красным и оранжевым светом, создавая теплый, похожий на пламя эффект при включении.

    Ступенчатые уступы, постепенно отступающие от контура здания, подчеркивают вертикальность и геометрическую форму, типичную для зданий в стиле ар-деко.Стилизованные архитектурные детали фасада здания также демонстрируют орнаментальный вид, связанный с ар-деко.

    Здание суда округа Джексон

    Карлос Морено

    Построенное в 1934 году здание суда округа Джексон украшено элементами дизайна в стиле ар-деко внутри и снаружи.

    Здание суда округа Джексон — еще одно здание, построенное в начале 1930-х годов с широким использованием элементов дизайна в стиле ар-деко и неоклассицизма. Построенное в 1934 году, 28-этажное здание включает около 90 000 кубических футов известняка, широко используемого материала того времени.

    Мрамор, используемый в колоннах, стенах и прилавках, широко представлен в вестибюле, в основном из карьеров Миссури. Изысканный металлический орнамент, покрывающий окна и над входом в здание суда, а также великолепная люстра еще раз демонстрируют роскошный стиль ар-деко.

    Мэрия

    Ноа Джеппсон

    Скульптурные латунные двери лифта в здании мэрии иллюстрируют четыре основных вида современного транспорта (железная дорога, самолет, автомобиль, пароход), доступного в Канзас-Сити.

    Архитектурная фирма Канзас-Сити «Уайт и Уайт» разработала планы мэрии, 30-этажного здания со смотровой площадкой, завершенной в 1937 году. Фирма также работала над дизайном здания суда округа Джексон. К слову сказать, в дизайне использованы элементы архитектурных стилей неоклассицизма и изящного искусства. Возрожденческий дизайн Beaux-Arts, иногда встречающийся в ар-деко, представляет собой отдельное, но похожее движение, которое также означает разрыв с промышленной революцией.

    Подобно другим строениям в центре города, здание мэрии построено из известняка, привезенного из Индианы.Пиренейский мрамор, импортированный из юго-западной Франции, травертин из Тиволи, Италия, и античный мрамор Верде из Вермонта, использовались для украшения интерьера.

    Другие элементы в стиле ар-деко включают стилизованные светильники на потолке вестибюля, геометрические узоры плитки, скульптурные латунные двери лифта, которые иллюстрируют четыре основных вида современного транспорта (железная дорога, самолет, автомобиль, пароход), и изготовленные на заказ латунные накладки на дверные ручки.

    Внешние скульптуры на фасаде здания изображают людей и известные места в регионе, такие как У.Сенатор Томас Харт Бентон, штат Миссури, Бенуа Трост, Льюис и Кларк, торговый пост в Шуто и тропа Санта-Фе.

    Здание Национального банка Fidelity и трастовой компании

    Карлос Морено

    Здание Fidelity National Bank & Trust Building, ныне известное как 909 Walnut Apartments, было построено на пике стиля ар-деко в 1931 году.

    Построенный в 1931 году отель Fidelity National Bank & Trust Building находится в пределах 9-й и 10-й улиц Уолнат и Гранд-стрит.35-этажное здание неоднократно менялось и ремонтировалось. Здание было переоборудовано в апартаменты и теперь известно как 909 Walnut.

    Здание отеля Fidelity Building, спроектированное с использованием архитектурных мотивов в стиле ар-деко и готического возрождения, отличается своей двойной шпилем. Архитектурные элементы ар-деко включают использование геометрических форм, общей симметрии, вертикальности и отступов, чтобы подчеркнуть величественную высоту здания и геометрический профиль, а также декоративный орнамент.

    Здание Юнион Карбайд

    Michael D Morse

    Классический дизайн в стиле ар-деко можно увидеть на экстерьере Union Carbide Condominiums.

    В настоящее время преобразованное как Union Carbide Condominiums, здание украшено богатыми деталями ар-деко, включая стилизованные металлические конструкции и геометрическую симметрию дверей у парадного входа. На переднем фасаде также представлены геометрические светильники и классические терракотовые панели в стиле ар-деко под названием здания и кирпичная кладка.

    Саутвелл Билдинг

    Loopnet

    Богато детализированные панели на втором этаже здания Саутуэлл представляют собой примеры полихромного терракотового орнамента в стиле ар-деко.

    Возможно, вы миллионы раз проезжали мимо заметного, но менее очевидного экспоната ар-деко на пересечении Мэйн-стрит и Вестпорт-роуд. Посмотрите на витрины нижнего этажа здания Саутвелл, построенного архитекторами МакКекни и Траск в 1929 году, на восточной стороне Мэйна.

    Меломаны из Мидтауна могли вспомнить, как они отправились в Harling’s Upstairs, несуществующий классический гриль-бар, где мама Рэй и ее бэк-группа однажды устраивали еженедельные блюзовые джемы по субботам. Геометрические светильники вдоль линии крыши были разработаны, чтобы залить светом тротуар. Богато детализированные панели на втором этаже коммерческого здания являются образцами полихромного терракотового орнамента в стиле ар-деко. Это недооцененное сокровище, ради которого стоит не спешить.

    Хотите еще подобных приключений? Подпишитесь на рассылку Creative Adventure от KCUR.

    Для отображения этой формы требуется Javascript, который ваш браузер не поддерживает. Зарегистрируйтесь здесь вместо

    20 мест, где можно увидеть архитектуру ар-деко Талсы для себя

    Минкс-Адамс Отель

    403 S. Cheyenne Ave., Tulsa, OK 74103

    Отель Adams расположен на участке земли в самом сердце центрального делового района Талсы.Построенное И. С. Минксом в честь Международной нефтяной выставки 1928 года, здание имеет 13 этажей, включая подвал и пентхаус. Когда отель открылся, он рекламировал себя как «Особый адрес» и имел 50 номеров с кондиционерами. Ликвидационная продажа в 1935 году дала ему новых владельцев и новое имя: отель Адамс.

    Фасад Adams широко известен как отличный образец глазурованной терракотовой облицовки. Терракотовые пастельные синие и красные оттенки, произведенные компанией Northwestern Terra Cotta Company, все еще довольно заметны, а отдельные плитки прочны, с плотными швами из раствора.Архитектурный стиль фасада эклектичен, в духе периода с 1893 по 1917 год, когда архитекторы могли свободно использовать любые декоративные мотивы по своему усмотрению. Его богато украшенный фасад представляет собой творческое сочетание готики, итальянского ренессанса и барокко. Терракота также широко используется в интерьере здания в холле, кафе и на лестничной клетке.

    Здание было переоборудовано в Башню офиса Адамса в начале 1980-х годов и в настоящее время внесено в Национальный реестр исторических мест. — Courtesy, « Талса: там, где улицы были вымощены золотом» Клайда Р. Фрэнкс

    Здание Маяка

    404-406 S. Boulder Ave., Tulsa, OK 74103

    Здание из красного кирпича с декоративной лепниной в стиле ар-деко было построено в 1923 году и получило свое название, когда в нем размещалась компания Beacon Insurance Co. Первоначально здание принадлежало инвестиционной группе, в которую входили Джеймс М. Джиллетт, Карл В. Джиллетт, Патрик М.Керр и Эллиотт Л. Миллс. Первоначально на северо-восточном углу здания находился мигающий 65-футовый маяк. Маяк был рассеян в 1950-х годах, когда был установлен кондиционер, и электрическая система здания не могла справиться с обеими функциями. Шпиль был снят в 1970-х годах.

