homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Архитектура барокко / История архитектуры / www.

В XVI в. в некоторых странах под влиянием реформистского движения произошло ослабление могущества католической церкви, поэтому в последующий период церковь прилагает значительные усилия к возвращению утраченных позиций. Одновременно укрепляется господство светских властей. Новый художественный стиль — барокко — отвечает стремлению мощь и богатство путем внешнего их выражения.

Стиль барокко возник в Италии в результате дальнейшей эволюции стиля Возрождения. Свои «видимые» формы он стал обретать с конца XVI столетия. Из Италии барокко распространяется по всей Европе, где преобладал с конца XVI до середины XVIII в., в некоторых странах проявляется до второй половины XVIII в., и при этом в обоих направлениях. В Германии и Австрии строительство монументальных сооружений в XVII веке почти не велось в связи с Тридцатилетней войной и ее последствиями, а также и в Англии, где некоторые признаки этого стиля отмечаются лишь с середины XVII века.

В каждой из стран наблюдались свои особые политические, социальные условия, существовали особые национальные традиции, это сказалось и на архитектуре. В каждой из стран барокко приобретало свои особые национальные черты. В итальянской архитектуре барочная стилистическая характеристика распространялась и на внешний, и на внутренний облик зданий. Во французской — наблюдалось значительное расхождение между фасадным и внутренним убранством сооружений, в первом преобладали классицистические начала, во втором — барочные. В английской архитектуре стиль выступает как своеобразный оттенок, акцент классицизма; здесь можно говорить скорее об «обароченном» классицизме, чем о барокко как таковом. Но все же архитектура во всех странах имела и общие черты.

Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.

Основные признаки барокко

Строительная техника стиля барокко

Многообразие стилей

Стиль рококо

Возрождение классицизма

Источники

Искусство барокко. Архитектура и скульптура

1 Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская художественная школа» города Рубцовска Искусство Западной Европы XVII века Искусство барокко. Архитектура и скульптура Презентация к уроку «История изобразительного искусства», 3 класс Подготовил: Артеменко Евгений Михайлович преподаватель МБУ ДО «ДХШ» г. Рубцовск

2 Содержание 1. Исторические предпосылки возникновения стиля барокко 2. Время возникновения и распространения стиля барокко 3. Основные черты стиля барокко 4. Архитектура стиля барокко 5. Франческо Борромини 6. Карло Мадерна 7. Главный католический собор 8. Скульптура стиля барокко 9. Джованни Лоренцо Бернини 10. Домашнее задание 11. Список использованных источников и литературы 12. Аннотация

3 Искусство барокко

4 Исторические предпосылки возникновения стиля барокко В XVII в. Италия потеряла экономическое и политическое могущество. На территории Италии начинают хозяйничать иностранцы — испанцы и французы. Но истощённая Италия остаётся центром католического мира и культурным центром Европы. Карло Мадерна Церковь Санта Сусанна в Риме ( ) Церковь и знать нуждаются в утверждении своего могущества, но поскольку денег на строительство из дорогостоящих материалов не было, знать обратилась к искусству, чтобы создать иллюзию богатства.

5 Время возникновения и распространения стиля барокко Жемчуг правильной сферической формы Барокко (итал. barocco — «странный», «причудливый», «склонный к излишествам») — стиль европейского искусства XVII-XVIII веков. Впервые появился в Италии в конце XVI века и распространился в других странах после эпохи Возрождения. Жемчуг барокко (с пороком) Происхождение слова барокко вызывает больше споров, чем названия всех остальных стилей. Основная версия связанна с португальским словом «barroco» — что означает жемчужина неправильной формы, такие жемчужины были популярны в XVII веке.

6 Жемчужины барокко в подвеске XVII века

7 Цель создания стиля барокко Впечатляющая мощь искусства барокко была призвана прославлять величие бога и католической церкви. Эмоциональная выразительность, сложность композиционных решений, насыщенность движением, эффекты освещения создавали у зрителя определенный настрой, способствовавший единению с богом. Интерьер собора Святого Петра в Риме ( )

8 Цель создания стиля барокко Стиль барокко поддерживали и правители, которые видели в нем средство, чтобы показать свое могущество и власть. Этот стиль прославлял и пропагандировал могущество власти и церкви, но вместе с тем выразил прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничности и многообразии мира, его изменчивости. Королевский дворец в Турине ( )

9 Основные черты стиля барокко Для искусства барокко характерен синтез искусств (стремление к объединению архитектуры, скульптуры, живописи и декоративного искусства в едином ансамбле). Основные черты стиля барокко: парадность, торжественность, пышность, динамичность, жизнеутверждающий характер. Интерьер собора Святого Петра в Риме ( )

10 Архитектура стиля барокко

11 Основные черты архитектуры стиля барокко Архитектура барокко отличается пространственным размахом, текучестью криволинейных форм, слиянием объемов в динамическую массу, богатым скульптурным декором, связью с окружающим пространством. Франческо Борромини Церковь Сан-Карло в Риме ( )

12 Франческо Борромини ( ) Великий итальянский архитектор, работавший в Риме. Наиболее яркий представитель раннего барокко. Сын каменотёса, сам учился на каменотёса в Милане. С 1619 работал в Риме на Карло Мадерно, своего дальнего родственника. Франческо Борромини Церковь Сан-Карло в Риме ( )

13 Карло Мадерна и Франческо Борромини Лестница-улитка в палаццо Барберини ( )

14 Карло Мадерна ( ) Итальянский архитектор, учителями были его дяди Доменико и Джованни Фонтана. Первой самостоятельной работой Карло Мадерны является создание фасада церкви Санта-Сусанна. Карло Мадерна Церковь Санта Сусанна в Риме ( ) Являлся архитектором собора Святого Петра в Риме. Он изменил вид центрального плана собора, вытянув его неф и часовню, сделав из греческого латинский крест.

15 Карло Мадерна Церковь Санта-Мария-делла-Витториа в Риме,

16 Карло Мадерна Фасад собора Святого Петра в Риме ( )

17 Главный католический собор Собор Святого Петра в Риме находится на территории Ватикана. По преданию алтарь главного католического собора размещён над могилой св. Петра. Апостол Петр считается первым Папой Римским, одним из главных основателей христианской церкви. Собор Святого Петра в Риме ( ) Над строительством этого собора трудилось несколько поколений великих мастеров: Донато Браманте, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти, Карло Мадерна, Лоренцо Бернини.

18 Интерьер собора Святого Петра в Риме ( )

19 Лоренцо Бернини Бронзовый балдахин над могилой св. Петра (интерьер собора Святого Петра в Риме, )

20 Лоренцо Бернини «Кафедра св. Петра» (алтарная композиция в интерьере собора Святого Петра в Риме, )

21 Лоренцо Бернини Площадь и колоннада перед собором Святого Петра в Риме ( ) Архитектурный ансамбль имеет скрытую символику. Общий силуэт площади и собор символизирует ключ от врат небесных. Также здесь скрыты символы власти Папы Римского — тиара и перстень. Колоннада символизирует руки церкви обнимающие и притягивающие прихожан.

22 Герб престола Папы Римского Площадь и собор Святого Петра в Риме

23 Скульптура стиля барокко

24 Основные черты скульптуры стиля барокко Лоренцо Бернини «Экстаз святой Терезы», Санта-Мария-делла-Виттория, Рим ( ) Скульптура барокко имеет сложную динамичную композицию, используются смелые контрасты масштабов, богатство фактурных эффектов. Часто воплощались сцены, изображавшие определенный момент какого-то действия. Скульпторы стремились к включению зрителей в пространство скульптуры и усилению зрелищности сцены.

25 Джованни Лоренцо Бернини ( ) Великий итальянский скульптор и архитектор. Учился у своего отца скульптора Пьетро Бернини. Его творчество может служить эталоном эстетики барокко. Лоренцо Бернини «Автопортрет», 1623 Стремясь сделать податливым свой любимый материал — мрамор (по его собственным словам) «как воск», мастер добился иллюзии подвижности пластических форм.

26 Начало карьеры Лоренцо Бернини Лоренцо Бернини «Бюст Кардинала Сципиона Боргезе», 1630 Бернини переехал в Рим в 1605 году. Ему было 8 лет, когда он сделал набросок головы Святого Петра. Рисунок был настолько идеален, что публика назвала мальчика «вторым Микеланджело». В 16 лет он создал скульптуру «Мученичество св. Лаврентия». Увидев эту скульптуру, кардинал Сципион Боргезе решил сделать Бернини своим личным скульптором.

27 Лоренцо Бернини «Мученичество св. Лаврентия»,

28 Лоренцо Бернини «Давид», 1623

29 Лоренцо Бернини «Аполлон и Дафна»,

30 Лоренцо Бернини «Похищение Прозерпины»,

31 Лоренцо Бернини «Фонтан Четырёх рек»,

32 Лоренцо Бернини «Экстаз святой Терезы» (Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, )

33 Лоренцо Бернини «Экстаз святой Терезы» (фрагменты)

34 Реликварий с сердцем святой Терезы Авильской

35 Лоренцо Бернини Капелла Корнаро в церкви Санта-Мария-делла-Виттория в Риме

36 Домашнее задание Выполнить зарисовку собора Святого Петра в Риме

37 Список использованных источников и литературы 1. Аксёнова М. и др. Энциклопедия для детей. Том 7: Искусство. Часть 2. — М.: Аванта+, Аксёнова М. и др. Энциклопедия для детей. Том 36: История Нового времени. XV начало XIX века. — М.: Аванта+, Арган Дж. К. История итальянского искусства: Высокое Возрождение, барокко, искусство 18 века, искусство 19 века — начала 20 века. Т.2. — М: Радуга, Веймарн Б.В. Всеобщая история искусств: В 6 т. Том 4: Искусство VII-VIII веков. — М., Вийранд Т. Молодежи об искусстве. — Таллинн, «Кунст», Всеобщая история архитектуры: В 12 т. Том 7: Западная Европа и Латинская Америка XVII первая половина XIX веков. Л., М.: Издательство литературы по строительству, Дмитриева Н.А. Краткая история искусства. Выпуск II. — М.: Искусство, Ильина Т.В. История искусств. Западноевропейское искусство. — М.: Высшая школа, История искусства. Т. II. Отв. ред. Е.Д. Федотова. — М.: Белый город, Кастриа Ф., Дзуффи С. Живопись барокко. Глубины души в беспредельности мира. — М.: АСТ-Астрель, Кузьмина М.Т., Мальцева Н.Л. История зарубежного искусства. — М.: Изобразительное искусство, Сокольникова Н.М. История искусства в 2 томах. Том 1. — М.: Академия, Томан Р. Барокко: архитектура, скульптура, живопись. — Koln: Konemann, Янсон Х.В., Энтони Ф. Янсон. Основы истории искусств. — СПб: АОЗТ «Икар», ru.wikipedia.org 16.

38 Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская художественная школа» города Рубцовска Учебное пособие к предмету «История изобразительного искусства», 3 класс Раздел 6. Искусство Западной Европы XVII — XIX веков Тема: Искусство барокко. Архитектура и скульптура Разработчик: Артеменко Евгений Михайлович, преподаватель высшей квалификационной категории МБУ ДО «ДХШ» г. Рубцовск Для улучшения качества образования в предметной области «История искусств» подготовлены авторские мультимедиа презентации, которые разработаны с учетом федеральных государственных требований к дополнительной предпрофессиональной общеобразовательной программе в области изобразительного искусства «Живопись». Мультимедиа презентации разработаны в соответствии с разделами и темами программ учебных предметов «Беседы об искусстве» и «История изобразительного искусства». В мультимедиа презентациях содержится краткое изложение учебного материала с необходимыми иллюстрациями и репродукциями художественных произведений, указаны задания для учащихся, а также приводится список литературы по изучаемой теме. Презентации предназначены для воспроизведения на ПК и выполнены в программе «Microsoft PowerPoint», используются следующие форматы файлов — «.ppt», «.pptx» и «.pdf». Внимание! В соответствии с Законом об авторском праве использование авторских материалов целиком или по частям разрешается только с письменного согласия автора или с указанием Ф.И.О. автора, а также размещением активной ссылки на персональный интернет сайт автора и контактной информации: Е.М. Артёменко,

Архитектура барокко — реферат, курсовая работа, диплом, 2017

Реферат на тему:

Архитектура барокко.

Выполнила: Псарева Ю,9«Б»

Проверила: Дмитриева Е.А.

План

1. Возникновение барокко

2. Историческая характеристика барокко

3. Строительные особенности барокко

4. Характерные черты

5. Типы сооружений

6. Конец барокко

Источники

1. Возникновение барокко

Стиль барокко (итал. barocco, букв. — причудливый, странный) рождается в Италии и распространяется в большинстве европейских стран, приобретая в каждой свои особые национальные черты. Произведения барокко отличаются несоблюдением правил ренессансной гармонии ради более эмоционального взаимодействия со зрителем.

Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.

Свои «видимые» формы он стал обретать с конца XVI столетия. Из Италии барокко распространяется по всей Европе, где преобладал с конца XVI до середины XVIII в., в некоторых странах проявляется до второй половины XVIII в., и при всём этом в обоих направлениях. В Германии и Австрии строительство монументальных сооружений в XVII веке почти не велось в связи с Тридцатилетней войной и ее последствиями, а также и в Англии, где некоторые признаки этого стиля отмечают В каждой из стран наблюдались свои особые политические, социальные условия, существовали особые национальные традиции, это сказалось и на архитектуре. В каждой из стран барокко приобретало свои особые национальные черты. В итальянской архитектуре барочная стилистическая характеристика распространялась и на внешний, и на внутренний облик зданий. Во французской — наблюдалось значительное расхождение между фасадным и внутренним убранством сооружений, в первом преобладали классицистические начала, во втором — барочные. В английской архитектуре стиль выступает как своеобразный оттенок, акцент классицизма; здесь можно говорить скорее об «обороченном» классицизме, чем о барокко как таковом. Но все же архитектура во всех странах имела и общие черты.

2. Историческая характеристика

В XVII в. активно развивались экономика и искусства. Особенно окрепли колониальные державы Атлантики — от Испании до Великобритании;

Франция считалась образцовой страной абсолютистских форм правления и практичной экономической политики.

В территориально раздробленной Италии благодаря движению Контрреформации Рим приобрел новое значение, а строительство культовых зданий получило сильный импульс. В этих условиях немецкие князья, начавшие новый этап строительства в конце XVII в., ориентировались, естественно, на иностранные образцы. Большое влияние на них оказывал французский абсолютизм Людовика XIV. Каждый феодал — как ни мала была принадлежавшая ему территория — копировал свою резиденцию с Версаля. И каждый католический епископ или аббат надеялся, возводя в подражание Риму, куполообразную церковь упрочить влияние контрреформаторских тенденций.

Основой экономики этого периода было сельское хозяйство, но было ясно, что его недостаточно для осуществления строительных программ. В связи с этим крупные феодалы начали помогать созданию мануфактур, чем самым способствовали развитию капиталистических производственных отношений.

Несмотря на то, что европейская архитектура XVII — XVIII вв. не представляется единообразной, будучи динамичной в Италии, серьезной во Франции, она объединена общим понятием «барокко».

Княжеские замки и культовые здания были первоочередными объектами строительства, олицетворявшими сопротивление Реформации, города — резиденции и монастыри — необходимыми дополнениями. Значительных общественных зданий зарождающийся класс буржуазии еще не строил. Среди протестантских культовых зданий Фрауэнкирхе в Дрездене осталась практически единственным выдающимся произведением.

Влияние Просвещения начало ощущаться в 1730 — х. годах и сказалось в усилении интимности сооружений. Любимым местом пребывания князей стали маленькие элегантные замки в окружении парков. Асимметричный рокайльный орнамент этого периода дал название стилю — «рококо».

Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.

3. Строительные особенности

В эпоху Возрождения строительству городов уделяется особое внимание. Буржуазию не удовлетворяют кривые тесные средневековые переулки. Возникает идея города центричного типа, отражающего синтез рациональных форм римских военных лагерей с естественно развивавшимися концентрическими структурами городов средневековья.

Интерес к городскому пейзажу, повседневному быту горожан стимулировал развитие перспективной живописи, жанровых композиций, искусства Возрождения в целом.

«Идеальный город» эпохи возрождения

Другой стороной практического градостроительства, реализующего новые принципы в уже сложившихся городах, было создание в аморфной городской среде композиций, ставших впоследствии очагами городских ансамблей. Барокко привлекает пейзаж в качестве одного из основных компонентов городского ансамбля. Продолжается архитектурное формирование городских центров. При этом площадь утрачивает функциональное и демократическое содержание, присущее ей в эпоху раннего средневековья (место торговли, народных сборищ). Она становится украшением города, его парадной частью, скрывающей стихию внутриквартальной застройки.

Улицам в эпоху Возрождения не уделялось много внимания. В период барокко главные улицы прокладываются в виде широких проспектов (Виа Корсо в Риме, выходящая на площадь дель Пополо). Ансамбль площади дель Пополо представляет пример трехлучевой композиции, иллюстрирующей принципы барокко в градостроительстве. Две церкви, построенные во время, реконструкции площади, рассекают городское движение на три русла и ориентированы апсидами не на восток, а в соответствии с градостроительным замыслом, входом на север.

В архитектуре Возрождения большое значение приобретает разработка проекта с позиций теоретической механики, его инженерное обоснование. Происходит дифференциация работы проектировщика и строителя. Архитектор теперь осуществлял руководство стройкой, но не являлся одним из мастеров, непосредственно участвующих в работе. Вместе с тем он не только детально прирабатывал весь проект, часто на модели, но и продумывал ход строительных работ, использование строительных механизмов для подъема и монтажа.

Стиль барокко: а — церковь святой Сусанны в Риме, б — фрагмент интерьера палаццо ди Сан-Мацано в Турине, в — одежда, г — шкаф, д. — зеркало, е — стол

Возвращение к античным сомасштабным человеку и конструктивно правдивым — ордерным системам в выборе художественных средств выразительности объясняется общей гуманистической направленностью культуры Возрождения. Но уже в ранних работах ордер используется для расчленения и усиления выразительности стены на фасаде и в интерьере, а в дальнейшем на стеновую плоскость накладываются две — три ордерные «декорации» разных масштабов, создающие иллюзию глубины пространства. Зодчими Возрождения была преодолена строгая античная взаимосвязь конструкции и формы и выработаны, в сущности, чисто эстетические нормы «изобразительной» тектоники, соответствие которой конструктивной и пространственной логике сооружения соблюдалось в зависимости от постановки общей художественной задачи.

В эпоху барокко иллюзорно глубинная трактовка стены продолжается реальными объемными композициями в виде скульптурных групп, фонтанов (палаццо Поли с фонтаном Треви). Не случаен, поэтому интерес зодчих Возрождения к работе над городскими ансамблями и решительный поворот к пониманию архитектуры как организованной среды. Но в феодальную эпоху масштаб реализации градостроительных начинаний редко выходил за пределы ансамблей дворцовых или соборных площадей.

О. Шуази, характеризуя эпоху Возрождения, писал, что превосходство Ренессанса заключается в том, что он не знал видов искусства, независимых одно от другого, но знал только единое искусство, в котором сливаются все способы выражения прекрасного.

4. Характерные черты

Барокко воплощает новые представления о вечной изменчивости мира. Отличается грандиозностью, пышностью и динамикой, пристрастием к эффектным зрелищам, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени, совмещением иллюзорного и реального.

Благодаря причудливой пластике фасадов, сложным криволинейным планам и очертаниям дворцы и церкви барокко приобретают живописность и динамичность. Они как бы вливаются в окружающее пространство.

Интерьеры барокко украшаются многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой; зеркала и росписи иллюзорно расширяют пространство, а живопись плафонов создает иллюзию разверзшихся сводов.

В живописи и скульптуре преобладают декоративные многоплановые композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты. При изображении человека предпочитаются состояния напряжения, экзальтации, повышенного драматизма. В живописи большое значение приобретает эмоциональное, ритмичное и колористическое единство целого, часто непринужденная свобода мазка; в скульптуре — живописная текучесть формы, богатство аспектов и впечатлений.

5. Типы сооружений

Для барокко характерны усложненность планов, пышность интерьеров с неожиданными пространственными и световыми эффектами, обилие кривых, пластично изгибающихся линий и поверхностей; ясности классических форм противопоставляется изощренность в формообразовании. В архитектуре широко используются живопись, скульптура, окрашенные поверхности стен.

Архитектурные формы барокко наследовали итальянскому Ренессансу, однако превзошли его по сложности, многообразию и живописности. Сильно раскрепованные фасады с профилированными карнизами, с колоссальными на несколько этажей колоннами, полуколоннами и пилястрами, роскошными скульптурными деталями, часто колеблющимися от выпуклого к вогнутому, придают самому сооружению движение и ритм. Ни одна деталь не является самостоятельной, как это было в период Ренессанса. Все подчинено общему архитектурному замыслу, к которому относятся оформление и украшение интерьеров, а также садово-парковой и городской архитектурной среды.

6. Конец барокко

В первой половине 18 века — отчасти как поздняя фаза барокко, отчасти (во Франции) как самостоятельный феномен — складывается стиль рококо. Классицизм в его просветительской стадии все чаще подвергает барокко критике за «вычурность» и «безвкусие» (сам термин изначально нес негативный оттенок). Сходя на нет, барокко эпизодически возрождается в историко-романтических стилизациях (таких, как необарокко в зодчестве 19 века).

Источники

1. сборник «Барокко в России», М, 1926

2. сборник «Барокко в славянских странах», М, «Наука», 1982

3. Виппер Б. Р.»Архитектура русского барокко»,М, «Наука», 1978

4. «История русского искусства», т 5, М, изд. АН СССР, 1960

5. журнал «Декоративное искусство СССР», № 3, 1986 (статья В.Локтева «О втором призвании зодчества»)

6. журнал «Архитектура СССР», № 9, 1982 (статья В.Локтева «Этот непонятный отец барокко»)

Что такое барокко | Сочинение и анализ произведений, биографии, образ героев

Барокко

Барокко – это европейское направление искусства, определенный стиль 17-18 века. Его считают жемчужиной тогдашнего развития. Развитие этого стиля произошло вследствие завершения эпохи Ренессанса. Также его можно охарактеризовать как нечто среднее между Готикой и эпохой Возрождения.

Эпоха характеризуется не только своеобразной тематикой в литературе, а и в других видах искусства. Долго считали, что направление барокко прослеживается только в развитии искусства Западной Европы. Но впоследствии начали отмечать расцвет этого стиля и в русских художественных кругах.

Хотя долгое время его можно было идентифицировать только в пластическом искусстве, это как скульптура, архитектура, даже живопись. Русское барокко проявляется в создании высоких золотистых куполов на церквях и соборах Москвы, в ансамблях монастырей, в различных скульптурах Санкт-Петербурга.

Когда же стало видно и литературное направление барокко, русские писатели приобщались к нему, используя даже старинные фольклорные источники. Это проявлялось в поэзии и музыке, у литераторов по всей России, что освещало бунтарский дух русского народа.

Писатели того времени стремились направлять читательскую аудиторию на общечеловеческие ценности, пробудить в них сердце, обратиться к душе. Потому что основной тематикой этого периода, периода барокко, становится быстротечность жизни человека, и стоит задуматься про его значение. Популярными в то время становятся такие высказывания, что мир – это театр, мир – это лабиринт.

Считалось, что человек все равно умрет, поэтому вся его жизнь – смесь случаев и везений. Поэтому стилю барокко присущи грустные настроения, будто жизнь в хаосе намного хуже смерти. Поэтому характерным для этого стиля является возврат к Античной культуре, вследствие чего высокой моралью наделялись вымышленные персонажи, причудливые герои.

Краткая история музыки барокко в Европе

ИТАЛИЯ

Папство вернулось в Рим в 1377 году, а после середины 15 века город стал центром культуры Возрождения. Массовое папское покровительство искусства стало обогащать Рим. Во время папства (1447–1455) Николая V были отремонтированы оборонительные стены, построены дворцы и отреставрированы церкви. Крупные художники и архитекторы теперь работали в Риме, и к концу века он вытеснил Флоренцию как главный центр Возрождения.Разграбление города в 1527 году наемниками Габсбургов было временной неудачей. В течение 16 века Микеланджело, Донато Браманте, Рафаэль и другие художники работали на пап, и строительство новой базилики Святого Петра продолжалось. Однако только во время правления (1585-1590) Папы Сикста V плотный, запутанный средневековый городской образец начал модернизироваться. Три главные улицы были проложены так, чтобы расходиться от площади Пьяцца дель Пополо к центру города. Сикст также построил площади и фонтаны и восстановил акведук Аква Феличе.Кроме того, были отремонтированы старые церкви и достроен купол Святого Петра.

