Эпоха барокко: Эпоха Барокко. Тема: Творчество | by Eggheado | Eggheado: Art

Содержание

Эпоха барокко в Италии

Итальянское барокко отличается от музыки Баха и всего немецкого барокко, как холодное игристое от дорогого и сложного красного вина.

🔱 Чтобы окунуться в атмосферу итальянской барочной музыки, начнем с одного из главных хитов нашего первого героя — великого Арканджело Корелли.

Это одна из его инструментальных сонат, цикл вариаций на очень древнюю, с португальскими корнями тему под названием La folia — буквально «безумие».

⚡️ Видео-пример: yadi.sk/i/cLDtD-FNWtJZTQ
Время прослушивания: 11 минут

🧔 Корелли — старший из всех композиторов этого урока. Он также был учителем для некоторых из них. Корелли был замечательным скрипачом и главных вершин достиг в скрипичной, и шире — вообще в инструментальной музыке.

🎉 Корелли был на поколение старше Баха. Тот был очарован нарядностью и виртуозным блеском итальянской инструментальной музыки, ее эффектным моторным бегом, красивыми сочетаниями инструментальных голосов.

Ключевые работы Корелли Бах внимательно изучал и отлично знал.

👪 Корелли родился в 1653 году в Кампанье, примерно в 400 км от Рима. Семья была сравнительно обеспеченной, но не аристократической. Игре на скрипке его обучил священник; Корелли продолжил обучение в Болонье, крупном культурном центре, где уже в 17 лет, по-видимому, пользовался славой. Когда в 20 с небольшим Корелли приехал в Рим, его называли bolognese — «болонский».

⛪️ В Риме Корелли блистал как скрипач в частных ансамблях знаменитых меценатов — например, кардиналов Оттобони и Памфили. Он играл в крупных римских церквях во время заметных церковных праздников. Под конец жизни именно в этом кругу, уже в статусе патриарха, Корелли познакомился с молодым амбициозным немцем, приехавшим завоевывать Рим: его звали

Георг Фридрих Гендель.

👑 Корелли был также любимцем шведской королевы Кристины: женщина неординарной эрудиции, эксцентричности и интеллекта, она отреклась от престола, тайно приняла католичество и поселилась в роскошном палаццо в Риме, собрав вокруг себя философско-эстетический круг, из которого сформировалась знаменитая Аркадская академия.

🌹 Корелли входил в эту академию: аркадийцы исповедовали классическую сдержанность, утонченность и элегантность в искусстве, с презрением относясь к излишествам и крайностям, свойственными барокко. Их идеалом была античная пастораль — вступая в Академию, они принимали даже новое, «пастушеское» имя — такое было и у Корелли.

🎭 Аркадийцы сыграли грандиозную роль в эволюции эстетических вкусов — прежде всего в итальянском театре. Их философия и взгляды на искусство предчувствовали грядущую эпоху классицизма.

🎻 В соответствии с аркадскими вкусами Корелли, чье имя в зрелые годы знали от Турина до Неаполя, старался вести скромный образ жизни. И все же роскошью, в которой он не мог себе отказать, были хорошие, дорогие скрипки. Когда Корелли скончался в Риме в возрасте почти 60 лет, он оставил после себя целую коллекцию.

Музыка Эпохи Барокко: Краткая история

Стиль барокко зародился в начале 17 века в Риме, Италии. Он быстро распространился по Европе во Францию, Испанию, Португалию, а затем в Австрию, Германию и Россию. Этот стиль использовал сложные орнаменты, насыщенные цвета, контрастность, а также элементы роскоши и торжественности, чтобы вызывать удивление и чувство благоговения. Стиль барокко повлиял на все виды искусства, включая архитектуру, литературу, живопись, скульптуру, танцы и музыку.

Истоки музыки и стиля барокко

Считается, что стиль барокко возник в результате творчества итальянских художников, таких как Аннибале Карраччи и Караваджо. Караваджо экспериментировал с резкими контрастами света и тени, а также изображал религиозные сцены в повседневной обстановке, используя таверны и улицы. Художница Артемизия Джентилески признана одной из самых выдающихся итальянских художников эпохи барокко. Ее исключительное техническое мастерство передавало стиль Караваджо. В то же время в Нидерландах Питер Пауль Рубенс и его коллеги отошли от религиозных картин в сторону бытовых мотивов, используя такие же техники и увлечение светом, как их итальянские соратники.

В скульптуре барокко группы фигур демонстрируют динамическую энергию и движение. Работы великого итальянского художника Джованни Лоренцо Бернини обладали доминирующим влиянием в качестве радикального аналога созерцательного стиля Ренессанса, который господствовал несколькими годами ранее. Его скульптуры отличаются высокой динамикой и экспрессивностью.

Архитектура барокко придавала особое значение движению и плавности интерьера и экстерьера, появлению сложных куполов и изогнутых стен. Первоначально такая концепция была введена иезуитами католической церкви как средство борьбы с Реформацией и протестантской церковью с новым архитектурным стилем, который вызвал удивление и трепет.

Литература барокко подарила миру несколько крупных произведений, в том числе шедевр испанского писателя Мигеля де Сервантеса «Дон Кихот», являющийся прекрасным примером полярных противоположностей барокко — главного эстетического идеала в любом искусстве. Это проявляется в романе через личности главных героев — приземленного и прагматичного Санчо, который резко контрастирует с возвышенным и мечтательным Дон Кихотом.

Возникновение музыкального жанра барокко

В сфере музыки стиль барокко зародился в конце 16 века в нескольких итальянских городах. Благодаря политической независимости и экономическому разнообразию появился ряд уникальных и индивидуальных музыкальных стилей, которые сильно отличались от классических идеалов позднего Ренессанса, использованных в произведениях Палестрины и Ди Лассо. Культурные и политические центры Венеции и Флоренции заслуживают наибольшего внимания среди остальных городов.

Собор Святого Марка в Венеции служил географическим местом для развития полихоральной музыки Джованни Габриели. Этот стиль был основан на принципе нескольких пространственно разделенных хоров с голосами и инструментами, которые при одновременном исполнении требовали более простые гоморитмические аккордовые текстуры. Такой подход концептуально разнился с идеальностью сложной имитационной полифонии позднего Ренессанса.

Примерно в то же время во Флоренции группа интеллектуалов, гуманистов и художников, известная как «Флорентийская камерата», стремилась подражать концепции классической греческой драмы, в которой слова и музыка были объединены в отличие от мадригалов эпохи Ренессанса.

Музыкальная обстановка не должна мешать естественным разговорным интонациям текста, а слова должны быть выражены как можно более четко. Для сопровождения нового музыкального формата сложная контрапунктовая природа мотета и мадригала эпохи Ренессанса была заменена простой аккордовой текстурой, создаваемой инструментами, которые не отвлекали от содержания текста. Эти разработки породили новый стиль пения, получивший название “монодия”, который стал одним из самых важных нововведений музыки эпохи барокко.

Рождение оперной музыки эпохи барокко

В начале 17 века самым важным музыкальным жанром эпохи была опера в стиле барокко. По сути, этот жанр представляет собой музыкальную драму в стиле барокко, которая поется на протяжении всего произведения. Впервые в истории был разработан вокальный стиль, подходящий для постановки полноформатной музыкальной драмы с учетом нововведений Флорентийской Камераты для монодии. Таким образом были созданы первые оперы. В этот период творчество гениального Клаудио Монтеверди, первого монументального деятеля эпохи барокко, достигает совершенства.

Несмотря на то, что попытки создания полноформатной оперы уже были предприняты во Флоренции, Монтеверди считается автором первой великой оперы в истории — либретто (тексте), основанной на греческом мифе об Орфее. «L’orfeo» создал два разных вокальных стиля на основе монодии, речитатива и арии с инструментальным сопровождением. Речитативный стиль очень похож на настоящую устную декламацию и отлично подходит для представления диалога между персонажами и длинными фрагментами текста в целях развития сюжета. В отличие от этого, ария очень похожа на драматические монологи театра, в которых исполнитель выражает эмоции и размышления о событиях драмы, затронувших его душу.

Во Франции ближе к концу 17 века композитор итальянского происхождения эпохи барокко Жан-Батист Люлли адаптировал стили речитатива и арии к естественным интонациям и уникальной музыкальности французского языка. Это привело к созданию национального стиля оперных произведений. Среди других значительных национальных школ следует упомянуть английских композиторов эпохи барокко Джона Блоу и Генри Перселла.

К последним годам 17 века им удалось разработать английский стиль оперы, исполняемый на английском языке, адаптированный из идеалов Флорентийской Камераты и некоторым модным французским разработкам.

Оратория в музыке барокко

Еще один великий вокальный жанр эпохи барокко — оратория, которая, в отличие от оперы, всегда имеет религиозную тематику. Тем не менее, у этих двух жанров есть много общего. Самое важное сходство заключается в том, что они используют стили речитатива и арии для декламации текста. В этот период многие композиторы написали сотни ораторий, но, пожалуй, ни один из них не достиг таких высот, как композитор немецкого происхождения Георг Фридрих Гендель. Его успешная музыкальная карьера развивалась в основном в Англии, где он адаптировался к меняющимся экономическим временам и, следовательно, вкусам публики. Начав свою карьеру в качестве итальянского оперного композитора, Гендель позже переключился на более прибыльный жанр — ораторию. Усилия Генделя в обоих жанрах сделали его ключевой фигурой в истории сценической музыки.

Гендель почетно занял вечное место на Олимпе композиторов.

Влияние Баха на музыку и эпоху барокко

Самый влиятельный композитор и музыкант в стиле барокко всех времен, Иоганн Себастьян Бах, непрерывно трудился над созданием более двухсот лютеранских кантат. Это был еще один важный вокальный жанр периода барокко, который включал классические элементы лютеранских обрядов, таких как хорал и сольные песни, а также новые разработки в виде речитатива и стиля арии итальянского происхождения.

Бах родился в центральном немецком городе Айзенах в 1685 году в уважаемой музыкальной семье. Его жизнь была посвящена музыке и лютеранской церкви, в которой он был набожным протестантом и служителем. Преемниками Баха стали его четверо успешных сыновей-музыкантов, которые вошли в число крупных композиторов переходного периода классической эпохи. Бах установил дружеские отношения с несколькими композиторами той эпохи, а именно, с Дитрихом Букстехуде и Георгом Филиппом Телеманом, ставшим крестным отцом его сына Карла Филиппа Эммануэля. Букстехуде был известным композитором и органистом, виртуозность и композиторское мастерство которого побудили Баха пройти 200 миль пешком, чтобы встретиться с ним, а затем провести совместное представление. Сфера влияния Баха настолько широка, что историки искусства в целом признают его смерть решающим событием, которое в 1750 году положило конец периоду барокко.

