homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Выраженный центр большинства храмов устремляется вверх, сообщая массивному зданию легкость и возвышенность. Лестницы храмов изолируют внутреннее пространство от внешнего.

Сочетание красного и белого — особенность русского оформления экстерьера, как и полихромные изразцы, используемые в отделке, узорный орнамент, сочетающий растительные мотивы и изображения животных.

Самые яркие деятели и постройки

Один из основателей московского барокко — русский архитектор-самоучка Я. Г. Бухвостов. Сведения о его жизни немногочисленны, нет точных данных о датах рождения и смерти. Бухвостов начал свою деятельность, предположительно, в 1681 г.

Под его руководством были построены стены и надвратный храм Иерусалимского монастыря в Истринском районе Московской области (не сохранился), Спасская церковь в селе Уборы в Одинцовском районе, Успенский собор в Рязанском Кремле и другие сооружения. Все они относятся к периоду 1690-1704 гг.

О жизни и деятельности Петра Потапова фактов еще меньше: судя по надписи на стене церкви Успения на Покровке, он был одним из участников строительства — или как резчик по камню, или как архитектор храма. Ему также приписывают создание храма Михаила Архангела в Тропареве, некоторые постройки в ансамбле Новодевичьего монастыря, а также пятиглавый храм Воскресения Христова в Кадашевской слободе.

И. П. Зарудный (1670-1727) — выходец из Речи Посполитой. Был не только архитектором, но и резчиком по камню, скульптором, художником и цензором икон. К нарышкинскому стилю относится церковь Архангела Гавриила на Чистых прудах (Меньшикова башня), построенная под его руководством в 1704-1707 гг.

Новодевичий монастырь

В стиле московского барокко были перестроены некоторые здания, входящие в комплекс Новодевичьего монастыря. В период правления царевны Софьи, в конце XVII в., был создан архитектурный ансамбль, в центре которого находился Смоленский собор. Направление с севера на юг образовано двумя надвратными церквями, а колокольня и трапезная символизируют ось восток-запад. Колокольня имела 6 ярусов, где чередовались глухие и ажурные элементы.

Новодевичий монастырь.

В нарышкинском стиле сооружены церкви Покрова Пресвятой Богородицы (1683-1686 гг.) и храм Успения Богородицы (1685-1687 гг.), входящие в архитектурный комплекс.

Крутицкое подворье

Включает в себя группу зданий, построенных в разное время. К нарышкинскому стилю, помимо Успенского Собора, относятся Митрополичьи палаты (1655-1670 гг. ), Крутицкий теремок и Воскресенские переходы.

Собор Успения Пресвятой Богородицы был построен в 1665-1669 гг. Внизу находился престол Петра и Павла. Верхний храм был закончен в 1700 г., через год после освящения. Новое здание высотой около 30 м имело четырехскатное покрытие, которое венчали традиционное пятиглавие и декоративные кокошники, расположенные ярусом.

В соборный ансамбль вошли шатровая колокольня, западный притвор, боковые галереи. Все сооружение, в том числе луковичные главки, выполнено из красного кирпича.

Крутицкий теремок, выстроенный по проекту зодчего Л. Ковалева, соединяет Воскресенские переходы, ведущие в Успенский собор, с митрополичьими палатами. Здание из красного кирпича располагается поверх белых каменных ворот с двумя въездами. Северная сторона украшена изразцами из майолика. Сочетание синих, изумрудных, желтых тонов эффектно смотрится на фоне садовой зелени.

В орнаментах преобладают растительные мотивы, но также встречаются и фигуры животных (улитки, лебеди), фантастические существа. Колонны украшены деревянной резьбой в виде виноградных лоз — традиционного христианского символа. В убранстве присутствуют элементы, несвойственные для русского декора, — маски зверей, лапы с мечами.

Крутицкое подворье.

Московская церковь Покрова в Филях (1690-1694 гг)

Типичная для раннего московского барокко многоярусная постройка («восьмерик на четверике»). Строительство финансировалось Л. К. Нарышкиным — дядей Петра I по материнской линии. Точных данных об авторе не сохранилось. Некоторые исследователи полагают, что общую идею храма, архитектурную композицию составил сам заказчик. Возможно, архитектором здания был Петр Потапов.

На первом этаже — зимняя церковь Покрова Богородицы, выше — храм Спаса Нерукотворного, получивший название в честь спасения Нарышкина от гибели во время стрелецкого бунта. Петр I неоднократно бывал здесь. В 1703 г., после победы над Нарвой, он подарил храму цветные витражи.

В знак особого отношения государя западная и центральная колонны были украшены двуглавым орлом и короной. Черты молодого Петра узнаваемы в лике архидиакона Стефана, изображенного на жертвеннике.

Интерьер храма сильно пострадал во время нашествия Наполеона, затем во время Великой Отечественной войны. В Москве сохранились фрагменты первоначальных росписей, автором которых был К. И. Золотарев, несколько старинных икон (Покрова Богородицы, икона «Трех радостей»). Здесь находится один из древнейших дубовых престолов.

Московская церковь Покрова.

Храм Воскресения Христова в Кадашах, Москва

Относится к периоду нарышкинского барокко (1687-1895 гг.). Ранее на его месте стоял деревянный храм, построенный в 1493 г. Строительство финансировали несколько местных состоятельных купцов. Здание двухэтажное, вверху находится летний, холодный храм, внизу — зимний (теплый) с тремя престолами.

Предположительно, зодчим был иеромонах Сергей Турчанинов, уроженец здешних мест. Два этажа символизируют две сферы бытия: первый — более простой и строгий в отделке — земной мир, второй — богато украшенный — небесный.

На южной стороне храма сохранились солнечные часы. Колокольня высотой 43 м была пристроена к храму позднее. За вытянутые вертикальные пропорции она получила название «свеча».

Особенности интерьера в стиле московского барокко

Внутреннее убранство храмов было связано с культовой функцией сооружений. Иконы и фрески, настенная живопись, скульптуры и фигурные композиции — все было подчинено религиозной идее, но строгая простота, характерная для древнерусского интерьера, уступила место барочной пышности, хотя и в меньшей степени, чем это было в Европе.

Наличники, кронштейны, фасады — все украшалось замысловатым орнаментом, восходящим к русской орнаментальной традиции. Деревянные иконостасы обильно покрывались резьбой.

Важно, что нижний этаж был более простым в отделке, а верхний — более живописным. Такая двойственность воплотила христианскую концепцию земного и небесного миров, слитых воедино. С эстетической точки зрения такое сочетание сообщало храму вид цветущего древа: нижний этаж символизировал ствол, а верхний — пышную крону.

Петровское барокко — Архитектурные стили — Дизайн и архитектура растут здесь

Итальянское понятие «барокко» означает в переводе «причудливый» или «странный». С виду торжественный и праздный, он имеет глубокое содержание, рассказывая о сложности и многообразии этого мира, о его единстве и изменчивости. На передний план в барокко выдвигается природа с её стихийными реалиями, а также человек, но не как самостоятельная личность, а как часть этого мира.

Родиной стиля барокко считается Италия XVI-XVII века. Тогда господство светской власти укреплялось, выливаясь в стремление к демонстрации богатства, роскоши и мощи. На этом фоне популярный в то время ренессанс утрачивает свои позиции и, на его смену приходят новые тенденции в искусстве и архитектуре.

Итальянское барокко стремительно перенимают Европейские страны, где его черты прослеживаются до начала XVIII столетия.

В Россию барокко пришел при строительстве Петербурга. Волевой и сильный царь, призвал для проектирования зданий не только талантливых соотечественников, но и иностранных архитекторов. Последние испытывали в своей работе жесткий диктат русских руководителей, поэтому архитектура того времени представляет собой сплав из русского зодчества и западноевропейских приемов.

Данный стиль был назван Петровским барокко, как направление одобренное Петром I.

Особенности

Суть  Петровского барокко  отличается от  зарубежного, прежде всего, простотой,  и практичностью. Важными отличительными особенности сооружений времен Петра, являются красно-белые фасады и плоскостной декор.

Вообще, Петровское барокко отличается не только от западноевропейского. В России этот стиль также имеет свои индивидуальные черты. Так, например, в отличии от Московского барокко, или, как его еще называют «нарышкинского», Петербургский стиль своеобразный и неповторимый.

В архитектуре северного барокко чувствуется отказ от всего византийского  в пользу симметрии и уравновешенности. Визитной карточкой строений становится выделение центра, мансардные крыши, цветовая многоликость, сдержанность в украшении, а также  оформление окон арочными проемами.

Характер Петровского барокко

В  архитектурном стиле Петербурга характерно использование  элементов тосканского ордена. Правда трактовка его была несколько иная. Колонны заменялись на родные,  русские «лопатки», а окна оформляли профилированными наличниками с  утолщениями. Углы зданий в большинстве своем оформляли рустом: каменным горизонтальным или вертикальным швом.

И без того торжественный вид, архитекторы дополняли множеством  элементов, в виде завитков и обрамлений. Линиям крыш, также пытались придать более массивный, богатый вид. Применение полукруглых фронтонов над  выступающими частями было обязательным. Верхняя часть построек усложнялась еще статуями.

Архитектура Петровского барокко

Санкт-Петербург — один из лучших городов мира, где сконцентрировано наибольшее количество памятников русской архитектуры. Туристы разных стран стремятся побывать здесь, чтобы своими глазами увидеть творения гениальных зодчих и понять личные взгляды первого Русского императора на архитектуру.

Петропавловский собор

Одним из первых сооружений возведенных в Западноевропейском стиле, стал Петропавловский собор. Это третье по высоте здание в городе, длинна которого достигает 122,5 метра. Интересно, то, что это православное здание построено совсем не так, как строились русские православные церкви. Вопреки крестово-купольному характеру, Петропавловский собор представляет собой прямоугольное здание зального типа с сорокаметровым шпилем наверху.

Здание двенадцати коллегией

Еще одним созданием зарубежного архитектора Доменико Трезини является дом двенадцати коллегий. Архитектор выполнил все пожелания Петра, воплотив их в сооружении из двенадцати одинаковых трехэтажных секций. При этом, каждая из частей имеет собственную крышу. Величественный вид здания подкреплен фасадом, исполненным в красно-белом решении, а также нескончаемой чередой фронтонов.

Летний дворец

Таким же красно-белым экстерьером пестрит Летний дворец Петра. Император доверил руководство проектом опять же Трезини, правда задача на этот раз была поставлена иная. Архитектор должен был увековечить здесь победу России в Северной войне. Сейчас мы можем наблюдать барельефы в мифологической тематике. В плане конструкции — это простое строение, предназначенное, главным образом, для отдыха императорской семьи.