Неудивительно, что музыка тоже должна процветать на этом богатом визуальном фоне. Типичным из музыкантов эпохи барокко, действующих в Риме, был композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653-1713), чей стиль игры стал основой скрипичной техники XVIII и XIX веков и чьи композиции камерной музыки оказали огромное влияние. . Он родился в Фузиньяно, учился в соседней Болонье, а после 1675 года жил в Риме.Его покровителями были королева Швеции Кристина и, после 1690 года, кардинал Пьетро Оттобони (1667-1740), либреттист и важный музыкальный покровитель, который в качестве вице-канцлера церкви проживал в Палаццо делла Канчеллерия, где располагались Поэтико-музыкальные академии и исполняются оперы и оратории. Наиболее широко издаваемый и переизданный композитор до австрийского Йозефа Гайдна, Корелли был первым композитором, получившим международную репутацию исключительно на основе своей инструментальной музыки.Многие элементы его стиля стали обычным явлением в 18 веке, и его работы являются ранними примерами недавно разработанной системы мажорной и минорной тональности. Как выдающийся скрипач-виртуоз того времени, он обучал многих ведущих скрипачей-композиторов 18 века, в том числе итальянца Франческо Джеминиани.

Многие выдающиеся композиторы периода барокко, особенно Гендель, например, жили в Риме, и влияние Корелли должно было распространиться по всей Европе. Рим, конечно, также был представлен в Гранд-туре, которым в 1700-х годах все больше и больше наслаждались богатые страны Европы и особенно Англии.

Соперничая с Римом по своему музыкальному влиянию, если не по своему архитектурному и художественному великолепию, Неаполь обязан своим выдающимся положением в музыке неисчислимому количеству талантливых музыкантов, родившихся в городе, а также своим музыкальным консерваториям, которые их воспитывали и обслуживали. хорошо. Действительно, Неаполь удачно называют консерваторией музыки 18-го века, и на самом деле он может похвастаться четырьмя консерваториями высочайшего музыкального уровня.

Вряд ли великий композитор первой половины сеттеченто не испытал влияния неаполитанской музыки.Действительно, самые великие музыкальные деятели того времени посещали Неаполь или оставались там и работали какое-то время. Гениальный Никола Порпора (родился 19 августа 1686 года в Неаполе; умер там в феврале 1767 года), например, не только обучал Йозефа Гайдна, но и близко знал таких всемирно известных личностей, как Бонончини, Фаринелли, Гендель и Хассе. В 1733 году он отправился в Лондон, присоединившись сначала к Хассе, а затем к Бонончини, чтобы соревноваться с гигантом Генделем. Некоторые говорят, что влияние Порпоры модернизировало поздний оперный стиль композиции Генделя или, по крайней мере, сохраняло эту тенденцию вплоть до отъезда Порпоры из Англии в Италию в 1737 году.

Общепризнанным мастером неаполитанской музыки барокко был Алессандро Скарлатти (род. 2 мая 1660 г. в Палермо; ум. 24 октября 1725 г. в Неаполе). Почти в мгновение ока он произвел революцию в провинциальной музыкальной атмосфере, царившей в Неаполе, прежде чем он прибыл в феврале 1684 года в качестве нового маэстро ди капелла в часовню вице-королевства. Прямой наследник великих итальянских традиций оперы, оратории, кантаты и инструментальной композиции, полученных от Пьетро Франческо Кавалли (1602-1676), Джакомо Кариссими (1605-1674), Алессандро Страделла (1642-1682) и Джованни Легренци (1626- 1690), Скарлатти был хорошо оборудован, чтобы произвести революцию в неаполитанской музыкальной жизни.Внезапная отставка старой неаполитанской гвардии — Франческо Провенцале (ок. 1627–1704) и шестерых его коллег, разочарованных тем, что Провенцале уступили место Скарлатти после смерти Пьетро Андреа Зиани (ок. 1630–1684). расчистил путь для глотка свежего воздуха Скарлатти. Опера и кантаты Скарлатти, его серенаты и оратории, и особенно его инструментальные произведения, вскоре принесли новую жизнь неаполитанской музыке. Ему предстояло написать более ста опер, 600 кантат и ряд ораторий.Представители европейской знати часто заказывали ему сочинение сонат для духовых и струнных инструментов, а также пьес для сембало и гроссовых концертов.

Доменико Скарлатти (род. 26 октября 1685 г. в Неаполе; ум. 23 июля 1757 г. в Мадриде) был шестым сыном Алессандро Скарлатти. Отец, несомненно, подверг Доменико лучшему обучению в Неаполе, доставив его примерно в 1708 году в Венецию, чтобы учиться у Франческо Гаспарини (1668-1727), который сам был учеником Арканджело Корелли (1653-1713).Из Венеции Скарлатти-младший отправился в Рим с Генделем, согласно отчету, где оба выступали перед кардиналом Пьетро Оттобони. Около 1720 года он переехал в Лиссабон, а через десять лет — в Мадрид. Сегодня он, пожалуй, наиболее известен своими клавишными сонатами, в которых он щедро позаимствовал из латиноамериканских народных мелодий и ритмов, создав уникальную смесь, которую можно было бы назвать «иберийским барокко».

Франческо Дуранте (род. 31 марта 1684 г., во Фратта-Маджоре; ум. 13 августа 1755 г. в Неаполе) был самым занятым из неаполитанских учителей, занимал должности в консерваториях Сант-Онофрио и Санта-Мария-ди-Лорето и преподавал, играет и сочиняет где-нибудь еще.Его карьера развивалась в наилучшее возможное время для максимального использования новой глубины и богатства, новой музыкальной беглости, которую Алессандро Скарлатти создал для Неаполя. Дуранте настолько извлек выгоду из этих удачных обстоятельств, что Руссо посоветовал назвать его «величайшим гармонистом Италии, то есть мира».

Но из-за неизменно высокого вдохновения немногие композиторы того времени, неаполитанские или другие, могут сравниться с Джованни Батистой Перголези (род. 4 января 1710 г., в Ези; ум.16 марта 1736 г., в Поццуоли). Его карьера также совпала с наиболее плодотворным периодом в истории неаполитанской музыки. Судьба Перголези заключалась в том, чтобы воспользоваться (в течение двух с половиной десятилетий трагически укороченной жизни) грандиозной возможностью для совершенно новой музыкальной формулировки, которую предоставили произведения Скарлатти. Практически в одиночку Перголези выковал новый драматический стиль, используя для своих целей скромную оперную буффа и привнося в сцену и концертный зал все тонкости психологического, идиоматического и мотивационного развития, а также всю драматическую гибкость, столь важную для искусства театра. музыкальная характеристика, которую Моцарт должен был довести до совершенства.

Венеция, великий независимый торговый город на воде на севере, также была местом огромного богатства, архитектурных шедевров и музыкального влияния, самым известным из ее музыкальных сыновей был Антонио Вивальди. Венеция также участвовала в «Гранд-туре» европейской знати. Однако, оглядываясь назад, мы, возможно, можем с грустью отметить, что экономическая мощь и богатство Венеции уже находились в упадке, и к концу жизни Вивальди наступил экономический спад, из которого Венеция так и не оправилась.

Глубокое, всепроникающее и вдохновляющее влияние на итальянскую музыку барокко оказали скрипичные мастера, в основном сосредоточенные в Кремоне — семья Амати в 16 и 17 веках, семьи Гварнери и Страдивари в 17 и 18 веках. Можно предположить, что подобным же образом великие строители органов Германии, Арп Шнитгер на севере и Готфрид Зильберман на юге, вдохновляли и бросали вызов таким композиторам, как Букстехуде и И.С. Бах, на создание сочинений для органа, которые в полной мере использовали бы разнообразное и величественное звучание этих выдающихся инструментов.

ИЗ ИТАЛИИ В ГЕРМАНИЮ

Иоганн Георг Пизендель (родился в 1687 году, умер в Дрездене в 1755 году) был не только одним из выдающихся немецких скрипачей 18 века, но и музыкальной личностью с мировым именем. В возрасте десяти лет он отправился в Ансбах, где его учителем стал Джузеппи Торелли. В 25 лет он поступил в Дрезденский придворный оркестр, а в 1728 году был назначен его руководителем, с отличием занимая этот пост до самой своей смерти. Во многом именно благодаря его творчеству Дрезденский придворный оркестр получил известность во всей Европе.Иоганн Фридрих Райхардт писал в 1774 году: «Несмотря на то, что Берлинский оркестр всегда был хорош, люди, способные судить и знакомые с обоими, всегда предпочитали дрезденский оркестр под руководством известного концертмейстера Пизенделя». С разрешения двора Пизендель отправился во Францию ​​в 1714 году и в Италию в 1716/17 году. Он учился у Вивальди в Венеции, а также познакомился с другими выдающимися итальянскими мастерами того времени, а по возвращении в Дрезден представил новейшие итальянские скрипичные сочинения.

Мы знаем, что Пизендель исполнил концерт Торелли для Лейпцигского Collegium Musicum, а Дрезден в то время был центром немецкого культа Вивальди, под влиянием которого И.С. Бах сочиняет органные концерты. Политические и культурные связи между Саксонией и Италией стали еще сильнее после коронации Марии Амалии Саксонской королевой Неаполя. Королевские резиденции в Мюнхене, Штутгарте и Ганновере также позволили себе роскошь итальянских музыкальных заведений, и многие из меньших княжеских дворов, где музыка была направлена ​​немцами, заказали последние партитуры из Италии.

Значение и статус Пизенделя как оригинального композитора долгое время недооценивались. Хотя он не был плодовитым писателем, те его произведения, которые сохранились, имеют высокое качество и демонстрируют индивидуальную творческую цель. Соната для скрипки соло — очень сложное произведение как с музыкальной, так и со скрипичной точки зрения, и оно имеет тенденцию подтверждать теорию о том, что игра и стиль Пизенделя, возможно, привели к сочинению сольных сонат Баха. Действительно, было высказано предположение, что Шесть сонат / партит Баха для скрипки соло были составлены именно как вызов Пизенделю во время визита Баха в Котенский двор, где Бах тогда находился на службе.

Точно так же капельмейстер Готы Готфрид Генрих Штольцель (1690-1749) отправился в Италию в 1713 году, чтобы установить личный контакт с выдающимися музыкантами того времени и не упустить ни одной возможности «там, где что-нибудь должно быть услышано». . Он встретил Алессандро Скарлатти в Риме, а в Венеции — Вивальди, Марчелло и своего земляка Иоганна Давида Хайнихена. Его путешествие проходило через Флоренцию, Пизу и Ливорно, а обратно через Болонью, Венецию и Триест в Инсбрук, затем через Линц и Будвейс в Прагу.

Штользеля стал ярким событием в придворной музыке того времени. Само озвучивание этого произведения с его двумя группами труб, группой деревянных духовых и разделенных струнных, создает атмосферу праздничного великолепия, характерного для периода позднего барокко, с его чистой радостью от создания музыки. J.S. Бах знал и, вероятно, ценил эту великолепно звучащую работу своего коллеги в Готе; он использовал фугальную тему из Финала этого Концерта в своем G minor Bourrée из «Clavierbchlein» для Вильгельма Фридемана Баха, в котором «Partia di Signore Stelzeln» в нескольких частях занимает почетное место.

ГЕРМАНИЯ

Германия, хотя и находилась под сильным влиянием событий в Италии, на самом деле привносила эти формы и стили в свои местные традиции.

Реформация, возглавляемая Мартином Лютером и официально начавшаяся в 1517 году, принесла религию в массы, как через перевод Лютера библейских текстов на немецкий язык, так и за счет широкого использования хорала в качестве основного текстового / музыкального сопровождения церковной службы. Из традиционных хоральных мелодий большая часть немецкой музыки барокко должна была расти и развиваться.Кантаты и страсти часто основывались на хорале, а если и не были, то были просто продолжением хоральной традиции. Органисты тоже разрабатывали хорал на неделю, либо добавляя вставки между стихами, либо составляя целые наборы вариаций на основе определенной мелодии хора.

К этой традиции следует добавить инстинктивную немецкую любовь к порядку, проявляющуюся до сих пор во многих аспектах немецкой жизни. Таким образом, немецкие композиторы были привлечены к фуге, канону и пассакалии как к своей основе фундаментальной формы, образца и единства.

Одним из нескольких композиторов раннего барокко, внесших значительный вклад в объединение хорала и контрапункта, был ДИТРИХ БУКСТЕХУД. Датчанин по происхождению и родился в Ольдесло, Гольштейн (тогдашнее владение Дании), в 1637 году, он умер в Любеке в 1707 году в возрасте шестидесяти девяти или семидесяти лет. В дополнение к его композиционным вкладам, его артистизм на органе был легендарным. Его исполнение духовной музыки, инструментальной и вокальной, сделало Любек местом паломничества музыкантов, стремящихся продвинуться в своем искусстве, а сам молодой Себастьян Бах преодолел двести миль, чтобы услышать их и сесть у ног Мастера.В кантатах и ​​страстях Баха, а также в его многочисленных хоральных прелюдиях и вариациях развитие хорала достигло пика, который впоследствии никогда не превышался.