Наследие эпохи барокко

Одним из главных достижений эпохи барокко стало превращение инструментальной музыки в серьезное, независимое и важное средство музыкального выражения. Многие крупные композиторы эпохи барокко создали произведения, которые достигли олимпийских высот и вошли в стандартный репертуар нескольких инструментов. В предыдущий исторический период часть композиторов уже начала развивать инструментальную музыку, в которой инструменты в основном служили аккомпанементом человеческому голосу, как в лютневых песнях Джона Доуленда.

В период эпохи барокко инструментальные жанры и стили претерпели ряд серьезных изменений. Это было связано как с техническими достижениями в конструкции инструментов, так и с появлением великих виртуозов, которые соревновались друг с другом, тем самым преодолевая границы возможного. Знаменитыми эпизодами таких состязаний были несколько встреч Доменико Скарлатти и Генделя в ранние годы 18 века. Два композитора устроили дружеское музыкальное соревнование, в котором Скарлатти победил в игре на клавесине, а Гендель — на органе.

Социальные изменения того времени и появление публичных концертов привели к падению популярности лютни. Место этого инструмента заняли клавесин и орган, а интересы композиторов сместились в сторону клавишных инструментов. Этот период также был временем изобретения и значительного развития нескольких новых инструментальных жанров, среди которых наиболее значительными были прелюдия, хоральная прелюдия, фуга, токката, сюита, соната, концерт и кончерто Гроссо.

Три жанра эпохи барокко имеют особое значение для развития новых и уникальных характеристик. Соло-концерт в стиле барокко — это произведение для оркестра и одного сольного инструмента. Такой формат предоставил прекрасную среду для исследования эффекта контрастных звуков, различной плотности звука и драматических виртуозных пассажей солиста, которые были привлекательны как для публики, так и для эстетики барокко. В то же время появился другой вариант концерта — барочный Кончерто Гроссо. Такой формат включал оркестр, но вместо отдельного солиста в нем использовалась небольшая группа или ансамбль сольных инструментов, которые играли как единое целое.

И наконец, что не менее важно, в период барокко произошли глубокие изменения в области камерной музыки для инструментов. Так изобретение сонаты для сольного инструмента и клавишных в конечном итоге становится основным жанром на протяжении остальной части 19 и 20 веков. Трио-соната содержала две мелодические линии и аккомпанемент «бассо континуо», фактически состоящий из полифонического инструмента, такого как клавесин, а также мелодичного басового инструмента, который обеспечивал басовую линию и гармоническое содержание.

Слушайте музыку эпохи барокко на Calm Radio

Эпоха барокко охватила значительный период времени в 150 лет и подарила миру тысячи произведений, выполненных в самых разных стилях, странах и жанрах. Данный факт заставил многих историков усомниться в достоверности термина «барокко», чтобы охватить такие расходящиеся тенденции, как «L’orfeo» Монтеверди и «Страсти по Матфею» Баха.

Слушатели Calm Radio любят наши музыкальные каналы эпохи барокко и бесконечный список композиторов этой эпохи. Здесь вы найдете всю возможную музыку в стиле барокко, включая такие каналы, как Барочный Клавесин, Орган, Лютня, Скрипка и Виолончель, и таких композиторов, как И.С. Бах, Гендель, Букстехуде, Куперин, Скарлатти и Вивальди.

Приятного прослушивания!

Эпоха барокко: краткая характеристика периода

Барокко — один из значимых стилей в культурной жизни Европы. Наибольшей популярности он достиг в таких странах, как Германия, Испания, Россия, Франция. Родиной его считается Италия. Эпоха барокко охватывает около двух столетий — с конца 16 до середины 18 века.

К отличительным чертам данного стиля относятся напыщенность, торжественность и парадность. Причем барокко охватывает не только художественное творчество, литературу и живопись, но и образ мышления человека, его существования, а также в какой-то мере и науку.

Произведения данного времени экспрессивны и выразительны, им присуща изощренность форм, создание иллюзорного пространства, а также причудливая игра тени и света.

Эпоха барокко дала жизнь науке. Именно в это время начинают свое развитие биология, анатомия, физика и химия, другие дисциплины. Ранее их изучение жестоко каралось служителями церкви.

Войны, эпидемии различных болезней, таких как чума и оспа, различные религиозные конфликты привели к тому, что человек чувствовал себя незащищенным и растерянным. Его будущее было неопределенным. Все больше и больше умы охватывали различные суеверия и страхи. В это же время церковь раскалывается на два религиозных лагеря — протестантов и католиков, что также порождает немало склок и баталий.

Все это приводит к новому пониманию Господа как Творца мироздания. Бог рассматривался лишь как создатель насущного, человек же управлял живым и неживым.

Эпоха барокко также характеризуется активной колонизацией — образовываются английские поселения в Старом и Новом Свете.

Архитектура того времени богата колоннадами, изобилием различных украшений на фасадах и в интерьере. Также преобладают многоярусные купола сложной, многоуровневой структуры. К наиболее известным архитекторам того времени относятся Микеланджело Буонарроти, Карло Мадерна, Николай Султанов.

В живописи этой эпохи преобладают религиозные и мифологические мотивы, а также парадные портреты. Довольно часто на картинах изображалась Мадонна, окруженная ангелами. Наиболее знаменитые художники эпохи барокко — Микеланджело Меризи, Иасенто Риго, Диего Веласкес, Питер Пауль Рубенс.

Именно в это время зарождаются такие музыкальные жанры, как опера, фуга. Музыка становится более экспрессивной. Композиторы эпохи барокко — Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Джованни Габриели. Как видно, много выдающихся личностей творило в то время.

Эпоха барокко – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Формируются новые взгляды на религию и человека. Возникают новые направления в науке. Несмотря на некую напыщенность, этот период подарил мировой культуре множество памятников культуры, кои высоко ценятся и в наше время. Имена мастеров и деятелей искусства эпохи барокко до сих пор гремят на весь мир.

Закономерным продолжение этого стиля стал рококо, сформировавшийся в первой половине 18 века. Ему удалось сохранить свои позиции вплоть до конца 18 столетия.

Музыка барокко — HiSoUR История культуры

Музыка барокко — это стиль западной музыкальной музыки, составленный примерно с 1600 по 1750 год. Эта эпоха следовала эпохе эпохи Возрождения, и в свою очередь, она была классической эпохой. Барочная музыка составляет основную часть канона «классической музыки», и в настоящее время она широко изучается, исполняется и выслушивается. Ключевыми композиторами эпохи барокко являются Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Джордж Фридрих Гендель, Клаудио Монтеверди, Доменико Скарлатти, Алессандро Скарлатти, Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Жан-Филипп Рамо, Марк-Антуан Шарпантье, Арканджело Корелли, Томасо Альбинони, Франсуа Куперин, Джузеппе Тартини, Генриха Шютца, Джованни Баттиста Перголези, Дитериха Букстехуде и Иоганна Пачелбеля.

В эпоху барокко возникла тональность, подход к написанию музыки, в котором песня или фрагмент написаны в определенном ключе; этот вид договоренности по-прежнему использовался почти во всей западной популярной музыке. В эпоху барокко, профессиональные музыканты, как ожидается, будут выполнены импровизаторы как соло мелодических линий, так и частей аккомпанемента. Концерты в стиле барокко, как правило, сопровождались группой басо континуо (включая аккордеонистов, таких как клавесинисты и лютнисты, импровизирующие аккорды с фигурной басовой партии), в то время как группа басовых инструментов — скрипка, виолончель, контрабас — играла на бас-гитаре. Характерной формой барокко была танцевальная сюита. В то время как части танцевальной сюиты были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были предназначены исключительно для прослушивания, а не для сопровождающих танцоров.

В течение этого периода композиторы и исполнители использовали более сложные (необходимые разъяснения) музыкальные орнаменты (обычно импровизированные исполнителями), вносили изменения в музыкальную нотацию (развитие фигурного баса как быстрый способ обозначить аккордовую прогрессию песни или пьесы), и разработали новые инструментальные игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также установила смешанные вокальные / инструментальные формы оперы, кантаты и оратории и инструментальные формы сольного концерта и сонаты в качестве музыкальных жанров. Многие музыкальные термины и концепции этой эпохи, такие как toccata, fugue и concerto grosso, все еще используются в 2010-м. Плотная сложная полифоническая музыка, в которой одновременно выполнялись несколько независимых линий мелодии (популярным примером этого является фуга), была важной частью многих хоровых и инструментальных произведений барокко.

Термин «барокко» происходит от португальского слова barroco, что означает «misshapen pearl». Отрицательные коннотации термина впервые произошли в 1734 году, в критике оперы Жана-Филиппа Рамо, а позже (1750) в описании Шарля де Бросса из богато украшенной и сильно украшенной архитектуры дворца Памфили в Риме. Хотя этот термин по-прежнему применялся к архитектуре и художественной критике в течение 19-го века, только в XX веке термин «барокко» был принят из словаря истории искусства Генриха Вёльфлина, чтобы обозначить исторический период в музыке.

Этимология
Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого спектра стилей из широкого географического региона, в основном в Европе, составленного в течение примерно 150 лет. Хотя долгое время считалось, что слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось ранее в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года «Ипполит и ариси» Рамо, напечатанном в «Меркуре» де Франс в мае 1734 года. Критик предположил, что новинка в этой опере была «du barocque», жалуясь на то, что музыка не имела согласованной мелодии, была наполнена неудержимыми диссонансами, постоянно меняла ключ и метр и быстро пробегала по каждому композиционному устройству.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода — относительно недавнее развитие. В 1919 году Курт Сакс первым применил пять характеристик теории барокко Генриха Вёльфлина к систематической музыке. Критики поспешили подвергнуть сомнению попытку перенести категории Wölfflin в музыку, однако во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофзером (в Германии и после его иммиграции в Америке) и Сюзанной Клерк-Лежен (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на искусстве и литературе к музыке. Все эти усилия привели к заметному расхождению в отношении временных границ периода, особенно в том, что касается его начала. В английском языке термин приобрел валюту только в 1940-х годах, в трудах Букофцера и Пола Генри Ланга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Британии, все еще был большой спор, было ли целесообразно объединять музыку, столь же разнообразную, как и Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Иоганна Себастьяна Баха под одной рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и принят для этого широкого спектра музыки. Может быть полезно отличить барокко от предыдущих (Ренессанс) и последующих (классических) периодов музыкальной истории.

история
Период барокко делится на три основные фазы: ранний, средний и поздний. Хотя они перекрываются во времени, они обычно датируются 1580-1630 годами с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Ранняя барочная музыка (1580-1630)
Флорентийская камерата была группой гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов в эпоху Возрождения Флоренции, которые собрались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направлять тенденции в искусстве, особенно музыку и драму. В отношении музыки они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, которая ценила дискурс и орацию. Таким образом, они отвергли использование их полифонией (множественные, независимые мелодические линии) и инструментальную музыку и обсудили такие древнегреческие музыкальные устройства, как монология, состоящая из сольного пения, сопровождаемого китарой (древний струнный инструмент). Ранние реализации этих идей, в том числе Дафна Якопо Пери и Л’Эвридики, ознаменовали начало оперы, которая стала катализатором барочной музыки.