Парковое барокко

Элементы барокко  применялись не только в величественных зданиях Петербурга. Городские улицы стали украшать парки и сады с новой концепцией планирования. Все они, так же устремлены на запад и, как считают специалисты,  начали создаваться вследствие посещения Петром Версаля.

Примером тому служит Летний сад. Так же, как у Версаля, вдоль аллей сада расположены статуи и бюсты.

Стиль Петровское барокко по праву выделен в единое самостоятельное течение. Да, архитекторы Петербурга многое заимствовали у западноевропейского прототипа, но самобытность зданий, которые в итоге возводились, позволяет судить об абсолютной его уникальности.

Пожалуйста.Проанализируйте архитектуру классицизма,барокко и рококо.Выявите характерные черты

Ответ:

Барокко и позднее барокко, или рококо, — это термины, которые обычно применяются по общему согласию с европейским искусством периода с начала 17 века до середины 18 века.

В период барокко (1600-1750 годы) архитектура, живопись и скульптура были интегрированы в декоративные ансамбли. Архитектура и скульптура стали живописными, а живопись-иллюзорной.

Архитекторы XVII века в стиле барокко превратили архитектуру в средство распространения веры в церкви и в государстве. Барочные дворцы расширялись, чтобы демонстрировать мощь и порядок государства. Барокко быстро развилось в две самостоятельные формы: римско-католические страны (Италия, Испания, Португалия, Фландрия, Богемия, Южная Германия, Австрия и Польша) тяготели к более свободным и активным архитектурным формам и поверхностям; в протестантской в регионах (Англия, Нидерланды и остальная часть Северной Европы) архитектура была более сдержанной и развивала трезвую, спокойную монументальность, которая впечатляла своей изысканностью.

В архитектуре рококо, декоративная скульптура и живопись неотделимы от структуры. Постепенно модифицируя горизонтальное разделение эпохи Ренессанса и барокко на отдельные части, архитекторы эпохи рококо получили унифицированные пространства, акцентировали внимание на конструктивных элементах, создавали непрерывные декоративные схемы и сводили размеры колонн к минимуму.  

Стиль рококо стал отражением светской культуры королевского двора и характеризовался образом мышления именно французской аристократии. А та стремилась создать идиллический мир. Они ставили личный комфорт на первое место, обращали свое внимание на мифологические сюжеты при украшении зданий и интерьеров, детализировали декор. В некотором смысле можно сказать, что рококо продолжал линию барокко, но был уже не таким масштабным и грандиозным. Наоборот, рококо – легкий стиль, более функциональный, характеризуется сочетанием форм, асимметричностью, вариативностью и перегруженностью деталями.  

Классицизм, который процветал в период 1750-1830 годов, часто называют «неоклассицизмом», чтобы отличить его, возможно, излишне, от классической архитектуры Древнего Рима или Ренессанса. Поиски интеллектуальной и архитектурной правды характеризовали тот период. В 18 веке современный классицизм был описан как «истинный стиль“, слово” неоклассический» было тогда неизвестно.  

Ну и главной чертой такой архитектуры было обращение к формам античного зодчества, которое рассматривалось как эталон гармонии, строгости, простоты и логической ясности, а также монументальности. Такая архитектура характеризуется регулярностью планировки, четкостью объемной формы. Архитектура в стиле классицизма характеризуется порядком в пропорциях, симметрией.  

Классицизм родился в Венеции, а родоначальником его стал Андреа Палладио. В частности, он создал Виллу Ротонда около Виченцы.  

Характерные черты архитектуры барокко — презентация онлайн

1. Барокко

2. Характерные черты Архитектуры барокко

3. Луис де К Луи́с де Го́нгора-и-Арго́те (исп. Luis de Góngora y Argote, 11 июля 1561, Кордова — 23 мая 1627, Кордова) О СКРЫТНОЙ БЫСТРОТЕЧНОСТИ ЖИЗНИ Не столь пос

4. Шедевры итальянского барокко Лоренцо Бернини (1598-1680)

11. Франческо Бромонни

12. «Дивное узорочье» московского барокко

14. Архитектурные творения В.В. Растрелли

Барокко — Стиль барокко в живописи

Одной из самых ярких и понятных характерных черт барочной живописи является ненавязчивая и «свободная» манера письма, в том числе выбор сюжетной линии и манера ее подачи. Так, наряду с библейскими и мифическими сюжетами («Призвание святого Матфея» или «Медуза Горгона», «Блаженство святого Франциска» или «На пути в египетские земли» — Караваджо Микеланджело; «Поклонение пастухов», «Подношение Церере, богине урожая» — Йорданс Якоб), полноценное место занимают портреты, сцены из жизни знати и крестьян и даже пейзажи, например «Зимний пейзаж» и «Две водяные мельницы» Рейсдала Якоба.

Каждый этап развития социума и культуры, как в зеркале, отражается во всех направлениях искусства. Основные черты, отличающие один стиль от другого, прослеживаются не только в произведениях великих мастеров — композиторов, архитекторов, художников, но в свою очередь занимают место в повседневной жизни обывателей, их поведении, в том числе в политике. Так, конец XVI века, как начало эпохи просвещения и разума, променадов и огненных утех, фейерверков, балов – маскарадов, прогулок на лошадях и всего того, что доставляло массу удовольствия вельможам в противовес голоду и нищете простого люда, — известен под звучным именем «Барокко». Италия, XVI — XVII века. Барокко… Появление этого «непонятного» и «склонного к излишествам» стиля было предсказуемо, на смену рациональному приходит иррациональное, вымышленное и непредсказуемое течение. После Возрождения с его одухотворенностью, научным подходом и «правильным» зерном возникло Барокко – легкое и непринужденное, с яркими картинками и фантастическими сюжетами, контрастами добра и зла, земного и поднебесного, тени и света. И так, своим появлением новое течение в искусстве обязано Италии и ее великим мастерам, сумевшим поломать былые стереотипы в живописи. Обращаясь к переводу слова «Барокко», нельзя однозначно определить его смысл: в итальянском barocco означает «причудливый» или «странный», в португальском perola barroca — это «жемчужина с пороком». Однако замысел авторов известных полотен, а яркий пример тому картины Караваджо и Рубенса, говорит сам за себя – это динамика изображения, обязательное светлое пятно главного персонажа, пестрота палитры и броскость сюжета.

Караваджо Микеланджело. Призвание Святого Матфея. 1599-1600

Караваджо Микеланджело. Медуза Горгона. 1598-99

Караваджо Микеланджело. Блаженство Святого Франциска  1606 

Караваджо Микеланджело. На пути в египетские земли. 1597

Йорданс Якоб. Поклонение пастухов. 1615

Йорданс Якоб.  Подношение Церере, богине урожая. 1618-20 

Рейсдал  Якоб. Зимний пейзаж. 1670  

Рейсдал  Якоб. Две водяные мельницы и открытый шлюз. 1650

Несмотря на параллельное развитие искусства Барокко в разных странах и наличие схожести основных приемов письма картин, в период XVI – XVII веков в живописи четко наметились разные направления, некоторые из них носят теперь созвучные названия с основоположниками той или иной манеры изображения полотен. Например – караваджизм, — течение в итальянской живописи, характерное контрастной игрой тени и света, наличием полумрака и «угрюмой» обстановки или болонский академизм, как полная противоположность караваджизму, с его традиционными красками, более понятными сюжетами и строгостью. Помимо аллегорических повествований, как упоминалось выше, не меньшее внимание уделялось пейзажному жанру, получившему название «ведута». Несомненно, портретная живопись не оставалась в стороне, и направление Барокко затронуло этот жанр в полном объеме, получив воплощение в парадных портретах французских мастеров Шарля Лебрена, Симона Вуэ и Иасента Риго. Наряду с вымышленной помпезностью и плавностью линий и деализированных героев среди произведений того времени, как противопоставление, были картины с более скупыми красками и резкими линиями. Это творения испанских художников. Пример тому полотна Сурбарана, Веласкеса и Рибера. Это смешение реальности и вымысла, аскетичного и телесного, где-то смешного или, наоборот, угрюмого. Историки объясняют стремление испанских живописцев разбавить барочную фантазию более приземленным и реальным политическим и экономическим упадком самой Испании. В то время как ее искусство переживало «Золотой век» становления. Опираясь на богатство живописи эпохи Барокко, следующее поколение художников позаимствовало не только манеру письма картин, приемы наложения грубых мазков и плавных переходов в сглаженную текстуру, палитру «грустных» оттенков в контрасте с радужным колоритом, но также ту смелость, с которой художники в своих работах объединяли телесные радости и трагизм бытия в единое целое, в то, что называется единством жизни.

Что такое музыка барокко? — Музыка барокко

Что такое «барокко» и когда было барокко?

Произведенный от португальского barroco , или «жемчужина необычной формы», термин «барокко» широко использовался с девятнадцатого века для описания периода западноевропейского музыкального искусства с 1600 по 1750 год. Шедевры деформированной жемчужины могут показаться нам сегодня странными, но для критиков девятнадцатого века, применявших этот термин, музыка эпохи Баха и Генделя казалась чрезмерно орнаментированной и преувеличенной.Давным-давно избавившись от уничижительных коннотаций, «барокко» теперь стало просто удобной ловушкой для одного из самых богатых и разнообразных периодов в истории музыки.

Помимо создания самой ранней европейской музыки, знакомой большинству из нас, включая «Канон» Пахельбеля и «Четыре сезона » Вивальди, эпоха барокко также значительно расширила наши горизонты. Принятие теории Коперника XVI века о том, что планеты не вращаются вокруг Земли, сделало Вселенную намного больше, а работа Галилея помогла нам лучше познакомиться с космосом.Благодаря достижениям в области технологий, таким как изобретение телескопа, то, что считалось конечным, казалось бесконечным. Великие мыслители, такие как Декарт, Гоббс, Спиноза и Локк, занимались большими вопросами существования. Такие гении, как Рубенс, Рембрандт и Шекспир, предлагали уникальные перспективы через свое искусство. Европейские страны все больше и больше вовлекались во внешнюю торговлю и колонизацию, что привело нас к непосредственному контакту с частями земного шара, которые ранее были незнакомы. А рост нового среднего класса вдохнул жизнь в художественную культуру, которая долгое время зависела от прихотей церкви и двора.

В начало

Кто были крупнейшими композиторами эпохи барокко и откуда они?

