Древнеегипетские руины в Москве. Которым на глазах становится хуже
Оригинал взят у shakko.ru в Древнеегипетские руины в Москве. Которым на глазах становится хуже
А посмотрите, какой ужас творится с этим замечательным зданием в стиле ампир — частью усадьбы Влахернское-Кузьминки, которая когда-то принадлежала Голицыным.
Совершенно замечательная вещь, этот Египетский павильон — в стилистике, которой так любили играться перед наполеоновскими войнами.
Но рассыпается прямо на глазах, и бомжи там небось живут.
Сама усадьба (но не этот флигель) ныне является филиалом «Музея Москвы» (который в Провиантских складах на Зубовском), но естественно, у музея нет таких миллионов, чтобы привести это чудо в порядок, снова сделать из него игрушечку. А мэрия денег на это не даст, у нее своих дел полно, и куда потратить (хотя еще Лужков обещал спасти).
Но все никак не спасают. Все разрушается и разрушается.
Так что посмотрите фотографии.
И насладитесь этим ампиром, который бывает не только а-ля Наташа Ростова, но и вот такой удивительный.
Подробно читайте в википедии про египтизирующий стиль, а вот кусочек описания, что это за архитектурный изыск такой.
Характерной чертой стиля ампира является набор декоративных элементов, заимствованных из предшествоваших художественных эпох. Особенной популярностью пользовались древнегреческие и древнеримские мотивы, однако также использовались этрусские и ренессансные темы. Древнеегипетское искусство также вошло в список источников вдохновения. Всеядный ампир использовал египетские мотивы (цветки папирусов, лотосы, пальмы, сфинксы, головы фараонов, скарабеи, кобры, иероглифы и т. д.)
Внимание к египетскому искусству у французских мастеров (создателей ампира) было связано с интересом к нему древних римлян — которых Франция держала за образец, а также с тем, что во время Египетского похода Наполеона 1798—1801 годов во Францию попало множество древних произведений.
Наполеон не снискал себе там триумфа — в отличие от 175 французских учёных, которых он привёз в своем обозе, и которые активно воспользовались возможностью задокументировать или увезти памятники, в том числе Розеттский камень. После их возвращения в современной Европе впервые оказались настоящие, а не опосредованные «египетские» вещи в таком количестве, и египтомания захлестнула мир, сменив увлечение предыдущего поколения «китайщиной». «Во Франции египетские мотивы стали частью патриотической символики. Они использовались при строительстве объектов, для прославления военного гения Бонапарта».
Книгами образцов для тех, кто желал следовать моде, стали 22-томное «Путешествие по Верхнему и Нижнему Египту» (фр. Voyage dans la basse et la haute Egypte, 1802—1813) Доминика-Вивана Денона и 24-томное «Описание Египта» (1809—1813) Франсуа Жомара. Денон, став директором Лувра и Севрской мануфактуры, оказался влиятельной фигурой в насаждении вкусов. Издание Денана стало источником вдохновения для нескольких поколений художников и декораторов.
В 1809 г. также был опубликован альбом гравюр «Египетские памятники» англичанина У. Р. Хэмилтона. (Англичане оправдывали свою египтоманию Битвой на Ниле, где Нельсон разбил Наполеона).
А вот свежая статья про то, что это за здание и почему пора бить во все колокола.
В египетском стиле, который пришел в Европу вместе с солдатами и учеными, побывавшими вместе с Наполеоном на берегах Нила, швейцарцы — отец и сын Жилярди построили в 1813—1815 годах в «Кузьминках» знаменитую на всю Москву «Померанцевую оранжерею». Здесь когда-то росли апельсины и гранаты, удивлявшие всех арбузы и другие фрукты. Но главное было, конечно, не в том, что подавали к столу князя С.М. Голицына. Источники разнятся: то ли по проекту Воронихина, то ли по собственному вкусу архитекторы Жилярди создали внутри пространства оранжереи восхитительную имитацию древнеегипетского храма. Роскошные композитные капители колонн, восходящие к подлинным колоннам египетских храмов III—I вв. до новой эры, богато расписанные потолки, на которых в геометрических фигурах перед зрителем предстают образы египетских божеств, царей и священных животных, обрамленные вереницами иероглифов.
В центре — уникальная, не имеющая аналогов двенадцатирожковая люстра: священные кобры, цветы водяных лилий, вновь иероглифы, крылатые солнечные диски и пальмовые ветви. Часть тончайших лилий, в которых были лампы, вывернута и искорежена вандалами. Чуть позже, в 1836 году, был возведен и обеденный «Египетский павильон», также находящийся совсем в плачевном состоянии.