Что касается теории музыки, то более широкое использование фигурного баса (также известного как тщательный бас) представляет собой развивающееся значение гармонии как линейных основ полифонии. Гармония — это конечный результат контрапункта, а фигурный бас — это визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. С фигурными басами цифры, случайности или символы были помещены над басовой линией, которую читали игроки с инструментами клавиш, например, игроки клавесина или органисты труб (или лютнисты). Номера, случайности или символы, обозначенные для клавишника, какие интервалы она должна играть над каждой нотой баса. Клавиатурный проигрыватель будет импровизировать аккорды для каждой басовой ноты. Композиторы начали относиться к ним с гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса (он использовался в доминирующей седьмой аккорде и уменьшенном аккорде. Интерес к гармонии также существовал среди некоторых композиторов эпохи Возрождения , особенно Карло Гезуальдо, однако использование гармонии, направленной на тональность (акцент на музыкальный ключ, который становится «домашней записью» пьесы), а не модальность, означает переход от эпохи Возрождения к барочному периоду. к идее, что некоторые последовательности аккордов, а не только заметки, могут обеспечить ощущение закрытия в конце фрагмента — одной из фундаментальных идей, которые стали известны как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди продвинул переход от музыкального стиля Ренессанса к эпохе барокко. Он разработал два отдельных стиля композиции — наследие эпохи Возрождения (prima pratica) и новую технику басо континуо в стиле барокко (seconda pratica). С бассо континуо небольшая группа музыкантов сыграла бы бас-гитару и аккорды, которые составляли аккомпанемент мелодии. Группа бассо континуо обычно использует один или несколько клавишных и лютников, которые будут играть на бас-гитаре и импровизировать аккорды и несколько басовых инструментов (например, бас-гитара, виолончель, контрабас), которые будут играть на басовой линии. С написанием опер L’Orfeo и L’inconazione di Poppea среди других, Монтеверди привлек значительное внимание к этому новому жанру.

Средняя барочная музыка (1630-1680)
Возникновение централизованного суда является одной из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой Абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции. Модель дворца и придворная система нравов и искусств, которую он воспитывал, стали образцом для остальной Европы. Реальность восходящего церковного и государственного патронажа создавала спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создавала спрос на камерную музыку, которая является музыкой для небольшого ансамбля инструменталистов.

Средневековый период в Италии определяется появлением вокальных стилей кантаты, оратории и оперы в 1630-х годах и новой концепцией мелодии и гармонии, которая повысила статус музыки до уровня равенства со словами, которые ранее считался выдающимся. Флоридная, колоратурная монография раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю. Эти мелодии были построены из коротких, каденционно ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных рисунках, сделанных из сарабанды или курча. Гарнионы тоже могли бы быть проще (необходимы разъяснения), чем в раннем барочном монологе, а сопровождающие басовые линии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктическую эквивалентность частей, которые позже привели к устройству начального баса мелодия арии. Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному устройству дифференциации речитатива (более устной части оперы) и арии (часть оперы, которая использовала певчие мелодии). Наиболее важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в основном композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианцем Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важными практиками этого стиля являются Антонио Чести, Джованни Легенци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело никакого отношения к теоретической работе Иоганна Фюкса, который систематизировал строгий контрапункт, характерный для более ранних эпох в его Градус-ад-Парнасуме (1725). [Необходимость разъяснения]

Одним из выдающихся примеров композитора в стиле придворного является Жан-Батист Люлли. Он купил патенты из монархии, чтобы быть единственным композитором опер для французского короля и не дать другим оперным спектаклям. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незавершенным Achille et Polyxène. Лулли был ранним примером дирижера; он будет бить время с большим персоналом, чтобы объединить свои ансамбли.

В музыкальном плане он не установил норму с нормой для оркестров, которая была унаследована от итальянской оперы, а характерное французское пятичастное расположение (скрипки, альты — в жанрах hautes-contre, tailles и quintes — и бас-скрипки) был использован в балете со времен Людовика XIII. Он, однако, представил этот ансамбль в лирический театр, верхние части которого часто удваивались рекордерами, флейтами и гобоями, а бас — фаготами. Часто для героических сцен часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли вспоминается как влиятельный для его достижений с другой стороны музыкальной техники — как скрипач, который организовывал технику и педагогику скрипки — и в чисто инструментальной музыке, особенно в его пропаганде и развитии концертного гросса. В то время как Люлли устроился в суде, Корелли был одним из первых композиторов, который публиковал широко, и его музыка исполнялась по всей Европе. Как с стилизацией Лулли и организацией оперы, концертный гросс строится на сильных контрастных секциях, чередующихся между играми полного оркестра и играми небольшой группы. Динамика была «террасирована», то есть с резким переходом от громкого к мягкому и обратно. Быстрые секции и медленные секции были сопоставлены друг с другом. В числе его учеников — Антонио Вивальди, который позже составил сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат Корелли и концертов.

В отличие от этих композиторов, Дитерих Букстехуде не был существом двора, а вместо этого был церковным музыкантом, держащим посты органиста и Веркмейстера в Мариенкирхе в Любеке. Его обязанности в качестве Веркмейстера заключались в том, чтобы выступать секретарем, казначеем и бизнес-менеджером церкви, а его должность органиста включала в себя участие во всех основных службах, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которые также оплачивались церковью. Полностью за пределами своих официальных церковных обязанностей он организовывал и руководил серией концертов, известной под названием «Абендмусикен», которая включала выступления священных драматических произведений, рассматриваемых его современниками как эквивалент опер.

Поздняя барочная музыка (1680-1730)
Работа Джорджа Фридриха Генделя, Иоганна Себастьяна Баха и их современников, в том числе Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Жан-Филиппа Рамо, Георгия Филиппа Телемана и других, продвинула эпоху барокко к ее кульминации. Благодаря работе Иоганна Фьюза стиль эпохи Возрождения полифонии стал основой для изучения композиции для будущих музыкальных эпох. Композиторы позднего барокко установили свои подвиги перед сочинениями Иоганна Фюкса.

Постоянный работник, Гендель, заимствованный у других композиторов и часто «перерабатывающий» свой собственный материал. Он также известен переработкой таких произведений, как знаменитый Мессия, премьера которого состоялась в 1742 году для доступных певцов и музыкантов.

Стили и формы

Танцевальный зал
Характерной формой барокко была танцевальная сюита. Некоторые танцевальные сюиты Баха называются партитас, хотя этот термин также используется для других коллекций предметов. В то время как части танцевальной сюиты были вдохновлены настоящей танцевальной музыкой, танцевальные сюиты были предназначены для прослушивания, а не для сопровождающих танцоров. Композиторы использовали различные танцевальные движения в своих танцевальных костюмах. Танцевальная сюита часто состоит из следующих движений:

Увертюра. Барочная сюита часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» на французском языке), медленного движения, за которым последовала последовательность танцев разных типов, в основном следующие четыре:
Allemande — Часто первый танец инструментальной сюиты, allemande был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения. Аллеманду играли в умеренном темпе и могли начинать с любого удара бара.
Куранте — второй танец — это курант, живой, французский танец в три метра. Итальянская версия называется corrente.
Сарабанде — сарабанд, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и является одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также находится в тройном метре и может начинаться с любого удара бара, хотя есть ударение на втором ударе, создающее характерную «остановку» или ямбический ритм сарабанды.
Gigue — Gigue — это приподнятый и оживленный барочный танец в составном метре, как правило, заключительное движение инструментальной сюиты и четвертый из его основных видов танца. Гига может начинаться на любом ударе бара и легко распознается его ритмичным ощущением. Гига возникла на Британских островах. Его коллегой в народной музыке является джиг.
Эти четыре типа танца (allemande, courante, sarabande и gigue) составляют большинство люксов 17-го века; более поздние сюиты интерполируют один или несколько дополнительных танцев между сарабандом и звездой:

Гавот — Гавот может быть идентифицирован с помощью множества особенностей; он находится в 4
4 раза и всегда начинается с третьего бита бара, хотя в некоторых случаях это может звучать как первый удар, так как первый и третий удары являются сильными ударами в четыре раза. Гавот играет в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях его можно играть быстрее.
Bourrée — Bourrée похож на гавот, так как он находится в 2
2 раза, хотя он начинается во второй половине последнего удара бара, создавая другое ощущение танца. Бури обычно играют в умеренном темпе, хотя для некоторых композиторов, таких как Гендель, его можно использовать с гораздо более быстрым темпом.
Менуэт — Менуэт, пожалуй, самый известный из барочных танцев в трехместном метре. Он может начинаться с любого удара бара. В некоторых сюитах может быть Minuet I и II, играемый последовательно, с повторением Minuet I.
Passepied — Passepied — это быстрый танец в двоичной форме и тройной метр, который возник в качестве придворного танца в Бретани. Примеры можно найти в более поздних номерах, таких как Bach и Handel.
Ригоудон — ригаудон — это живой французский танец в двумерном метре, похожий на бурье, но ритмично проще. Он возник как семья тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваварайс, Лангедок, Дофине и Прованс.

Другие особенности
Прелюдия — сюита может быть запущена прелюдией, медленной пьесой, написанной в импровизационном стиле. Некоторые прелюдии барокко не были полностью выписаны; вместо этого была указана последовательность аккордов, и ожидается, что инструменталист сможет импровизировать мелодичную часть, используя указанную гармоническую структуру. Прелюдия не была основана на типе танца.
Entrée — Иногда entrée состоит из набора; но там это чисто инструментальная музыка, и никакой танец не исполняется. Это введение, маршевая пьеса, играемая во время входа в танцевальную группу, или игра перед балетом. Обычно в 4
4 раза. Это связано с итальянской «intrada».
Basso continuo — своего рода непрерывное сопровождение, обозначенное новой системой нотной записи, фигурным басом, как правило, для одного или нескольких поддерживающих басовых инструментов (например, виолончели) и одного или нескольких инструментов для аккордов (например, клавишных инструментов, таких как клавесин, орган или лютня)
Концерт (сольная пьеса с оркестровым аккомпанементом) и концертное гроссо
Монодия — отросток песни
Гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмично подобным (и подчиненным) аккордом аккомпанемента (это и монография контрастируют с типичной текстурой ренессанса, полифонией)
Драматические музыкальные формы, такие как опера, драма на музыку
Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата, в которых использовались певцы и оркестр
Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
Даа-капо-ария «пользовалась уверенностью».
Ritornello aria — повторил короткие инструментальные перерывы вокальных проходов.
Стиль концерта — контрастность звука между группами инструментов.
Обширный орнамент, который обычно импровизировали певцы и инструменталисты (например, трели, морды и т. Д.),

Поделиться ссылкой:

  • Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
  • Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
  • Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Эпоха барокко — Песни странствующего подмастерья — ЖЖ

В предыдущий сезон дизайнеры обращались за вдохновением к эпохе ар-деко, в этот раз модной заявлена эпоха барокко. Платья 20х гораздо ближе к нам, чем то, что носили в 17, 18 веке, но мода не копирует напрямую исторический костюм, она вдохновляется. Тем более, что за не маленький исторический период костюм менялся и имел свои особенности в разных странах. У кого-то появились реминисценции из заката барокко — рококо, а  у кого-то из ренессанса, хотя Грабарь и утверждал, что высокий ренессанс уже на  три четверти барокко.
Стиль барокко принес с собой интерес к театральности, тяжелым тканям, гобелену, бархату, о котором я уже рассказала, вышивкам, кружевам, золоту, избыточности и причудливости рисунков на ткани. А некоторые моменты исторического костюма прозвучали совсем незаметно.
Барокко — пора исторического гламура, особенно на своем излете, интересные времена, в которые творили  прекрасные живописцы : Рембрандт, Рубенс, Хальс. Они оставили после себя много женских портретов, на которых остался запечатленным образ женщины того времени. Например, Анны Австрийской, у которой миледи ловко срезала две подвески с костюма. тут вроде всё на месте.