Многие из известных личностей первой половины периода барокко родом из Италии, в том числе Монтеверди, Корелли и Вивальди. (К середине восемнадцатого века наше внимание смещается в сторону немецких композиторов Баха и Генделя.) Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии, включая кантату, концерт, сонату, ораторию и оперу. Хотя Италия сыграла жизненно важную роль в развитии этих жанров, новые концепции того, что значит быть нацией, усилили императив «национального стиля».«Различия между народами часто слышны в музыке того периода, не только в том, как была сочинена музыка, но и в традициях исполнения; особенно очевиден был контраст между Италией и Францией. Хотя может показаться, что некоторые страны претендуют на большую часть нашего опыта музыки барокко сегодня, тем не менее, каждая нация сыграла свою роль. Когда музыканты и композиторы путешествовали по всей Европе и слушали музыку друг друга, новые соглашения, с которыми они столкнулись, произвели на них тонкое впечатление.Вот некоторые из самых известных композиторов того периода:

Италия: Монтеверди, Фрескобальди, Корелли, Вивальди, Доменико и Алессандро Скарлатти

Франция: Куперен, Люлли, Шарпантье и Рамо

Германия: Преториус, Шайн, Шайдт, Шютц, Телеман, Гендель и Бах

Англия: Перселл

В начало

Какова философия музыки барокко?

Хотя одна философия не может описать 150 лет музыки со всей Европы, несколько концепций важны в период барокко.

Вера в музыку как мощный инструмент коммуникации

Одно из основных философских течений в музыке барокко связано с интересом эпохи Возрождения к идеям Древней Греции и Рима. Греки и римляне верили, что музыка — мощный инструмент общения, способный вызвать у слушателей любые эмоции. В результате возрождения этих идей композиторы все больше осознавали потенциальную силу музыки и культивировали веру в то, что их собственные композиции могут иметь аналогичные эффекты, если они правильно имитируют древнюю музыку.Как французский ученый-гуманист Артус Томас описал перформанс конца шестнадцатого века,

Я часто слышал, что о сьере Клодене Ле Жене (который, не желая никого пренебрегать, намного превзошел музыкантов прошлых веков в своем понимании этих вопросов), что он спел аранжировку (которую он сочинил по частям) … и что когда этот аффект репетировали на частном концерте, он заставил джентльмена взяться за оружие и начать ругаться вслух, так что казалось невозможным помешать ему напасть на кого-то: после чего Клоден запел еще один звук … джентльмен такой же спокойный, как и раньше.Это подтвердили мне несколько человек, которые были там. Такова сила и сила мелодии, ритма и гармонии над разумом.

В 1605 году итальянский композитор Клаудио Монтеверди фактически определил «первую» и «вторую» практики: в первой гармония и контрапункт преобладали над текстом; во втором случае необходимость выразить значение слов превзошла любую другую озабоченность. В барокко дух второй практики — использование силы музыки для общения — стал доминировать в эпоху.

Реалии патронажа
Любое обсуждение художественной философии композитора эпохи барокко должно хотя бы немного сдерживаться реальностью его жизни. В наше время художники часто зарабатывают на жизнь, создавая именно то искусство, к созданию которого они стремятся. Соответственно, мы часто думаем о художнике — и о степени его художественного вдохновения — как о отправной точке для произведения искусства. Однако на протяжении большей части эпохи барокко композиторы зарабатывали на жизнь написанием музыки только в том случае, если им посчастливилось получать зарплату в политическом или религиозном учреждении.Музыкальные потребности этого учреждения, таким образом, диктовали музыку, которую создавал композитор. Бах написал количество кантат, которое он написал, например, не обязательно потому, что он нашел форму вдохновляющей, но из-за литургических требований Лейпцигской церкви, в которой он работал. Если смотреть в этом свете, музыка в стиле барокко может стать захватывающим окном в историю.

В начало

Каковы особенности музыки барокко?

Новый интерес к драматическим и риторическим возможностям музыки породил множество новых звуковых идеалов в период барокко.

Контраст как драматический элемент
Контраст — важная составляющая драматургии композиции в стиле барокко. Различия между громким и мягким, соло и ансамблевым (как в концерте), разными инструментами и тембрами играют важную роль во многих композициях в стиле барокко. Композиторы также стали точнее относиться к инструментам, часто определяя инструменты, на которых должна исполняться пьеса, вместо того, чтобы позволять исполнителю выбирать. Также стали популярны такие блестящие инструменты, как труба и скрипка.

Монодия и появление бассо континуо
В предыдущие музыкальные эпохи музыкальное произведение состояло из одной мелодии, возможно, с импровизированным аккомпанементом, или из нескольких мелодий, играемых одновременно. Лишь в эпоху барокко понятия «мелодия» и «гармония» стали по-настоящему артикулироваться. В рамках усилий по подражанию старинной музыке композиторы стали меньше сосредотачиваться на сложной полифонии, которая доминировала в пятнадцатом и шестнадцатом веках, и больше на едином голосе с упрощенным аккомпанементом, или монодии.Если музыка была формой риторики, как указывают писания греков и римлян, необходим сильный оратор — а кто лучше для этой работы, чем вокальный солист? Новое слияние между выражением чувств и сольным певцом ясно и ясно прослеживается в предисловии Монтеверди к Combattimento di Tancredi e Clorinda из его Восьмой книги мадригалов (1638), в которой он пишет: «Мне показалось что главных страстей или привязанностей в нашем уме три, а именно гнев, невозмутимость и смирение.Лучшие философы согласны с этим, и сама природа нашего голоса с его высокими, низкими и средними частотами указывает на это ». Самые ранние оперы — прекрасная иллюстрация этой новой эстетики.

Наряду с акцентом на единую мелодию и басовую линию пришла практика bassocontino , метод нотной записи, при котором мелодия и басовая линия записываются, а гармонический заполнитель указывается в виде стенографии. Как объяснил итальянский музыкант Агостино Агаццари в 1607:

Так как, наконец, был найден истинный стиль выражения слов, а именно, путем наилучшего воспроизведения их смысла, что лучше всего удается одним голосом (или не более чем несколькими), как в современной музыке различными способами. способные люди, и поскольку в Риме постоянно практикуется концертная музыка, я говорю, что нет необходимости делать партитуру … Баса с его знаками гармонии достаточно.Но если бы мне сказали, что для исполнения старых произведений, полных фуги и контрапунктов, баса недостаточно, я отвечу, что вокальные произведения такого рода больше не используются.

Поскольку бассо континуо, или основательный бас, оставался стандартной практикой до конца периода барокко, эту эпоху иногда называют «эпохой основательного баса».

Различные инструментальные звуки
Музыка барокко, которую игнорировали на протяжении десятилетий, за последние пятьдесят лет стала все более популярной.В рамках этого нового интереса ученые и музыканты потратили бесчисленные часы, пытаясь выяснить, как музыка могла бы звучать для публики 17-го и 18-го веков. Хотя нам никогда не удастся точно воссоздать перформанс, их работы выявили несколько основных различий между ансамблями в стиле барокко и современными:

шаг: В 1939 году современные оркестры согласились настроиться на a ’= 440 Гц (нота A с частотой 440 циклов в секунду), которая заменила ранее более низкий тон (a’ = 435 Гц), принятый в 1859 году.Однако до 1859 года стандарта высоты тона не существовало. Таким образом, нота, на которую настраивались ансамбли в стиле барокко, в разное время и в разных местах сильно различалась. В результате музыка, записанная на партитуре, могла бы звучать на полтона ниже, чем то, как она традиционно исполняется сегодня. Стремясь учесть это несоответствие, многие ансамбли барокко корректируют свою настройку в соответствии с исполняемым репертуаром: a ‘= 415 Гц для музыки позднего барокко, a’ = 392 Гц для французской музыки, a ‘= 440 Гц для ранней итальянской музыки и’ = 430 Гц для классического репертуара.

тембр: Хотя большинство инструментов в ансамбле в стиле барокко знакомы, есть несколько выдающихся участников, которые больше не используются в современных ансамблях. Клавесин был основным клавишным инструментом (и важным членом группы континуо), а инструменты, важные в 16-17 веках, такие как лютня и виола, все еще использовались. Вариации инструментов, которые все еще популярны сегодня, также придали ансамблю в стиле барокко другое звучание. Струнные инструменты, такие как скрипка, альт и виолончель, использовали струны из живота, а не обернутые металлом струны, с которыми они нанизываются сегодня, например, придавая им более мягкий и сладкий тон.

техника исполнения : партитура в стиле барокко содержит мало (если вообще есть) информации о таких элементах, как артикуляция, орнамент или динамика, поэтому современные ансамбли должны делать свой собственный осознанный выбор перед каждым выступлением. Механические различия между барочными и современными инструментами также предполагают, что старые инструменты звучали бы иначе, поэтому ансамбли, такие как Музыка барокко, часто корректируют свою технику, чтобы учесть это. Поскольку барочные и современные луки структурно различаются, например, струнные исполнители, использующие современные луки, часто используют более мягкую атаку на струне и крещендо и диминуэндо на более длинных нотах.В трактатах о перформансах 17-го и 18-го веков также подразумевается, что вибрато для пальцев (техника, в которой струнный исполнитель качает пальцем по струне для обогащения звука) использовалось умеренно для выразительных моментов, в то время как смычковое вибрато (волнообразное движение смычка) было вообще предпочтительнее.

В начало

Какие музыкальные формы определили эпоху барокко?

В то время как формы из более ранних эпох продолжали использоваться, такие как мотет или особые танцы, интерес к музыке как форме риторики вызвал развитие новых жанров, особенно в области вокальной музыки.Многие формы, связанные с эпохой барокко, напрямую связаны с этим новым драматическим импульсом, особенно опера, оратория и кантата. В инструментальной музыке идея контраста и стремление создавать масштабные формы породили концерт, сонату и сюиту.

Вокальная музыка

Opera: Драма, которая в основном поется в сопровождении инструментов и проводится на сцене. Оперы обычно чередуются между речитативом , речевой песней, которая развивает сюжет, и ариями, песнями, в которых персонажи выражают чувства в определенных точках действия.Также часто включаются хоры и танцы. Появление этого жанра на рубеже XVII веков часто связывают с деятельностью группы поэтов, музыкантов и ученых во Флоренции, известной сегодня как Florentine Camerata. Первой сохранившейся оперой была «Дафне » Якопо Пери «», основанная на либретто Оттавио Ринуччини и исполненная во Флоренции в 1598 году; Самая ранняя опера, исполняемая до сих пор, — это « Орфей » (1607) Клаудио Монтеверди. Сюжеты первых опер взяты из греческих мифов, что отражает тесные союзы жанра с попытками воссоздать музыку и драму древних культур и исполнялись исключительно в аристократических кругах для приглашенных гостей.

