Епоха бароко: Епоха Бароко

Содержание

Эпоха барокко | История искусства

Охота на бегемота и крокодила. Рубенс

В конце 16-го — начале 17-о века искусство Ренессанса в Западной Европе сменилось новым направлением «барокко». Слово «барокко» в буквальном переводе с итальянского означает «причудливый», «вычурный».

Зародилось барокко в Италии, в конце 16 века. Зрителя поражают яркость чувств, порывистость, страстность этого искусства, его преувеличения и излишества полны неожиданностей. Барокко покорило всю Европу.

Архитектура

Родиной архитектуры барокко стал Рим. Новый стиль утвердился прежде всего в церковном зодчестве, а затем и в архитектуре дворцов. Построенные ранее церкви украшали элементами барокко, в основном — интерьер. Сооружения в стиле барокко ослепляют пышностью, роскошью. Здания богато украшены, часто без меры, разнообразными деталями: это богатый, лепной, с завитками, орнамент, портики, галереи со статуями атлантов и кариатид. В интерьере дворцов сглаживаются углы потолка и стен, они украшаются богатыми росписями, лепниной, позолотой.

Помещения украшаются гобеленами, статуями, зеркалами. Разноцветные полы, хрустальные люстры, изящная мебель на тонких изогнутых ножках дополняют убранство дворцов.

Типичной для архитектурного барокко представляется архитектура Рима в 17 веке.

Фонтан Треви в Риме. Николо Сальви. (1732 -1762)

Мастера барокко порывают со многими художественными традициями Возрождения, с его гармоничными, уравновешенными объемами. Архитекторы барокко включают в целостный архитектурный ансамбль не только отдельные сооружения и площади, но и улицы, которым они придают строго прямолинейные очертания. Начало и конец улиц непременно отмечены какими-либо архитектурными или скульптурными акцентами. Огромное значение приобретают обелиски и фонтаны.

На смену статуе как организующему площадь началу приходит обелиск с его устремленностью ввысь, а еще чаще — фонтан, обильно украшенный скульптурой. Блестящим примером барочных фонтанов были фонтаны Бернини: фонтан Тритона на площади Барберини и фонтаны Четырех рек и Мавра на площади Навона.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. Особого размаха достигла архитектура вилл с их богатым садово-парковым ансамблем. Парк обильно украшают гроты, балюстрады. скульптуры, фонтаны.

Джакомо делла Порта. Церковь Иль Джезу в Риме.Фасад (1573 — 1584)

Скульптура

Неотъемлимой частью архитектуры в эпоху барокко была скульптура. Она украшала фасады и внутренние помещения. Скульптуры барокко были декоративным дополнением к архитектуре зданий. Парки украсились скульптурными группами на античные сюжеты; на площадях появились памятники властителям, многочисленные статуи оживляли фонтаны и лестницы.

Скульптуры барокко беспокойны, порывисты, живописны. Люди — в развевающихся одеяниях или обнаженные — представлены в вычурных, неестественных позах. Пышные драпировки, вычурные жесты, бесчисленные детали придают статуям извилистые и неопределенные очертания.

Музыка Барокко

Эпоха Барокко.

Музыка в период 1600 — 1750 гг.
 

Слово «барокко» пришло из португальского языка и означает «жемчужина неправильной формы», с итальянского языка это слово переводится как странный, причудливый. Какими бы ни были корни этого слова, именно эпоха барокко считается началом распространения западноевропейской цивилизации.

Эпоха Барокко отвергает естественность, считая её невежеством и дикостью. В то время женщина должна была быть нестественно бледной, с вычурной прической, в тугом корсете и с огромной юбкой, а мужчина — в парике, без усов и бороды, напудрен и надушен. 


В эпоху Барокко произошел взрыв новых стилей и технологий в музыке. Дальнейшее ослабление политического контроля католической церкви в Европе, которое началось в эпоху Возрождения, позволило процветать светской музыке.

Вокальная музыка, которая преобладала в эпоху Ренессанса, постепенно вытеснялась инструментальной музыкой. Понимание, что музыкальные инструменты должны объединяться неким стандартным образом, привело к возникновению первых оркестров.

Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху Барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение «контрастировать» или «бороться», но в эпоху Барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки.

Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи Барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать всё мастерство солиста. 

В начале эпохи  Барокко, приблизительно в 1600 году, в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди были написаны первые оперы,  сразу получившие признание и вошедшие в моду. Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии.

Будучи драматической художественной формой, опера поощряла композиторов воплощать новые способы иллюстрировать эмоции и чувства в музыке, фактически, воздействие на эмоции слушателя стало главной целью в произведениях этого периода.

Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла.
В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. «Мессия» Генделя — показательный пример оратории.

В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.

Иоганн Себастьян Бах, величайший гений в истории музыки, жил и творил в эпоху Барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений.

Основным инструментом той эпохи был клавесин — предшественник фортепиано.

Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в эпохе Барокко — концерт, соната, опера.

Барокко была эпохой, когда идеи о том, какой должна быть музыка, обрели свою форму, эти музыкальные формы не потеряли актуальности и на сегодняшний день.

Великие работы эпохи Барокко:

Гендель «Музыка на воде»
Бах «Бранденбургские концерты и Кантаты»
Вивальди «Четыре Сезона»
Пёрселл «Дидона и Эней»
Монтеверди «Орфей»

Смотреть обязательно:
Список композиторов раннего барокко

Список композиторов среднего барокко
 

Список композиторов позднего барокко


 

Бароко, як стиль мистецтва | Естетика у сучасному світі

Бароко один з найвідоміших стилів мистецтва в світі. Він з’явився в Італії 15-16 ст. Від італійського barocco — «химерний», «дивний», «схильний до надмірностей». Цей стиль мистецтва включає в себе досить багато напрямків.

Це і живопис, і музика, і театр, і архітектура, а також мода.

Стиль бароко народився в Італії, але з часом під його вплив потрапила майже вся Європа. Йому притаманне прагнення до величі, пишність, поєднання реальності та ілюзії. Яскраве та емоційне мистецтво бароко створювалося головним чином для служіння релігії. Воно прагнуло приголомшити глядача, спонукати в ньому піднесені почуття, але все таки його вищою метою було служіння християнській вірі.

Найяскравішими представниками живопису і скульптури епохи бароко був такі майстри, як Караваджо, Караччи, Бернинни, П’єтра та Картону, Рубенс, Ван Дейк, Рембрандт, Вермеер, Дієго Веласкес, Нікола Пуссен. Всі вони цікаві по-своєму, у кожного свій стиль і своє бачення світу і мистецтва.

В епоху бароко живопис став більш аристократичним, барвистим і динамічним з незвичайними сюжетами. Бароко підняло мистецтво минулих епох на нову ступінь. Порівняно зі спокійною та врівноваженою епохою Відродження, бароко проникало в душу глядача і вражала її.

Перший великий італійська живописець епохи бароко, Караваджо був запальною людиною, що відображалося в його творах, вони були наповнені драматизмом і експресією. Порівняно з сучасниками, які звикли до використання попередніх начерків, малював прямо з натури. Створена Караваджо система одержала широке поширення ще при житті художника. Багато художників епохи бароко наслідували стилю Караваджо.

Ще одним генієм бароко був Пітер Пауль Рубенс. Він вважається одним з найбільших фламанских живописців, хоча народився в Німеччині, а сформувався як художник в Італії. У полотнах Рубенса проглядаються завершені сюжети, динамізм і драматизм. Ще один представник епохи, найбільший художник Голландії — Рембрандт, він став творцем більш глибокого й виразного мистецтва. У зв’язку з тим, що голландські бюргери хотіли бачити більш стримані картини, що відображали їх побут, голландська живопис стала більш реалістичною і зображала картини повсякденного життя.

Одна з найвідоміших картин Рембрандта «Нічний дозор», полотно вражає своїми розмірами і монументальністю, але не дивлячись на це всі обличчя і деталі промальовані дуже чітко. Цією картиною можна насолодитися в паризькому Луврі. Ще одним яскравим представником бароко був голландець Ян Вермеер. Він любив зображати людей в домашній обстановці. На найвідоміших картинах Вермєєра зображені жінки за домашньою роботою або за музикою в світлих сонячних кімнатах. Роботи живописця були наповнені умиротвореними образами, світлими тонами і сюжетами дивовижною простоти.

Так само як і живопис архітектура епохи бароко прийняла більш складні форми, їй характерний просторовий розмах, велика кількість скульптури на фасадах і в інтер’єрі. Одними з основоположників архітектури бароко в Італії Карло Мадерно і Лоренцо Бернинни. Одним з найбільш гармонійних споруд у стилі бароко є капела Коронаро в церкві Санта-Марія-делла-Витториа в Римі. Капела вражає поєднанням архітектури, живопису і скульптури великого Берніні. Лоренцо Бернинни — геній бароко, найбільший скульптор і архітектор даної епохи. Він був віртуозом в істинному дусі бароко, його твори захоплюють динамізмом, жвавістю і теплотою. За замовленням Папи Римського Бернинни працював над інтер’єрами собору святого Петра в Римі.

В інших країнах Європи стиль бароко в архітектурі теж був яскраво виражений. У Франції — це Версальський палац, Люксембурзька палац, будівля Французької Академії в Парижі; в Бельгії — Гранд-Плас у Брюсселі; у Росії — Петергоф; в Україні — Андріївська церква, Успенський собор Києво-Печерської Лаври; в Австрії — Шенбрун.

Епоха бароко народила багато музикантів і поетів. Сприйняття реального світу в літературі змінилося. Реалістичні описи часто замінювалися алегоріями, метаморфозами. Одними з найпопулярніших стали античні і вигадані сюжети, найпопулярнішими героями стали пастухи і пастушки. Це напрям в мистецтві отримав назву пасторалі. У поезії епохи бароко з’являються такі форми, як сонет, рондо, мадригал. Найвідомішими авторами цієї епохи були: Ф. де Кведо, П.Кальдерон, Ш. Сорель, П.Скаррон, Фюретьер, Р. Гриммельсгаузен , В.Вуатюр, Д.Донн, С. Полоцький, Ф. Прокопович.

Мені особисто дуже імпонує стиль бароко, мені подобається його химерність, легкість, деталі. Може бути він не зовсім реалістичний, переобтяжений деталями, але він легко сприймається очима і вухами, якщо це стосується музики. Мені дуже подобається музика Баха — вона урочиста і сувора, змушує замислитися про сенс життя. Вівальді, Гендаль — це легкість і політ, радість і смуток.

В історії моди епоха бароко теж залишила свій незгладимий слід. Законодавцем моди в цю епоху був двір французького Короля-Сонце Людовіка XIV. Це був парад прикрашених костюмів як у жінок, так і у чоловіків. Мережива, банти, пряжки, підбори, перуки і «мушки» — все було занадто химерно і нарочито. Але багато з того що було придумано в ту епоху дійшло до наших днів і прижилося в сучасному костюмі в дещо зміненій формі. В цей же час з’явилося перукарське мистецтво — «куафюри». Розкіш була присутня скрізь. Люди оточували себе химерними і красивими речами в інтер’єрі: дзеркала в ліпних рамах, гарні меблі, статуетки, розкішний одяг і так далі.

У моєму рідному Києві є Андріївська церква побудована по проекту архітектора Растреллі. Це яскравий приклад архітектури в стилі бароко. Я люблю цю легку і світлу, немов летить над Подолом і Києвом церква. Вона велично підноситься над пагорбами міста і уособлює всю суть українського бароко.

Музика бароко

Стиль західної художньої музики

Музика бароко ( або ) є періодом або стилем західного художня музика складений приблизно з 1600 по 1750 рік. Ця ера послідувала за Епоха музики епохи Відродження, за яким, у свою чергу, пішов Класична епоха, з галантний стиль ознаменування переходу між епохами бароко та класики. Період бароко поділяється на три великі фази: ранню, середню та пізню. Перекриваючись часом, вони зазвичай датуються 1580-1650, 1630-1700 і 1680-1750. Барокова музика становить основну частину «класична музика» канон, і зараз широко вивчається, виконується та слухається. Термін «бароко»походить від португальського слова бароко, що означає «деформована перлина».[2] Серед ключових композиторів епохи бароко є Йоганн Себастьян Бах, Антоніо Вівальді, Джордж Фрідерік Гендель, Клаудіо Монтеверді, Доменіко Скарлатті, Алессандро Скарлатті, Генрі Перселл, Георг Філіпп Телеманн, Жан-Батіст Люллі, Жан-Філіп Рамо, Марк-Антуан Шарпентьє, Арканджело Кореллі, Франсуа Куперен, Джузеппе Тартіні, Генріх Шютц, Дітеріх Букстехуде, і інші.

У період бароко було створено Загальна практика тональність, підхід до написання музики, в якій пісня чи твір написані в певному ключ; цей тип гармонія продовжує широко використовуватися в західній класичній та популярна музика. В епоху бароко очікувалося досягнення професійних музикантів імпровізатори обох сольних мелодійних ліній і супровід частин. Концерти в стилі бароко, як правило, супроводжувались бассо континуо група (що складається з акордових інструменталістів, таких як клавесиністи і лютня гравці, імпровізуючи акорди з фігурний бас частина), тоді як група басових інструментів—скрипка, віолончель, контрабас—Грали басова лінія. Характерною формою бароко була танцювальна сюїта. Хоча твори в танцювальній сюїті були натхнені справжньою танцювальною музикою, танцювальні сюїти були розроблені виключно для прослуховування, а не для супроводжуючих танцюристів.

