homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Художники по направлению: Ар-деко — WikiArt.org

направление

Ар-деко́ (фр. art déco, букв. — «декоративное искусство», от фр. Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств) — стилевое течение в изобразительном и декоративном искусстве стран Западной Европы и Америки второй четверти XX века. Получило название от Международной выставки декоративного искусства и промышленности (Париж, 1925).

Впервые появилось в основном в архитектуре, моде и живописи во Франции в 1920-х годах и стало популярным в 1930—1940-е годы в международном масштабе. Этот эклектичный стиль представляет собой синтез модернизма и неоклассицизма.

На стиль ар-деко также значительное влияние оказали такие художественные направления, как кубизм, конструктивизм и футуризм, спле­тав­шие­ся с вос­точ­ны­ми, аф­ри­кан­ски­ми и другими эк­зо­тическими мо­ти­ва­ми.

Для стиля характерны строгая закономерность, смелые геометрические линии, этнические геометрические узоры, оформление в полутонах, отсутствие ярких цветов в оформлении, при этом — пёстрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро). В США, Нидерландах, Франции и некоторых других странах ар-деко постепенно эволюционировал в сторону функционализма.

Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes», дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х годов. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne[en] — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste (краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция компании «Süe et Mare», ширмы Эйлин Грей, изделия из кованого металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х годов, который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 году, он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается, что эта роскошь — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Ар-деко

В стиле арт – деко. Художник Georges Barbier.

Georges Barbier (Жорж Барбье) (1882–1932) — французский живописец, дизайнер и иллюстратор, один из крупнейших графиков первой трети XX в., создателей стиля арт- деко.

Georges Barbier родился в Нанте, художественное образование получил в Школе изящных искусств. Первая персональная выставка живописи и графики художника состоялась в 1911 г. и привлекла  внимание. Однако свою творческую карьеру Georges Barbier начал как театральный художник,  он разрабатывал эскизы костюмов и декораций для балетных постановок дягилевских «Русских сезонов». Кроме того, он обращался к дизайну ювелирных украшений, изделий из стекла, занимался плакатом и рекламой в периодических изданиях. Особое место в творчестве Georges Barbier  занимают книжная графика и иллюстрации в модных журналах.

Первая книга с иллюстрациями Georges Barbier  вышла в 1913 г. Это был альбом «Вацлав Нижинский. Рисунки танцев». В 1914 г. он выпустил следующий «балетный» альбом, посвященный Т. Карсавиной. После Первой мировой войны художник сотрудничал со многими модными журналами, такими как «Бог» и «Газетт дю бон тон». Рисунки Georges Barbier  , Леона Бакста, Поля Ириба, Жоржа Лепапа и Эрте для этих и других изданий превратили ар деко в респектабельный и образцовый стиль межвоенных десятилетий. Не ограничиваясь рисованием, Georges Barbier  писал предисловия к выставочным каталогам, статьи в популярные газеты и журналы, посвященные искусству, моде, театру. Кроме того, в середине 1920-х гг. он вместе с Эрте создал оформление и эскизы костюмов для обновленного «Фоли Бержер». К концу 1920-х гг. постоянные публикации Барбье в периодике достигли невероятной популярности.

 Одна за другой выходили и книги, проиллюстрированные художником, — это были издания для коллекционеров, выпускавшиеся ограниченными тиражами. Среди книжной графики Georges Barbier выделяются серии рисунков к «Песням Билитис» Пьера Луиса (1922), книге стихов Поля Верлена «Галантные празднества» (1928), «Роману ароматов» Ришара Ле Галена (1928). К творчеству Анри де Ренье Georges Barbier обращался не раз, создав яркий стилизованный мир, созвучный эстетизму писателя. В парижском издательстве «A. et G. Mornay» были в разные годы выпущены четыре романа Ренье с рисунками: Georges Barbier «Грешница» (1924), «Дважды любимая» (1928), «Встречи господина де Брео» (1930) и «Эскапада» (1931). Одной из самых известных работ художника стали иллюстрации к «Опасным связям» Шодерло де Лакло, в которых Барбье создал изысканную графическую интерпретацию прославленного романа, связав воедино изящество галантного века с легкомыслием «смеющихся двадцатых».

«Опасные связи» стали последней книгой художника — в 1932 г., в зените славы Georges Barbier скоропостижно скончался.

источник

Выставка «Элегантность и роскошь ар-деко»: разбираемся в сложностях стиля.

Где и как возник стиль ар-деко, кто его основал, был ли он в молодом Советском Союзе — разбираемся в хитросплетениях стиля вместе с Софьей Багдасаровой.

Что такое ар-деко?

Лист из альбома Feuillets d’Art. 1919

Лист из альбома Les choses de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

Лист из альбома Modes et Manières d’Aujourd’hui. 1914

Ар-деко, что по-французски значит «декоративное искусство», — название художественного стиля, который царил в Европе и Америке после модерна, между двумя мировыми войнами. Причем царил в основном в промышленном дизайне — моде, украшениях, плакатах, фасадах, интерьерах, мебели. Происходило это, пока «большое искусство» той эпохи экспериментиро­вало с экспрессионизмом, абстракционизмом, конструктивизмом и прочими -измами, которые, безусловно, гениальны, только видеть их постоянно в своей квартире не каждый сможет. А вещи ар-деко предназначены именно для повседневной жизни — очень богатой, роскошной и вальяжной, но все-таки повседневной.

Как узнать предмет в стиле ар-деко?

Портсигары, пудреницы. 1930-е. Институт моды Киото

Обложка журнала Vogue с «оптическим» платьем от С. Делоне. 1925. Пресс-служба Музеев Кремля

Сумочки. Ок. 1910. Институт моды Киото

Эта вещь обязательно будет красивой — стильной, элегантной. Она сделана из материала с дорогой текстурой, но не кричаще роскошной, а просто ценной. Цвета будут сложных оттенков, черного — много. Нередко автор явно использовал линейку — но при этом умудрялся весьма изысканно скруглить все углы. Геометрические узоры строятся по тщательным пропорциям и умеют гипнотизировать. Еще зачастую есть вкрапления чего-то древнеегипетского или японского, но в каком-то странном дизайне: ар-деко любило перетолковывать экзотические культуры. (Кстати, «русская экзотика» тоже ценилась.) Нравился стилю и технический прогресс — поэтому тут и стилизованные поезда, летящие на огромной скорости, и винты самолетов и пароходов.

Стиль в моде

Вечернее платье. Модельер Мадлен Вионне. 1927. Пресс-служба Музеев Кремля

Вечернее платье. Модный дом Ланвэн. Около 1925. Пресс-служба Музеев Кремля

Платье. Франция. Зима-1922. Модный дом «Сестры Калло»

Заметней всего ар-деко — в женской моде. В эпоху, когда царил этот стиль, женщины начали коротко стричься, окончательно освободились от жестких корсетов и кринолинов, талия то сползала на бедра, то задиралась под самую грудь, а юбка укоротилась до высоты совершенно неприличной, по мнению тех, кто помнил викторианскую мораль.

Создатели стиля — великие модельеры Поль Пуаре, Мариано Фортуни — цитировали кимоно, арабские тюрбаны и шаровары, античные хитоны и столы, средневековые плащи. Появились цельнокроеные вещи, везде были драпировки, тяжелые ткани, шик и блеск. В таких свободных вещах, расшитых переливающимся жемчугом, стеклярусом, стразами, бисером, было здорово танцевать новые бойкие танцы — фокстрот, чарльстон, танго. В общем, вспомним эпоху «Великого Гэтсби».

Стиль в ювелирных украшениях

Брошь Van Cleef and Arpels. 1930

Колье-воротник Van Cleef and Arpels. 1929

Брошь в египетском стиле Van Cleef and Arpels. 1924

Фирмы Cartier и Van Cleef & Arpels, а также другие ювелирные дома в своих работах целенаправленно работали по принципам ар-деко. После текучих форм и поэтических цветочков эпохи модерн (он же ар-нуво) их ювелирные украшения казались кричащими и эпатирующими.

Читайте также:

Легкая платина для оправ позволила драгоценностям отказаться от «тяжелого доспеха» — золота. Чистые геометрические формы, абстрактные узоры, новаторское сочетание зеленого и синего, контрастный подбор камней, например черный оникс и красный рубин, использование не граненых, а резных камней, а также вкрапление подлинных древних артефактов (египетских скарабеев и т.  п.) — вот узнаваемые черты. Черный оникс вообще стал любимым камнем этого периода, в особенности в сочетании с бриллиантами. Их сопровождали яркими аккордами кораллов, лазуритов, нефритов, эмали.

А в России ар-деко было?

Высотный дом на Котельнической набережной. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева: culture.ru/institutes/7985

Станция метро «Маяковская»

Павильон СССР на Международной выставке в Париже. 1937. Государственный научно-исследовательский музей архитектуры имени А.В. Щусева: culture.ru/institutes/7985

Блестящий стиль ар-деко, конечно, глубоко «буржуазный». Это символ потерянного поколения, мода персонажей Фицджеральда, Хемингуэя (а также Вудхауса и довоенных книг Агаты Кристи). Молодому Советскому государству в ту эпоху было не до этого внешнего блеска. Впрочем, у них были «ревущие двадцатые», а у нас — нэп. Помните Эллочку Людоедку: «…сверкающая фотография изображала дочь американского миллиардера Вандербильда в вечернем платье. Там были меха и перья, шелк и жемчуг, легкость покроя необыкновенная и умопомрачительная прическа». Советские нэпманы в своих повадках, конечно, подражали свободному западному соседу, хотя официально это не одобрялось.

С другой стороны, отпечаток ар-деко заметен в одном из самых официальных искусств — архитектуре. Воздействие импортного стиля легко найти в сталинском классицизме: фотографии фрагментов московских высоток с некоторых ракурсов трудно отличить от видов довоенных манхэттенских небоскребов. Любовь ар-деко к геометризму, использование абстракций — все это легко усваивалось русскими мастерами на родине супрематизма. Уместным было и воспевание технических достижений человечества. Есть и более забавные приметы — помните, мы говорили об обращении ар-деко к египетским мотивам? Именно благодаря ему перед зданием МИДа на Арбате возникли обелиски-фонари, а сам подъезд здания стал похож на портал древнего храма. Этот же стиль находят в некоторых станциях московского метро («Кропоткинская», «Маяковская», «Аэропорт»), здании Российской государственной библиотеки и т.  д.

Мастера ар-деко русского происхождения

Соня Делоне. Похожие платья (Три женщины). 1925. Музей Тейт Модерн

Эрте. Держатели драгоценностей. Фоли-Бержер, 1927

Тамара Лемпицка. Автопортрет в зеленом бугатти. 1929. Частная коллекция

Но гораздо весомее вклад, который внесли в развитие ар-деко русские эмигранты. Годами модные журналы Vogue и Harper’s Bazaar выходили под обложками, нарисованными Эрте, настоящее имя которого — Роман Петрович Тыртов. Его «Симфония в черном» — одна из ключевых работ стиля.

Виртуальный музей государственного музея архитектуры им. А.В. ЩусеваВиртуальный тур по Музеям Московского Кремля

Художница-абстракционистка Соня Делоне, которая работала в модной индустрии, обогатила ар-деко красочностью и энергетикой, которую мы видели и у других «амазонок авангарда». Главная портретистка ар-деко, одна из немногих художников, которая сумела использовать этот стиль для станковых полотен, — Тамара Лемпицка, уроженка российского царства Польского, до революции жившая в Петербурге. (А вот главный скульптор эпохи Дмитрий Чипарус, несмотря на такое родное нам имя, — румын.) Наконец, Леон Бакст, оказавшись в эмиграции, помимо театра, успел поработать и в модной индустрии — явно в стиле ар-деко.

Историки искусства вообще пишут, что стиль ар-деко изначально был вдохновлен Русскими сезонами, которые потрясли парижский художественный мир в 1900-х. Так что — спасибо Дягилеву и за ар-деко!

Арт-деко – HiSoUR История культуры

Art Deco, иногда называют Deco, это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, которые впервые появились во Франции незадолго до Первой мировой войны Art Deco повлияли на проектирование зданий и сооружений, мебели, ювелирных изделий, мода, автомобили, кинотеатры, поезда , океанские лайнеры, а также предметы быта, такие как радио и пылесосы. Она получила свое название, краткое для декоративного искусства, из Exposition Internationale декоративного искусства и др Industriels Modernes (Международная выставка современного декоративного и промышленного искусства) в Париже в 1925 году в сочетании модернистских стилей с тонким мастерством и богатыми материалами.

Во время своего расцвета, Art Deco представлена ​​роскошь, гламур, изобилие, и вера в социальный и технический прогресс.

Art Deco был подделка много различных стилей, иногда противоречивых, объединенных желанием быть современной. С самого начала, Art Deco повлияли смелые геометрические формы кубизма; яркие цвета фовизма и балеты русов; обновленное мастерство мебели эпох Луи-Филиппа и Людовика XVI; и экзотические стили Китая и Японии, Индии, Персии, Древнем Египте и искусства майя. Он показал редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, и изысканное мастерство. Chrysler Здание и другие небоскребы Нью-Йорк построенный в 1920-х и 1930-х годов являются памятниками стиля ар-деко.

Картина:
Там не было никакого раздела отложите для живописи в 1925 Exposition. Арт-деко картина была по определению декоративного, предназначенное для украшения комнаты или работы архитектуры, так мало художников работали исключительно в стиле, но два художников тесно связаны с арт-деко. Жан Dupas окрашены Art Deco фрески для Бордо павильона на 1925 декоративного искусства Экспозиция вПариж, А также нарисовал картину над камином в Мезон-де-ла-Collectioneur выставке в 1925 Exposition, который показал мебель по Ruhlmann и других известных дизайнеров Art Deco. Его фрески были также видное место в декоре французского океанского лайнера SS Normandie. Его работа была чисто декоративной, спроектированная в качестве фона или сопровождения к другим элементам декора. Другой художник тесно связан со стилем является Лемпицком. Родился вПольша в аристократической семье, она эмигрировала Париж после русской революции. Там она стала ученицей художника Мориса Дени движения под названием Les Наби и Cubist Андре Лот и заемное много элементов из их стилей. Она рисовала почти исключительно портреты в реалистической, динамичный и красочный стиль ар-деко.

В 1930-е годы драматическим новая форма Art Deco картины появились в Соединенные Штаты, Во время Великой депрессии, Федеральный художественный проект Администрации общественных работ был создан, чтобы дать работу безработным художникам. Многие получили задачу декорирования правительственных зданий, больницы и школы. Там не было никакого конкретного стиле ар-деко используется в росписях; художники, занятые на росписи в правительственных зданиях пришли из разных школ, от американского регионализма социального реализма; они включали в себя Реджинальд Марш, Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера. Фрески были Art Deco, потому что все они были декоративными и связанными с деятельностью в здании или городе, где они были окрашены: Реджинальд Марш и Рокуэлла Кента и украшенный США почтовых зданий и показали почтовые работник на работе в то время как Диего Ривера изобразил автозавод рабочий для Детройтский институт искусств. Диего Ривера»Рокфеллер Центр признаки несанкционированной портрет Ленина. Когда Ривера отказался снять Ленина, картина была разрушена, а новая фреска была окрашена испанским художником Хосе Мария Серт.

Скульптура:
Большая часть скульптуры эпохи ар-деко был, как следует из названия, чисто декоративный; он был разработан не для музеев, а орнамент офисных зданий, правительственных зданий, общественных площадей и частных салонов. Это было почти всегда репрезентативной, как правило, героических или аллегорических фигур, связанных с целью строительства; темы обычно выбирались патроном, и абстрактные скульптуры для украшения крайне редко. Он часто прикреплен к фасаду зданий, особенно над входом.

Аллегорические скульптуры танца и музыки Антуана Bourdelle были необходимы декоративные особенностью раннего Art Deco ориентира Париж, То Театр Елисейских Полей в ПарижВ 1912 году скульптор Аристид Майоль заново классический идеал для его статуи реки (1939), в настоящее время на музей из Современное искусство в Нью-Йорк, В 1930-х годах, целая команда скульпторов из скульптуры 1937 Экспозиции Internationale искусств и техники данса La Vie Moderne в Шайо. Здания экспозиции были покрыты барельефами, статуями. Альфред Джанниот сделал скульптуру рельефа на фасаде Дворец Токио. Парижский городской музей современного искусства, и эспланада перед дворцом Шайо, лицом кEiffel башня, Был переполнен новыми скульптурами по Чарльз Малфрей, Генри Арнольд, и многие другие.

в Соединенные ШтатыМногие европейские скульпторы обучались в Школе изящных искусств в Париж, Пришел на работу; они включали в себя Борглум, скульптор Горы Рашмор Мемориал Линкольна. Другие американские скульпторы, в том числе Хариет Уитен Фришают, учились у Огюста Родена вПариж, Обвал фондового рынка 1929 в значительной степени разрушен рынке монументальной скульптуры, но один грандиозный проект так и остался; новыйРокфеллер Центр, Американские скульпторы Ли Лоурь и Пол ИЗГОТОВЛЕНИЕ разработаны героические аллегорические фигуры для фасада и площади. ВСан-ФранцискоРальф Stackpole условии скульптуры для фасада нового здания в Сан-Франциско фондовой бирже.

Один из самых известных и, безусловно, самой большого Art Deco скульптура Христа Искупителя французского скульптора Ландовский, завершенного между 1922 и 1931, расположенным на вершине горы с видом Рио де Жанейро, Бразилия, Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной Animalier скульптуры. Он не был полностью признан за его художественные достижения в возрасте до 67 лет в Осеннем салоне 1922 с рабочим Ours Бланы, также известные как Белый Медведь, в настоящее время в музее Орсэ в Париже.

Многие ранние скульптуры в стиле Арт Деко были маленькие, предназначены для украшения салонов. Один жанра этой скульптуры был назван статуэткой из золота и слоновой кости, названная в стиле древнегреческих храмовых статуй из золота и слоновой кости. Один из самых известных салонных скульпторов Art Deco был румынскими родился Чипарус, который произвел красочные небольшие скульптуры танцоров. Другие известные скульпторы салон включены Фердинанд Прейс, Йозеф Лоренсл, Александр Kelety, Доротеи Charol и Густав Schmidtcassel.

Параллельно с этим более неоклассических скульпторов, более авангардный и абстрактные скульпторы были на работе в Париж а также Нью-Йорк, Наиболее известными были Константин Бранкузи, Джозеф Чаки, Александр Архипенко, Анри Лорана, Жак Липшиц, Гюстав Миклош, Жан Ламберт Раки, Ян ЕТ Joël Martel, Хана Орлова и Гаргальо.

Графика:
Стиль арт-деко появился в начале графика, в последние годы перед Первой мировой войны он появился в Парижв плакатах и ​​конструкции костюма Леона Бакста для балета, и в каталогах модных дизайнеров Поль Пуаре. Иллюстрации Жоржа Барбье, и Жорж Lepape и изображения в журнале мод La Gazette дю бон тонный прекрасно захватили элегантность и чувственность стиля. В 1920-х годах, внешний вид изменился; в моде была напряженной более случайными, спортивной и дерзким, с женщиной модель, как правило, курения сигарет. Американские модные журналы, такие как Vogue, Vanity Fair и Harper `s Bazaar быстро поднял новый стиль и популяризовал его вСоединенные Штаты, Это также повлияло на работу американских книжных иллюстраторов, таких как RockwellКент, ВГермания, Самый известный плакат художника периода был Людвиг Холуэин, который создал красочные и драматические плакаты для музыкальных фестивалей, пива, и, в конце своей карьеры, для нацистской партии.

В течение периода ар-нуво, плакаты обычно рекламируются театральные продукты или кабаре. В 1920-х годах, туристические плакаты, сделанные для пароходных и авиакомпаний, стали чрезвычайно популярными. Стиль заметно изменилась в 1920-е годы, чтобы сосредоточить внимание на продукт рекламируется. Изображения стали проще, точнее, более линейны, более динамичным, и часто помещают против одного цвета фона. ВФранцияпопулярные дизайнеры Art Deco включен, Чарльз Loupot и Пол Колин, который стал известен своими плакатами Американской певицы и танцовщицы Жозефины Бейкер. Жан Карлу разработаны плакаты для Чарли Чаплина фильмов, мыла и театры; в конце 1930-х он эмигрировал вСоединенные Штаты, Где во время мировой войны, он создал плакаты для поощрения военного производства. Дизайнер Чарльз Gesmar прославился изготовление плакатов для певца Мистангета и AirФранция, Среди наиболее известных французских дизайнеров Art Deco плаката были Кассандры, который сделал знаменитый плакат океанского лайнера SS Normandie в 1935 году.

В 1930-й годах новый жанр плакатов появился в Соединенные Штатыво время Великой депрессии. Художественный проект Федерального нанял американских художников для создания плакатов по развитию туризма и культурных мероприятий.