Когда в 1637 году в Венеции открылись первые публичные оперные театры, жанр был изменен в соответствии с предпочтениями публики. Сольные певцы приобрели своего рода статус знаменитостей, и в результате больший акцент был сделан на арии. Речитатив стал менее важным, а хоры и танцы практически исчезли из итальянской оперы. Сказались и финансовые реалии частой постановки оперных постановок. Захватывающие сценические эффекты, связанные с оперой при дворе, были сильно преуменьшены, а либретто было построено с использованием стандартных сценических приемов.К началу 18 века (особенно в Неаполе) стали очевидными два поджанра оперы: opera seria , в которой основное внимание уделялось серьезным предметам, и da capo aria , и opera buffa , в которой была более легкая , даже шуточный тон и иногда используются дуэты, трио и более крупные ансамбли. Итальянская традиция оперы постепенно доминировала в большинстве европейских стран. Однако в конце 17 века во Франции уроженец Италии Жан-Батист Люлли и либреттист Филипп Кино создали уникальную французскую версию оперы, известную как tragédie-lyrique .

Оратория: расширенная музыкальная драма с текстом на религиозную тематику, предназначенная для исполнения без декораций, костюмов или действий. Первоначально оратория означала молитвенный зал, здание, расположенное рядом с церковью, которое было спроектировано как место для религиозных переживаний, отличных от литургии. Хотя в репертуаре мотетов и мадригалов имеются прецеденты конца шестнадцатого века, оратория как отдельный музыкальный жанр возникла среди превосходной акустики этих пространств в начале 1600-х годов.К середине 17 века оратории исполнялись во дворцах и публичных театрах и становились все более похожими на оперы, хотя тематика, разделение на две части (а не три действия) и отсутствие постановочного действия по-прежнему выделяли их. Некоторые из композиторов, связанных с этим жанром в Италии, включают Джокомо Кариссими, Алессандро Скарлатти и Антонио Вивальди. Популярность оратории росла и в других частях Европы. В протестантской Германии драматическая музыка, написанная для использования в лютеранской церкви, постепенно соединилась с элементами оратории, особенно с включением небиблейских текстов.Страсть к оратории, как ее стали называть, достигла высшей точки в великих произведениях И. С. Баха. Другие известные примеры за пределами Италии включают английские оратории Джорджа Фридриха Генделя, который популяризировал этот жанр в Лондоне в результате неприязни англичан к итальянской опере. Такие произведения, как Мессия , Израиль в Египте и Иуда Маккавей , по сей день остаются фаворитами публики.

Кантата: расширенное произведение, состоящее из последовательности речитативов и стандартных пьес, таких как арии, дуэты и припевы.Возникнув в начале 17 века в Италии, кантата зародилась как светское произведение, написанное для сольного голоса и бассо континуо, скорее всего, предназначенное для исполнения на частных общественных собраниях. Многие из этих произведений были опубликованы, что свидетельствует о том, что они были исполнены как профессиональными музыкантами, так и любителями. К середине века кантаты стали публиковаться реже, что свидетельствует о том, что выступления все чаще исполнялись профессионалами. К концу 17 века кантаты начали включать арию da capo aria и часто имели оркестровое сопровождение.Среди основных композиторов итальянского жанра кантаты — Луиджи Росси, Антонио Чести, Алессандро Страделла, а в первой половине 18 века — Алессандро Скарлатти, Гендель, Бенедетто Марчелло и Иоганн Адольф Хассе. За пределами Италии расширяющийся жанр лютеранского мотета начал включать многие элементы итальянской кантаты, особенно техники драматического выражения, такие как речитатив и ария. Многие кантаты Баха демонстрируют широкое влияние их итальянских коллег.

Инструментальная музыка

Соната : Используется для описания нескольких типов произведений в эпоху барокко, термин «соната» чаще всего обозначает произведение в нескольких частях для одного или нескольких инструментов (чаще всего скрипок) и bassocontinuo; Сонату для двух скрипок или других высоких инструментов плюс бас обычно называли трио-сонатой.К 1650-м годам сонаты часто классифицировались как сонат da chiesa («церковные сонаты»), обычно состоящие из четырех частей, чередующихся между медленным и быстрым темпом и исполняемых в церкви, или сонат da camera («камерная соната»). , который состоял из серии танцев, родственных сюите. Примеры обоих типов можно найти в работах Корелли конца 17 века. В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонат Корелли da chiesa .Рост популярности сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце периода барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Среди других известных примеров сольных сонат — сочинения Баха для скрипки и виолончели без аккомпанемента.

Концерт : Производный от итальянского Concerto (объединить, объединить), концерт принял несколько форм в эпоху барокко. До начала 18 века концерт был просто композицией, объединяющей разноплановый ансамбль, состоящий из голосов, инструментов или того и другого.Священные произведения для голосов и инструментов часто назывались концертами, тогда как подобные светские произведения обычно назывались arie (арии), кантатами или musiche . В то время как крупномасштабные священные концерты можно найти в произведениях Клаудио Монтеверди, гораздо более распространены более интимные композиции для одного-четырех голосов, континуо и дополнительные сольные инструменты. В Германии прекрасные примеры священного концерта можно найти в произведениях Иоганна Германа Шайна, Михаэля Преториуса, Самуэля Шайдта и Генриха Шютца (особенно в его Kleine geistliche Concerte , или «Малых священных концертах» 1636–39).

Позже, в семнадцатом веке, концерт начал принимать свое современное определение: произведение, состоящее из нескольких частей, для инструментального солиста (или группы солистов) и оркестра. Взяв за основу канцоны и сонаты конца шестнадцатого и семнадцатого веков, в которых с большим эффектом использовались контрастирующие группы инструментов, в «Концерто гроссо» небольшая группа солистов чередуется с более крупным ансамблем. Произведения Корелли, особенно его соч. 6, представляют собой, пожалуй, самые известные образцы концерто гроссо конца 17 века.В то время как работы Корелли копировали в 18 веке, особенно в сочинении Генделя. 6, многие образцы концертного гроссо 18-го века показывают возрастающее влияние сольного концерта (например, Бранденбургские концерты И. С. Баха).

Самым распространенным типом концертов в 18 веке был сольный концерт, в котором использовался один инструмент в отличие от ансамбля. Самым плодовитым композитором сольного концерта был Антонио Вивальди, который написал около 350 и установил стандартную трехчастную форму концерта (две быстрые внешние части, одна средняя часть в более медленном темпе).В то время как большинство сольных концертов было написано для скрипки, были также популярны концерты для трубы, а также концерты для виолончели, гобоя, флейты и фагота. В 1730-х годах Гендель написал 16 органных концертов, и примерно в то же время Бах также написал несколько концертов для клавесина (большинство из них — аранжировки уже существовавших произведений).

Сюита: Сюита, ​​основанная на традиционном парном танце эпохи Возрождения, стала первым произведением для инструментов с несколькими движениями. По сути, сюита представляла собой серию танцев в одной тональности, большинство или все они состояли из двух частей.Примерно в середине 17 века в Германии последовательность аллеманд, куранта, сарабанда и жига стала относительно стандартной, хотя часто добавлялись другие танцевальные движения, такие как дополнительные аллеманды или куранты, бурре, гавоты и менуэты. Большинство сюит также начиналось с вступительной части, такой как прелюдия, увертюра или фантазия. Для многих композиторов эпохи барокко разные танцы олицетворяли определенные характеры. В своей книге Der volkommene Capellmeister (Полный музыкальный руководитель), 1739, немецкий теоретик Иоганн Маттезон перечислил характер каждого танца: менуэт был «умеренной веселостью», гавот — «ликующей радостью», бурре — «удовлетворенностью» и т. Д. courante «надежда», сарабандское «амбиции» и жига могут означать ряд эмоций, от гнева до легкомыслия.Сюиты в стиле барокко звучали как для солирующих инструментов, так и для оркестра; те, что написаны для одного или двух мелодических инструментов и континуо, иногда называют сонатой да камеры. Французские сюиты для клавишных иногда называют ordres (как в работах Франсуа Куперена, который вставил множество не танцевальных движений, включая вызывающие воспоминания зарисовки персонажей суда.

В начало

Каково было посетить концерт в эпоху барокко?

В наше время поход на концерт — это событие.Мы слышим рекламу по радио или видим объявление в газете; приобретаем билеты; мы идем в концертный зал и сидим тихо, пока не пришло время аплодировать. В эпоху барокко подобные публичные концерты были редкостью. Многие из самых известных композиций в стиле барокко исполнялись в церквях на службе, в рамках частного концерта или праздника в доме богатого мецената. Однако в течение периода барокко публичные выступления стали более распространенными, особенно в жанрах оперы и оратории, и наши современные концертные традиции начали объединяться во многих европейских городах.Как описал Роджер Норт выступление в одной из самых ранних серий концертов, организованных в Лондоне в 1670-х годах:

Первая попытка была неудачной: проект старого [Джона] Банистера, который был хорошей скрипкой и театральным композитором. Он открыл темную комнату в трактире «Белые монахи»; наполнил его столами и сиденьями, а для музыки сделал боковой ящик с занавесками. Иногда консорт, иногда соло, скрипки, флаголета, бас-виолы, лютни и песни all’Italiana , и такие разновидности отвлекали компанию, которая платила за вход.Один шиллинг за штуку, звоните, сколько хотите, платите по счету и Добро пожаловать, господа .

Появление публичных концертов сделало растущий средний класс важным источником дохода для музыкантов. К концу барокко эта социальная группа стала музыкальным покровителем, почти таким же могущественным, как церковь или двор.

В начало

Что пришло после периода барокко?

К середине восемнадцатого века идея музыки в стиле барокко как формы риторики подверглась критике.Музыка обладала удивительно мощной способностью выражать даже самые сложные концепции — но только в ее самой «естественной» форме, которую эпоха барокко якобы запутала. Как сказал Иоганн Адольф Шайбе о И. С. Бахе в 1737 г.,

• Исторический контекст
• Композиторы барокко
• Характеристики музыки барокко
• Инструменты периода барокко
• Типичные музыкальные формы
• Вокальная музыка барокко
9231 Исторический контекст музыки барокко

Период барокко был очень насыщенным периодом истории.
В Европе 30-летняя война (1618-1648) свирепствовала и могущественные правители, такие как Людовик XIV во Франции , Карл II в Англии и Петр Великий в России правил с большой жестокостью .

Это было также время великих научных открытий — (вспомните таких людей, как Галлилео и сэр Исаак Ньютон ) и новые земли все еще исследовались.
Великие художники, такие как Рембрандт и Караваджо , разрабатывали новые техники в мире искусства.

Это неудивительно, поэтому музыка, сочиненная и исполняемая в то время, также расширила границы того, что было слышно до этого момента.

Композиторы эпохи барокко

Иоганн Себастьян Бах (сочинил более 1000 музыкальных произведений !!) , Джордж Фредерик Гендель (написал Мессию) и Антонио Вивальди (Времена года и Глория остаются очень популярны) считаются самыми известными композиторами эпохи барокко.