Хорал продолжился и продолжает занимать фундаментальное место в жизни Германии, как протестантской, так и католической. Хоралы постоянно звучат как в домах, так и в церквях. На протяжении веков церковные хоры были обычным делом прогуливаться по улицам в течение недели, распевая их перед домами.Даже в 1880-х годах Штайнерт, бостонский торговец пианино, повторно посетивший свой родной баварский городок после сорокалетнего отсутствия, обнаружил, что ночной сторож на улице все еще отмечает часы, распевая свои стихи из гимна на свою старую хоральную мелодию. делает в другом баварском городке в Мастерсингерах Вагнера. Хорал действительно пронизывает немецкую религиозную, общинную и домашнюю жизнь. Частный путешественник в Германии сегодня может быть удивлен, узнав, сколько из тех, кого он или она встречает, являются постоянными и полными энтузиазма участниками церковных хоров, что еще раз свидетельствует об их глубокой любви к хоровой музыке.

АНГЛИЯ

1600-е годы оказались веком политических потрясений и перемен в Англии — перехода от автократической к парламентской монархии. В начале века Британией правил очень деспотичный монарх, который не имел ничего общего с молодым и амбициозным парламентом. Разборка произошла с судом в парламенте и последующей казнью короля Карла I в 1649 году. За этим последовала попытка республики при Кромвеле, которая оказалась хаотичной и катастрофической.Восстановленные монархи — Карл II и Яков II — все еще несколько неохотно соглашались с верховенством парламента, пока сам парламент не призвал дочь Джеймса Мэри и ее голландского мужа Вильгельма Оранского спасти страну от политической нестабильности. Они сделали это в 1689 году, после чего вместе правили как Вильгельм III и Мария. Эта краткая история объяснит, почему после культурного вакуума и хаоса революции, республики и ее последующих лет музыка снова стала процветать к концу века.

Генри Перселл родился в 1659 году, и хотя ему предстояло прожить очень короткую жизнь (он умер в 1695 году), он смог насладиться и полностью использовать возобновившееся расцвет музыки.

Он посвятил много своего таланта написанию опер или, скорее, музыкальных драм и случайной сценической музыки; но он также писал камерную музыку в форме сюит для клавесина и трио-сонат, а также участвовал в растущей лондонской публичной концертной сцене. Для молодого Лондонского Музыкального Общества он написал Оды в честь дня Святой Сесилии (покровительницы музыки), который любой меломан может отпраздновать 22 ноября.

Пёрселл, сын придворного музыканта, певца в Королевской часовне и продолжавший занимать королевские должности до самой смерти, работал исключительно в Вестминстере у трёх разных королей на протяжении двадцати пяти лет, а также факты о деятельности Перселла при дворе достаточно хорошо задокументированы. Среди других произведений, написанных для двора, он написал оды к королевским дням рождения, в том числе живую и мелодичную «Приходите, сыны искусства».

Смерть королевы Марии нанесла сокрушительный удар по стране.Мэри была очень любимым монархом, и публика требовала похорон, что отражало ее преданность. Никаких расходов не пожалели. Сэр Кристофер Рен позаботился о том, чтобы дорога в Вестминстер была обнесена черными перилами. Триста мрачных женщин возглавили свиту в черных плащах с мальчиками, несущими свои поезда. Перселла также попросили исполнить оду смерти своей (и страны) любимой королевы Марии. Как прекрасно повод для запоминающейся и горько-сладкой музыки Перселла.В ноябре того же года Вестминстерское аббатство также станет местом собственных похорон Перселла, на которых объединенные хоры аббатства и Королевской часовни будут отмечать преждевременную кончину «английского Орфея».

В течение последних десятилетий 1600-х годов Англия многое узнала об итальянских и французских музыкальных стилях от Перселя и вступит в новый век, горячо восприимчивая к континентальной моде.

В музыкальной жизни Англии в первой половине 1700-х годов доминировала фигура гигантского Генделя, поселившегося в Лондоне в 1712 году; и здесь королевская семья снова сыграла свою влиятельную роль.

После раннего обучения в Германии Гендель отправился в Италию, где провел более трех лет во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции. В Риме он учился у Корелли и, возможно, встретил Вивальди в Венеции по возвращении.

Гендель покинул Италию в начале 1710 года и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером курфюрста Джорджа Луи. Королевские дома Великобритании и Европы всегда были тесно связаны между собой, и Закон об урегулировании в 1701 году, закрепивший за протестантской преемственностью короны, сделал мать Джорджа наследницей престола Великобритании.В 1705 году Джордж был натурализован парламентским актом, а в августе 1714 года смерть королевы Анны сделала его королем. Гендель, который уже побывал в Лондоне и, видимо, находил это по душе, должен был последовать примеру курфюрста в принятии британского гражданства, и действительно, часть успеха Генделя в Лондоне была обусловлена ​​королевским покровительством курфюрста Ганновера, ныне короля Георга I.

Влияние Генделя как на культурную среду его времени, так и на его более молодых английских современников трудно переоценить.Это было начало эпохи «Гранд-тура», когда образованные и состоятельные граждане отправились в «Гранд-тур» в Италию, Францию, Германию и Нидерланды. Часто они возвращались домой полные энтузиазма по поводу академий, театров, оперных театров и концертной жизни, с которыми они столкнулись в Европе. Короче говоря, Англия стала гостеприимным хозяином для иностранных виртуозов, импресарио, певцов и композиторов. Как заметил гамбургский теоретик, критик и композитор Иоганн Маттезон в 1713 году (Das Neu-Erôffnete Orchester): «Тот, кто в настоящее время хочет заработать на музыке, отправляется в Англию.”

В Англии, как и в Германии, главным образцом инструментальной музыки был Корелли, чьи сочинения впервые стали известны в Лондоне к концу семнадцатого века. В 1715 году Джон Уолш-старший — он и его сын вскоре стали издателями Генделя — выпустил «12 Concerti Grossi Op. 6, с которого они были исполнены, адаптированы и, судя по всему, повсеместно полюбились. Английский историк музыки сэр Джон Хокинс упоминает случай в 1724 году, когда группа энтузиастов-любителей, только что усвоившая сочинение Корелли.6 у книготорговца, «отыграли все 12 концертов, не вставая со своих мест» ( История науки и практики музыки , 1776). Концерты современника Корелли Торелли и современные модные венецианские концерты Вивальди также были опубликованы и стали популярными в Англии.

Одним из первых композиторов, напечатавших концерты в Англии, был Франческо Джеминиани. Близнецы родился в Лукке и учился игре на скрипке у Корелли в Риме.Также возможно, что он изучал композицию у Алессандро Скарлатти в Неаполе. В 1707 году Джеминиани вернулся в свой родной город Лукку, где он три года играл в городском оркестре, прежде чем занять должность в Неаполе в 1711 году в качестве руководителя оперного оркестра. В 1714 году он приехал в Англию, где его игра быстро завоевала поддержку видных деятелей при дворе и аристократии. Джеминиани уехал из Лондона в Дублин в 1733 году, где заработал прекрасную репутацию учителя, исполнителя, организатора концертов и теоретика.В том же году он открыл Концертный зал в Дублине, очевидно, используя помещения наверху для музыки, а комнаты внизу для торговли картинами.

ФРАНЦИЯ

Вклад Франции в музыку барокко, особенно в ее ранний период, 1650-1700 гг., Был сравнительно невелик. Это было полностью связано с влиянием некоего Джованни Баттиста Лулли (1632–1687), итальянца благородного происхождения, который в молодости отправился во Францию ​​и в 1653 году начал службу при дворе Людовика XIV. Здесь он использовал свое влияние на короля в сочетании с агрессивным бизнесом, чтобы создать для себя виртуальную монополию на французскую музыку, которая продержалась и после его смерти и до начала 1700-х годов, и только с Рамо и Купереном Франция снова начал находить себя в музыкальном плане.Мертвую хватку Люлли (если использовать его более позднее французское написание) над французской музыкой в ​​то время трудно было переоценить. Серия строго ограничивающих королевских патентов дала ему полную монополию на использование музыки на французской сцене. Агрессивный и проницательный в бизнесе, Люлли скупил ведущие театральные площадки и, чтобы укрепить свое положение, даже убедил короля издать постановление, ограничивающее количество певцов и инструменталистов, которые могли выступать с другими парижскими театральными труппами.

Основное влияние, которое Франция оказала на эпоху барокко, было влиянием придворной роскоши.В 1669 году Людовик XIV (1638-1715) решил превратить старый охотничий домик в Версале во дворец невиданной красоты. Он был завершен в 1682 году, а двор переехал в 1683 году. В Европе не было ни королевского, ни княжеского двора, который мог бы сравниться с Версалем по роскоши его позолоченных интерьеров, его зеркал и люстр, с соответствующей яркостью придворной церемонии и в Европе не было королевского или княжеского двора, который открыто или тайно не стремился бы соответствовать этой модели.

Люлли (ныне натурализованный француз как Жан-Батист Люлли с буквой «у») отразил этот идеал в великолепии своих опер и оперных декораций, поставленных с помощью всевозможных машин, с помощью которых солнца и ангелы могли летать, а корабли могли летать. кататься по диким бурным морям. Его оперные тексты восхваляли короля и на каждом шагу отражали новейшие королевские мысли, что, конечно же, укрепляло его положение. В то же время необходимо подчеркнуть, что его выступления нельзя было пропустить.Его оперы и священные произведения демонстрируют богатство и величие (Ouverture во французском стиле — один из его вкладов), что вызовет восхищение публики и приезжих музыкантов из Италии и Германии.

Хотя большая часть королевской семьи Европы должна была совершить паломничество в Версаль, никто не должен был знать, что Людовик и его страна были перегружены долгами, которые наложил на них дорогостоящий Версаль. Вдобавок Франция в последние годы 1600-х годов пережила два голода и серию катастрофических военных поражений.Великолепие Версаля постепенно угасло вместе с энергией короля, и его смерть в 1715 году ознаменовала как конец Версаля (хотя позже он возродится), так и возрождение (нелуллийской) музыки в Париже с бумом нот. уроки книгопечатания и музыки для буржуазии. Музыкальная свобода и жизненная сила возродились в Париже и будут продолжать процветать даже после того, как Людовик XV вернул свой двор в Версаль.

ИСПАНИЯ

Мавританское присутствие (примерно 800-1500) придало испанской музыке большую часть ее отличительного колорита, оставив в наследство сложные арабские ритмы, микротонические гаммы и непреходящую любовь к щипковым инструментам, виуэле и гитаре.Позже странствующие цыгане добавили региональной вариативности в ритм и мелодию. Именно эту богатую и разнообразную народную смесь Доменико Скарлатти позже изучал и использовал с таким пылом и энтузиазмом.

Когда император Карл V объединил Нидерланды, Бургундию, Неаполь и Испанию под одной короной, Испания открылась для всего европейского музыкального мира. Во времена правления Карла и его сына Филиппа II, вместе взятых в период с 1516 по 1598 год, испанская музыка достигла апогея. В этот период процветало и органное строительство; Строители органов стали предприимчивыми и изобретательными по мере того, как процветание Испании распространилось на церкви.Сам Филипп II подарил орган в соборе Гранады — он до сих пор используется регулярно. Слепой композитор-органист Антонио де Кабесон (1510–1566) был одним из первых в мире композиторов для клавишных, его сочинения отличались довольно передовым стилем.

Однако значительный музыкальный прогресс в период барокко произошел и в других частях Европы. Глядя на имена испанских композиторов 1650-1750 годов, мы не находим ни одного особенного примечания. Однако в 21 веке нам нужно время от времени напоминать себе, что с 1650 по 1750 год политическая карта мира была совсем другой.Большая часть южной Италии (с центром в Неаполе, включая Сицилию и Сардинию) была «испанскими» колониями испанской части Дома Габсбургов (ведущей державы в Европе). Испания была ведущей европейской державой в Средиземноморье, и в ее культуре было гораздо больше, чем иберийский пенис.

Крупнейшей фигурой испанского барокко был Доменико Скарлатти, который родился и получил музыкальное образование не в Испании, а в Италии. В примерно 500 сонатах Скарлатти мы находим все богатство и волнение, мелодическое и ритмическое разнообразие традиционной Испании..

9 Знаменитые произведения в стиле барокко, которые стоит послушать

Период барокко — это, в основном, момент, когда родился оркестр, началась опера, а концерт позволил солистам достойно выставить напоказ. Он стал свидетелем создания некоторых из величайших когда-либо сочиненных шедевров.

Возникшая из эпохи Возрождения, музыка барокко была написана во многих формах многими композиторами, такими как Бах, Вивальди и Гендель, на протяжении 150 лет, с начала периода в начале 1600-х годов до того момента, когда стиль классического периода начал преобладать в середина 1700-х, собирая все формы музыки и идей.