Протягом періоду композитори експериментували з пошуком більш повного звучання для кожної інструментальної партії (таким чином створюючи оркестр),[2] вніс зміни в музичну нотацію (розвиток фігурних басів як швидкий спосіб нотації хордова прогресія пісні чи твору), і розробив нові інструментальні техніки гри. Музика бароко розширила розмір, діапазон та складність інструментального виконання, а також встановила змішані вокальні / інструментальні форми опера, кантата і ораторія та інструментальні форми соло концерт і соната як музичні жанри. Щільний, складний багатоголосий музика, в якій одночасно виконувались декілька незалежних мелодійних рядків (популярним прикладом цього є фуга), була важливою частиною багатьох барокових хорових та інструментальних творів. Загалом барокова музика була інструментом для висловлювання та спілкування.

Етимологія

Термін «бароко» зазвичай використовується істориками музики для опису широкого кола стилів із широкого географічного регіону, переважно в Європі, складених протягом приблизно 150 років. Хоча довго думалося, що слово як критичний термін вперше застосовується до архітектури, насправді воно з’являється раніше стосовно музики, в анонімному сатиричному огляді прем’єри в жовтні 1733 р. Hippolyte et Aricie, надруковано в Mercure de France у травні 1734 р. Критик мав на увазі, що новиною в цій опері є «du barocque», скаржившись, що в музиці бракує цілісної мелодії, вона була наповнена невпинними дисонансами, постійно міняла клавішу та метр і швидко пробігала кожен композиційний пристрій.

Жан-Жак Руссо, який був музикантом і композитором, а також філософом, написав у 1768 р. в Енциклопедія: «Музика в стилі бароко — це та гармонія, в якій гармонія плутається і завантажена модуляціями та дисонансами. Спів суворий і неприродний, інтонація важка, а рух обмежений. Здається, цей термін походить від слова» бароко «, що використовується логіками . «[4] Руссо мав на увазі філософський термін бароко, що використовується з 13 століття для опису різновиду складних і, для деяких, надмірно складних академічних аргументів.[5][6]

Систематичне застосування істориками терміну «бароко» до музики цього періоду є відносно недавнім розвитком. У 1919 р. Curt Sachs став першим, хто застосував п’ять характеристик Генріх ФельфлінТеорія бароко Росії систематично під музику. Критики поспішили поставити під сумнів спробу перенести категорії Вьолффліна на музику, однак у другій чверті 20 століття незалежні спроби були зроблені Манфред Букофцер (у Німеччині та після його імміграції в Америці) та Сюзанни Клеркс-Лежен (у Бельгії) використовувати автономний технічний аналіз, а не порівняльні абстракції, щоб уникнути адаптації теорій, заснованих на пластичне мистецтво і література до музики. Усі ці зусилля призвели до помітних розбіжностей щодо часових меж періоду, особливо щодо того, коли він розпочався. В англійській мові термін придбав валюту лише в 1940-х роках, у працях Букофзера і Пол Генрі Ленг.

Ще в 1960 р. В академічних колах, особливо у Франції та Британії, все ще існувала суперечка щодо того, чи має сенс об’єднувати таку різноманітну музику, як музика Якопо Пері, Доменіко Скарлатті, і Йоганн Себастьян Бах під єдиною рубрикою. Тим не менше, цей термін став широко вживаним і прийнятим для цього широкого кола музики. Може бути корисно відрізнити бароко як від попереднього (Ренесанс), так і від наступного (Класичний) періоди музичної історії.

Історія

Протягом епохи бароко нові події в музиці зародилися в Італії, після чого пройшло 20 років, перш ніж вони були широко прийняті в решті країн Західна класична музика практика. Наприклад, італійські композитори перейшли на галантний стиль близько 1730 р., тоді як німецькі композитори, такі як Йоганн Себастьян Бах в основному продовжував писати в стилі бароко до 1750 року.

Музика раннього бароко (1580–1650)

Флорентійська Камерата була група гуманістів, музикантів, поетів та інтелектуалів у пізньому Відродженні Флоренції, яка зібралася під патронатом графа Джованні де ‘Барді обговорювати та направляти тенденції у мистецтві, особливо музиці та драматургія. Стосовно музики, вони спиралися на свої ідеали на сприйнятті класичного (особливо давньогрецька) музична драма, що цінувала дискурс та орацію. Відповідно, вони відкинули використання сучасниками багатоголосся (кілька, незалежних мелодійних рядків) та інструментальної музики, і обговорювали такі давньогрецькі музичні пристрої, як моноді, який складався з сольного співу в супроводі а китара (старовинний струнний струнний інструмент). Рання реалізація цих ідей, в т.ч. Якопо Пері’s Дафне і L’Euridice, ознаменував початок опери, що стало каталізатором для музики бароко.[13]

Щодо теорії музики, то більш широке використання фігурний бас (також відомий як ретельний бас) представляє значення, що розвивається гармонія як лінійні основи поліфонії. Гармонія — це кінцевий результат Росії контрапункт, а фігурний бас — це візуальне зображення тих гармоній, які зазвичай використовуються в музичному виконанні. З фігурним басом, цифри, випадкові ситуації або символи були розміщені над басова лінія що читав клавішний інструмент гравці, такі як клавесин гравці або трубні органісти (або лютеністи). Цифри, випадкові ситуації або символи, що вказують гравцеві клавіатури, які інтервали слід відтворювати над кожною басовою нотою. Клавіатурник імпровізувати a акордове озвучення для кожної басової ноти. Композитори почали стосуватися себе гармонічні прогресії, а також найняв тритон, сприймається як нестабільний інтервал, для створення дисонансу (він був використаний у домінуючий сьомий акорд і зменшений акорд). Інтерес до гармонії також існував у деяких композиторів в епоху Відродження, зокрема Карло Джезуальдо; Однак використання гармонії, спрямованої на тональність (орієнтація на мюзикл ключ що стає «домашньою нотою» твору), а не модальність, знаменує собою перехід від епохи Відродження до періоду бароко. Це призвело до думки, що певні послідовності акордів, а не лише ноти, можуть дати відчуття закриття в кінці шматка—Одна з фундаментальних ідей, яка стала відомою як тональність.[потрібне цитування]

Включаючи ці нові аспекти композиції, Клаудіо Монтеверді сприяв переходу від музики епохи Відродження до стилю бароко. Він розробив два окремі стилі композиції — спадщину поліфонії Відродження (prima pratica) та нового бассо континуо техніка бароко (seconda pratica). За басо континуо, невеличка група музикантів грала б басова лінія та акорди, які утворювали акомпанемент для а мелодія. Група бассо континуо, як правило, використовує одного або декількох програвачів клавіатури та a лютня гравець, який грав би на басовій лінії та імпровізував акорди та кілька басових інструментів (наприклад, басова скрипка, віолончель, контрабас), який би грав на басовій лінії. З написанням опер L’Orfeo і L’incoronazione di Poppea серед інших, Монтеверді приділяв значну увагу цьому новому жанру.[20] Цей венеціанський стиль був зручно доставлений до Німеччини Генріх Шютц, різноманітний стиль якого також еволюціонував у наступний період.

Ідіоматичні інструментальні текстури ставали все більш помітними. Зокрема, стиль люте— нерегулярне і непередбачуване розбиття акордових прогресій, на відміну від регулярного малювання ламаних акордів — з початку 20 століття називається стиль brisé, був створений як послідовна текстура у французькій музиці Роберт Баллард, у своїх лютневих книгах 1611 і 1614 рр., і по Еннемонд Готьє. Пізніше ця ідіоматична фігура лютні була перенесена на клавесин, наприклад, під клавішну музику Луї Куперен і Жан-Анрі Д’Ангельберт, і продовжував залишатися важливим впливом на клавішну музику протягом 18 — початку 19 століть (наприклад, у музиці Йоганн Себастьян Бах і Фредерік Шопен).

Музика середнього бароко (1630–1700)

Підйом централізованого суду є однією з економічних та політичних особливостей того, що часто називають Епоха абсолютизму, персоніфікований Людовик XIV Франції. Стиль палацу та придворна система звичок та мистецтв, яку він сприяв, стали зразком для решти Європи. Реалії зростаючого патронату церкви та держави створили попит на організовану публічну музику, оскільки зростаюча доступність інструментів створювала попит на камерна музика, що є музикою для невеликого ансамблю інструменталістів.

Одним з найвидатніших прикладів композитора у придворному стилі є Жан-Батіст Люллі. Він придбав у монархії патенти, щоб бути єдиним композитором опер для французького короля і не допускати інших до постановки опер. Він закінчив 15 ліричних трагедій і залишився незавершеним Ахілле та Поліксен. Люллі був раннім прикладом провідник; він бив час великим штатом, щоб тримати його ансамблі разом.

У музичному плані він не встановив домінуючої струнної норми для оркестрів, яка успадкувала від італійської опери, і характерно Французька п’ятичастинна диспозиція (скрипки, альти — у hautes-contre, розмірах хвостів і квінтів — і басові скрипки) використовувався в балеті з часів Людовіка XIII. Однак він представив цей ансамбль ліричному театру, причому верхні частини часто подвоювали магнітофони, флейти та гобої, а бас — фаготи. Труби і чайники часто додавались для героїчних сцен.

Період середнього бароко в Італії визначається появою вокальних стилів Росії кантата, ораторія, і опера протягом 1630-х років, а також нова концепція мелодії та гармонії, яка підняла статус музики до рівня, рівного словам, які раніше вважалися видатними. Квіткова, колоратурна монодія раннього бароко поступилася місцем простішому, відшліфованому мелодійному стилю. Ці мелодії були побудовані на основі коротких ідентифікованих ідентифікатором, часто розроблених на основі стилізованих танцювальних моделей, вироблених із сарабанда або courante. Гармонії теж можуть бути простішими, ніж у монодії раннього бароко, щоб легше показати вираз на струні, а на півмісяцях та зменшеннях — на довших нотах. Супровідні басові лінії були більш інтегровані з мелодією, створюючи контрапунтальну еквівалентність партій, що пізніше призвело до пристрою початкового басового очікування мелодії арії. Це гармонічне спрощення також призвело до нового формального пристрою диференціації речитатив (більш розмовна частина опери) і арія (частина опери, що використовувала співані мелодії). Найважливішими новаторами цього стилю були римляни Луїджі Россі і Джакомо Каріссімі, які в першу чергу були композиторами кантат та ораторій відповідно, та венеціанськими Франческо Каваллі, який в основному був оперним композитором. Пізніше важливими практиками цього стилю є Антоніо Честі, Джованні Легренці, і Алессандро Страделла.

Арканджело Кореллі його пам’ятають як впливовий завдяки досягненням з іншого боку музичної техніки — як скрипаль, який організовував техніку та педагогіку скрипки — і в суто інструментальній музиці, особливо за його пропаганду та розвиток концерт гросо. У той час, як Люллі був прихилений до суду, Кореллі був одним із перших композиторів, які широко публікували свої твори та виконували його музику по всій Європі. Як і стилізація та організація опери Люллі, концерт-гросо побудований на сильних контрастах — розділи чергуються між тими, які грає повний оркестр, і тими, що їх виконує менша група. Динаміка була «терасовою», тобто з різким переходом від гучного до м’якого і назад. Швидкі та повільні ділянки були зіставлені один проти одного. Пронумерований серед його учнів є Антоніо Вівальді, який згодом склав сотні творів, заснованих на принципах Кореллі тріо-сонати і концерти.

На відміну від цих композиторів, Дітеріх Букстехуде не був придворною істотою, натомість був церковним музикантом, обіймаючи посади органіста та Веркмейстера в Маріенкірхе в Любеку. Його обов’язки як Веркмейстера включали роботу секретаря, скарбника та керівника бізнесу церкви, тоді як його посада органіста включала участь у всіх основних послугах, іноді у співпраці з іншими інструменталістами або вокалістами, які також платили церкві. Повністю поза офіційними церковними обов’язками, він організував та керував концертною серією, відомою як Abendmusiken, який включав вистави сакральних драматичних творів, які сучасники розглядали як еквівалент опер.

Франція:

Музика пізнього бароко (1680–1750)

Робота Джорджа Фрідеріка Генделя, Йоганна Себастьяна Баха та їх сучасників, включаючи Доменіко Скарлатті, Антоніо Вівальді, Жан-Філіп Рамо, Георг Філіп Телеман та інші просунули епоху бароко до апогею.

  • a.k.a. високе бароко
Початок

Італія:

Франція:

Ширше прийняття

Італія:

Поширення:

Франція:

Центральна Європа:

Перехід до класичної епохи

Музика Галанта:

Старші сини Баха і учнів:

Мангеймська школа:

Графік роботи композиторів

Інструменти

Струни

Інструменти бароко, включаючи a циттерн, ладований п’яти- або шестиструнний віолончель, скрипка та дві лютні

Дерев’яні вітри

Латунь

Клавіатури

Перкусія

Стилі та форми

Танцювальна сюїта

Характеристикою форми бароко було танцювальна сюїта. Дещо танцювальні сюїти Баха називаються partitas, хоча цей термін також використовується для інших колекцій творів. Хоча твори в танцювальній сюїті були натхнені справжньою танцювальною музикою, танцювальні сюїти були розроблені для прослуховування, а не для супроводжуючих танцюристів. Композитори використовували різноманітні танцювальні рухи у своїх танцювальних сюїтах. Танцювальна сюїта часто складається з наступного рухів:

  • Увертюра — Сюїта в стилі бароко часто починалася з французької увертюри («Ouverture» по-французьки), повільного руху, що супроводжувалася низкою танців різних типів, головним чином наступних чотирьох:
  • Аллеманде — Часто перший танець інструментального люкс, Аллеманда був дуже популярним танцем, що походив із німецької мови Відродження епохи. Аллеманду грав на помірному рівні темп і міг почати з будь-якого удару бару.
  • Куранте — Другий танець — це курант, жвавий, французький танець потрійний метр. Італійська версія називається corrente.[потрібне цитування]
  • Сарабанда — Сарабанда, іспанський танець, є третім із чотирьох основних танців, і є одним із найповільніших із танців бароко. Він також знаходиться в потрійному метрі і може починатися з будь-якого удару штанги, хоча акцент робиться на другому такті, створюючи характерний «зупинку» або ямбічний ритм сарабанди.
  • Gigue — Концерт — це бадьорий та жвавий бароковий танець у складному метрі, як правило, завершальний рух інструментальної сюїти, і четвертий із основних його видів танцю. Концерт може розпочатися з будь-якого удару бару, і його легко впізнати за ритмічним відчуттям. Концерт виник в Британські острови. Його аналог в фольклор є джиг.