    Раньше у здания меняли название и несколько владельцев (включая Уэйта Филлипса). В 1927 году он был переименован в здание Национального банка безопасности, а в следующем году переименован в здание Траст-фонда Талсы.Название Beacon прижилось с 1929 года, хотя компания Beacon Life Insurance переехала после того, как здание было куплено Atlas Life Insurance Co. В 1986 году First National Bank and Trust Co. of Tulsa перешла на владение недвижимостью. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Здание Кеннеди

    321 S. Boston Ave., Tulsa, OK 74103

    Построенный в 1915 году застройщиком из Сент-Луиса С. Галле, здание Кеннеди стоит на 321 Южном Бостоне.Первопроходец из Талсы, доктор Сэмюэл Грант Кеннеди, купил здание и утроил его размер. Он оставил слово «Галле» над южным входом.

    Кеннеди был одним из учредителей и первым директором Коммерческого клуба, предшественника Торговой палаты Талсы. Он также работал в городском совете и в органах, которые помогали обеспечивать железнодорожное сообщение и возглавлять водный проект Spavinaw. Подпись Кеннеди украшает первоначальную хартию города Талса.

    Горгульи с головами льва над дверями когда-то держали во рту кольца, поддерживающие первоначальный навес.Реконструкция 1980 года включила в себя оригинальное здание в форме буквы «C», в котором был образован 10-этажный атриум и новые впечатляющие пространства вестибюля, но при этом были оставлены оригинальные итальянские и мраморные полы и стены из Вермонта. —Courtesy, «Исторический район Гринвуд Талсы» Ганнибала Джонсона

    Талса Юнион Депо

    3 S. Boston Ave., Талса, OK 74103

    Талса Юнион Депо — впечатляющий образец архитектуры ар-деко, он раскрывает вдохновение машин как темы внешнего геометрического дизайна.Union Depot было построено как совместное предприятие трех железных дорог во время Великой депрессии. Пассажирские поезда останавливались у памятника до 1967 года.

    Инновационный ремонт для повторного использования конструкции под офис был завершен в 1982 году, после того как здание простояло 14 лет. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Здание Cosden / Здание Мид-Континент

    401 S. Boston Ave., Талса, OK 74103

    Здание Косдена (ныне здание Мид-Континент) было построено в 1918 году на месте первой школы Талсы, которая была миссионерской школой, основанной в 1885 году на земле индейцев Крик.Построенное Джошуа Косденом, «принцем нефти» Талсы, 15-этажное здание было первым небоскребом Талсы. Это также было одно из первых зданий из железобетона в Соединенных Штатах.

    Основной дизайн был салливанским, но здание было облицовано терракотовой обшивкой в ​​венецианском готическом стиле. Здание было жестом в сторону прогрессивного дизайна в молодом городе и интерпретацией «коммерческих соборов» того времени. Cosden Building является краеугольным камнем старых финансовых и корпоративных офисных зданий на Бостон-авеню.Это здание стоимостью в миллион долларов символизировало яркость нефтяных баронов Талсы в период огромного роста и процветания.

    Достопримечательность Талсы была восстановлена ​​до своего первоначального величия в 1980 году, чтобы соответствовать требованиям современной корпоративной среды.

    Вскоре после этого начались работы над драматическим дополнением, которое увеличило бы здание более чем в три раза. Поскольку первоначальная конструкция была недостаточно прочной, чтобы выдержать вес 20 дополнительных этажей, была использована «консольная» конструкция, чтобы подвесить новую башню над старым зданием.Две структуры не соприкасаются. Башня возвышается на 20 этажей и простирается на 40 футов по горизонтали над первоначальным 15-этажным зданием, создавая видимость восходящего продолжения первой конструкции. Более глубокие и широкие стальные фермы в конструкции 16-го и 17-го этажей башни и фундамент глубиной 120 футов несут бремя консольных перекрытий.

    Чтобы сохранить преемственность первоначального тюдоровско-готического дизайна, было изготовлено более 85 000 штук терракотовых панелей, шпилей, карнизов и молдингов для внешнего фасада.На момент строительства башни единственный производитель терракоты в США находился в Калифорнии. Терракота — это обожженный, глазурованный глиняный материал, похожий на керамическую плитку. Каждое изделие ручной работы, изготовленное вручную и отлитое вручную, является искусно украшенным и представляет собой произведение искусства.

    Три различных типа мрамора были импортированы из Италии, чтобы соответствовать существующим внутренним стеновым панелям. Мрамор Calcutta Vagli Rosatta украшает стены и колонны. Стены туалета покрыты римским травертином. Акценты и отделка выполнены в стиле Verde Antique.Пол вестибюля выполнен из мрамора из Теннесси двух цветов — Craig Rose и Rose Grey.

    Художник проекта использовал мотив дизайна, верный неоготическому подходу, в различных витражах по всей башне. В вестибюле изысканная панорама из цветного стекла воссоздает горизонт Талсы от методистской церкви на Бостон-авеню до башни Бэнк оф Оклахома. Витражный купол, напоминающий гигантскую лампу Тиффани, образует потолок над трехэтажной винтовой лестницей, соединяющей три верхних этажа башни, а двухэтажный вход в «колоннаду» образован четырьмя терракотовыми арками.

    Построенное в 1984 году, через 66 лет после первоначального строительства, здание было переименовано в «Башню Мид-Континент». Здание Cosden было внесено в Национальный реестр 1 февраля 1979 года. — Кортеси, Комиссия по сохранению Талсы

    Муниципальное здание Талсы

    124 E. 4-я улица, Талса, OK 74103

    Старая ратуша, впервые занятая в 1917 году, служила Талсе все годы, пока она энергично строила свои претензии на звание «нефтяной столицы мира».По иронии судьбы, Талсе удалось обосновать это утверждение, в конечном итоге переросшее красивое старое здание в неоклассическом стиле. В 1969 году его освободили.

    Старое муниципальное здание Талсы имеет фасад в классическом греческом стиле. На его основном возвышении изображены двухэтажные ионические колонны с канавками. Упрощенные колонны на восточном и западном фасадах — модифицированные тосканские. Стены четырехэтажного здания выложены серым 36-дюймовым камнем. Внутренние стены в общественных помещениях облицованы мрамором. Значительная фреска в вестибюле изображает уличную сцену Талсы в 1919 году.

    Внешний вид практически не изменился, хотя двери и окна были изменены. Основным дополнением является новая площадь из красного кирпича, сохранившая старые кирпичные улицы того периода, когда было возведено здание.

    Муниципальное здание Талсы было внесено в Национальный реестр 18 июля 1975 года. —Сортеси, Комиссия по сохранению Талсы

    Здание клуба Талсы

    115 E. 5th St., Талса, OK 74103

    Построенное в 1927 году 11-этажное здание клуба Tulsa было спроектировано Брюсом Гоффом.Он был построен совместными усилиями Торговой палаты Талсы и Клуба Талсы. Первые пять этажей здания были заняты Палатой и другими коммерческими организациями, а шесть верхних этажей и сад на крыше — Клуб Талсы. Клуб Талсы содержал общие спальни на шестом этаже и мужской холл на восьмом этаже. В клубе также были тренажерный зал и парикмахерская.

    Интерьер клуба украшен орнаментом в стиле ар-деко, в том числе каминной плиткой.Оригинальный вход с 5-й улицы, построенный из камня Бедфорд, был оформлен с использованием абстрактных деталей над дверным проемом.

    Пришедший в упадок, Tulsa Club был прекрасно отреставрирован (за большие деньги) и вновь открыт в апреле 2019 года под названием Tulsa Club Hotel. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы при участии сотрудников Root

    Southwestern Bell Main Dial Building

    E. 5-я улица и С. Детройт-авеню., Талса, OK 74120

    Первые два этажа этого ухоженного здания были построены в 1924 году, когда был популярен готический стиль. Они были построены для размещения нового телефонного оборудования, которое впервые было использовано в Талсе в ноябре 1924 года. Шесть лет спустя, в 1930 году, когда зигзагообразный ар-деко вытеснил готический стиль, было добавлено четырехэтажное здание. В пристройке находились офисы подразделения и терминальное оборудование для взимания платы за проезд по подземному кабелю Оклахома-Сити-Талса.