Со временем популярные идеи музыки барокко подбираются и излагаются, затем изучаются и расширяются. В этой статье мы хотим поделиться с вами некоторыми из самых известных произведений в стиле барокко, написанными известными композиторами периода барокко, чтобы погрузить вас в настроение барокко.

Шесть сольных сюит Баха для виолончели для виолончели без аккомпанемента — одни из самых эмоционально классических музыкальных произведений в репертуаре барокко.

Знаменитый композитор эпохи барокко Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) написал эти пьесы для виолончели без аккомпанемента между 1717–1723 годами на основе шести танцевальных движений.

Интересно, что Бах интересовался виолончелью, хотя, как известно, он не играл !!

Однако самая известная часть, «Прелюдия» из Сюиты № 1 соль G, является прекрасным примером гения Баха и одной из лучших музыкальных произведений барокко.

Плейлист Relate: Bach Relax

Йо-Йо Ма — Бах: Сюита для виолончели No.1 соль мажор, Прелюдия (Официальное видео)

Йо-Йо Ма — Бах: Сюита для виолончели № 1 соль мажор, Прелюдия (Официальное видео)

«Времена года», написанные в 1723 году, являются одним из самых известных сочинений для скрипки Антонио Вивальди (1678-1741) в стиле барокко. Это сборник скрипичных концертов; на самом деле это стихотворение первого тона музыки, то есть музыка, имеющая повествовательную или иллюстративную основу. Каждый концерт его «Времен года» соответствует разному времени года.

Читайте также: Самые известные произведения Вивальди, НЕ относящиеся к четырем временам года

Вивальди Четыре сезона: Зима, в сборе; Синтия Фрейвогель, Музыкальные голоса RV 297 (L’Inverno) 4K

Вивальди Четыре сезона: Зима, полная; Синтия Фрейвогель, Голоса музыки RV 297 (L’Inverno) 4K

Узнайте больше о классической музыке эпохи барокко из этих 50 лучших композиций в стиле барокко — от сюиты для виолончели Баха до Miserere Аллегри.

Первоначально канон был написан для трех скрипок и бассо континуо. Его написал один из лучших композиторов эпохи барокко Иоганн Пахельбель (1653–1706).

Он стал очень популярным в 1970-х годах, когда французский дирижер Жан-Франсуа Пайяр сделал запись. С тех пор эта музыка эпохи барокко записывалась сотни раз.

Скачать ноты для фортепиано canon in d

Канон Пахельбеля ре мажор — оригинальная и лучшая версия.

Канон Пахельбеля ре мажор — оригинальная и лучшая версия.

Это произведение «Мессия оратория» было написано всего за 24 дня одним из величайших композиторов эпохи барокко Георгом Фридрихом Генделем (1685–1759). Его друг Чарльз Дженненс написал либретто из Библии, основанное на жизни Иисуса Христа, и дал его Генделю для написания нового произведения «Мессия». Самая известная часть этого произведения — Хор «Аллилуйя».

Хор «Аллилуйя» из «Мессии — мормонский табернакальный хор» Генделя

Припев «Аллилуйя» из «Мессии — мормонов» Генделя

Полуоперация «Королева фей» представляет собой пьесу с существенной эпизодической музыкой, написанную английским композитором Генри Перселлом (1659–1695). Либретто представляет собой анонимную адаптацию комедии Уильяма Шекспира «Сон в летнюю ночь».Это ближе к современному мюзиклу, чем к чему-либо условно оперному.

Генри Перселл: Королева фей, Z.629 — Бремер Барокорчестер, Франсуа Фернандес

Генри Перселл: Королева фей, Z.629 — Бремер Барокорчестер, Франсуа Фернандес

6. Скарлатти — (Сонаты для клавесина)

Итальянский композитор Доменико Скарлатти выпустил более 500 известных сонат для клавесина. Эти континуальные сонаты документируют захватывающий уголок творчества мастера барокко и одновременно открывают начало зарождающегося классического стиля.Они оказали влияние на многих композиторов классического периода после него, таких как Гайдн, Клементи и Бетховен.

Скарлатти был одним из многих известных итальянских художников, композиторов, певцов и т. Д., Получивших известность и богатство при испанских и португальских королевских дворах.

Скарлатти — K.141 — Жан Рондо

Скарлатти — K.141 — Жан Рондо

Хотя Арканджело Корелли не считался композитором высшего уровня вместе с Бахом и Генделем.Этот сборник — одна из жемчужин инструментальной музыки барокко.

Эти 12 концертов драматически повлияли на стиль барочного концерта для следующего поколения композиторов, который Бах и Вивальди изучали до того, как сделали большую часть своей струнной музыки.

Корелли был первым композитором, написавшим музыку в стиле Concerto Grosso периода барокко (форма музыки, напоминающая музыкальный диалог между большим оркестром и небольшой группой солистов).

Корелли: 12 концертов Гросси, соч. 6, № 8; Рождественский концерт — Musica Amphion — Классическая музыка HD

Корелли: 12 Concerti Grossi, Op. 6, № 8; Рождественский концерт — Musica Amphion — Классическая музыка HD

Это произведение представляет собой сборник из шести концертов, которые считаются одними из лучших оркестровых произведений эпохи барокко. Они основаны на итальянском стиле Concerto Grosso.Их веселый и жизнерадостный характер легко вдохновляет и волнует слушателей всех национальностей.

Бах: Бранденбургский концерт № 3 соль мажор, BWV 1048: Complete 4K UHD; Музыкальные голоса

Бах: Бранденбургский концерт № 3 соль мажор, BWV 1048: Complete 4K UHD; Голоса музыки

Прекрасным примером музыки барокко является «Токката и фуга ре минор», BWV 565, написанная Иоганном Себастьяном Бахом 300 лет назад.Это двухчастное музыкальное произведение для органа, написанное согласно древнейшим дошедшим до нас источникам. Узнайте больше об этой токкате и фуге ре минор здесь.

J.S. Бах — Токката и фуга ре минор BWV 565

J.S. Бах — Токката и фуга ре минор BWV 565

Вот и все. Мы надеемся, что этот список помог вам выбрать одни из самых известных произведений в стиле барокко. Возможно, вы также захотите посмотреть наш плейлист из 50 треков в стиле барокко.

Если вам понравилась эта статья, то поделитесь ею с друзьями !!

Похожие сообщения

Бесплатные музыкальные инструменты

Изучить музыку

Мужская одежда и аксессуары | Интернет-магазин Мужская мода

10010110110100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001011010111011110101110101100010110101110111101011101

10010110110100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001011010111011110101110101100010110101110111101011101101110111101011101011000101101011101111010101110111011000101101011101111010101110111011000

10010110110100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001011010111011110101110101100010110101110111101011101

1001011011010001011010111011110101110101100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001011010111011110101110101101101101000101101011101111010111010110110110100010111011101110111011110101110101101101110111011101110111011101111010111011101010111011101110111011101110111011101110111011101110

10010110110100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001011010111011110101110101100010110101110111101011101

1001011011010001011010111011110101110101110101100010110101110111101011101

10010110110100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001011010111011110101110101100010110101110111101011101101110111101011101011000101101011101111010101110111011000101101011101111010101110111011000

10010110110100010110101110111101011101011000101101011101111101110101100010110101110111101011101

100101101101000101101011101111010111010110001011010111011110101110101100010110110101110111101011101

10010110110100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001110101110101100010110101110111101011101

100101101101000101101011101111010111010101100010110101110111101011101

1001011011010001011010111011110101110101100010110101110111101011101011000101101011101111010111010110001011010111011110101110101101101101000101101011101111010111010110110110100010111011101110111011110101110101101101110111011101110111011101111010111011101010111011101110111011101110111011101110111011101110

КИБЕРНЕДЕЛЬНАЯ РАСПРОДАЖА; СТАТУС БЕЗОПАСНОСТИ> BREACHED_

Скидка 50%
Все>

50% скидка

50% скидка

* ИСКЛЮЧАЯ ПРОДАЖУ И ОТДЕЛЬНЫЕ ЛИНИИ

Эпоха барокко: краткая история

Барокко — это эпоха искусства, зародившаяся в Риме, Италия, в начале шестнадцатого века, а затем распространившаяся на большую часть Европы в начале восемнадцатого века.Стиль барокко пришел после эпохи Возрождения и сосредоточился на преувеличенных движениях и точных деталях. Происхождение слова «барокко» оспаривается, но самые ранние источники этого названия показывают, что оно происходит от португальского «barroco» или испанского «barrueco», которые оба означают большую жемчужину неправильной формы. В 1855 году впервые был придуман термин «стиль барокко» для описания художественного стиля, который сначала высмеивали и называли карикатурой.

Рим часто называют родиной барокко.Ранним произведением стиля барокко историки и искусствоведы считают позднюю работу Микеланджело, умершего в 1564 году. Образцом архитектуры раннего барокко Микеланджело является базилика Святого Петра. Самым ранним зданием в стиле барокко является церковь Джезу, построенная архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола и Джакомо Делла Порта между 1575 и 1584 годами в Риме. Фасад Джезу не совсем новый, но некоторые нововведения и детали стали началом архитектуры барокко.

Черты и характеристики архитектуры барокко в церквях часто проявляются в более широких, иногда овальных, нефах.Умышленно недостроенные архитектурные элементы. Драматическое использование света; либо интенсивные светотеневые контрасты. Эффектная центральная проекция часто выделяет фасады. Интерьер представляет собой ракушку для живописи, скульптуры и лепнины. Эффект иллюзорной корреляции с использованием невероятно реалистичных изображений для создания оптической иллюзии трехмерного изображения изображенных объектов.

Энергия и движение — главные элементы скульптур эпохи барокко. Натурализм выделяет барокко по сравнению с классикой и идеализмом стилей Возрождения, которые изображали людей совершенными и безупречными.Джан Лоренцо Бернини считается отцом скульптуры в стиле барокко. Бернини родился в 1598 году в Неаполе, Италия, в семье скульптора. С юных лет он стал ведущим скульптором.

Экстаз Святой Терезы — это скульптурная группа из белого мрамора, расположенная в часовне Корнаро в Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, спроектированная и завершенная Джан Лоренцо Бернини. Скульптура изображает Терезу Авильскую и считается одним из скульптурных шедевров высокого римского барокко, построенным между 1647-1952 годами, когда Бернини было чуть больше пятидесяти.Скульптура изображает святую Терезу, падающую после того, как ангел ударил ее копьем, плывя по облакам. Естественный свет освещает скульптуру через скрытое окно, освещающее золотые лучи, символизирующие солнечный свет.

Живопись в стиле барокко характеризуется огромными эмоциями, яркими, глубокими цветами и интенсивными светлыми и темными тенями. Картины этой эпохи создают иллюзию трехмерности и сильного эмоционального содержания. Свет — важнейшая черта живописи в стиле барокко; было широко распространено использование света и тени.Художники эпохи барокко были одержимы фоном для создания реалистичного изображения произведения искусства и реализма во всем, что показывали.

Рембрандт Харменс ван Рейн, художник эпохи барокко, родился в Лейдене, Голландская Республика (ныне Нидерланды). Рембрандт считается одним из величайших художников европейского искусства и важнейшим художником голландской истории. Самая известная работа Рембрандта — «Ночной дозор». Полное название картины — Рота ополчения округа II под командованием капитана Франса Баннинга Кокка, она была завершена в 1642 году.Картина находится в Рейксмузеуме в Амстердаме. Ночной дозор известен тремя характеристиками: огромными размерами 3,8 метра на 4,5 метра, эффективным использованием света и тени и восприятием движения.

Одной из основных особенностей Night Watch является то, что фигуры имеют реальный человеческий размер, чтобы создать иллюзию того, что они прыгают с холста в реальное пространство. В центре внимания картины капитан Баннинг Кок и его лейтенант ван Рейтенбурч. Историки считают, что картина изображает союз между голландскими протестантами и голландскими католиками в борьбе против испанцев.Картина была заказана капитаном Баннингом Кокком и семнадцатью членами его Кловенье (охрана гражданской милиции), которые все присутствуют на картине.

Эпоха барокко продолжала обогащать европейское искусство и расширять творческий потенциал в семнадцатом веке. Театр процветал, и опера появилась в Италии примерно в 1600 году. Опера была коммерциализирована в Венеции, и она перестала быть эксклюзивной привилегией для аристократов. Обычные люди в Венеции могли купить билеты на оперные представления.Во времена барокко музыка процветала. В ту эпоху было изобретено множество музыкальных форм, таких как концерт и симфония.

Иоганн Себастьян Бах был немецким композитором и музыкантом эпохи барокко. Его музыку уважают за ее техническое мастерство, художественную красоту и интеллектуальную глубину. Бах был известен своим стилем модуляции, который в период барокко был очень ограничен. Музыкальная модуляция — это действие или процесс перехода от одной тональности к другой.