Давайте послушаем их работы.
Вот Глория в Excelsis Deo Баха в исполнении Нидерландского общества Баха:


Вот Аллилуйя из Мессии Генделя :

Играть Гендель Мессия Аллилуйя


(В исполнении оркестра Генделя Armonici)

Вот отрывок из Four Seasons Вивальди :

Играть Vivaldi Four Seasons


(солист Джон Харрисон)

Характеристики музыки барокко

Если бы вы могли придумать только 3 слова, чтобы описать характерная для кого-то музыка в стиле барокко, то тональность, мелодия и контраст слов будут иметь большое значение для того, чтобы помочь вам в этом.

Тональность в музыке барокко

Период барокко — время, когда утвердилась тональность, с которой мы наиболее знакомы сегодня.
Мажорная и минорная клавиши заняли центральное место и удерживают эту позицию с (хотя мы увидим в более поздние периоды, что они не всегда были бесспорными в этом доминировании!) .
Лоно, столь характерное для эпохи Возрождения, уступило место этой новой тональности.

Барочные мелодии

Барочные композиторы писали мелодии на основе мажорной / минорной тональности.
Они использовали мотивы (короткие мелодические фразы) , которые повторялись и развивались, а многие мелодии были украшены орнаментом, например трелями.
Значительно удлинились и мелодии эпохи барокко.

Эти длинные мелодии были поддержаны все более сложной гармонией , используемой композиторами в таких структурах, как фуги и токкаты.

Композиторы эпохи барокко любили писать музыку для контрапунктов. Эта техника заключается в том, что разные мелодические линии воспроизводятся одновременно и сплетаются вместе, образуя единое целое.В частности, музыка Баха все еще изучается сегодня при изучении контрапункта.

Контраст в музыке барокко

Музыка барокко также отличается повышенным акцентом на контрасте.
Это слышно по-разному:

• громкий и тихий динамик (громкость) — композиторы в стиле барокко использовали террасный динамик — здесь громкость музыки изменяется внезапно, а не через постепенное крещендо / diminuendo.Этот эффект часто можно услышать между более тихим соло и более громкими частями тутти концертного гроссо .
• сольные и ансамблевые инструменты (например, в концерте),
• различных инструментальных тембра / звука.

Послушайте контраст в динамике в этом концерте гроссо Генделя:


Сыграть Генделя Concerto Grosso


(Взято из Европейского архива)

Стиль барокко сохранил четкое ощущение витиеватого порядка , но с течением времени становился все более эмоциональным.Он также отличался использованием орнамента (в некоторых случаях довольно много орнамента !!).

Инструменты периода барокко

Период барокко стал свидетелем развития ряда инструментов.


Инструменты, появившиеся в эпоху Возрождения, оставались популярными и в период барокко, включая виолу (или альт да гамба), записывающие устройства, лютни и флейты.

В период барокко оркестр также начал развиваться, как вы можете услышать в некоторых из приведенных ниже примеров.

Клавесин

Одним из самых ярких инструментов периода барокко был клавесин .
На самом деле, как правило, если вы слышите клавесин в музыкальном произведении, скорее всего, это произведение из периода барокко!

Клавесин — это клавишный инструмент , который немного похож на пианино, но меньше по размеру.
Струны перебираются , а не ударяются молотком (как в фортепиано).

Он также может играть только на одной громкости (в отличие от фортепиано, где вы можете изменять динамику в зависимости от того, насколько сильно / мягко вы нажимаете клавиши).
Вот изображение клавесина и аудио пример клавесина.
Вы слышите характерный «резкий» звук при перещипывании струн?




Сыграть фугу Баха си-бемоль мажор


(Взято из Европейского архива)

Трубный орган

Еще одним чрезвычайно популярным инструментом эпохи барокко был трубочный орган .
Многие органные произведения, которые мы слышим в исполнении сегодня, были написаны в период барокко — фактически, многие из них были написаны одним человеком — Иоганном Себастьяном Бахом — возможно, «лицом» музыки барокко.
Ниже его портрет и начало очень известного примера его органной музыки, называемой токката и фуга ре минор.




Токката и фуга ре минор Дж. С. Баха


(Исполняет Пол Питман)

Формы музыки барокко

В период барокко возник ряд форм / структур, в том числе Concerto Grosso , соната , сюита и фуга .

Concerto Grosso

Это была ранняя форма концерта .
Это был антифон (то есть музыку играют поочередно две группы игроков) .
В концертном гроссо небольшая группа струнных инструментов (концертино, концерт или концерт) чередовалась / контрастировала с большей группой (рипиено) .
Handel и Corelli были известными их составителями.
(в начале урока вы слышали отрывок из Concerto Grosso Генделя)

Соната

Соната стала очень популярной в плане композиции.
Обычно пишутся для сольных инструментов (с аккомпанементом) , эти пьесы состоят из частей (представьте их как мини-пьес внутри пьесы) .
Аккомпанементы в стиле барокко часто записывались как континуо .
Contino — это стиль импровизированного аккомпанемента , основанный на фигурных басовых отметках , обычно играемых на клавесине и / или лютне.
Послушайте этот отрывок из сонаты Генделя для магнитофона:

Сыграйте сонату для магнитофона Генделя в F


(в исполнении трио Телемана)

Suite

Suite стала очень популярной формой музыки барокко.
Сюита содержала серий танцев , сгруппированных вместе.
Стандартные 4 танца, которые вы найдете:

• Allemande
• Courante — (оптимистичный в тройном метре)
• Сарабанда — (медленный в тройном метре. Акцент на 2-м доле такта.)
• Gigue — (оптимистичный в тройном метре) составной метр.)

Эти 4 были стандартными, но часто включались и другие, такие как Менуэт (танец в тройном метре) и прелюдия.

Вот прелюдия из известной Сюиты Баха для виолончели № 1 в исполнении Люсии Свартс:


Фуги также пользовались большой популярностью.
Фуги довольно сложно описать / понять, поэтому я написал по ним еще один урок. Щелкните здесь, чтобы перейти к моему уроку по фугам.

Вокальная музыка периода барокко

Церковная музыка

Неудивительно, что церковная музыка все еще была широко распространена в период барокко.
Большие священные хоровые произведения, включая оратории, страсти, кантату, мессу и гимн , были написаны и исполнены в то время.Многие из этих произведений до сих пор пользуются неизменным успехом у хоров, например, Баха Страсти по Матфею , Мессия Генделя и Глория Вивальди .
Послушайте следующий пример из Страсти Баха по Св. Матфею:

Сыграйте И.С. Баха Страсти по Матфею


(Взято из Европейского архива)

Сольные вокальные пьесы

Сольные вокальные произведения также пользовались наибольшей популярностью. особенно da capo aria .Да капо ария — музыкальное произведение, исполняемое солистом в инструментальном сопровождении.
Послушайте этот пример из оперы Монтеверди, L’Orfeo:

Сыграйте сольную оперную пьесу


(Исполняет Анна Симболи)

Барочная опера

Опера стала большой и все более эмоциональной в период барокко.
Стиль пения также изменился с речитатива на арию.

Я действительно надеюсь, что этот урок музыки барокко дал вам полезное введение в тот период.
Попробуйте и послушайте как можно больше примеров музыки в стиле барокко, чтобы «почувствовать», как она звучит.
Наслаждайтесь!

Поделитесь этим сообщением: в Твиттере на Facebook в Google+

Характеристики музыки барокко: введение

Характеристики музыки барокко

Что касается западного искусства, период барокко года последовал за эпохой Возрождения и, по общему мнению, охватывал годы от 1600 примерно до 1750 года, когда начался классический период. Когда мы внимательно смотрим на характеристики этого периода музыкальной истории, мы обнаруживаем, что он является естественным продолжением того, что было раньше.Многие формы, структуры и условности эпохи Возрождения составляют основу нового стиля и звучания барокко. В этой статье я кратко опишу некоторые из ключевых особенностей музыки периода барокко, чтобы дать представление о том, что нужно прислушиваться.

Читайте также:

Характеристики музыки барокко

Для многих великолепие эпохи барокко олицетворяет величие и элегантность. Музыка барокко — большой фаворит на свадьбах и торжественных мероприятиях, и не зря.Многие произведения, которые остались нашими музыкальными фаворитами периода барокко, поистине великолепны и отражают богатство архитектуры и изобразительного искусства того времени. Это справедливо как для священных, так и для светских произведений того периода, чье величие и острый орнамент все еще привлекают внимание.

Многие музыкальные формы, которые мы узнаем сегодня в западной классической музыке, были распространены и в эпоху барокко. Концерт был очень популярной музыкальной формой, как и Концерт Гроссо. По сути, ключевое различие между этими двумя типами музыки состоит в том, что Concerto Grosso был написан для группы солистов ( концертино ) и сопровождающего их оркестра или ансамбля ( ripieno ), тогда как концерт чаще всего был солист-одиночка и оркестр.Количество движений могло варьироваться, но они регулярно следовали быстрому, медленному, быстрому образцу и часто основывались на более ранних танцевальных формах эпохи Возрождения.

Вивальди и Корелли часто считают двумя композиторами эпохи барокко, внесшими наибольший вклад в эти музыкальные формы. Сегодня Вивальди, возможно, более известен своим драматическим изображением времен года в «Quattro Stagioni» или «Времена года». Для Корелли 12 концертов гросси, соч. 6 являются одними из лучших за этот период. Корелли также был мастером трио-сонаты , которая выросла из канцоны эпохи Возрождения и состояла из двух скрипок и континуо.

Куртуазные танцы, которые использовались в ранней музыке, теперь стали основой инструментальных произведений в стиле барокко. Они пришли со всей Европы и в равной степени испытали влияние Германии, Франции и Италии. Композиторы эпохи барокко взяли эти танцы и развили их в отдельные пьесы, без потребности в танцорах, хотя ощущение , очевидно, остается танца. Обычные танцы эпохи Возрождения, которые композиторы эпохи барокко превратили в инструментальные «сюиты», включали allemande, , courante , gigue и sarabande .У каждого танца было контрастное чувство и размер. allemande будет входить в умеренную четверку, а sarabande — в медленную тройку. Компания J.S. Английская, французская и немецкая сюиты Баха лаконично иллюстрируют это положение.

Как и в любой другой период истории музыки, инструментальное развитие занимало центральное место. Виола (предшественница современной скрипки) была отвергнута в пользу новой, более выразительной и динамичной скрипки. В значительной степени Екатерина Медичи финансировала разработку инструмента, а такие мастера, как Страдивари, создавали инструменты, которые до сих пор популярны среди современных исполнителей.Клавесин стал основой большинства ансамблей и в сочетании с виолончелью или иногда с контрабасом образовал то, что было известно как континуо . (Сопровождающая партия, которая поддерживает мелодические линии, обеспечивая гармонию и ритм). Флейты, гобои, трубы (без клапанов) и литавры стали признанными членами того, что в конечном итоге разовьется в симфонический оркестр, который мы знаем сегодня. По мере повышения качества инструментов композиторы все чаще использовали больший динамический диапазон. Antiphonal Музыка была обычным явлением, когда резкие контрасты между тихими частями музыки мягко сочетались с сильными, forte частями. Эти динамических вариаций были важной особенностью музыки барокко.