Ничего подобного нет ни в Москве, ни в Петербурге, где есть несколько памятников «египтизирующей архитектуры», но все они были созданы много позже. Казалось бы, ценнейший памятник, имеющий огромное значение не только для русского, но и в целом для европейского искусства, должен был бы превратиться в популярный музей и гордость Москвы, однако его судьба сложилась иначе. В начале XX века здесь расположились Голицынские сельскохозяйственные курсы, а потом, видимо, за неимением более подходящего помещения — Институт экспериментальной ветеринарии, который не только изуродовал территорию усадьбы, но и оставил после себя малоприятное воспоминание в виде скотомогильника.
И вот реалии наших дней: от потрясающих египетских царских ликов отваливаются куски, полы сгнили и проваливаются в подвал, изысканные капители колонн по-прежнему держат потолок, который вот-вот обрушится, несмотря на то, что его грубо подперли брусьями, даже не пропитанными противопожарными средствами: видимо, все-таки владельцы здания понимают, что если оно рухнет, будет колоссальный скандал. Уникальные росписи начала XIX века, имитирующие убранство египетского храма, осыпаются и обваливаются кусками. Накренившаяся бесценная люстра вот-вот рухнет вниз.
«И Египетский павильон, и «Померанцевая оранжерея» — уникальны и чрезвычайно ценны, — сообщил ИА REGNUM историк Михаил Коробко, автор фундаментальной монографии об усадьбе «Кузьминки-Влахернское». — Это самый старый египетский интерьер в Москве, и, более того, единственный сохранившийся подлинный, бесценный интерьер сильно пострадавшей усадьбы «Кузьминки». Неизвестно точно, лежал ли в основе павильона проект А.
Н. Воронихина или же это проект отца и сына Жилярди, однако это никак не влияет на ценность чудом сохранившегося роскошного здания. Интерьеры, к счастью, не были повреждены неумелыми реставрациями в советское время: ограничились лишь тем, что капители египетских колонн в оранжерее покрыли бронзовой краской. Павильон был в упадке уже в 1990-х, то есть тогда, когда находился в ведении Института экспериментальной ветеринарии. «Померанцевая оранжерея» была в отличном состоянии вплоть до вывода института из здания, до такого состояния прекрасный, знаковый памятник архитектуры довела банальная бесхозяйственность. Сейчас ситуация критическая и требует срочного вмешательства властей».
Как удалось установить, здание «Померанцевой оранжереи», которое является гордостью Москвы, пустует и гибнет уже давно. Ветеринары покинули ее в 2001 году. В 2004 году мэр Москвы Ю.М. Лужков принял решение о незамедлительной реставрации уникальных памятников, однако она так и не была проведена.
Оба они — и павильон, и оранжерея находятся в федеральной собственности, право хозяйственного ведения принадлежит ФГУП организации социальной сферы «Управление служебными знаниями» (ФАНО России»). Распоряжение Правительства Москвы от 02.10.2007 г. №2177-РП, в соответствии с которым предполагалась передача в собственность города Москвы объектов усадьбы, находящихся в федеральной собственности, не выполнено.
«Потеря этих уникальных памятников станет для Москвы подлинной трагедией, — говорит известный египтолог Виктор Солкин. — Архитектурное решение, скульптура, интерьеры Египетского павильона и «Померанцевой оранжереи» — уникальны и могут быть гордостью любой европейской столицы. Россия всегда тяготела к востоку, просвещенная московская публика зачитывалась «Хождениями» путешественников в Египет и Индию, а первый русский паломник побывал на берегах Нила задолго до европейцев, в 1370 году. Именно поэтому модная «египтомания» охватила просвещенную Россию, всегда интересовавшуюся истоками цивилизации и культуры, очень рано.
Египтизирующие памятники «Кузьминок» — один из старейших примеров египтомании в искусстве Европы, выполнены с привлечением ряда узнаваемых и выдающихся образцов древнееегипетской архитектуры. Они хорошо известны за рубежом, их разрушение стало бы непоправимым ударом по международному имиджу обновляющейся Москвы в самых разных кругах специалистов и самой широкой общественности. Самое важное — понимать, что ничего подобного в Москве больше нет. Потенциальная утрата будет невосполнимой». ( Ольга Шамшонкова https://regnum.ru/news/cultura/2314407.html)
Авторы фото — Людмила Тишкина и Светлана Овчаренко
Египетский стиль. Приметы египетского стиля в современных интерьерах
Египетский стиль – древнейший и таинственный, давший архетипические черты не только историческим и этническим интерьерным стилям, но и самым современным.