Ці чотири танцювальні типи (алеманда, куранта, сарабанда та гіга) складають більшість сюїт 17 століття; пізніше сюїти інтерполюють один або кілька додаткових танців між сарабандою та гігою:

  • Гавот — Гавоту можна ідентифікувати за різними ознаками; це в 4
    4 час і завжди починається з третього удару штанги, хоча це може звучати як перший такт у деяких випадках, оскільки перший та третій удари — це сильні удари в чотири рази. Гавота грається в помірному темпі, хоча в деяких випадках вона може відтворюватися швидше.[потрібне цитування]
  • Бурре — Бурре схоже на гавоту, як воно є 2
    2 час, хоча він починається з другої половини останнього удару штанги, створюючи інше відчуття танцю. Бурре зазвичай звучить у помірному темпі, хоча для деяких композиторів, таких як Гендель, його можна взяти набагато швидший темп.[2]
  • Менует — Менует — це, мабуть, найвідоміший з барокових танців у потрійному метрі. Це може початися з будь-якого удару штанги. У деяких сюїтах можуть бути «Менует I» і «II», що граються по черзі, повторюючи «Менует I».[потрібне цитування]
  • Пройдено — Пассапієт — це швидкий танець у бінарній формі та потрійний метр, що виник як придворний танець у Бретань. Приклади можна знайти в пізніших сюїтах, таких як Бах та Гендель.[потрібне цитування]
  • Ригодон — Ригодон — це жвавий французький танець у двометровому вимірі, схожий на бурре, але ритмічно простіший. Вона виникла як сім’я близькоспоріднених південно-французьких народних танців, традиційно пов’язаних з провінціями Ваварі, Лангедок, Дофіне, і Прованс.

Крім того, є безліч інших танцювальних форм, а також інші твори, які можуть бути включені в сюїту, такі як Полонез, Луре, Щерцо, Повітрятощо

Інші особливості

  • Прелюдія — сюїта може бути започаткована прелюдією, повільним твором, написаним в імпровізаційному стилі. Деякі прелюдії в стилі бароко не були повністю виписані; натомість була вказана послідовність акордів з розрахунком на те, що інструменталіст зможе імпровізувати мелодійну партію, використовуючи вказані гармонічні рамки. Прелюдія не базувалася на певному типі танцю.
  • Антре — Іноді закуска складається як частина сюїти; але там суто інструментальна музика, і жоден танець не виконується. Це вступ, маршовий твір, який грали під час входу до танцювальної групи або грали перед балетом. Зазвичай в 4
    4 час. Це пов’язано з італійською „інтрадою”.
  • Бассо континуо — своєрідний суцільний супровід, позначений новою системою нотного позначення, фігурний бас, як правило, для одного або декількох підтримуючих басових інструментів (наприклад, віолончель) та один або кілька акордових інструментів (наприклад, клавішні інструменти, такі як клавесин, трубний орган або лютня)
  • концерт (сольний твір з оркестровим супроводом) та концерт гросо
  • Моноді — наріст пісні[потрібне цитування]
  • Гомофонія — музика з одним мелодійним голосом та ритмічно подібним (і підпорядкованим) акордовим супроводом (це та монодія протиставляються типовому Відродженню текстури, багатоголосся)
  • Драматичні музичні форми, такі як опера, драмма на музику
  • Комбіновані інструментально-вокальні форми, такі як ораторія і кантата, обидва з яких використовували співаків та оркестр
  • Нові інструментальні прийоми, наприклад тремоло і піццако
  • аріа капо «насолоджувався впевненістю».[потрібне цитування]
  • риторнелло арія — неодноразові короткі інструментальні переривання голосових пасажів.
  • концерт стиль — контраст у звучанні між групами інструментів.
  • Обширний орнаментація, який зазвичай імпровізували співаки та інструменталісти (наприклад, трелі, мордентитощо)

Жанри

Вокальний

Інструментальний

Інший

Примітки

Список літератури

  • Букофцер, Манфред Ф. (1947). Музика в епоху бароко: від Монтеверді до Баха. Нью-Йорк: E. W. Norton & Company, Inc. ISBN 0-393-09745-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Букофцер, Манфред Ф. (2013). Музика в епоху бароко — від Монтеверді до Баха (цифрове видання). Читати книги. ISBN 9781447496786.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Нори, Дональде (1991). Гендель: Месія. Кембридж, Нью-Йорк і Мельбурн: Cambridge University Press. ISBN 0-521-37620-3.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Картер, Тім; Джеффрі Жу (2001). «Монтеверді [Монтеверде], Клаудіо». Словник музики та музикантів New Grove (друге видання).
  • Картер, Тім; Джеффрі Жу (2011). «Монтеверді [Монтеверде], Клаудіо». Grove Music Online. дої:10.1093 / gmo / 9781561592630.article.44352.
  • Картер, Тім та Джеффрі Жу (2013).[потрібне повне цитування].
  • Карвер, Ентоні Ф. (2013). «Концерт». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Кларк, Х’ю Арчібальд (1898). Система гармонії. Філадельфія: Т. Прессер. ISBN 978-1-248-37946-2.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Чуа, Даніель К. Л. (2001). «Вінченцо Галілей, сучасність і розділ природи». У Clark, Suzannah (ed.). Теорія музики та природний порядок від епохи Відродження до початку ХХ століття. ISBN 9780521771917.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Донінгтон, Роберт (1974). Посібник виконавця з музики бароко. Нью-Йорк: Сини Скрібнера. ISBN 978-0-571-09797-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Дюрр, Альфред (1954). «Йоганн Готліб Гольдберг і тріозонат BWV 1037» [Йоганн Готліб Гольдберг та тріо-соната BWV 1037]. В Дюрр, Альфред; Нойман, Вернер (ред.). Бах-Ярбух 1953 [Щорічник Баха за 1953 рік]. Бах-Ярбух (німецькою мовою). 40. Neue Bachgesellschaft. Берлін: Evangelische Verlagsanstalt [де]. С. 51–80. дої:10.13141 / bjb.v1953.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Естрелла, Еспі (2012). «Сюїта: барокова танцювальна сюїта». About.com.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Фуллер, Девід (2001). «Шамбоньєр, Чемпіон Жака, Сьєр де». Словник музики та музикантів New Grove (друге видання). Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Фуллер, Девід; Густафсон, Брюс (2001). «Куперен, Луїс». Словник музики та музикантів New Grove (друге видання). Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Фукс, Йоганн Йозеф; Манн, Альфред; Едмундс, Джон (1965). Вивчення контрапункту з книги «Ідея мистецтва» Йогана Йозефа Фукса «Gradus ad parnassum». Нью-Йорк: W.W. Norton & Co. ISBN 0-393-00277-2. OCLC 494781.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Затірка, Дональд Дж .; Клод В. Паліска (1996). Історія західної музики. Нью-Йорк: В. В. Нортон.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Хаагманс, Дірк (1916). Ваги, інтервали, гармонія. Університет Мічигану: J. Fischer & Bro. ISBN 978-1-4370-6202-1.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Гієр, Брайан (2013). «Гомофонія». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Ла-Горсе, Жером де (2001). «Жан-Батіст Люллі». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Ледбеттер, Девід (2001). «Стиль brisé (фр.:» Розбитий стиль «)». Словник музики та музикантів New Grove (друге видання). Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Ледбеттер, Девід; Гарріс, К. Девід (2014). Д’Ангельберт, Жан Генрі. Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Літл, Мередіт Елліс (2001a). «Пройдено». Словник музики та музикантів New Grove. Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Літл, Мередіт Елліс (2001b). «Ригодон». Словник музики та музикантів New Grove. Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Маккей, Елісон; Крейг Романець (2007). «Бароковий путівник» (PDF). Тафелмусік. Архів від Оригінальний (PDF) 7 грудня 2016 року. Отримано 27 липня 2012.
  • Нортон, Річард (1984). Тональність у західній культурі: критична та історична перспектива. Університетський парк: Пенсильванська державна університетська преса. ISBN 978-0-271-00359-7.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Нуті, Джулія (2007). Виконання італійського бассо континуо: стиль у супроводі клавішних у XVII-XVIII століттях. Олдершот, Англія: видавництво Ешгейт. ISBN 978-0-7546-0567-6.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Паліска, Клод В. (1989). «‘Бароко як музично-критичний термін «. У Джорджії Коварт (ред.). Французька музична думка, 1600–1800. Енн Арбор: UMI Research Press. С. 7–22. ISBN 9780835718820.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Паліска, Клод В. (2001). «Бароко». Grove Music Online (8-е вид.). Преса Оксфордського університету.
  • Прайс, Кертіс (2013). «Персел, Генрі». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Роллін, Монік (2001a). «Готьє [Готьє, Голтьє], Еннемонд». Словник музики та музикантів New Grove (друге видання). Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Роллін, Монік (2001b). «Готьє [Готьє, Голтьє], Денис». Словник музики та музикантів New Grove (друге видання). Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Роллін, Монік; Ледбеттер, Девід (2001). «Сім’я Баллардів: (3) Роберт Баллард (ii)». Словник музики та музикантів New Grove (друге видання). Лондон: видавництво Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Роузман, Рональд (1975). «Орнаменти в стилі бароко». Журнал Міжнародного товариства подвійних очеретів 3. Архів з Оригінальний 20 квітня 2008 року.CS1 maint: ref = harv (посилання) Передруковано у Muse Baroque: La magazine de la musique baroque, н.д.
  • Сакс, Курт (1919). «Барокмузик». Jahrbuch der Musikbibliothek Peters. 26. стор.&#91, потрібна сторінка&#93, .CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Сейді, Стенлі (2002). «Епоха бароко». Оксфордський супутник музиці. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Саді, Джулі Енн (2013). «Людовик XIV, король Франції». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Шотвелл, Клей (2002). «MUSI 4350/4360: Музика епохи бароко: загальна характеристика бароко». Августа, Джорджія: Державний університет Августи. Архів від Оригінальний 30 квітня 2012 року. Отримано 25 серпня 2012.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Снайдер, Керала Дж. (2001). «Букстехуде, Дітеріх». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Талбот, Майкл (2001a). «Кореллі, Арканджело». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Талбот, Майкл (2001b). «Ріторнелло». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.CS1 maint: ref = harv (посилання)(потрібна передплата)
  • Уейнрайт, Джонатан; Пітер Холман (2005). Від епохи Відродження до бароко: Зміна інструментів та інструментальної музики у ХVІІ столітті. Олдершот, Англія: видавництво Ешгейт. ISBN 978-0-7546-0403-7.
  • Валехінський, Девід (2007). Книга знань: усе, що потрібно знати, щоб обійтись у 21 столітті. Вашингтон, округ Колумбія: National Geographic Books. ISBN 978-1-4262-0124-0.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Уоткінс, Гленн (1991). Гезуальдо: Людина та його музика. Оксфорд: Преса Оксфордського університету. ISBN 978-0-19-816197-4.CS1 maint: ref = harv (посилання)
  • Білий, Гаррі; Томас Хохраднер (2013). «Фукс, Йоганн Йозеф». Grove Music Online. Преса Оксфордського університету.
  • Йорк, Френсіс Л. (1909). Спрощена гармонія: практичний вступ до композиції. Бостон: Олівер Дітсон і компанія. ISBN 978-1-176-33956-9.CS1 maint: ref = harv (посилання)

Подальше читання

  • Крістенсен, Томас-стріт і Пітер Дежанс. До аспектів тональності теорії музики бароко. Левен: Університетська преса Левена, 2007. ISBN 978-90-5867-587-3
  • Сайр, Мері. Нариси виступу оперної музики бароко та камерної музики у Франції та Англії. Варіорум зібрав серію досліджень, 899. Aldershot, Hants, England: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
  • Форман, Едвард. Метод Bel Canto, або як правильно співати італійську музику бароко, спираючись на першоджерела. Шедеври двадцятого століття зі співу, т. 12. Міннеаполіс, Міннес: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
  • Хебсон, Одрі (2012). «Танець та його значення в сюїтах Баха для сольної віолончелі», Музичні пропозиції: Вип. 1: № 2, стаття 2. Доступно за адресою http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
  • Хоффер, Бренді (2012). «Священна німецька музика в тридцятилітній війні», Музичні підношення: вип. 3: № 1, стаття 1. Доступно за адресою http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Шуберт, Пітер та Крістоф Нейдхофер. Контрапункт бароко. Верхня річка Седдл, Нью-Джерсі: Пірсон Прентис Холл, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
  • Шуленберг, Давид. Музика бароко. Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
  • Стаффер, Джордж Б. Світ музики бароко Нові перспективи. Блумінгтон: Університетська преса Індіани, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
  • Струнк, Олівер. Джерело читання в історії музики. Від класичної античності до епохи романтизму. Лондон: Faber & Faber, 1952.