Искусство барокко начало приходить в упадок в восемнадцатом веке.Многие сочли его слишком мелодраматичным и мрачным. Искусство рококо пришло из Франции, и оно было даже более сложным, чем барокко, но менее суровым. Художники эпохи рококо меньше уделяли внимания религии и политике и больше уделяли внимание романтике и природе. Стиль рококо потерпел неудачу из-за встречного движения, известного как неоклассицизм.

Ниже приведены примеры лучших дворцов в стиле барокко.

Людвигсбургский дворец был построен между 1704 и 1733 годами в Людвигсбурге, Германия.Считается одним из крупнейших дворцов в стиле барокко.

Château de Maisons, спроектированный Франсуа Мансаром с 1630 по 1651 год, расположен в Мезон-Лаффит, Франция. Это ориентир в истории французской архитектуры.

Castle Howard — частная резиденция в Северном Йоркшире, Англия. Строительство началось в 1699 году и длилось более 100 лет.

Краткое изложение музыки барокко

Музыка барокко имеет отличительные особенности, которые отличают ее от других музыкальных форм.Например, он уделяет большое внимание тональности с упором на верхние и нижние тона. Кроме того, композиторы этой музыки отдавали предпочтение многослойным мелодиям, которые требовали повторения нот в композиции.

Инструменты, используемые в музыке барокко

Самым характерным инструментом, используемым в этом жанре музыки, является клавесин. Игра на этом инструменте требовала обширных знаний в области импровизационных техник, контрапункта и бассо континуо. Бассо континуо — это аккомпанирующая партия в музыкальном исполнении, которая включает гармонии и басовую партию.Другие инструменты, которые занимают видное место в музыке барокко, включают виолончель, скрипку, лютню, контрабас и альт. Кроме того, распространены также трубы, мешочек и рожки, а также флейты, фаготы, флейты и флейты.

Эпохи, тесно связанные с музыкой барокко

Музыка барокко зародилась в начале 1600-х годов и продолжалась до середины 1700-х годов. Он пришел на смену музыке Возрождения, но предшествовал классической музыке. Композиторы эпохи барокко расширили использование музыкальных орнаментов в своих композициях.Они также внесли значительные изменения в нотные записи. Эти радикальные изменения в традиционных стилях исполнения западной музыки многим показались странными. Фактически, барокко — это португальский термин, который переводится как «жемчужина странной формы». Подходящее название для этого типа музыки, потому что оно было странным, но в то же время завораживающим.

Выдающиеся музыканты в стиле барокко

Некоторые из величайших композиторов-музыкантов в истории жили в эпоху барокко. Среди них были Антонио Л.Вивальди (1678 — 1741), Иоганн С. Бах (1685 — 1750), Джордж Ф. Гендель (1685 — 1759) и другие. Бах был особенно известен, потому что его сочинения имели несомненный уровень мотивационной, гармонической и контрапунктовой организации. Заслуживают внимания и его адаптации ритмов из Франции и Италии. Точно так же Гендель был великим композитором. Он был известен во всей Европе, особенно в Великобритании, своими органными концертами, гимнами, операми и ораториями.

Продолжайте читать: «Вдохновение из жизни Иоганна Себастьяна Баха >>

Читайте дальше: «3 совета, как мотивировать вашего ребенка заниматься скрипкой» >>

Если у вас возникнут дополнительные вопросы, свяжитесь с нами по адресу info @ willanacademy.com или 646-838-3990. Willan Academy of Music предлагает уроки игры на фортепиано, уроки игры на гитаре и многое другое в Нью-Йорке, включая Манхэттен, Бруклин и Квинс.

Музыка барокко — Энциклопедия Нового Света

Музыка барокко описывает эпоху и набор стилей европейской классической музыки, которые широко использовались примерно между 1600 и 1750 годами для обсуждения проблем, присущих определению начальной и конечной точек. ). Считается, что эта эра началась в музыке после эпохи Возрождения, а затем последовала эра классической музыки.Поскольку слушатели эпохи барокко больше не хотели «старомодной» музыки эпохи Возрождения, композиторы и музыканты осознали важность музыки как основного источника развлечения и, таким образом, создали произведения искусства, которые внесли значительный вклад в их общество. Они осознавали основную цель жизни — научиться служить своим собратьям.

Композиторы и философы эпохи барокко (в отличие от древних в Китае и Греции) придерживались идеи, что музыка, математика и наука находятся в космических отношениях.Открытие Пифагором серии обертонов с их математическими свойствами было, пожалуй, самым влиятельным открытием в определении теоретических аспектов западной музыки. Идея божественно упорядоченной небесной гармонии восходит к греческой философии и трудам ранних христианских философов, в первую очередь Северния Боэция. Считалось, что эти космические принципы исходят от Бога и, как таковые, имеют глубокий религиозный и духовный подтекст. Иоганн Себастьян Бах утверждал: «Единственной и конечной целью фигурного баса должно быть не что иное, как слава Бога и воссоздание разума.Там, где этот объект не находится в поле зрения, не может быть настоящей музыки, а может быть только адское скрежетание и вопль «.

Композиторы эпохи барокко также все больше интересовались человеческими эмоциями (страстями и привязанностями) и создавали музыку, чтобы «имитировать» эти эмоции посредством тональной организации. Обращаясь к работам Декарта и Совера, которые в своем исследовании психологического уклада человека начали «объективировать» определенные эмоции, композиторы эпохи барокко инициировали практику выражения определенных эмоций с помощью музыкальных средств.

Первоначальное значение слова «барокко» — «неправильная жемчужина», поразительно подходящая характеристика архитектуры и дизайна этого периода; позже это название стало применяться и к его музыке. Музыка барокко составляет основную часть канона классической музыки. Его широко исполняют, изучают и слушают. Это связано с композиторами и их произведениями, такими как И.С. Фуги Баха, Хор «Аллилуйя» Джорджа Фридриха Генделя, «Времена года» Антонио Вивальди, Вечерня Клаудио Монтеверди 1610 года, а также выдающийся трактат Иоганна Иоахима Кванца по технике флейты 1752 года.

В этот период развивались теория музыки, диатоническая тональность и имитационный контрапункт. Также появились более сложные музыкальные орнаменты, а также изменения в нотной записи и усовершенствования в способах игры на инструментах. Музыка барокко увидит расширение размера, диапазона и сложности исполнения, а также установление оперы как типа музыкального исполнения. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор. Имеет общие характеристики, единство эмоций, орнаментацию, контрастный ритм с импровизацией.Его мелодии обычно имели непрерывное движение линий, динамику террасы и расширения (либо добавление к музыке, либо вычитание).

Обзор

Стиль и тенденции

Музыка, условно называемая барокко, включает в себя широкий спектр стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданный в течение примерно 150 лет. Термин «барокко» применительно к этому периоду в музыке появился сравнительно недавно, впервые он был использован Куртом Саксом в 1919 году, а на английском языке его приобрели только в 1940-х годах.Действительно, даже в 1960 году в академических кругах все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Бах с одним термином; тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить его как от предшествующего (Возрождение), так и от последующих (Классический) периодов музыкальной истории. Небольшое количество музыковедов утверждают, что его следует разделить на периоды барокко и маньеризма, чтобы соответствовать разделам, которые иногда применяются в изобразительном искусстве.

Барокко и стиль Ренессанс

[[Изображение: Baschenis — Musical Instruments.jpg | thumb | 260px | Инструменты в стиле барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку в стиле барокко и гитару в стиле барокко. Музыка барокко разделяет с музыкой Возрождения интенсивное использование полифонии и контрапункта. Однако использование этих техник отличается от музыки эпохи Возрождения. В эпоху Возрождения гармония в большей степени является результатом созвучий, присущих плавному течению полифонии, тогда как в эпоху раннего барокко порядок этих созвучий становится важным, поскольку они начинают ощущаться как аккорды в иерархической функциональной тональной схеме.Примерно в 1600 году это определение сильно размывается: например, можно увидеть по существу тональные прогрессии вокруг каденциальных точек в мадригалах, в то время как в ранней монодии ощущение тональности все еще довольно нечеткое. Еще одно различие между практикой Ренессанса и барокко в гармонии — это частота движения основного тона аккорда на треть в более ранний период, тогда как движение четвертых или пятых преобладает позже (что частично определяет функциональную тональность). Кроме того, в музыке барокко используются более длинные линии и более сильные ритмы: начальная линия расширяется либо сама по себе, либо в сопровождении только бассо континуо, пока тема снова не появится в другом голосе.В этом более позднем подходе к контрапункту гармония чаще определялась либо бассо континуо, либо неявно нотами самой темы.

Эти стилистические различия отмечают переход от ричеркаров, фантазий, и канцон Возрождения к фуге, определяющей форме барокко. Монтеверди назвал этот более новый, более свободный стиль seconda pratica, противопоставляя его prima pratica , который характеризовал мотеты и другие священные хоровые произведения таких мастеров высокого Возрождения, как Джованни Пьерлуиджи да Палестрина.Сам Монтеверди использовал оба стиля; он написал свою Мессу In illo tempore в старом, палестинском стиле, и Вечерню 1610 года в новом стиле.

Есть и другие, более общие различия между стилями барокко и ренессанс. Музыка барокко часто стремится к большему уровню эмоциональной напряженности, чем музыка эпохи Возрождения, а пьеса в стиле барокко часто единообразно изображает одну конкретную эмоцию (ликование, горе, благочестие и т. Д.; См. Доктрину привязанностей). Музыка барокко чаще писалась для виртуозных певцов и инструменталистов, и ее, как правило, труднее исполнять, чем музыку эпохи Возрождения, хотя идиоматическое инструментальное письмо было одним из самых важных нововведений того периода.В музыке барокко много орнаментов, которые исполнитель часто импровизировал. Выразительные методы исполнения, такие как ноты inégales, были обычным явлением, и ожидалось, что они будут применяться исполнителями, часто со значительной свободой. Инструменты стали играть большую роль в музыке барокко, а вокальная музыка а капелла потеряла свое значение.

Барокко и классический стиль

В классическую эпоху, которая последовала за барокко, роль контрапункта была уменьшена (хотя и неоднократно открыта заново и вновь введена; см. Фуга) и заменена гомофонической текстурой.Роль орнамента уменьшилась. Произведения имели тенденцию к более четкой внутренней структуре, особенно написанные в форме сонаты. Модуляция (смена клавиш) стала структурным и драматическим элементом, так что произведение можно было услышать как своего рода драматическое путешествие через последовательность музыкальных клавиш наружу и назад от тоники. Музыка барокко также часто модулируется, но модуляция имеет меньшее структурное значение. Работы в классическом стиле часто изображают самые разные эмоции в рамках одного движения, тогда как работы в стиле барокко имеют тенденцию к одному, ярко изображенному чувству.Наконец, классические произведения обычно достигают своего рода драматической кульминации, а затем разрешают ее; Работы в стиле барокко сохраняют довольно постоянный уровень драматической энергии до самой последней ноты. Многие формы барокко послужили отправной точкой для создания формы сонаты, создав «план этажа» для размещения важных каденций.

Другие функции

• бассо континуо — вид непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, обычно для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента
• монодия — музыка для одного мелодического голоса с сопровождением, характерная для начала семнадцатого века, особенно в Италии
• гомофония — музыка с одним мелодическим голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной ренессансной фактурой, полифонией)
• текст поверх музыки — внятный текст с инструментальным сопровождением, не заглушающим голос
• вокальных солистов (‘бельканто’)
• драматическое музыкальное выражение
• драматических музыкальных форм, таких как опера, драматических форм на музыку
• комбинированных инструментально-вокальных форм, таких как оратория и кантата
• новых инструментальных техник, таких как тремоло и пиццикато
• четкая и линейная мелодия
• notes inégales, техника применения точечных ритмов к равномерно написанным нотам
• ария
• the ritornello aria (многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей)
• концертный стиль (контраст звука между оркестром и сольными инструментами или небольшими группами инструментов)
• точная инструментальная партитура (в эпоху Возрождения точная инструментовка для ансамблевой игры указывалась редко)
• идиоматическое инструментальное письмо: лучшее использование уникальных свойств каждого типа музыкального инструмента
• виртуозное инструментальное и вокальное письмо с признанием виртуозности как таковой
• орнамент
• Развитие современной западной тональности (мажор и минор)
• Каденция — Расширенная виртуозная секция для солиста, обычно в конце части концерта.

Жанры

Композиторы эпохи барокко писали в разных музыкальных жанрах. Опера, возникшая в эпоху позднего Возрождения, стала важной музыкальной формой эпохи барокко с операми Алессандро Скарлатти (1660–1725), Генделя и других. Своего пика оратория достигла в творчестве Баха и Генделя; опера и оратория часто использовали очень похожие музыкальные формы, такие как широкое использование арии да капо.