Хоровая музыка не осталась без внимания в период барокко. Духовная музыка составляла значительную часть трудовой нагрузки большинства композиторов эпохи барокко. Месса, Кантата и до некоторой степени Оратория были полностью утвердились как краеугольные камни таких крупных композиторов, как Бах (Страсти и месса Святого Матфея си минор), Гендель (Мессия), Вивальди (Глория: RV589).Не следует упускать из виду Генри Перселла с точки зрения духовной музыки барокко с его обширной коллекцией из гимнов и религиозных песен. С другой стороны вокальной музыки в стиле барокко Пёрселл также начал исследовать концепцию оперы. «Дидона и Эней» Перселла многие считают первым примером полноценной оперы, написанной в тот период.

Клавиатура стала неотъемлемой частью музыкальной диеты эпохи барокко. Несмотря на то, что сам клавесин был заведомо ненадежным инструментом, который быстро выходил из строя, для него и его соперника, органа, было написано множество пьес.Скарлатти и итальянский композитор много писали для клавишных и создали великолепное множество сонат (в основном одночастных). Самые известные клавишные произведения Баха можно назвать его 48 прелюдиями и фугами. Многие из этих клавишных произведений демонстрируют качества, характерные для того периода. Фуги Баха — очень сложная музыкальная форма с переплетающимися мелодическими линиями, которые создают плотные и красивые текстуры. В музыкальном плане это называется полифоническим (много звуков).Еще одна особенность этих изделий — контрапункт . Этот тип музыкального письма восходит к эпохе Возрождения, когда одна музыкальная линия растет, а другая одновременно падает.

Дополнительной характеристикой, которую важно слушать в музыке барокко, является последовательность и имитация . Слово последовательность относится к определенной последовательности аккордов в музыкальном разделе, который обычно следует легко узнаваемой схеме. Он используется для цвета в музыке, а иногда и для плавного изменения тональности.Я считаю Вивальди мастером этого дела, и он очень эффектно использует это во многих своих работах. Подражание в музыкальных терминах — это то, что следует из этого слова; имитационный, где вы можете услышать отрывки мелодии, переходящие от одного инструмента или голоса к другому, иногда как идеальную копию.

В качестве отправной точки в вашем открытии музыки барокко попробуйте некоторые из этих произведений:

И. С. Бах — 48 прелюдий и фуг, Страсти по Матфею, любой из Бранденбургских концертов

G.F. Гендель — Мессия Concerti Grossi, соч.3, Музыка для королевского фейерверка

Вивальди — Времена года, L’estro armonica, Stabat Mater

Что такое музыка барокко? — Определение, история, характеристики и композиторы — Видео и стенограмма урока

История музыки барокко

Вместе с великими инновациями эпохи Возрождения появились новые инструменты и новые способы изготовления этих инструментов. Наиболее примечательными из них были фортепиано pianoforte , предшественник современного фортепиано, а также действительно превосходные скрипки, созданные семьей Страдивари.Независимо от инструмента, теперь доступен более широкий диапазон музыки, и композиторы стремились использовать это в своих интересах.

Кроме того, 1600 год ознаменовал период социальных потрясений в Европе. Римско-католическая церковь, когда-то объединенная в большей части Европы, была расколота протестантской Реформацией , которая создала различные протестантские конфессии по всей Северной Европе. Католическая церковь, стремясь вернуть себе былое влияние, вскоре стала поощрять музыкантов и композиторов писать произведения, которые могли бы понравиться массам.

Однако период барокко был связан не только с религией. Действительно, именно в этот период музыкальной истории зародился один из величайших жанров западного канона — опера , сочетающая музыку с драматургией. В этот период были созданы и другие типы композиций, такие как концерт, соната и кантата.

Характеристики музыки барокко

В отличие от всего, что мир видел до ее создания, музыка барокко имеет множество особенностей, которые помогают пометить произведение как барокко.Три важных особенности — это акцент на верхних и нижних тонах, акцент на многослойных мелодиях и увеличение размера оркестра.

1. Композиторы эпохи барокко уделяли большое внимание верхним и нижним тембрам или партиям, которые должны исполняться басом и сопрано. Это часто оставляло музыкантам, которые играли между этими диапазонами, импровизировать свои собственные работы.
Композиции
2. в стиле барокко также были в значительной степени сосредоточены на многослойной мелодии , что означало, что одни и те же ноты часто повторялись в композиции, хотя и игрались разными музыкантами.В результате музыка, которая изначально была написана для обучения игре на музыкальном инструменте, вскоре стала такой же популярной, как и концертные произведения.
3. Различные части в данном музыкальном произведении теперь означали, что размер оркестров существенно вырос за этот период. Композиторам, например, требовалось несколько скрипок во многих пьесах. Кроме того, доступные типы инструментов сделали неизбежным такой рост оркестра.

Композиторы в стиле барокко

Некоторые из самых известных композиторов в истории появились в период барокко.Особого внимания заслуживают три: Бах, Гендель и Монтеверди.

Иоганн Себастьян Бах — несомненно, самый известный композитор периода барокко и один из самых известных композиторов всех времен. При жизни его больше считали органистом, но с тех пор он прославился своей композиторской работой.

Джордж Фридрих Гендель написал свой величайший труд, Мессия , в качестве музыкального контраргумента Англиканской церкви против католической церкви.Сегодня он остается одним из самых известных произведений периода барокко и сам по себе является прекрасным образцом работы в стиле барокко.

В отличие от протестанта Генделя, Клаудио Монтеверди был католическим священником, но прежде всего его помнят за написание некоторых из первых опер в истории, а не за его религиозную музыку. Эти произведения основаны на рассказах о героях из греческой и римской мифологии, что делает их беспроигрышным вариантом в религиозно заряженной среде.

Краткое содержание урока

Подобно деформированной жемчужине, от которой стиль получил свое название, Музыка в стиле барокко является доведенным до крайности украшением.Наслаивая мелодии, исполняемые как на верхних, так и на нижних тонах музыки, можно получить богатство, которое действительно могло бы звучать достаточно небесно, чтобы изменить мнение людей о религии. Однако с тех пор его больше всего помнят по операм, которые открыли композиторам совершенно новый музыкальный стиль.

Музыка барокко

Музыка барокко: определение, история, характеристики и композиторы
Музыка барокко — это сильно украшенный стиль музыки, пришедший из эпохи Возрождения.
Возрождение принесло с собой новые и улучшенные инструменты, и композиторы захотели их использовать.
Чтобы конкурировать с протестантской Реформацией, католическая церковь поощряла композиторов писать эту новую музыку.
В музыке барокко были три важных особенности: акцент на верхних и нижних тонах; акцент на многослойных мелодиях; увеличение размера оркестра.
Иоганн Себастьян Бах был более известен в свое время как органист.
Джордж Фридрих Гендель написал Мессию в качестве контраргумента против католической церкви.
Клаудио Монтеверди был католическим священником; его прежде всего помнят за написание некоторых из первых опер.

Результаты обучения

После изучения деталей этого видео-урока вам будет легко:

• Описать музыку в стиле барокко и определить период, в течение которого она имела место
• Анализировать историю музыки барокко
• Изучить особенности музыки барокко
• Список известных композиторов эпохи барокко

Музыка барокко: руководство для начинающих

По большому счету, период барокко — это время рождения оркестра, рождение оперы с размахом, а концерт дал возможность солистам достойно блеснуть.С начала периода в начале 1600-х годов до того, когда стиль классического периода начал преобладать в середине 1700-х годов, звучание периода барокко оставалось отчетливым — упорядоченным, витиеватым и все более эмоциональным с течением времени.

Прежде всего, пара мелочей, чтобы поднять настроение …

Изабель Эсейн исполняет захватывающую виртуозную музыку в стиле барокко на виоле да гамба:

Виола (или виола да гамба) впервые появилась в Испании в конце 15 века.Альтисты были очень популярны в Англии у таких композиторов, как Генри Перселл, Уильям Берд и Тобиас Хьюм. Кроме того, виола использовалась в оркестрах и группах камерной музыки до 18 века, где она культивировалась в придворном обществе как сольный инструмент. Такие композиторы, как Марин Марэ, Бах, Телеман, Форкрей, Гендель и Кэбель написали для нее много виртуозной музыки. Это произведение — «Леклер» Антуана Форкере, композитора и виртуоза, который, как говорили, играл как дьявол.Он посвятил это произведение знаменитому скрипачу в стиле барокко Жан-Мари Леклер.

Это «Марионы» композитора эпохи барокко Сапниша Гаспара Санса (ок. 1640 — ок. 1710) в исполнении Даниэля Сапико и Пабло Сапико.

Звук в стиле барокко

В практическом смысле в период барокко есть некоторые действительно определяющие характеристики, которые отличают его от того, что было до или после. Например, вы можете ожидать услышать много клавесина, но в более общем плане основной прогресс, который произошел, когда период Возрождения превратился в барокко, — это появление более современной гармонии.

Под гармонией мы подразумеваем сочетание более чем одной ноты одновременно, и композиторы эпохи барокко, такие как Бах, Гендель и Вивальди, просто сделали это немного более доступным. Давайте немного послушаем Монтеверди Vespers , чтобы показать, какой именно вид гармонии внезапно стал популярным:

Барочные инструменты

Хотя многие инструментальные разработки были сделаны в период барокко, на все них отбрасывается одна довольно большая тень в форме клавиатуры — клавесин.Вы услышите его характерный щипковый звук повсюду в произведениях той эпохи, но вот отличный пример от J.S. Баха:

Помимо вездесущего клавесина, период барокко также содержал несколько пережитков эпохи Возрождения, включая записывающие устройства, альты, лютни, флейты и целый ряд струнных инструментов, которые постепенно вышли из употребления.