                             


Черное с золотом сочетание использовали Дольче с Габбаной. Коллекция с упором на местные сицилийские рукоделия и традиции достаточно театральна и действительно избыточна в лучших традициях барокко.

Барокко — это предпочтение симметрии асимметрии и извилистых природных линий жестким геометричным. В этом оно перекликается с модерном, хотя модерн предпочитает как раз асимметрию. Всё, что приходит снова, приходит уже в другом обличье.

Aquliano Rimondi

Moschino

Lanvin

Leonard

Золото — цвет, который символизирует роскошь. 

Marchesa

Dolce e Gabbana

Elie Saab

Эта дама словно заказывала золотую ткань у Дольче-Габбанов.

Роскошь тканей в некоторых коллекциях вполне королевская. Королева Изабелла не постеснялась бы одеть.

Roberto Cavalli

Mac Queen
Aquilano Rimondi

У Дольче-Габбана можно встретить и вариации на тему исторического рукава c буфами.

Вышивка золотом и затейливыми барочными орнаментами элегантно выглядит у Marcheza. Мне очень нравится как тут обыгран лиф платья времен барокко и воротник.

А тут обыгран и рукав ( смотрим выше на скачущую Изабеллу) и игольное кружево того времени и мотивы гротесков.

Берет, ставший благодаря Рембрандту символом художественной натуры , в его время был модным головным убором.
                                       

Для дефиле MacQueen придумали такие вот прически в виде беретов.

Galiano

Традиция носить двойную юбку, верхняя была с разрезом посередине, тоже не осталась незамеченной.

                                   Marion Shwab

  Dior

И фижмы.

Dior

Giles

Совершенно шикарная ткань на тему шпалеры-мильфлер «Дама и единорог».

А это видимо прическа времен Марии-Антуанетты.

          

Воротники-колеса, которые были модны некоторый период появились в коллекции от Macqueen

Фасон прорезных рукавов, как у Елизаветы, королевы Богемии отложил отпечаток на рукава из коллекции «Виктор и Рольф».

Мужские портреты позднего ренессанса, Тициана, Бронзино, понравились Карлу Лагерфельду.

Хочу еще отметить покатую линию плеча, которая часто встречается этой зимой.

Josse

Мотивы рококо появились в коллекции Мэри Катранзу

И в тканях из коллекции от Бора Аксу.

А дальше посмотрим гобеленовые ткани, мода на которые принесла эпоха барокко и аксессуары.

Спасибо Викимедии и виртуальной галерее искусств:http://www.wga.hu/frames-e.html?/html/s/sirani/index.html

               

Италия. Рим эпохи барокко

Баро́кко (итал. barocco— «порочный», «распущенный», «склонный к излишествам»)— характеристика европейской культуры XVII—XVIII веков, центром которой была Италия. Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации».Барокко противостояло классицизму и рационализму. Наиболее ярким представителем в стиле барокко в итальянской архитектуре, скульптуре, живописи является Рим.

Для архитектуры барокко (Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, Б. Ф. Растрелли в России, Ян Кристоф Глаубиц в Речи Посполитой) характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, обычно криволинейных форм. Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, волюты, большое число раскреповок, лучковые фасады с раскреповкой в середине, рустованные колонны и пилястры. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как у собора Св. Петра в Риме. Характерные детали барокко — теламон (атлант), кариатида, маскарон.

В итальянской архитектуре самым видным представителем барокко искусства был Карло Мадерна (1556—1629 гг.), который порвал с маньеризмом и создал свой собственный стиль. Его главное творение — фасад римской церкви Санта-Сусанна (1603 г.). Основной фигурой в развитии барочной скульптуры был Лоренцо Бернини, чьи первые исполненные в новом стиле шедевры относятся приблизительно к 1620 г. Бернини также архитектор. Ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме и интерьеры, а также другие строения. Значительный вклад оставили Д.Фонтана, Р.Райнальди, Г.Гварини, Б. Лонгена, Л. Ванвителли, П. да Кортона. На Сицилии после крупного землетрясения 1693 года появился новый стиль позднего барокко — сицилийское барокко.

Квинтэссенцией барокко, впечатляющим слиянием живописи, скульптуры и архитектуры считается капелла Коранаро в церкви Санта-Мария-делла-Витториа (1645—1652 гг.).

Топ-5 эпохи барокко — События — Михайловский замок

Топ-5 эпохи барокко

16 февраля 2019—16 февраля 2019

МЕЖДУНАРОДНЫЙ ФОНД «ДВОРЦЫ САНКТ-ПЕТЕРБУРГА»

(Художественный руководитель проекта З.а. России Мария Сафарьянц)

ПРЕДСТАВЛЯЕТ

ТОП-5 ЭПОХИ БАРОККО

Золотая пятерка композиторов эпохи барокко в исполнении музыкантов мировой величины- музыкальная барочная феерия состоится в Императорской столовой Михайловского замка 20 февраля!

Шедевры самой роскошной эпохи исполнит поистине звездный состав: Луиза СЕЛЛО, флейта (Италия), Андреа БАККЕТТИ, фортепиано (Италия), З. а. России — Мария САФАРЬЯНЦ (скрипка).

Знаменитая итальянская флейтистка ЛУИЗА СЕЛЛО- уникальный музыкант и удивительная личность! Флейта в ее руках становится поистине волшебной, ее музыкальный темперамент по-итальянски настолько горяч, что ей было тесно в рамках оркестра, и она предпочла сольную карьеру, даже несмотря на то, что это был состав легендарного миланского «Ла Скала». Однако лучшие мировые оркестры и камерные ансамбли счастливы заполучить ее в качестве солистки. Луиза выступает с музыкантами Венского симфонического, играет на сцене Парижской оперы. Музыка в исполнении Луизы не только изысканна, но и способствует укреплению мира. Госпожа Селло знаменита на весь мир совместным проектом с ОБСЕ, который способствует межкультурному диалогу разных стран. Луиза столь блестяще владеет инструментом, что зачастую звук флейты в ее руках можно сравнить с бельканто!

АНДРЕА БАККЕТТИ – виртуозный пианист, снискавший мировую славу генуэзский самородок. Эпоха Барокко — родная стихия пианиста, его интерпретации Баха приводит в восторг меломанов всего мира, а среди критиков и музыковедов он признан специалистом в музыке немецкого гения. Игра Баккетти отмечена мощной энергетикой, определяющей творчество Баха. Выступления Баккетти абсолютно уникальны, ведь музыкант использует ноты, восстановленные по старинным рукописям величайших композиторов эпохи

Его талант проявился в раннем возрасте, лучше всех эпитетов о способностях Андреа скажет тот факт, что на юное дарование обратили внимание мэтры, в частности Герберт Караян, и др., а его диплом удостоен особой отметки Министерства культуры в Риме. Сегодня Андреа Баккетти — участник самых престижных музыкальных фестивалей в Люцерне, Париже, Солсбери и других. Обладатель множества премий, Андреа выпустил диск, получивший одну из самых высоких наград – Международную премию классической музыки в номинации «Барочная инструментальная музыка».

МАРИЯ САФАРЬЯНЦ -художественный руководитель Фестиваля, давно признанный интерпретатор музыки Баха, репертуар которого сопутствует всей ее творческой биографии. Мария не только исполнит красивейшие барочные произведения, но и приоткроет гостям вечера завесы тайн жизни и творчества композиторов эпохи, расскажет о многовековом споре о первенстве между музыкальными титанами этого периода.

В этот вечер прозвучит музыка представителей «Олимпа» эпохи Барокко. Прозвучат творения величайшего композитора, интеллектуала в мире музыке ИОГАНА БАХА, а также КАРЛА ФИЛИППА ЭММАНУИЛА БАХА, которого называют «Гением- сыном гения». Именно Баха-сына сам Моцарт почитал как учителя «Если кто-то из нас что-то может, этому мы научились у него». Гости вечера насладятся произведениями ГЕНРИ ПЁРСЕЛЛА, получившего от современников звание «Британского Орфея», сквозь века донесшего до нас музыку поэтичности и одиночества. Будут исполнены бессмертные шедевры виртуоза-скрипача и композитора-новатора АНТОНИО ВИВАЛЬДИ, а также мелодии основоположника нового оперного стиля КРИСТОФЕРА ГЛЮКА.

Зал Михайловского замка, в котором состоится концерт, элегантный и светлый, знаменит роскошным балконом, выходящим на Летний Сад

Бесценным подарком для всех зрителей, которые приобретут билет в СЕКТОР «VIP» станет ЭКСКУРСИЯ ПО ВЕЧЕРНЕМУ САМОМУ ЗАГАДОЧНОМУ ЗАМКУ САНКТ-ПЕТЕРБУРГА. Экскурсоводы Михайловского замка откроют дворцовые тайны и расскажут о шедеврах, хранящихся в его стенах.

Начало экскурсии для обладателей билетов в «сектор VIP» в 17:30

ИСПОЛНИТЕЛИ:

Луиза СЕЛЛО, флейта (Италия)

Андреа БАККЕТТИ, фортепиано (Италия)

З.а. России — Мария САФАРЬЯНЦ (скрипка)

Камерный̆ оркестр Сhamberries

Дирижер- МИХАИЛ ЛЕОНТЬЕВ

В ПРОГРАММЕ: И.С.БАХ, Ф.И.БАХ, ВИВАЛЬДИ, ПЁРСЕЛЛ, ГЛЮК

В программе возможны изменения.