Архитектура:
Архитектурный стиль арт-деко дебютировавший в Париж в 1903-04, со строительством двух многоквартирных домов Париж, Один Огюстом Перре на улице Trétaigne, а другой на улице Бенджамин Франклин Анри Sauvage. Две молодые архитекторы использовали железобетон впервые вПарижжилые дома; новые здания были чистые линии, прямоугольные формы, а не украшение на фасадах; они ознаменовали разрыв с художественным стилем модерн. Между 1910 и 1913 лет, Перра использовала свой опыт в конкретных жилых домах, чтобы построить Театр Елисейских Полей, 15 авеню Монтень. Между 1925 и 1928 он построил новый арт-деко фасад универмага La Samaritaine вПариж,

После Первой мировой войны, арт-деко здание из стали и железобетона стало появляться в крупных городах по всей Европе и Соединенные Штаты, вСоединенные Штатыстиль наиболее часто используются для офисных зданий, правительственных зданий, кинотеатров и железнодорожных станций. Иногда сочетались с другими стилями;Лос-Анджелес ратуша в сочетании Art Deco с крышей на основе древнегреческого Мавзолей в Галикарнас, в то время Лос-Анджелесжелезнодорожная станция в сочетании Deco с испанской архитектурой миссии. Art Deco элементы также появились в инженерно-технических проектах, в том числе башниЗолотые ворота Мост и впускные башни плотины Гувера. В 1920-х и 1930-х годах он стал по-настоящему интернациональным стилем, с примерами, включая Дворец изящных искусства (Дворец из изобразительные искусства) в Мехико Федерико Марискаль (ов), станции метро Маяковская в Москва и национальный Диета Здание в Токио по Ватанабе Fukuzo.

Стиль арт-деко не был ограничен здания на земле; океанский лайнер SS Normandie, чей первый рейс был в 1935 году, показал Art Deco дизайн, в том числе столовой, чей потолок и украшения были сделаны из стекла Лалика.

Фильм дворцы:
Многие из лучших примеров сохранившихся арт-деко являются кинотеатры, построенные в 1920-х и 1930-х годов. Период Art Deco совпал с переходом немого кино к звуку, и кинокомпании построены огромным театры в крупных городах, чтобы захватить огромную аудиторию, которая пришла, чтобы увидеть фильмы. Фильм дворцы в 1920-е годы часто в сочетании экзотические темы в стиле арт-деко; Египетский театр Граумана вГолливуд (1922) был вдохновлен древних египетских гробниц и пирамид, в то время как Fox Theater в Бейкерсфилд, Калифорнияприлагается башня в Калифорнии стиле миссии в стиле ар-деко зале. Самый большой из всех являетсяРадио город Music Hall в Нью-Йорк, Который был открыт в 1932 году был изначально задуман как этап театра, он быстро превращается в кинотеатр, который вмещал 6,015 человек Дизайн интерьера Дональдом Deskey использовали стекло, алюминий, хром, и кожа, чтобы создать красочный побег от реальности The Paramount Театр в Окленде, штат Калифорния, Тимоти Pflueger, был разноцветный керамический фасаду лобби четыре этажа, и отдельные арт-деко для некурящих господ и дам. Подобные грандиозные дворцы появились вЕвропа, Гранд Рекс вПариж (1932), с импозантной башней, был самый большой кинотеатр в Европа, Gaumont Госкино вЛондон (1937) имел башню по образцу империя состояниездание, покрытые кремовыми керамической плитки и интерьера в стиле ар-деко итальянского Ренессанса. Paramount театрШанхай, Китай(1933), первоначально был построен как танцевальный зал под названием Вентиль 100 удовольствий; он был преобразован в кинотеатр после коммунистической революции в 1949 году, и в настоящее время является бальным и дискотекой. В 1930-х годах итальянские архитекторы построили небольшой фильм дворец, кинотеатр Impero, вАсмэрой в том, что теперь Эритрея, Сегодня многие из кинотеатров были разделены на мультиплексы, а другие были восстановлены и используются в качестве культурных центров в своих общинах.

Streamline Moderne:
В конце 1930-х годов, новая разновидность архитектуры ар-деко стали обычным делом; она называлась Streamline Moderne или просто Streamline, или, во Франции, стиль Paqueboat или стиль океанского лайнера. Здания в стиле были имели скругленные углы, длинные горизонтальные линии; они были построены из железобетона, и почти всегда были белым цветом; и иногда имели мореходные характеристики, такие как перила, напоминающих те, на корабле. Закругленный угол был не совсем новым; он появился вБерлин в 1923 году в Mossehaus Эриха Мендельсона, а затем в Пылесос Здание, Промышленный комплекс в Лондон пригороде Perivale. В Соединенных Штатах, она стала наиболее тесно связана с транспортом; Streamline Moderne редко в офисных зданиях, но часто используется для автобусных станций и терминалов аэропортов, таких как терминал в аэропорту La Guardia в Нью-Йорке, который обработал первые трансатлантические рейсы через PanAm клипер летающих лодок; и в придорожной архитектуры, таких как автозаправочные станции и столовых. В конце 1930-х годов ряд обедающих, смоделированные обтекаемый железнодорожных вагонов, были изготовлены и установлены в городах вНовая Англия; по крайней мере два примера, по-прежнему остаются и в настоящее время на учете исторических зданий.

Украшения и мотивы:
Украшение в период Art Deco прошло через несколько различных этапов. Между 1910 и 1920 годами, в стиле модерн, был истощен, дизайн стили увидел возвращение к традиции, в частности, в работе Пола Ирибе. В 1912 году Андре Вера опубликовал статью в журнале L’Art Décoratif призывает к возвращению к мастерству и материалам предыдущих столетий, и с использованием нового репертуара форм, взятых из природы, в частности, корзины и гирлянды из фруктов и цветов. Вторая тенденция ар-деко, а также с 1910 по 1920 год, был вдохновлен яркими красками художественного движения, известного как фовистов и красочные костюмы и декорации балетов русов. Этот стиль часто выражаются с экзотическими материалами, такие как акульи, перламутр, слоновая кость, тонированная кожа, лакированные и окрашенного дерево, и декоративные инкрустации на мебели, которая подчеркивает свою геометрию. Этот период стиль достиг своеговысокая точка в 1925 Парижской выставке декоративно-прикладного искусства. В конце 1920-х и 1930-х годов, декоративный стиль изменился, вдохновленные новыми материалами и технологиями. Он стал изящнее и меньше декоративным. Мебель, как архитектура, стал иметь закругленные края и взять на полированном, обтекаемый вид, взятый из стиля обтекаемого модерна. Новые материалы, такие как хромированная сталь, алюминий и бакелит, ранняя форма из пластика, стали появляться в мебель и декоре.

На протяжении всего периода ар-деко, и особенно в 1930-е годы, мотивы декора выражали функцию здания. Театры были украшены скульптурой, проиллюстрированной музыку, танец, и волнение; энергетические компании показали, восходы, здание Chrysler показал стилизованный капот украшения; В фризы Дворец Порт-Доре в 1931 Парижской колониальной выставке показали лица разных национальностей французских колоний. Стиль Streamline сделал вид, что само здание находится в движении. ВПА стенопись 1930-х годов признакам обычных людей; заводчане, почтовые работники, семьи и фермеры, вместо классических героев.

Мебель:
Французская мебель с 1910 года до начала 1920-х годов был в значительной степени обновление французских традиционных стилей мебели, и дизайн в стиле модерн Луи Мажорель, Чарльз Плюме и других производителей. Французские производители мебели чувствовали угрозу растущей популярности немецких производителей и стилей, в частности стиля бидермайер, который был простым и чистым подкладке. Французский дизайнер Франтц Журден, президент парижского Осеннего салона, пригласил дизайнер изМюнхенучаствовать в 1910 Салоне. Французские дизайнеры увидели новый немецкий стиль, и решили встретиться с немецкой проблемой. Французские дизайнеры решили представить новые французские стили в Салоне 1912 года Правил Салон указано, что только современные стили будут разрешены. Все основные французские дизайнеры мебели приняли участие в Салоне: Пол Фолот, Пол Ирибе, Морис Dufrene, Андре Гролт, Андре Маре и Луи SUE приняли участие, представляя новые произведения, которые обновляются традиционные французские стили Луи XVI и Луи-Филиппа с более угловатыми углы вдохновленные кубизмом и яркие цвета, вдохновленные фовизма и наби.

Художник Андре Маре и дизайнер мебели Луи SUE оба участвовали в 1912 салон. После войны оба мужчины объединились, чтобы сформировать свою собственную компанию, официально называется Compagnie Des Arts Франсез, но обычно известный просто как Сью и Маре. В отличие от известных дизайнеров в стиле модерн, как Луи Мажорель, который лично разработан каждый кусок, они собрали команду квалифицированных мастеров и произвел полный дизайн интерьера, включая мебель, изделия из стекла, ковры, керамика, обои и освещения. Их работа характеризуется яркими красками и мебель и прекрасные леса, такие черное дерево, инкрустированный перламутром, ушка и посеребренного металла создать букеты цветов. Они проектировали все из интерьеров океанских лайнеров парфюмерных флаконов для лейбла Жан Patou.The фирмы процветали в начале 1920-х годов, но эти двое были лучшие мастера, чем бизнесмены. Фирма была продана в 1928 году, и оба ушли.

Самый известный дизайнер мебели в 1925 декоративном искусстве Экспозиции был Рульманом, из Эльзас, Он впервые выставил свои работы в Осеннем салоне 1913 года, затем был свой собственный павильон, «Дом Богатого Коллекционера», в 1925 году экспозиции. Он использовал только самые редкие и дорогие материалы, включая черное дерево, красное дерево, палисандр, амвон и других экзотических пород дерева, украшенные вставками из слоновой кости, панциря черепахи, перламутра, Маленькие помпонами из шелка украшали ручки ящиков шкафов. Его мебель была основана на модели 18-го века, но упрощены и видоизменен. Во всех его работы, внутренняя структура мебели была полностью скрыта. Основу, как правило, из дуба, был полностью покрыт с наложением тонких полосок дерева, затем покрывают вторым слоем полос редких и дорогих лесов. Это было тогда покрыто шпоном и полируется, так что часть выглядела так, как будто он был вырезан из цельного куска дерева. Контраст темного дерева был предоставлен вставками из слоновой кости, а также ключевых цветов слоновой кости пластин и ручками. По словам Ruhlmann, кресла должны были быть разработаны по-разному в зависимости от функций помещения, где они появились; гостиной кресла были разработаны, чтобы быть приветливы, офисные стулья удобные, и салон стулья сладострастный. было сделано только небольшое количество штук каждого дизайна мебели, а средняя цена одного из его кровати или шкафов было больше, чем цена среднего дома. офисные стулья удобные, и салон стулья сладострастный. было сделано только небольшое количество штук каждого дизайна мебели, а средняя цена одного из его кровати или шкафов было больше, чем цена среднего дома. офисные стулья удобные, и салон стулья сладострастный. было сделано только небольшое количество штук каждого дизайна мебели, а средняя цена одного из его кровати или шкафов было больше, чем цена среднего дома.

Жюль Леле был традиционный дизайнер мебели, который плавно перешел в стиле арт-деко в 1920-е годы; он проектировал мебель для столовойElysee ДворецИ для первого класса кают теплохода Normandie. его стиль характеризуется использованием черного дерева, Макассар дерева, грецкого ореха, с отделкой из бляшек из слоновой кости и перламутра. Он ввел стиль лакированной арт-деко мебель в конце в конце 1920-х годов, и в конце 1930-х годов представил мебель из металла с панелями из дымчатого стекла. В Италии, дизайнер Gio Ponti был известен своими обтекаемыми конструкции. вСоединенные Штаты,

Дорогостоящая и экзотических мебель Ruhlmann и другие традиционалисты взбесило модернистов, в том числе архитектора Ле Корбюзье, заставляя его написать известную серию статей, осуждающих искусствах décoratif стиль. Он напал на мебель, изготовленную только для богатых, и призвал дизайнер создавать мебель, изготовленную с недорогими материалами и современным стилем, что обычные люди могут себе позволить. Он разработал свои собственные стулья, созданы, чтобы быть недорогим и массового производства.

В 1930 году, дизайн мебели адаптированы к форме, с гладкой поверхностью и изогнутыми формами. Мастера стиля позднего включены Дональд Deskey был один из самых влиятельных дизайнеров; он создал интерьер изРадио город Music Hall, Он использовал смесь традиционных и очень современных материалов, включая алюминий, хром, и бакелита, ранняя форма пластмассы.

Дизайн:
Streamline был выбор Art Deco, который возник в середине 1930-х годов. Это был под влиянием современных аэродинамических принципов, разработанных для авиации и баллистики для уменьшения трения воздуха при высоких скоростях. Формы пули были применены дизайнерами для автомобилей, поездов, кораблей, и даже объекты не предназначены для перемещения, таких как холодильники, газовые насосы, зданий и сооружений. Один из первых серийных автомобилей в этом стиле был Chrysler Airflow в 1933 г. был неудачным коммерчески, но красота и функциональность его конструкции создать прецедент; имел в виду современность. Она по-прежнему использоваться в конструкции автомобиля хорошо после Второй мировой войны.

Новые промышленные материалы начали влиять на дизайн автомобилей и предметов домашнего обихода. Среди них алюминий, хром, и бакелита, ранняя форма пластмассы. Бакелит может быть легко формуется в разные формы, и вскоре был использован в телефонах, радио и других приборах.

Океанские лайнеры также принял стиль ар-деко, известный по-французски, как стиль Paquebot, или «Ocean Liner Style». Самым известным примером был SS Normandie, который совершил свой первый трансатлантический поездку в 1935 году был разработан особенно, чтобы принести богатых американцевПариж в магазин. Кабины и салоны представлены последние мебель ар-деко и украшения. Большой салон корабля, который был рестораном для пассажиров первого класса, был больше, чем зал зеркалДворец из Версаль, Она была освещена электрическими лампами в течение двенадцати столбов Лалик кристалла; тридцать шесть колонн, соответствующие вдоль стен. Это был один из самых ранних примеров освещения будучи непосредственно интегрированы в архитектуру. Стиль судов вскоре был адаптирован к зданиям. Характерный пример можно найти наСан-Франциско набережной, где морской музей Здание, построенное в качестве общественной бани в 1937 году, напоминает паром, с корабельными перилами и закругленными углами. Star Ferry Terminal вГонконг используется также изменение стиля.

Ювелирные изделия:
В 1920-х и 1930-х годов, дизайнеры, включая Рене Лалика и Картье пытались уменьшить традиционное доминирование алмазов путем введения более красочные драгоценные камни, такие как небольшие изумруды, рубины и сапфиры. Они также больший упор на очень сложную и элегантной обстановке, с участием менее дорогие материалами, такими как эмаль, стекло, рог и слоновая кость. Алмазы сами были отрезаны в менее традиционных формах; 1925 Exposition увидел большое количество бриллиантов, вырезанных в виде маленьких палочек или спичек. Настройки алмазов также изменились; Все чаще ювелиры использовали платину вместо золота, так как он был сильным и гибким, и могут создать кластеры камней. Ювелиры также начали использовать более темные материалы, такие как эмаль и черный оникс, что обеспечило более высокий контраст с алмазами.

Ювелирные изделия стали гораздо более красочным и разнообразным по стилю. Cartier и фирма Boucheron в сочетании алмазов с красочными других драгоценных камней, вырезанных в форме листьев, плодов или цветов. сделать броши, кольца, серьги, клипсы и подвески дальневосточные темы также стали популярными; бл нефрита и кораллов были объединены с платиной и бриллиантами, а также случаев, тщеславие, портсигары и пудреницы украшены японскими и китайскими пейзажах с перламутром, эмалью и лаком.

Быстро меняющиеся моды в одежде принесли новые стили ювелирных изделий. Платья без рукавов 1920-х годов означало, что оружие нужно украшение, и дизайнеры быстро создали браслеты из золота, серебра и платины с инкрустацией лазурита, оникса, кораллов и других цветных камней; Другие браслеты предназначены для предплечий, и несколько браслетов часто носил в то же время. Короткие стрижки женщин в двадцатых годах, называемых для сложных конструкций деко серьги. Поскольку женщины начали курить в общественных местах, дизайнеры создали очень богато портсигары и держатель слоновой кости сигарет. Изобретение наручных часов до начала Первой мировой войны вдохновили ювелиров на создание экстраординарных декорированные часы, инкрустированные бриллиантами и покрыты эмалью, золотом и серебром. Подвесные часы, висит от ленты, также стало модно.

Установленные ювелирные дома Парижа в период, Cartier, Chaumet, Жорж Фуке, Mauboussin и Van Cleef & Arpels все созданные Миндаль и объекты в новой моде. Фирма Chaumet из высоко геометрических сигаретные коробки, зажигалки, доты и ноутбуки, изготовленные из твердых камней, украшенных нефрита, лазурита, бриллианты и сапфиры. К ним присоединились многие молодые новых дизайнеров, каждый со своей собственной идеей Деко. Raymond TEMPLIER разработаны части с весьма замысловатыми геометрическими узорами, в том числе серебряных серег, которые выглядели как небоскребы. Жерар Сандоз был только 18, когда он начал проектировать драгоценности в 1921 году; он разработал много известных частей на основе гладкого и полированного вид современной техники. Стекла дизайнер Рене Лалик также вошел в поле, создавая подвески из фруктов, цветов, лягушек, феи русалки сделаны из скульптурного стекла в яркие цвета, висит на веревках из шелка с кисточками. Ювелирный Пол Brandt контрастируют прямоугольные и треугольные узоры и встроенные жемчужины в линии на ониксе бляшек. Жан Депре сделал ожерелье из контрастных цветов, объединяя серебро и черный лак, или золото с лазуритом. Многие из его конструкций выглядели полированными детали машин. Жан Дюнан был также вдохновлен современным оборудованием, в сочетании с яркими красными и черными контрастными с полированным металлом. Многие из его конструкций выглядели полированными детали машин. Жан Дюнан был также вдохновлен современным оборудованием, в сочетании с яркими красными и черными контрастными с полированным металлом. Многие из его конструкций выглядели полированными детали машин. Жан Дюнан был также вдохновлен современным оборудованием, в сочетании с яркими красными и черными контрастными с полированным металлом.

Стекло искусство:
Как и в период ар-нуво до него, ар-деко был исключительным периодом для тонкого стекла и других декоративных предметов, спроектированный с учетом их архитектурного окружения. Самый известный производитель стеклянных предметов был Рене Лалик, чьи работы, от ваз до капота украшения для автомобилей, стали символами периода. Он сделал предприятия в стекло еще до Первой мировой войны, проектирование бутылок для духов Франсуа Коти, но он не начинал серьезного производства художественного стекла до окончания Первой мировой войны в 1918 году, в возрасте 58 лет, он купил большой стакан работает в Комб-ла-Виль и начал производить как художественные и практические предметы из стекла. Он рассматривал стекло как форма скульптуры, и создал статуэтки, вазы, чаши, светильники и украшения. Он использовал пол-кристалл, а не свинцовый хрусталь, который был мягче и легче сформировать, хотя и не столь блестящим. Иногда он используется цветное стекло, но чаще всего используется опалесцирующий стекло, где часть или весь наружной поверхности окрашивают с помощью промывки. Lalique при условии, декоративные стеклянные панели, фары и подсвеченные стеклянные потолки для океанских лайнеров SS Иль-де-Франс в 1927 и SS Normandie в 1935 году, а для некоторых из первого класса спальных вагонов французских железных дорог. В 1925 экспозиции декоративно-прикладное искусство, у него был свой собственный павильон, спроектированный столовую комнату со столом оседанием и сопрягая стеклянный потолок для Севра павильона, и спроектировал стеклянный фонтан для двора Кур де Metier, стройной стеклянной колонки, которая хлынула вода с боков и была освещена в ночное время. Lalique при условии, декоративные стеклянные панели, фары и подсвеченные стеклянные потолки для океанских лайнеров SS Иль-де-Франс в 1927 и SS Normandie в 1935 году, а для некоторых из первого класса спальных вагонов французских железных дорог. В 1925 экспозиции декоративно-прикладное искусство, у него был свой собственный павильон, спроектированный столовую комнату со столом оседанием и сопрягая стеклянный потолок для Севра павильона, и спроектировал стеклянный фонтан для двора Кур де Metier, стройной стеклянной колонки, которая хлынула вода с боков и была освещена в ночное время. Lalique при условии, декоративные стеклянные панели, фары и подсвеченные стеклянные потолки для океанских лайнеров SS Иль-де-Франс в 1927 и SS Normandie в 1935 году, а для некоторых из первого класса спальных вагонов французских железных дорог. В 1925 экспозиции декоративно-прикладное искусство, у него был свой собственный павильон, спроектированный столовую комнату со столом оседанием и сопрягая стеклянный потолок для Севра павильона, и спроектировал стеклянный фонтан для двора Кур де Metier, стройной стеклянной колонки, которая хлынула вода с боков и была освещена в ночное время.

Другие известные производители Art Deco стекла включены Marius-Ernest SABINO, который специализируется на фигурки, вазы, чаши и стеклянные скульптуры рыб, обнаженных и животных. Для них он часто использовал опалесцирующий стекло, которое может изменяться от белого до синего до янтарного, в зависимости от света. Его ваза и чаши признаков формованных фризы животных, обнаженные или бюсты женщин с фруктами или цветами. Его работа была менее тонким, но более красочным, чем Lalique.

Другие стекла дизайнеров примечателен Deco включены Эдмон Etling, который также используется яркими опалесцируют цвета, часто с геометрическими узорами и скульптурными обнаженными; Альберт Симона, и Аристид Colotte и Морис Маринот, который был известен своей глубоко протравленной скульптурной бутылкой и вазы. Фирма Daum из городаНэнси, Который был известен своей стиле модерн стекла, произвел линию Deco ваз и стеклянной скульптуру, твердый, геометрического и короткого в форме. Более тонкие разноцветные работы были сделаны Gabriel Argy-Руссо, который продюсировал деликатно цветные вазы с скульптурными бабочками и нимфами, и Франсуа Decorchemont, чьи вазы прожилками и мрамор.