    Фасад первого этажа этого светло-коричневого кирпичного здания разбит рядом больших арочных окон.Эти окна имеют терракотовые рамы, гармонирующие по цвету с довольно узкими терракотовыми квалами и фундаментом здания. Окна второго этажа прямоугольные и разделены кирпичными панелями, украшенными витиеватыми терракотовыми факелами. Над факелами расположена пара вертикальных терракотовых щитков. Выше второго этажа фасад здания разбит на серию ступенчатых панелей, оканчивающихся вершинами над линией крыши. Окна кажутся утопленными панелями. Область перемычки, построенная из терракотовой плитки желтого цвета с узорами в стиле ар-деко, имеет четкие вертикальные линии.Башни также облицованы терракотовой плиткой, как и весь орнамент здания. Поставщиком выступала Northwestern Terra Cotta Tile Company из Чикаго, ведущий производитель этой плитки.

    Здание Southwestern Bell Main Dial Building было внесено в Национальный реестр 22 июня 1984 года. — Кортеси, Комиссия по сохранению Талсы

    320 Южный Бостон, здание

    320 S. Boston Ave., Талса, OK 74103

    Здание 320 Южного Бостона, ранее известное как Здание Национального банка Талсы, представляет собой 22-этажное высотное здание, построенное архитектором Джорджем Винклером, который также спроектировал отель Mayo.Первоначально он был построен как 10-этажное здание штаб-квартиры Биржевого национального банка в 1917 году и расширен до нынешних размеров в 1929 году.

    Облицованный кирпичом с терракотовой отделкой, архитектурный стиль выполнен в стиле Beaux-Arts. К центральной башне на 20-м этаже примыкает двухэтажная аркадная секция, увенчанная секцией перед храмом. Купол венчает секцию. Долгие годы купол освещался прожекторами, цвет которых менялся согласно последнему прогнозу погоды.Зеленый свет означал хорошую погоду, а красный свет — приближающийся шторм.

    В 1933 году Exchange National Bank был реорганизован и переименован в Национальный банк Талсы. После этого здание было известно как здание Национального банка Талсы, пока банк не переименовал себя в Банк Оклахомы (BOK). BOK переехал в свою недавно построенную Башню BOK в 1977 году. Здание NBT вернулось к своему прежнему названию 320 South Boston Building и стало офисным зданием. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Philtower Building

    427 с.Бостон авеню, Талса, OK 74120

    Одним из самых ярких дополнений к ландшафту Талсы стало здание Филтауэр, открывшееся в 1928 году на северо-восточном углу Пятой улицы и Бостон-авеню. Небоскреб был построен Уэйтом Филлипсом, который также построил другие здания в центре города, включая Philcade, напротив Philtower и Beacon Building.

    Здание представляет собой стиль поздней готики с элементами ар-деко. Среди его примечательных особенностей — покатая, необычно красочная черепичная крыша; две горгульи над входом на Бостон-авеню; великолепный вестибюль первого этажа с уникальными люстрами; и широкий торговый центр на втором этаже.Поражает и обильное использование красного дерева во всем здании. Еще одна интересная особенность — тщательно сохранившийся офис, в котором живет Уэйт Филлипс. Его балочный потолок поднимается вверх в виде А-образной рамы на высоту двадцати футов. Он может похвастаться богато обшитыми панелями стенами, небольшим камином, обрамленным голубой плиткой, и собственной ванной комнатой.

    «Королева горизонта Талсы» Филтова считалась стратегической как по времени, так и по местоположению. Он должен был стать связующим звеном в архитектурном великолепии между предложенным тогда вокзалом Союза на северном конце Бостон-авеню и высокой методистской церковью на Бостон-авеню на юге.Здание стоит так же, как когда оно открылось в 1928 году. Его поразительно красочная, покатая, черепичная крыша все еще освещает синюю ночь с желтыми клетками.

    The Philtower была внесена в Национальный реестр 29 августа 1979 года. — Courtesy, «Талса: мировая нефтяная столица» Джеймса О. Кемма

    Здание Philcade

    511 S. Boston Ave., Tulsa, OK 74103

    Построенное в 1931 году здание Philcade Building примечательно своими художественными работами в интерьере, архитектурным дизайном и его связью с развивающейся нефтяной промышленностью.Внутренние аркады первого этажа здания удивительно пышны. Пилястры из рифленого и полированного мрамора св. Женевьевы поддерживают орнаментальный гипсовый фриз, покрытый сусальным золотом на уровне антресоли. Из этого гипсового фриза арки образуют потолок, который также покрыт сусальным золотом и расписан вручную геометрическими узорами, выполненными в приглушенных тонах красного, синего, зеленого, фиолетового и коричневого цветов — излюбленных цветов периода ар-деко. Эти дизайны отображают стиль зигзагообразного ар-деко той эпохи.Изысканная люстра с филигранной отделкой из бронзы подвешена к центру каждого узора. Отделка потолка дополняется детализированными витринами из красного дерева, стекла и бронзы, а также коричневым и черным полом из терраццо.

    Первый этаж, антресоль и второй этажи изначально были аркадами для ведения коммерческой деятельности. Эта часть фасада покрыта богато резной терракотовой и чугунной фанерой. Детали из терракоты на втором уровне и в каждом углу демонстрируют страсть к стилизованной флоре и фауне.Каждый вход в здание обрамлен рифлеными колоннами египетского возрождения, которые заканчиваются терракотовой балкой в ​​стиле папируса. Большие витрины на первом этаже и входы очень формальны. Отделка офисных помещений этого здания, начиная с уровня третьего этажа и заканчивая линией крыши, представляет собой очень ритмичную обработку кирпича и больших стальных распашных окон. Здание является ярким примером движения ар-деко в Талсе, которое закончилось по большей части с началом Великой депрессии.Его долговечность теперь не вызывает сомнений, а его излишества продолжают радовать глаз.

    Уэйт Филлипс, первый владелец здания, сыграл очень важную роль в истории нефтяной промышленности Оклахомы. Здание также служило штаб-квартирой для многих развивающихся нефтяных компаний и частных лиц, связанных с нефтяной промышленностью. Многие из этих компаний и их потомков до сих пор работают в нефтяной промышленности Оклахомы. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Атлас Лайф Билдинг

    415 с.Бостон авеню, Талса, OK 74103

    После своего основания в 1918 году в качестве первой компании по страхованию жизни в Талсе, компания Atlas Life Insurance начала строительство высотного здания в форме перевернутой буквы «Т». Компания занимала здание с 1922 года до его продажи в 1991 году.

    Выше 12 этажей, выполненных в стиле классического возрождения, на фасаде здания изображена статуя Атласа, титана древнегреческой мифологии, держащего небо на своих плечах. Четырехэтажная розово-зеленая неоновая вывеска, висящая над входом, была добавлена ​​в 1946 году и является заметной достопримечательностью Бостон-авеню с севера и юга.

    Сегодня на нижнем этаже расположено несколько предприятий, в том числе New Atlas Grill и Tulsa Press Club, а бывшие офисные помещения наверху были преобразованы в отель Courtyard Marriott. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Общественная служба Оклахома Билдинг

    600 S. Main St., Талса, OK 74119

    Построенное в 1929 году здание Государственной службы Оклахомы было ранним зданием в стиле ар-деко в Талсе.Выбор этого стиля обычно консервативной коммунальной компанией установил его признание и проложил путь для множества последующих зданий в стиле ар-деко. Это здание также имеет историческое значение, потому что оно отражает огромный рост Талсы с 1920 по 1930 год. К 1927 году затраты на строительство в центре Талсы составляли в среднем один миллион долларов в месяц. К 1930 году в Талсе было больше десятиэтажных зданий, чем в любом городе такого размера в мире.