зовнішні посилання

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 109 197

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм. Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна
Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.
2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера  и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708). Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение. Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены  таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.

(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.


Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

фото, мода 17 века в современности

Время чтения: 5 минут

 

 

Своё начало стиль барокко в одежде берёт в XVI-XVII веках в таких итальянских городках как Рим, Венеция, Флоренция. В переводе с итальянского барокко означает “причудливый”, “странный”, “своеобразный” и “жемчужина неправильно формы” в переводе с португальского. В XVII-XVIII барокко как характеристика культуры Европы, центром которой была Италия.

 

Роскошному и аристократичному стилю барокко стали подвластны архитектура, музыка, литература, живопись, ну и конечно же одежда, для которой были также характерны причудливость, театральность, некое излишество.

Одежда в стиле барокко

Одежда 17 век

Для пошива костюма в стиле барокко использовались исключительно дорогие и роскошные ткани, такие как шёлк, бархат, атлас, тафта. Цветовая гамма наряда более сдержана это чёрный, бежевый, красный, жёлтый, лиловый, серый, коричневый цвета.

Крой одежды должен подчеркнуть все прелести женской фигуры — пышные грудь и бёдра, тонкую талию. Женский силуэт довольно сложный — это платья с двухслойными напыщенными юбками, открытый верх. Юбки очень хорошо держали объём благодаря китовому каркасу. Как правило, верхний слой наряда был более тёмного оттенка, чем нижний, расходился от талии книзу и заканчивался шлейфом.

Роскошь в одежде средневековья

Верх платья подчёркивал грудь, плечи были открытыми. Обязательным был корсет, который делал талию ещё тоньше. Широко применялись различные банты и кружева.

Обувь была под стиль наряда, поэтому также украшалась лентами, бантами, пряжками. И женская и мужская обувь обязательно должна была быть на каблуке.

Для мужчин были характерными чулки, короткие штаны длиной до колен, рубашки с кружевом, жабо.

Образу в стиле барокко были свойственны неестественная бледнота лица, поэтому наличие пудры на лице было неотъемлемой частью образа. Особое внимание уделялось причёске. Поначалу это были просто аккуратно зачесанные назад волосы с небольшими локонами. Немного позже причёску стали дополнять различными предметами — перьями, бантами, цветами. Мужчины носили длинные парики.

Эпохальную роль играли массивные украшения их драгоценных камней, весьма популярными были украшения из жемчуга. Не менее важной деталью были и такие аксессуары как веер, муфта, зонт, трость и конечно же перчатки.

Барокко и современность

Итальянские дома моды взяли на вооружение причуды XVII-XVIII веков, и пусть это не столь вычурный стиль одежды, как несколько столетий назад, но не менее роскошный и аристократичный.

Актуальные тенденции сезона осень-зима в стиле барокко предлагают нам вариации блузок, платьев и юбок, из дорогостоящего материала бархата, шёлка, тафты. Модельный ряд представлен элегантными костюмами из шикарной парчи, с меховой отделкой. Роскошные платья из тяжёлых тканей с пышными юбками, цветочный принт с кружевными вставками, золотая вышивка. Особенное предпочтение отдаётся чёрному бархату.

К аксессуарам можно причислить обувь из бархата на каблуке, украшенную лентами, вышивкой, цветами, сумочки и клатчи с задекорированы бисером и вышивкой, украшения с крупными и яркими камнями, или жемчуг.

 

   

© 2021 textiletrend.ru

Интерпретация народной традиции в искусстве украинского барокко Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

Ученые записки Таврического национального университета имени В.И. Вернадского

Серия «Философия. Культурология. Политология. Социология». Том 27 (66), 2014. № 1, С. 125-130.

УДК 008:7.034.7(477)

ИНТЕРПРЕТАЦИЯ НАРОДНОЙ ТРАДИЦИИ В ИСКУССТВЕ УКРАИНСКОГО БАРОККО Курьянова И.А., Кузячкина М.В.

Таврический национальный университет имени В. И. Вернадского, Симферополь, Украина E-mail: [email protected]

Статья посвящена осмыслению традиционной эстетики народного искусства в украинском барокко XVII — XVIII веков, исследованию многогранных и многообразных проявлений в нем национального духа украинского народа.

Ключевые слова: традиция, украинское барокко, литература, музыка, архитектура, живопись.

Проблема национальной неповторимости и развития традиций — одна из наиболее сложных и актуальных проблем культуры эпохи становления украинской государственности. Это важнейшая проблема современной украинской гуманитарной науки, поскольку тесно связана с идеей сохранения культурного наследия как залога прогресса страны.

Эпоха барокко по праву считается золотым веком украинской культуры. Она не только показала специфику украино-европейских культурных связей своей эпохи, но и, пропитавшись духом национального возрождения, отразила ментальные образы исконного украинского духа, сформировала национальную культурную традицию. К этой культурной эпохе не ослабевает интерес в украинской и мировой науке (А. Макаров, Г. Логвин, В. Шейко, А. Стражный и другие).

Цель данной статьи: проследить, как сложилось неповторимо прекрасное, своеобразное и глубоко национальное искусство украинского барокко, сформировавшего не только пространство украинского искусства XVII — XVIII веков, но и, благодаря интерпретации традиций, ставшего константной составляющей всей последующей украинской культуры.

Эпоха Возрождения внесла большой вклад в развитие европейского общества. Произошел прорыв в искусстве, изменилось мышление людей. Однако возрожденческий антропоцентризм и наивная вера в гармонию мира не могли отвечать духовным запросам человека Нового времени. «Сложность и противоречивость эпохи интенсивного образования абсолютистских национальных государств в Европе определили характер новой культуры, которую принято в истории искусства связывать со стилем барокко» [2 стр. 102].

Родина барокко Италия XVI века. В это время политическая обстановка в стране была сложной. Экономически слабая, раздробленная на мелкие государства страна вела изнурительные войны с более сильными захватчиками, что и наложило свой отпечаток на итальянскую культуру, отразившую трагическое мироощущение человека растворенного в многообразии подчас враждебного ему мира.

XVII век в Европе был веком перемен. Великие географические открытия, начатые еще в эпоху Возрождения, за ними — колонизация Нового Света, затем

» •

победа гелиоцентрической космогонии, теории бесконечности миров должны были потрясти сознание людей, изменить их мировоззрение. Привычный мир рушился, а это всегда вызывает беспокойство. Именно это беспокойство, противоречивость и отразило в себе искусство барокко.

Герои этого искусства — борцы и мученики. На смену четким и ясным линиям Ренессанса приходит искусство, построенное на контрастах, асимметрии, тяготеющее к грандиозности, перегруженности декоративными мотивами. Раскол в Церкви привел к тому, что пошатнулась её роль духовной опоры в жизни человека. Европейское барокко становится оплотом католической реакции, пытаясь придать внешнюю пышность пошатнувшемуся строю, прославляя и пропагандируя могущество власти, знати и церкви.

«Отражая сложную атмосферу времени, барокко соединило в себе, казалось бы, несоединимые элементы. Черты мистики, фантастичности, иррациональности, повышенной экспрессии удивительно уживаются в нем с трезвостью и приземленностью, с истинно бюргерской деловитостью» — считает историк искусства Т. Ильина. «При всей своей противоречивости барокко вместе с тем имеет вполне выраженную систему изобразительных средств, определенные специфические черты. В нем преобладает в религиозной тематике интерес к сюжетам чудес и мученичества, где смогли ярко проявиться излюбленные для этого стиля гиперболичность, аффектированность, патетика. Последнее, впрочем, не менее характерно и для светских сюжетов» [2 стр. 102].

Украина в XVII веке также переживала непростой период в своей истории. «Новый и важный этап в развитии украинского искусства начался со второй половины XVII века. Национально-освободительная война 1648-1654 годов против польско-шляхетской агрессии привела к отделению левобережного Приднепровья и Киева от Польши и воссоединению его с Россией. Украина, войдя в состав Русского государства, включилась в складывающийся всероссийский рынок. Экономика Левобережья далеко опережает западные земли Украины, находившиеся под властью Польши. Усиленное развитие феодального хозяйства казацкой старшины и монастырей дало им возможность накопить громадные богатства, осуществлять широкие строительные планы и финансировать большие живописные и декоративные работы» [4 стр. 177].

Эпоха барокко в Украине была весьма драматичной. Национально-освободительное движение сменяется периодом разрухи. Государственное объединение под руководством Мазепы закончилось трагедией в Батурине и уничтожением большей части казачества. А в завершение Украина пережила ликвидацию гетманства и уничтожение Запорожской Сечи. «I все ж таки епоха збертае свш герошний пафос та патетику вiри у звитяжнють кшцевих зусиль народного духу. Цей пафос i втшюе украшське бароко як породження часу, який, поряд зi сво1м драматизмом, антитетичнютю, буремнютю, живить культуру духом нездоланних надш на здатнють протистояння ворожим силам, можливють !х переборення.зь традицп Ки1всько1 Русц а певнi ще1 Реформацп засвоювались у контекстi iдеалiв нацюнально-визвольно1 боротьби з 11 геро!кою та демократизмом. Саме демократичш тенденци й пов’язують в Украш певнi риси бароко (зокрема, його демократичнють) з особливостями народного мистецтва, а не вiзерунковiстю рафшованого смаку придворного життя» [3 стр. 68].

В XVII веке литература Украины была многообразной и разножанровой. С одной стороны велась религиозная полемика, что порождало ораторско-проповедническую прозу, с другой — развивалась светская литература. Казацкая освободительная борьба, породили особый пласт национальной литературы, преисполненной патетики и патриотизма. Казацким деяниям были посвящены различные литературные произведения. Об этом говорят сами названия: «Хрошка польська, литовська, жмудська та вше! РусЬ> М. Стрийковского, поэма «Про Острозьку вшну тд П’яткою» С. Пекалида, и др. Но наибольшее распространение получила барочная поэзия, средоточием которой была Киево-Могилянская академия.фолопчна, шляхетська (здебшьшого польсько-украшська), мщанська. Було створено велику кшьюсть культових творiв: псалмiв, канпв, поезiй на теми Священного Писання — а водночас i пародш на духовний вiрш, i травестш» [1].

Таким образом в украинской литературе нашла отображение и общественно-политическая ситуация в стране и природный гуманизм народа, нетерпимость ко злу во всех его проявлениях. Литературные произведения, погружая нас во внутренний мир человека той эпохи, помогая понять мысли и поступки барочных героев, их мечты и устремления, высвечивают для нас основные качества украинского менталитета: любовь к красоте, к разнообразным и сложным формам прекрасного, гордость за свою культуру, традицию, страну, патриотизм.

Барочная философия в немалой степени повлияла на творчество выдающегося украинского писателя и философа Григория Сковороды. По сути, Г. Сковорода возобновил неоплатонизм в украинской духовной культуре, стал учредителем украинской классической философии, основав новое научное направление -философию сердца, которая будет основательно разработана в XIX в. В себе, считал Сковорода, нужно искать «истинного человека», Бога. «Познай себя», — призвал он вслед за Сократом, акцентируя внимание на самопознании и самосовершенствовании. Угловой идеей является единство истины добра и красоты. Красотой в человеке Сковорода считал не тело, а сердце. Интересная барочная форма построения мысли изобилует сопоставлениями и ассоциациями.

Украинское барокко мощно выразилось в церковной архитектуре Украины. Архитектура барокко играет доминирующую роль в создании художественного «лица» эпохи и оставила большое количество характерных образцов стиля в разных регионах. «Если западноевропейское барокко характеризуется как синтез Возрождения и Средневековья, то в архитектуре украинского барокко ощущаются реминисценции византийских мотивов архитектуры Киевской Руси; барочная

♦ »

причудливость форм здесь уравновешивается чистыми плоскостями стен — стена соединяет, доминирует, обеспечивает общую гармонию элементов, благодаря этому во всем царит мера и такт. Архитектура украинского барокко отражает радость, праздничность, ощущение душевного спокойствия наряду с динамикой (экспрессией, контрастностью, декоративностью, триумфальностью)», -справедливо утверждает Машталер О.В. [6].

Архитектурный ландшафт Украины формируют нарядные храмы и храмовые постройки. Показательными в этом отношении являются крупные монастыри -Михайловский и Выдубецкий в Киеве, Воздвиженский в Полтаве, Троицкий в Гусятине. Большое внимание в композиции ансамбля уделяется вертикальным акцентам — высоким колокольням. Так в монументальном зодчестве Киева, Левобережья Украины в условиях подъёма национального самосознания украинского народа ярко проявились черты национальной архитектуры.

На западных землях Украины, оставшихся под властью польских магнатов, дело обстояло иначе. Иными были заказчики, их вкусы и требования, иными были и архитекторы, в основном иностранцы, иными были традиционные приёмы строительства и строительные материалы, усиливалась политика католической экспансии. Именно этой политикой объясняется строительство большого количества католических монастырей в Галиции, на Волыни, Подолии и Правобережье.

Развитие украинского барокко в музыке имело несколько иную основу, чем на Западе. В Украине эстетика новой культуры пришла непосредственно на смену Средневековью и стала некой переориентацией с Византии на Западную Европу. Для музыкального искусства это означало, что принятое в средневековом богослужении одноголосое пение сменялось многоголосым. Такое изменение можно было назвать революционным. И именно духовную музыку имеют в виду исследователи в первую очередь, когда говорят о музыке украинского барокко. «Украшська музика доби бароко е одним iз найвищих досягнень нацюнального мистецтва. Хоровий багатоголосний партесний концерт стае провщним жанром, його характеризуе порiвняно з музикою шших народiв бшьша стриманють образного ладу, гармоншнють i простота. Багатоголосний концерт у XVII ст. став важливою частиною музичного побуту украшщв» [7].