Великая депрессия разрушила большую часть декоративного стекла промышленности, которая зависела от богатых клиентов. Некоторые художники обратились к конструированию витражей для церквей. В 1937 году стекольная компания Steuben начала практику ввода в эксплуатацию известных художников для производства стеклянной посуды. Луи Мажорель, известный своей мебели в стиле модерн, разработан замечательный Art Deco Витраж изображая стали рабочие для офисов Aciéries де Лонги, на сталелитейном заводе в Лонги, Франция.

Художественные изделия из металла:
Art Deco художники создавали широкий спектр практических объектов в стиле ар-деко, изготовленные из промышленных материалов от традиционного кованого железа с хромированной сталью. Американский художник Бел Геддес разработан коктейль набор, напоминающий небоскреб, выполненный из хромированной стали. Raymond Subes разработан элегантная металлическая решетка для входа в Дворце Порта-Доре, центральной в 1931 году Парижской колониальной выставки. Французский скульптор Жан Дюнан произвел великолепные двери на тему «Охота», покрытая сусальным золотом и красками на штукатурке (1935).

Влияния:
Art Deco был не один стиль, а набор различных и иногда противоречивых стилей. В архитектуре Art Deco был преемником и реакция против модерна, стиль, который процветал вЕвропамежду 1895 и 1900, а также постепенно заменил Beaux-Arts и неоклассический, которые были преобладающими в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал Méthode де Состав Ornementale, ЭЛЕМЕНТОВ Rectilignes, в котором он систематически исследовал декоративные (декоративные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций, в отличие от (и как отход от) волнистой искусства Nouveau стиль Hector Гимара, столь популярный в Париже несколько лет назад. Грасса подчеркнула принцип, что различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты являются основой всех композиционных механизмов. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Sauvage, и особенно в театре Елисейских полей, предложил новую форму строительства и отделки, который был скопирован по всему миру.

В отделке, много различных стилей были заимствованы и использованы ар-деко. Среди них до современного искусства со всего мира и наблюдаемым в Лувр, Музей де l’Homme и Национальному музею искусств d’Afrique и d’Océanie. Был также популярный интерес к археологии вследствие раскопокПомпеи, ТройИ могила 18-ой династии фараона Тутанхамона. Художники и дизайнеры интегрированы мотивы из древнегоЕгипет, Месопотамия, Греция, Рим, Азии, Мезоамерики и Океания с Machine Age элементов.

Другие стили, заимствованные включен русский конструктивизм и итальянский футуризм, а также Орфизм, функционализм и модернизм в целом. Art Deco также использовал сталкивающиеся цвета и конструкции фовизма, в частности, в работе Анри Матисса и Андре Дерена, вдохновлял конструкции арт-деко текстиля, обоев, и расписной керамики. Потребовалась идея высокой моды лексики периода, который показал геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. Он находился под влиянием открытий в египтологии, и растущий интерес на Востоке и в африканском искусстве. С 1925 года, он часто вдохновленный страстью к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, а к 1930 году это влияние привело к стилю называется обтекаемой Moderne.

Поделиться ссылкой:

• Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
• Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Стиль Ар-деко в архитектуре и дизайне – особенности, история возникновения и развития

За два десятилетия существования ар-деко выработал собственный характер, отчетливо видный при сравнении с ар-нуво. Оба стиля по-своему противостояли прагматизму и культивировали изысканность. Но методы борьбы были совсем разные. Ар-нуво создавал новое искусство. Ар-деко соединял все, что нравилось его авторам – восточную экзотику, исторические темы, новую технику, дорогие материалы и современное искусство, особенно кубизм. Увлечение экзотическими мотивами, почерпнутыми у ацтеков, майя и древних египтян, возросло после находок древних городов в лесах Мексики и открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона.

Тумбочка Tournicol, дизайнер Жак-Эмиль Рульманн, 1920-е годы.

архивы пресс-службы

В ар-нуво, при всей рафинированности, формы рождались на основании функции, причем органическим путем. Для ар-деко главным было украшение. Художники и архитекторы модерна придавали своим работам сложную внутреннюю символику. Ар-деко принципиально искал внешнего эффекта. Ар-нуво претендовал на универсальность, ар-деко мог удовлетвориться фрагментарностью. В особняках модерна все – от плана до дверной ручки – нужно было выдержать в едином стиле. Мастеров ар-деко вполне устраивала возможность украсить фасад стилизованными эмблемами.

Брон­зо­вый Пегас с ка­по­та автомобиля, Ита­лия, 1920-е го­ды.

архивы пресс-службы

У ар-нуво и ар-деко был очень разный “почерк”. Для модерна характерна тянущаяся, изогнутая, вьющаяся линия. Для деко – ломаная линия, любовь к многогранникам, ступенчатым завершениям, странным, как бы “припухшим” кривым. В модерне чаще использовались растительные мотивы – изображения цветов. Ар-деко больше любил животных. Кроме того, деко нравился вид новейшей техники: машин или аэропланов. Ар-нуво предпочитал сдержанные цвета – различные оттенки кремового, серого, голубого, фиолетового. Ар-деко любил цвета интенсивные – белый с черным, золотой и золотисто-коричневый – и яркие вкрапления красного, зеленого, синего, сверкавшие, как драгоценные камни.

Проект Дворца Советов (1934), архитекторы Борис Иофан, Владимир Гельфрейх, Владимир Щуко.

архивы пресс-службы

В модерне часто сочетались темный металл и светлое дерево. Для ар-деко характерны блестящие сталь и латунь и темное дерево, причем с инкрустациями. В ар-нуво господствовала керамика – от настенных плиток до великолепных фризов из майолики. Ар-деко обожал контраст сверкающей поверхности полированного металла и изысканной фактуры редких пород камня или дерева.

Эс­киз кух­ни в сти­ле ар-де­ко ди­зай­нер Ре­не Га­б­ри­эль опуб­ли­ко­вал в жур­на­ле Interieurs en Couleurs в 1925 го­ду.

архивы пресс-службы

Фрэнсис Скотт Фицджеральд в одном из своих рассказов назвал время расцвета ар-деко “потерянным десятилетием”. Но, похоже, сами создатели и “потребители” ар-деко это время потерянным не считали. Они не строили планов на будущее – они испытывали эйфорию от краткой эпохи процветания, в которую им довелось жить. И тем самым сильно ее украсили.

“Ма­я­ков­ская” (1936) ар­хи­тек­тора Алек­сея Душ­кина — ше­девр ар-де­ко. И не толь­ко со­вет­ско­го: арки из хро­ми­ро­ван­ной ста­ли мог­ли бы ук­ра­сить холл са­мо­го рос­кош­но­го не­бо­скре­ба в Нью-Йор­ке.

архивы пресс-службы

Текст: Дмитрий Швидковский

Фото: архивы пресс-службы

Volchok Studio — обучение рисованию с нуля в Москве. Мастер-классы и курсы по живописи маслом, акварелью, пастелью, акрилом. Карандашная графика. Аниме курсы.

В середине XX века, в период двух мировых войн, на смену конструктивизму приходит ар-деко. Яркий, экзотичный, симметричный — он покоряет весь мир! И по сей день арт-деко остается источником вдохновения для художников, дизайнеров, архитекторов и других творческих людей.

Расцвет ар-деко как художественного направления пришелся на 1925-1935 гг. Вскоре изящное новшество переросло в удивительную бескомпромиссность и простоту жизни. Но настали 40-е года, и он отошел на задний план, как чересчур пестрый для жесткой экономии военного времени.

Ар-деко характерно сочетание элементов модерна, кубизма и экспрессионизма; монументальные утяжеленные формы; выразительные формы «технического дизайна». Благодаря международной выставке в Париже, посвященной декоративному искусству и промышленности, ар-деко получил свое название, толчок к развитию и распространению. В 1960-е происходит новый всплеск интереса к этому стилю. В то же время становится популярным движение поп-арт.

Следующая точка в развитии ар-деко выпала на 80-е годы, когда вырос спрос на графический дизайн. Свое первое признание он получил в Европе, но Америка быстро подхватила новшество. Именно здесь голливуд, киноиндустрия поспособствовали громкой популярности ар-деко.

Отличительные черты ар-деко:

• Отказ от реалистичного изображения объектов. Сюжеты, составленные из геометрических фигур.
• Вместе с тем большое внимание уделяется плавным линиям, фону.
• Богатая орнаментация с посылом к традиционной культуре, этническим мотивам.
• Яркие кричащие цвета и оттенки, вытекающие, по мнению исследователей, из творчества парижских фовистов.
• В отличии от модернистской живописи, ар-деко никогда не имел философской основы — это больше декоративное направление. Не смотря на ощутимую тягу к вычурности, ар-деко остается простым и понятным, без сложного подтекста.

Наиболее известные представители арт-деко в изобразительном искусстве — Тамара де Лемпицка, Мари Лорансен, Эрте, Карлос Саенс де Техада, Хосе де Альманда Негрейрос, Рафаэль Делорм, Жан Дюпас.

Оригинальная, яркая картина в стиле арт-деко прекрасно впишется в интерьер современной квартиры, студии, кинотеатра, кафе… Этот стиль пережил несколько кризисов и продолжает радовать нас своей простотой, яркостью, практичностью и индивидуальностью.

В «Volchok Studio» вы может нарисовать свою собственную картину ар-деко — все материалы предоставляем, а занятия проводит профессиональная художница!

Приходите, будет интересно.

С 15 апреля по 12 ноября 1900 года в Париже состоялась Всемирная выставка, на которой демонстрировались достижения прошедшего столетия и которая должна была стать толчком в развитии в новом веке. Парижская галерея дизайна интерьера «Дом нового искусства» (Maison De L’Art Nouveau), открытая в 1896 году Зигфридом Бингом, представила на выставке гармоничную по дизайну и цветовому решению инсталляцию, состоящую из современной мебели, гобеленов и «объектов искусства».

Эта экспозиция явилась новым словом в искусстве, она настолько прочно ассоциировалась со стилем Арт Нуво, что он окончательно утвердился как лидирующее направление. В это же время группа французских художников организовала коллектив, известный под названием «Общество художников декоративного искусства» (La Societe des Artistes Decorateurs).

Эктор Гимар, Эжен Грассе, Рауль Лаченаль, Поль Фолло, Морис Дюфрен и Эмиль Декор, основатели этого сообщества, стали идеологами нового стиля, который был задуман как противовес Арт Нуво (точнее, как развитие его), и сформировали основные принципы Арт Деко. Одной из главных задач, которые художники ставили перед собой, было утверждение лидирующей роли французского декоративно-прикладного искусства, и организованная ими в 1925 году «Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств» (International Exposition of Modern Industrial and Decorative Art) стала прекрасной демонстрацией их намерений. Арт Деко считался эклектичным стилем, и некоторые художники, его основатели, известны и как представители других направлений, например, того же Арт Нуво (Эжен Грассе, Рене Лалик, Эктор Гимар и так далее). Расцвет Арт Деко пришелся на период между 1-й и 2-й мировыми войнами.

Изначально стиль Арт Деко назывался «модернизм» (Style Moderne), но после выставки 1925 года появилось название «Арт Деко», хотя до конца 1960-х этот термин не был общеупотребительным. Стиль получил сегодняшнее наименование благодаря историку искусства Бевису Хиллеру, который использовал его в своей книге «Арт Деко 20-х и 30-х» («Art Deco of the 20s and 30s»), а затем организовал в Институте искусства Миннеаполиса, США, выставку «Арт Деко» (Art Deco), которая проходила с июля по сентябрь 1971 года. Интерес к стилю 20-30-х годов чрезвычайно возрос после очередной книги Хиллера, посвященной выставке, «Мир Арт Деко» (The World of Art Deco), которая была опубликована в конце того же 1971 года.

Идеология стиля Арт Нуво оказала сильное влияние и на ювелирное искусство. Женщины в период между мировыми войнами начали демонстрировать новый облик: обнажать руки, красить губы, делать короткие угловатые стрижки, носить короткие платья в скандальном клубном стиле флапперов (от английского «flapper» — хлопушка). Этот новый мальчишеский силуэт подчеркивался аксессуарами и ювелирными украшениями, которые могли состоять из длинных свободных ожерелий и серег, смелых колец и нескольких браслетов.

Дизайн украшений Арт Деко (и стиля в целом) формировался под влиянием многих источников, в частности, мотивов Древнего Египта, Востока, Африки, Южной и Центральной Америки. Интеграция мистических элементов, присущих китайскому, японскому и индийскому искусству, придавала украшениям Арт Деко особую прелесть и налет экзотики. Открытие археологами могилы Тутанхамона и ее сокровищ в 1922 году стало новым источником вдохновения для художников-ювелиров. Архитектурные памятники прошлого: зиккураты, пирамиды, буддийские ступы, — они также способствовали формированию образов Арт Деко.

В дизайне украшений Арт Деко используются такие элементы, как животные, фрукты, цветы, символы транспорта (быстрые машины, самолеты), причем самых неожиданных цветов. Сфинксы и жуки пришли из Египта. Начало ХХ века ознаменовалось блистательным успехом в Европе русского балета («Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже с эскизами костюмов и декорациями работы Льва Бакста), позднее чрезвычайно популярен стал американский джаз, с развитием киноискусства символом нового века стал Голливуд, — и элементы сценического искусства стали широко использоваться при создании ювелирных изделий.

Как следствие эстетики индустриальной культуры, стиль Арт Деко отличается симметрическим классическим дизайном и строгими геометрическими, а также зигзагообразными и ступенчатыми формами и узорами, для него характерно смелое применение широких и энергичных кривых линий (в отличие от мягких текучих кривых Арт Нуво), мотивов шеврона V-образной формы и черно-белых клавиш музыкальных инструментов. Под влиянием модного в то время кубизма в украшениях Арт Деко часто используются такие силуэты, как окружности, овалы, арки, прямоугольники, треугольники, квадраты. Среди дизайнеров, которые первыми представили новый стиль высшему классу, были широко известные дизайнеры Коко Шанель, Рене Лалик и Эльза Скиапарелли

Во время 1-й мировой войны сформировались многие крупные состояния, и после ее окончания деньги широко начали тратиться, поэтому большая часть украшений Арт Деко относится к дорогим и очень дорогим, в моду вошли желтое и красное золото, платина, серебро. Использовались и дорогие тогда материалы: алюминий, нержавеющая сталь, а также эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и крокодила.

Для Арт Деко характерны самые неожиданные сочетания материалов в комбинации с драгоценными и полудрагоценными камнями. Обычными стали украшения не только с бриллиантами, но и ониксом, рубинами, изумрудами, сапфирами, аметистом, жадом, жемчугом, а также бирюзой, сердоликом и кораллом. Цветовые комбинации в это время были яркими и контрастными, без полутонов (что характерно, например, для Арт Нуво), и это является отличительной особенностью украшений 20-30-х годов. Иногда цвет был ключевым моментом в дизайне украшения.

Чистые яркие контрастные и металлические цвета позволяли создавать интересные эффекты. Самыми популярными были черный, белый, красный, темно-синий, зеленый, темно-желтый; золотой и серебряный цвета также использовались очень широко. Строгие абстрактные геометрические формы стиля Арт Нуво нашли свое отражение в огранке камней: наиболее часто использовались багет (baguette), изумруд/октагон (emerald), треугольник (triangle), каре (calibre), щит (shield). Отличительной особенностью нашейных украшений (ожерелий и колье) Арт Деко является практически отсутствие подвесок и кулонов, они представляют собой единое целое, очень часто из металла с камнями.

Украшения Арт Деко со своими яркими цветами, строгими классическими формами, созданные по восточным и африканским мотивам, являются и сегодня желанной добычей для коллекционеров и любителей истории искусства. Годы спустя после 2-й мировой войны, в 1960-1970-е годы, стиль Арт Деко вновь стал популярным в декоративно-прикладном искусстве, и даже сегодня мы можем видеть в искусстве следы его влияния.

художников и дизайнеров ар-деко 1920-х и 30-х годов —

Период ар-деко породил по-настоящему вдохновленных художников и дизайнеров.

Здесь мы представляем список художников ар-деко, дизайнеров архитектуры и декоративно-прикладного искусства, которые олицетворяют стиль ар-деко.

За последние несколько лет стали популярны разные художники ар-деко, и не больше, чем дизайнеры декоративно-прикладного искусства, такие как Кларис Клифф и Сьюзи Купер.

Однако

Art Deco — это стиль, и стильные изделия с симметричными линиями и геометрическими узорами всегда будут и будут пользоваться наибольшим спросом.

Геометрические формы в сочетании с великолепно обработанными поверхностями определяют искусство ар-деко.

Размещение красиво выполненных скульптур или великолепно функциональных сидений в минималистском или модернистском дизайне привлекает внимание к творчеству художников ар-деко.

Известные художники ар-деко включают…

Щелкните имя, чтобы узнать больше об этом художнике и его произведениях в стиле ар-деко.

Андре Леон Арбус (арт-деко, дизайнер, 1903-1969)

После окончания Ecole des Beaux Arts, Арбус присоединился к фирме своего отца по изготовлению мебели в Тулузе, которую он позже возглавил. С 1926 года выставляясь в парижских салонах, он переехал в столицу в 1930 году.

Arbus был награжден Призом Блюменталя в 1935 году и экспонировался на крупных международных выставках в Брюсселе (1935), Париже (1937) и Нью-Йорке (1939).

Он прекратил производство мебели в стиле восемнадцатого века, его собственные проекты были очень вдохновлены более стилизованным классицизмом Французской империи.

Он отверг риторику UAM, продолжив свою систему мастерских и включив в свою мебель роскошный шпон, беленый пергамент из шкуры животных и позолоченные оправы.

Норман Бел Геддес (арт-деко, дизайнер, 1893-1958)

После недолгого обучения в Чикагском институте искусств Бел Геддес работал в чикагском рекламном агентстве, создавая плакаты для General Motors и Packard.

В 1918 году он начал успешную карьеру сценографа, а в 1927 году обратился к промышленному дизайну.Несмотря на комиссии Toledo Scale Co. (1929) и Standard Gas Equipment Corp. (1932). наибольшее признание получил Бель Геддес как полемист современности.

Его книга «Горизонты» (1932) была манифестом современной оптимизации, который продвигал серию футуристических проектов для зданий и транспортных систем.

Позитивистское видение оптимистичного будущего Бел Геддеса достигло апогея в его футураме «Метрополис будущего» для павильона General Motors Highways и Horizons на Всемирной выставке 1939 года в Нью-Йорке.

В 1958 году 8 мая умер Норман Бел Геддес. В 1960 году была опубликована его автобиография «Вечернее чудо».

Он отец актрисы Барбары Бел Геддес

А.М. Кассандр (арт-деко, дизайнер, 1901-1968)

Адольф Жан-Мари Мурон, Кассандр изучал живопись и был другом многих ведущих деятелей парижского авангардного общества 1920-х годов, включая Аполлинера, Фернана Леже и Эрика Сати. В его плакатах смелые образы сочетаются со стилизованной простотой и современными шрифтами.

В 1927 году он вместе с Шарлем Лупо и Морисом Мойраном основал рекламное агентство Alliance Graphique. Кассандра разработала три шрифта: Bifur (1929), L’Acier (1930) и Peignet (1937).

Пьер Шаро (арт-деко, дизайнер, 1883-1950)

Родившийся в Бордо, Шаро впервые выставился в Салоне д’Она в 1914 году. По образованию архитектор, он участвовал в Парижской выставке 1925 года как архитектор и декоратор.

Смелые изгибы и роскошный контраст экзотических пород дерева в его более ранней мебели уступили место в конце 1920-х годов эстетике, вдохновленной функциональностью.

Как член-основатель UAM, Чаро подтвердил свою вера в взаимосвязь между формой и функцией, и с 1932 по 1938 год он провел подробные исследования по разработке мобильных перегородок для комнат.

Чаро получил заказы на дизайн интерьеров, в частности, от Маллета-Стивенса, и его самой знаменитой архитектурной работой было его сотрудничество с голландским архитектором Бийвоет в 1931 году над Мейсон де Верре, известной своим революционным использованием стеклянных кирпичных стен и перегородок мобильных комнат.

Серж Чермаев (арт-деко, дизайнер, 1900-)

Чермаев родился на Кавказе, получил образование в Англии. Его карьера с 1924 года до его эмиграции в Америку в 1939 году иллюстрирует постепенное упрочнение модернистских взглядов в Великобритании в 1930-е годы.

Тем не менее, работы Чермаева всегда сохраняли лирические качества, которые отличали его от многих его менее вдохновленных современников.

С 1921 по 1927 год Чермаев был главным дизайнером лондонской дизайнерской фирмы F. Williams Ltd, прежде чем стать директором «Студии современного искусства» Waring & Gillows, для которой он проектировал роскошную модернистскую мебель.

Он присоединился к модернистской группе MARS в начале 1930-х годов и работал с немецким эмигрантом Эрихом Мендельсоном, вместе с которым он спроектировал знаменитый павильон Де Ла Варра в Бексхилл-он-Си, Сассекс.

Его новаторские разработки для производителя мебели PEL позволили использовать стальные трубы в Великобритании. В тот же период Чермаев разработал также радиошкафы для Ecko

.

Кларис Клифф (арт-деко, дизайнер, 1899-1972)

Кларис Клифф известна во всем мире, она, возможно, является наиболее значительным художником-керамистом в стиле ар-деко двадцатого века.

Первоначально находясь под влиянием своих теток, которые были художницами в соседней гончарной компании, она начала свою карьеру в качестве эмаля в возрасте тринадцати лет, а к 1916 году началось ее давнее сотрудничество с А. Дж. Уилкинсоном.