Информация и заказ билетов:928-22-40 570-05-15 palacefest.ru

Музыка барокко | Британника

Музыка барокко , музыкальный стиль, преобладавший в период с 1600 по 1750 год, известный своим грандиозным, драматическим и энергичным духом, а также стилистическим разнообразием.

Соната для фортепиано ре минор , K 64, Доменико Скарлатти, для фортепиано.

Вадим Хаимович / Musopen.org

Один из самых драматических поворотных моментов в истории музыки произошел в начале 17 века, когда Италия лидировала.В то время как stile antico , универсальный полифонический стиль XVI века, продолжал свое существование, отныне он был зарезервирован для духовной музыки, в то время как stile moderno или nuove musiche — с упором на сольный голос, полярность мелодии и басовая партия, и интерес к выразительной гармонии — разработан для светского использования. Расширенный словарный запас позволил провести более четкое различие между духовной и светской музыкой, а также между вокальными и инструментальными идиомами, а национальные различия стали более выраженными.

Клаудио Монтеверди: Мадригалы

«Chiome d’oro, bel tesoro» из Мадригалов Клаудио Монтеверди, книга 7; из записи 1937 года Ансамбля вокально-инструментальной музыки Нади Буланже под управлением Нади Буланже.

© Cefidom / Encyclopædia Universalis

Подробнее по этой теме

Духовой инструмент: эпоха барокко и классика

Драматические музыкальные события в Италии около 1600 года оказали глубокое влияние на музыку Европы эпохи барокко.Несколько групп литераторов …

Опера, оратория и кантата были важнейшими новыми вокальными формами, а соната, концерт и увертюра были созданы для инструментальной музыки. Клаудио Монтеверди был первым великим композитором «новой музыки». За ним последовали в Италии Алессандро Скарлатти и Джованни Перголези. Инструментальная традиция Италии нашла своих великих композиторов эпохи барокко — Арканджело Корелли, Антонио Вивальди и Джузеппе Тартини. Жан-Батист Люлли, крупный оперный композитор, и Жан Филипп Рамо были мастерами музыки барокко во Франции.В Англии за полным театральным опытом масок Стюарта последовали достижения в вокальной музыке родившегося в Германии, получившего образование в Италии Джорджа Фридриха Генделя, в то время как его соотечественник Иоганн Себастьян Бах разработал в Германии духовную музыку в стиле барокко. Среди других известных немецких композиторов эпохи барокко — Генрих Шютц, Дитрих Букстехуде и Георг Филипп Телеманн. Для более подробной информации о музыке барокко, см. Западная музыка: эпоха барокко.

Эта статья была последней исправлена ​​и обновлена ​​Наоми Блумберг.

О музыке — Филармония, барочный оркестр и хорал

Историческая справка

Наше внимание уделяется исторически обоснованному исполнению, что означает, что мы представляем историческую музыку в манере, соответствующей времени и месту, в которых она была написана. В наших выступлениях используются исторические инструменты, играемые по стилистическим стандартам более ранних эпох.

Такую музыку приятно слышать. Приятно видеть исторически обоснованное исполнение. Ключевой аспект нашей миссии — постановка живых выступлений.

Как следует из нашего названия, филармонический барочный оркестр и хорал привержен музыке эпохи барокко в Европе (период с 1600 по 1750 год). Однако наше программирование охватывает более широкие временные рамки. Мы исследуем эпоху барокко (особенно ее вторую половину), полный классический период (определяемый как период с 1750 по 1820 годы) и ранние годы романтического периода (обычно описываемые как начавшиеся примерно с 1820 года).

Период барокко

Музыка барокко служит основой всего того, что принято называть «классической» музыкой.Музыканты периода барокко расширили разнообразие и сложность музыки. Многие музыкальные термины и понятия, используемые сегодня, были установлены в то время. Оркестровые инструменты приобрели формы и функции, которые мы до сих пор узнаем. Прижились важные музыкальные жанры, такие как опера. Крупные композиторы эпохи барокко, такие как Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди и Джордж Фридрих Гендель, по-прежнему широко известны.

Эпоха барокко восхищает богатством деталей. В его музыке подчеркивается полифония, что означает одновременное воспроизведение нескольких независимых мелодических голосов.В результате получается многослойная или многотекстурная композиция, часто дополненная сложным музыкальным орнаментом. Сложная красота музыки барокко по-прежнему очень привлекательна.

Классический период

Эпоха барокко переросла в классическую музыку, примерно с середины 18 до начала 19 веков. Классический период ценил порядок и ясность в искусстве. В музыке акцент сместился с полифонии на более доминирующий одиночный мелодический голос.Композиторы стремились создать и выразить формальные структуры в своей музыке. Часть удовольствия слушатель получает от того, что слышит и идентифицирует структурные элементы в композиции. Среди любимых композиторов-классиков Вольфганг Амадей Моцарт и Франц Йозеф Гайдн.

Ранний романтический период

Классический период перерос в романтический период, начавшийся в начале 19 века. В романтическую эпоху большое внимание уделялось индивидуальному самовыражению. Композиторы стремились передать эмоциональную мощь и интенсивность — и поставить свою музыку сугубо личностной печатью.

Многие люди считают Людвига ван Бетховена образцом «романтика» из-за его страстной, легко узнаваемой музыки. На самом деле жизнь композитора охватывает классический и романтический периоды, и ученые продолжают спорить о том, как лучше всего позиционировать его карьеру в рамках истории музыки. Музыка быстро развивалась в конце 18-го и начале 19-го веков, и Бетховен входит в число активных композиторов того времени, творчество которых отражает этот переход.

Композитор, который более прочно относится к раннему романтическому периоду, — это Феликс Мендельсон, который, что интересно, был защитником музыки эпохи барокко! Мендельсон много сделал для возрождения интереса к Дж.Например, С. Бах и Гендель — и даже сегодня Мендельсон остается источником вдохновения для тех, кто дорожит исторически обоснованным исполнением.

К современной эпохе

По мере развития XIX века оркестровое исполнение неуклонно приближалось к своей современной форме. Развивались стили и техники. Оркестры и их концертные залы стали больше. Инструменты были стандартизированы по конструкции и материалам, а значит, и по звукам, которые они производили. Появились совершенно новые инструменты.Некоторые старые инструменты практически исчезли с концертной площадки.

Барочные, классические и ранние романтические композиции остались в репертуаре, но исполнялись они полноценным современным оркестром. Соответственно изменились ожидания аудитории.

Современный оркестр — прекрасное творение. Это дает захватывающие возможности услышать музыку многих эпох. Но по самой своей природе он адаптирует — или «модернизирует» — музыку, написанную для более ранних инструментов, техник и настроек.По сути, к более старым композициям применяется новое представление о звуке.

Музыка филармонии Барочный оркестр и хорал

Перформанс, основанный на исторической информации, возник в 20-м веке, чтобы предоставить важную альтернативу — перформанс, который представляет зачастую более мягкие (а иногда идиосинкразические) звуки, которые историческая публика могла бы знать и наслаждаться. Это «новая» музыкальная практика, которая возрождает и сохраняет аспекты прошлого.

Philharmonia Baroque Orchestra & Chorale заслужил известность как один из лучших ансамблей в мире, исполняющих исторически обоснованную музыку.Чтобы узнать больше о нашей музыке, прочитайте о некоторых композиторах, которых мы исполняем, а также о некоторых наших исторических инструментах.

Учимся слушать музыку барокко

J.S. Бах

Предоставлено Фондом Викимедиа

Эпоха барокко длится примерно 150 лет, с 1600 по 1750 год. 1750 год важен, потому что это год смерти Иоганна Себастьяна Баха.

В то время в истории музыки был один инструмент, который служил основой для большей части всей музыки, и это был этот инструмент:

Клавесин.Конечно, композиторы использовали клавесины после эпохи барокко, но это случается достаточно редко, поэтому обычно можно предположить, что если вы слышите клавесин, вы слышите музыку в стиле барокко.

Я думаю, что клавесин плохой рэп — он какой-то шумный и, может быть, немного резковатый, но мне — мне это нравится, и я предпочитаю слушать клавишную музыку той эпохи, сыгранную на клавесине, а не на пианино.

Я не могу переоценить важность клавесина в эпоху барокко. Он появлялся практически повсюду и даже ограничивал то, как композиторы писали музыку для больших оркестров.

Клавесин почти всегда подпрыгивает под музыку барокко — давайте посмотрим, сможете ли вы выделить это в следующем произведении самого известного из всех композиторов эпохи барокко — Иоганна Себастьяна Баха.

Слушайте клавесин. Это повсюду в музыке барокко. Отчасти это связано с тем, что называется «бассо континуо». Бассо континуо состоит из пары разных элементов: один должен быть инструментом, который может играть более одной ноты за раз (почти всегда клавесин), а другой элемент — это какой-то инструмент, который играет немного низко, например, виолончель или фагот.

Эта комбинация инструментов, клавиатуры и нижнего инструмента, называется «бассо континуо», и она обеспечивает гармоническую структуру пьесе. Вроде как фундамент дома.

Посмотрите, слышите ли вы, как внизу гудит клавесин, в следующей пьесе Антонио Вивальди.

Вы слышите клавесин внизу? Клавесин участвует в так называемом «Basso Contino», обеспечивая гармоническую структуру или основу пьесы.

Так как клавесин почти всегда является частью бассо континуо, оба звука являются явным признаком того, что музыка, которую вы слышите, пришла из эпохи барокко — где-то между 1600 и 1750 годами.

Мы собираемся услышать это произведение снова, потому что это подчеркивает еще одно ограничение клавесина и показывает, как это ограничение мешало композиторам делать определенные вещи.

Одно по поводу клавесина: нет регулятора громкости. Если вы будете нажимать клавиши сильнее, звук не станет громче; если аккуратно прикоснуться к клавишам, звук не станет тише.Звук, который вы получаете от клавесина, настолько громкий или мягкий, насколько это вообще возможно.

В результате композиторам приходилось помнить о том, насколько громко и тихо играет оркестр. Чтобы не заглушать звук клавесина, композиторы часто использовали меньше музыкантов, когда хотели более мягкое звучание. Редко можно услышать, как в эпоху барокко ансамбли постепенно становятся громче или тише, потому что клавесин на это не способен.

В эпоху барокко у нас есть так называемая «террасная» динамика. Композиторы писали свою музыку таким образом, чтобы количество игроков определяло, насколько громкой или тихой была музыка, в зависимости от того, сколько людей играло в любой момент времени.Итак, тонкие градации громкости снова появились после эпохи барокко. Барокко было эпохой террасной динамики.

Еще одна важная подсказка — это метод, называемый «секвенирование».

Последовательность — это короткая фраза, которая повторяется тем же голосом, но выше или ниже.