И в классике, и в минимализме, и модерне – очень много приемов и атмосферы египетского стиля, пусть это и не всегда читается и замечается, особенно на первый взгляд. Гармоничный и пропорциональный интерьер практически всегда содержит математическую точность форм, спокойную симметрию и царственную приветливость – чем не Древний Египет в его мудрости и величии? Но древняя изначальная классика, ставшая основой очень многих стилей и направления искусства и архитектуры, предстает в интерьерах не только скрыто, а очень даже антуражно и без всякой сакральности: роскошь и буйство красок и форм, достойная фараонов. Для чувств – шикарная сочная обстановка, а для подсознания – тени загадок ушедшей египетской цивилизации, чудесная атмосфера сказки, аромат тайны. Египетские интерьеры вовсе не такая уж редкость в современных квартирах, но в полной красоте они проявлены все же не в бюджетном, а в богатом и престижном дизайне.
Египетский стиль в интерьере
Египетский стиль в интерьере: при этих словах представляются колонны и барельефы, огромные силуэты кошек, глаза которых полны тайны и презрения, а также разные фрески, скульптуры, полосатые ковры и шелковые подушки – в общем, воображение разыгрывается в меру познаний истории и частоты просмотра исторических фильмов (обычно способных лишь запутать непрофессионала и рассмешить историка).
Говоря о египетских интерьерах, любители не-дизайнеры не обязательно имеют в виду «древнеегипетские», часто речь идет о неоегипетском оформлении (очень тонко обозначенном французским retour d’Égypte, или египтизирующий стиль). Так или иначе, в интерьере египетского стиля сегодня не всегда присутствуют строгая симметрия, прямизна линий и сглаженность форм, и уж точно нет величия и значительности обиталища жрецов. Интерьеры египетского стиля – праздничны, они дарят наслаждение чувствам, находиться в подобном окружении приятно и комфортно.
В «царских» интерьерах ампира и барокко, как во многих других, нередко есть черты стиля Древнего Египта, а в современных интерьерах довольно часто встречаются украшения и декоры и древней, и современной египетской тематики, все это настолько привычно, что воспринимается порой без малейшей привязки к архетипам Египта. Даже стилистика рококо не лишена традиции использования египетских мотивов, и этой праздничной легкостью переходов мы обязаны многим монархам — любителям интерьеров, вплоть до последнего французского короля Людовика 16-го (к его правлению и Египетскому походу Наполеона относят и взрыв интереса к моде на египетские интерьеры).
Египетский стиль в современном интерьере
В современной квартире интерьер с чертами египетского стиля может быть светлым и свободным; атмосферность создается деталями: шелковый ковер на полу, орнамент на изголовье деревянной кровати, цветные шторы на окне. В современности африканской страны – все веяния прогресса и инновации техники, поэтому и в египетском интерьере они уместны. Конечно, речь не идет об оформлениях с подчеркнуто древним антуражем, но нужно сказать, что даже выдержанные строго в исторической тематике, выглядят такие интерьеры куда более фантазийно и необычно, чем более простые современные оформления с «египетским» декором – вазой, циновкой, панно с изображением головки Нефертити или кошки Бастет.
Современные коллекции плитки, обоев, линолеума, домашнего текстиля часто включают египетские мотивы, и только в воле хозяев решать, насколько уместными будут в их жилище принты с погребальным ритуалом фараона, стилизованные мумии или бордюры с цветами лотоса.
Далеко не каждый египетский интерьер должен содержать пиктограммы или изображения людей и жутковатых животных в «профиль по-египетски», с руками и туловищем в фас. Современный египетский интерьер очень часто не содержит ни единого украшения в данной тематике, атмосферу дает классика цвета и света, темные чистые оттенки, спокойная симметрия.
Цвета и оттенки
Главный цвет должен быть из палитры теплого желтого, во всем ее огромном диапазоне от кремового до охряного; цвета песка и заката, слоновой кости и золота. Краски — сочные и чистые, и кроме желтой палитры, очень ограниченные и не смешанные – бордо и кофе, цвет мха и темная бирюза, оттенки черного дерева и темного вина.
Очень важно качество и цвет текстиля, поскольку в египетском интерьере важны драпировки и всевозможные покрывала, а еще лучше – балдахин над кроватью. Светлые оттенки, греж и беж, белая палитра – но только обязательно теплая; цвета земли, травы и Солнца, однотонность фона и строгий, изысканные геометрический орнамент.
Актуальна натуральность состава – чистый лен и хлопок в отбеленном и окрашенном варианте, чистошерстяные ткани.