Стиль барокко в украинской живописи также имеет национальную индивидуальность. Новый художественный стиль, объединивший черты западного барокко с традиционным народным искусством, в первую очередь проявился в монументальной живописи: она стала более колористически насыщенной и декоративной, что можно наблюдать в росписях церквей того времени. Тематически живопись оставалась религиозной, однако основным содержанием ее стали гуманистические идеи. Активнее начинают развиваются разнообразные формы монументального настенной росписи, станковой иконописи, портрета.

Основным жанром барочной живописи была иконопись. В иконописи соединились черты средневекового искусства с ренессансными. Это наблюдается в работах таких мастеров, как Ф. Селькович, Г. Петрахнович, а в конце XVII в. -И. Рутковича, И. Кодзелевича, И. Бродлаковича. Иконопись развивается в барочных формах. Особой пышностью и богатством декора отмечаются иконостасы Елецького собора, Троицкой церкви в Чернигове и Преображенской церкви в

» »

Сорочинцах. В иконографии наблюдается особая украинская типизация священных образов Иисуса Христа, Богородицы и святых.

Особенностью украинского барокко стало появление выделившейся их иконописи портретной живописи — парсуны. Большую известность и популярность приобретали портреты Богдана Хмельницкого и казацких старшин. «В основе казацкого портрета лежала потребность подъема общественного престижа, что сочеталось с гуманистическим представлениям о достоинстве человека и его сословной принадлежностью. Портрет отмечался проникновением во внутренний психологический мир человека, показывал его характер, нрав, качества» [5].

Украинская культура XVИ-XVШ вв. переживала бурные процессы развития во всех областях. Этническое и духовное единство народа, несмотря на все политические преграды, проявилось в патриотическом духе украинского искусства, в формировании в нем единого специфического и оригинального стиля «украинского барокко», который не только связал Украину с Европой, но и переосмыслил и развил исконную национальную культурную традицию.я укра1нсько1 культури [Электронный ресурс]: Режим доступа к изданию: http://pidruchniki.ws/1529052755118/kulturologiya/ukrayinska_kultura_chasiv_kozatsko-getmanskoyi_derzhavi_seredina_xvii-kinets_xviii

Интерпретация народной традиции в искусстве украинского барокко $ $

Кур’янова 1 О., Кузячюна М.В. 1нтерпретащя народно!» традици в мистецтш украшського бароко / I. О. Кур’янова, М.В. Кузячюна // Вчеш записки Тавршського нацiонального унiверситету iMeHi В.1. Вернадського. Серiя: Фiлософiя. Культурологiя. Полiтологiя. Соцюлопя. — 2014. — Т. 27 (66), — № 1. — С. 125-130.

Стаття присвячена осмисленню традицшно1 естетики народного мистецтва в украшському бароко XVII — XVIII столпъ, дослiдженню багатогранних i рiзноманiтних проявiв в ньому нацюнального духу укра1нського народу.

Kmwei слова: традиция, укра1нське бароко, лiтература, музика, архитектура, живопис.

Kuryanova I. A., Kuzyachkina M. V. Interpretation of folk tradition in Ukrainian baroque art / I. A. Kuryanova, M. V. Kuzyachkina // Scientific Notes of Taurida National V. I. Vemadsky University. -Series: Philosophy. Culturology. Political science. Sociology. — 2014. — Vol. 27 (66), — No 1. — P. 125-130.

The article is devoted to interpretationvof the traditional aesthetics of folk art in the Ukrainian Baroque of XVII — XVIII centuries , the study of multisided and diverse manifestations of national spirit of the Ukrainian people in it. Problem of national uniqueness and development of traditions — one of the most difficult issues of the time of the Ukrainian state forming , the most important problem of modern Ukrainian humanities . Baroque era is considered to be the golden age of Ukrainian culture. It is filled with the spirit of national revival and absorbed the mental images of primordial Ukrainian spirit. Because interest in Ukrainian and world science to it does not weaken.

Key words: tradition, Ukrainian baroque, literature, music, architecture, painting.

Эпоха

: барокко — baukunst-nrw

ок. 1660–1780 (Германия)

Термин «барокко» происходит от ювелирного искусства и происходит от португальского «барокко».
Барокко относится к стилю итальянского искусства и архитектуры с 1600 по 1780 год, который стал преобладающим в Европе.
Своими поздними работами XVI века, на пике эпохи Возрождения, Микеланджело прокладывает путь художественной энергии, которая должна была проявиться в маньеризме и барокко.
Формальные каноны, основанные на античных законах композиции, разработанных в эпоху Возрождения, претерпевают динамичные и выразительные трансформации в стиле барокко, формируя дизайн пространств от интерьеров до городского планирования.
С окончанием Тридцатилетней войны и ростом абсолютизма престижные строительные проекты все чаще выходят на первый план, что отражается в дизайне домов, садов, площадей и городских пейзажей в стиле барокко.
Абсолютная доктрина единства приводит к единой фасадной композиции в стиле барокко, вызывающей ощущение замкнутого пространства.
В центре внимания больше не сложение частей для образования целого, как это было в эпоху Возрождения, а, скорее, дизайн целого вплоть до его отдельных частей.
Конструкция сводится к структурной функции и отделена от внешней оболочки, на которую направлен весь дизайн.
Живопись и штукатурка тесно связаны с архитектурным языком. Последний, в частности, возведен в разряд искусства и своими скульптурными лепными украшениями играет решающую роль в формировании пространственной формы.
В священных зданиях эпоха барокко наиболее ярко выражена в Италии, тогда как феодальная Франция является наиболее важным центром светского барокко.
Из-за последствий Тридцатилетней войны барокко не распространялось на Германию до середины 17 века.
Декоративная поздняя стадия барокко, описываемая как рококо, отличается живописным и иррациональным стилем оформления. Германия переживает богатую форму рококо, которую часто называют отдельным стилем.

Редакция baukunst-nrw

weitere Epochen auf baukunst-nrw

Искусство и архитектура барокко в Италии — Возрождение и Реформация

Введение

Хотя термин барокко чаще всего применяется к изобразительному искусству, на котором будет сосредоточена данная статья, и он наиболее тесно связан с итальянским искусством 17 века, между учеными существует мало единого мнения о ценности и значении этого термина.Более того, ученые англоязычного мира все еще сопротивляются применению этого термина к искусству 17-го века, потому что термин барокко никогда не использовался в тот период. Примененный к музыке Дени Дидро и к архитектуре Борромини в 18 веке, чтобы обозначить излишество, причудливость, уродство и отклонение от правил, барокко впоследствии использовалось, все еще уничижительно, в критике архитектуры и искусства 17 века. Немецкие историки искусства в 19 веке представили его для обозначения производства живописи и скульптуры в период между Ренессансом и расцветом неоклассицизма.Искусство этого периода с 16 -х годов до начала 18 -х годов веков было связано с декадансом. К 20 веку термин барокко стал применяться к другим областям культурного производства, включая литературу. Следуя примеру Генриха Вельфлина, который рассматривал барокко как реакцию на Возрождение, Юджин Орс утверждал, что барокко существует в каждую эпоху, хотя и в исторически уникальных итерациях. С одной стороны, искусство барокко связано с художественным производством, символизирующим риторику триумфальной Римско-католической церкви, и, таким образом, было создано в ответ на покровительство папства и религиозных орденов.Его часто связывают с римским искусством 17 века, которое неизбежно будет здесь в центре внимания. С другой стороны, этот термин сохранился в англоязычном мире с 1970-х годов в качестве удобного обозначения периода, хотя в значительной степени пустого. Недавно барокко было повторно введено в английскую науку, чтобы отсылать к драматическому, риторическому и эмоциональному характеру большинства культурных произведений 17-го века. Разногласия относительно продолжительности барокко продолжаются. Заканчивается ли этот период в 17:00, 1725, 1750 или даже в 1800 году? Этот термин также нашел успех в художественной теории в качестве повторяющегося и метаисторического контрапункта классическому.Ученые, которые идентифицируют барокко как единую эстетику, выходящую за пределы какой-либо одной художественной области, утверждают, что это эстетика движения, драмы, новаторства и высокой риторики. С ним также связаны многие другие формальные характеристики, в том числе высокая контрастность, детализация, искусность и монументальность. Иногда считается, что это произошло из-за политического кризиса, коррупции и абсолютизма или возникло одновременно с ними. Некоторые ученые используют этот термин для обозначения формальных характеристик определенного периода в изобразительном искусстве; другие используют его для описания универсальной эстетики, объединяющей литературу, риторику, театр, музыку и искусство.

Общие обзоры

Концепция барокко как эстетики высокой риторики, великолепия и великолепия все еще сильна в континентальной науке, о чем свидетельствует постоянное появление публикаций в Германии, Франции и Италии, ориентированных как на специалистов, так и на обычных читателей. . Работы англоязычных ученых, в том числе Магнусона 1982, имеют тенденцию сопротивляться понятию единой объединяющей эстетики или стиля барокко, используя термин baroque экономно и ограниченно, чтобы предположить хронологический период, простирающийся с конца XVI века. века до конца 17 века.Kenseth 1991 исследует интеллектуальный союз искусства, литературы, риторики и коллекционирования в контексте эстетики чудесного с конца 16 века до 17 века. Баттистини 2000 связывает барокко с Контрреформацией, в то время как и эта работа, и Снайдер 2005 связывают его также с придворной культурой и театром. Бауэр 1992 наиболее тесно отождествляет барокко с римским культурным производством 17 века. Снайдер 2005, напротив, отождествляет барокко с новаторской эстетикой и с развитием литературы и риторики, которые представляют собой решительный разрыв с прошлым.В противовес преобладающему мнению, которое связывает барокко со стилистическими качествами, очевидными в изобразительном искусстве, Снайдер 2005 утверждает, что эти средства массовой информации выдают меньше новизны, энергии и инноваций и, будучи тесными связями с культурой Возрождения, они менее точно представляют барокко. . Бауэр 1992 связывает барокко с искусством и притворством придворной культуры и с Concettismo , в то время как Харбисон 2000 исследует эстетический характер барокко тематически, рассматривая движение, искажение, неожиданность, мгновенность, иллюзионизм и величие.

  • Баттистини, Андреа. Il barocco: Cultura, miti, imagini . Рим: Салерно, 2000.

    Рассматривает многие аспекты культуры барокко. Отношение к католической реформе и к риторике, театру, искусству и музыке в стиле барокко. Помещает барокко в противоположность маньеризму, хотя и то, и другое связано с придворной культурой. Маньеризм интровертен, тогда как барокко экспансивно, театрально, грандиозно и эмоционально. Барокко прозелитизирует и ассоциируется с орнаментом, изобилием, преувеличением, неравномерностью, неожиданностью и эффектностью.

  • Бауэр, Германн. Барокко: Kunst einer Epoche . Берлин: Дитрих Реймер, 1992.

    Определяет барокко как театральный стиль, связанный с придворной жизнью, абсолютизмом, Concettismo и связанный с римским культурным производством. Он рассматривает различные формы культурного производства, включая церемонии и эфемерные представления, такие как фейерверки и театр. Подчеркивает иллюзионизм барокко; включает важную главу о дворце в стиле барокко.

  • Харбисон, Роберт. Размышления о барокко . Чикаго: University of Chicago Press, 2000.

    Тематически исследует эстетику барокко в искусстве, литературе, религии, политике и историческом сознании в различных исторических и региональных контекстах. Начинается в Италии и в основном концентрируется на 17-18 веках, хотя также включает главу о необарокко и барокко 20-го века.

  • Кенсет, Джой, изд. Эпоха чудес . Ганновер, Нью-Хэмпшир: Художественный музей Гуда, Дартмутский колледж, 1991.

    Публикуется вместе с выставкой, посвященной культуре и представлениям о чудесах 16-17 веков. Очерки прослеживают пересечения поэзии, риторики и изобразительного искусства. Связывает чудесное с порождением чудес у читателей и наблюдателей через размытие жанров, новых сюжетов, удивление и трансформацию.

  • Магнусон, Торгил. Рим в эпоху Бернини . 2 тт. Стокгольм: Almquist & Wiksell International, 1982.

    Незаменимый обзор развития римской культуры в историческом, политическом и экономическом контексте между папствами Сикста V (годы правления 1585–1590) и Иннокентия XI (годы правления 1676–1689). Исправляет прежнюю тенденцию пренебрегать этим периодом и рассматривает культурное производство, включая изобразительное искусство, музыку, театр и зрелище, в связи с политическими событиями. Полезно для студентов и специалистов.

  • Snyder, Jon R. L’estetica del barocco . Болонья, Италия: Il Mulino, 2005.

    Краткое, но всестороннее исследование философии эстетики барокко, которую Снайдер определяет в отношении парадокса и реалистичности, а также гениального, фантастического и остроумного. Воспринимает барокко как новое осознание искусства. Отождествляет эту мысль с дворами конца XVI — второй половины XVII веков.

Пользователи без подписки не могут видеть полный контент на эта страница.Пожалуйста, подпишитесь или войдите.

Развлечения на виолончели Период барокко и добарокко: стиль и интерпретация

Чем старше музыка, тем дальше она от наших времен и, следовательно, тем больше усилий требуется для понимания ее исторического контекста. Вот почему в основном музыка барокко и предбарокко страдает от «неосведомленных» исполнительских приемов (в основном, от того, что ее играют, как если бы это была романтическая музыка). Для обсуждения истории и репертуара этого периода щелкните выделенную ссылку.