Слышать это имеет немного больше смысла, и композитору эпохи барокко Антонио Вивальди эта техника понравилась — вы слышите это повсюду в его музыке. Мы послушаем Вивальди через минуту, но давайте посмотрим на одну из самых известных последовательностей во всей музыке, из гимна «Ангелы, которых мы слышали на небесах» — часть «Глории» — это последовательность. Секвенирование начинается в 0:27.

Пример из концерта для струнных Вивальди. Пьеса начинается с восходящей шкалы, затем он повторяет ее еще раз дважды — точнее, он упорядочивает эту первую идею.

Секвенсирование было важным инструментом композиторов эпохи барокко. Джордж Фредерик Гендель часто использует его в Мессии , начиная с 0:35.

В следующем примере Иоганна Себастьяна Баха много последовательностей, и это всего лишь один голос, поэтому, возможно, будет легче услышать, как часто это происходит.Это заключительная часть Престо из его скрипичной сонаты № 1. Выступление Хилари Хан начинается в 2:54.

Есть несколько слов и терминов, весьма характерных для эпохи барокко, например, «концерт гроссо».

Первое слово в слове «концерт» означает, что солист будет играть с оркестром. Как концерт для скрипки, или концерт для флейты, или концерт для фортепиано, или концерт для трубы, и т. Д. Это означает, что один единственный инструмент будет солировать с оркестром.

Когда мы добавляем слово «гроссо», это означает, что будет более одного солиста с оркестром.Обычно коллективы солистов.

Бранденбургские концерты Баха — это все концерты гроссо, или, если быть грамматически правильными, мы бы назвали их гроссовыми концертами.

Вот пример концерто гроссо, в котором одна скрипка и два магнитофона являются солистами:

Это первая часть 4-го Бранденбургского концерта Баха, она считается «концерт гроссо», что означает, что группа солистов играет с оркестр. В этом произведении солистами были один скрипач и два флейтиста.

Следующий концерт гроссо принадлежит Архангелу Корелли — он написал несколько из них и считается мастером этого типа музыки. В этом концерте гроссо солисты — струнное трио — две скрипки и виолончелист.

Один из самых простых способов услышать солистов — подождать, пока текстура не изменится с полного оркестра на меньшую группу игроков.

Когда мы говорим об этих двух группах (оркестр и солисты), у них есть названия. Мы называем оркестр «рипиено», а солистов — «концертино».’

Вы можете услышать, как они бегают туда-сюда в этой пьесе, втором концерте гроссо Арканджело Корелли.

Это пример «концерто гроссо» — типа музыки, популярной и повсеместно распространенной в эпоху барокко.

Еще одна черта, характерная для эпохи барокко, называется «орнамент». Это был способ украсить музыку, и музыканты часто импровизировали. Такие вещи, как трели и протравы, по большей части напоминающие трепетание.

Послушайте трепетание в следующем произведении Жана-Филиппа Рамо:

Вот еще один пример того, насколько богато украшена была музыка, и мы послушаем пример пьесы для клавесина на фортепиано в следующем произведении:

Другим большим отличием эпохи барокко является использование старинных инструментов.Различная была и вокальная техника.

Программный плейлист

Франсуа Куперен / Les Silvians / исполнитель: Christophe Rousset
Георг Филипп Телеман / Сюита: Менуэт / дирижер: Рейнхардт Гебель / ансамбль: Musica Antiqua Koln
Телеман / Трио-соната / дирижер: Рейнхардт Гебель / ансамбль: Musica Antiqua Koln
Антонио Вивальди / Four Seasons: Spring / ансамбль: Baroque Orchestra B’Rock / Etcetera 1429 CD 2 tr 1
Angels We Have Heard on High / дирижер: Кристофер Хогвуд / ансамбль: Handel & Haydn Society
Вивальди / Концерт для струнных ми минор / дирижер: Фабио Бионди / ансамбль: Европа Галанте
Иоганн Себастьян Бах / Соната для скрипки No. 1: Престо / скрипач: Шломо Минц
Джордж Фредерик Гендель / Concerto Grosso No. 1 / дирижер: Кристофер Хогвуд / ансамбль: Handel & Haydn Society
Архангело Корелли / Concerto Grosso Op. 6 No. 9 фа мажор / ансамбль: I Solisti Italiani
Жан-Филипп Рамо / клавесин: Кристоф Руссе
Иоганн Адольф Хассе / «Or la nube procellosa» / меццо-сопрано: Вивика Джено
И.С. Бах / Гольдберг Вариации: Ария / пианистка: Анджела Хьюитт

На следующей неделе Эмили Риз изучит звуки классической эпохи.

Галерея

Полноэкранный слайд Предыдущий слайд

1 из 1

J.S. Бах

Предоставлено Фондом Викимедиа

Следующий слайд

Классическая музыка Хронология: музыка барокко

Конфликт между католиками и протестантами завершился разрушительной Тридцатилетней войной, опустошившей Центральную Европу. Король Людовик XIV установил во Франции абсолютную монархию, но в Англии победа парламента в Гражданской войне способствовала установлению конституционного режима. В Северной Америке основание первых колоний открыло новый этап в мировой истории.В конце семнадцатого века упадок Турции, рост Пруссии и победы России над Швецией изменили карту Восточной Европы.

XVII век стал свидетелем огромного потока литературных шедевров, таких как драма Шекспира, Мольера и Расина, поэзия Донна и Мильтона и первые романы, в том числе «Дон Кихот» Сервантеса. В искусстве и архитектуре яркая самоуверенность стиля барокко проявилась в скульптуре Бернини, картинах Караваджо и Рубенса, замке Людовика XIV в Версале и соборе Святого Павла Рена в Лондоне.Голландия, преуспевшая за счет заморской торговли, родила художников уровня Рембрандта и Вермеера.

Изобретение телескопа и микроскопа открыло поразительные новые миры. Достижения Кеплера и Галилея заложили основы великих работ Ньютона о законах движения и гравитации. Эти открытия и другие великие достижения в анатомии и физиологии укрепили веру в то, что человек может добиться контроля над природой, и проложили путь рационализму следующего столетия.

В этот период музыка неизмеримо обогатилась как новыми вокальными формами — оперой, кантатой и ораторией, так и инструментальными формами, такими как соната и концерт. Большинство новых музыкальных идей зародилось в Италии, где Скарлатти и Вивальди были видны и где гений Монтеверди продвигал оперу. Однако именно в Германии с Бахом и Генделем музыка барокко достигла своего пика.

Эпоха барокко ознаменовала собой триумфальное возрождение католицизма, переломившее некоторые неудачи, имевшие место в шестнадцатом веке.В этот неспокойный период Реформация расколола Церковь надвое, разделив Европу на конкурирующие протестантские и католические фракции; турки продолжали угрожать восточным окраинам Священной Римской империи; а сам Рим, Святой Престол, был разграблен в 1527 году.

Папство отреагировало на эти бедствия не в духе компромисса, а с решимостью восстановить свою власть. В отличие от протестантских ценностей строгости и простоты, он поощрял создание грандиозной архитектуры и произведений искусства. Новые тщательно продуманные церкви и запрестольные образы должны были вызвать то же чувство благоговения и величия, которое внушали великие соборы средневековья.

Garden Party — Дирк Халс,

Стиль барокко: драматизм и сложность

Стиль барокко был разработан, чтобы удовлетворить потребности католического возрождения. Этот термин, вероятно, происходит от португальского barroco, обозначающего жемчужину неправильной формы. Акцент делается на «нерегулярности», поскольку барокко подразумевало отход от симметрии и гармонии Возрождения.В архитектуре это привело к появлению крупномасштабных зданий с использованием самых богатых материалов и с умышленно сложными драматическими формами. Этот стиль был основан в Риме художником, скульптором и архитектором семнадцатого века Джанлоренцо Бернини, спроектировавшим колоннаду перед собором Святого Петра и великолепный навес над Высоким алтарем, вместе с Франческо Борромини и Пьетро да Кортона.

Художники в стиле барокко делали аналогичные попытки мощно апеллировать к эмоциям и чувствам. Такие художники, как Караваджо в Италии и Рембрандт в протестантской Голландии, стремились достичь этой цели с помощью драматических световых эффектов, в то время как другие, такие как Рубенс, наполняли фигуры в своих композициях энергичными, иногда искаженными движениями.

Музыка барокко и появление оперы

В музыкальном контексте «барокко» — гораздо менее точный термин, часто используемый для обозначения чего-то большего, чем витиеватый и скорее театральный стиль. Композиторы. время, однако, осознавало разрыв с прошлым.В 1605 году Монтеверди провел четкое различие между PRIMA PRATTICA и SECONDA PRATTICA (первая и вторая практика), первая относилась к замысловатому стилю композиции эпохи Возрождения, вторая — к новому акценту на ясности текста. В основе нового стиля лежала разработка BASSO CONTINUO (чистый бас), системы обозначений для второстепенных инструментов.

Такие нововведения почти сразу принесли плоды, помогая стимулировать появление оперы. С 1570-х гг. неформальная академия во Флоренции, известная как Камерата (Товарищество), собралась, чтобы обсудить различные культурные темы. Одним из рассматриваемых сюжетов была древнегреческая драма, в которой, как считалось, музыка играла жизненно важную роль. Несколько участников попытались возродить эту форму, используя «речитатив» (метод сольного пения, отражающий образцы нормальной речи) как средство передачи драматического диалога аудитории. Тем самым они фактически повторяли суждение Монтеверди о том, что музыка должна быть подчинена своему тексту.

Самая старая из сохранившихся опер — «Эвридика» Якопо Пери, заказанная в 1600 году для празднования свадьбы Генриха IV Французского с флорентийкой Марией Медичи. Однако первым шедевром в новом жанре стал «Орфей» Монтеверди 1607 года, написанный для семьи Гонзага из Мантуи. Это было произведено в совершенно ином масштабе, чем в более ранних экспериментах. В то время как Пен использовал в своих операх всего несколько лютней и клавесин, скрывая их за декорациями, Монтеверди использовал полный оркестр, состоящий примерно из 40 инструментов.

Вкус к оперному развороту; Рим и Венеция стали новыми центрами музыкального мастерства. Рим взял на себя инициативу в 1620-х годах, во многом благодаря покровительству высокопоставленных священнослужителей. Кардинал Барбенни построил в своем дворце в 1623 году хорошо оборудованный оперный театр, а один из самых талантливых либреттистов того времени, Джулио Роспильози, стал папой в 1667 году. Венеция, по всей видимости, была богатым городом, хотя фасады его зданий часто за спиной скрывается распад. Несмотря на отсутствие возвышенных оперных связей Рима, он сыграл решающую роль в привлечении жанра к более широкой аудитории.

Первый публичный оперный театр открылся здесь в 1637 году, и еще как минимум 15 были построены до конца века. В каждом районе был свой местный театр, похожий на современные кинотеатры.