Мебель и отделка
Мебель во дворцах фараонов, по свидетельствам историков, была темной, украшалась резьбой, эмалями, перламутровыми инкрустациями и изобиловала позолотой. Черное дерево и много золота, и если интерьер решен в стиле фараонов, а не простых египтян – то и богатые декоры, мебельные ножки в виде лап львов и птиц, иероглифы на стенах и даже сценки войн и погребений фараонов на кафельной плитке в ванной. Низкий сундук или кушетка, просторное кресло, диванчик на двоих, широкая кровать – отлично впишутся в интерьер. Современная строгая мебель из натурального дерева и в темных, и в светлых оттенках тоже удивительно подходит к египетскому интерьеру. Невозможны только украшения из других эпох, а вот минимализм и мебельный модерн могут оказаться точным попаданием в стиль.
Отделку помещения часто завершает шерстяной ковер или тростниковая циновка, яркая занавесь на окно, эффектная лампа – но чаще две парные лампы и/или одинаковые ковры: принцип парности.
Увлеченные египтоманы, знающие толк в неоегипетских направлениях, применяют в интерьерах декоры и украшения, способные испугать неподготовленного.
Декоры и украшения в египетском стиле
Керамика и светильники часто расставлены попарно и симметрично, но могут быть и отдельными арт-объектами. Обожженная глина и разноцветный камень: змеевик (серпентинит), порфир, жадеит и нефрит, яшма и оникс – любые камни и их имитации могут добавить красок в интерьер. Алебастровые изделия тоже подойдут, особенно состаренные, но более других популярны аксессуары в древнеегипетском стиле: всевозможные кошки и жуки-скарабеи, папирусы, сфинксы и головы Нефертити, изображенные на панно, вырезанные и выгравированные, принтованные на обоях и портьерах – очень разные, от серьезных до юмористических. Но больше всего к настоящему египетскому интерьеру подходят именно серьезные декоры и украшения, выполненные в строгом стиле: фараоны не терпят фривольности.
Но неоегипетский стиль приемлет гораздо больше авангардных чудес: огромных скарабеев на потолке, черную мебель с позолотой, картины с изображениями древних богов на современный лад и многое другое, невозможное в этническом стиле.
Ремонт и отделка|26 октября 2021 в 07:38| Неоегипетский стиль, Египетский стиль, Интерьер
Историческая архитектура HiSoUR История культуры
Историзм, также называемый романтизмом, развившийся в основном в XIX и начале XX веков, сосредоточил все свои усилия на восстановлении архитектуры прошлого. Это должно было имитировать архитектурные стили других эпох, включая некоторые культурные особенности того века, в то время как эклектичная архитектура была посвящена смешению стилей для создания чего-то нового.
Историзм – направление в мировой архитектуре XIX века, основанное на подражании стилю прошлых эпох. Непреднамеренное и эклектичное направление, заключающееся в отказе от стремления создать стиль, соответствующий современным историческим и социальным условиям, в пользу подражания прошлым великим стилям в искусстве и архитектуре.
Изначально он основывался на противопоставлении классицизма и интереса к прошлому, изученному научным путем. Он совпал с романтикой в искусстве и литературе.
Оно возникло из романтической тоски по тому, что далеко, за историей и раскованной природой. Романтически настроенный человек бежал от общества, искал одиночества, личного, родного и народного, искал бесформенности и свободы – в противовес профессиональному и социальному принуждению, простоте, граничащей с примитивизмом. Он был против рационализма, холодности и надменности, свойственных классицизму. За всем этим стояла и неуверенность в настоящем.
Можно выделить несколько течений, таких как неовизантийское, неомудехарское и необарокко, хотя наибольшее распространение получило неоготическое течение, практиковавшееся на Британских островах, основанное, как следует из названия, на новая воскресшая готика. Среди зданий, выполненных в этом стиле, выделяется Британский парламент, построенный по проекту А. В. Пугина (1812—1852) и Чарльза Бэрри (1795—1860). Также важными были некоторые восточные варианты, такие как неоготико-индийский, примером которого является Королевский павильон Брайтона Джона Нэша (1752-1835).
В иберо-американском искусстве конца девятнадцатого века, благодаря национализму, вынесенному на сцену романтизма, мы видим стремление найти «национальную идентичность». Что же касается архитектуры, то это нашло свое отражение благодаря историзму. Историческая архитектура в Иберо-Америке пыталась подражать доиспанской архитектуре и переосмысливать ее в соответствии с современными канонами того времени.
История
Источники историзма
Архитектура и искусство до восемнадцатого века представляли собой интерпретацию особого общественного порядка, основанного на наследственном праве, производящего впечатление вечной длительности порядка, поддерживаемого властью, властью, церковью, элитой общества. Этот порядок резко рухнул во время Французской революции. Провозглашенные и реализованные права человека, превращение подданных в граждан разрушили многовековую традицию. Преемственность длительности была прервана.