    Здание построено из железобетона, имеет стальную конструкцию и стальные оконные рамы, покрытые светло-серым известняком Бедфорд.В 1929 году компания также занималась розничной торговлей, и окна на первом этаже достаточно велики, чтобы вместить витрины товаров. Стилизованный арочный дизайн этих окон отражает готический предшественник ар-деко. Одной из самых необычных особенностей здания является его прекрасное ночное освещение за счет серии стратегически расположенных источников света.

    Архитектор Артур М. Аткинсон, который также был профессиональным инженером, реализовал эту функцию, чтобы продемонстрировать продукт клиента, которым, конечно же, была электроэнергия.Светильники в форме факелов декорированы шевронами в стиле ар-деко и геометрическими узорами с отступом назад. Здание продолжает оставаться жизнеспособной частью центра города Талса и обеспечивает видимую и ощутимую связь с важным периодом его прошлого. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Пифийское здание

    423 S. Boulder Ave., Tulsa, OK 74103

    Пифийское здание, построенное в 1930 году, первоначально называлось Жилетт / Тирелл-билдинг.Трехэтажное строение должно было венчать 10-этажная гостиница, которая так и не была построена. Полосчатая скала вдоль основания — это радужный гранит, метаморфическая порода, называемая гнейсом, которую добывали в Миннесоте.

    Замысловатая штукатурка вестибюля, кованое железо, красочная плитка и мозаичные полы создают один из самых изысканных интерьеров Талсы в стиле ар-деко. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Здание Макфарлина

    11 в.5-я улица, Талса, OK 74103

    Построенное в 1918 году здание McFarlin Building имеет важное архитектурное значение и является одним из двух зданий Талсы, связанных с Робертом М. Макфарлином, нефтяником, банкиром, филантропом и общественным деятелем.

    Здание McFarlin, спроектированное архитекторами из Сент-Луиса Барнетт-Хейнс-Барнетт и построенное инженером Брюсселем Витербо, представляет собой здание XIX века по концепции и флорентийскому стилю. Верхние этажи фасада из темно-красного кирпича на южном и восточном фасадах остались неизменными.Орнамент включает три каменных балкона, стилизованных львов и урн. Здание увенчано большим карнизом, поддерживаемым викторианскими кронштейнами. Интерьер здания претерпел существенные изменения и не сохранил своей целостности.

    Первым арендатором был универмаг Halliburton-Abbott. Здание Макфарлина было занесено в Национальный реестр 6 декабря 1979 года. —Сортеси, Комиссия по сохранению Талсы

    Здание Мэйо

    420 с.Главная улица, Талса, OK 74103

    Здание Mayo из светлого кирпича является самым старым из существующих зданий нефтяного бизнеса Талсы. Построенное так же, как нефтяная лихорадка поразила Талсу, здание Mayo Building представляет собой хорошее представление о многих офисных зданиях среднего размера, которые были необходимы для больших и малых компаний, нуждающихся в офисных помещениях в мировой нефтяной столице.

    Построенное в 1910 году, здание Mayo Building находилось в двух кварталах к югу от первоначального местоположения магазинов и было пятиэтажным, всего лишь одним из немногих на этой высоте, тогда называемых «небоскребами» в Талсе.Это было первое предприятие братьев за пределами мебельного бизнеса, поскольку они разделили использование здания между мебельным бизнесом и офисными помещениями для нефтяных компаний.

    В ответ на растущий спрос на офисные помещения Майо удвоили свое первоначальное пятиэтажное здание в 1914 году, а в 1917 году добавили еще пять этажей к зданиям 1910 и 1914 годов. 10-этажное здание Mayo Building стало одним из самых высоких зданий на горизонте Талсы.

    Хотя отель Mayo, вероятно, является самым известным из отелей Mayo в Талсе, именно Mayo Building произвел начальный капитал, необходимый братьям для создания своей империи недвижимости и инвестиций.Начав с заемных средств, братья Мэйо работали вместе, чтобы построить свое первое здание, которое, в свою очередь, профинансировало другие проекты в сфере недвижимости, включая нефтяное здание 1921 года, отель Mayo 1925 года и отель Mayo Motor Inn 1950 года, ни один из которых не мог бы существовать без Здание Мэйо.

    Mayo сохранил свою трехэтажную вертикальную рекламную вывеску и символизирует крупное офисное строительство того времени. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Mayo Hotel

    115 Вт.5-я улица, Талса, OK 74103

    Когда в 1925 году был построен отель Mayo, в нем было 600 номеров, и он был самым высоким зданием в Талсе. Основатели отеля, Касс А. и Джон Д. Мэйо, были пионерами в сфере недвижимости в Талсе, и отель Mayo был их самым амбициозным и элегантным вкладом в развитие города. Мейо был резиденцией многих нефтяных баронов во время Второго нефтяного бума, а впоследствии стал местом проживания выдающихся политиков и артистов.

    Отель был спроектирован архитектором Джорджем Винклером, который также построил здание 320 South Boston Building в салливанском стиле чикагской школы.Четырнадцать этажей из красного кирпича с ложными терракотовыми балконами поддерживаются двухэтажными дорическими колоннами, а увенчивается здание еще двумя этажами из камня с зубчатым карнизом.

    Ночью знаменитую красную неоновую вывеску Майо можно увидеть из центра города. Отель был внесен в Национальный реестр исторических мест в 1980 году, но закрылся в 1981 году и пришел в упадок. После ремонта стоимостью 42 миллиона долларов, Mayo снова открыл свои двери для публики в 2009 году.

    В настоящее время Mayo предлагает ресторан, кафе, современные номера и лаундж на крыше Penthouse. От вестибюля до Crystal Ballroom в отеле по-прежнему проводятся вечеринки и свадьбы — так же, как отель был известен в дни своей славы. —Courtesy, Комиссия по сохранению Талсы

    Влияния ар-деко — HiSoUR — Hi So You Are

    🔊 Аудиочтение

    Ар-деко, иногда называемое деко, — это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, впервые появившийся во Франции незадолго до Первой мировой войны.Ар-деко повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных изделий, моды, автомобилей, кинотеатров, поездов, океанских лайнеров и повседневных предметов, таких как радио и пылесосы. Свое название, сокращенно от Arts Décoratifs, он получил от Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes), проходившей в Париже в 1925 году. Он сочетал в себе стили модерн с прекрасным мастерством и богатыми материалами. В период своего расцвета ар-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс.

    Описательный термин, применяемый к стилю декоративного искусства, который был широко распространен в Европе и США в 1920-е и 1930-е годы. Унаследованный от стиля, ставшего популярным на Международной выставке Des. Arts Décoratifs et Industriels Modernes, проходившая в Париже в 1925 году, этот термин использовался только с конца 1960-х годов, когда произошло возрождение интереса к декоративному искусству начала 20 века. широкий спектр произведений, произведенных в межвоенные годы, и даже произведений немецкого Баухауса.Но ар-деко был в основном французского происхождения, и поэтому этот термин следует применять только к французским произведениям и произведениям из стран, находящихся под непосредственным влиянием Франции.

    Ар-деко представлял собой смесь многих стилей, иногда противоречащих друг другу, объединенных стремлением быть современным. С самого начала ар-деко находился под влиянием смелых геометрических форм кубизма; яркие краски фовизма и русского балета; обновленное мастерство мебели эпох Людовика Филиппа и Людовика XVI; и экзотические стили Китая и Японии, Индии, Персии, Древнего Египта и искусства майя.В нем использовались редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство. Крайслер-билдинг и другие небоскребы Нью-Йорка, построенные в 1920-1930-х годах, являются памятниками стиля ар-деко.

    В 1930-е годы, во время Великой депрессии, стиль ар-деко стал более сдержанным. Пришли новые материалы, в том числе хромирование, нержавеющая сталь и пластик. Более изящная форма этого стиля, получившая название Streamline Moderne, появилась в 1930-х годах; он отличался изогнутыми формами и гладкими полированными поверхностями.Ар-деко — один из первых по-настоящему интернациональных стилей, но его господство закончилось с началом Второй мировой войны и подъемом строго функциональных и неприукрашенных стилей модернизма и последующего международного стиля архитектуры.

    Наименование
    Ар-деко получило свое название, сокращенно от Arts Décoratifs, из Международной выставки декоративного искусства и современной промышленности, проходившей в Париже в 1925 году, хотя различные стили, характеризующие ар-деко, уже появились в Париже и Брюсселе еще до Первой мировой войны.

    Термин «декоративное искусство» впервые был использован во Франции в 1858 году; опубликовано в Бюллетене французского общества фотографии.

    В 1868 году газета Le Figaro использовала термин objets d’art décoratifs по отношению к объектам сценических декораций, созданных для Театра оперы.

    В 1875 году французское правительство официально присвоило дизайнерам мебели, текстиля, ювелирных изделий, стекла и другим мастерам статус художников. В ответ на это École royale gratuite de dessin (Королевская бесплатная школа дизайна), основанная в 1766 году при короле Людовике XVI для обучения художников и ремесленников ремеслам, связанным с изобразительным искусством, была переименована в Национальную школу декоративных искусств (l’École Nationalale des Arts décoratifs).В 1927 году он получил свое нынешнее название ENSAD (Национальная школа высшего искусства).

    Во время выставки 1925 года архитектор Ле Корбюзье написал серию статей о выставке для своего журнала L’Esprit Nouveau под названием «Выставка 1925 года: Arts Déco», которые были объединены в книгу «L’art décoratif d’aujourd». «хуэй» («Декоративное искусство сегодня»). Книга была энергичной атакой на излишества красочных и роскошных предметов Экспозиции; и на идее, что практичные предметы, такие как мебель, вообще должны иметь какое-либо украшение; он пришел к выводу, что «современное украшение не имеет украшения».

    Сокращенное название «Ар-деко», которое Ле Корбюзье использовал в статьях и книге, было адаптировано в 1966 году для названия первой современной выставки по этой теме под названием Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, которая охватывала разнообразие основных стилей 1920-х и 1930-х годов. Затем термин «арт-деко» был использован в газетной статье 1966 года Хиллари Гелсон в «Таймс» (Лондон, 12 ноября), в которой описывались различные стили на выставке.

    Ар-деко приобрело популярность как широко применяемый стилистический ярлык в 1968 году, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал первую крупную академическую книгу по этому стилю: ар-деко 20-х и 30-х годов.Хиллиер отметил, что этот термин уже используется торговцами предметами искусства, и цитирует The Times (2 ноября 1966 г.) и эссе под названием «Les Arts Déco» в журнале Elle (ноябрь 1967 г.) в качестве примеров предшествующего употребления. В 1971 году Хиллер организовал выставку в Институте искусств Миннеаполиса, которую он подробно описывает в своей книге «Мир ар-деко».

    Истоки

    Общество художников-декораторов (1901–1913)
    Возникновение ар-деко было тесно связано с повышением статуса художников-декораторов, которые до конца XIX века считались просто ремесленниками.Термин «декоративно-прикладное искусство» был изобретен в 1875 году и дал дизайнерам мебели, текстиля и других украшений официальный статус. Société des artistes décorateurs (Общество художников-декораторов), или SAD, было основано в 1901 году, и художникам-декораторам были предоставлены те же права авторства, что и художникам и скульпторам. Похожее движение развивалось в Италии. Первая международная выставка, целиком посвященная декоративному искусству, Esposizione international d’Arte Decorative moderna, прошла в Турине в 1902 году.В Париже было основано несколько новых журналов, посвященных декоративному искусству, в том числе Arts et décoration и L’Art décoratif moderne. Секции декоративно-прикладного искусства были представлены в ежегодных салонах Французского общества художников, а затем и в Осеннем салоне. Французский национализм также сыграл роль в возрождении декоративного искусства; Французские дизайнеры столкнулись с проблемой увеличения экспорта менее дорогой немецкой мебели. В 1911 году САД предложило провести в 1912 году новую крупную международную выставку декоративно-прикладного искусства.Копирование старых стилей не разрешалось; только современные работы. Выставка была отложена до 1914 года, затем из-за войны была отложена до 1925 года, когда она дала название целому семейству стилей, известному как Déco.

    Парижские универмаги и модельеры также сыграли важную роль в подъеме ар-деко. Известные фирмы, в том числе производитель чемоданов Louis Vuitton, фирма по производству столового серебра Christofle, дизайнер стекла Рене Лалик и ювелиры Луи Картье и Boucheron, которые начали разрабатывать изделия в более современных стилях.Начиная с 1900 года универмаги нанимали художников-декораторов для работы в своих дизайн-студиях. Украшение Осеннего салона 1912 года было поручено универмагу Printemps. В том же году Printemps создала собственную мастерскую под названием Primavera. К 1920 году в Primavera работало более трехсот художников. Стили варьировались от обновленных версий Людовика XIV, Людовика XVI и особенно мебели Луи Филиппа, созданной Луи Сюэ и мастерской Primavera, до более современных форм из мастерской универмага Au Louvre.Другие дизайнеры, в том числе Эмиль-Жак Рульманн и Поль Фолио, отказались от массового производства и настаивали на том, чтобы каждое изделие изготавливалось вручную вручную. В раннем стиле ар-деко использовались роскошные и экзотические материалы, такие как черное дерево, слоновая кость и шелк, очень яркие цвета и стилизованные мотивы, особенно корзины и букеты цветов всех цветов, что придает модернистский вид.

    Театр Елисейских полей (1910–1913)
    Театр Елисейских полей (1910–1913) Огюста Перре был первым построенным в Париже архитектурным памятником архитектуры.Раньше железобетон использовался только для промышленных и многоквартирных домов, Перре построил первое современное жилое здание из железобетона в Париже на улице Бенджамина Франклина в 1903-04 годах. Анри Соваж, еще один важный будущий архитектор ар-деко, построил еще один в 1904 году на улице Третень, 7 (1904). С 1908 по 1910 год 21-летний Ле Корбюзье работал рисовальщиком в офисе Перре, изучая методы строительства из бетона. Здание Перре имело чистую прямоугольную форму, геометрический декор и прямые линии, будущие марки ар-деко.Обстановка театра также была революционной; фасад был украшен пластинами скульптуры в стиле ар-деко Антуана Бурделя, куполом Мориса Дени, картинами Эдуара Вюйара и занавесом в стиле ар-деко Кер-Ксавье Русселем. Театр стал известен как место проведения многих первых спектаклей Русского балета. Перре и Соваж стали ведущими архитекторами ар-деко в Париже в 1920-х годах.

    Осенний салон (1912–1913)
    С момента своего зарождения между 1910 и 1914 годами ар-деко представлял собой взрыв цвета, в котором использовались яркие и часто противоречащие друг другу оттенки, часто в цветочных узорах, представленных в обивке мебели, коврах, ширмах, обоях и т. Д. ткани.Много красочных работ, в том числе стулья и стол Мориса Дюфрена и яркий гобеленовый ковер Поля Фолло, были представлены в Салоне художников-декораторов 1912 года. В 1912–1913 годах дизайнер Альфред Карбовски изготовил стул с цветочным рисунком в виде попугая для охотничьего домика коллекционера Жака Дусе. Дизайнеры мебели Луи Сюэ и Андре Маре впервые появились на выставке 1912 года под названием Atelier Française, сочетая красочные ткани с экзотическими и дорогими материалами, включая черное дерево и слоновую кость.После Первой мировой войны они стали одной из самых известных французских дизайнерских фирм, производящих мебель для первоклассных салонов и кают французских трансатлантических лайнеров.