Итальянские дивизии

Опера была самым захватывающим новым видом искусства того времени, укрепляя репутацию итальянских регионов как культурного центра Европы. Этот факт опровергает представление о том, что политический и художественный успех идут рука об руку, поскольку в то время на итальянском полуострове находился лишь разношерстный набор независимых княжеств и государств-сателлитов.Слава регионов может привлечь внимание художников и ценителей; они также привлекали захватчиков. На протяжении всей эпохи большей частью Италии управляла Испания или Австрия. Рим, резиденция папства, пользовался влиянием среди католических народов, в то время как Венеция и Генуя были независимыми торговыми городами с определенным статусом. Однако многие из оставшихся территорий были просто предметами торга — мелкими владениями, которые передавались между великими европейскими державами, когда они боролись за господство на континенте.Такое положение дел сохранялось в некоторой степени до объединения Италии в девятнадцатом веке.

Английская опера

В Англии в середине шестнадцатого века влияние пуритан положило начало эре строгой экономии. Театры были закрыты на время существования Содружества, солдаты были расквартированы в Вестминстерском аббатстве, а большая часть великолепной коллекции произведений искусства короля Карла I была распродана. По иронии судьбы тот же период стал свидетелем первых волнений в английской опере.Музыкальные пьесы квалифицируются как «концерты» и таким образом избежали запрета, повлиявшего на сцену. Поэтому «Осада Родоса», которая впервые была исполнена в 1656 году и была описана ее авторами как «история, исполненная в речитативной музыке», была предварительно признана самой ранней английской оперой. По правде говоря, эту и большинство ее ближайших последователей можно было бы более точно определить как «полуоперы». Генри Перселл, отец которого был одним из исполнителей в «Осаде Родоса», написал несколько полуопер, в том числе «Королева фей» и «Король Артур», а также поставил первую подлинную английскую оперу со своими «Дидоной и Энеем» в 1689 году.

Ян Вермеер. Урок музыки

Возрастающая роль музыки

Хотя Церковь и Суд оставались основными источниками покровительства, постепенно стало признано, что музыка может также служить полезной цели за пределами этих относительно ограниченных кругов, в Британии и других странах. Вивальди, например, большую часть своей карьеры проработал учителем игры на скрипке в Pio Ospedalc della Pieta в Венеции, приюте для девочек.Регулярные выступления девушек под руководством Вивальди не были коммерческими предприятиями — публичные концерты такого рода не приживались вплоть до классической эпохи — а скорее символами гражданской гордости.

Растущая привлекательность музыки имела несколько важных последствий. Во-первых, это привело к необычайному увеличению требуемого объема музыки. Понятия «играть классику» или иметь стандартный репертуар не существовало. Новые музыкальные произведения сочинялись, а затем отбрасывались с угрожающей скоростью, примером чего является печально известная выдающаяся работа Вивальди.Иногда их играли только один раз — возможно, по конкретному случаю — прежде чем их отложили и забыли. Это, в свою очередь, означало, что умение быстро писать было очень важно. Наспех сочиненное музыкальное произведение не было признаком небрежного отношения, а скорее доказательством профессионального мастерства композитора.

С этим тесно связано растущее значение отдельного исполнителя. Эпоха барокко была эпохой шоумена — виртуоза. Впервые и певцов, и инструменталистов по-настоящему побудили раскрыть свои таланты до предела.В сфере оперы это сделало звезд-кастратов — певцов-мужчин, чьи красивые молодые голоса искусственно поддерживались кастрацией. Эта практика достигла пика во время расцвета итальянской оперы в стиле барокко. Однако эти виртуозы помогли ослабить драматическое напряжение, которое было достигнуто в типе оперы, разработанной Монтеверди. Все чаще речитатив, несущий в себе сюжетную линию пьесы, прерывался все большим количеством арий — часто сложных, красивых, стандартных мелодий, в которых певцы могли продемонстрировать свое мастерство.

Эксгибиционистские тенденции не ограничивались только вокалистами. Композиторы также стремились привлечь внимание к своим талантам. Одним из самых популярных способов добиться этого было создание музыки, имитирующей естественные звуки. Четыре сезона Вивальди с их пением птиц и погодными эффектами, вероятно, являются самым известным примером, но эта практика стала обычным явлением. Библейские сонаты Иоганна Кунау содержали хитроумную имитацию звука Давида, стреляющего из пращи против Голиафа, играя, прежде всего, на клавесине.J.S. Бах использовал тот же инструмент, чтобы передать шум каретных рожков в своем Capriaio, посвященном уходу любимого брата, но величайшим виртуозом клавишных был Доменико Скарлатти. В композициях, которые он создавал для испанского двора, были скрыты хитроумные имитации уличных криков, бренчания гитар и ударов копыт.

Этот вид зрелищности появился отчасти потому, что музыкальные развлечения становились все длиннее — например, полномасштабная опера давала композиторам гораздо больше возможностей для разработки, — а отчасти потому, что инструменты становились все более сложными.Основное развитие здесь пришло в области изготовления скрипок. Скрипка появилась в начале шестнадцатого века, но именно в эпоху барокко город Кремона в Италии произвел на свет трех гигантов скрипичного дела — Николо Амати, Джузеппе Гварнери и, самый известный из всех, Антонио Страдивари.

Тот факт, что провинциальный итальянский город должен был стать центром такого важного ремесла, не случаен, поскольку Италия оставалась доминирующей музыкальной силой в Европе на протяжении большей части этого периода.Такие разные композиторы, как Бах и Гендель, имеют свои корни в итальянских стилях, в то время как Жан-Батист Люлли, музыкант, который больше всего сделал для создания самобытной национальной школы во Франции, на самом деле родился Джованни Баттиста Лулли, итальянцем.

Изображено выступление большого инструментального ансамбля в роскошном Театро Аргентина. (Панини, 1747, Лувр)

Людовик XIV: Король-Солнце

Появление независимого музыкального стиля во Франции неудивительно, учитывая политическую мощь страны в течение длительного правления Людовика XIV (1643-1715).Королю было меньше пяти лет, когда он унаследовал трон, его ранние годы омрачились серией гражданских беспорядков, названных Фрондами (по названию пращей, используемых мятежниками). Иногда насилие становилось настолько сильным, что ребенка приходилось увозить из Парижа в Сен-Жермен, где он спал на соломе. Воспоминания об этих ужасающих эпизодах оставили у Луи стойкую неприязнь к Парижу и патологическое отвращение к беспорядкам.

Соответственно, когда он стал достаточно взрослым, чтобы управлять своими делами, король решил покинуть ненавистную ему столицу и перенести резиденцию правительства в свой недавно увеличенный замок в Версале.Буквально веря в божественное право королей, он стремился уменьшить влияние старой знати и Парламента (могущественного суда Панов), сосредоточив всю власть в своих руках. Он держал дворян под контролем, побуждая их потерять себя в бесчинствах его двора в Версале, развращая их ослепительно экстравагантным образом жизни и тем самым ослабляя их способность действовать против него. Однако в правлении Людовика было гораздо больше, чем поверхностная демонстрация; под его правлением Франция приобрела новые дорожные системы, порты и каналы, современную полицию, флот и торговый флот, обрабатывающую промышленность и процветающий экспортный бизнес. «L’litat e’est Мел» («Я — государство») было девизом Луи, красноречивым описанием абсолютизма.

В вопросах культуры и в политике Людовик имел полный контроль, руководя золотым веком искусства. Франция стала воплощением цивилизации, которой завидовали и ей подражали остальные. Европа. Французская классическая драма была на пике своего развития, примером чему служат трагедии Корнеля и Расина, а также сатирические комедии Мольера. В тот же период в 1648 году была создана Королевская академия обморока и скульптуры, а в 1662 году была реорганизована знаменитая фабрика по производству гобеленов.Луи стал известен как Ле Рот Сольди (Король-Солнце), что являлось отражением великолепия и яркости его режима.

На музыке тоже была печать Короля. Луи окружал себя музыкой в ​​личной жизни и на церемониях; его военные победы будут отмечены специально сочиненным Те Deums. Сам музыкант и увлеченный танцор, Луи активно поощрял развитие комедии-балета, новой оперной формы, которая выросла из сотрудничества Люлли и Мольера. Эта экстравагантная смесь песни, танца, комедии и зрелища была в высшей степени элегантной и формальной, но при этом намного более легкой, чем преобладающие мелодии итальянской оперы, будучи адаптированной к французским вкусам.

Великолепие Версальского двора затмило все остальные и породило бесчисленные подражания. Позже критики утверждали, что это изолировало монарха от его подданных и тем самым посеяло семена Французской революции. В этом может быть доля правды, но, тем не менее, в действиях Луи была логика.Как и папство в начале века, он стремился создать ауру величия, которая сделала бы монархию институтом, достойным почитания, вдохновляющим как лояльность, так и послушание.

В первую половину правления Людовика этот грандиозный образ был подкреплен победами на поле боя. В 1667 году он вторгся в контролируемые Испанией южные Нидерланды. Его первоначальное наступление было остановлено, но второе вторжение в 1672 году было более успешным, и голландцам удалось сдержать его, только открыв свои дамбы и затопив страну. Триумфы Людовика были признаны в Неймегенском договоре (1678 г.), когда Эно и Франш-Конт были переданы Франции.

Золотой век Голландии

Несмотря на подобные неудачи, Соединенные провинции Голландии (северная часть Нидерландов, получившая независимость от спама в прошлом столетии) переживали в то время свой собственный золотой век. Обширная торговля республики с Балтийским регионом и Индией помогла превратить Амстердам в финансовую столицу мира, а городские банковские услуги, страхование и операции с акциями еще больше повысили его репутацию.Это процветание и порожденное им чувство безопасности послужили стимулом для расцвета искусств и наук. Христиан Хюйгенс изобрел маятниковые часы, а Антон ван Левенгук и Ян Сваммердам сделали важные открытия в области микроскопии. В мире искусства Голландия родила гениев уровня Рембрандта, Вермеера и Франса Хальса. В музыкальном плане наиболее значимой фигурой был Ян Свелинк, иногда известный как «Отец фуги», который был городским органистом в Амстердаме с 1577 по 1621 год. Его учения сделали его именем нарицательным даже в Польше, хотя его, вероятно, лучше всего помнят сегодня за его влияние на Иоганна Себастьяна Баха.

Музыка и протестантская церковь

В Германии, как и в Голландии, органная музыка играла решающую роль в протестантском богослужении. Необходимо различать лютеран и более радикальных последователей Кальвина. Мартин Лютер был музыкантом-энтузиастом — он обладал прекрасным теноровым голосом и сам сочинял музыку — и он активно поощрял продолжение традиций церковной музыки.Это резко контрастировало с кальвинистами, которые, следуя своим принципам религиозного аскетизма, запретили органную музыку и вырвали инструменты из мест их поклонения.