«Ожерелье жемчужного ожерелья было сломано, теперь была горсть жемчужин, полных жемчужин, которыми можно было свободно играть». Прошлое стало хранилищем, из которого вы могли свободно черпать образцы для подражания.
Интерес к прошлому в архитектуре совпал с развитием исторической науки. Это результат исследований прошлого. С начала 19 века велись интенсивные работы по истории архитектуры. Люди стали описывать, различать и датировать постройки — сначала средневековые, потом более поздние. Основы исследований романизма и готики были созданы де Жервилем, Томасом Рикманом, Ксаверием Краусом и особенно Эженом Виолле-ле-Дюк. Архитекторы сопротивлялись этому поиску, возрождая неостиль по всему миру (неороманство, неоготика, неоренессанс, нео-барокко).
Фазы развития
В истории архитектуры историзма можно выделить три фазы развития: романтизм (примерно до 1870 г.), строгий историзм (около 1870-1890 гг.) и поздний историзм (после 1890 г.).
Романтический романтизм постепенно вытеснил классицизм.
Предпочтительными стилями были неоготика и аркадный стиль, примерно с 1850 года замененный неоренессансом, однако элементы, которые не проявлялись в конкретных стилях, были связаны, так что творчество означало не точное подражание отдельным стилям, а их субъективная интерпретация. . Были и неевропейские мотивы (см. неомасонский стиль).
Поздний историзм отходит от неоренессанса и ориентируется на необарокко. Строгие положения предыдущей фазы сменяются очень вольной трактовкой декоративных элементов, уже не строго организованных по оси. Есть многочисленные эркеры, выступы, купола, а также балконы. Можно наблюдать стремление к гламуру и монументализму. Некоторые декоративные элементы, например цветочные, уже указывают на зарождающийся модерн.
Периодизация
Андрей Владимирович Иконников понимает понятие историзма в самом широком смысле как направление, восходящее к эпохе Возрождения и определяемое «обращением к культуре прошлого… для решения проблем современности». Напротив, Евгения Ивановна Кириченко считала историзм одной из стадий развития эклектики и выделяла следующие периоды:
1800-1810-е годы: зарождение эклектики,
конец 1820-х-1840-х годов: зрелость ее романтической фазы ,
1850-1860-е: его угасание и развитие историзма,
1870-1890-е: полный расцвет историзма.
По мнению австрийского искусствоведа Ренате Вагнер-Ригер, путь развития историзма выглядит следующим образом:
Романтический историзм (переход от 1770-х к изменившимся 1840-1870-м годам) характеризуется плавным отрывом от классицизма . К ним относятся неоготика и неоренессанс с привнесенными «чужими» элементами, отчего это не простое копирование исторических стилей, а субъективная интерпретация. Сочетаются элементы незападноевропейских стилей (неомавританский или византийский).
Чистый историзм (1870-1890), наоборот, копирует формы прошлого и пытается по ним комбинировать. Отвергается субъективизм романтического историзма, делается попытка найти объективно правильный стиль. Предпочтительной отправной точкой является архитектура эпохи Возрождения (неоренессанса).
Поздний историзм (после 1890 г.) ориентируется на эпоху возрождения через барокко (необарокко). Предпочтение отдается свободному пониманию и размещению элементов декора: эркеров, ризалитов, куполов и витиеватых балконов, растительных орнаментов.
Распространение историзма в архитектуре связано с развитием капитализма в Европе и подъемом буржуазии, из-за чего направление неофициально именуется стилем хрюканья.
Закат историзма начинается с модерна в 1895 году, хотя орнаменты все еще используются, но без привязки к истории. То же самое произошло после окончания Первой мировой войны экспрессионизма в архитектуре. Поскольку архитектурная реформа после 1900 г. (особенно с 19 в.10), распространяется наличный, несущественный функционализм и конструктивизм, господствовавшие в 1920-е годы.
Historicist architectural styles
International distribution
Neo-Baroque
Bozar
Neo-Byzantine style
Egyptizing style
Neo-Gothic
Neo-Greek
Neo-Mauritanian style
Neoclassicism
Neorenaissance
Neo-romantic style
Second Ампир
Шале / Шале
Народная архитектура
Российская империя и СССР
Смотрите также: Эклектика в России
Неовизантийский стиль
Псевдорусский стиль
Сталинская архитектура
Сталинский ампир
Британский ампир
Стиль Адама
Бристольский византизм
Столярная готика (Канада)
Эдвардианское барокко
Индо-сарацинский стиль (Индия)
Якобинский стиль
Стиль королевы Анны
Стиль Регентства 9001 Шотландские бароны
Стиль Неотюдор / Черно-белая архитектура
Франция
Справочник Стиль (фр.
)
Ампир
Стиль Наполеона III
Греция и Балканы
Архитектура Неомикена
Serbo-Byzantine Architecture
Germany
Biedermeier
Gründerstvo
Architecture of the Third Reich
Semicircular style
Netherlands
Architecture of Traditionalism
Scandinavia
Northern Art Nouveau
Draconian style
Italy
Umbertino
Portugal
Помбалино
Нео-мануэлино
Португальский традиционализм
Испания
Неомудехар
Мексика
Стиль неомайя
США
Архитектура Джефферсона
Американский ренессанс
Коллективная готика
Неоколониальный стиль
Федеральная архитектура
Греко-деко
Нео-средиземноморский стиль
Нео-испанский колониализм
Стиль испанских миссионеров 3 Польских собора
3 Стиль испанских миссионеров 1
3 Пуэбло (стиль)
Романский Ричардсон
Архитектура территориального возрождения
Источник из Википедии
Римская живопись « IMPERIUM ROMANUM
Главы
В отличие от римской архитектуры, римская живопись малоизвестна.
Например, настенная живопись известна лишь по нескольким сохранившимся образцам и письменным сообщениям. Станковая живопись, которая, хотя мы знаем из исходных текстов, была популярна, до наших дней не сохранилась.
Говорят, что римская живопись развивалась под сильным греческим влиянием. Некоторые искусствоведы даже склонны рассматривать их как плавное продолжение эллинского искусства; развивается просто в разных политических условиях. Это мнение обосновывается тем, что большая часть живописных украшений империи была выполнена греческими мастерами. Однако следует помнить: что если греки стремились к гармонии в искусстве; римляне ценили в нем представительность и удобство использования. Для первых искусство было высшей ценностью, а другие использовали его как средство для получения желаемого эффекта. Римские фрески были ближе к ремеслу, чем к искусству. Художественная ценность была менее важна, чем проявление принадлежности к элите древнего мира.
Первоначально римские картины изображали пейзажи в основном завоеванных городов, нарисованные на досках, которые несли во время триумфальных маршей.
До 2 века до нашей эры римские дома были довольно скромно украшены. Большой скачок в развитии римского искусства последовал за завоеванием Греции и притоком большого количества произведений искусства из этой области. Римское искусство родилось во второй раз, на этот раз под влиянием побежденных.
Иллюзионистская римская фреска
Ничто из греческой живописи не было дано источниками имен великих художников, таких как Полиньо, Зевксис, Парраджос или Аполлодор, которые жили между пятым и третьим веками до нашей эры. Работы этих художников известны по литературным описаниям и косвенно по сохранившимся римским копиям. С их именами связано зарождение живописи не как цветного рисунка, как у нас в египетской и этрусской живописи, а как искусства живописи с разнообразными цветовыми эффектами, светотенью (сциграфией) и иллюзией пространства. Все это мы находим в римской живописи, которая развивалась либо путем подражания привезенным туда греческим шедеврам, либо благодаря деятельности эллинских художников, призванных работать в Италию.
Римская живопись имела египтянский стиль и с середины первого века н.э. иллюзионистский . Египетский стиль отличался декоративностью и последующим широким применением иллюзионистской живописи. Назначение этого вида отделки диктовалось практическими соображениями: пространственная роспись должна была оптически увеличить довольно узкие помещения. Впечатление пространства получалось благодаря использованию иллюзионистской живописи; создание иллюзии расширения интерьера, его «открытия» в сад или более широкий ландшафт местности. Так, «окна», через которые был виден пейзаж, были нарисованы — часто растительные гирлянды, уже известные по первому стилю, висели на переднем плане между колоннами этих «окон». В то время создавалось впечатление глубины, а создаваемые композиции имели два-три плана.
Вилла Фанния Синистора (около 40-30 гг. до н.э.) в Боскореале представила исследователям наиболее типичные образцы этого периода. В кубикулуме между расписными пилястрами художник поместил иллюзионистически изображенные картины, в основе которых, по мнению многих исследователей, лежат греческие театральные декорации.
Витрувий упоминает такие типы картин: «от которых они перешли к изображениям зданий, колонн и выступов крыш. В просторных покоях, таких как экседры, из-за их протяженности стены украшали декорациями в трагическом, комическом или сатирическом стиле» (9).0151 Архитектура , VII, 5, 2).
Другой стиль этого стиля, в свою очередь, является подражанием чрезвычайно популярной станковой живописи в Греции первого века н. пейзаж, и даже мотивы египетских, мифологических животных. Этот элемент появился в пьесе вскоре после завоевания императором Октавианом Августом Северной Африки. Отсюда некоторые исследователи склонны называть весь стиль египтизирующим. Однако на самом деле это был скорее реверанс в сторону греческой живописи, целые стены были покрыты копиями с греческих мифологических оригиналов.
Их вообще любили, когда картины относились к мифологическим сценам и элементам из жизни владельца дома . Таким образом аристократ хотел показать свой статус.
В латифундистских виллах предпочитали сцены охоты или отдыха на природе. Эти типы вилл позже стали образцом для раннесредневековых феодалов и их замков. Там, как и у римлян, господствовали элементы природы, охоты и библейских сцен.
Самые великолепные картины были найдены в домах городов, разрушенных извержение Везувия в 79 г. н.э. и названо Помпейским (город Помпеи). Ими покрывали стены комнат и атриумов. На них изображались пейзажи, сцены с людьми в буйной зелени, натюрморты, экзотические животные, сцены из греческой мифологии, а также картины с изображением архитектуры, открывающие зрителю иллюзию глубины.
Эти фрески являются наиболее хорошо сохранившимися образцами римской живописи. Они позволяют узнать о развитии этого направления искусства в Риме с середины II века до н. э. до 79 г.н.э. римская живопись была известна как внутреннее убранство общественных зданий, домов и рабочих мастерских. Находка в Помпеях позволила исследователям разделить римскую живопись на четыре периода.
На самом деле Витрувий в своем труде «Об архитектуре» уже дал нам три этапа развития римской живописи. До 1879 года немецкий археолог Август Мау выделил три стиля, описанных римским архитектором, назвав их помпейскими, и добавил дьявола, синтезировавшего три предыдущих и появившегося после смерти Витрувия. Первоначально ученые утверждали, что проводить эту типологию после помпейского истребления не имеет смысла. Однако когда выяснилось, что фрески на более поздних римских виллах отсылают к прежним стилям и только вкусы владельца решали, как должны выглядеть картины, было признано, что типология, предложенная немецким исследователем, имеет смысл.
Первый помпейский стиль
Портрет супружеской пары, вторая половина I века н.э. (третий или четвертый стиль).
Помпейский стиль впервые использовался со 2-го века до н.э. примерно до 80 г. до н.э. в центрах, связанных с эллинской культурой. Его также называли инкрустацией или структурным стилем. Для него характерна отделка стен с использованием лепнины, имитирующей мрамор, и уложенных на стены алебастровых плит.
Они ввели деление плоскости стены на три горизонтальные части. Нижний пояс имитировал пьедестал и ортостаты. Цвет плинтуса, обычно желтый, имитировал дерево. Ортостаты были выполнены в виде вертикальных панелей.
Центральная часть стены украшена плоскими панелями, расположенными горизонтально, в цветах, имитирующих разноцветный мрамор. Эта часть стены была увенчана лепным карнизом, украшенным зубцами. Самая высокая полоса представляла собой гладкую белую стену, иногда заканчивавшуюся второй полосой карниза.
Разделение дополнено введением пилястр от пола до потолка в углах интерьера и вдоль лепных стен, украшенных богатым рельефом в виде головы. Самый высокий пояс, карнизы и пилястры были выкрашены в белый цвет.
Часто считается, что стиль сначала копировал придворный образ жизни македонских правителей, а росписи отражают настенные украшения их дворцов и гробниц. Например, знаменитая мозаика из Дома фауны в Помпеях, изображающая битву при Иссосе в 333 г. до н. э.
, вероятно, является копией изображения греческого художника Филоксена из Эретрии.
Второй помпейский стиль
Стены в доме Августа в Риме. Выполнен во втором стиле.
Развился в период примерно с 90 г. до н.э. по 15 г. до н.э. В нем были представлены иллюзионистские картины с изображением пейзажных и архитектурных мотивов. Украшение должно было произвести впечатление больших пространств. На стенах — имитации классных росписей с изображением мифологических сцен, разыгрываемых на фоне пейзажа. Лепные элементы постепенно заменяются их живописными аналогами.
Разделение стен сначала похоже на помпейский стиль. Однако постепенно вносимые изменения замещают отдельные его элементы. Примерно до 70 г. до н.э. значительная часть украшений была сделана из лепнины. В цветах преобладают белый, красный, желтый, зеленый и фиолетовый. После 70 г. до н.э. вводятся иллюзии живописи, имитирующие просветы в стенах. Окрашенные колонны делят плоскость стены на три части, из которых средняя ( межколоночный] явно доминирует.
В этот период появляются первые имитации классных росписей, украшающих верхние части стен. После 50 г. до н.э. внесенные изменения усилили впечатление пространства, щелей в стенах, которые все больше напоминают театральные декорации. Наряду с садовой архитектурой вводится садовый ландшафт. В 1940-е годы были введены крупные композиции, охватывающие целые стены, как будто их не было или они были прозрачными, а видимый пейзаж просматривался на природе. После 40 г. до н.э. существует мода на постепенное закрытие открытых промежутков, все чаще используются украшения, нарисованные прямо на стенах, в виде росписей на доске.