    Яркие цвета ар-деко пришли из многих источников, включая экзотические декорации Леона Бакста для Русского балета, которые вызвали сенсацию в Париже незадолго до Первой мировой войны. Некоторые цвета были вдохновлены более ранним движением фовизма во главе с Анри Матисс; другие — орфизмом художников, таких как Соня Делоне; другие — движением, известным как Наби, и работами художника-символиста Одилона Редона, который проектировал каминные перегородки и другие предметы декора.Яркие цвета были отличительной чертой работы модельера Поля Пуаре, чьи работы повлияли как на моду в стиле ар-деко, так и на дизайн интерьера.

    Дом кубизма (1912)
    Художественный стиль, известный как кубизм, появился во Франции между 1907 и 1912 годами, оказав влияние на развитие ар-деко. Кубисты, находившиеся под влиянием Поля Сезанна, были заинтересованы в упрощении форм до их геометрических сущностей: цилиндра, сферы, конуса.

    В 1912 году художники Золотой секции выставили произведения, значительно более доступные широкой публике, чем аналитический кубизм Пикассо и Брака.Словарный запас кубизма был готов привлечь дизайнеров моды, мебели и интерьера.

    В произведениях Андре Веры 1912 года. Стиль Le Nouveau, опубликованный в журнале L’Art décoratif, он выразил отказ от форм ар-нуво (асимметричных, полихромных и живописных) и призвал к simplicité volontaire, symétrie manifesteste, l’ordre et l’harmonie, темам, которые в конечном итоге станут обычное дело в ар-деко; хотя со временем стиль деко часто становился чрезвычайно красочным и совсем не простым.

    В разделе Art Décoratif Осеннего салона 1912 года была выставлена ​​архитектурная инсталляция, известная как La Maison Cubiste. Фасад был спроектирован Раймоном Дюшаном-Вийоном. Декор дома был выполнен фирмой Луи Сюэ и Андре Маре, которые в 1912 году основали компанию под названием Atlelier Français. La Maison Cubiste представляла собой меблированный объект с фасадом, лестницей, перилами из кованого железа, спальней и спальней. гостиная — Салон «Буржуа», где висели картины Альберта Глейза, Жана Метцингера, Мари Лорансен, Марселя Дюшана, Фернана Леже и Роже де ла Френэ.Тысячи зрителей в салоне прошли через натурный макет.

    Фасад дома, спроектированный Дюшаном-Вийоном, не был очень радикальным по современным меркам; перемычки и фронтоны имели призматическую форму, но в остальном фасад напоминал обычный дом того периода. Комнаты были обставлены Маре стульями и диванами в стиле нео-Людовика XVI и Луи-Филиппа, которые были обновлены с более угловатыми деталями, чтобы гармонировать с кубистскими картинами. Критик Эмиль Седейн описал работу Маре в журнале Art et Décoration: «Он не смущает себя простотой, потому что он размножает цветы везде, где их можно поставить.Очевидно, что эффект, которого он добивается, — это живописность и веселье. Он добивается этого ». Элемент кубизма был обеспечен картинами. Несмотря на свою непринужденность, инсталляция была раскритикована некоторыми критиками как чрезвычайно радикальная, что помогло ей добиться успеха. Эта архитектурная инсталляция впоследствии экспонировалась на Armory Show 1913 года в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне. Во многом благодаря выставке термин «кубист» стал применяться ко всему современному, от женских стрижек до одежды и театральных представлений.

    Стиль кубизма продолжился в ар-деко, хотя деко разветвился во многих других направлениях. В 1927 году кубисты Жозеф Чаки, Жак Липшиц, Луи Маркусси, Анри Лоран, скульптор Густав Миклош и другие сотрудничали в оформлении Дома-студии на улице Сен-Джеймс в Нейи-сюр-Сен по проекту архитектора Поля Руо и принадлежит французскому модельеру Жаку Дусе, также являющемуся коллекционером постимпрессионистского искусства Анри Матисса и картин кубистов (включая Les Demoiselles d’Avignon, которые он купил непосредственно в студии Пикассо).Лоренс спроектировал фонтан, Чаки спроектировал лестницу Дусе, Липшиц сделал каминную полку, а Маркусси сделал кубистский ковер.

    Помимо художников-кубистов, Дусе привлекла других дизайнеров интерьера Deco, чтобы помочь в оформлении дома, в том числе Пьера Легрена, который отвечал за оформление, и Поля Ирибе, Марселя Корда, Андре Гроулта, Эйлин Грей и Роуз Адлер, чтобы обеспечить мебель. Декор включал в себя массивные предметы из макассарового черного дерева, вдохновленные африканским искусством, и мебель, покрытую кожей Марокко, крокодиловой кожей и змеиной кожей, а также узорами, взятыми из африканских узоров.

    Влияния
    Ар-деко — это не какой-то один стиль, а совокупность различных, а иногда и противоречащих друг другу стилей. В архитектуре ар-деко был преемником и реакцией на модерн, стиль, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами, а также постепенно вытеснил изящное искусство и неоклассицизм, которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, в котором он систематически исследовал декоративные (орнаментальные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций в отличие от (и в качестве отхода) от волнистого искусства. Стиль модерн Гектора Гимара, столь популярный в Париже несколькими годами ранее.Грассе подчеркивал принцип, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных композиций. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соважа, и особенно Театр Елисейских полей, предложили новую форму строительства и декора, которая была скопирована во всем мире.

    Ар-деко заимствовало и использовало множество различных стилей декора. Среди них были произведения древнерусского искусства со всего мира, которые можно увидеть в Музее Лувра, Музее человека и Национальном музее африканского и французского искусства.Был также популярен интерес к археологии из-за раскопок в Помпеях, Трое и гробнице фараона Тутанхамона 18-й династии. Художники и дизайнеры объединили мотивы из Древнего Египта, Месопотамии, Греции, Рима, Азии, Мезоамерики и Океании с элементами машинного века.

    Другие заимствованные стили включали русский конструктивизм и итальянский футуризм, а также орфизм, функционализм и модернизм в целом. В ар-деко также использовались конфликтующие цвета и дизайн фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерена, которые вдохновляли дизайны тканей в стиле ар-деко, обоев и расписной керамики.Он взял идеи из лексики высокой моды того периода, в которой использовались геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтологии и растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. Начиная с 1925 года, он часто вдохновлялся страстью к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, а к 1930 году это влияние привело к созданию стиля, называемого обтекаемым модерном.

    Стиль роскоши и современности
    Ар-деко ассоциировался как с роскошью, так и с современностью; в нем сочетаются очень дорогие материалы и изысканное мастерство, воплощенное в модернистских формах.Ничего не было дешевым в ар-деко: предметы мебели включали инкрустацию из слоновой кости и серебра, а в ювелирных изделиях ар-деко бриллианты сочетались с платиной, нефритом и другими драгоценными материалами. Стиль был использован для оформления первоклассных салонов океанских лайнеров, роскошных поездов и небоскребов. Его использовали во всем мире для украшения великих дворцов кино в конце 1920-х и 1930-х годах. Позже, после Великой депрессии, стиль изменился и стал более трезвым.