В другой религиозной музыке значение мессы и мотета несколько снизилось, но кантата процветала в творчестве Баха и других протестантских композиторов.Также процветала виртуозная органная музыка с токкатами, фугами и другими произведениями.

Инструментальные сонаты и танцевальные сюиты написаны для отдельных инструментов, для камерных групп и для (малого) оркестра. Концерт возник как в форме для одного солиста с оркестром, так и в виде концертного гроссо, в котором небольшая группа солистов противопоставляется ансамблю в целом. Французская увертюра с ее контрастирующими медленными и быстрыми частями добавила великолепия многим кортам, на которых она исполнялась.

Клавишные произведения иногда писались в основном для удовольствия и обучения исполнителя. Они включали серию произведений зрелого Баха, которые широко считаются интеллектуальной кульминацией эпохи барокко: «Хорошо темперированный клавир», «Вариации Гольдберга» и «Искусство фуги».

Краткая история музыки барокко

Музыка раннего барокко (1600–1654)

Традиционная граница между барокко и эпохой Возрождения начинается в Италии, когда композитор Клаудио Монтеверди (1567–1643) создал речитатив и возникла музыкальная драма, названная оперой.Это было частью застенчивого изменения стиля в искусстве, особенно в архитектуре и живописи.

В музыкальном плане использование фигурного баса представляет собой большие изменения в музыкальном мышлении, а именно гармония, то есть «объединение всех частей вместе», была так же важна, как и линейная часть полифонии. Все более широкая полифония и гармония будут рассматриваться как две стороны одной и той же идеи, с гармоническими прогрессиями, входящими в понятие композиции, а также с использованием тритона в качестве диссонанса.Гармоническое мышление существовало у отдельных композиторов в предыдущую эпоху, особенно у Джезуальдо, однако ренессанс уступает место барокко в той точке, где оно становится общим лексиконом. Некоторые историки музыки указывают на введение септаккорда без подготовки как на ключевой разрыв с прошлым. Это создало идею, что аккорды, а не ноты, создают ощущение завершения, что является одной из фундаментальных идей того, что позже будет называться тональностью.

Италия стала одним из краеугольных камней нового стиля, поскольку папство, осажденное Реформацией, но с богатой за счет огромных доходов, поступающих от завоевания Габсбургов, искало художественные средства для распространения веры в Римско-католической церкви. Одним из важнейших музыкальных центров была Венеция, которая в то время имела как светское, так и священное покровительство.

Одна из важных фигур переходного периода возникла в результате стремления возродить католицизм перед растущим доктринальным, художественным и социальным вызовом протестантизма: Джованни Габриэли.Его работы во многом считаются выполненными в стиле «Высокого Возрождения». Однако его нововведения стали считаться основополагающими для нового стиля. Среди них — приборы (маркировка инструментов специально для конкретных задач) и использование динамики.

Требования религии также заключались в том, чтобы сделать текст священных произведений более ясным, и, следовательно, возникла необходимость отойти от густо многослойной полифонии эпохи Возрождения к линиям, которые помещали слова вперед и в центр или имели более ограниченный диапазон имитация.Это создало бы потребность в более сложном переплетении вокальной линии на фоне или омофонии.

Монтеверди стал самым заметным из поколения композиторов, которые чувствовали, что в этом «современном» подходе к гармонии и тексту есть светские средства, и в 1607 году его опера Орфей станет ориентиром, продемонстрировавшим беспорядок эффектов и техник, которые были связаны с этой новой школой, называемой seconda pratica, , чтобы отличить ее от более старого стиля или prima pratica. Монтеверди был мастером и того, и другого, создавая мотеты в точном стиле, расширяющие формы Маренцио и Джасеса де Верта. Но именно его работы в новом стиле должны были стать наиболее заметными изменениями в стиле барокко. Сюда входили черты, узнаваемые даже в конце периода барокко, в том числе использование идиоматического письма, виртуозные расцветки и то, что Стэнли Сэди называет «всесторонним» использованием новых техник.

Этот музыкальный язык окажется интернациональным, поскольку Генрих Шютц (1585–1672), немецкий композитор, который учился в Венеции при Габриэли, а затем и Монтеверди, использовал его для литургических нужд курфюрста Саксонии и служил ему хормейстер в Дрездене.

Музыка среднего барокко (1654–1707)

Возникновение централизованного двора — одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют Эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции. Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которую он поощрял, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.Это включало наличие клавишных инструментов.

Среднее барокко отделено от раннего барокко приходом систематического мышления к новому стилю и постепенной институционализацией форм и норм, особенно в опере. Как и в случае с литературой, печатный станок и торговля создали более широкую международную аудиторию произведений и большее перекрестное взаимодействие между национальными центрами музыкальной деятельности.

Среднее барокко в теории музыки определяется все более гармоничной направленностью музыкальной практики и созданием формальных систем обучения.Музыка была искусством, и она стала рассматриваться как искусство, которому нужно учить упорядоченно. Кульминацией этого станет более поздняя работа Фукса по систематизации контрапункта.

Ярким примером композитора придворного стиля является Жан-Батист Люлли (1632–1687). Его карьера резко пошла вверх, когда он сотрудничал с Мольером в серии комедий-балетов, то есть пьес с танцами. Он использовал этот успех, чтобы стать единственным композитором опер для короля, используя не только новаторские музыкальные идеи, такие как лирика трагедий, но и патенты короля, которые не позволяли другим ставить оперы.Инстинкт Люлли предоставить материал, который желал его монарх, был отмечен почти всеми биографами, включая его стремительный переход к церковной музыке, когда настроение при дворе стало более благочестивым. Его 13 завершенных лирических трагедий основаны на либретти, в которых основное внимание уделяется конфликтам между общественной и частной жизнью монарха.

В музыкальном плане он исследовал контраст между величественными и полностью оркестрованными частями и простыми речитативами и ариями. В немалой степени именно его умение собирать и практиковать музыкантов в оркестре было важным для его успеха и влияния.Наблюдатели отметили точность и интонацию, это было в эпоху, когда не существовало стандарта настройки инструментов. Одним из важных элементов было повышенное внимание к внутренним голосам гармонии и отношениям с солистом. Он также установил для оркестров норму преобладания струнных инструментов.

Арканджело Корелли (1653–1713) запомнился как влиятельный благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники — в качестве скрипача, организовавшего скрипичную технику и педагогику, — и в чисто инструментальной музыке, особенно за его пропаганду и развитие концертного гроссо. .В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, Concerto Grosso построен на сильных контрастах; Разделы чередуются между играми в полном оркестре и небольшими группами. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки противопоставлялись друг другу.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже сочинил сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В Англии эпоха среднего барокко породила кометного гения Генри Перселла (1659–1695), который, несмотря на смерть в возрасте 36 лет, написал много музыки и получил широкое признание при жизни. Он был знаком с нововведениями Корелли и других композиторов итальянского стиля; однако его покровители были другими, и его музыкальное творчество было потрясающим.Вместо того, чтобы быть кропотливым мастером, Перселл был гибким композитором, который смог перейти от простых гимнов и полезной музыки, такой как марши, к великолепно оформленной вокальной музыке и музыке для сцены. Его каталог насчитывает более 800 работ. Он также был одним из первых великих клавишников, чьи работы до сих пор имеют влияние и присутствие.

В отличие от этих композиторов, Дитерих Букстехуде (1637–1707) не был придворным, а был органистом и предприимчивым представителем музыки.Вместо того, чтобы публиковаться, он полагался на исполнение для своего дохода и, а не на королевское покровительство, он курсировал между вокальными настройками для духовной музыки и органной музыкой, которую он сам исполнял. Его творчество не столь великолепно или разнообразно именно потому, что его не постоянно призывали к музыке по какому-либо случаю. Букстехуде использовал контраст между свободными, часто импровизационными частями и более строгими частями, разработанными контрапунктом. Эта процедура окажет большое влияние на более поздних композиторов, таких как Бах, которые доведут контраст между свободным и строгим до больших ограничений.

Музыка позднего барокко (1680–1750)

Граница между средним и поздним барокко является предметом споров. Даты начала стиля «позднего» барокко колеблются от 1680 до 1720 года. В немалой степени это связано с тем, что не было ни одного синхронизированного перехода; разные национальные стили претерпевали изменения с разной скоростью и в разное время. Италия обычно считается первой страной, перешедшей в стиль позднего барокко, и композиторы, такие как немец Карл Генрих Граун, сочиняют в итальянском стиле.Важной разделительной чертой в большинстве историй музыки барокко является полное поглощение тональности как структурного принципа музыки. Это было особенно очевидно после теоретической работы Рамо, который заменил Люлли в качестве важного французского оперного композитора. В то же время, благодаря работам Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения контрапункта. Комбинация модального контрапункта с тональной логикой каденции создала ощущение, что существует два стиля композиции: гомофонический, с преобладанием вертикальных соображений, и полифонический, с преобладанием имитации и контрапункта.

Формы, которые начали формироваться в предыдущую эпоху, процветали и получали все более и более широкий диапазон разнообразия; концерт, сюита, ​​соната, концерт гроссо, оратория, опера и балет — все это привело к быстрому распространению национальных стилей и структур. Общая форма пьес была, как правило, простой, с повторяющимися бинарными формами (AABB), простыми трехчастными формами (ABC) и формами рондо. Эти схемы, в свою очередь, повлияли на более поздних композиторов.

Антонио Вивальди (1678–1741) — фигура, которая на протяжении большей части XIX века была забыта в создании концертной музыки, но возродилась только в двадцатом веке.Родился в Венеции в 1678 году, он начал как рукоположенный священник католической церкви, но перестал служить мессу к 1703 году. Примерно в то же время он был назначен маэстро скрипки в венецианском приюте для девочек, с которым у него были профессиональные отношения. почти до конца его жизни. Репутация Вивальди возникла не из-за того, что у него был оркестр или назначение в суд, а из его опубликованных произведений, включая трио-сонаты, скрипичные сонаты и концерты. Они были опубликованы в Амстердаме и широко распространились по Европе.Именно в этих инструментальных жанрах барочной сонаты и барочного концерта, которые все еще развивались, был сделан наиболее важный вклад Вивальди. Он остановился на определенных схемах, таких как план из трех частей быстро-медленно-быстро для произведений и использование ритнелло в быстрых частях, и исследовал возможности в сотнях произведений — только 550 концертов. Он также использовал программные названия для своих работ, таких как его знаменитые «Времена года». Карьера Вивальди отражает растущую возможность композитора поддерживать себя своими публикациями, гастролировать для продвижения своих произведений и вести независимую жизнь.

Доменико Скарлатти (1685–1757) был одним из ведущих виртуозов клавишных своего времени, который стал придворным музыкантом при королевском дворе, сначала в Португалии, а затем, начиная с 1733 года в Мадриде, Испания, где он был провести остаток своей жизни. Его отец, Алессандро Скарлатти, был членом Неаполитанской оперной школы и считается одним из самых опытных ее членов. Доменико также должен был писать оперы и церковную музыку, но именно публикация его клавишных произведений, получивших более широкое распространение после его смерти, обеспечила ему прочную репутацию.Многие из этих произведений были написаны для его собственной игры, другие — для его царственных покровителей. Как и в случае с его отцом, его состояние было тесно связано с его способностью обеспечить и сохранить королевскую благосклонность.

Пьетро Филиппо Скарлатти, брат Доменико Скарлатти и сын Алессандро Скарлатти, был итальянским композитором, органистом и хормейстером, выдающимся представителем периода позднего итальянского барокко. Его способность противопоставлять гармонии и звучность вокальной музыке сделала его очень популярным среди оперной публики.

Но, пожалуй, самым известным композитором, связанным с операми в стиле барокко и королевским покровительством, был Джордж Фридрих Гендель (1685–1759), который родился в Германии, три года учился в Италии, но в 1711 году поехал в Лондон и использовал он служил основой для долгой и прибыльной карьеры, которая включала в себя самостоятельно поставленные оперы и заказы для знати. Он постоянно искал успешные коммерческие формулы в опере, а затем и в ораториях на английском языке. Постоянный рабочий, Гендель заимствовал у других и постоянно перерабатывал собственный материал.Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый «Мессия», премьера которого состоялась в 1741 году, для доступных певцов и музыкантов. Несмотря на то, что его экономические условия росли и падали вместе с его постановками, его репутация, основанная на опубликованных клавишных произведениях, церемониальной музыке, постоянных постановках опер и ораторий и Concerto Grossi, росла в геометрической прогрессии. К моменту его смерти он считался ведущим композитором Европы и изучался более поздними музыкантами классической эпохи. Гендель, из-за своих очень публичных амбиций, основывал большую часть своей работы на мелодическом ресурсе в сочетании с богатой исполнительской традицией импровизации и контрапункта.Практика орнаментации в стиле барокко под его руководством находилась на очень высоком уровне развития. Он путешествовал по всей Европе, чтобы привлечь певцов и изучить музыку других композиторов, и, таким образом, у него было самое широкое знакомство с другими стилями любого композитора.