В 1927 году, после учебы в RCA в Лондоне, Кларис Клифф вернулась к Уилкинсонсу, который представил свои изделия Bizzare в 1929 году.

Во время рыночных испытаний продавцы Wilkinson были ошеломлены скоростью, с которой продавалась «Bizarre Ware» Клиффа.Сначала линия Bizzare просто состояла из ее красочных рисунков стандартных форм, но к началу 1930-х годов были разработаны новые геометрические формы, соответствующие ее новаторскому стилю.

Смелые дизайны имели такой успех, что Кларис Клифф стала арт-директором, ответственным за команду из более чем 1000 человек, в том числе команду из 70 молодых художников, которые называли ее «причудливыми девушками».

В 1935 году, выйдя замуж за владельца Колли Шортера, она произвела ряд других линий для Wilkinsons, но в 1941 году, после того, как производство Bizzare было прекращено, она стала более активно участвовать в управлении Wilkinsons.

В августе 1964 года Кларис Клифф решила, что пришло время положить конец этому, и продала фабрики Уилкинсона компании Midwinter, что положило конец производству оригинальных работ Кларис Клифф.

В 1971 году Институт искусств Миннеаполиса признал Кларис Клифф ведущим дизайнером ар-деко после показа значительного числа ее произведений на их влиятельной выставке « World of Art Deco ».

• 1899 — Родился 20 января 1899 года в Танстолле, Сток-он-Трент.
• 1912 — Начал работать в «Гончарном мастерстве» с 13 лет.
• 1916 — Переехал на гончарную фабрику А. Дж. Уилкинсона.
• 1927 — Кларис открыла собственную студию. Запущены причудливые товары.
• 1940 — Кларис вышла замуж за своего босса Колли Шортера и переехала в Четвинд Хаус.
• 1964 — Завод прекратил производство керамических изделий с именем Клариссы.

После смерти Колли Шортера Кларис продала фабрику Midwinter.

• 1972 — Первая выставка Clarice Cliff проходит в Брайтоне в 1972 году.
• 1972 — Кларис Клифф внезапно умирает в Четвинд Хаус 23 октября 1972 года.

Сьюзи Купер (арт-деко, дизайнер, 1902-)

Несмотря на ранние амбиции стать модельером, Сьюзи Купер стала одним из самых важных дизайнеров и производителей керамики века.

Ее интерес к керамике пробудился в 1922 году, и сначала она работала с А.Э. Грей и Ко.

В 1929 году она основала собственное ателье, и ее фабрика производила сервизы для завтрака, чайные сервизы и столовую посуду для рынка, в основном для среднего класса.

Сообщается, что ее дизайн произвел фурор на Британской промышленной ярмарке 1922 года, где она продала украшенный клоуном треугольный цоколь для лампы члену королевской семьи.

Мишель ди Клерк (арт-деко, дизайнер, 1884-1923)

После сотрудничества с J.M. van der Mey и Piet Kramer над Scheepvaarthuis в Амстердаме, де Клерк зарекомендовал себя как, возможно, самый выдающийся архитектор Амстердамской школы.

В своей знаменитой жилищной программе, такой как Het Scheep в Амстердаме,
де Керк сочетает авантюрную пластичность и сильное чувство геометрии с признанием традиционных голландских форм и форм.

В отличие от его архитектуры, мебель де Клерка была роскошной и дорогой, и из 200 произведений известно, что сохранились только около 25.

Люкс 1916 года посмертно экспонировался на Парижской выставке 1925 года.

Важность Де Клерка для современного дизайна нашла отражение в том, что голландский журнал Wendingen посвятил его работам шесть специальных выпусков.

Соня Делоне (арт-деко, дизайнер, 1885-1979)

Соня Делоне (урожденная Стерн, Терк) родилась в Украине. До переезда в Париж в 1905 году она вышла замуж за художника Робера Делоне (1885-1941) в 1910 году.

Еще в 1912 году Соня занималась вышивкой и переплетами вместе со своими абстрактными картинами, а после потери личного дохода в 1917 году (в результате русской революции) она стала больше заниматься дизайном.

Проведя время в Мадриде во время Первой мировой войны, она открыла в Париже свое ателье одновременной работы, занимаясь дизайном одежды, текстиля и интерьеров.

На Парижской выставке 1925 года она руководила бутик-симулятором, где прославилась дизайнером современной моды.

В 1930-х годах Делоне сосредоточились на публичном искусстве и рекламе, а на Парижской выставке 1937 года они разработали серию больших фресок

Дональд Дески (арт-деко, дизайнер, 1894-1989)

Дески был необычным среди ведущих сторонников дизайна ар-деко в Америке тем, что он фактически родился там, а не приехал в качестве эмигранта из Европы.

Визит в Париж в 1925 году побудил Дески сосредоточиться на дизайне интерьеров и мебели. Его ранние успехи были в дизайне экранов, и в 1927 году он вступил в партнерство с Филипом Фоллмером, создав дизайнерскую фирму Deskey — Vollmer Inc.

.

В 1920-х годах он работал на богатых частных клиентов, но в 1930-х годах Дески стал больше интересоваться изделиями, подходящими для массового производства.

Архивы показывают, что около 400 дизайнов мебели, ковров и текстиля Deskey были запущены в производство.

Djo Bourgeois (арт-деко, дизайнер, 1898-1937)

Djo Bourgeois был представителем самого молодого поколения французских дизайнеров ар-деко, которых в конце 1920-х годов привлекли этика и эстетика модернизма.

Родился в Безоне (Сена и Уаза), Джо Буржуа окончил Ecole Speciale d’Architecture в 1922 году.

В 1923 году он присоединился к Le Studium Louvre и начал выставляться в Салоне. Le Studium Louvre рассматривал его авантюрный современный дизайн как возможность конкурировать с работами Шарлотты Перриан и Малле-Стивенса.

Сначала Джо Буржуа предпочитал лакированное дерево и стекло, но вскоре открыл для себя сталь, алюминий и бетон.

Он покинул Le Studium Louvre в 1929 году. Его последней выставкой перед смертью была столовая с подвижными перегородками в Салоне 1936 года.

Морис Дюфрен (арт-деко, дизайнер, 1876-1955)

Член-основатель Societe des Artistes Decorateurs, Дюфрен и Леон Жалло, входили в группу французских дизайнеров, которые до Первой мировой войны стали известны как конструкторы.

Дюфрен работал над «La Maison Moderne» Мейера-Грефе примерно в 1900 году, создавая дизайн в стиле модерн.

К 1910 году в его работах были адаптированы более упрощенные формы с использованием более прочных материалов и конструкции.

Открытое принятие Дюфреном массового производства в 1920-х годах, когда он стал художественным руководителем студии La Maitrise, привело к плодотворным результатам.

На Парижской выставке 1925 года, а также в павильоне La Maitrise, Дюфрен спроектировал «маленький салон» в «Ambassade Francaise», бутик меховщика Jungman и ряд обуви на мосту Александра Ill.

Стилистическое развитие Дюфрена продолжалось в 1930-е годы, когда он экспериментировал со сталью и стеклом.

Жан Дюнан (арт-деко, дизайнер, 1877-1942)

Хотя он начал свою карьеру в качестве скульптора и производителя декоративных предметов, Дюнан заинтересовался лаком с 1909 года, и его больше всего запомнили лакированные панели, мебель и интерьеры.

Он выставлялся в межвоенные годы, участвуя в проектировании курительной комнаты Ambassade Francaise на Парижской выставке 1925 года.

К 1921 году он производил и выставлял большие предметы лаковой мебели, Дюнан участвовал в строительстве трех великих французских океанских лайнеров того периода: «Иль-де-Франс» (1928 г.), «Атлантик» (1931 г.) и «Нормандия» (1935 г.).

Поль Фолло (арт-деко, дизайнер, 1877-1941)

Like Dufrene Follot был представителем старшего поколения дизайнеров ар-деко, которые развили свой стиль из ар-нуво.

Фолло работал в La Maison Moderne с 1901 по 1903 год.Он стал независимым в 1904 году, занимаясь дизайном мебели, освещения, ковров, часов и украшений.

Его стиль сочетал в себе упрощенные, традиционно вдохновленные формы с богатым декором, а его работы перед Первой мировой войной представляли собой упражнение в современном декоре, которое послужило образцом для большей части более традиционного французского ар-деко, которое достигло своего апогея на Парижской выставке 1925 года. что Фолло внес большой вклад.

В 1923 году Фолло стал директором по дизайну в студии Pomone в Au Bon Marche, а в 1928 году переехал в парижский офис Waring and Gillow, где работал с Сержем Чермайевым.

После 1931 года Фолло вернулся к самостоятельной практике, а в 1935 году он получил заказ на строительство океанского лайнера «Нормандия», а также участие в Брюссельской выставке.

Поль Теодор Франкл (арт-деко, дизайнер, 1886-1962)

Родившийся в Праге, Франкл вместе со своим другом европейцем Джозефом Урбаном был одним из первых дизайнеров модерна, работавших в Америке до 1925 года и заложивших основы американских традиций современного декора.

Проведя некоторое время в Берлине и Копенгагене, Франкл в 1914 году уехал в Америку и начал бизнес в Нью-Йорке.Хотя сначала он называл себя архитектором, в 1922 году он открыл галерею на 48-й улице, 4е, где продавались различные его дизайны для мебели, а также современные ткани и обои, импортированные из Европы.

Его влияние как дизайнера усилилось его полемическими про-модернистскими публикациями: «Новые измерения», «Форма и реформа», «Досуг машинного века», «Пространства для жизни» и «Обзор американского текстиля».

В 1926 году он представил свою знаменитую мебель в виде небоскреба, а в 1930-х годах обратился к металлической мебели.

Гилл (арт-деко, дизайнер, 1882-1940)

Несмотря на разнообразие работ, Гилла больше всего помнят за его скульптуру и типографику.

Его шрифт без засечек, разработанный в 1928 году для корпорации Monotype, стал синонимом современного графического дизайна. По иронии судьбы, работа и философия Гилла основывались на ремесле и католицизме.

Стилизованная скульптура

Гилла была также выбрана для украшения другого памятника современности, радиовещания Би-би-си на Портленд-Плейс, Лондон (1929–31).

В 1937 году Гилл был избран членом Королевской академии и удостоен почетного ученичества в Королевском обществе британских скульпторов.

Йозеф Гокар (арт-деко, дизайнер, 1880-1945)

Гочар был ведущим представителем чешского кубистического дизайна в 1910-х годах, в 1912 году он стал соучредителем Пражских художественных мастерских.

С 1906 по 1908 год он обучался в Школе декоративного искусства в Праге, после чего работал на Яна Котера, «основателя современной чешской архитектуры».

С 1922 по 1939 год Гокар был профессором Академии художеств, а в 1925 году он получил Гран-при за дизайн чехословацкого павильона на Парижской выставке.

Мебель

Gocar — одна из самых ярких и оригинальных мебели того времени, в ее основе — буквальная попытка воплотить идею кубизма в трех измерениях.

Оливер Хилл (арт-деко, дизайнер, 1887-1968)

Хилл посещал вечерние занятия в Архитектурной ассоциации Лондона. После Первой мировой войны он вернулся к практике, став модным общественным архитектором, работающим преимущественно в неогрузинском и новоязычном стилях.

После 1930 года Хилл спроектировал ряд зданий в стиле модерн, хотя его неоднозначная связь с более доктринерскими элементами современного движения воплощается в его использовании декора.

В то время как Джолдвиндс (1933) и его план для Фринтона (1933), кажется, твердо принадлежат Современному движению, в отеле Midland Hotel, Morecambe (1934) он использовал Эри Гилл и Эри Равилиус для декоративной помощи.

Hill также спроектировал Британский павильон для Международной выставки в Париже в 1937 году.

Чарльз Хойден (арт-деко, дизайнер, 1875-1960)

Архитектура Чарльза Хойдена является примером прагматичного компромисса британского ар-деко.

В начале карьеры Хойдена был ассистентом Чарльза Роберта Эшби.

После Первой мировой войны он стал членом Ассоциации дизайна в промышленности, через которую он познакомился с Фрэнком Пиком, который поручил ему построить новые фасады для существующих станций лондонского метро и новых станций на расширенной Северной линии.

Он путешествовал с Пиком по Северной Европе, и его работа над новыми станциями на линии Пикадилли позволила создать кирпичный современный дом для метро, ​​который перекликается с работой голландских архитекторов, таких как Дудок.

С 1931 года Холден участвовал в схеме централизации Лондонского университета, самым известным памятником которого является здание Сената университета в Блумсбери.

Раймонд Худ (арт-деко, дизайнер, 1881-1934)

Получив образование в Массачусетском технологическом институте и Школе изящных искусств в Париже, первые годы архитектурной карьеры Гуда прошли в безвестности.

Он был катапультирован к славе в 1922 году, когда вместе с Джоном Мидом Хауэллсом он выиграл конкурс на проектирование башни Chicago Tribune Tower.

Несмотря на то, что здание было неоготическим, а не ар-деко, его оставшиеся двенадцать лет практики включали работы над некоторыми из самых значительных американских зданий той эпохи: American Radiator Building в Нью-Йорке (1925 г.), который объединил в себе несколько зданий. более сдержанная готика с более уверенной современностью; здание Рокфеллера (1931 г.), которое он совместно спроектировал и остается символом ар-деко, и здание McGraw Hill Building с его терракотовым фасадом.

Его последним заказом было проектирование здания «Электричество» на выставке «Век прогресса 1933 года» в Чикаго.

Павел Янак (арт-деко, дизайнер, 1882-1956)

После учебы у Отто Вагнера в Академии изящных искусств в Вене (1906-8) Янак вернулся в свою родную Прагу, где ему предстояло разработать некоторые из самых выдающихся предметов мебели и керамики чешского кубистического движения.

В 1908 году он стал соучредителем кооператива «Артель», который сыграл решающую роль в реализации многих замыслов кубистов.

Янак присоединился к Группе художников-пластиков в 1911 году и был одним из редакторов Умелецкого Месичника, а также одним из основателей Пражских художественных мастерских в 1912 году.

Бетти Джоэл (арт-деко, дизайнер, 1894-1985)

Родилась Мэри Стюард Локхарт в Гонконге, Бетти] Джоэл получил образование в Англии и познакомился с Дэвидом Джоэлом, когда тот служил на флоте на Дальнем Востоке.

В 1918 году они поженились и, хотя ни у одного из них не было формального дизайнерского образования, они начали производство мебели под названием Betty Joel Ltd.

.

Ранние работы были в модернизированном стиле декоративно-прикладного искусства, однако к концу 1920-х — началу 1930-х годов влияние французского ар-деко стало очевидным.

Выставочный зал Бетти Джоэлс в Лондоне находился на Слоун-стрит, 177, а затем на Найтсбридж, 25.

У фирмы был широкий круг клиентов, как корпоративных, так и частных. Мебель производилась для отелей Savoy и St Jame’s Palace, а также для многих отелей H.S. Проекты Гудхарт Рендель, в том числе Hays Wharf.

Среди ее наиболее известных частных клиентов были лорд Луи Маунтбеттен и тогдашняя герцогиня Йоркская.

Фрэнсис Журден (арт-деко, дизайнер, 1876-1958)

Журден, один из основателей UAM, всегда неоднозначно относился к художественному оформлению.Его относительно строгие, угловатые работы, выставленные в «Салоне д’Омн» в 1902 году, фактически отказались от стиля ар-нуво его современников.

Для клиентов, требующих роскоши, его уступкой может быть использование богатой фанеры. Из-за его скудного стиля многие из его ранних заказов предназначались для общественных мест, а не для частных интерьеров.

Журден выставлялся на Парижской выставке 1925 года, и с тех пор он начал использовать сталь, алюминий и лак.

Журден вышел на пенсию в 1939 году, чтобы больше времени уделять писательской деятельности.

Эли Жак Кан (арт-деко, дизайнер, 1884-1972)

После окончания архитектурной школы Колумбийского университета в 1907 году Кан провел четыре года в Париже, обучаясь в Ecole des Beaux Arts.

Он стал партнером фирмы Buchman & Fox, над которой он в конечном итоге доминировал, и имел хорошие возможности для того, чтобы играть влиятельную роль на архитектурной сцене Нью-Йорка в период с 1925 по 1930 год.

Помимо выставок в The Architect and the Industrial Arts в Метрополитен-музее в 1929 году, Кан отвечал за некоторые из великих декоративных зданий 1920-х годов, такие как Пятая авеню 261 и 2 Парк-авеню с ярко окрашенным терракотовым фасадом, созданным Л. .В. Соловон.

Пит Крамер (арт-деко, дизайнер, 1881-1961)

Крамер познакомился с Мишелем де Клерком, когда работал в офисе амстердамского архитектора Эдуарда Кайперса, и сотрудничал с Й. М. ван дер Меем, другой ведущей фигурой Амстердамской школы, на Шипваартюйс в Амстердаме.

Крамер принял участие в пяти проектах социального жилья в Амстердаме, которые характеризовали работу школы в 1915-1925 годах.

Использование кирпичной кладки для абстрактного геометрического декора на фасадах его зданий оказалось предшественником некоторых из наиболее ярких декоративных упражнений в архитектуре ар-деко, в то время как его использование кирпича также послужило вдохновением для более прагматичного подхода пригородного искусства. Деко Британии.

Крамер также был известным дизайнером мебели.

Рене Жюль Лалик (арт-деко, дизайнер, 1860-1945)

Профессиональная карьера Лалика, сначала ювелира, а затем, более известного как мастера по стеклу, охватывала как эпоху ар-нуво, так и эпоху ар-деко.

Лалик арендовал свой первый стекольный завод в 1909 году в Комб-ла-Виль недалеко от Фонтенбло. Первоначально фабрика производила только флаконы для духов, но к 1920-м годам Lalique начал производить другие изделия из стекла, такие как украшения, зеркала, лампы, люстры и посуда.

Он выставлялся в Париже в 1925 году. Его знаменитый стеклянный фонтан стал центральным элементом Парфюмерного павильона, а также определяющим символом французского ар-деко 1920-х годов.

К 1930-м годам инновации Лалика были оспорены другими производителями, такими как Сабино, и даже несмотря на то, что ему было за семьдесят, Лалик продолжал руководить фирмой, в которой было занято более 600 человек.

Ле Корбюзье — Шарль-Эдуард Жаннере (арт-деко, дизайнер, 1887-1965)

Ле Корбюзье родился в Ла-Шо-де-Фон и работал под своим настоящим именем Шарль-Эдуард Жаннере до начала 1920-х годов.

В 1907 году он путешествовал по Европе, встречаясь с Йозефом Хоффманном в Вене.

С 1908 по 1909 год работал на парижского архитектора Огюста Перре, а в 1910 и 1911 годах — в берлинском офисе Петера Беренса.

В 1911 году , публикация во Франции его «Этюда о движении искусства в Аллемане», связала имя Жаннере с дебатами о роли национальной самобытности и декоративного искусства во Франции.

Действительно, именно как декоратор Жаннере стала известна в мире искусства Парижа, работая с такими дизайнерами, как Андре Гроулт и Поль Пуаре.

Однако, благодаря сотрудничеству с художником-пуристом Амеди Озенфаном, Жаннере, ныне известный как Ле Корбюзье, разработал антидекоративную теорию, благодаря которой стал известен.

В 1925 году его Pavilion de L’Espirit Nouveau на Парижской выставке стал иконой зарождающегося модернистского движения, а его книги «Декоративное искусство сегодня» и «На пути к новой архитектуре» показали, что его способности как полемиста соответствовали его навыкам. как дизайнер.

Член-основатель UAM, Ле Корбюзье часто изображается как антитезис ар-деко (его павильон был обделен на выставке 1925 года).

Но его работы до 1920 года и влияние модернистской эстетики на развитие ар-деко в Европе и Америке с конца 1920-х годов сделали его важной фигурой в истории стиля ар-деко.

Раймонд Лоуи (арт-деко, дизайнер, 1893-1986)

Лоуи изучал электротехнику в своей родной Франции, прежде чем эмигрировать в Америку после службы в Первой мировой войне.

После непродолжительного периода работы оформителем витрин в Macy’s, он работал иллюстратором моды на Harpers Bazaar.

Он осознал потенциал применения принципов коммерческого искусства к фактическим продуктам промышленности и в 1929 году получил заказ на модернизацию мимеографа Gestetner.

В 1930 году он основал собственное дизайнерское бюро, а в 1935 году модернизировал холодильник Sears Roebuck, подписав «Coldspot», и тем самым привнес в кухни по всей Америке обтекаемые белые линии современного стиля.

Он опубликовал влиятельные футуристические проекты для такси, автомобилей и поездов, а также разработку локомотивов для Пенсильванской железной дороги и отличительного автобуса Greyhound Coach (1940).

Чарльз Ренни Макинтош (арт-деко, дизайнер, 1868-1928)

Учился в своем родном Глазго у архитектора Джона Хатчинсона между 1884 и 1889 годами, Макинтош много путешествовал по Европе в 1890-х годах.

Он создавал плакаты середины 1890-х годов, а также выставлялся на выставке прикладного искусства 1896 года.

В 1897 году Макинтош начал первую фазу своей работы над Художественной школой в Глазго, которую он также расширил в 1907 году.

Другие работы в Шотландии включали Willow Tea Rooms (1903 г.) и Hill House (1904 г.).

Несмотря на международное признание, Mackintosh так и не добился коммерческого успеха. Он покинул Глазго в 1914 году, а в период с 1915 по 1920 год он работал на промышленника У. Дж. Бассет-Лоука, в первую очередь по адресу Дернгейт, 78, Нортгемптон.