    Ярким примером роскошного стиля ар-деко является будуар модельера Жанны Ланвин, спроектированный Арманом-Альбертом Рато (1882-1938), построенный между 1922-25 годами.Он находился в ее доме на улице Барбе-де-Жуи, 16 в Париже, который был снесен в 1965 году. Помещение было реконструировано в Музее декоративного искусства в Париже. Стены покрыты лепными барашками под лепными лепными барельефами. Альков обрамлен мраморными колоннами с основанием и цоколем из резного дерева. Пол из белого и черного мрамора, а в шкафах декоративные предметы отображаются на фоне синего шелка. В ее ванной комнате были ванна и умывальник из сиенского мрамора со стеной из резной лепнины и бронзовой фурнитурой.

    К 1928 году стиль стал более комфортным, появились клубные кресла из глубокой кожи. Исследование, разработанное парижской фирмой Alavoine для американского бизнесмена в 1928-1930 годах и находящееся сейчас в Бруклинском музее, имело уникальную американскую черту. Поскольку он был построен во времена Сухого закона, когда подача алкоголя была запрещена, в нем был секретный бар, спрятанный за панелями.

    К 1930-м годам стиль несколько упростился, но все еще оставался экстравагантным. В 1932 году декоратор Поль Рууд создал Стеклянный салон для Сюзанны Тальбот.В нем было змеевидное кресло и два трубчатых кресла от Эйлин Грей, пол из матовых посеребренных стеклянных плит, панель с абстрактными узорами в серебряном и черном лаке, а также ассортимент шкур животных.

    Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства (1925)
    Событием, которое обозначило зенит этого стиля и дало ему название, была Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства, которая проходила в Париже с апреля по октябрь 1925 года. был официально спонсирован французским правительством и занимал участок в Париже площадью 55 акров, простирающийся от Большого дворца на правом берегу до Дома инвалидов на левом берегу и вдоль берегов Сены.Большой дворец, самый большой зал в городе, был заполнен экспонатами декоративно-прикладного искусства из стран-участниц. На выставке присутствовало 15000 экспонентов из двадцати разных стран, включая Англию, Италию, Испанию, Польшу, Чехословакию, Бельгию, Японию и новый Советский Союз, хотя Германия не была приглашена из-за напряженности после войны и США, неправильно понимая цель выставку, отказался от участия. За семь месяцев его посетили шестнадцать миллионов человек.Правила выставки требовали, чтобы все работы были современными; никакие исторические стили не допускались. Основной целью выставки было продвижение французских производителей роскошной мебели, фарфора, стекла, изделий из металла, текстиля и других декоративных изделий. Для дальнейшего продвижения продукции все крупные универмаги Парижа и крупные дизайнеры имели собственные павильоны. Выставка имела второстепенную цель — продвигать товары из французских колоний в Африке и Азии, в том числе слоновую кость и экзотические породы дерева.

    Hôtel du Riche Collectionneur был популярной достопримечательностью выставки; На нем были представлены новый дизайн мебели Эмиля-Жака Рульмана, а также ткани, ковры и картины в стиле ар-деко, а также картины Жана Дюпа. В дизайне интерьера соблюдены те же принципы симметрии и геометрических форм, которые отличают его от стиля модерн, а также яркие цвета, тонкая обработка редких и дорогих материалов, которые отличают его от строгой функциональности стиля модерн. В то время как большинство павильонов было щедро декорировано и обставлено роскошной мебелью ручной работы, два павильона — Советского Союза и Pavilion du Nouveau Esprit, построенные одноименным журналом Ле Корбюзье, — были построены в строгом стиле. однотонные белые стены и без отделки; они были одними из самых ранних образцов модернистской архитектуры.

    Небоскребы
    Американские небоскребы отметили вершину стиля ар-деко; они стали самыми высокими и узнаваемыми современными зданиями в мире. Они были созданы, чтобы показать престиж своих строителей своим ростом, формой, цветом и эффектным освещением в ночное время. Первый небоскреб в Нью-Йорке, Woolworth Building, в неоклассическом стиле, был завершен в 1913 году, а в American Telephone and Telegraph Building (1924) были ионные и дорические колонны и классический дорический гипостиль с фризом.Здание «Американское радиаторное здание» Раймонда Гуда (1924 г.) сочетало в себе элементы готики и современного деко в дизайне здания. Черный кирпич на фасаде здания (символизирующий уголь) был выбран, чтобы дать представление о солидности и придать зданию прочную массу. Остальные части фасада облицованы золотыми кирпичами (символизирующими огонь), а вход украшен мрамором и черными зеркалами. Еще одним ранним небоскребом в стиле ар-деко было здание Guardian в Детройте, открытое в 1929 году. Его спроектировал модернист Вирт К.Роуленда, здание было первым, в котором нержавеющая сталь использовалась в качестве декоративного элемента, а также широко использовались цветные рисунки вместо традиционных орнаментов.

    Облик Нью-Йорка был радикально изменен благодаря зданию Крайслер-билдинг на Манхэттене (завершено в 1930 году) по проекту Уильяма Ван Алена. Это была гигантская реклама автомобилей Chrysler высотой в семьдесят семь этажей. Верх увенчал шпиль из нержавеющей стали и был украшен декоративными «горгульями» в виде украшений крышки радиатора из нержавеющей стали.Основание башни на высоте тридцати трех этажей над улицей было украшено красочными фризами в стиле ар-деко, а вестибюль был украшен символами ар-деко и изображениями, выражающими современность.

    За Крайслер-билдингом последовали Эмпайр-стейт-билдинг Уильяма Ф. Лэмба (1931) и RCA Building (ныне Comcast Building) в Рокфеллер-центре Раймонда Гуда (1933), которые вместе полностью изменили горизонт Нью-Йорка. Верхушки зданий были украшены коронами в стиле ар-деко и шпилями, покрытыми нержавеющей сталью, а в случае здания Крайслер — горгульями в стиле ар-деко, смоделированными по образцу радиаторных украшений, в то время как входы и вестибюли были щедро украшены скульптурами в стиле ар-деко. керамика и дизайн.Подобные здания, хотя и не такие высокие, вскоре появились в Чикаго и других крупных городах Америки. Крайслер-билдинг вскоре превзошел по высоте Эмпайр-стейт-билдинг в чуть менее роскошном стиле деко. Рокфеллер-центр добавил новый элемент дизайна: несколько высоких зданий, сгруппированных вокруг открытой площади, с фонтаном в центре.

    Поздний ар-деко
    В 1925 году в рамках ар-деко сосуществовали две разные конкурирующие школы: традиционалисты, основавшие Общество художников-декораторов; среди них были дизайнер мебели Эмиль-Жак Рульманн, Жан Дюнар, скульптор Антуан Бурдель и дизайнер Поль Пуаре; в них сочетаются современные формы с традиционным мастерством и дорогими материалами.С другой стороны, были модернисты, которые все больше отвергали прошлое и хотели стиль, основанный на достижениях новых технологий, простоте, отсутствии декора, недорогих материалах и массовом производстве. В 1929 году модернисты основали свою организацию Французский союз современных художников. В ее состав входили архитекторы Пьер Шаро, Фрэнсис Журден, Роберт Малле-Стивенс, Корбюзье, а в Советском Союзе — Константин Мельников; ирландский дизайнер Эйлин Грей и французский дизайнер Соня Делоне, ювелиры Жан Фуке и Жан Пуифоркат.Они яростно атаковали традиционный стиль ар-деко, который, по их словам, был создан только для богатых, и настаивали на том, чтобы хорошо построенные здания были доступны каждому, и эта форма должна следовать за функцией. Красота объекта или здания заключается в том, идеально ли они подходят для выполнения своей функции. Современные промышленные методы означали, что мебель и здания можно было производить серийно, а не вручную.