Обычно мы думаем, что эволюция ведет нас по пути к совершенствованию. «Новее» обычно означает «лучше»: самая последняя модель чего-либо обычно является улучшением предыдущей версии. Кто тогда — кроме чудаков или очень бедных людей — водил бы старую машину, использовал пишущую машинку, старый фотоаппарат, велосипед, струны для живота, лук в стиле барокко, легкий звук, небольшое вибрато и т. Д., Когда доступны такие фантастические улучшенные современные версии ? Это рассуждение относилось не только к стилю исполнения, но и к целым музыкальным эпохам: ранняя музыка (до романтика) долгое время считалась «старомодной»: простой и уступающей романтической музыке.Романтический период был временем расцвета инструментального производства, эмоциональности, симфонической композиции и виртуозной техники игры. Это был настолько удивительный период в истории музыки, что нам очень легко застрять в искажении времени, играя все так, как будто мы видим сквозь этот великолепный романтический техниколин.

Поскольку виолончельная техника со временем совершенствовалась, «старинная музыка» — зачастую несколько менее виртуозная, чем более поздняя музыка — может считаться просто «слишком простой», «несложной» и, следовательно, «скучной» для виртуозного инструменталиста.По всем этим причинам аргумент, наиболее часто используемый для очернения революции «подлинного исполнения, оригинального инструмента» в музыкальной интерпретации старинной музыки, заключался (и остается) в том, что она предназначена только для эксцентриков и бедных (некомпетентных) инструменталистов. Любители старинной музыки считались музыкальным эквивалентом амишей. В настоящее время, к счастью, ситуация изменилась, и исполнение «старинной музыки» в стиле русской романтической музыки стало не просто «старомодным», но даже почти смущающим признаком отсутствия осведомленности, непредубежденности, музыкального образования, умственных способностей. нейроны и т. д. в исполнителе.

Чтобы сыграть старинную музыку действительно «хорошо» (с наибольшим эффектом) в ее «аутентичном» стиле, требуется гораздо большее использование интеллектуальных компонентов интерпретации, чем требуется при исполнении романтической музыки. Выбор темпа, артикуляции, поклонов, фраз, динамики, риторики, рубато и т. Д. Важен для всех музыкальных стилей, но они абсолютно первобытны в ранней музыке, потому что фундаментальные инструменты романтической интерпретации (инструментальная виртуозность, сочное звучание и интенсивное романтическое эмоциональное излияние) либо не нужны, либо неуместны.Поскольку этот великолепный сочный звук, который мы считаем нашим романтическим идеалом, было бы невозможно достичь с помощью виолончели в стиле барокко, смычка в стиле барокко и струнных, мы должны найти другие способы сделать эту музыку мощной, трогательной, драматичной, красивой и т. Д.

Вероятно, поэтому «аутентичный», «оригинальный инструментальный» мир доромантической интерпретации всегда привлекал так много самых вдумчивых, интеллектуальных музыкантов. В отделе виолончели Кристофер Коин, Аннер Бильсма, Клаудио Ронко, Джозетсу Обрегон и другие не только фантастические виолончелисты, но и, похоже, находятся в ином интеллектуальном и интерпретационном плане, чем средний «романтический» виолончелист, для которого часто бывает играть все «красиво». Конечная цель.

Давайте теперь посмотрим на некоторые из определяющих характеристик музыки барокко и предбарокко и игры на виолончели.

УКРАШЕНИЕ

Орнамент является жизненно важным выразительным компонентом большей части музыки барокко (а также архитектуры, декора, искусства и т. Д. В стиле барокко), достигнув своего абсолютного пика к концу периода барокко (см. Стиль рококо). Как правило, трели должны начинаться с доли (не с ноты грации перед долей), а с ноты выше. Обычно мы можем не торопиться с этой первой нотой трели, таким образом максимально используя ее выразительный диссонанс.

ЛЕВАЯ РУКА

В ранней музыке мы обычно используем меньше вибрато, больше задерживаемся на нижних позициях и используем аппликатуры по струнам, вместо того, чтобы сдвигать одну и ту же струну вверх и вниз. В то время как в романтической музыке мы стараемся избегать более длинных нот на открытых струнах (потому что мы не можем воспроизводить на них вибрато), в стиле барокко (и классики) все наоборот. Открытые струны с их красивым естественным (ненагруженным, легким) резонансом и обертонами просто замечательны в пре-романтической музыке.

ПОСАДКА И УГОЛ ВИЛКИ

Шип (концевой штифт) был изобретен только в 1830-х годах, в конце «классического периода», всего через несколько лет после смерти Бетховена (1827 г.) и Шуберта (1828 г.). Шип позволяет современному виолончелисту играть на виолончели гораздо более горизонтально, чем в эпоху «до шипа», когда виолончель опиралась на икры ног виолончелиста. Это имеет значительные последствия не только для нашей позы при сидении, но и для нашего смычка и держания боёв из-за изменяющегося влияния силы тяжести (веса смычка) в зависимости от вертикальности виолончели.

ПРАВАЯ РУКА

Помимо упомянутых выше изменений левой руки, революция в практике исполнения в значительной степени связана с феноменом правой руки. Во многом это связано с радикальными изменениями, которые произошли в дизайне смычков для виолончели в конце 1700-х годов. Эти изменения идеально отразили социальные, политические, экономические и философские преобразования, которые привели к переходу от классического периода к романтическому в первой четверти XIX века.

Смычок для виолончели мутировал в совершенно другое существо с момента его зарождения в эпоху Возрождения (и ранее).Более легкий, чем современный лук, менее «упругий» (упругий) и с более близким к лягушке центром тяжести, ранний лук имеет совершенно другие игровые характеристики по сравнению с современным луком. Когда мы говорим о развитии лука, мы можем использовать слово «видоизмененный», а не «эволюционировавший», потому что эти фундаментальные изменения в конструкции лука произошли за очень короткий период времени около 1785-1790 годов, когда французский лукодел Франсуа Турте (François Tourte), в сотрудничестве со скрипачом Виотти, по сути, «изобрел» радикально новый дизайн смычка.Этот новый дизайн лука Tourte практически не изменился и по сей день.

Не только радикально изменилась конструкция лука, но также изменилась и опора для лука, переместившись на лягушку из своего барочного положения дальше вверх по рукояти.

Как эти изменения повлияли на игру на виолончели и звучание музыки? В основном они помогали виолончелистам играть и громче, и более состенуто (сустейн, легато). Обе эти характеристики были (и остаются) необходимыми для романтической музыки и больших концертных залов.К сожалению, они обычно не подходят для более ранней музыки.

Ранний лук имел более выраженную естественную тенденцию становиться мягче к обоим концам и громче к середине, чем современный лук. Атака (артикуляция) была намного более плавной и мягкой, так как натяжение волос было ниже. Когда мы играем музыку эпохи Возрождения, барокко и раннего классического периода, мы должны помнить об этих различиях. Даже если мы используем современный «романтический» лук, мы можем имитировать ранний лук, используя более легкие и быстрые удары из лука и играя меньше легато, меньше состенуто в целом.Романтический смычок состенуто-легато не занимает много места в стилистической (аутентичной) игре в стиле барокко.

Таким образом, чтобы играть в более «аутентичном», менее романтичном стиле, можно позволить более длинным ударам смычка немного затухать к их концам, как в следующих примерах, взятых из Сюит Баха для виолончели соло:

Точно такой же принцип применим к классической музыке. В то время как начальные ноты двух концертов Гайдна для виолончели должны немного исчезнуть, если сыграны в «аутентичном» стиле, начальные ноты Концертов Дворжака и Шумана определенно не хотят этого делать.

В приведенных выше примерах каждый «длинный» лук — это только одна нота. Однако мы можем использовать точно такую ​​же технику постепенного затухания и тогда, когда лук включает больше нот, как в следующих примерах:

В смычке в стиле барокко не только используется много плавных переходов, но и много плавных переходов. Часто мы можем «развить» самые длинные удары смычка: начиная их мягко и постепенно увеличиваясь к середине (ноты и смычка). ) как в следующих примерах. Однако нам нужно быть осторожными с этим эффектом, поскольку, если его переусердствовать, у людей может возникнуть морская болезнь.

Любопытно, что теперь мы играем все стили музыки с этим «современным» смычком (также любопытно, что мы используем слово «современный», хотя оно практически не изменилось с 200 лет назад!). В настоящее время любой струнный исполнитель может купить разумный лук, имитирующий барокко, менее чем за 200 евро. Это очень хорошее вложение, и оно того стоит. Игра с луком в стиле барокко может научить нас большему, чем многие книги или уроки.

Скачать аудио бесплатно. Архитектурная эпоха барокко (1584-1780) была а…

Текстовое содержимое или код SSML:

Эпоха архитектуры барокко (1584-1780) была временем пышного и вызывающего воспоминания визуального дизайна, эпохи, когда художественные стили и тенденции были всеобъемлющими и влекли за собой философию жизни, которая проявлялась во всем: от музыки до предметов повседневного использования и кончая. аристократические памятники. Описательно вы можете определить стиль барокко как чувственное, органичное и в высшей степени декоративное богатство, основанное на духовном позитиве. Термин «барокко» на самом деле означает «жемчужина необычной формы».Происхождение этого имени точно указывает на движение; как преувеличение природы, не асимметрично, а дальнейшее совершенствование овала из круга, который является странностью, порождающей жизнь и движение. Это наследие в отношении архитектуры довольно спорно, в зависимости от вашей реакции на визуальное богатство. или строгость вашей приверженности модернистскому кредо «меньше значит больше». Этого не существовало в эпоху барокко. Вообще говоря, трудно не восхищаться их объективной сложностью ценностей красоты, и по сравнению с нашими гипер-практичными современными строительными привычками, архитектура барокко, в частности, населяет своего рода сказочный мир фантастического, творческого размаха.Цветочный свадебный торт в садовой сонате истории. Стиль барокко зародился в Италии 17 века, а затем распространился по всей Европе. Изначально это говорится как католический ответ на суровый и несколько скудный иконоборчество протестантской реформации. Он заключал в себе пышное, постримское визуальное изобилие симметрии и мотива. Архитектура барокко зародилась в уникальных художественных концепциях симбиоза классической готики (или христианства и язычества), имевших место в эпоху Возрождения.Из уникального архитектурного стиля, зародившегося во Флоренции, возник новый высокий классицизм в эпоху напудренных париков и косметических знаков. Эпоха Возрождения популяризировала использование греческих крестов и кругов в архитектурном планировании — архитекторы в стиле барокко предпочитали овалы и модифицированные кресты. Там, где художник эпохи Возрождения мог нарисовать прямую линию или стену, архитектор в стиле барокко разработал овальное удлинение, органический выступ, закругленный угол. Барокко объединило маленькие и большие кривые в так называемом волнообразном порядке.Здания были в некотором смысле собраны вместе, как скульптуры, и, хотя они могли свободно использовать все порядки колонн, которые были дальше, они, кроме того, не боялись колоссального порядка или колонн, проходящих через более чем один уровень здания. Их интерьеры, как правило, представляли собой томный математический союз различных сред, в котором живопись сочеталась со скульптурой и роскошной позолотой. Брак интенсивных дисциплинарных навыков. В этой эволюции от эпохи Возрождения барочный натурализм выразился как неоклассическая противоположность готике, расширяясь на купола и колоннады архитектуры Филиппо Брунеллески или маньеризм Микеланджело.Тогда можно было бы сказать, что архитектура барокко была в значительной степени общеевропейской экспансией этоса Возрождения. Интенсивные органические детали запечатлели это щедрое чувство барокко в традиционных элементах эпохи Возрождения, таких как парадные лестницы, купола и овальные внутренние пространства, картуши, квадратура, потолочные скульптуры и изогнутые колонны. Церковь использовала барокко в качестве пропаганды контрреформации, монархи использовали его, чтобы соревноваться в выставках богатства в идиосинкразии своего времени, а сами художники барокко использовали движение и эмоции в органической структуре чувственного, сильванского стиля для своего собственного. сакэ.Это повлияло на более поздние стили натуралистического искусства, такие как модерн. В нем есть нематериальные намеки на барокко в его пышной лиственной симметрии. В период своего расцвета барокко оказало заметное влияние на широкий выбор средств массовой информации и художественных профессий. Скульптура в стиле барокко, мода, мебель, сады, живопись и, пожалуй, самый незабываемый эффект, красивая музыка в стиле барокко. Но как описать объединяющий стиль? Это связано в своей глубинной духовности и натурализме с готовностью к запутанности, основанной на природе.Также к комфорту матроны к идеализму в честолюбивых изображениях небесных наслаждений. Фрактальная разработка, цветущая в звуке, текстиле, лепнине, дереве и камне. Геометрическая раковина, излучающая фракталы наружу в идеальном соотношении, каждый тщательно детализированный сегмент представляет собой целое искусство, которое переводится от музыкальных гамм камерной музыки в стиле барокко до ярких красочных картин Буше, написанных маслом. Можно сказать, что это артефакт культурной и жесткой социальной эстетики, которая была бессмысленно сложной, романтичной и уходила корнями в объективный порядок геометрии.Архитекторы эпохи барокко расширили основные евклидовы элементы готико-классической архитектуры и представили их яркими и грандиозными деталями. Эти особенности архитектуры барокко, внутреннего тромп-л’оэля и музыки, возможно, можно описать эмоционально как переживание ощущения Парения в воздухе. Они воплощали в себе чувство оптимизма, которого не хватает, можно сказать, в нашей современной архитектуре. В основе его философии лежала уверенность, которая почти диаметрально противоположна нашей.Кредо искусства барокко было: чем больше, тем лучше. И почему бы нет? Вызов сдержанности, добровольный или иной — это концепция в стиле барокко, к которой мы должны вернуться. Выход за пределы реальности с буйной, наполненной жизнью жаждой богатства, которая становится его собственной энергией, укрепляющейся в архитектурной энергии, которая длится столетия или даже дольше.