После путешествия по Франции в середине 1920-х годов Макинтош умер от рака в Лондоне в 1928 году.

Роберт Маллет-Стивенс (арт-деко, дизайнер, 1886-1945)

Обученный в Ecole Speciale d’Architecture (1905-10), Малле-Стивенс мало строил до окончания Первой мировой войны.

Его работы на Парижской выставке 1925 года включали кубистические бетонные деревья братьев Мартель в его Зимнем саду и отличительную башню для его «Павильона туризма», оба из которых сделали его архетипическим индивидуалистом-модернистом, установив международный образец искусства. Деко-архитекторы 1920-1930-х годов.

Его самыми знаменитыми заказами были Вилла виконта де Ноая в Йере (1923-5), улица Малле-Стивенс в Отёе (1926-7) и Казино в Сен-Жан-де-Люз (1928),

.

Его пренебрежение социальным аспектом модернизма не помешало ему стать президентом UAM в 1930 году, и хотя он выполнял заказы на Брюссельской выставке 1935 года и Парижской универсальной выставке 1937 года, его работы никогда не затмевали его триумфов в 1920-х годах.

Андре Маре (арт-деко, дизайнер, 1887-1932)

Андре Маре был художником, учился в Академии. Джулиан Луи Сью также получил образование художника, но начал заниматься дизайном интерьеров еще в 1905 году.

Отсутствие дизайнерского или ремесленного обучения привело к тому, что и Сью, и Мэр были сгруппированы с колористами в Париже перед Первой мировой войной.

Маре был связан с Maison Cubiste Дюшана Вийона в 1912 году, в то время как Сью работала с Пуаре до основания La Maison Martine в 1912 году. В том же году Сью основала свою собственную дизайнерскую фирму L’atelier Francais и начала сотрудничать с Кобыла в 1914 году.

Это объединение стало партнерством в 1919 году, когда была основана компания La Compagnie des Arts Francaise, которая просуществовала до 1928 года.

Sue et Mare работала в различных областях декоративно-прикладного искусства — от обоев до мебели. В их мебели использовались экзотические породы дерева, и они явно вдохновлены традиционными французскими стилями.

На Парижской выставке 1925 года их павильон Un Musee d’Art Contemporian конкурировал с павильоном Рульмана. Фирма также выставляла мебель в Ambassade Francaise и бутике Perfums d’Orsay среди других павильонов.

Партнерство закончилось в 1928 году, и Сью продолжала работать во Франции в течение 1930-х годов.

Эдвард Макнайт Кауффер (арт-деко, иллюстратор, 1890-1954)

Кауффер, дизайнер плакатов и иллюстратор, был американцем, поселившимся в Англии. Его первый заказ на создание плаката для Underground Railway Co. пришел в 1915 году.

В 1921 оставил живопись и занялся торговым искусством. Его заказы представляют собой портфолио знаменитого современного коммерческого графического дизайна, среди его клиентов: Лондонский транспортный совет, Shell, BP, Great Western Railway, Главное почтовое отделение и Gas, Light & Coal Co.

Сотрудник Британского института промышленного искусства и член Совета по искусству и промышленности, Кауффер был женат на знаменитом дизайнере тканей и ковров Мэрион Доран, еще одной американке, приехавшей в Англию в начале 1920-х годов.

Эти двое выставлялись вместе в 1929 году.

Коломан Мозер (арт-деко, дизайнер, 1868-1918)

Учился у Отто Вагнера в Академии изящных искусств в Вене, Мозер вместе с Хоффманном был основателем Сецессиона и Венской мастерской.

Несмотря на то, что он получил образование художника, к концу 1890-х годов Мозер активно занимался декоративным искусством, получив приз на Парижской универсальной выставке в 1900 году.

Его главным вкладом в Werkstatte стал дизайн интерьеров санатория Пуркерсдорф Хоффмана в 1905 году.

Уход Мозера в 1908 году ознаменовал отход от строгой геометрии ранних и наиболее влиятельных работ Werkstatte.

Дагоберт Печ (арт-деко, дизайнер, 1887-1923)

Берта Цукеркандль описала Печ как «величайший гений орнамента, которым Австрия обладала со времен барокко».

Пече обучался в техническом училище в Вене и в Академии художеств с 1908 по 1911 год.

Он присоединился к Werkstatte в 1915 году, и его работа характеризовала и действительно повлияла на переход к более причудливой, вдохновленной народом эстетике мастерской.

Пеш спроектировал филиал Wiener Werkstatte в Цюрихе, где он находился с 1917 по 1918 год.

Хотя работа Пече не ограничивалась какой-либо одной областью прикладного искусства, лучше всего его запомнили за его восхитительно украшенные небольшие предметы.Его декоративные изделия из чеканного серебра начала 1920-х годов показывают, насколько далеко Werkstatte ушел от геометрии Мозера за годы, прошедшие после его ухода.

Поль Пуаре (арт-деко, дизайнер, 1879-1944)

Сын парижского продавца, Пуаре стал дизайнером одежды в 1896 году после знакомства с Жаком Дусе.

В 1910 году он посетил Вену, встретился с Йозефом Хоффманном и черпал вдохновение в текстильных изделиях и моде Венской мастерской.

Он основал свое Ателье Мартин в 1911 году, а его Дом Мартин на Фоборге Сен-Оноре продавал ковры, ковры и обои.

Вместе со своим давним соавтором, художником Раулем Дьюти, Пуаре основал студию печати на текстиле La Petite Usine.

В 1908 и 1911 годах Пуаре опубликовал тома своих разработок, что само по себе было новаторским шагом, и в результате его тепло приняли, когда он посетил Америку в 1913 году.

Он продолжал работать в 1920-х и 1930-х годах, но его вклад в Парижскую выставку 1925 года, три украшенные баржи, поставил Пуаре на грань финансового разорения.

Джо Понти (арт-деко, дизайнер, 1891-1979)

После изучения архитектуры в Политехническом институте в Милане (1918 — 21) Понти стал дизайнером фирмы Doccia ceramics
Ричарда Джинори.

Его работы, часто написанные в стилизованной и юмористической классической манере, принесли ему Гран-при на Парижской выставке 1925 года.

В результате работы, которую он получил в Париже, его попросили спроектировать набор столовых приборов для Christofle и виллу для председателя фирмы.

В 1927 году он покинул Джинори, чтобы основать архитектурную практику с Эмилио Лансиа, а год спустя он стал главным редактором журнала Domus, который продвигал работы и идеи Novecento movemert,

Novecento, который Понти основал вместе с другими архитекторами, такими как Джованни Муцио, сочетал в себе традиции, декор и поразительную современность, обеспечивая отправную точку для итальянских дизайнеров, которые, стремясь впитать в себя то, что они видели в Париже, были вдохновлены создавать декоративные и современные шт.

Жан Пуйфорка (арт-деко, дизайнер, 1897-1945)

Пуифоркат присоединился к семейной фирме ювелиров, когда изучал скульптуру у Луи-Эме Лежер.

После открытия собственной мастерской в ​​1922 году работы Пуифорка воплотили в себе простое геометрическое крыло идиомы ар-деко. Объекты Puiforcat опирались на чистоту линий и математические пропорции, в отличие от прикладного декора.

В 1929 году он был одним из основателей UAM; однако, несмотря на его эстетическое сходство с современным движением, его отказ от компромиссов в использовании серебра обеспечил Пуифоркату статус дизайнера предметов роскоши.

В 1934 году его работа приняла новое направление, когда он начал производить литургические предметы для католической церкви.

К 1937 году он разочаровался в UAM и покинул Францию ​​в начале Второй мировой войны, вернувшись незадолго до
своей смерти В 1945 году.

Жак Эмиль Рульманн (арт-деко, дизайнер, 1879-1933)

В 1900 году Рульманн присоединился к отделочному бизнесу своего отца, а к 1903 году он начал производить свои первые дизайны мебели,

.

После смерти отца в 1907 году он начал выставлять свои работы в парижских салонах, а его первые предметы мебели были выставлены в 1913 году.

Избегая военной службы по медицинским показаниям, Рульманн провел войну, совершенствуя свой классический стиль, прежде чем в 1919 году заключить партнерство с Пьером Лораном. Вместе их бизнес расширился, и отделочные работы Лорана стали надежной базой для менее прибыльной роскошной мебели Рульмана.

Мебель Рульмана, отличающаяся экзотическим использованием шпона и идеальными пропорциями форм, остается для многих апогеем французского ар-деко, и это настроение отражается в высоких ценах, уплачиваемых сегодня на аукционах за его изделия.

Самыми знаменитыми ансамблями Рульмана были его «Hotel du Collectionneur» на Парижской выставке 1925 года и его кабинет Маршала Лиоти на выставке 1931 года в Колониале

Официант Дорвин Тиг (арт-деко, дизайнер, 1883-1960)

После переезда в Нью-Йорк в 1902 году Тиг присоединился к рекламному агентству Calins and Horden в 1908 году.

К 1927 году он был внештатным художником и экспертом по типографике, однако он начал применять этот рекламный опыт к продукции обрабатывающей промышленности.

Среди его клиентов были Kodak, Westing House и Steinway and Sons.

Teague сделал многое для того, чтобы привнести эстетику упрощения в повседневную жизнь Америки с помощью таких продуктов, как специальная камера Bantam для Kodak.

Его новаторские системные проекты для Texaco, которые были использованы для строительства более 10 000 придорожных автозаправочных станций и станций технического обслуживания в 1930-х годах, сделали многое для того, чтобы обтекаемый современный стиль стал архитектурной идиомой шоссе.

На Всемирной выставке 1939 года Тиг выполнял заказы Ford, Kodak и National Cash Register Co.среди прочего.

Джозеф Урбан (арт-деко, дизайнер, 1872-1933)

Урбан родился в Вене, учился в Императорской и Королевской академии изящных искусств и Политехническом институте и впервые посетил США в 1901 году, чтобы подготовить свои проекты для австрийского павильона на предстоящей выставке в Сент-Луисе.

В 1911 году он поселился в США, и тем самым обеспечил жизненно важную связь между венскими традициями современного декора и развивающейся идиомой американского ар-деко.

Он выставлялся на выставке Метрополитен в 1929 году «Архитектор и индустриальное искусство».Урбан прославился своими театральными проектами, наиболее известным из которых является его здание для труппы Зигфельда, для которой он также спроектировал большинство ее бродвейских шоу.

Он руководил собственной «Студией декоративных и живописных работ» в Нью-Йорке, а также в 1922 году открыл нью-йоркский филиал Wiener Werkstatte на Пятой авеню, для которого он спроектировал интерьеры и часть мебели.

Urban также учредил фонд художников для поддержки деятельности Werkstatte.

Его архивы в Колумбийском университете содержат подробную информацию о самых разнообразных предметах интерьера, которые он спроектировал для отелей и ресторанов Нью-Йорка и Среднего Запада.

Ральф Т. Уокер (арт-деко, дизайнер, 1889-1973)

Уокер обучался в Массачусетском технологическом институте (1909-11), и после ряда стажировок он присоединился к нью-йоркским архитекторам McKenzIe, Voorhees & Gmelin в 1919 году.

Walker стал партнером в 1926 году, и, как Voorhees, Gmelin & Walker, фирма отвечала за некоторые из самых декоративно-авантюрных небоскребов 1920-х годов, в том числе телефонное здание Barclay-Vesey (1923-6) и Western Union Building ( 1928-9).

После того, как в 1939 году компания стала Voorhees, Walker Foley & Smith, фирма выполнила несколько заказов на проектирование зданий для Всемирной выставки
в Нью-Йорке в 1939 году.

Томас Уоллис (арт-деко, дизайнер, 1873-1953)

Пожалуй, самый авантюрный в декоративном отношении британский архитектор в период между войнами, Уоллис стал консультантом Kahncrete, американской инженерной компании, специализирующейся на железобетонных промышленных зданиях.

В 1917 году он основал свою практику как Wallis Gilbert and Partners, специализирующуюся на промышленных зданиях, часто для американских клиентов.

Фирма отвечала за многие фабрики в западном Лондоне, где стилизованный фасадный орнамент может быть нетипичным, но сделал их иконами британского ар-деко.

Самыми выдающимися работами его фирмы были завод Firestone (1929) и Pyrene Factory (1930), оба в Брентфорде, AIbion Car Works и India Tire and Rubber Co., Глазго (1930), фабрика Hoover в Перивале (1932). и лондонский автовокзал Виктория (1932 г.).

Карл Эммануаль Мартин Вебер (арт-деко, дизайнер, 1889 -)

Вебер, также известный как Кем, родился в Берлине и учился у Бруно Пауля с 1908 по 1910 год.

В начале войны он оказался в Сан-Франциско. В конце концов, он присоединился к лос-анджелесской дизайн-студии Baker Bros., где стал директором.

После посещения Парижа в 1925 году он увлекся современным дизайном, и его последующий репертуар мебели отражает эволюцию американского ар-деко от стиля «зигзаг» конца 1920-х годов до обтекаемой современной эстетики 1930-х годов.

Он был одним из немногих американских дизайнеров, которые участвовали в первой Международной выставке искусств и ремесел Macy’s.

В 1930-х годах Вебер разработал мебель из фанеры, идеальную среду для обтекаемого стиля.

Его самая известная работа — это дизайн 1935 года кресла для самолета для Airline Chair Co. в Лос-Анджелесе, который был описан как «… — наиболее яркая интерпретация этики рационализации, появившаяся в США …».

Фрэнк Ллойд Райт (арт-деко, дизайнер, 1867-1956)

Возможно, самый влиятельный архитектор и теоретик дизайна двадцатого века Америки.

Райт сыграл важную роль в формировании специфически американской традиции современного декора, на которой был построен американский ар-деко.

Это особенно верно в отношении горизонтального стиля его внутренней архитектуры первых двух десятилетий века, вдохновленного как европейскими модернистами, так и практиками современной Америки…

Топ-6 известных художников в стиле модерн

Модерн — это направление в искусстве, которое началось около 1890 годов и впервые описано в бельгийском художественном журнале « L’Art Moderne ».Они использовали этот термин для описания группы из 20 художников под названием «Les Vingt» (Двадцать). Эта группа состояла из 20 бельгийских художников, скульпторов и дизайнеров, которые стремились реформировать искусство в конце 19 века .

Основная цель движения заключалась в том, чтобы провести четкое различие между изящными искусствами , такими как живопись и скульптура , и прикладными искусствами , такими как украшение и дизайн и т. Д. Известные художники в стиле модерн хотели отличаться от художников-романтиков , художников реализма , художников-импрессионистов и художников-постимпрессионистов , которые определяли искусство в начале XIX века.

Затем движение распространилось из Бельгии и Франции первоначально на несколько стран по всему миру в 1890-х . Он определяется разными терминами на разных языках, включая « Modern Style » на английском языке, « Stile Liberty » на итальянском, « Jugendstil » на немецком языке и « Modernisme Català » на каталонском, чтобы назвать несколько.

Движение было прервано Первой мировой войной , но уже угасало до этого около 1910 .В 1920-х годах на смену пришел новый стиль декоративно-прикладного искусства и архитектуры под названием « Art-Deco », за которым последовал « Модернизм ».

Так кто же был одним из самых известных художников в стиле модерн ? В этом посте вы узнаете!

1. Густав Климт

Густав Климт (1862-1918) был австрийским художником, который был одним из самых выдающихся участников движения Венского сецессиона , художественного движения, тесно связанного с модерном, которое было сформировано в году. 1897 .Создал в основном картины с сюжетом женского тела с эротическим подтоном .

Он не начинал как художник-революционер, но добился успеха как художник по архитектурному декору . Он отклонился от общепринятого образа мышления и разработал совершенно новый стиль искусства после того, как его работа на потолке Большого зала Венского университета была признана порнографической по своему характеру . Его самые известные картины были созданы во время его « Golden Phase », в котором он использовал сусальное золото .Густав Климт / Wiki Commons

2. Антони Гауди и Корнет

Антони Гауди и Корнет (1852-1926) был самым выдающимся художником Каталонского модернистского движения . Он наиболее известен своим архитектурным шедевром Sagrada Família в Барселоне , одной из самых известных церквей в мире с уникальным архитектурным дизайном, который строился уже более века.

На его творчество в основном повлияли религия, природа и его общая любовь к архитектуре .7 его самых известных работ, в том числе Саграда Фамилия, были внесены в список объектов Всемирного наследия ЮНЕСКО . Среди других чудесных построек, которые были перечислены в списке, являются « Casa Milà » и « Casa Batlló », оба в его родном городе Барселона. Антони Гауди и Корнет / Wiki Commons

3. Анри де Тулуз-Лотрек

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) был разносторонним французским художником , художником, гравером, рисовальщиком, карикатуристом и иллюстратором.Он жил в Париже, который был хорошим местом для проживания в конце 19 века на пике так называемой « Belle Époque ». Большинство его работ изображают сцены из города и его жителей в этот период.

Он начинал как художник-постимпрессионист и считается одним из лучших художников этого движения вместе с такими художниками, как Поль Сезанн, Винсент Ван Гог , Поль Гоген и Жорж Сёра. Позже он стал иллюстратором и литографом , в результате чего он стал одним из самых известных художников в стиле модерн в истории.Анри де Тулуз-Лотрек / Wiki Commons

4. Альфонс Муха

Альфонс Муха (1860–1939) был художником, иллюстратором и графическим дизайнером, который родился в Маркграфстве Моравии , в то время входившем в состав Австрии. Империя, но теперь известная как Чехия . Изначально он жил в Париже, где создал театральных плакатов и иллюстраций, которые включали в себя ярко выраженный драматический стиль .

Его самые известные работы — это французская театральная актриса Сара Бернар , одна из самых известных актрис своего поколения, сыгравшая в самых популярных пьесах Парижа в конце 19 — начале 20 веков.Позже в своей карьере он посвятил себя таким картинам, как « Славянский эпос », историческое произведение искусства, над которым он работал 14 лет между 1912 и 1926 . Альфонс Муха / Wiki Commons

5 Виктор Орта

Виктор Орта (1861-1947) был бельгийским художником и одним из отцов-основателей движения в стиле модерн. Он был дизайнером и архитектором, и его проект Hôtel Tassel в Брюсселе , который был завершен между 1892 и 1893 годами , считается первым зданием в стиле модерн в истории.

Помимо того, что он вдохновил своего французского коллегу Гектора Гимара , спроектировавшего многие входы в метро в Париже, его работы также считаются очень влиятельными в современной архитектуре . Причины — его оригинальные планы этажей и революционное использование стали, железа и стекла. Виктор Орта / Wiki Commons

6. Луи Комфорт Тиффани

Луи Комфорт Тиффани (1848-1933) считается главным модерном . художник из США .Несмотря на то, что его самой известной работой считаются его витражи , он также создавал лампы, стеклянную мозаику, выдувное стекло, керамику, украшения, эмали и изделия из металла.

Примечательно, что он начинал как пейзажист и получил академическое образование живописи в 1860-х . Он начал заниматься производством стекла около 1875 года , а позже работал в различных теплицах в районе Нью-Йорка и стал одним из самых известных членов престижной группы художников, именуемой « Associated Artists ».В конце концов он управлял бизнесом, который основал его отец, под названием Tiffany & Co. Louis Comfort Tiffany / Wiki Commons

Пять невероятных художников в стиле ар-деко

Ар-деко с его строгими геометрическими формами, чистыми линиями и яркими цветами — одно из самых узнаваемых направлений дизайна всех времен. Вы можете увидеть его элементы практически повсюду — от архитектуры до мебели, ювелирных изделий и всего, что между ними. Фактически, некоторые из самых известных зданий в мире построены в стиле ар-деко, включая Chrysler Building и Radio City Music Hall.

Термин «ар-деко» впервые был использован в середине 1920-х годов, когда архитектор Ле Корбюзье озаглавил серию своих статей о Международной выставке декоративного искусства и современной промышленности «Выставка 1925 года: Ар-деко». Однако только в 1968 году этот термин стал популярным, когда историк Бевис Хиллиер опубликовал книгу под названием «Ар-деко 20-х и 30-х годов».

Стиль, на который сильно повлияли кубизм, конструктивизм, футуризм, ар-нуво и, возможно, даже египетское и ацтекское искусство, был модным на протяжении 1920-х и 1930-х годов.Однако в конце 1930-х — начале 1940-х годов его популярность снизилась, поскольку он считался слишком экстравагантным для военного времени.

Ниже я перечислил пять моих любимых художников ар-деко и несколько их работ. Наслаждаться!

Рене Лалик

Рене Лалик (1860-1945) был французским художником по стеклу, который наиболее известен своими украшениями, вазами, украшениями для капюшонов, флаконами для духов, люстрами и часами. Брошь в виде стрекозы, показанная ниже, вероятно, моя любимая из его работ.

Тамара де Лемпицка

Тамара де Лемпицка (1898-1980) — одна из моих самых любимых художников. Мне очень нравится ее смелое использование цвета и угловатая композиция, которую часто можно увидеть в ее произведениях. Ее стиль легко узнаваем, иногда его называют «мягким кубизмом».

Пол Мэншип

Пол Мэншип (1885-1966) — известный скульптор, работы которого можно найти в бесчисленных музеях и общественных местах по всей территории Соединенных Штатов.Возможно, его самая известная работа — это Прометей, большой фонтан в Рокфеллер-центре.

Жорж Барбье

Жорж Барбье (1882-1932) — французский иллюстратор, наиболее известный своими модными иллюстрациями. На протяжении своей карьеры он также пробовал свои силы в дизайне костюмов, украшений, стекла и обоев. Кроме того, он написал ряд статей для французского журнала мод La Gazette du Bon Ton .