Предметы барокко

Религиозная музыка была огромной частью периода барокко, но понадобились такие композиторы, как Гендель и Бах, чтобы превратить их в эмоциональные, человеческие переживания.Огромные возвышающиеся произведения священного канона барокко включают Баха Страсти по Матфею и Генделя Мессия . Но давайте попробуем Handel Zadok the Priest (соберитесь с духом):

В репертуаре эпохи барокко так много знаковых произведений, что трудно выбрать хотя бы одну, но если нас подтолкнет, мы выберем «Четыре сезона» Вивальди . Это не только красивое и вызывающее воспоминания музыкальное произведение, но и прекрасное представление о возрастающей поэтической силе, к которой стремилась музыка барокко.Одно из истинно универсальных музыкальных произведений, оно так же полезно как для начинающих, так и для опытных экспертов. Пусть великий Найджел Кеннеди покажет вам, почему:

Искусство и архитектура барокко Обзор движения

Le debarquement de Marie de Médicis au port de Marseille le 3 ноября (ок. 1622-1625)

Художник: Питер Пауль Рубенс

На этой картине изображено прибытие королевы Франции Марии де Медичи, одетый в великолепное серебро, в сопровождении Великой Герцогини Тосканы и Герцогини Мантуанской, высаживается на красный парапет.Солдат в синем плаще с золотым узором fleur-de-lis , обозначающим Францию, открывает руки, чтобы поприветствовать ее. Над ней мифологическая крылатая фигура, представляющая Славу двумя трубами, возвещает о ее прибытии, чтобы выйти замуж за короля Генриха IV. Диагональ красного парапета, идущего от золотого носа корабля, создает ощущение движения, а также разделяет картину на два разных мира; элегантный и изысканный мир благородства наверху и классическая мифологическая сцена внизу. Три греческие наяды, богини моря, обеспечивающие безопасное плавание, заполняют нижнюю часть кадра.Слева от них Нептун с седой бородой протягивает руку, чтобы успокоить море, а рядом с ним бог Фортуны прислоняется к лодке, управляя ею. Эти мифологические фигуры придают величие и аллегорическое значение прибытию королевы, но в то же время три обнаженных наяды своей динамичной чувственностью затмевают это событие.

Мастерские композиции Рубенса, сочетающие богатство истории и аллегории с изображением характерных моментов в сценах визуального изобилия, пользовались большим спросом у знати.Беззастенчивая чувственность его обнаженных женщин в полный рост также была новаторской, и настолько самобытной, что их до сих пор называют «Рубенесками». Как писал искусствовед Марк Хадсон: «Он импортировал в Северную Европу протобарочную живопись Тициана и Микеланджело и суровый реализм Караваджо, соединив их в физически гигантском, чувственно перегруженном, торжествующем католическом искусстве».

Это была одна из 24 картин, заказанных Марией Медичи в 1621 году, после убийства ее мужа Генриха IV, для создания цикла, увековечивающего ее жизнь.Возможно, у нее также была мотивация изобразить свое законное положение, поскольку напряженность между правящими фракциями во Франции и «иностранной» королевой привела к ее изгнанию из двора в 1617 году. Рубенса, самого известного художника Северной Европы, тянуло к комиссия, поскольку она дала ему разрешение исследовать светский предмет, и тот, который он мог проинформировать с помощью аллегорических и мифологических трактовок. Историк искусства Роджер Авермаэте писал об этой работе: «Он окружил ее [Марию Медичи] таким обилием приспособлений, что в любой момент она почти отодвигалась на задний план.Рассмотрим, например, Высадка в Марселе , где все смотрят только на сладострастные наяды, в ущерб королеве, которую Франция принимает с распростертыми объятиями ».

Работы Рубена оказали влияние на таких художников, как Веласкес и другие. сообщил последующим художникам рококо, в том числе Антуану Ватто и Франсуа Буше. Он также оказал влияние на Эжена Делакруа, Поля Сезанна и Пабло Пикассо. Его пейзажи, хотя и менее известны, также повлияли на JMW.Тернер, Джон Констебл и Томас Гейнсборо. Как писал Марк Хадсон: «От Рембрандта, Ватто и Делакруа до Сезанна и Пикассо, рубенская чувственность пронизывает все западное искусство».

Барокко искусство характеристики — Opulant, Таинственная и Сенсационные

LnRiLWdyaWQsLnRiLWdyaWQ + LmJsb2NrLWVkaXRvci1pbm5lci1ibG9ja3M + LmJsb2NrLWVkaXRvci1ibG9jay1saXN0X19sYXlvdXR7ZGlzcGxheTpncmlkO2dyaWQtcm93LWdhcDoyNXB4O2dyaWQtY29sdW1uLWdhcDoyNXB4fS50Yi1ncmlkLWl0ZW17YmFja2dyb3VuZDojZDM4YTAzO3BhZGRpbmc6MzBweH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW57ZmxleC13cmFwOndyYXB9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uPip7d2lkdGg6MTAwJX0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi10b3B7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LXN0YXJ0fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWNlbnRlcnt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmNlbnRlcn0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1ib3R0b217d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LWVuZh2AbWVkaWEgb25seSBzY3JlZW4gYW5kIChtYXgtd2lkdGg6IDc4MXB4KSB7IC50Yi1ncmlkLC50Yi1ncmlkPi5ibG9jay1lZGl0b3ItaW5uZXItYmxvY2tzPi5ibG9jay1lZGl0b3ItYmxvY2stbGlzdF9fbGF5b3V0e2Rpc3BsYXk6Z3JpZDtncmlkLXJvdy1nYXA6MjVweDtncmlkLWNvbHVtbi1nYXA6MjVweH0udGItZ3JpZC1pdGVte2JhY2tncm 91bmQ6I2QzOGEwMztwYWRkaW5nOjMwcHh9LnRiLWdyaWQtY29sdW1ue2ZsZXgtd3JhcDp3cmFwfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbj4qe3dpZHRoOjEwMCV9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tdG9we3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1zdGFydH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1jZW50ZXJ7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpjZW50ZXJ9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tYm90dG9te3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1lbmR9IH0gQG1lZGlhIG9ubHkgc2NyZWVuIGFuZCAobWF4LXdpZHRoOiA1OTlweCkgeyAudGItZ3JpZCwudGItZ3JpZD4uYmxvY2stZWRpdG9yLWlubmVyLWJsb2Nrcz4uYmxvY2stZWRpdG9yLWJsb2NrLWxpc3RfX2xheW91dHtkaXNwbGF5OmdyaWQ7Z3JpZC1yb3ctZ2FwOjI1cHg7Z3JpZC1jb2x1bW4tZ2FwOjI1cHh9LnRiLWdyaWQtaXRlbXtiYWNrZ3JvdW5kOiNkMzhhMDM7cGFkZGluZzozMHB4fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbntmbGV4LXdyYXA6d3JhcH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4 + Knt3aWR0aDoxMDAlfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLXRvcHt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmZsZXgtc3RhcnR9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tY2VudGVye3dpZHRoOjEwMCU7ZG lzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6Y2VudGVyfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWJvdHRvbXt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmZsZXgtZW5kfSB9IA ==

LnRiLWdyaWQsLnRiLWdyaWQ + LmJsb2NrLWVkaXRvci1pbm5lci1ibG9ja3M + LmJsb2NrLWVkaXRvci1ibG9jay1saXN0X19sYXlvdXR7ZGlzcGxheTpncmlkO2dyaWQtcm93LWdhcDoyNXB4O2dyaWQtY29sdW1uLWdhcDoyNXB4fS50Yi1ncmlkLWl0ZW17YmFja2dyb3VuZDojZDM4YTAzO3BhZGRpbmc6MzBweH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW57ZmxleC13cmFwOndyYXB9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uPip7d2lkdGg6MTAwJX0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi10b3B7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LXN0YXJ0fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWNlbnRlcnt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmNlbnRlcn0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1ib3R0b217d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpmbGV4LWVuZh2AbWVkaWEgb25seSBzY3JlZW4gYW5kIChtYXgtd2lkdGg6IDc4MXB4KSB7IC50Yi1ncmlkLC50Yi1ncmlkPi5ibG9jay1lZGl0b3ItaW5uZXItYmxvY2tzPi5ibG9jay1lZGl0b3ItYmxvY2stbGlzdF9fbGF5b3V0e 2Rpc3BsYXk6Z3JpZDtncmlkLXJvdy1nYXA6MjVweDtncmlkLWNvbHVtbi1nYXA6MjVweH0udGItZ3JpZC1pdGVte2JhY2tncm91bmQ6I2QzOGEwMztwYWRkaW5nOjMwcHh9LnRiLWdyaWQtY29sdW1ue2ZsZXgtd3JhcDp3cmFwfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbj4qe3dpZHRoOjEwMCV9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tdG9we3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1zdGFydH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4udGItZ3JpZC1hbGlnbi1jZW50ZXJ7d2lkdGg6MTAwJTtkaXNwbGF5OmZsZXg7YWxpZ24tY29udGVudDpjZW50ZXJ9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tYm90dG9te3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6ZmxleC1lbmR9IH0gQG1lZGlhIG9ubHkgc2NyZWVuIGFuZCAobWF4LXdpZHRoOiA1OTlweCkgeyAudGItZ3JpZCwudGItZ3JpZD4uYmxvY2stZWRpdG9yLWlubmVyLWJsb2Nrcz4uYmxvY2stZWRpdG9yLWJsb2NrLWxpc3RfX2xheW91dHtkaXNwbGF5OmdyaWQ7Z3JpZC1yb3ctZ2FwOjI1cHg7Z3JpZC1jb2x1bW4tZ2FwOjI1cHh9LnRiLWdyaWQtaXRlbXtiYWNrZ3JvdW5kOiNkMzhhMDM7cGFkZGluZzozMHB4fS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbntmbGV4LXdyYXA6d3JhcH0udGItZ3JpZC1jb2x1bW4 + Knt3aWR0aDoxMDAlfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLXRvcHt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthb Glnbi1jb250ZW50OmZsZXgtc3RhcnR9LnRiLWdyaWQtY29sdW1uLnRiLWdyaWQtYWxpZ24tY2VudGVye3dpZHRoOjEwMCU7ZGlzcGxheTpmbGV4O2FsaWduLWNvbnRlbnQ6Y2VudGVyfS50Yi1ncmlkLWNvbHVtbi50Yi1ncmlkLWFsaWduLWJvdHRvbXt3aWR0aDoxMDAlO2Rpc3BsYXk6ZmxleDthbGlnbi1jb250ZW50OmZsZXgtZW5kfSB9IA ==

1600-1700

Барокко искусство это все о величии, и когда вы говорите о барокко в искусстве, это величина изысканности и красоты, что она ретранслирует остается важным наследием все пути.Тяжелая, грандиозная щедрость позолоченной архитектуры и дизайна интерьера в стиле барокко очевидна и в его произведениях искусства, и это одна из выдающихся характеристик искусства барокко, поскольку известно, что оно легко выражает драматизм и напряжение во всех прикладных искусствах.

Четыре континента Искусство барокко

Потребность аристократии в том, чтобы произвести впечатление богатством и величием, заставляла ремесленников почти целое столетие возводить тщательно украшенные и тяжелые парадные лестницы в чрезмерно украшенных дворцах в стиле барокко.

Католическая церковь поощряла эту яркость в своем стремлении восстановить церковь после протестантской Реформации.