первых построек Петербурга и окрестностей. — Путеводитель по экскурсиям

Петровское барокко-архитектурное направление, возникшее в 1703-1730 годах.Он возник на фоне увлечения Петра I голландско-немецким стилем строительства. Мы собрали 10 построек в стиле петровского барокко, построенных в городе на Неве одними из первых.

Основные принципы петровского барокко — рационализм, простота и уравновешенность. Внешне постройки петровского времени в основном прямоугольные, симметричные. Центральная часть иногда возвышается на главной линии здания и украшается портиком или скульптурой.Фасад чаще всего окрашивают в красный цвет, а белым на нем выделяются элементы архитектурных заказов — как правило, это плоские русские «лопатки» или пилястры, а не классические колонны. Окна украшены наличниками с «ушками» по углам, на крыше — специальными проемами — люцерном.

Меншиковский дворец

Меншиковский дворец стал первым каменным зданием в новой столице России. Его строительство длилось четыре года и было завершено к 1714 году. Проект дворца был разработан архитекторами Джованни Мария Фонтана и Готфрид Иоганн Шадель.Этот трехэтажный дом с мансардой издавна был одним из самых роскошных в Санкт-Петербурге. Здесь прошли торжественные обеды королевской семьи и даже свадьба князя Алексея с немецкой принцессой Шарлоттой Софией и Анны Иоанновны с герцогом Курляндским Фридрихом Вильгельмом.

С дворцом связана городская легенда: Меньшиков, первый губернатор Петербурга, должен был заплатить Петру штраф в двести тысяч рублей. Чтобы выплатить этот долг, он продал часть обстановки своего дворца.Петр Меньшиков пристыдил: «Если в первый день приема я найду здесь такую ​​же бедность, которая не соответствует вашему чину, я заставлю вас заплатить еще двести тысяч рублей». Меншиков исполнил волю царя, и его дом снова засиял богатым убранством.

Летний дворец Петра I

Летний дворец Петра I, построенный в 1710-1714 годах, явился образцом для постройки домов «зеленых знаменитостей». Разве что убранство фасада и внутренняя планировка отличали Королевский дворец от домов его сановников.

Двухэтажное каменное здание построено в голландском стиле Доменико Трезини. Фасады здания выглядят элегантно — они украшены терракотовыми барельефами-иллюстрациями сражений в Северной войне, выполненными Андреасом Шлютером. Внутренняя планировка дворца проста — всего четырнадцать маленьких комнат и две кухни. Современники сочли дворец неподходящим для царской резиденции, один из послов назвал его «убогим домом, совсем не соизмеримым со всем остальным».По его словам, Летний дворец был «настолько близок, что богатый дворянин, вероятно, не захотел бы в него поместиться». После смерти Петра во дворце жили как члены Императорской семьи, так и королевские сановники.

Петропавловский собор

Петропавловский собор, строительство которого началось в 1712 году на месте одноименной деревянной церкви в 1703 году, долгое время оставался самым высоким зданием в России. Высота колокольни, с которой начиналось строительство, составляла 122.5 метров. При этом, по легенде, шпиль колокольни Петр приказал соорудить над местом, где был похоронен князь Алексей, «чтобы крамола не поднялась с земли и не распространилась на Русь» (князь Алексей, сын Петр I обвинялся в измене родине). Петропавловский собор сильно отличается от традиционных русских церквей: это вытянутое здание с очень сдержанными фасадами, в которых видны только плоские колонны — пилястры и рамы с херувимами. Петропавловский собор был первым русским храмом, построенным в направлениях западноевропейской архитектуры.

Палаты Кикина

Палата Кикина — один из старейших частных домов Санкт-Петербурга. Свое название он получил в честь первого владельца — Александра Васильевича Кикина, соратника Петра I. Его положение при дворе позволило построить роскошный дом, чем-то напоминающий большой дворец в Петергофе. После того, как Кикин, обвиненный в измене, был казнен, в помещенных тогда палатах не было собственного здания Петровского кунсткарта и личной библиотеки царя.

Под Кикиным палаты были одноэтажными (построены по проекту Шлютера), позже надстроили второй этаж. В 1733 году, когда рядом появились казармы Кавалерийского полка, в палатах располагались лазарет и канцелярия. Большой зал переоборудовали в полковую церковь — в центре покоев стояла деревянная колокольня с куполом и крестом. В XIX веке здание несколько раз перестраивалось. Сейчас палаты выглядят так же, как и в Кикине — после войны сильно пострадавшее от обстрела здание было реконструировано в формах петровского барокко.

Монплезир

Петр I был известен отсутствием элегантности, а иногда и презрением к роскоши, поэтому его дворец в Петергофе, названный «Монплезир», или «мое удовольствие», имеет мало общего с дворцами других европейских монархов. Небольшое здание было построено по чертежам короля архитекторами Андреасом Шлютером и заменило архитектора после его смерти Иоганном Фридрихом Браунштейном. Фасад одноэтажного дома из красного кирпича выполнен в голландском стиле.

Если внешний вид дворца выглядит очень сдержанно и скромно, то в создании интерьеров Петр I отошел от своих аскетических правил: мраморные полы, стены, дубовые панели, потолки с росписями, богатая коллекция картин и произведений искусства.

Монплезир ни разу не перестраивался, его интерьер не менялся — дворец хранился как память о первом российском императоре. Ему очень понравилось, особенно за прекрасный вид на Финский залив, открывающийся с террасы.

Троицкий Александро-Невский монастырь

Александро-Невская Лавра была основана в 1710 году на месте разгрома шведов Александром Невским.Этот символизм был очень важен для Петра-Москвы, и его Георгию надо было что-то противопоставить, и будущий монастырь он видел как главный русский монастырь. Сегодня старейшей церковью монастыря, вокруг которой был построен монастырь, является Благовещенская (1717-1724 гг.). Автор проекта — Доменико Трезини. Он построил прямоугольное здание, фасад которого скромно украшен пилястрами и лепниной. Завершает храм граненый купол, установленный на световом фонаре. Впоследствии в этой церкви были похоронены члены Императорской семьи и королевские сановники.

Кунсткама и Академия наук

Петр I после поездки в Голландию и Англию был вдохновлен идеей создания собственного Кабинета раритетов, или по-немецки — Кунсткамеры. Он систематически закупал как отдельные предметы, так и целые коллекции. Вскоре для этой коллекции потребовалось отдельное здание. В 1718 году на стрелке Васильевского острова был заложен «дом Петербургской Академии наук, Библиотека и Кунсткамеры».

По легенде место для строительства музея выбрал лично Петр I.Он увидел необычную сосну: «Этот срез достоин внимания суки в нем в толщину человеческой руки, которая, вырастая из одного места и наклоняясь полукругом, окончательно переросла в другое на расстояние 1 аршин и 10 верст от своего источника ». Петр сказал:« Где я нашел это любопытное дерево, то пусть будет и Кунсткамера построена ». Первые эскизы музея были выполнены Андреасом Шлютером, а после его смерти они были доработаны Георгом Маттарнови. Петр был настолько заинтересован в строительстве Кунсткамеры, что подарил ему так называемые кабинетные (то есть личные) средства.Вплоть до середины XIX века первая в России астрономическая обсерватория располагалась в башне Кунсткамеры. На вершине башни сначала планировалось сделать флюгер, но затем было решено установить там армиллярную сферу, представляющую собой модель Солнечной системы.

Марли Палас

Небольшой двухэтажный дворец, расположенный в западной части Нижнего парка Петергофа, получил свое название в честь резиденции Людовика XIV Марли Ле Руа.Двухэтажный дворец решили не делать сразу: сначала Петр приказал возвести одноэтажное здание, а уже когда его поставили под крышу, было решено построить второй этаж. Марли стал первым в России зданием с коридорной планировкой — системой изолированных комнат, соединенных одной галереей. В Марли приехали члены царской семьи — Екатерина I, Анна Петровна с мужем, герцогом Гольштейнским, Николаем I и Александрой Федоровной. Здание также использовалось как место для хранения личных вещей Петра I — одежды, посуды, дипломатических подарков и картин.Некоторые экспонаты и сегодня можно увидеть в экспозиции музея в залах Марли.

Павильон Эрмитаж

Эрмитаж построен в соответствии с тогдашней модой на так называемые приюты для отшельников. Автором проекта был Иоганн Браунштейн, который начал строительство в 1721 году и завершил его после смерти Петра I. Вокруг здания в средневековом стиле вырыли ров, через который был переброшен подъемный мост.

В нижнем этаже Эрмитажа находились хозяйственные помещения — кладовая, кухня, буфет, оттуда на специальных лифтах на второй этаж доставлялась еда.Гости тоже забирались на своеобразное кресло-лифт. Однако после того, как Павел I посетил Эрмитаж и один из тросов оборвался, было решено построить лестницу.

Здание государственной управы

В 1718 г. Петр I принял закон об учреждении государственных коллегий. Вскоре им понадобилось отдельное здание. Архитекторы Доменико Трезини и Теодор Швертфегер начали строительство на Васильевском острове в 1722 году. Петр I распорядился, чтобы все колледжи были расположены в отдельных зданиях, но каждое из них можно было пройти по одному — Трезини разработал план, согласно которому каждое здание имело свой собственный вход, был перекрыт отдельной крышей, но все колледжи были объединены в единую 400-метровую композицию.Архитектор создал проект под впечатлением от обмена в Копенгагене, где он жил до переезда в Санкт-Петербург.

Интересно и расположение дома — перпендикулярно набережной. С этим фактом связана городская легенда: строительство дома Петром I перед выездом из Петербурга по заказу Меншикова. В благодарность за службу он пообещал передать имению Меншикова всю оставшуюся после постройки землю. Придворный рассудил, что если здание будет располагаться вдоль набережной, то земли останется совсем немного, поэтому решил выложить его так необычно.Конечно, Петр I, увидев это, пришел в ярость, но ничего не мог поделать.

Здание не соответствовало своему назначению. При Анне Иоанновне центр города был перенесен на сторону Адмиралтейства, куда постепенно переместилась Коллегия. Сейчас здание находится в Санкт-Петербургском государственном университете.

Живопись в стиле барокко: история, характеристика, стили

Венецианское барокко Живопись

Кроме Караваджо, было мало любых художников 17 века в Италии, чтобы занять место среди великих имен пятнадцатый и шестнадцатый века.Хотя и Тициан, и Тинторетто сделал многое для того, чтобы проложить путь барокко, ведущему представителю стиль барокко в венецианской живописи был Тьеполо (1696-1770), в руках которого иллюзионистская фресковая живопись достигли своего апогея в фресках Wurzburg Rezidenz (1750-3) в Германия. Со смертью Тьеполо наступил золотой век венецианского искусства. над.

Для художников Германии и Австрии во время 17 век, см .: немецкий Художники барокко.

Классицизм

Прежде чем покинуть Италию, мы должны отметить наличие в европейской живописи отдельного направления, обычно называемого «классическая» традиция. Похмелье, если хотите, из эпохи Возрождения, классицизм был противоположностью романтизма, будучи стилем искусства, в котором приверженность общепринятым эстетическим идеалам важнее индивидуальности выражения. Говоря простым языком, это был сдержанный, гармоничный стиль. которые верили в первенство дизайна, а не (скажем) цвета или экспрессионизма.Он был тесно связан с «академической искусство «, стиль, которому преподают в большинстве европейских академий изящных искусств. искусства. В эпоху барокко 17 века классическая традиция был олицетворен французским художником Николя Пуссен (1594-1665), который большую часть своей карьеры провел в Риме, где его покровителями были кардинал Франческо Барберини (1597-1669) и секретарь кардинала Кассиано даль Поццо (1588-1657). Пуссен, вероятно, наиболее известен своими мифологическими живопись — см., например, его «Похищение ». сабинянок (1634-5) и Et в Аркадии Эго (1637) — хотя он также был важным пионером классической аркадской пейзажной живописи — жанр, в котором доминирует другой Французский художник из Рима, Клод. Лоррен (1600-82), который положил начало «клодовскому» стилю.(Обратите внимание, что на Клода Лоррена особенно повлияли немецкие Искусство барокко Адама Эльшаймера.) Как Пуссен и Клод, Симон Воуэ (1590–1649) также провел большую часть своей карьеры в Риме, прежде чем возвращается в Париж в качестве придворного художника короля Людовика XIII. Он был отмечен, в частности, за его приглушенный стиль живописи барокко, избегающий как крайний натурализм и драматизм Караваджо, так и надуманный живописные эффекты более интенсивного итальянского искусства барокко.

Нидерланды Барочная живопись

Во Фландрии и Голландии живопись получила развитие. процветающие местные школы, которые так далеки от захолустья, хорошо в фургоне художественных изысканий. Фламандские художники создали — или по крайней мере, значительно улучшено — два типа картинок, касающихся верных представление быта и повседневной действительности: жанровая живопись и натюрморт. Ни у того, ни у другого не было эквивалента в Италии — где действительно нет спроса на такие картинки.Именно фламандские художники экспортировали техника масляной живописи, ранее неизвестная художникам ранний итальянский ренессанс. Теперь они быстро сплавляли свою традицию с прибывшим из Италии — брак, который должен был произвести произведения среди величайших достижений в истории искусства. Это развитие имели разные результаты во фламандской живописи по сравнению с Голландией, и в каждом случае ассоциировался с два совершенно разных человека: а именно Петр Пауль Рубенс (1577-1640) и Рембрандт (1606-1669).