Hildreth Meière

Хильдрет Мейер (1892–1961) был одним из самых плодовитых художников ар-деко, создавшим множество выдающихся работ по всей территории Соединенных Штатов.Некоторые из ее самых известных произведений включают медальоны на Radio City Music Hall, ряд панно и мозаику в здании Капитолия штата Небраска, потолок собора Сент-Луис и часовню Воскресения в Национальном соборе в Вашингтоне, округ Колумбия.

Поделиться …

Art Deco — HiSoUR — Hi So You Are

🔊 Аудиочтение

Ар-деко, иногда называемое деко, — это стиль изобразительного искусства, архитектуры и дизайна, впервые появившийся во Франции незадолго до Первой мировой войны.Ар-деко повлиял на дизайн зданий, мебели, ювелирных изделий, моды, автомобилей, кинотеатров, поездов, океанских лайнеров и повседневных предметов, таких как радио и пылесосы. Свое название, сокращенно от Arts Décoratifs, он получил от Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes), проходившей в Париже в 1925 году. Он сочетал в себе стили модерн с прекрасным мастерством и богатыми материалами. В период своего расцвета ар-деко олицетворял роскошь, гламур, изобилие и веру в социальный и технический прогресс.

Ар-деко представлял собой сочетание множества разных стилей, иногда противоречащих друг другу, объединенных стремлением быть современным. С самого начала ар-деко находился под влиянием смелых геометрических форм кубизма; яркие краски фовизма и русского балета; обновленное мастерство мебели эпох Людовика Филиппа и Людовика XVI; и экзотические стили Китая и Японии, Индии, Персии, Древнего Египта и искусства майя. В нем использовались редкие и дорогие материалы, такие как черное дерево и слоновая кость, а также изысканное мастерство.Крайслер-билдинг и другие небоскребы Нью-Йорка, построенные в 1920-1930-х годах, являются памятниками стиля ар-деко.

Живопись:
На выставке 1925 года под живопись не было выделено ни одного раздела. Живопись ар-деко по определению была декоративной, предназначенной для украшения комнаты или архитектурного произведения, поэтому немногие художники работали исключительно в этом стиле, но два художника тесно связаны с ар-деко. Жан Дюпа написал фрески в стиле ар-деко для павильона Бордо на выставке декоративного искусства 1925 года в Париже, а также нарисовал картину над камином на выставке Maison de la Collectioneur на выставке 1925 года, на которой была представлена ​​мебель Рульмана и других известных дизайнеров ар-деко. .Его фрески также были заметны в декоре французского океанского лайнера SS Normandie. Его работы носили чисто декоративный характер, служили фоном или аккомпанементом к другим элементам декора. Другой художник, тесно связанный со стилем, — Тамара де Лемпицка. Она родилась в Польше в аристократической семье, после революции в России эмигрировала в Париж. Там она стала ученицей художника Мориса Дени из движения Les Nabis и кубиста Андре Лота и позаимствовала многие элементы из их стилей.Она писала почти исключительно портреты в реалистичном, динамичном и красочном стиле ар-деко.

В 1930-х годах в США появилась новая драматическая форма живописи ар-деко. Во время Великой депрессии был создан Федеральный художественный проект Управления прогресса работ, чтобы дать работу безработным художникам. Многим было поручено украсить правительственные здания, больницы и школы. В фресках не использовался особый стиль ар-деко; художники, занимавшиеся росписью фресок в правительственных зданиях, происходили из самых разных школ, от американского регионализма до соцреализма; среди них были Реджинальд Марш, Рокуэлл Кент и мексиканский художник Диего Ривера.Фрески были в стиле ар-деко, потому что все они были декоративными и связаны с деятельностью в здании или городе, где они были нарисованы: Реджинальд Марш и Рокуэлл Кент украшали почтовые здания США и изображали почтовых служащих за работой, а Диего Ривера изображал рабочих автомобильного завода. Детройтский институт искусств. На фреске Диего Риверы «Американский прогресс» для Рокфеллер-центра изображен несанкционированный портрет Ленина. Когда Ривера отказался убрать Ленина, картина была уничтожена, а испанский художник Хосеп Мария Серт написал новую фреску.

Скульптура:
Большая часть скульптуры периода ар-деко была, как следует из названия, чисто декоративной; он был разработан не для музеев, а для украшения офисных зданий, правительственных зданий, общественных площадей и частных салонов. Это почти всегда были изображения, обычно героические или аллегорические фигуры, связанные с назначением здания; темы обычно выбирались меценатом, а абстрактная скульптура для украшения была крайне редкой. Его часто прикрепляли к фасадам зданий, особенно над входом.

Аллегорические скульптуры танца и музыки Антуана Бурделя были важной декоративной особенностью самой ранней достопримечательности в стиле ар-деко в Париже, Театра Елисейских полей в Париже в 1912 году. Скульптор Аристид Майоль заново изобрел классический идеал для своей статуи. Река (1939), сейчас находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке. В 1930-х годах целая команда скульпторов создала скульптуру для Международной выставки искусства и техники 1937 года в Шайо.Здания Экспозиции были покрыты барельефной скульптурой, статуями. Альфред Жанниот выполнил рельефные скульптуры на фасаде Токийского дворца. Парижский городской музей современного искусства и эспланада перед Дворцом Шайо напротив Эйфелевой башни были заполнены новыми скульптурами Чарльза Малфрея, Генри Арнольда и многих других.

В Соединенных Штатах многие европейские скульпторы, прошедшие обучение в Школе изящных искусств в Париже, приехали работать; среди них был Гутзон Борглум, скульптор Мемориала Линкольна на горе Рашмор.Другие американские скульпторы, в том числе Гарриет Уитни Фришмут, учились у Огюста Родена в Париже. Обвал фондового рынка 1929 года в значительной степени разрушил рынок монументальной скульптуры, но остался один грандиозный проект; новый Рокфеллер-центр. Американские скульпторы Ли Лори и Пол Мэншип создали героические аллегорические фигуры для фасада и площади. В Сан-Франциско Ральф Стэкпол создал скульптуру для фасада нового здания фондовой биржи Сан-Франциско.

Одна из самых известных и, безусловно, самая крупная скульптура в стиле ар-деко — это Христос-Искупитель работы французского скульптора Поля Ландовски, построенная между 1922 и 1931 годами и расположена на вершине горы с видом на Рио-де-Жанейро, Бразилия.Франсуа Помпон был пионером современной стилизованной анималистической скульптуры. Он не был полностью признан за свои художественные достижения до 67 лет в Осеннем салоне 1922 года с работой Ours blanc, также известной как The White Bear, которая сейчас находится в Музее Орсе в Париже.

Многие ранние скульптуры в стиле ар-деко были небольшого размера и предназначались для украшения салонов. Один из жанров этой скульптуры назывался статуэткой Хризелефантины, названной в честь стиля древнегреческих храмовых статуй, сделанных из золота и слоновой кости.Одним из самых известных скульпторов салонов ар-деко был уроженец Румынии Деметре Чипарус, создавший красочные маленькие скульптуры танцоров. Среди других известных скульпторов салона были Фердинанд Прейсс, Йозеф Лоренцль, Александр Келети, Доротея Шароль и Густав Шмидкассель.

Параллельно с неоклассическими скульпторами в Париже и Нью-Йорке работали более авангардные и абстрактные скульпторы. Самыми известными были Константин Бранкузи, Жозеф Чаки, Александр Архипенко, Анри Лоран, Жак Липшиц, Густав Миклош, Жан Ламберт-Раки, Ян и Жоэль Мартель, Хана Орлофф и Пабло Гаргалло.

Графика:
Стиль ар-деко появился в изобразительном искусстве рано, незадолго до Первой мировой войны. Он появился в Париже на плакатах и ​​эскизах костюмов Леона Бакста для Русского балета, а также в каталогах театра. модельеры Поль Пуаре. Иллюстрации Жоржа Барбье и Жоржа Лепапа, а также изображения в модном журнале La Gazette du bon ton прекрасно передали элегантность и чувственность стиля. В 1920-х годах внешний вид изменился; подчеркнутая мода была более повседневной, спортивной и смелой, а женщины-модели обычно курили сигареты.Американские модные журналы, такие как Vogue, Vanity Fair и Harper’s Bazaar, быстро подхватили новый стиль и популяризировали его в Соединенных Штатах. Это также повлияло на работу американских книжных иллюстраторов, таких как Рокуэлл Кент. В Германии самым известным художником плаката того периода был Людвиг Хольвайн, который создавал красочные и драматические плакаты для музыкальных фестивалей, пива и, в конце своей карьеры, для нацистской партии.

В период модерна плакаты обычно рекламировали театральные постановки или кабаре.В 20-е годы прошлого века большой популярностью пользовались туристические плакаты для пароходов и авиакомпаний. Стиль заметно изменился в 1920-х годах, чтобы сосредоточить внимание на рекламируемом продукте. Изображения стали более простыми, точными, более линейными, более динамичными и часто размещались на однотонном фоне. Во Франции среди популярных дизайнеров ар-деко были Шарль Лупо и Поль Колин, прославившиеся своими плакатами с изображением американской певицы и танцовщицы Жозефины Бейкер. Жан Карлу разработал плакаты для фильмов, сериалов и театров Чарли Чаплина; в конце 1930-х он эмигрировал в Соединенные Штаты, где во время мировой войны разработал плакаты, поощряющие военное производство.Дизайнер Чарльз Гесмар прославился созданием плакатов для певицы Мистингетт и для Air France. Среди самых известных французских дизайнеров плакатов в стиле ар-деко был Кассандр, создавший знаменитый плакат океанского лайнера SS Normandie в 1935 году.

В 1930-е годы в США во время Великой депрессии появился новый жанр плаката. Федеральный художественный проект нанял американских художников для создания плакатов, рекламирующих туризм и культурные мероприятия.

Архитектура:
Архитектурный стиль ар-деко дебютировал в Париже в 1903-04 годах, когда в Париже были построены два жилых дома: один Огюстом Перре на улице Третень, а другой на улице Бенджамина Франклина Анри Соважем.Два молодых архитектора впервые применили железобетон в жилых домах Парижа; у новостроек были четкие линии, прямоугольные формы и отсутствие декора на фасадах; они отметили полный разрыв со стилем модерн. Между 1910 и 1913 годами Перре использовал свой опыт в бетонных многоквартирных домах, чтобы построить Театр Елисейских полей на авеню Монтень 15. В период с 1925 по 1928 год он построил новый фасад в стиле ар-деко универмага La Samaritaine в Париже.

После Первой мировой войны здания в стиле ар-деко из стали и железобетона начали появляться в крупных городах Европы и США. В Соединенных Штатах этот стиль чаще всего использовался для офисных зданий, правительственных зданий, кинотеатров и железнодорожных станций. Иногда его сочетали с другими стилями; Мэрия Лос-Анджелеса объединила ар-деко с крышей, основанной на древнегреческом мавзолее в Галикарнасе, в то время как железнодорожная станция Лос-Анджелеса объединила деко с архитектурой испанской миссии.Элементы ар-деко также появились в инженерных проектах, включая башни моста Золотые ворота и водозаборные башни плотины Гувера. В 1920-х и 1930-х годах он стал поистине интернациональным стилем, примерами которого стали Дворец изящных искусств (Palacio de Bellas Artes) в Мехико Федерико Марискаль (es), станция метро «Маяковская» в Москве и здание Национального сейма в Токио. Ватанабэ Фукузо.

Стиль ар-деко не ограничивался постройками на суше; Океанский лайнер SS Normandie, первый рейс которого состоялся в 1935 году, отличался дизайном в стиле ар-деко, в том числе столовой, потолок и отделка которой были сделаны из стекла Лаликом.

Дворцы кино:
Многие из лучших сохранившихся примеров ар-деко — кинотеатры, построенные в 1920-х и 1930-х годах. Период ар-деко совпал с преобразованием немого кино в звуковое, и кинокомпании построили огромные кинотеатры в крупных городах, чтобы привлечь внимание огромной аудитории, пришедшей посмотреть фильмы. Кинодворцы 1920-х годов часто сочетали экзотические темы со стилем ар-деко; Египетский театр Граумана в Голливуде (1922) был вдохновлен древними египетскими гробницами и пирамидами, а театр Фокса в Бейкерсфилде, Калифорния, пристроил башню в стиле Калифорнийской миссии к залу в стиле ар-деко.Самым большим из них является Radio City Music Hall в Нью-Йорке, который открылся в 1932 году. Первоначально спроектированный как сценический театр, он быстро превратился в кинотеатр, вмещающий 6015 человек. В дизайне интерьера Дональда Дески использовались стекло, алюминий, хром и кожа, чтобы создать красочный побег от реальности. Театр Paramount в Окленде, штат Калифорния, работы Тимоти Пфлюгера, имел красочный керамический фасад, вестибюль высотой в четыре этажа и отдельные курительные комнаты в стиле ар-деко для джентльменов и дам.Подобные величественные дворцы появились и в Европе. Гранд Рекс в Париже (1932 г.) с его внушительной башней был крупнейшим кинотеатром в Европе. В кинотеатре Gaumont State Cinema в Лондоне (1937 г.) была башня, построенная по образцу Эмпайр-стейт-билдинг, покрытая керамической плиткой кремового цвета, а интерьер выполнен в стиле ар-деко-итальянского ренессанса. Театр Paramount в Шанхае, Китай (1933) изначально был построен как танцевальный зал под названием «Врата 100 удовольствий»; после коммунистической революции 1949 года он был преобразован в кинотеатр, а сейчас здесь бальный зал и дискотека.В 1930-х годах итальянские архитекторы построили небольшой кинотеатр Cinema Impero в Асмэре на территории нынешней Эритреи. Сегодня многие кинотеатры разделены на мультиплексы, но другие отреставрированы и используются как культурные центры в своих общинах.

Streamline Moderne:
В конце 1930-х годов стали распространены новые разновидности архитектуры ар-деко; он назывался Streamline Moderne или просто Streamline, или во Франции Style Paqueboat, или стиль Ocean Liner. Здания в стиле имели закругленные углы, длинные горизонтальные линии; они были построены из железобетона и почти всегда были белыми; и иногда имел морские особенности, такие как перила, которые напоминали перила на корабле.Закругленный угол не был чем-то новым; он появился в Берлине в 1923 году в Моссхаусе Эриха Мендельсона, а затем в Hoover Building, промышленном комплексе в пригороде Лондона Перивал. В Соединенных Штатах это стало наиболее тесно связано с транспортом; Современный обтекаемый стиль редко использовался в офисных зданиях, но часто использовался для автобусных станций и терминалов аэропортов, таких как терминал в аэропорту Ла-Гуардиа в Нью-Йорке, который обслуживал первые трансатлантические рейсы на летающих лодках PanAm clipper; и в придорожной архитектуре, например, на заправочных станциях и в закусочных.В конце 1930-х годов в городах Новой Англии были произведены и установлены серии закусочных, смоделированных по образцу модернизированных железнодорожных вагонов; по крайней мере два экземпляра все еще сохранились и теперь являются зарегистрированными историческими зданиями.

Декор и мотивы:
Декор в период ар-деко прошел несколько этапов. Между 1910 и 1920 годами, когда ар-нуво исчерпал себя, стили дизайна вернулись к традициям, особенно в творчестве Поля Ирибе. В 1912 году Андре Вера опубликовал в журнале L’Art Décoratif эссе, в котором призвал вернуться к мастерству и материалам прошлых веков и использовать новый репертуар природных форм, в частности корзин и гирлянд из фруктов и цветов.Вторая тенденция ар-деко, также с 1910 по 1920 год, была вдохновлена ​​яркими красками художественного движения, известного как фов, а также красочными костюмами и декорациями Русских балетов. Этот стиль часто выражался экзотическими материалами, такими как кожа акулы, перламутр, слоновая кость, тонированная кожа, лакированное и окрашенное дерево, а также декоративные вставки на мебели, подчеркивающие ее геометрию. Этот период стиля достиг своего апогея в Парижской выставке декоративного искусства 1925 года. В конце 1920-х — 1930-х годах стиль декора изменился, вдохновившись новыми материалами и технологиями.Он стал более гладким и менее декоративным. Мебель, как и архитектура, стала иметь закругленные края и приобрела изысканный, обтекаемый вид, взятый из обтекаемого современного стиля. В мебели и отделке стали появляться новые материалы, такие как хромированная сталь, алюминий и бакелит, одна из первых форм пластика.

На протяжении всего периода ар-деко, особенно в 1930-е годы, мотивы декора выражали функцию здания. Театры были украшены скульптурой, изображающей музыку, танец и волнение; энергетические компании показывали рассветы, здание Крайслера — стилизованные орнаменты на капоте; На фризах Пале-де-ла-Порт-Доре на Парижской колониальной выставке 1931 года были изображены лица различных национальностей французских колоний.Стиль Streamline создавал впечатление, что само здание находится в движении. На фресках WPA 1930-х годов изображены обычные люди; фабричные рабочие, почтовые работники, семьи и фермеры вместо классических героев.

Мебель:
Французская мебель с 1910 до начала 1920-х годов была в значительной степени обновлением французских традиционных стилей мебели и дизайнов модерна Луи Мажореля, Шарля Плюме и других производителей. Французские производители мебели чувствовали угрозу из-за растущей популярности немецких производителей и стилей, особенно стиля бидермейер, который был простым и четким.Французский дизайнер Франц Журден, президент Парижского Осеннего салона, пригласил дизайнеров из Мюнхена принять участие в Салоне 1910 года. Французские дизайнеры увидели новый немецкий стиль и решили ответить на немецкий вызов. Французские дизайнеры решили представить новые французские стили в Салоне 1912 года. Правила Салона указывали, что разрешены только современные стили. В Салоне приняли участие все ведущие французские дизайнеры мебели: Поль Фолло, Поль Ирибе, Морис Дюфрен, Андре Гро, Андре Мар и Луи Сюэ, представив новые работы, обновившие традиционные французские стили Людовика XVI и Луи Филиппа с более угловатыми формами. углы, вдохновленные кубизмом, и более яркими цветами, вдохновленными фовизмом и наби.

Художник Андре Маре и дизайнер мебели Луи Суэ участвовали в Салоне 1912 года. После войны двое мужчин объединились, чтобы сформировать свою собственную компанию, официально названную Compagnie des Arts Française, но обычно известную просто как Suë and Mare. В отличие от выдающихся дизайнеров ар-нуво, таких как Луи Мажорель, которые лично проектировали каждое изделие, они собрали команду опытных мастеров и произвели полный дизайн интерьера, включая мебель, изделия из стекла, ковры, керамику, обои и освещение.В их работах использовались яркие цвета, мебель и ценные породы дерева, например, черное дерево, инкрустированное перламутром, морским ушком и посеребренным металлом, для создания букетов цветов. Они проектировали все, от интерьеров океанских лайнеров до флаконов для духов для лейбла Жана Пату. Фирма процветала в начале 1920-х годов, но эти двое были лучшими мастерами, чем бизнесменами. Фирма была продана в 1928 году, и оба мужчины ушли.

Самым выдающимся дизайнером мебели на выставке декоративного искусства 1925 года был Эмиль-Жак Рульманн из Эльзаса.Сначала он выставлял свои работы в Осеннем салоне 1913 года, затем имел свой павильон «Дом богатого коллекционера» на выставке 1925 года. Он использовал только самые редкие и дорогие материалы, в том числе эбеновое дерево, красное дерево, палисандр, амвон и другие экзотические породы дерева, украшенные инкрустациями из слоновой кости, панциря черепахи, перламутра. Маленькие помпоны из шелка украшали ручки ящиков шкафов. Его мебель была основана на моделях 18 века, но была упрощена и изменена. Во всех его работах внутренняя структура мебели была полностью скрыта.Каркас, как правило, из дуба, был полностью покрыт накладкой из тонких полос дерева, затем покрыт вторым слоем полос из редких и дорогих пород дерева. Затем это было покрыто шпоном и отполировано, так что кусок выглядел так, как будто он был вырезан из цельного куска дерева. Контраст темному дереву придали вставки из слоновой кости, а также ключевые пластины и ручки из слоновой кости. По словам Рульмана, кресла нужно было разрабатывать по-разному в зависимости от функций комнат, в которых они появились; кресла для гостиной были спроектированы так, чтобы быть гостеприимными, офисные кресла — удобными, а кресла для салона — роскошными.Было изготовлено лишь небольшое количество предметов мебели каждого дизайна, и средняя цена одной из его кроватей или шкафов была выше, чем цена среднего дома.

Жюль Лелеу был традиционным дизайнером мебели, который плавно перешел в ар-деко в 1920-х годах; он спроектировал мебель для столовой Елисейского дворца и первоклассных кают парохода «Нормандия». Для его стиля характерно использование черного дерева, дерева макассар, ореха, с декором бляшек из слоновой кости и перламутра.Он ввел стиль лакированной мебели в стиле ар-деко в конце 1920-х годов, а в конце 1930-х представил мебель из металла с панелями из дымчатого стекла. В Италии дизайнер Джио Понти был известен своими обтекаемыми формами. В США

Дорогая и экзотическая мебель Рульманн и другие традиционалисты привели в ярость модернистов, в том числе архитектора Ле Корбюзье, заставив его написать знаменитую серию статей, осуждающих стиль декоративного искусства. Он напал на мебель, предназначенную только для богатых, и призвал дизайнеров создавать мебель из недорогих материалов в современном стиле, доступном обычным людям.Он разработал собственные стулья, которые были недорогими и производились серийно.

В 1930-х годах дизайн мебели адаптировался к форме, с более гладкими поверхностями и изогнутыми формами. Среди мастеров позднего стиля Дональд Дески был одним из самых влиятельных дизайнеров; он создал интерьер Radio City Music Hall. Он использовал смесь традиционных и очень современных материалов, включая алюминий, хром и бакелит, одну из первых форм пластика.

Дизайн:
Streamline — это разновидность ар-деко, появившаяся в середине 1930-х годов.На него повлияли современные принципы аэродинамики, разработанные для авиации и баллистики, чтобы уменьшить трение воздуха на высоких скоростях. Формы пули были применены дизайнерами к автомобилям, поездам, кораблям и даже к объектам, не предназначенным для передвижения, таким как холодильники, газовые насосы и здания. Одним из первых серийных автомобилей в этом стиле был Chrysler Airflow 1933 года. Он не имел коммерческого успеха, но красота и функциональность его дизайна создали прецедент; означало современность. Он продолжал использоваться в автомобильном дизайне даже после Второй мировой войны.

Новые промышленные материалы стали влиять на дизайн автомобилей и бытовых предметов. К ним относятся алюминий, хром и бакелит, одна из первых форм пластика. Бакелиту можно было легко придать различные формы, и вскоре он стал использоваться в телефонах, радиоприемниках и других устройствах.

Лайнеры

Ocean также приняли стиль ар-деко, известный по-французски как Style Paquebot, или «стиль Ocean Liner». Самым известным примером был SS Normandie, который совершил свой первый трансатлантический рейс в 1935 году.Он был разработан специально для того, чтобы привозить в Париж богатых американцев за покупками. Каюты и салоны обставлены современной мебелью и декором в стиле ар-деко. Большой салон корабля, который был рестораном для пассажиров первого класса, был больше Зеркального зала Версальского дворца. Он был освещен электрическими лампами внутри двенадцати столбов из хрусталя Lalique; Стены выстроились из тридцати шести одинаковых столбов. Это был один из первых примеров непосредственной интеграции освещения в архитектуру.Стиль кораблей вскоре был адаптирован к постройкам. Ярким примером является набережная Сан-Франциско, где здание Морского музея, построенное как общественная баня в 1937 году, напоминает паром с перилами и закругленными углами. Паромный терминал Star в Гонконге также использовал вариацию стиля.

Ювелирные изделия:
В 1920-х и 1930-х годах дизайнеры, включая Рене Лалика и Картье, пытались уменьшить традиционное доминирование бриллиантов, добавляя более красочные драгоценные камни, такие как маленькие изумруды, рубины и сапфиры.Они также сделали больший акцент на очень сложной и элегантной обстановке с использованием менее дорогих материалов, таких как эмаль, стекло, рог и слоновая кость. Сами бриллианты были огранены в менее традиционных формах; На выставке 1925 года было представлено большое количество бриллиантов, ограненных в виде крошечных стержней или спичек. Также изменились настройки для бриллиантов; Все чаще ювелиры использовали платину вместо золота, так как она была прочной и гибкой и могла оправлять группы камней. Ювелиры также стали использовать более темные материалы, такие как эмаль и черный оникс, которые обеспечивали более высокий контраст с бриллиантами.

Украшения стали намного красочнее и разнообразнее по стилю. Cartier и фирма Boucheron объединили бриллианты с другими красочными драгоценными камнями, вырезанными в форме листьев, фруктов или цветов. изготовление брошей, колец, сережек, зажимов и кулонов также стала популярной; бляшки из нефрита и коралла сочетались с платиной и бриллиантами, а косметички, портсигары и пудреницы украшались японскими и китайскими пейзажами, выполненными перламутром, эмалью и лаком.

Быстро меняющаяся мода на одежду принесла с собой новые стили ювелирных украшений. Платья без рукавов 1920-х годов означали, что оружие нуждалось в украшении, и дизайнеры быстро создали браслеты из золота, серебра и платины, инкрустированные лазуритом, ониксом, кораллами и другими красочными камнями; Другие браслеты предназначались для верхней части рук, и несколько браслетов часто носили одновременно. Короткие стрижки женщин двадцатых годов требовали тщательно продуманного дизайна сережек. Когда женщины начали курить в общественных местах, дизайнеры создали очень изысканные портсигары и мундштуки цвета слоновой кости.Изобретение наручных часов перед Первой мировой войной вдохновило ювелиров на создание необычно украшенных часов, инкрустированных бриллиантами и покрытых эмалью, золотом и серебром. В моду вошли и часы-подвески, подвешенные на ленточке.

Известные ювелирные дома Парижа того периода — Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin и Van Cleef & Arpels — создавали украшения и предметы по новой моде. Фирма Chaumet изготавливала коробки для сигарет, зажигалки, доты и записные книжки с высокой геометрической формой из твердых камней, украшенных нефритом, лазуритом, бриллиантами и сапфирами.К ним присоединилось множество молодых дизайнеров, у каждого из которых было свое представление о декоре. Раймонд Темплиер разработал изделия с очень замысловатыми геометрическими узорами, в том числе серебряные серьги, похожие на небоскребы. Джерарду Сандосу было всего 18 лет, когда он начал заниматься дизайном ювелирных украшений в 1921 году; он разработал множество знаменитых изделий, основанных на гладком и отполированном виде современного оборудования. Художник по стеклу Рене Лалик также вошел в эту область, создав подвески из фруктов, цветов, лягушек, фей русалок из скульптурного стекла ярких цветов, подвешенных на шнурах из шелка с кисточками.Ювелир Поль Брандт противопоставил прямоугольные и треугольные узоры, а также встроил жемчуг в линии на бляшках из оникса. Жан Депре создавал ожерелья контрастных цветов, сочетая серебро и черный лак, или золото с лазуритом. Многие из его дизайнов выглядели как отполированные до блеска машины. Жан Дюнан также был вдохновлен современной техникой в ​​сочетании с яркими красными и черными цветами, контрастирующими с полированным металлом.

Искусство из стекла:
Как и предшествующий период ар-нуво, ар-деко был исключительным периодом для прекрасного стекла и других декоративных предметов, приспособленных к их архитектурному окружению.Самым известным производителем стеклянных предметов был Рене Лалик, работы которого, от ваз до украшений капотов для автомобилей, стали символами того времени. Перед Первой мировой войной он занимался изготовлением стекла, создавая флаконы для духов Франсуа Коти, но серьезным производством художественного стекла он не занимался до окончания Первой мировой войны. В 1918 году, в возрасте 58 лет, он купил большой стакан. работает в Комб-ла-Виль и начинает производить как художественные, так и практические изделия из стекла. Он рассматривал стекло как форму скульптуры и создавал статуэтки, вазы, чаши, лампы и украшения.Он использовал полукристалл, а не кристалл свинца, который был мягче и легче формировался, хотя и не был таким блестящим. Иногда он использовал цветное стекло, но чаще использовал опалесцирующее стекло, где часть или вся внешняя поверхность была окрашена смывкой. Lalique предоставил декоративные стеклянные панели, светильники и стеклянные потолки с подсветкой для океанских лайнеров SS Ile de France в 1927 году и SS Normandie в 1935 году, а также для некоторых первоклассных спальных вагонов французских железных дорог. На выставке декоративного искусства 1925 года у него был собственный павильон, он спроектировал столовую со столом и подходящим стеклянным потолком для павильона Севр, а также спроектировал стеклянный фонтан для внутреннего двора Cours des Métier, тонкую стеклянную колонну, которая с боков хлестала вода и ночью светилась.

Среди других известных производителей стекла в стиле ар-деко был Мариус-Эрнест Сабино, который специализировался на фигурках, вазах, чашах и стеклянных скульптурах рыб, обнаженных тел и животных. Для этого он часто использовал опалесцирующее стекло, цвет которого мог меняться от белого до синего или янтарного, в зависимости от света. Его вазы и чаши были украшены лепными фризами с изображениями животных, обнаженных тел или бюстов женщин с фруктами или цветами. Его работы были менее тонкими, но более красочными, чем у Лалика.

Среди других известных дизайнеров стекла Deco были Эдмонд Этлинг, который также использовал яркие опалесцирующие цвета, часто с геометрическими узорами и скульптурными элементами обнаженной натуры; Альбер Симоне, Аристид Колотт и Морис Марино, который был известен своими скульптурными бутылками и вазами с глубокой гравировкой.Фирма Даума из города Нанси, которая была известна своим стеклом в стиле ар-нуво, произвела линию ваз в стиле ар-нуво и стеклянных скульптур, массивных, геометрических и массивных. Более изящные разноцветные работы были выполнены Габриэлем Арги-Руссо, который создавал изящно раскрашенные вазы со скульптурными бабочками и нимфами, и Франсуа Декершемоном, чьи вазы были с полосами и мрамором.

Великая депрессия разрушила большую часть индустрии декоративного стекла, которая зависела от богатых клиентов.Некоторые художники обратились к оформлению витражей для церквей. В 1937 году стекольная компания Steuben начала практику заказа по заказу известных художников для производства стеклянной посуды. Луи Мажорель, известный своей мебелью в стиле ар-нуво, спроектировал замечательный витраж в стиле ар-деко с изображением рабочих-сталелитейщиков для офиса Aciéries de Longwy, сталелитейного завода в Лонгви, Франция.

Искусство из металла:
Художники ар-деко создали широкий спектр практических предметов в стиле ар-деко, сделанных из промышленных материалов от традиционного кованого железа до хромированной стали.Американский художник Норман Бел Геддес создал коктейльный набор в виде небоскреба из хромированной стали. Раймонд Субес разработал элегантную металлическую решетку для входа во Дворец Порт-Доре, центральный элемент Парижской колониальной выставки 1931 года. Французский скульптор Жан Дюнан создал великолепные двери на тему «Охота», покрытые сусальным золотом и расписанные по гипсу (1935).

Источники вдохновения:
Ар-деко — это не единый стиль, а совокупность различных, а иногда и противоречащих друг другу стилей.В архитектуре ар-деко был преемником и реакцией на модерн, стиль, который процветал в Европе между 1895 и 1900 годами, а также постепенно вытеснил изящное искусство и неоклассицизм, которые преобладали в европейской и американской архитектуре. В 1905 году Эжен Грассе написал и опубликовал Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, в котором он систематически исследовал декоративные (орнаментальные) аспекты геометрических элементов, форм, мотивов и их вариаций в отличие от (и в качестве отхода) от волнистого искусства. Стиль модерн Гектора Гимара, столь популярный в Париже несколькими годами ранее.Грассе подчеркивал принцип, согласно которому различные простые геометрические формы, такие как треугольники и квадраты, являются основой всех композиционных композиций. Железобетонные здания Огюста Перре и Анри Соважа, и особенно Театр Елисейских полей, предложили новую форму строительства и декора, которая была скопирована во всем мире.

В декоре ар-деко заимствовано и использовалось множество различных стилей. Среди них были произведения древнерусского искусства со всего мира, которые можно увидеть в Музее Лувра, Музее человека и Национальном музее искусств африканского и французского происхождения.Был также популярен интерес к археологии из-за раскопок в Помпеях, Трои и гробнице фараона 18-й династии Тутанхамона. Художники и дизайнеры объединили мотивы из Древнего Египта, Месопотамии, Греции, Рима, Азии, Месоамерики и Океании с элементами машинного века.

Другие заимствованные стили включали русский конструктивизм и итальянский футуризм, а также орфизм, функционализм и модернизм в целом. В ар-деко также использовались конфликтующие цвета и дизайн фовизма, особенно в работах Анри Матисса и Андре Дерена, которые вдохновляли дизайны тканей в стиле ар-деко, обоев и расписной керамики.Он взял идеи из лексики высокой моды того периода, в которой использовались геометрические узоры, шевроны, зигзаги и стилизованные букеты цветов. На него повлияли открытия в египтологии и растущий интерес к Востоку и африканскому искусству. Начиная с 1925 года, он часто вдохновлялся страстью к новым машинам, таким как дирижабли, автомобили и океанские лайнеры, а к 1930 году это влияние привело к созданию стиля, называемого обтекаемым модерном.

Из Википедии
Источник: https: // en.wikipedia.org/wiki/Art_Deco

Ар-деко

16 февраля 2018 — март 2020

Австралийская художественная галерея | Уровень 1
Вход бесплатный

В 1920-х годах австралийские художники восстали против суровости Первой мировой войны, чтобы создать образы богатой нации, наполненные сильными, молодыми фигурами, отражая витализм возрожденной нации.

Технологические достижения и урбанизация повлияли на появление ар-деко: новой эстетики в искусстве, архитектуре, дизайне и моде.Состоит полностью из произведений, выбранных из нашей коллекции, Art Deco представляет превосходные образцы австралийского витализма, в том числе архитектурный фриз Райнера Хоффа Deluge — давка низших богов 1927, Жан Брум-Нортон Изобилие 1934 и живопись Напьера Уоллера «Я опоясываю землю поясом» 1933, в котором запечатлено увлечение ар-деко соединением искусства, архитектуры и технологий.

Ар-деко в дизайне и повседневной жизни

Расцвет ар-деко как стиля в изобразительном искусстве, архитектуре, дизайне и моде в 1920-е гг. Во многом стал результатом появления модернизма и абстракции в первые десятилетия двадцатого века.Технологические достижения, такие как электричество, телефония, автомобили и авиаперевозки, в сочетании с урбанизацией общества, потребовали нового стиля, отражающего модернизацию нашего мира.

С его упрощенными формами и акцентом на геометрию и линии, Art Deco обеспечил эстетику того времени. Здания утратили свои декоративные украшения, мода стала менее структурированной и корсетной, и, прежде всего, женщины стали пользоваться большими свободами, такими как право голосовать и путешествовать без присмотра.Так образ стильной независимой женщины стал популярным в портретной живописи и графическом дизайне плакатов и рекламы.

Арт-деко был интернациональным стилем. Его популярность была обусловлена ​​модернистскими движениями в Европе и Америке, достигнув пика на Парижской международной выставке современного декоративного и промышленного искусства в 1925 году. Посвященные «современному» декоративному искусству, важным архитекторам было поручено спроектировать павильоны, внутри которых посетители находили необычный интерьер. Богатый рог изобилия модерна и дизайна ар-деко демонстрируется.В Австралии этот импульс был выражен в таких журналах, как The Home , который стал маяком современного стиля в Австралии, иллюстрируя многие объекты, фотографии и рекламные объявления, представленные на этой выставке.

Napier Waller «Я опоясываю землю поясом» 1933, холст, масло, Национальная галерея Австралии, Канберра © Estate of Napier Waller

Живопись и скульптура ар-деко

В то время как дизайн ар-деко и популярная культура воплощали в себе изысканность вежливости, не менее заметная траектория возникла из повышенного интереса к теософии, духовности и символизму.После непостижимых страданий Первой мировой войны художники и меценаты обращались к метафизическим концепциям, чтобы понять мир. Классическая греческая и римская мифология также содержала популярные повествования.

В Австралии этот стиль совпал с стремлением изобразить богатую и продуктивную нацию во время ее восстановления после жесткой экономии Первой мировой войны. В то время как изображения человеческих форм часто были стилизованы и урезаны, архетип молодого, сильного и плодовитого человека превратился в тенденцию, известную как «витализм».Архитектурные фризы, такие как впечатляющая рельефная скульптура Райнера Хоффа « Потоп — давка низших богов» , изобилуют моральными историями об опасностях искушения судьбы и оскорбления богов. Эту тему плодородия и мужественности повторяет поразительный рельеф, Abundance , Жан-Брума Нортона.

В Мельбурне замечательный архитектурный мозаичный фриз Napier Waller для здания в стиле ар-деко Newspaper House на Коллинз-стрит, «Я опоясываю землю» , был характерен для слияния искусства, архитектуры и технологий того времени. .Впервые с момента открытия NGA в 1982 году крупномасштабные холсты для мозаики были показаны в Канберре.

Эпоха ар-деко: 1920-1935 — Лилликоко

Что такое ар-деко?

Ар-деко был реакцией на движение ар-нуво конца 19-го и начала 20-го века, которое отличалось органичной извилистой эстетикой, которая подчеркивала геометрические формы в чистых, угловатых и симметричных формах с четко очерченными цветами. Этот стиль привносит простой декоративный дизайн в функциональные предметы.

Название является сокращением фразы Arts Décoratifs , взятой из Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes — художественной выставки, проходившей в Париже, Франция, в 1925 году. Сам стиль уже использовался на практике при создании коммерческих и общественные здания в Париже перед выставкой, но именно это событие привлекло внимание художников и эстетов всего мира к ар-деко.

Плакат для Международной выставки декоративного искусства и современной промышленности Роберта Бонфила, 1925 г.

На начальном этапе произведения искусства в стиле ар-деко излучали роскошь и гламур с использованием редких материалов (например,грамм. черное дерево, слоновая кость, рог, платина) и даже необычные предметы (например, шкуры зебры и акулы). Когда после 1929 года мир погрузился в агонию Великой депрессии, все чаще стали использоваться такие обычные материалы, как сталь, пластик, хром и стекло.

Art Deco черпал вдохновение из множества источников. На него сильно повлиял кубизм, художественный стиль, который разбил реальность на смелые геометрические формы, впервые предложенные Пабло Пикассо и Жоржем Браком в 1900-х годах. Искусство не из западного мира также сформировало эстетику ар-деко, особенно ацтекского и древнеегипетского происхождения.

Плакат «Век прогресса» Веймера Перселла, 1933 год

Чтобы передать дух прогресса, ар-деко обратился к машине. Глобальная индустриализация быстро изменила образ жизни людей, и художники того времени восхищались эффективностью массового производства и его влиянием на обычных людей.

Поезда, океанские лайнеры и автомобили были иконами индустрии, поэтому их дизайн впитался в формальную философию приверженцев ар-деко.

Ар-деко в изобразительном искусстве

Стремясь создавать искусство, захватывающее воображение масс, художники-графики широко использовали атмосферу современности, исходящую от ар-деко.

Плакат к Серебряному юбилею Фрэнка Ньюболда

Плакаты 1920-х и 30-х годов, рекламирующие путешествия, мероприятия и новейшие товары, приобрели все характеристики стиля, который в то время был известен как Art Moderne. «Бакенбарды» на колесах автомобилей и поездов олицетворяли движение вперед, а нанесенный аэрографией металл — перспективность технологий.

Обложка для The New Yorker, 1927

Обложки последних журналов раскрашены яркими однотонными цветами крупными блоками и параллельными линиями. Типографика была гладкой и смелой, посылая убедительные и простые сообщения своей аудитории.

После многовекового почитания высшего общества и публики изобразительное искусство живописи ушло из поля зрения на пике ар-деко. Поскольку основная цель стиля заключалась в том, чтобы выделить другие работы, картины были интегрированы в здания в качестве дополнения к работе, выполняемой в этих заведениях.

Почтовая служба в тропиках, Рокуэлл Кент, 1937 год

Многие из таких картин приняли форму фресок. Такие художники, как Жан Дюпа, Рокуэлл Кент и Диего Ривера, изображали людей в движении во времени и пространстве.

Девушка в перчатках, Тамара де Лемпицка, 1930

Тамара де Лемпицка была известна своими портретами богатых и знаменитых в стиле ар-деко.

Как еще одно классическое изобразительное искусство, скульптура нашла больше применения в высокофункциональных дизайнерских целях ар-деко.

Cristo Redentor, разработанный Полом Ландовски, 1922-1931 гг.

Статуи вырисовываются и поэтому требуют внимания, хорошо сочетаясь с поразительными фигурами, которые архитектура того времени навязывала оживленным городам и шумным общественным местам. Никакая другая подобная скульптура не выделялась больше, чем скульптура Христа-Искупителя Пола Ландовски, возвышающаяся над жителями Рио-де-Жанейро с вершины горы Корковадо.

Скульптуры в стиле ар-деко гораздо меньшего размера также оказали влияние на их окрестности.Салоны и вестибюли частных фирм были украшены статуэтками и барельефами, изображающими людей в идеализированных, героических позах.

Архитектура ар-деко

К 1920-м годам индустриализация превратила города в торговые, жилые и развлекательные центры. Здания в этих городах служили не только физическими структурами для размещения людей и предприятий, но и монолитными символами прогресса, обещая, что будущее — это то, чего стоит ожидать, особенно после Первой мировой войны.Ар-деко продал это видение во всем его великолепии и обещании.

Эмпайр-стейт-билдинг Шрива, Лэмба и Хармона, 1931 год

Воплощением духа современности в области архитектуры были небоскребы, возведенные в крупных городах Америки. Нью-Йорк гордился одними из самых высоких построек, и все они были спроектированы в стиле ар-деко. Несомненно, наиболее символичным из них был Эмпайр-стейт-билдинг, но двумя другими известными примерами являются Крайслер-билдинг и Рокфеллер-центр.Все они демонстрируют силу чистых линий, поднимающихся высоко и украшенных наверху шпилями и геометрическими узорами.

Развлекательные заведения привлекли внимание публики смелыми яркими цветами в прямолинейных параллельных линиях и грандиозными интерьерами. Фильм был большой достопримечательностью, поскольку включение звука стало только коммерчески жизнеспособным. Таким образом, кинотеатры должны были вместить больше зрителей. Были построены «дворцы кино», некоторые из которых вмещали тысячи человек.

Египетский театр Граумана по проекту Сида Граумана, 1922 год

Отель Grand Rex в Париже представлял собой башню, типичную для архитектуры ар-деко. Египетский театр Граумана в Голливуде, как следует из названия, был построен с широким использованием египетских образов, торгующих экзотикой, чтобы перенести кинозрителей в другой мир.