Для стиля второго стиля были характерны пинаки украшения, которые рисовали на плитах, помещенных между колоннами, украшающими стены скене . Эти виды декораций использовались в греческих театрах.
Третий в помпейском стиле
Натюрморт – корзина с фруктами.
Также называемая восточной или египтизирующей, она длится примерно с 20 г.
до н.э. по 50 г. н.э. Характерной чертой является отход от иллюзионизма. Соблюдена строгая симметрия членения стен и центральная композиция декора. Разделяемая стена бывает горизонтальной и вертикальной. Сохраняется деление на три горизонтальные части: цокольную и верхне-срединную. В разделенном вертикальном членении центральную часть стены допускается делить на три-пять плоскостей, разделенных росписью геометрических или растительных мотивов в виде гирляд, подвешенных между стройными колоннами, напоминающими основания канделябров.
На заднем фоне появляются нежные мотивы птиц или отчасти фантастических животных. Часто вводятся растения и животные, характерные для египетского ландшафта.
Разделенные таким образом плоскости украшены имитациями массива изображений. Среднее место занимает сцена с фигурным изображением. Боковые плоскости украшены одиночными мотивами в виде фигур, более мелких картинок и т. д. После 25 г. н.э. происходит некоторый возврат к иллюзии путем введения в отдельные части картин, изображающих вид открытого пространства (например, изображение просвета или окно с виднеющимся вдалеке архитектурным пейзажем).
Четвертый в помпейском стиле
Дама из богатой семьи.
Продолжительность 50 – 100 г. н.э. Особую популярность приобрел во время правления Нерона и в Помпеях во время работ, связанных с реконструкцией города после землетрясения (после 63 г. н.э.).
Этот стиль также использовался в Риме. В 64 г. н.э. началось строительство Золотого Дома Нерона , стены которого были покрыты картинами с изображением огромных просветов, в которых были видны дальнейшие комнаты и покои с открытыми дверями и окнами, лоджии и балконы. Изображенная архитектура была нереальной (отсюда и название стиля, также известного как стиль фантастической архитектуры), здания и их фрагменты не соответствовали требованиям перспективы и принципам современного строительства. Цель этих нагромождений картин заключалась в том, чтобы создать иллюзию глубины.
Развитие четвертого стиля делится на две фазы — Клавдиан и Флавиан . Сначала произошло исчезновение стены, закрывающей интерьер – вся стена была расписана просветами, открытыми дверями и окнами, за которыми был сельский пейзаж, с видимыми издалека постройками (такой вид процедуры называется так называемой прозрачная стена).
На этом этапе также исчезает классическое тройное членение поверхности средней полосы стены.
В фазе Флавиев виден возврат ко второму стилю – возвращается центральная композиционная система, копии станковых картин с мифологическими сценами, сценические картины. Также отсутствует так называемая прозрачная стена.
В стиле преобладают теплые тона, особенно красный, коричневый и желтый. В дополнение к иллюзионистским картинам снова были копии мифологических картин массивных картин.
Независимо от основных направлений живописных стилей развивались и украшения на разные темы. В столовых часто располагались картины с изображением натюрмортов, состоящих из рыб, птиц, фруктов и стеклянных сосудов с водой. Встречаются и портреты домовладельцев, скорее всего, написанные прямо на стенах.
Помпейский художник с нарисованной статуей.
Живопись во времена империи практически неизвестна. Есть несколько примеров фресок 2 века н.э., сделанных в гробницах, и несколько примеров украшений жилых интерьеров 3 века н.
э., найденных в Риме и Остии. На этом основании можно сделать вывод, что в этот период преобладали два стиля: иллюзионистский и позднеримский. Первый — это изображения персонажей на фоне пейзажных или архитектурных элементов. Второй стиль представлен фигурной росписью на нейтральном фоне в коробках, обрамленных красными полосами.
Ученые считают, что во всей Римской империи существовали определенные шаблоны, по которым владельцы собственности выбирали подходящие картины и мозаичные украшения. Стиль и тема были практически одинаковыми, но в зависимости от региона использовались разные материалы.
Кроме того, некоторые исследователи считают, что некоторым картинам отдавалось предпочтение в разных частях domus или зданиях. Например, эротические сцены и обнаженные женщины должны были появляться особенно в спальнях или лупанариях. Однако это не точно, потому что римские комнаты не всегда имели постоянные функции. Также стоит помнить, что дома сменили владельцев или просто нуждались в ремонте.