    Дизайнер интерьеров в стиле ар-деко Поль Фолло защищал ар-деко следующим образом: «Мы знаем, что человек никогда не довольствуется необходимым и что лишнее всегда необходимо… В противном случае нам пришлось бы избавиться от музыки, цветов и парфюмерии. ..! » Однако Ле Корбюзье был блестящим публицистом модернистской архитектуры; он заявил, что дом — это просто «машина для жизни», и неустанно продвигал идею о том, что ар-деко — это прошлое, а модернизм — будущее. Идеи Ле Корбюзье постепенно перенимались архитектурными школами, а эстетика ар-деко была оставлена. Те же особенности, которые сделали ар-деко популярным вначале, его мастерство, богатые материалы и орнамент, привели к его упадку. Великая депрессия, которая началась в Соединенных Штатах в 1929 году и вскоре после этого достигла Европы, значительно сократила количество богатых клиентов, которые могли платить за мебель и предметы искусства.В условиях экономической депрессии немногие компании были готовы строить новые небоскребы. Даже фирма Ruhlmann прибегала к серийному производству мебели, а не к индивидуальному изготовлению предметов ручной работы. Последними зданиями, построенными в Париже в новом стиле, были Музей общественных работ Огюста Перре (ныне Французский экономический, социальный и экологический совет) и Дворец Шайо Луи-Ипполита Буало, Жака Карлу и Леона Аземы, а также Дворец де Токио на Парижской международной выставке 1937 года; они смотрели на грандиозный павильон нацистской Германии, спроектированный Альбертом Шпеером, который обращен к столь же грандиозному павильону социалистического реализма сталинского Советского Союза.

    После Второй мировой войны доминирующим архитектурным стилем стал международный стиль, впервые предложенный Ле Корбюзье и Мис Ван дер Роэ. Несколько отелей в стиле ар-деко были построены в Майами-Бич после Второй мировой войны, но в других местах стиль в значительной степени исчез, за ​​исключением промышленного дизайна, где он продолжал использоваться в автомобильном стиле и таких продуктах, как музыкальные автоматы. В 1960-х годах он пережил скромное академическое возрождение, отчасти благодаря трудам историков архитектуры, таких как Бевис Хиллиер.В 1970-х годах в Соединенных Штатах и ​​Европе были предприняты усилия по сохранению лучших образцов архитектуры ар-деко, и многие здания были отреставрированы и перепрофилированы. Постмодернистская архитектура, впервые появившаяся в 1980-х годах, как и ар-деко, часто включает в себя чисто декоративные элементы. Декор продолжает вдохновлять дизайнеров и часто используется в современной моде, украшениях и туалетных принадлежностях.

    Источник из Википедии

    Связанные

    Путеводитель по жемчужинам архитектуры ар-деко Монреаля

    От знаменитого небоскреба напротив одной из старейших площадей города до бывшего музея, скрывающегося на виду как аптека, архитектура ар-деко широко распространена по Монреалу.Определяющие элементы северного деко, как историк архитектуры Сандра Коэн-Роуз называет монреальской версией стиля, включают частое использование барельефа, часто с темами, выражающими функцию или местоположение здания, и вертикально ориентированные фасады, подчеркивающие высоту здания, хотя большинство из них невысокие. Горизонтально ориентированные конструкции Streamline Moderne с середины до конца 1930-х годов, хотя и менее распространены, также присутствуют. Ар-деко в Монреале также можно назвать стилем Камиллиена Хоуде в честь его крупнейшего покровителя, мэра города, который в 1930-х годах построил множество общественных зданий для обеспечения работы во время Великой депрессии.Планируете ли вы поездку в Монреаль или хотите испытать его архитектурное очарование, вот наша витрина многих его прелестей ар-деко.

    Главный павильон Университета Монреаля: теперь называется зданием Роджера Годри

    Главный павильон Университета Монреаля — это пионер монреальского ар-деко и последняя великая работа города в этом стиле. Задуманный в 1920-х годах как французско-канадский академический акрополь на северо-западном склоне горы Рояль, он был построен только два десятилетия спустя.

    Инженер-архитектор Эрнест Кормье начал свою работу в 1924 году и к 1927 году разработал генеральный план, который включает центральную часть, увенчанную башней, с серией среднеэтажных крыльев, образующих единый взаимосвязанный комплекс, который на своих внешних границах простирается примерно на 960 человек. футов длиной и глубиной 850 футов.

    Université de Montréal: главный павильон, центральная башня

    Кормье был мастером объединения различных влияний. Здесь формальная композиция отражает его обучение в Школе изящных искусств в Париже, а ее геометрическая эстетика, включая вертикальность фасада, ставит ее на передний край ар-деко.Это симметрично, но не по-рабски, такие вариации, как разные типы окон и формы второстепенных башен, отражали программные соображения. Одна из них, университетская больница, так и не была реализована, но ее конструкция была достаточно модульной, чтобы ее можно было адаптировать к другим функциям. Желтый глазурованный кирпич был выбран из-за его прочности и для облегчения того, что могло показаться тяжелым и зловещим в этом масштабе, если бы использовался камень или более темный кирпич.

    Université de Montréal: вестибюль главного павильона

    Работы по фундаменту начались в 1928 году, но строительство застопорилось в 1930-х годах из-за Великой депрессии, и его открытие началось только в 1943 году.Отсутствие прикладного орнамента кажется уместным, поскольку его красота заключается в масштабировании и абстрактных выражениях, хотя сдерживание затрат также было проблемой.

    Джефф Рубен

    Об архитектуре ар-деко | Decopix

    В начале двадцатого века новый архитектурный стиль, теперь называемый ар-деко, предложил другое, более современное направление в дизайне.

    Этот разрыв с традициями был постепенным, некоторые здания в стиле ар-деко отличались главным образом своим орнаментом; больше переупаковки, чем инноваций.Тем не менее, к середине 1920-х годов сочетание процветания, оптимизма, экзотических материалов и высокого мастерства создало впечатляющую и захватывающую архитектуру.

    Для крупного бизнеса ар-деко идеально подходил для выражения корпоративного богатства и господства. Банки использовали этот стиль для выражения безопасности. Голливуд использовал его для определения хорошей жизни. Но скоро хорошая жизнь, которую предлагает Голливуд, станет именно такой; материал мечты. Когда в 1929 году крах фондового рынка опустил занавес, он унес с собой первую фазу эпохи ар-деко.Строительство Эмпайр-стейт-билдинг на Манхэттене было завершено в 1931 году, и какое-то время после этого практически не велось никаких строительных работ, за единственным исключением Рокфеллер-центра.

    Хорошо это или плохо, но в те дни проблемам Уолл-стрит требовалось время, чтобы полностью затронуть другие части мира. Итак, в таких далеких местах, как Австралия, здания в стиле ар-деко были построены до 1940-х годов. Но на родине небоскреба вечеринка закончилась.

    Одним из последствий Великой депрессии стало появление более строгого архитектурного стиля, называемого на этом сайте Streamline Moderne.Почему бы просто не сказать «ар-деко»? Потому что почти все в Streamline Moderne было другим, а иногда даже реакцией на ар-деко.

    Если небоскребы в стиле ар-деко можно рассматривать как «вертикальные», то в зданиях Streamline Moderne обычно подразумевается горизонтальная масса. Орнамент в обтекаемых зданиях, если таковые имелись, обычно был скромным и рентабельным, тогда как в стиле ар-деко небо было пределом. В то время как здания в стиле ар-деко поражали замысловатыми деталями и острыми углами, обтекаемость отличалась чистыми поверхностями и изгибами.В некоторых местах эти два стиля были объединены, но, проще говоря, ар-деко родился до финансового краха, а Streamline Moderne — после него.

    Ничто из этого не означает, что Streamline Moderne не может дать восхитительных результатов, и с его изящными изгибами, обтекаемость прекрасно воплощена в тысячах объектов, которые до сих пор ценятся.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.