Между тем,

Radio City Music Hall в Нью-Йорке в первые годы своего существования мог принять впечатляющих 6015 человек, и он до сих пор остается нетронутым, как и при открытии в 1932 году.

Лифт Крайслер-билдинг, 1930 год

Столь же примечательной была вместимость этих зданий и внутреннее убранство их залов.

Комбинации цветного мрамора и керамики с витражами и полированной нержавеющей сталью были в изобилии. Рельефы человеческих фигур, повторяющиеся шевроны и зигзаги дополняли грандиозные фрески. Скульптуры и мебель, инкрустированные слоновой костью и перламутром, подчеркнули интерьеры.

Великая депрессия, однако, оказала отрезвляющее влияние на роскошный дизайн архитектуры ар-деко. В условиях резкого спада экономики строительство должно было быть более практичным и менее экстравагантным. Streamline Moderne был архитектурным стилем, который последовал за ар-деко в 1930-х годах с приглушенной, менее украшенной эстетической ориентацией.

Daily Express Building, Оуэн Уильямс, 1939, фото любезно предоставлено Стивеном Ричардсом

Streamline Moderne все еще имел концептуальную основу простоты и современной гладкости ар-деко, но сменил строгие углы и яркие цвета на плавные изгибы и приглушенные белые тона.

Вертикальность уступила место длинным горизонтальным линиям. Аэродинамизм сыграл важную роль в техническом прогрессе, что нашло отражение в архитектуре Streamline Moderne. Архитекторы, придерживавшиеся этой философии искусства, также опирались на морские конструкции, внедряя перила и иллюминаторы в транспортные терминалы.

Мода ар-деко

Изобилие и технологические инновации, безусловно, были характерными чертами ревущих 20-х, но эта эпоха также ознаменовала важный социальный прогресс, особенно для женщин.

Избирательное право женщин во всем мире набирало обороты за предыдущее десятилетие, что привело к тому, что к 20 годам все больше стран установили право женщин на голосование. Обладая большей политической и культурной значимостью, все больше женщин начали отказываться от традиционного имиджа, навязанного им обществом, и эта свобода наиболее явно выражалась в сфере моды.

Обложка Vogue Жоржа Лепапе, 1923 год

Узкая талия, большие косы, широкая грудь и изысканные платья, сшитые по индивидуальному заказу, были заменены трубчатым силуэтом, более короткими стрижками, более высокими подолами и тканями массового производства.

Модные журналы вошли в моду, распространяя последние идеи одежды от Жанны Ланвин и Поля Пуаре все дальше и быстрее в руки женщин из разных классов. Родились кинозвезды, которые задавали тенденции, которым хотела бы подражать каждая девушка. Эпоха джаза была в самом разгаре в клубах и кафе-барах. Женщины были везде, и они были одеты и жили в стиле ар-деко.

Девочки-хлопушки, демонстрирующие стиль ревущих 20-х

Образ The Flapper олицетворяет модную женщину в стиле ар-деко; Обтекаемое платье без рукавов, яркие цвета и декоративные аксессуары — все это составляет винтажный образ Flapper.

Голливудская актриса Джин Харлоу, 1935 год

Нельзя недооценивать влияние Голливуда на женскую моду 20-30-х годов. Гламур кумиров на киноэкранах был в новинку. Ведущие актрисы на светских мероприятиях одевались так, как должна была одеваться каждая богатая женщина.

Как и во всем ар-деко, в их платьях были заметны углы. Ткани и украшения были богатыми и светоотражающими. Халаты ниспадали до пола.

Женская одежда для отдыха 30-х годов, фотография Эдварда Стейхена

Образ «спортивной одежды» также начался в этот период благодаря Коко Шанель. Поскольку женщины более склонны к занятиям спортом и активному отдыху, возникла потребность в функциональной и удобной, но в то же время стильной одежде. Таким образом, на рынок были выведены легкие ткани, такие как хлопок, воздушные брюки и мужские куртки.

В то время как платья были относительно обтекаемыми, женщины украшались аксессуарами до краев.Шляпа-клош была необходима, ее украшали перьями, кисточками и брошами. Женщины наносят макияж на публике, поэтому компакт должен хорошо выглядеть. Блестки и бусины свисали на платьях и сумочках.

Женская мода конца 1930-х годов

Снисходительные высоты, которых достигла мода, в конечном итоге были низвергнуты Великой депрессией. Однако это не означало полного отказа от смелости, присущей ар-деко.

В то время как подола и украшения уменьшались, приталенные платья снова вошли в моду, и женщины стали шить себе одежду.Они также получили возможность выбирать готовую одежду из каталогов универмагов, где представлены доступные, но стильные вещи.

Украшения в стиле ар-деко

Процветание послевоенной эпохи отразилось на разнообразии украшений, которые носили люди, а украшения в стиле ар-деко были блестящими, красочными и экзотическими.

Бриллианты были основными драгоценными камнями, которыми украшались украшения в предыдущие десятилетия, поэтому стремление к использованию ярких цветных драгоценных камней, а также оникса и черной эмали означало изменение времени.

Изумруд, нефрит, коралл, лазурит и бирюза, среди прочего, были инкрустированы в золото, поскольку восточноазиатские и египетские влияния проникли в западный мир.

Нарядное украшение из нефрита, оникса и бриллиантов от Жоржа Фуке, 1923 г.

Однако это не остановило доминирование алмазов. Платина стала более распространенной в качестве основного металла из-за ее пластичности и долговечности. Чистый хроматический блеск дополняет блеск бриллиантов, создавая роскошную белоснежную эстетику.Белое золото становится популярной альтернативой бриллиантам. Глубокий черный цвет оникса резко контрастирует с бриллиантовым блеском.

Кольцо с ониксом и бриллиантом

Технологический прогресс в обработке металлов и огранке драгоценных камней привел к появлению в ювелирных изделиях более тонких симметричных геометрических узоров — визитной карточки ар-деко. Машины для литья под давлением сделали возможными сложные филигранные конструкции. Драгоценные камни были огранены в соответствии с индивидуальным дизайном ювелирных украшений, и их называли ограненными камнями калиброванной огранки.

Кольцо в стиле ар-деко с сапфирами калиброванной огранки

Перламутр, полированный металл, скульптурное стекло и даже шариковые подшипники были одними из необычных материалов, используемых в ювелирных изделиях того периода.

Коко Шанель с жемчужными ожерельями в черном платье

Ювелирные изделия дополнили кардинальные перемены в женской моде. Изысканные детали были акцентом на обтекаемых, усаживающихся платьях. Свисающие серьги помогали обрамлять упитанное лицо с короткой стрижкой.Длинные жемчужные ожерелья свисали с глубоким вырезом и открытой спиной. Часы-подвески свисали с шеи многих дам.

Браслеты и браслеты украшали обнаженные руки. Наручные часы превратились из высокофункциональных устройств, которыми пользовались мужчины во время Первой мировой войны, в женские модные украшения, инкрустированные драгоценными камнями. Коктейльные кольца были еще одним ярким аксессуаром в женских ювелирных наборах.

Портсигар в стиле ар-деко, 1920-е годы
(Источник: 1stdibs)

Поскольку женщины любят курить в общественных местах, мундштуки и пачки сигарет также должны укреплять имидж достатка.При изготовлении таких изделий ювелирные дома использовали геометрические узоры и восточноазиатские узоры, а также вставляли драгоценные камни.

Смерть и возрождение ар-деко

Несмотря на то, что Великая депрессия ослабила яркость ар-деко в 1930-х годах, форма адаптировалась. Катаклизм Второй мировой войны окончательно положил конец процветанию ар-деко и его влиянию на культуру и общество в целом. За этим последовали более приглушенные, однообразные стили модернизма.

Ар-деко будет возрождаться в 1960-х годах, особенно после того, как историк искусства Бевис Хиллиер задокументировал работы этого стиля в своей книге Art Deco 20-х и 30-х годов .Арт-деко с его неизменно оптимистичным взглядом на современность остается сегодня источником вдохновения в мире графического дизайна, моды и дизайна мебели.

Ознакомьтесь с нашими другими руководствами по эпохе:

Модерн
Эдвардианский
Викторианский
Грузинский

Американский художник, художник в стиле ар-деко> Выставки> Burchfield Penney Art Center

Александр О. Леви: американский художник, художник в стиле ар-деко

Эта выставка представлена ​​анонимным спонсором и дополнительной поддержкой Джона и Кэрол Коциела

на просмотре 14 ноября 2014 г. — 29 марта 2015 г.

Восточная Галерея

История искусства Буффало богата и отмечена указателями, некоторые из которых установлены еще в конце 17 века с изображениями Ниагарского водопада или даже раньше в богатой культуре народа ирокезов.Мы устанавливаем традиции и продолжаем их практику сегодня. В 1892 году художник Ларс Селлштедт основал Общество художников Буффало, в которое входило 400 членов. Луи Салливану и Дэниелу Бернхэму было поручено спроектировать офисные здания в 1895 году. Убийство президента МакКинли закрепило значимость 1901 года и панамериканской экспозиции. Это событие символизировало национальное признание растущей промышленной мощи города. Это дало возможность промышленной державе, прочно закрепившейся в транспортной, мукомольной, обрабатывающей и тяжелой промышленности, обратиться к развитию культурной инфраструктуры, которая соответствовала бы растущей деловой репутации города.Электрифицированная экспозиция ознаменовала признание города городом как лидером цивилизованного муниципалитета. Открытие Фрэнком Ллойдом Райтом художественной галереи Олбрайт, спроектированной Эдвардом Бодхедом Грином (1905 г.), и здания Административного центра Ларкина (1906 г., снесено в 1950 г.) продемонстрировало стремление Буффало быть признанным центром современной американской культуры. Углубляясь в прошлое, мы надеемся, что добавляем уровни смысла и точки входа. Линия взгляда на этот опыт — это наше творческое развитие, когда отдельные личности и художественные движения рассматриваются как тотемы или путеводители для понимания.

На рубеже веков Буффало, Нью-Йорк, теперь служил домом для впечатляющего числа профессиональных американских художников. Среди них были Клэр Шаттлворт, Милдред Грин, Эвелин Рамси Лорд, Чарльз Райффель, Рафаэль Бек и художник из Восточной Авроры Барбизон Алексис Фурнье. Сообщество с накапливающимся богатством и новая картинная галерея служили магнитом, привлекая большое количество профессиональных художников, чтобы насладиться жизненной силой уже существующего центра искусства и культуры. Некоторые пришли писать портреты богатых и продавать свои работы на растущем региональном рынке, в то время как другие приезжали учить или работать на коммерческой основе — и рисовать.Быстро растущее художественное сообщество, в свою очередь, вызвало у других интерес стать профессиональными художниками. 1909 год — приход одного из самых интересных художников; художник и иллюстратор Александр О. Леви. Леви, как и другие, начал работать в коммерческих целях и к 1913 году стал арт-директором компании Larkin. В течение 1920-х годов он, возможно, стал самым известным художником Буффало с международной репутацией, превзойдя репутацию Чарльза Э. Берчфилда, который только что прибыл в 1921 году для дизайна обоев в Буффало в M.H. Birge & Sons Co.

Леви родился в Бонне, Германия, вырос в Цинциннати в 1880-х годах. Он был вундеркиндом; в восемь лет он выиграл общегородскую художественную премию, присуждаемую местными газетами; в двенадцать он отказался от стипендии на обучение игре на скрипке в Европе. В подростковом возрасте Леви учился в Музыкальной школе Цинциннати и Художественной школе Цинциннати у художника Фрэнка Дювенека.

Леви переехал в Нью-Йорк в 1890-х годах. Его карьера началась с подготовки снимков испано-американской войны для публикации в сети газет Scripps-Howard.Между 1902 и 1908 годами он посещал Нью-Йоркскую школу изящных и прикладных искусств. Там Леви брал уроки рисования у Уильяма Мерритта Чейза и Роберта Генри, оба из которых оказали влияние на творчество Леви.

В 1909 году Леви переехал в Буффало, штат Нью-Йорк, в качестве арт-директора компании Matthews-Northrup, а в 1913 году — компании Larkin Soap Company, которая была на пике корпоративного роста. Когда его нанял Ларкин, компания поднялась до уровня корпоративной силы, работая с великим маркетинговым умом Эльберта Хаббарда в рамках эстетики дизайна Фрэнка Ллойда Райта.Леви пришел в компанию великих умов благодаря своему художественному мастерству. Благодаря своим иллюстрациям он стал широко известен благодаря работам, опубликованным в The Saturday Evening Post, Saint Nicholas Magazine и The Century.

Леви опирался на прекрасную подготовку, которую он получил, будучи студентом в Цинциннати и Нью-Йорке. Франк Дювенек, его учитель из Огайо, учил своих учеников использовать смешанные цвета и подчеркивать текстурное единство и цвет. Эту особенность можно найти во многих картинах Леви, особенно в 1920-х годах.Леви однажды сказал посетителю своей студии, что он «ограничил свою палитру тремя цветами, чтобы придать единство тональности своей картины, которое иначе было бы невозможно получить». От Уильяма Мерритта Чейза Леви впитал в себя подход к рисованию «на пленэре», а также настойчивое требование работать быстро. Говорят, Чейз увещевал своих студентов: «Уделите столько времени, сколько вам нужно… возьмите два часа, если необходимо. Сын Леви Алан отметил скорость, с которой рисовал его отец.Большинство полотен Леви, самые большие и главные, были выполнены за день или всего за несколько часов. Это влияние дало Леви яркие и чистые цвета, а его манера письма была свободной и свободной. Как и в случае с другими учениками Роберта Анри, этот учитель повлиял на Леви в стиле Ашкана с таинственной, мрачной темной окраской. Кроме того, Анри и в результате депрессии беспокоились о том, чтобы рисовать менее удачливых, и это возвращается в работах Леви конца 1930-х годов.

К 1920-м годам Леви был на пути к завоеванию внимания и национального признания как творческий художник.Однако, будучи сильным индивидуалистом, он не принадлежал ни к одной художественной школе, и его работы отличались уникальными качествами, отличными от всех его современников. Он развил стиль ар-деко в композиции своих картин. Ар-деко, концептуально организованный в Европе, определял стиль продуктов, промышленных и бытовых. Хотя сотни книг и несколько выставок за последнее столетие исследовали этот стиль в мире предметов, в живописи он редко учитывался. Эдвард Люси-Смит, один из немногих историков искусства, исследовавших ар-деко в контексте живописи, рассмотрел четыре способа обосновать этот аргумент.В своей книге «Живопись в стиле ар-деко» он предлагает нам взглянуть на «стиль, предмет, связь с развитием современного движения и… их социальную функцию». Далее он определяет это как работы, которые «используют силуэт» и являются «резкими и беспокойными». Помимо этих идентификаторов стиля, он обращается к предмету для определения, включая «классические аллегории, портреты, жанровые сцены, пейзаж и натюрморты».

Люси-Смит, включая горстку американских художников, работавших в 1930-х годах, таких как Чарльз Шилер, Джорджия О’Киф и Ральстон Кроуфорд, в основном полагалась на европейских художников.Но в период между Первой и Второй мировыми войнами американцы и американские образы также захватили эстетику ар-деко. Леви продемонстрировал это. Композиции Леви играют на отношениях между независимыми сущностями, создавая сложное целое, а не единую мысль. Несмотря на то, что он расположен в поле почти модернистского мечтательного пространства, его фигуры сильны и обособлены. Используя толстый контур, «объект» в его работе опирается на сопоставления. Эта композиция распространяется не только на фигуральные работы, но и на его пейзажи.Его пейзажи позволяют природе взять на себя инициативу и вытесняют фигуры (если они есть) на тонкий фон — всегда вперед со смелыми очертаниями того, что он считает звездой картины. Основываясь на своем коммерческом дизайне и живописи, Леви выбрал стиль работы с осознанием общества, основанный на прогрессе искусства и состоящий из четких линий. Его работа отвечала критериям, установленным Люси-Смит.

Он рисовал женщин с павлинами и попугаями, деревья и диковинные леса, населенные крошечными фигурками, укороченными, чтобы подчеркнуть их незначительность в величии природы.Некоторые из его лучших картин — его фигурные работы, которые включают изображения горцев, рыночных женщин, бедняков и случайные изображения женщин из общества. Он рисовал все с уверенностью, энергией и оригинальностью. В этих картинах он использует цвет как декоративную ценность, а не для воссоздания реальности. Пейтон Босуэлл, видный нью-йоркский арт-критик 1920-х годов, высоко оценил работы Леви. Он описал Леви как «фантазера, выражающего видения, возникающие в его мозгу и свободные от естественных препятствий.«Критик Buffalo описал искусство Леви как исходящее« изнутри, снаружи, а не извне, внутрь ». В 1920-е годы современники обратили внимание на энтузиазм Леви, его многогранность и уникальность видения.

В 1923 году Леви провел свою первую крупную выставку в галерее Эйнсли в Нью-Йорке. Шоу Эйнсли привело к растущему признанию и дальнейшему успеху. У него были персональные выставки в Художественном музее Цинциннати (1924), в галерее Бэбкока в Нью-Йорке (1925), еще одна выставка в Эйнсли (1929) и две выставки в галерее Олбрайт в Буффало (1929, 1923).Он также выставлял работы в Пенсильванской академии изящных искусств, Чикагском художественном институте, Детройтском художественном музее и Институте Карнеги в Питтсбурге. В 1928 году Американская федерация искусств назвала одну из его картин «Альпинист» одной из пятидесяти лучших в Америке. Он продавал свои работы в Европе, особенно во Франции и Англии. Он создал фреску в стиле ар-деко для административного здания Ларкина. и нарисовал несколько больших фресок в других офисах Buffalo.International Studio посвятила его работе статью, и Леви был на пути к тому, чтобы стать очень успешным студийным художником.

Критик Буффало, а ныне директор Центра искусств Берчфилда Пенни, Энтони Бэннон, отметил эклектизм Леви. Бэннон отметил, что цвет Леви варьируется от темной ограниченной цветовой схемы до «дерзких неуклюжих оттенков». Он также отметил, что Леви черпал свои формы из «ар-деко, модерна, маньеризма и живописной школы ашкан». Прежде всего, картины Леви проникнуты любовью к жизни. Нет двух одинаковых, и редко, когда два человека, глядя на группу Леви, могут прийти к согласию относительно того, что они предпочитают.Несмотря на плюрализм, творчество художника объединяет жизненная сила, оптимизм и неповторимость стиля, которые отличают его от учителей и современников.

Александр Леви был великим романтиком. Он любил женщин; он любил природу и любил простого человека.
Великая депрессия нанесла ущерб большинству американских художников, рынок регионального искусства почти испарился, а работа Леви на национальных и международных выставках почти прекратилась к концу 1930-х годов. Ряд факторов объясняет его почти исчезновение с отечественной арт-сцены к концу 1930-х годов.Под влиянием экономического кризиса Леви изменил свой стиль. Его работы стали более реалистичными, мазки стали более плотными, а его внимание переключилось с фантазий на решение социальных проблем. Он написал серию чувствительных картин американских чернокожих. Он также расписывал церковные и храмовые окна, строил фрески на исторические и религиозные темы. Одно из мнений, учитывая объем его работы, могло заключаться в том, что Леви пользовался беспрецедентным, безудержным успехом. Другой видит его на грани несчастья.

Он просто не ожидал этого: его успех стал ключом к его поражению.У Леви возникли проблемы. Ему полностью противостояли все формы абстрактного искусства. В 1932 году Леви оказался вовлеченным в конфликт с руководством Художественной галереи Олбрайт, которое он обвинил в «классовой предвзятости» и «игнорировании интересов местных художников». Этот конфликт в период роста художественной галереи Олбрайт как центра современного американского абстрактного искусства не предвещал ничего хорошего для репутации выдающегося художника. Будучи активным членом Чикагского «Общества за разум в искусстве», он был его президентом в Западном Нью-Йорке.Его жесткое отношение привело к расколу в Обществе художников Буффало в 1933 году, когда его позиция настолько разозлила сторонников абстрактного искусства, что они отказались от создания Общества Паттеран. Он продолжал быть ярым сторонником заботы художников и выставлялся на ежегодной ежегодной выставке Общества художников Буффало до своей смерти в 1947 году. Хотя за пределами этих салонов его возможности в значительной степени исчезли.

Работа Леви начала возрождаться в 1970-х годах. В 1975 году правительство Соединенных Штатов выбрало одну из картин Леви 1930-х годов, Negro Spiritual, для включения в передвижную двухсотлетнюю выставку американского искусства.Позднее эта работа была приобретена музеем Ван Гога в Нидерландах. В следующем, 1976 году, в Сиракузском музее Эверсона, штат Нью-Йорк, состоялась выставка работ Леви, в основном 1930-х годов, из коллекции его сына Алана Леви. В каталоге этой выставки Леви описывается как «зрелый, выдающийся художник, который благодаря собственным экспериментам развил навыки и видение». В 1982 году Художественный музей Даны Тиллоу из Буффало, штат Нью-Йорк, провел выставку картин и работ на бумаге, посвященную работам, выполненным до 1930 года.Реакция на эту выставку галереи привела к аншлагу в первую ночь.

История Buffalo пережила великое возрождение, оправляясь от экономического спада. Работа Леви — часть этого возрождения. Спустя 30 лет после последней выставки, посвященной его работам, 14 ноября 2014 года в Арт-центре Берчфилда в Пенни будет в центре внимания выставки, посвященной глубокому исследованию творчества Леви и Буффало в период ар-деко. Его работа, глубоко американская, — это открытие и волнение.

Люси-Смит, Эдвард. Живопись ар-деко. 2-й.