Шедевров от Рубенса включают:

Самсон и Далила (1610, Национальная галерея, Лондон)
Спуск от Креста (Рубенс) (1614, Собор Богоматери, Антверпен)
Изнасилование дочерей Левкиппа (1618, Старая пинакотека, Мюнхен)
Решение Парижа (1636, Национальная галерея, Лондон).

Шедевров Рембрандта включают:

Ночной дозор (1642, Рейксмузеум, Амстердам)
Syndics Гильдии суконщиков (1662, Рейксмузеум, Амстердам)
Возвращение О блудном сыне (1669, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Подробнее см .: Фламандский Искусство барокко и голландское барокко.
См. Также: Голландская живопись (17 век) и голландские художники-реалисты.

Испанское барокко Живопись

К концу 1570-х годов Рим уже не был центр мира. Итальянцы были одеты в испанские костюмы, а Сердце Контрреформации находилось в Испании. Эскориал был построена как новая цитадель Веры, а дворцы Толедо были превращаются в монастыри и монастыри.Красота уступила место святости. Весной 1577 г. резидент Маньерист Эль Греко (1541-1614) нашел в испанском городе Толедо фамильяра формы его критского дома, здания мусульманского Востока, все в срочная и выразительная испанская форма. Он потратил два года на то, чтобы рисовать свои первая большая работа, алтарь Сан-Доминго-эль-Антигуо . В страстный и часто экстравагантный дух барокко теперь овладел его.Его деревянные панно и скромные холсты были забыты; он сейчас нарисовал картинки огромных размеров.

Среди величайших мастеров Эль Греко религиозная живопись следующего периода была репрезентацией о чуде, которое якобы произошло во время похорон графа Оргаз, когда святые Августин и святой Стефан явились и исполнили свои обязанности. духовенства, В сером и желтом, черном и белом цветах грозовое небо, Эль Греко изобразил чудо в неземном свете, а не в как сверхъестественное, а скорее как в высшей степени естественное событие, к которому весь испанский народ, его священники, его знать и его верные, несут свидетельствовать по их присутствию на твердом полу церкви.См .: захоронение графа Оргаза (1586-88). Некоторые назвали картины Эль Греко аскетичный, восторженный, жестокий, бесцветный и бесцветный. Тем не менее его Портрет кардинала (1600) дона Фернандо Нино де Гевера — вот так Великого инквизитора раскрашен сильнейшей окраской; это только у святых Эль Греко мы находим преднамеренное искажение и неземное сияние. Когда он рисует обычных людей, таких как его дочь, это как если бы они отражались в зеркале.Окончательная разработка Искусство Эль Греко помещает его, несмотря на его особенности, в самое сердце. периода барокко, поскольку он отказывается от законов композиции эпохи Возрождения. и цвет и движется к международному искусству периода барокко.

Другие важные представители испанской Барочная школа включала: Хусепе (Хосе) де Рибера, (1591-1652), Живущий в Неаполе испанский художник-караваж, известный своими реалистическими картинами. на религиозную и мифологическую тематику; набожный Франциско де Сурбаран (1598-1664), известный своими яркими религиозными картинами, натюрморты и тенебризм; Диего Веласкес (1599-1660), официальный художник испанского двора в Мадрид, сочетающий реализм с акцентом на свет и иллюзионизм в стиле барокко.

Шедевров от Веласкеса включают:

Waterseller Севильи (1618-22) Апсли-Хаус, Лондон.
Распятый Христос (1632) Прадо, Мадрид.
Сдача Бреда (1634-5) Прадо, Мадрид.
Рокби-Венера (1647-51) Национальная галерея, Лондон.
Портрет Папы Иннокентия X (1650) Галерея Дориа Памфили, Рим.
Las Meninas (1656) Прадо, Мадрид.

Другие известные испанские художники В школу входит сентиментальный севильский художник Бартоломе Эстебан Мурильо (1618-1682), чьи религиозные произведения и жанровые картины находились под влиянием Веласкеса, Сурбарана и Караваджо. Подробнее см .: Испанское барокко.

Живопись в стиле барокко можно увидеть в лучшем художественные музеи по всему миру.

эпоха барокко — испанский перевод — Linguee

Он полностью принадлежит к t h e эпохе барокко , a t когда, в Европе, […]

мы также можем найти такие выдающиеся имена, как Бах, Гендель или Вивальди.

dinsic.es

Соответствующий плен am ente a l a poca de l Barroco, qu e en Eur op a dio […]

номеров танковых иллюстраций Баха, Гендели или Вивальди.

dinsic.es

I. Новый этап в t h e epoch o f t агония капитализма

crfiweb.org

I. Una nuev a etap a en l a poca d e la a gon a del capitalismo

crfiweb.org

Это сокровища культуры,

[…] и засвидетельствуйте s t o epoch m a ki ng изменения и […]

уникальных явления в природе.

europarl.europa.eu

Son Preciosidades culturales, testigos de

[…] cambios q ue h icie ro n poca o s ingu lari da des de […]

carcter nico de la naturaleza.

europarl.europa.eu

Это книга, которая должна интересовать прежде всего людей

[…] которые не жили th a t epoch , i nc все больше […]

многочисленные.

jordipujol.cat

Es un libro que tiene que interesar sobre todo las personas que

[…] no viv ie ron aque ll a poca, ca da v ez m s numerosas.

jordipujol.cat

Международный

[…] выбор n e w baroque p r oj ects by […]

немецкая редакция Daab.

barbosasp.com

Una seleccin int er nacio nal de pro yecto s por la […]

редакция алемана Дааб.

barbosasp.com

Священник выходит из

[…] церковь несущая т h e барокко S a в t статуя Себастьяна […]

и, показав собравшимся людям, двинулся в путь.

salvadordali.cat

De la iglesia продажа el sacerdote

[…] llevando el S an Seba sti n barroco y, mo strn do lo a la […]

gente que se apia a su alrededor, emprende el camino.

salvadordali.cat

Крепость была объявлена ​​историческим национальным памятником, мы также посетим церковь «Нуэстра Сеора дель

». […]

«Кармен», который до сих пор сохраняет

[…] изображение и наряды t h e epoch , a ch , таким образом, чтобы […]

узнать больше об истории кафедры.

visit-ar.com

El fuerte ha sido declarado Monumento Histrico Nacional y visitaremos tambin la Iglesia Nuestra Seora del Carmen,

[…]

Que conserva an las primeras imgenes

[…] y ves ti dura s de l a poca, lo gran do a s conocer […]

мс, так что история департамента.

visit-ar.com

Не удивляйтесь, что у многих возникает интуитивное желание летать, за

[…] это признак o u r эпохи .

agniyoga.org

No te sorprendas que en mucha gente haya un deseo intuitivo de volar, ya que esto

[…] es el s ig no d e n us tra poca .

agniyoga.org

Адаптации и изменения в

[…] использование от o n e эпоха t o a […]

также следует выделить и указать.

daccess-ods.un.org

Tambin habra que sealar y destacar las adapaciones y los

[…] cambios d e uso de un a poca ot ra .

daccess-ods.un.org

На первом этаже находится галерея с

[…] одна арка a n d барокко b a lu sters.

balearsculturaltour.es

En el primer piso, hay una galera de

[…] un arco, co n ba laus tr es barrocos .

balearsculturaltour.es

За гравировкой окошко, пропускающее свет

[…]

снаружи, чтобы войти и окружить Святого Михаила, создавая оптический

[…] эффект соответствует t h e Baroque , t he атрический стиль.

rutasdelvinorioja.com

Detrs de este relieve haba una linterna que permissiona la entrada de la

[…]

luz external y que rodeaba San Miguel, Creando de esta forma un efecto ptico de

[…] juego s de l uces m uy barroco y te atra l .

rutasdelvinorioja.com

Архитектура заводов и асиенд характеризуется кирпично-сырцовым строением, оштукатурено.

[…]

стены с охристой известью, каменные арки, украшения для окон и витрин, а также формальные,

[…] neo-classica l o r baroque o r na mentation.

portal.unesco.org

El estilo arquitectnico de las factoras y haciendas se caracteriza por el uso del ladrillo y el adobe y la presencia de

[…]

muros encalados con tonos ocre, arcos de piedra y piedras angulares con una decorationacin

[…] tradicional , neocl si ca o barroca .

portal.unesco.org

В верхней части центра города находится приходская церковь Сан-Лоренцо

[…] с фасадом e o f baroque s t yl e.

viavinum.es

En la parte alta de su casco urbano se sita la Iglesia parroquial de San Lorenzo con

[…] una fa ch ada d e e sti lo barroco .

viavinum.es

Это привело к добавлению четырех следующих компаний: Exodus,

[…] Digex, Abovenet a n d Epoch .

eur-lex.europa.eu

De este modo se aadieron las cuatro empresas siguientes: Exodus,

[…] Digex, A boven et y Epoch .

eur-lex.europa.eu

Я думаю, что этому джентльмену жаль, что ему было

[…] родился так поздно, в неправильной истории ic a l эпоха .

europarl.europa.eu

Creo que este seor lamenta haber nacido

[…] tan tard e, en l a poc a histrica e qui voice ada .

europarl.europa.eu

Это еще один урок мудрости и достоинства от того, кто символизирует, как немногие, стремление к свободе

[…] своего народа и h i s эпоха .

unesdoc.unesco.org

Es una leccin ms de inteligencia y dignidad. de quien ha sabido encarnar como pocos las ansias de

[…] libertad de u n pue blo y una poca .

unesdoc.unesco.org

В t h e эпоха o f g лобальный монополистический капитализм ни одна страна не может избежать сил, которые толкают капитализм к войне.

ibrp.org

Ante lo s revolucionarios e sparcidos por todo el mundo se plantea e l imperativo d e cerrar filas.

ibrp.org

Это был захватывающий период его личного служения по сравнению с

годом. […] the скоро-follo wi n g epoch o f p ublic министерство.

urantia-uai.org

Ste fue el perodo fascinante de su Ministerio Personal,

[…] en con tr aste con la poca de min ister io pblico […]

que pronto le seguira.

urantia-uai.org

В этом доме в Астурии, внутреннее убранство которого вообразили модель

. […]

Братья Барбоза полны иронии и храбрости в игре, которая

[…] обозначает n e w baroque i n t он окружение […]

Овьедо.

barbosasp.com

En esta vivienda en Asturias, el Interior Concebido por los Hermanos

[…]

Barbosa rebosa de ironía en un juego que

[…] apuesta p или e l nu ev o barroco y r ebos a at re vimiento, […]

en los alrededores de Oviedo.

barbosasp.com

T h e барокко M o me nt 2 00 6 : 9026 igion и народное благочестие

abengoa.es

El m omen to Barroco 20 0 6: Barroco , r eligi n y piedad popular

abengoa.es

Школа Фонда Фокус-Абенгоа t h e Барокко 2 0 0 4 : он торика и искусство убеждения […]

2005: Европа городов.

abengoa.es

Escu el и del Barroco Funda ci n Focus-Abengoa 2 004: El Barroco , re arte ..]

de la persuasin 2005: La Europa de las ciudades.

abengoa.es

В отличие от

[…] экспоненты t h e барокко , w ho подчеркнуто […]

украшение и символ, одобренные «современные» функции и полезность.

unesdoc.unesco.org

Contrariam en te a los barrocos, qu e dab an Prioridad […]

a la decoracin y el smbolo, los modernos afirmaban la funcin y el uso.

unesdoc.unesco.org

Внутренний дворик обрамлен с t h барокко s t yl e арками, которые […]

очень традиционный на острове.

balearsculturaltour.es

El патио aparece flanqueado por

[…] arquera s de tr adi ci n barroca m uy enr aizad as en la isla.

balearsculturaltour.es

Он является specialis t i n Baroque A r t и менеджер […]

Фламандская реставрация живописи и школы Севера в музее Прадо.

[…]

Он читал лекции в различных университетах США и опубликовал несколько книг.

arsmagazine.com

Especia li sta e n a rt e barroco, el Je fe de C onservacin […]

de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado ha impartido

[…]

clases en diversas Universidades de Estados Unidos y ha publicado varios libros.

arsmagazine.com

Finoglio был один

[…] из самых важных ta n t барокко p a в ters Неаполя под влиянием […]

по драматизации света Караваджо.

robert-schuman.eu

Finoglio es uno de los

[…] ms gra nd es p into re s barrocos n ap olit anos b ajo la […]

Влияние драматического искусства Караваджо.

robert-schuman.eu

Обычно отклонение осуществляется путем оценки общего электрического уровня ЭЭГ

[…] содержится в i n a n Epoch .

interacoustics.com

Обычная проверка, общая оценка и общая электрическая энцефалограмма

[…] contenido d en tro de u n tiempo .

interacoustics.com

Памятники социалистического реализма по своей природе составляют

[…] представитель t he i r эпоха .

museoreinasofia.es

Por su propia naturaleza, Лос-Анджелес-дель-Реалисмо-Социалистический сын

[…] Представить NT ativo s d e s u poca .

museoreinasofia.es

Столица и самый важный город

г. […]

Халифат, Кордова, насчитывала около 100000 жителей, что делало его главным городским районом Европы. […] концентрация в течение го а т эпоха .

sispain.org

La Capital y Ciudad ms importante del

[…]

Califato, Crdoba, tena alrededor de 100.000 Habitantes, constituyndose en la main

[…] Concentraci n городской и e e sa poca .

sispain.org

Психиатрия показала

[.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.

Copyright © 2022 homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз. All rights reserved.