Многие богатые епископы и видное духовенство Церкви хотели быть уверены, что люди осознают верховенство Церкви и Божьи благословения на нее, поэтому они поручили нескольким художникам и архитекторам убедиться, что самые роскошные, величественные и внушительные здания и декорации из возможных отправят свое послание народу.

«Мой талант таков, что никакое предприятие, каким бы масштабным оно ни было… никогда не превосходило мою храбрость». — Питер Пауль Рубенс

Протестантская Голландия и другие протестантские регионы не видели такого религиозного интереса к стилю барокко, но он присутствовал среди различных классов, в том числе среднего класса.

Истоки искусства барокко и историческое значение:

Примерно в 1600 году, после Тридентского собора, задачей католической церкви было донести религию до масс в эмоционально вызывающей манере, которая дала бы религиозное понимание неграмотные в дополнение к образованным.

Преобразование на пути к Дамаску Искусство барокко

Этимология слова «барокко» состоит в том, что его латинские корни подразумевают значение «грубый или несовершенный жемчуг».

На неформальном языке это просто относится к чему-то подробному и детально проработанному. В то время он не использовался, но позже был приписан движению более поздних художественных критиков, чтобы критиковать избыток периода в его применении, деталях и легкомыслии в архитектуре, но позже был применен к другим искусствам периода.В любом случае, великолепная природа остается одной из ключевых характеристик искусства барокко.

«Все работы, независимо от того, что и кем написано, — не что иное, как вещицы и детские мелочи … если только они не созданы и нарисованы с натуры, а там может быть ничего… лучше, чем следовать природе ». — Караваджо

Барокко следовало интеллектуальным и элитарным стилям Возрождения и маньеризма и вместо этого обратилось к сенсорному подходу, чтобы обратиться к более широкой аудитории, которая могла не понимать двусмысленные значения, которые ранее были известны только образованным людям.

3 Характеристики искусства эпохи Возрождения, навсегда изменившего мир

В живописи в стиле барокко не было таинственности, но в то же время преобладала интенсивность эмоций, проявляемых через сенсационность и преувеличенный свет.

Он мало или совсем не походил на образ жизни людей периода барокко, но его мелодраматическое выражение, как считалось, прославляло монархию и подтверждало эмоциональную глубину католической церкви. Тематика включала жизнь Христа, жизнь Марии, а также важные эмоциональные или трогательные сцены из Нового Завета, такие как видение Павлом Иисуса на дороге в Дамаск.

Экстаз Святой Терезы Искусство барокко

Протестантские регионы, а именно Голландия, действительно сосредоточились на повседневной жизни, натюрмортах и ​​пейзаже, но лишь некоторые художники адаптировали величие барокко.

Vermeer, например, не участвовал. Художники того времени, особенно в Нидерландах, сосредоточились на игре света превыше всего и предпочли темный фон, чтобы продемонстрировать главный объект на свету. По этой причине они часто избегали человеческих фигур и предпочитали натюрморты, особенно с фруктами.

Скульптура в стиле барокко, сфокусированная на движении человека и выражающая энергию с помощью оси в спирали, иногда вытягивающейся, вызывая интерес зрителя со всех сторон.

Добавлены украшения, такие как скрытые фонтаны или замаскированное освещение, чтобы придать изделию живое качество.

«Есть два приспособления, которые могут помочь скульптору оценить свою работу: одно — не видеть его какое-то время. Другой … это смотреть на его работу через очки, которые изменят свой цвет, увеличат или уменьшат его, чтобы каким-то образом замаскировать это для его глаза и заставить его выглядеть так, как будто это работа другого … »- Джан Лоренцо Бернини

Архитектура в стиле барокко, основанная на смелости и величии, включая колоннады, светотень, купола и большие декоративные лестницы.Идея создания лучшего жилища для самого важного человека в здании, государственной квартиры, является изобретением архитектуры в стиле барокко.

С упадком власти и богатства Италии пришло в упадок и барокко. Франция становилась более крупным игроком на мировой арене, и ее главный декоративный объект, рококо, становился все более модным.

Основные моменты искусства барокко:

• Бернини был одним из лучших художников периода барокко, работавшим практически во всех средах, включая скульптуру, перформанс, написание пьес, живопись и проектирование архитектуры.
• «Святая Тереза ​​в экстазе», созданная Бернини, — это триумф архитектуры, драмы, скульптуры и истории воедино.
• Архитектура барокко известна своим величием, поэтому интересно отметить, что ее самым влиятельным художником был Питер Пауль Рубенс, художник, известный своими «рубенскими» женщинами — женщины величественных пропорций изображены в позах и освещении, которое делает их красивыми.
• Искусство эпохи Возрождения показывает сцену за мгновение до начала действия. Барокко оттачивает самую кульминацию момента наибольшего напряжения.
• Формы в архитектуре, которые в то время были исключительными для барокко, более округлые в Центральной Европе и формы груши в Восточной Европе.

Искусство барокко — Лучшие работы:

Афинская школа Рафаэля Санцио

Афинская школа Рафаэля Санцио

Афинская школа — это картина, созданная Рафаэлем Санцио между 1509 и 1511 годами. Эта картина известна как « Шедевр Рафаэля Санцио », который можно увидеть в Апостольском дворце Ватикана.На этой картине Рафаэль представлял всех ученых, математиков и философов.

Почему вид на цветок Греции действительно шедевр?

Лас Менинас — Диего Веласкес

Лас Менинас — Диего Веласкес

Лас Менинас — картина, написанная Диего Веласкесом в 1656 году. Испанский художник считался ведущим художником Золотого века Испании. В западном мире эта картина — одна из самых анализируемых работ.

Экстаз Святой Терезы — Джан Лоренцо Бернини

Экстаз Святой Терезы — Джан Лоренцо Бернини

Экстаз Святой Терезы — картина, написанная Джаном Лоренцо Бернини между 1647 и 1652 годами.Сюжет картины — Тереза ​​Авильская. Он считается одним из скульптурных шедевров высокого римского барокко. Великолепие этого произведения искусства — ключевой пример богатого природного списка среди многих характеристик искусства барокко.

«Ночной дозор» Рембрандта ван Рейна

«Ночной дозор» Рембрандта ван Рейна

«Ночной дозор» — картина художника Рембрандта ван Рейна завершена в 1642 году. Картина голландского художника была одной из самых известных картин Золотого века Голландии.Барокко в искусстве — это высокая изысканность. Эту картину можно увидеть в Амстердамском музее.

Аполлон и Дафна — Джан Лоренцо Бернини

Аполлон и Дафна — Джан Лоренцо Бернини

Аполлон и Дафна — картина, написанная Джаном Лоренцо Бернини между 1622 и 1625 годами. В этом искусстве барокко итальянский художник изображает кульминацию истории Дафна и Феб в «Метаморфозах» Овидия.

Сотворение Адама Микеланджело

Сотворение Адама Микеланджело

Сотворение Адама — картина, написанная Микеланджело между 1508 и 1512 годами.На этой картине изображен Адам, который считается первым человеком, которому Бог дал жизнь. Размеры этой картины составляют 280 см × 570 см — и это можно считать одним из лучших и известных произведений искусства в стиле барокко, когда-либо созданных. Матфей — это картина, созданная Караваджо между 1599 и 1600 годами. На этой картине изображена сцена, в которой Иисус Христос вдохновляет Матфея последовать за ним. Эту картину можно увидеть в церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме.

Вакх — Караваджо

Вакх — Караваджо

«Вакх» — это картина, написанная Караваджо в 1595 году. На этой картине итальянский мастер изображает молодого и юного Вакха, лежащего в классическом стиле с виноградом и виноградными листьями в волосах. Эту картину можно увидеть в галерее Уффици во Флоренции.

Artemisia by Rembrandt

Artemisia by Rembrandt

Artemisia — это картина, написанная Рембрандтом в 1634 году. Сюжет, изображенный на этой картине, все еще ясен: это может быть Софонисба, или Артемизия, или королева, которая получает чашу от девушки.Картина голландского мастера подписана как «REMBRANDT F: 1634»

Ужин в Эммаусе Караваджо

Ужин в Эммаусе Караваджо

Ужин в Эммаусе — картина, написанная Караваджо в 1601 году, и остается одним из самых известных произведений искусства в стиле барокко. сделал. Брат кардинала Джироламо Маттеи, Сириако Маттеи, первоначально заказал эту картину, а также заплатил за нее. Эту картину можно увидеть в Национальной галерее в Лондоне.

История искусства Движения (Порядок по периоду происхождения)

Рассвет Человека — 10 до н.э.

Искусство палеолита (Рассвет человека — 10000 г. до н.э.), искусство неолита (8000 г. до н.э. — 500 г. н.э.), египетское искусство (3000 г. до н.э. — 100 г. н.э.), Древнее искусство Ближнего Востока (эпоха неолита — 651 г. до н.э.), Искусство бронзового и железного веков (3000 г. до н.э. — дебаты), Эгейское искусство (2800-100 гг. До н.э.), архаическое греческое искусство (660-480 г. до н.э.), классическое греческое искусство (480-323 гг. До н.э.), эллинистическое искусство (323 г. до н.э. — 27 г. до н.э.), этрусское искусство (700-90 гг. До н.э.)

1–10 веков

Римское искусство (500 г. до н.э. — 500 г. до н.э.), кельтское искусство.Парфянское и сасанидское искусство (247 г. до н.э. — 600 г. н.э.), степное искусство (9000 г. до н.э. — 100 г. н.э.), индийское искусство (3000 г. до н.э. — настоящее время), искусство Юго-Восточной Азии (2200 г. до н.э. — настоящее время), китайское и корейское искусство, японское искусство (11000 г. до н.э.) — Настоящее время), Раннехристианское искусство (260-525 гг. Н.э., византийское искусство (330-1453 гг.), Ирландское искусство (3300 г. до н.э. — настоящее время), англосаксонское искусство (450-1066 г. н.э.), искусство викингов (780-1100 гг. Н.э.), Исламское искусство (600 г. до н.э. — настоящее время)

10–15 веков

Искусство доколумбовой эпохи (13000 г. до н.э. — 1500 г. 1615 г. н.э.), Каролингское искусство (780-900 гг.), Оттоновское искусство (900-1050 гг.), Романское искусство (1000 г. — 1150 г.), готическое искусство (1100-1600 гг.), Выживание античности ()

Искусство История — XV век и позже

Стиль Возрождения (1300-1700), Северное Возрождение (1500-1615), Маньеризм (1520-17 век), Барокко (1600-1700), Рококо (1600-1700), Неоклассицизм (1720 — 1830), Роман тицизм (1790-1890), реализм (1848 — настоящее время), импрессионизм (1860 — 1895), постимпрессионизм (1886 — 1904), символизм и модерн (1880-1910), фовизм, экспрессионизм (1898-1920), кубизм .