J.S. Со временем Бах стал рассматриваться как выдающаяся фигура музыки барокко, которую Бела Барток охарактеризовал как «религию», окружающую его. В то время он был более известен как учитель, администратор и исполнитель, чем композитор, и был менее известен, чем Гендель или Телеман.Он родился в Айзенахе в 1685 году в семье музыкантов, получил обширное раннее образование и обладал прекрасным парным сопрано. Он занимал различные должности в качестве органиста, быстро завоевав известность благодаря своей виртуозности и способностям. В 1723 году он поселился на должности, с которой должен был работать практически всю оставшуюся жизнь: Кантор и музыкальный директор Лейпцига. Его разнообразный опыт к этому моменту означал, что он стал лидером музыки, как светской, так и духовной, для города, учителем его музыкантов и ведущей фигурой.Музыкальные нововведения Баха проникли в глубины и внешние границы барочных гомофонических и полифонических форм. Он был виртуальным каталогом всех возможных противозачаточных средств и всех приемлемых средств создания паутины гармонии с хоралом. В результате его произведения в форме фуги в сочетании с прелюдиями и токаттами для органа, а также концертные формы в стиле барокко стали основополагающими как в исполнительской, так и в теоретической технике. В его произведениях обильно представлены практически все инструменты и ансамбли того времени, кроме театральных жанров.Учение Баха расцвело в классическую и романтическую эпохи, когда композиторы заново открыли для себя гармонические и мелодические тонкости его произведений.

Георг Филипп Телеман (1681–1767) был самым известным инструментальным композитором своего времени и чрезвычайно плодовитым — даже по стандартам эпохи, когда композиторам приходилось сочинять большие объемы музыки. Две его наиболее важные должности — музыкальный директор во Франкфурте в 1712 году и в 1721 году музыкальный директор Йоханнеума в Гамбурге — требовали от него сочинения вокальной и инструментальной музыки для светского и духовного контекстов.Он составил два полных цикла кантат для воскресных служб, а также священные оратории. Телеман также основал периодическое издание, которое публиковало новую музыку, большую часть которой составлял сам Телеман. Такое распространение музыки сделало его композитором с международной аудиторией, о чем свидетельствует его успешная поездка в Париж в 1731 году. Некоторые из его лучших произведений относятся к 1750-м и даже 1760-м годам, когда стиль барокко заменялся более простыми стилями, но были популярны в то время и впоследствии. Среди этих поздних работ — «Der Tod Jesu» («Смерть Иисуса») 1755 г., «Die Donner-Ode» («Ода грома») 1756 г., «Die Auferstehung und Himmelfahrt Jesu» («Воскресение и вознесение Иисус «) 1760 г. и» Der Tag des Gerichts «(» Судный день «) 1762 г.

Другие влиятельные композиторы

Влияние барокко на более позднюю музыку

Переход к классической эпохе (1740–1780)

Фаза между поздним барокко и ранней классикой, с ее широким сочетанием конкурирующих идей и попыток объединить различные требования вкуса, экономики и «мировоззрения», носит множество названий. Иногда его называют «Галант», «Рококо» или «доклассический», а иногда и «ранний классический». Это период, когда композиторы, все еще работающие в стиле барокко, по-прежнему успешны, хотя их иногда считают скорее ушедшими в прошлое, чем настоящим — Бах, Гендель и Телеман сочиняют далеко за пределами той точки, в которой гомофонический стиль явно находится в центре внимания. по восходящей.Музыкальная культура оказалась на перепутье: мастера старого стиля владели техникой, а публика жаждала нового. Это одна из причин, по которой C.P.E. Бах пользовался таким большим уважением: он довольно хорошо понимал старые формы и знал, как представить их в новом облачении с увеличенным разнообразием форм; он далеко зашел в пересмотре старых форм барокко.

Практика эпохи барокко была нормой, по которой оценивалась новая композиция, и возникло разделение между священными произведениями, которые больше соответствовали стилю барокко, от светских или «светских» произведений, которые были в новый стиль.

Особенно в католических странах Центральной Европы стиль барокко продолжал быть представлен в духовной музыке до конца восемнадцатого века, во многом так же, как stile antico эпохи Возрождения продолжали жить в духовной музыке начало 17 века. Мессы и оратории Гайдна и Моцарта, будучи классическими в их оркестровке и орнаменте, имеют много черт барокко в их основной контрапунктной и гармонической структуре. Закат барокко ознаменовался различными попытками смешать старые и новые техники, а также многими композиторами, которые продолжали работать со старыми формами вплоть до 1780-х годов.Многие города Германии продолжали придерживаться исполнительской практики от барокко до 1790-х годов, включая Лейпциг, где И.С. Бах работал до конца своей жизни.

В Англии непреходящая популярность Генделя обеспечила успех Ависона, Бойса и Арне — среди других опытных подражателей — вплоть до 1780-х годов, которые соревновались вместе с Моцартом и Бахом. В континентальной Европе, однако, это считалось старомодным способом письма и было необходимым условием для окончания растущего числа консерваторий музыки, а в остальном предназначалось только для использования в священных произведениях.

Влияние композиции и практики барокко после 1760 года

Поскольку музыка барокко была основой педагогики, она сохранила стилистическое влияние даже после того, как перестала быть доминирующим стилем сочинения или создания музыки. Даже когда практика барокко, например, барабан, вышла из употребления, она продолжала оставаться частью нотной записи. В начале 19 века партитуры мастеров эпохи барокко были напечатаны целым тиражом, и это привело к возобновлению интереса к «строгому стилю» контрапункта, как его тогда называли.С возрождением хоровой музыки Баха Феликсом Мендельсоном стиль барокко стал влиятельным в XIX веке как образец академической и формальной чистоты. На протяжении XIX века фуга в стиле Баха оказывала огромное влияние на композиторов как эталон, к которому нужно стремиться, и как форма, которую можно было включить в серьезные инструментальные произведения.

Двадцатый век назвал барокко периодом и начал изучать его музыку. Форма и практика барокко повлияли на таких разных композиторов, как Арнольд Шенберг, Макс Регер, Игорь Стравинский и Бела Барток.В начале 20-го века также возродятся композиторы среднего барокко, такие как Перселл и Корелли.

Есть несколько случаев, когда современные произведения публикуются как «заново открытые» шедевры барокко. Некоторые примеры этого включают концерт для альта, написанный Анри Казадезю, но приписываемый Генделю, а также несколько пьес, приписываемых Фрицем Крейслером менее известным деятелям барокко, таким как Пуньяни и Падре Мартини. Сегодня существует очень активное ядро ​​композиторов, пишущих произведения исключительно в стиле барокко, примером чего является Джорджо Пачиони.

Различные произведения были названы «необарокко» из-за акцента на имитационной полифонии, включая работы Джачинто Счелси, Пола Хиндемита, Пола Крестона и Мартину, хотя они и не относятся к собственно стилю барокко. Музыковеды пытались завершить различные произведения из эпохи барокко, в первую очередь «Искусство фуги» Баха. Поскольку стиль барокко является признанной точкой отсчета, подразумевая не только музыку, но и определенный период и социальную манеру, произведения в стиле барокко иногда создаются для средств массовой информации, таких как кино и телевидение.Композитор Питер Шикеле пародирует классику и стили барокко под псевдонимом PDQ Bach.

Практика исполнения в стиле барокко вновь оказала влияние с появлением «аутентичного» или исторически обоснованного исполнения в конце 20 века. Тексты Кванца и Леопольда Моцарта, среди прочих, легли в основу перформансов, в которых была предпринята попытка восстановить некоторые аспекты звукового мира барокко, в том числе частичное исполнение произведений Баха, использование струн, а не металла, реконструированные клавесины, использование старых игровых техник и стилей.Некоторые популярные ансамбли воспользуются некоторыми или всеми этими методами, включая Anonymous 4, Академию старинной музыки, Бостонское общество Генделя и Гайдна, Академию Святого Мартина в полях, Les Arts Florissants Уильяма Кристи и другие. Затем это движение попытается применить некоторые из тех же методов к исполнению классической и даже ранней романтической эпохи.

Джаз

Музыкальный стиль барокко имеет много общего с джазом. В дополнение к небольшим ансамблям, для которых предназначалось большинство произведений в стиле барокко (в то время не было возможности создать оркестр из 100 человек), как и в джазовом квартете, большинство произведений в стиле барокко использовали различные импровизации со стороны исполнителя.Требовалась очень солидная теоретическая база, чтобы понять фигурный бас — метод записи, используемый клавишниками для заполнения и украшения басовой партии. В большинстве произведений в стиле барокко использовался фигурный бас, и, следовательно, никакие два исполнения одного и того же произведения в стиле барокко не были абсолютно одинаковыми. В отличие от музыки, написанной во время классического и романтического периода, которая обычно была довольно сложной и эпической (учитывая рождение симфонии в классический период), музыка барокко обычно была очень простой и в некоторой степени предсказуемой. ^[1]

Самым похожим аспектом музыки барокко и джаза является импровизация на ведущем инструменте. Например, в большинстве сольных произведений в стиле барокко используются два куплета. Пьеса проигрывается / исполняется один раз, сразу, а затем проигрывается второй раз, когда вокалист импровизирует орнаменты, изящные ноты и негармонические тона. Однако, в отличие от джаза, ни исходный ритм, ни исходные ноты / мелодия не изменяются. Вместо этого они добавляются импровизацией, а не изменяются импровизацией.К сожалению, искусство импровизации было утрачено во время классической, романтической эпохи музыкального искусства 20-го века, однако оно было «заново открыто» (как и церковные стили) ^[2] в джазовой музыке, особенно Луи Армстронг, ^[3] , которого некоторые называют «дедушкой джаза».

Список жанров барокко

Вокал

• Opera
  • Zarzuela
  • Opera серия
  • Комическая опера
  • Опера-балет
• Маска
• Оратория
• Passion (музыка)
• Кантата
• Месса (музыка)
• Гимн
• Monody
• Хорал

Инструментальный

• Общий концерт
• Фуга
• Люкс
  • Allemande
  • Courante
  • Сарабанда
  • Gigue
  • Гавот
  • Менуэт
• Соната
  • Соната для камеры
  • Sonata da chiesa
  • Трио-соната
• Партита
• Канцона
• Sinfonia
• Фантазия (музыка)
• Ricercar
• Токката
• Прелюдия
• Чакона
• Пассакалия
• Хоральная прелюдия

Ноты

Список литературы

• Блюм, Фридрих. Музыка эпохи Возрождения и барокко: всесторонний обзор. Нью-Йорк: W.W. Нортон, 1967. OCLC 325605
• Бюлоу, Джордж Дж., История музыки барокко. Блумингтон, IN: Indiana University Press, 2004. ISBN 0253343658
• Гейнс, Джеймс Р. Вечер во Дворце разума. Нью-Йорк: Харпер / Коллинз, 2005. ISBN 0007156588
• Палиска, Клод В. Музыка барокко. Englewood Cliffs, NJ: Prentice-Hall, 1968. OCLC 437181
• Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко. Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 0195122321
• Тарускин, Рихард и Пьеро Вайс. Музыка в западном мире: история в документах. Белмонт, Калифорния: Wasdworth Group, 1984. ISNB 053458599X

Внешние ссылки

Все ссылки получены 12 мая 2016 г.

Кредиты

New World Encyclopedia писателей и редакторов переписали и завершили статью Wikipedia в соответствии со стандартами New World Encyclopedia .Эта статья соответствует условиям лицензии Creative Commons CC-by-sa 3.0 (CC-by-sa), которая может использоваться и распространяться с указанием авторства. Кредит предоставляется в соответствии с условиями этой лицензии, которая может ссылаться как на участников Энциклопедии Нового Света, участников, так и на самоотверженных добровольцев Фонда Викимедиа. Чтобы процитировать эту статью, щелкните здесь, чтобы просмотреть список допустимых форматов цитирования. История более ранних публикаций википедистов доступна исследователям здесь:

История этой статьи с момента ее импорта в New World Encyclopedia :

Примечание. Некоторые ограничения могут применяться к использованию отдельных изображений, на которые распространяется отдельная лицензия.

12 величайших композиторов эпохи барокко

Домой Блог о скрипке Основы работы со скрипкой Интересные факты 12 величайших композиторов эпохи барокко