Эти акты идеологического вандализма вызвали особое беспокойство у многих общин, поскольку орган считался осязаемым символом городской гордости. В самом деле, отдельные города соперничали за регистрацию самых престижных исполнителей на органе, причем соперничество зачастую было столь же интенсивным, как конкуренция между современными футбольными клубами. В Лейпциге в 1723 году, например, городской совет был разочарован, когда им удалось заручиться услугами только Баха в качестве своего музыкального директора. Он был их третьим выбором после Телемана, который использовал ситуацию, чтобы потребовать повышения зарплаты на своем посту в Гамбурге, и Граупнера, который все еще работал по контракту с другим работодателем. Возможно, потому, что он «не был техническим новатором, Бах при жизни пользовался сравнительно скромной репутацией.

Карьера Генделя вряд ли могла быть более иной, хотя он родился в том же году, что и Бах.Если последний был доволен тем, что продолжал работать в провинциальном уединении, Гендель искал и нашел в центре внимания, наслаждаясь карьерой американских горок в Лондоне в качестве композитора и импресарио. Его методы могли быть нетрадиционными — есть история, что однажды он выбросил одну из своих див из окна и угрожал уронить ее, если ее пение не улучшится, — но вскоре они принесли ему международное признание. Когда мода на итальянскую оперу пошла на убыль, Гендель переключил свое внимание на ее религиозный эквивалент — ораторию.

Конец эпохи

Тот факт, что Гендель решил поселиться в Лондоне, который до сих пор был захолустной с оперной точки зрения, вполне может отражать сдвиг, произошедший в европейском балансе сил.

После 1680 года господство французов стало выглядеть менее надежным. На Востоке угроза турецкого вторжения уменьшилась, когда Ян Собицкий и его польские войска сняли осаду Вены в 1683 году. Это, однако, дало австрийскому императору возможность переключить свое внимание на Запад.Пять лет спустя Людовик XIV испытал еще больший удар английской «Славной революции», когда католик Яков II был изгнан с английского престола, и его заменили его старые противники, Уильям и Мэри (соответственно, Стадхолдер Нидерландов и Джеймс). дочь). Присутствие протестантского короля на другом берегу Ла-Манша стало еще более катастрофическим после отмены Нантского эдикта в 1685 году. Этим актом Людовик аннулировал права на свободу вероисповедания, предоставленные в 1598 году, тем самым спровоцировав враждебность всего протестантского дела.

Масштаб проблемы стал очевиден во время Войны за испанское наследство (1701-14), когда французские войска действовали на четырех разных фронтах — в Германии, Нидерландах, Италии и Испании. Громкие поражения при Бленхейме в 1704 году и Мальплаке в 1709 году угрожали свести на нет все достижения Луи, хотя неожиданная победа при Денэне в 1712 году частично исправила ситуацию. Утрехтский договор 1713 года оставил Францию ​​территориально нетронутой, но принес большие выгоды растущей Британской империи, включая приобретение Гибралтара, Менорки и Новой Шотландии.

Смерть Людовика XIV в 1715 году после 72-летнего правления ознаменовала окончание целой эпохи. Во время его похоронной процессии можно было услышать насмешки и возгласы, знаменующие похоронный звон абсолютизма. Во Франции богослов и писатель Франсуа Фенелон утверждал, что божественное право, на которое претендовала монархия, противоречит христианскому учению; в Англии философ Джон Локк утверждал, что это несовместимо с неотъемлемыми правами человека. Люди начали оспаривать идею о том, что власть папы или короля следует безоговорочно принимать.Барокко со всем его упором на величие и послушание уступало место рациональным ценностям Просвещения.

Ян Вермеер. Аллегория живописи (ок. 1666–68)

Введение в период классической музыки в стиле барокко — Art Sphere Inc.

Классическая западная музыка разделена на несколько периодов, в которых звук эволюционировал с течением времени в связи с историческими событиями и известными композиторами того времени.Давайте посмотрим на период барокко, который длился с 1600 по 1750 год! Для краткого ознакомления посмотрите это короткое видео.

Возможно, вы слышали о таких композиторах, как Бах, Вивальди и Гендель. Все они написали свои работы в период барокко! Период барокко был так важен, потому что он представлял собой исследование инструментальной музыки вне религиозного контекста. В это время Церковь теряла свое политическое влияние и контроль в Европе, что позволяло артистам создавать и исследовать музыку вне религии.

Многие музыкальные идеи возникли в эпоху барокко, включая концерт, сонату и оперу. Концерт выделяет отдельную часть или инструмент, а остальной оркестр играет на заднем плане, а композиторы Вивальди и Корелли хорошо известны своими концертами. Сонаты похожи на концерты тем, что в центре внимания находится солист или конкретная часть. Однако они примечательны тем, что имеют несколько уникальных перемещений, которые по-прежнему похожи, потому что сохраняется одна и та же подпись ключа.Сонаты эпохи барокко обычно состояли из трех частей, и Вивальди также был известен этими композициями. Опера позволила композиторам раскрыть и передать больше настроений и выражений в своей музыке, что повлияло на эмоции слушателя. Хотя эта эпоха позволила увеличить экспрессию и творчество в музыке, она все еще была относительно структурированной и упорядоченной.

Композиторы эпохи барокко также разработали важный аспект современной музыки — гармонии. Вместо того, чтобы просто слышать одну высоту и звук, композиторы эпохи барокко создавали произведения, в которых одновременно использовалось несколько звуков и высот. Гармонии — это то, что мы используем до сих пор, и на самом деле редко можно услышать музыку без гармонии!

Период барокко также положил начало возникновению современного оркестра. Музыкальные инструменты были сгруппированы определенным образом, почти как современные оркестры. В состав барочных ансамблей входил еще один инструмент, который мы сегодня нечасто слышим: клавесин. Клавесин похож на пианино, но звучит как струнный инструмент.

Вот простое упражнение, которое познакомит вас с клавесином и музыкой в ​​стиле барокко.Послушайте концерт для клавесина Баха здесь! Послушайте резкие звуки — это клавесин! Вы слышите, как клавесин является основным инструментом? Какие чувства вызывает музыка? Как вы думаете, почему это так?

Если хотите еще раз послушать, посмотрите «Времена года» известного композитора эпохи барокко Антонио Вивальди. Вы слышите мелодию и гармонию? Вы чувствуете разные эмоции в разных движениях? Какие звуки используются для вызова сезонного настроения?

И вот оно, краткое введение в музыку барокко! Если вам интересно узнать больше, поищите некоторых из упомянутых здесь композиторов и их сочинения!

Период барокко

Период барокко

Фон эпохи барокко
Период времени для барокко: 1600-1750 гг.
Причина дат: 1600 запусков по двум причинам.
1. Время начала опер.
2. Музыкальный язык стал языком тональности и функциональной гармонии. (I-IV-V-I). До 1600 года этот звук не был стандартной частью музыкального языка. Он держится с 1600-1900 — 300 лет! В этом функциональном гармоническом языке гораздо больше ощущения направленности и предсказуемости.
В этом же отношении 1750 год считается концом барокко из-за смерти Иоганна Себастьяна Баха.Его музыка считается кульминацией стиля барокко.
Барокко — термин, который впервые был применен к архитектуре в уничижительной манере. Этот термин в переводе с португальского означает жемчуг необычной формы, искаженный и гротескный. Так люди того времени думали о новом стиле.
Сравнивая в искусстве два ренессанса и барокко, мы замечаем разницу в контрасте барокко. Также неуравновешенность, больше движения в работе, разбивка пространства. Лица статуй в стиле барокко выражают больше эмоций, чрезмерно драматичны и далеки от реализма. В искусстве и музыке стиль барокко наполняет пространство действием и движением.
Представление эмоций и новой научной мысли. Ученые думали, что, поскольку тело состоит в основном из жидкостей, то настроение и т. Д. Можно объяснить дисбалансом жидкостей.
Идея барокко заключается в том, что эти эмоции и настроения могут быть сформулированы и затронуты посредством репрезентации. Это известно как Доктрина привязанностей. Эмоции могут быть представлены, напр. радость и счастье выражены пунктирными ритмами, печаль и скорбь — в нисходящей басовой партии, особенно хроматической.Выражение в стиле барокко отличается от выражения XIX века тем, что оно более отстранено и представлено как бы беспристрастным наблюдателем, тогда как выражение романтиков чисто индивидуально.
Это также известно как эпоха абсолютизма. Увеличение центральной государственной власти и идеи правления монархией. Комментарий Людовика XIV Я — государство. Власть общества больше не в церкви. Монарх обладает абсолютной властью. Вера в то, что монарх — прямой потомок Бога — даже не подумаешь сомневаться.Лучший пример — Людовик XIV из Франции — Версаля. Все это золото! В детстве о нем пренебрегали и всегда выставляли напоказ. Министры были его советниками и не советовали ему ничего, что могло бы сделать его хорошим правителем; то есть история, политика, экономика и т. д. Он изучал искусство, особенно танцы. Любил выставляться на обозрение, и когда ему ставили оперу, он вставал на сцену и танцевал. Композиторы фактически вписывали танцевальную сцену в оперу, чтобы король мог танцевать.
Искусство предназначалось для прославления. Чтобы прославить монарха и произвести впечатление на людей. Две функции заключались в выражении и впечатлении.
Музыка, искусство и т. Д. Барокко наполняет пространство действием и движением. Распад пространства. Вдали от реальности, в сторону драмы, театральности, представления эмоций.
В музыке барокко мы будем рассматривать два разных типа музыки: инструментальную и вокальную. Инструментал в концерте, сонате и фуге; Вокал в опере.

Самый быстрый словарь в мире: Vocabulary.com

  • Эпоха барокко исторический период с 1600 по 1750 год, когда в Европе процветал стиль барокко в искусстве, архитектуре и музыке

  • паркетная мозаика из дерева, используемая для покрытия пола

  • parqueterie деревянная вставка с рисунком, используемая для покрытия пола

  • бармен работник, который смешивает и подает алкогольные напитки в баре

  • Область Брока, моторно-речевой центр в левом полушарии мозга у большинства людей

  • Период барокко исторический период с 1600 по 1750 год, когда в Европе процветал стиль барокко в искусстве, архитектуре и музыке

  • закупщик лицо, которое приобретает или приобретает

  • участник переговоров по условиям сделки

  • барометр прибор для измерения атмосферного давления

  • заявка человек, громко рекламирующий шоу для привлечения клиентов

  • барокко сложный и обширный орнамент в декоративном искусстве и архитектуре, который процветал в Европе в 17 веке

  • барокко, относящееся к искусно украшенному стилю искусства и музыки

  • волнолом защитное сооружение из камня или бетона

  • бригадир генерал-офицер рангом ниже генерал-майора

  • каменщик мастер кирпичный

  • волнолома показывает ласты над водой во время плавания

  • парашютист Человек, который прыгает с самолета с парашютом

  • Берёзовый пивной газированный напиток с экстрактом коры березы

  • .

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *