Фешин художник: Художник Николай Фешин

Содержание

Художник Николай Фешин

Александр Рожин

Рубрика: 

ВЫСТАВКИ

Номер журнала: 

#2 2012 (35)

Судьба замечательного русского художника Николая Ивановича Фешина (1881—1955) сложилась подобно судьбам многих его соотечественников, которые по разным причинам, в силу тех или иных обстоятельств, вскоре после Октябрьской революции 1917 года оказались на чужбине. Это случилось с Константином Сомовым, Константином Коровиным, Михаилом Ларионовым, Наталией Гончаровой, Марком Шагалом, Юрием Анненковым, Давидом Бурлюком и сотнями других мастеров отечественного искусства, музыкантов, литераторов, актеров, философов... Оказавшись в эмиграции, они не утратили связи с культурой России, ее традициями, пронеся через всю жизнь верность своим историческим корням.

О Николае Фешине написана фундаментальная изданная в этом году монография, автором которой является последовательный, одержимый творчеством блестящего живописца, графика, скульптора казанский искусствовед Галина Тулузакова, собравшая и обобщившая исчерпывающий материал о его многогранном наследии.

Конечно, талант, художественная ценность, духовная и эстетическая наполненность произведений большого мастера неисчерпаемы. Об этом свидетельствуют работы первого биографа Фешина, его близкого друга Петра Дульского, статьи и воспоминания современников и учеников, высказывания и оценки скульптора Сергея Коненкова, режиссера Алексея Попова, искусствоведа Петра Корнилова, живописцев Николая Никонова и Петра Котова. В этом ряду опубликованных работ о нем особо отметим и очерк Софьи Каплановой в сборнике документов, писем и воспоминаний о художнике, напечатанном в Ленинграде в 1973 году.

Фешин рано обрел известность и признание не только на родине, но и за рубежом, его справедливо сравнивали с крупнейшими мастерами европейского и русского искусства начала двадцатого века.

Выпускник Казанской художественной школы и Высшего художественного училища при Российской Императорской академии художеств, занимавшийся в мастерской Ильи Репина, он всегда привлекал внимание, по словам Н. Никонова, своей «сверхтехничностью в искусстве».

Каждая выставка произведений Николая Фешина становилась явлением, открытием, как и нынешняя экспозиция в Инженерном корпусе ГТГ. Так, наряду с известными отечественной публике работами мастера, здесь впервые представлены картины и этюды из частных собраний и музеев США. В роли одного из инициаторов их показа и организаторов выставки выступил московский коллекционер и меценат Андрей Филатов, ревностный ценитель творчества художника, которого Репин, как вспоминал Евгений Кацман, считал «лучшим современным живописцем».

Конечно, эта экспозиция — открытие новых сторон и особенностей уникального таланта Фешина, которого по привычке, следуя фактам творческой биографии мастера, называют учеником Репина, как это делали его современники. Несомненно, определенное влияние своего наставника по Академии Фешин на себе испытал. Однако, на наш взгляд, куда более заметным и сильным для него увлечением была живопись Василия Сурикова. Но ни тот, ни другой не оказали решающего воздействия на формирование и развитие представления молодого Фешина о собственной, во многом новаторской концепции создания живописного образа, связанной не только с сенсорной стороной, но и с техникой и технологией творческого процесса.

Его нередко сравнивали и с Абрамом Архиповым, и с Филиппом Малявиным, и с Валентином Серовым, реже упоминали о некоей близости в понимании живописных задач с Михаилом Врубелем, хотя и для этой версии можно найти достаточно убедительные аргументы. Действительно, первые самостоятельные работы Фешина несут на себе печать определенной близости живописно-пластическим, колористическим и композиционным приемам, присущим и Репину, и Сурикову, как, например, в ряде портретов отца, в том числе и в одном из представленных на московской выставке, угадывается суриковская мощь, сила и размах. Есть здесь и полотна, особенно детские образы, прежде всего портреты дочери художника Ии, воспринимаемые как парафразы ряду аналогичных блестящих произведений Валентина Серова. В них присутствует внутреннее озарение, открытость миру, чувство особого восторга. По эмоциональному состоянию, свето-теневой и колористической партитуре они созвучны лучшим детским образам, созданным Серовым.

Фешин работал в разных видах и жанрах искусства, он занимался книжной, журнальной и станковой графикой, пробовал свои силы в сценографии и скульптуре, являлся виртуозным рисовальщиком, но истинной его стихией и призванием была живопись. Он много времени уделял материалу, технологии разработки своей системы цветовидения и подготовки грунтов, сохраняющих живые, чистые краски, исключающие случайные блики. Вместе с тем, Фешин говорил своим ученикам: «Чтобы писать, нужно уметь рисовать». В его рисунках чувствуется конструктивность построения композиции, изображения головы и рук модели; он как бы создает незримый каркас, который обеспечивает определенную скульптурность передачи облика персонажа, позволяющую ему рисовать и писать натуру с обезоруживающей убедительностью.

Он находит необычные, сложные точки, с которых строит пространственные проекции зримого объекта, показывая его в неожиданных ракурсах, позволяющих словно обходить модель с разных сторон, как скульптуру. Эти открытия, которыми он обязан глубокому изучению рисунков старых мастеров, в том числе любимого им Гольбейна, художник органично вводит в живописную ткань своих холстов.

Несмотря на широту интересов и жанровый диапазон, Николай Фешин, безусловно, прежде всего неповторимый мастер портрета. Отдавая должное его жанровым произведениям (таким, как представленные на выставке «В бондарной мастерской» или «Черемисская свадьба»), отдельным пейзажам и натюрмортам, заметим все же, что портрет не просто превалирует в творчестве живописца, а является вершиной воплощения его уникального таланта. Неслучайно среди ранних работ мастера, неоднократно экспонировавшихся на выставках Товарищества передвижных выставок в Петербурге и Москве, на выставках за рубежом, в Германии и Франции, именно портреты кисти Фешина всегда были в центре внимания зрителей и критики. Напомним, что уже в конце 1900-х годов в Мюнхене его портрет «Дама в лиловом» был отмечен золотой медалью. Поездки по Европе обогатили чувствительную натуру, расширили эстетический кругозор и дали мощный импульс новому видению художественных задач. И если в работах рубежа 1890—1900-х годов и отдельных произведениях более позднего времени мы находим еще определенную связь с традициями и живописной стилистикой Сурикова и Репина — он пишет еще плотно, с напором и внутренней силой, — то уже с начала 1910-х поверхность его картин и сама изобразительная трактовка образной драматургии обретает новые, неповторимые качества. Художник порой отказывается от использования такого традиционного инструмента, как кисть, пользуясь преимущественно мастихином, краска кладется на холст тонким, почти прозрачным слоем, что придает его картинам особую воздушность и музыкальность. Фешин работает мастихином, подобно тому, как скульптор — стеком или резцом, создавая объемную форму. Он унаследовал это удивительное чувство пластики, возможно, от отца — ремесленника, резчика по дереву.

Неслучайно, покинув пределы России в 1923 году, уже будучи в США, в своем новом пристанище, в Таосе, он, испытывая некую ностальгию, украшает свое жилище резной деревянной мебелью собственного изготовления, которая напоминает ему о Родине, о детстве.

Однако, вернемся к портретным образам, представленным на московской выставке в Третьяковской галерее, прежде всего к абсолютным шедеврам этого жанра, и попробуем еще раз проследить трансформацию образного мышления, техники живописи. Фешин не мог не экспериментировать, поскольку всегда стремился не к оригинальности как таковой, не следовал капризной и изменчивой моде, а искал свой особый стиль, собственную систему координат. Его индивидуальность проявлялась буквально во всем, он был заметной, яркой и признанной личностью в искусстве. У него образовался свой круг заказчиков и поклонников. И все же художник изначально отдавал предпочтение в выборе моделей близкому кругу родных и друзей. Он неоднократно обращался к одним и тем же персонажам, благодаря чему достигал в портрете проникновенной глубины и редкой психологической выразительности. Фешин блестяще писал лица и руки своих моделей; выполненные им работы обладали как убедительным внешним сходством с портретируемыми, так и непревзойденными личностными характеристиками людей, к которым он испытывал особые чувства и привязанность. Таковы портреты Надежды Сапожниковой, ученицы художника, жены Александры, Вари Адоратской, дочери друзей семьи, Натальи Кротовой, выпускницы Казанской художественной школы, художника Павла Бенькова, с которым он вместе преподавал в Казанской художественной школе, Николая Евреинова, автора замечательной книги «Оригинал о портретистах», портреты Давида Бурлюка и его супруги Маруси, портрет гравера Уильяма Уотта и, конечно же, портреты дочери Ии. Одни из этих произведений были написаны до отъезда в Америку, другие — сразу же в первое время пребывания за океаном. Независимо от датировки создания и некоторой разницы живописных приемов, все они обладают особой фешинской интонацией и образной содержательностью.

Сравнивая вышеназванные портреты художника с произведениями его современников, мы находим несомненные общие черты, которые объединяют русских мастеров начала XX века в их отношении к внутреннему миру моделей, в психологической обрисовке их характеров и судеб. Немалое сходство заметно, например, даже при беглом сравнении портрета С.П. Дягилева с няней кисти Леона Бакста с портретом Давида Бурлюка с серьгой в ухе, написанным Фешиным, хотя первый изображен справа налево, а второй — слева направо. В фешинском портрете, как в зеркале, угадывается абрис и композиционное решение дягилевского образа, созданного Бакстом почти на двадцать лет раньше, в 1906 году. Близость трактовки этим не ограничивается, поскольку она диктовалась не столько формальными задачами, сколько отношением к личностям своих персонажей, к их артистическим натурам. В облике одного и другого есть особая демонстративность позирования, чувство подчеркнутого превосходства над окружающими, работы на публику. Но, как отмечалось ранее, Фешин придавал большое значение изображению рук своих персонажей, о чем свидетельствует и портрет Бурлюка, где жесты весьма красноречиво дают понять зрителю о самовлюбленности и самоуверенности персонажа, о значительности представленной личности. Конечно, перед нами разные характеры, но трактуемые как в одном, так и в другом случае под вполне определенным углом зрения.

И все же вернемся к параллелям между фешинскими и серовскими моделями, достаточно ясно прослеживаемым при сопоставлении женских и детских портретов двух мастеров. Вспомним портреты знати, представителей высшего света, русской аристократии, написанные с гениальной виртуозностью Валентином Серовым, ставшие еще при жизни выдающегося живописца классикой отечественного и мирового искусства. Среди них особо отметим портреты Николая II, княгини Орловой, князя Феликса Юсупова. Несомненно, работая над образами своих персонажей, Николай Фешин вдохновлялся шедеврами Серова, при этом упорно стремясь оставаться самим собой, следовать собственному пониманию и отношению к решению живописно-пластических и образных задач. При явной близости композиционно-пространственных построений, использования эффектных поз и ракурсов, отдельных аксессуаров Фешин изображал иных по социальному происхождению персонажей. Такие созданные им портреты, как гувернантки дочери за чаем (миссис Крэг), мадемуазель Жирмонд за маникюром или Н. Сапожниковой за роялем, жены Александры Фешиной у зеркала или мадам Стиммель, живо напоминают о сходстве с приемами, характерными для Серова. Однако присущий Серову аристократизм — драматургическая парадность, торжественные позы, подчеркнутое великолепие антуража — уступает в творчестве Фешина место своеобразной поэтико-музыкальной аранжировке, которая задает эмоциональную интонацию портретов-картин фешинской кисти и сильнее всего, пожалуй, отличает их от произведений Серова — одного из тех, кто мог бы по праву считаться его кумиром. Если Серов подчеркивал в деталях антуража и интерьера принадлежность своих героев к высшему свету, то Фешин, напротив, импрессионистически словно растворял среду обитания своих моделей, лишь перечисляя отдельные ее признаки, создавая таким образом атмосферу интимности, тихой поэзии вокруг них. Серовская статуарность в работах Фешина фактически отсутствует, да и упомянутые персонажи едва ли могли на это претендовать, но здесь есть удивительная подвижность темпераментного мазка, вибрация воздуха и света, придающие полотнам мастера удивительное очарование. И вновь напомним о руках моделей, столь остро характеризующих изображенных барышень и дам, подчеркивающих хрупкость и изменчивость женской натуры и эмоциональных состояний, запечатленных звонкими чистыми красками художника. Фешину свойственен особый психологизм в передаче настроений позирующих ему людей, что так остро ощущается, конечно, и в автопортретах мастера. Все ранее отмеченные особенности живописной палитры Фешина как бы аккумулировались в портрете гравера У. Уотта, впервые показанном московскому зрителю. Наверное, эта выставка была бы не вполне многогранным отражением таланта художника, не будь на ней блестяще написанных ню, обнаженных, при взгляде на которых у кого-то возникнут ассоциации с натурщицами Огюста Ренуара, Эдгара Дега, Зинаиды Серебряковой...

Отдельного упоминания заслуживают немногочисленные натюрморты живописца, в которых также чувствуется подлинный блеск его таланта.

Заметное место в экспозиции заняли работы американского периода творчества Фешина. В них видно, как меняется палитра мастера в новых условиях. В живописи он все больше вынужден ориентироваться на художников юго-западной американской школы, в которой превалировали историко-этнографические сюжеты и образы. Но все равно его палитра остается такой же самостоятельной и неповторимой, не зависящей от художественного рынка, воли и вкусов заказчиков и поклонников. Да, он мог работать и на угоду публике, учитывая вкусовые предпочтения покупателей, поскольку содержание поместья в Таосе, расходы на лечение заболевания легких (по официальной версии, из-за этого он, наверное, и вынужден был покинуть Россию) требовали немалых средств. Он был и оставался до конца своих дней высокотехничным мастером, уровень профессиональной культуры которого являлся незыблемым показателем и критерием высокого искусства.

Николай Иванович Фешин был и ушел из жизни художником с русской душой, личностью, наделенной большим природным талантом, блестящим рисовальщиком и живописцем, творчество которого выдержало испытание временем, заняло достойное место в истории искусства двадцатого века.

Фото (репродукции картин): Черномашенцев Владимир, HalloART.ru

Вернуться назад

Теги:

Николай Иванович Фешин, биография и картины

   Таланты Фешина Николая Ивановича разносторонни и многочисленны, он живописец, скульптор, резчик по дереву, мастер декоративно-прикладного искусства, фотограф, педагог.

   Родился Фешин в Казани, в 1881 году, в семье мастерового – резчика иконостасов. Несмотря на болезненность, Николай проявлял способности к рисованию и был отдан отцом в местную художественную школу.

   Как впоследствии писал в своей биографии Фешин, он был очень дружен с отцом и каждое лето они ездили по деревням, выполняли заказы по резьбе. Поездки оставили неизгладимые впечатления на его будущее творчество: природа, люди, их обычаи с национальным колоритом – всё это заложило фундамент в детском сознании.

   Одной из его первых ученических, но уже обращающих внимание работ, была картина «Беспризорник».

   По окончании школы его, как лучшего ученика, рекомендуют в Академию художеств, куда Фешин и поступает в мастерскую известного художника Репина.

   С 1901 по 1909 годы Фешин учится в Санкт-Петербурге. Материальное положение Николая тяжелое, но в городе больше возможностей для заработка: он делает эскизы, иллюстрации, карикатуры, оформляет афиши.

   Фешин активно включается в академическую жизнь, его учителя - Репин И. Е., скульптор Залеман Р. К. и другие, формируют молодого художника. Работа юноши «Выход из катакомб после моления» получает 1-ю премию Академии художеств. Лето Николай стремится проводить у родственников в Поволжье, оттачивает мастерство, отрабатывает узнаваемый в будущем, размашистый и свободный полет кисти. На время учебы Фешина пришлось историческое событие 1905 года. Молодой человек проявляет свою гражданскую позицию, известны его эскизы с революционными темами – «1905 год на заводе», «Расстрел».

   К окончанию Академии Фешин сформировался как неординарный, индивидуальный художник. Он меняет технику живописи, благодаря опытам с красками и грунтом, живопись становится более устойчивой, яркой.

   Самыми известными работами Фешина за этот период являются - «Черемисская свадьба», «Дама в лиловом», дипломная «Капустница».

   В 1909 году ему присуждено звание художника и выдан грант на заграничную поезду, которую он совершил в 1910-м году, посетив Германию, Италию, Австрию.

   Казанская художественная школа, когда-то выпустившая в свет Фешина, в 1910 году приглашает его преподавателем, с проживанием при школе. Из воспоминаний Николая Ивановича, это был прекрасный период его жизни, он не озабочен бытовыми проблемами, много и с удовольствием работал.

   Фешин проявляет себя как грамотный авторитетный педагог. За основу он взял манеру преподавания Репина И. Е. – демократичную, не навязывающую своего авторитета, но замечая индивидуальность каждого ученика и не мешая ему развиться в нечто большее.

   1911-1917 годы период портретов - Н. А. Сапожниковой, Вари Адоратской, отца и других. После женитьбы в 1913 году, на бывшей ученице Белькович Александре Николаевне, появляется ряд портретов жены, а впоследствии дочери Ии. В 1914 году заканчивает работу над своей знаменитой картиной «Обливание».

   Николай Иванович активно участвует в выставках, состоит в членах различных художественных комиссий, принят в общество художников-передвижников. К 1917 году он уже является академиком живописи.

   В связи с революцией 1917 года, творческая жизнь в Казани замирает, в первую очередь, из-за элементарных проблем с отоплением, продуктами, электричеством.

   Чтобы прокормить семью, Фешин пишет портреты революционных деятелей, создает скульптурные портреты, театральные декорации. В 1919 году заканчивает жанровую картину «Бойня», эмоционально очень сильную и неоднозначную одновременно.

   Художник чувствует, что теряет смысл творчества, у него приступы меланхолии и депрессии. В 1923 году он принимает решение покинуть Россию и эмигрировать с семьей в США в Нью-Йорк.

   Первая работа, которую написал Фешин на американском континенте, это «Портрет Джека Хатера», коллекционера живописи и человека, помогавшего ему с переездом.

   Достаточно быстро и легко Фешин влился в творческую атмосферу Нью-Йорка: он ведет мастер-классы, начинает преподавать в местной Академии искусств, в 1924 году проходит его персональная выставка в Чикаго. Переводчиком и помощником ему служит жена.

   В 1927 году Фешин покупает землю в штате Нью-Мехико, в местечке Таос – центре культуры индейцев. Дом строится по эскизам самого Николая Ивановича.

   Для Фешина таосский период красочный, насыщенный всеми цветами, его персонажи местные аборигены - «Мануэлита с качиной – ритуальной игрушкой», «Мексиканская бабушка» «Храмовая танцовщица» и другие яркие полотна.

   В 1934 году Фешины разводятся и Николай Иванович с дочерью уезжает в Нью-Йорк, а затем в Калифорнию в Лос-Анжелес. Картины его продаются, он путешествует, увлекается фотографией, в годы войны пишет портреты генералов, дает частные уроки.

   В 1955 году Николай Иванович Фешин скончался. В 1976 году дочь художника перезахоронила отца в Казани по его завещанию. Картины Н. И. Фешина находятся в музеях Казани, Санкт-Петербурга, Вашингтона, Сиэтла, Лондона, в частных коллекциях. В его доме в Таосе организован дом-музей.

Художник Фешин Николай Иванович

26 ноября (8 декабря) 1881 (Казань) — 5 октября 1955 (Санта-Моника, ныне в составе Лос-Анджелеса)

Живописец, график.

Родился в семье резчика иконостасов; его отец рано привлек сына к работе и привил вкус к живописи. В 14 лет мальчик поступил в Казанскую художественную школу, где учил до 1900. В 1901 по рекомендации школы Фешин был принят в петербургскую Академию художеств, в мастерскую И. Е. Репина, которую окончил в 1909.

С 1909 Фешин жил в Казани и преподавал там в местной художественной школе. Картина «Портрет неизвестной» (1908) в 1909 удостоена золотой медали на международной выставке в Мюнхене, а конкурсная программная работа «Капустница» принесла Фешину звание художника и право на пенсионерскую поездку за границу.

Его картины 1900-х импрессионистичны, динамичны по живописной лепке, красочны и реалистичны. Например, работы, посвященные быту народов Поволжья: «Черемисская свадьба» (1908), «Обливание» (1911, Музей изобразительных искусств Татарстана в Казани).

К осени 1910 Фешин вернулся к преподаванию. С этого же времени художник постоянно участвовал в международных выставках в Европе и США (Питтсбург).

В 1916 он стал членом ТПХВ и получил звание академика живописи.

Подробнее

От Репина и от передвижников вообще он воспринял манеру широкого свободного мазка, но обнаружил и самобытный дар колориста. Раздельный мазок в его полотнах укрупнялся, соединялся с ритмом модерна, а иногда и с элементами протоэкспрессионизма.

В 1910-е — 1920-е были написаны наиболее значительные произведения художника: «Портрет Вари Адоратской» (1914) — один из лучших детских образов в искусстве рубежа XIX — XX веков; «Портрет Н. М. Сапожниковой» (1916), «Портрет отца» (1918) соединяли в себе острую экспрессию с живописностью.

Получив предложение преподавать в Нью-Йорке, в 1923 Фешин уехал в США. Жил в Нью-Йорке, а с 1927 — в Таосе (штат Нью-Мексико), где по своему же проекту выстроил дом-студию с «неофольклорной» резьбой собственного исполнения. В конце 1930-х путешествовал по Мексике и Японии. В поздний период переселился в район Лос-Анджелеса.

Фешин плодотворно работал в разных жанрах. Он выполнил большой цикл ярких этнографических зарисовок, нередко переводил их в литографию. Успешно занимался светскими портретами — элегантными, но не слишком реалистичными. Они скорее представляли собой цветастые наборы салонных комплиментов, чем вписывались в большое искусство.

Совсем в иной манере — серьезной и драматичной — написаны в 1923–1924 портреты художника Д. Д. Бурлюка и его жены (сейчас хранятся в США, Лонг-Айленд, Хэмптон-Бейс, в собрании наследников семьи Бурлюков). Кроме этого, в своеобразной манере, напоминающей графику Г. Гольбейна, художник создал обширную серию рисунков местного этноса.

В 1981, к столетию со дня рождения Фешина, в его доме в Таосе восхищенные «поразительной силой чувства, столь типичной для настоящего русского», американцы основали Институт его имени — с музеем и образовательным центром.

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

Художник Фешин Николай Иванович: Жизнь и судьба

На нашем сайте недавно был пост о портретах художника Николай Иванович Фешин: Портреты выдающегося русского живописца.

Те, кому интересно, могут по ссылке пройти и посмотреть портреты, которые в той подборке.. Здесь же помимо портретов и многие другие  работы мастера в разных жанрах и стилях. В основу поста положен материал  из Артархива, но для большего представления о творчестве Н.И.Фешина я использовала и  другие материалы из интернета.

***

Автор: Алена Эсаулова

У художника Николая Фешина (26 ноября (8 декабря) 1881, Казань — 5 октября 1955, Санта-Моника, Калифорния) удивительная судьба. Мировые катаклизмы – война, революция – не поломали его жизнь.

Словно путеводная звезда освещала его путь, а ангел-хранитель непрерывно был с ним. Он шел к своей цели, а вокруг него постоянно оказывались люди, которые могут и хотят ему помочь: замолвить словечко, ускорить получение документов, организовать выставку, купить картину.

Эмигрировал с женой и дочкой. В другой стране его встретили с распростертыми объятьями.

С 13 лет оставшийся без дома, недолго владевший домом в России, внезапно превратившейся в Советскую, даже это он исправил, обрёл, построил своими руками.

Дом, в котором надеялся прожить всю оставшуюся жизнь с двумя самыми любимыми на свете девочками: дочерью и женой. Здесь и подстерегла его самая большая потеря. Впрочем, вернемся к началу. ...

Нужно чудо!

Отец Николая Фешина владел резьбой и отлично золотил иконостасы.

В Казани у него была небольшая мастерская, в которой мальчик проводил целые дни практически с рождения. В четыре года ребенок тяжело заболел менингитом и впал в кому. Доктора разводили руками и рекомендовали родителям готовиться к худшему, оговаривая, что даже если выживет, практически наверняка останется недееспособным. «Молитесь о чуде, мы сделать ничего не можем», – таков был врачебный вердикт.

Отец решил чудо добыть. Помогло его знакомство с церковной сферой. В одном из казанских соборов хранилась особо почитаемая икона Тихвинской Богоматери.

Огромную икону принесли в дом и трижды обошли кровать с почти бездыханным ребенком. Мать Фешина вспоминала, что в тот момент, когда икону наклонили так, что она коснулась мальчика, Коля пошевелился. С того дня дело пошло на лад.

Единственным последствием стала появившаяся у него замкнутость и нелюдимость. К рисованию тоже пристрастился после первой встречи с чудом.

В тот год, когда он окончил публичную школу, в Казани открылась Художественная школа. Отбор в школу мальчик прошел. Но не так всё гладко было: родители развелись, семья разорилась, все разъехались, кто куда. Он в 13 лет остался один в Казани. Жил впроголодь, изредка что-то подбрасывала казанская тетка. Зато учился рисовать, а это было самым важным.

Николай Иванович Фешин "Автопортрет" 1920г. Холст,масло, 66х64 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан

Как Фешин стал художником

После Казани поехал поступать в Академию художеств. Поступил, приняли, был хорош, хвалили. На что жил? Академия, столь часто упрекаемая в косности и ретроградстве, заботилась о нуждающихся учениках.

Плата за обучение не взымалась, был ресторан, в котором студенты могли бесплатно обедать, постоянно проводились конкурсы с денежными призами, учреждались гранты. Фешин к тому же подрабатывал иллюстрациями.

Мечтой многих студентов было учиться у Репина, всех взять он не мог физически, но Фешина – взял. Влияние Репина на ученика признают все. Это, конечно, в первую очередь интерес к внутреннему миру портретируемого и интерес к народу.

В автобиографии художник вспоминает особое отношение наставника Ильи Репина:

«Ко мне он относился более тепло, чем к другим студентам, ценя точность моих работ. Прежде всего, он ценил мою способность к большим композициям и всегда убеждал меня идти этой дорогой».

Переняв от знаменитого учителя манеру широкого свободного мазка, художник развивает самобытный дар колориста, сознательно ограничившего краски своей палитры

Но, безусловно, реализация у этих мастеров была совершенно разной.

Репин многому научил Фешина, но, как ни странно, самое интенсивное обучение Фешин проходил после того, как Репин ушел из Академии.

Преподаватели сменяли друг друга, но того, кто занял бы пьедестал Учителя, по крайней мере, на взгляд Фешина, не появилось: «Мы, студенты, были предоставлены сами себе, и эти два последние года были наиболее существенны для меня как для художника».

Фешин дал себе свободу, позволил творить так, как хотелось именно ему. Много экспериментировал, читал, уделяя особое внимание технике. Тогда была заложена база того, что впоследствии назовут фешинским казеиновым грунтом – метод, позволяющий добиться матовости красок.

Николай Иванович Фешин "Черемисская свадьба" 1908 г.

В 1910 году «Черемисская свадьба» была выставлена в США, в Институте Канеги. Там картину увидел и приобрёл крупный американский финансист Уильям Стиммел, котрый с этого момента начал собирать коллекцию работ русского художника.

По свидетельству американской критики, Фешин, «родившийся в Казани, настоящий мужик в искусстве, обладающий всей мужественной силой, верностью глаза и поразительной силой чувства, столь типичной для настоящего русского <…> пожал полный триумф».

Николай Иванович Фешин "В бондарной мастерской" 1914, холст, масло 54х69 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан

Николай Иванович Фешин "Натюрморт", 1910-е

Николай Иванович Фешин "Осень "(1900-е)

Николай Иванович Фешин "Чувашские девушки" холст,масло, Волгоградский музей изобразительного искусства им. И.И.Машкова

Николай Иванович Фешин "Крестьянка". Холст, масло 34,5х29 см. частное собрание

Николай Иванович Фешин "Портрет художника Н.К.Евлампиева "(1905)

Николай Иванович Фешин "Портрет девочки" (1910) Холст, масло, 69×61 см

Фешин Н.И. "Портрет Коненкова"

Николай Иванович Фешин "Ия" (1928г.)

К выпуску из Академии Фешин представил картину «Капустница», за которую получил медаль и стипендию, позволяющую в течение года путешествовать по Европе, чем он не преминул воспользоваться: Австрия, Германия, Италия, Франция. Ездил, впитывал и не писал. Хотел в Париже учиться, но понял, что после 13 лет учебы он просто не в состоянии у кого-то еще учиться (на этом месте студенты сочувственно кивают).

Николай Иванович Фешин "Капустница" 1909, Холст, масло. 219×344 см.
По возвращении на родину его пригласили преподавать в Казанскую художественную школу. Уровень образования там катастрофически снизился, Академия требовала принять меры, в противном случае грозила лишить субсидирования. Николай Фешин в качестве преподавателя оказался превосходной «мерой».

Вскоре всю казанскую школу можно было назвать фешинской (собственно, она теперь именно так и называется). Фешин не был теоретиком, в классах он ставил свой мольберт рядом с мольбертами учеников и учил не словами, а собственным примером. Благодарные ученики в будущем не раз смогут выразить свою признательность учителю – тоже не словом, а делом.

Николай Иванович Фешин "Портрет Ии" (в профиль) (1927—1933)

Николай Иванович Фешин "Русская певица (Портрет Е.И.Хатаевой)" (Ок.1924)

Николай Иванович Фешин - "Ия в крестьянской рубахе" (1933)

Николай Иванович Фешин "Весна в степи" (Портрет А.Н.Фешиной). 1913г.

Николай Иванович Фешин "Дама в лиловом" (портрет неизвестной) 1908

Имя Николая Фешина за рубежом стало известно с 1909 года. За «Даму в лиловом» на мюнхенской выставке он получил Золотую медаль. С той поры его картины постоянно появлялись в зарубежных галереях и на международных выставках. Вскоре и Новый Свет принял русского художника.

Открыл его американцам коллекционер Уильям Стиммел. Он же пригласил Фешина представить свои работы в Институт Карнеги.

Так был проложен путь в Америку. С галеристами и коллекционерами необходимо было общаться, а Фешин иностранными языками не владел. Помогала вести переписку ему Александра Белькович, дочь первого заведующего Казанской художественной школой.

Она в совершенстве владела французским, а Фешин – в совершенстве владел кистью и с удовольствием ее писал. В 1913-м ей исполнился 21 год, ему – 32. Самое время пожениться, что они и сделали.

Николай Иванович Фешин - Портрет Е.К.Маковской (дочери художника К.Е.Маковского) (1908)

В поисках утраченного дома: Россия

Николай Фешин с 13 лет, по сути, не имел дома и жил один. Привыкнуть к семейной жизни поначалу было непросто. Иногда казалось, что ничего не получится. Но получилось, период взаимных притирок завершился, родилась дочь Ия – и это еще больше сплотило молодых.

С той поры, как он обосновался в Казани, Фешин писал очень много портретов. Любимыми героями были жена, дочь, отец.

Николай Иванович Фешин "Портрет жены архитектора Сидорченко"(1915)

Фешин "За самоваром. Портрет О.М.Ясеневой"(1913) Холст,масло, 80,6х98 см.Вятский художественный музей им.В.М.и А.М.Ванецовых

Николай Иванович Фешин "Портрет моего отца" (1912)

В 1917 году Фешин не сразу понял, что меняется вообще всё. Благодаря протекции учеников ни его, ни семью не трогали. Впрочем, не от всего могли защитить ученики.

Художник вспоминает...
" В 1919 году людей безжалостно косили голод и тиф. Мне случалось видеть, как ранним утром от госпиталя напротив школы отъезжали несколько повозок, гружённые голыми, скрюченными телами, небрежно прикрытыми рогожей. В этом году я потерял отца, он умер от тифа. Через несколько месяцев умерла моя мать…"
В Первую мировую войну связи с заграницей оборвались, возникли проблемы с реализацией картин. Жена настояла на покупке домика в лесу под Казанью. Там и спасались от житейских и общественных бурь.
Да и привычными темами ограничиться не удалось, с 1918 года приходилось выполнять и политические заказы.
Николай Иванович Фешин "Портрет Ленина" 1917г. холст, масло, 124 х 144 см. Гос.музей Татарстана. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан
Николай Иванович Фешин "Портрет Карла Маркса" 1918 г.

Николай Иванович продолжал трудится в художественной школе, в 1920 году был избран заведующим учебной частью и председателем художественного совета Казанских государственных свободных художественных мастерских, писал, в рамках плана монументальной пропаганды, портреты политических деятелей, портреты композиторов для Центральной высшей восточной музыкальной школы, портретные миниатюры, обратился к скульптуре, занимался декорациями для городского театра Казани.

В 1921 году в Казань прибыла Американская ассоциация помощи. Фешин понимал, что его проблемы – нет хороших красок, нет возможности писать то, то хочется, – это практически золотая жизнь по сравнению с проблемами, возникающими у многих вокруг. В любой момент всё может стать иначе и для него, и семьи, почвы под ногами нет.

«Мои корни здесь, но я потерял энергию работать, желание жить».

Через ассоциацию он связывается со Стиммелом и сообщает о своем желании уехать в США. Судьба благоволит художнику. Множество людей прикладывают множество усилий для того, чтобы оформить все документы с американской стороны, множество людей помогают ему в России.

(В те времена США ещё не признали СССР и в стране не было американского посольства, выехать можно было только через Ригу.)

На сбор документов и хождение по инстанциям в Казани понадобился год.Только 1 августа 1923 года семья Фешиных оказалась в Нью-Йорке.

Николай Иванович Фешин "Осенний пейзаж". 1910-е

Николай Иванович Фешин "Ранняя весна" Холст, масло. 39х52 см. Вятский худож.музей им. В.М. и А.М.Васнецовых.

Пока еще не лег на снег последний вечер,
пока еще ледок прихватывает след,
остановись со мной, мой самый первый встречный,
поговорим, - пока и воздух есть, и свет.

Пускай в морозный день восходят наши души,
в извечном их родстве свой обретая путь.
Так говорить легко, легко молчать и слушать,
слова находят плоть и раскрывают суть.

За время, что займет случайная беседа,
неуловимо день изменит свой узор,
здесь места больше нет, исчезли мы бесследно,
но в воздухе пустом все длится разговор.

Геннадий Калашников

Николай Иванович Фешин "Ранняя весна" (1916)

Николай Иванович Фешин "Портрет Вари Адоратской" 1914 Холст,масло, 135х145 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан

" Своим творчеством, особенно портретами, он, можно сказать, подвел итоги развития русской станковой живописи второй половины XIX века."
Искусствоведы напишут об этом явлении так: «Ученик Репина Фешин смог смешать в своей манере академизм рисунка и передвижнические сюжеты, импрессионистский мазок и экспрессионистский взгляд на мир»...


Портреты художника сочны и гармоничны по свету. В каждом из них автор передаёт тонкие движения человеческой души, раскрывает характер в повороте фигур, наклоне головы, жесте рук, выразительности взгляда...
Портрет Вари Адоратской продолжает трогательную по восприятию цепочку детских образов вслед за Алисой Л.Кэрролла (1865) и Верой Мамонтовой («Девочка с персиками» В. Серова, 1887)...


Из воспоминаний В.Адоратской:«Это было в марте-апреле 1914 года в Казани…

Я очень любила тетю Надю ( Сапожникова Н.М., ученица и друг Н. И. Фешина) и часто бывала у нее в мастерской, и она предложила, чтобы Николай Иванович написал меня. Мне было тогда 9 лет, я была довольно застенчива и дика…

Было решено, что Н.И. будет писать меня у тети Нади в мастерской… Сперва он посадил меня в плетеное кресло около стола, но потом решил посадить на стол. Мне это очень не понравилось, потому что было неудобно и даже больно сидеть – постоянно немели ноги. Но спорить с Н.И. было невозможно и приходилось покоряться. Сперва на мне был надет широкий шелковый пояс с синими, желтыми и красными клетками. Но Н.И. это не нравилось и он нашел кусок матовой шелковой материи, где было больше блеклых тонов и переделал то, что было написано сначала.

То же самое он сделал с платьем куклы-японки, которая лежала рядом со мной. Помню, что когда я начала позировать, он сперва нарисовал на холсте углем, затем стал рисовать лицо, а все остальное только наметки. Затем все время продолжал работу над лицом, постепенно докончил всю картину.

Натюрморт он писал иногда без меня. Когда он писал, то пользовался большой палитрой; у него было много кистей. Положит мазок и отбежит, чтобы посмотреть, и снова бежит к холсту. Движения у него были порывистые, и работал он с большим темпераментом и увлечением».

На картине Фешина изображена десятилетняя девочка, сидящая на столе среди разбросанных в живописном беспорядке игрушек и сладостей.Девочка сидит на белой скатерти в белом же батистовом платье, с голубовато-зелёным бантом,в комнате со светлыми стенами.
Художник прекрасно передал своеобразную посадку гибкой фигуры девочки. Золотисто-русые волосы двумя косичками струятся за спину.


Вся картина пронизана ощущением счастливой беззаботности детства, растворенной в рассеянном свете дня.
Варя и сама смотрелась бы как ожившая игрушка, если бы не серьезный взгляд ее темных глаз.

Глаза Вари задумчивы и внимательны, будто тысячи мыслей одновременно одолевают ее сознание, заставляя ее грустить...Но о чем?
Варя Адоратская родилась в Казани в 1904 году, в тот год, когда ее отец Владимир Викторович Адоратский вступил в партию большевиков.


А с 1914 года они были в плену в Германии, в 1918 году, по предложению Ленина, Советское правительство обменяло их на немецкое семейство. Семья вернулась в Россию и поселилась в Москве...
Десятилетняя Варя едва ли знает об этом...Скорее чувствует,как непрост окружающий ее взрослый мир...
Но портрет производит впечатление необыкновенной чистоты...


Если сюжет портрета Вари Адоратской -традиционный, в русле реалистической живописи передвижников, то формообразующие живописные компоненты картины, такие как смещенный влево центр композиции и лицо, помещенное в оптически активную часть холста,а особенно натюрморт на первом плане, — новаторские.
Анализируя возможности натюрморта,как жанра , Фешин пытается отразить характер девочки, уклад жизни и даже настроение через предметы,окружающие ее на столе. Художник как бы рассказывает нам историю семьи Адоратских...
Отец Вари Адоратской В.В.Адоратский отказался от портрета, приобрела его Н.М. Сапожникова. С ней он был в счастливые и тяжелые времена ее жизни, а она завещала портрет после своей смерти самой модели, то есть, Варе Адоратской.
В ГМИИ РТ портрет был передан только в 1964 году и по сей день остается одним из самых гармоничных портретов художника Николая Фешина. отсюда

Николай Иванович Фешин "Эройо Секко" (1927—1933)

В поисках утраченного дома: Америка

1 августа 1923 года семья Фешиных впервые увидела небоскребы Нью-Йорк. Его встречают, его ждут, он уехал с любимой женой и дочерью. Конечно, эмиграция в любом случае задача не из простых, но разве можно сравнить условия, в которые попал Николай Фешин после отъезда, с драмой Зинаиды Серебряковой, к примеру?

Фешин моментально включился в художественный процесс в США. Он снова много писал, был организован класс, в котором он преподавал другим художникам, также вел занятия для студентов в Академии искусств при Гранд Сентрал Галлерис (правда, был этим недоволен, жаловался, что, когда он что-то подправляет на ученическом холсте, его немедленно просят поставить автограф!). Жена на занятиях выступала как переводчик.

Николай Иванович Фешин "Лето "(Портрет А.Н.Фешиной с дочерью Ией) (1924)

Дом, милый дом

Нью-Йоркский период Фешина был успешен: обучение, персональные выставки, внимание коллекционеров. Он писал портреты преуспевающих американцев, организовал мастер-классы, стал преподавателем Нью-Йоркской Академии искусств.

Впрочем, с педагогической деятельностью как-то не заладилось.Американские картины очень жизнерадостны. Но у художника обнаружили туберкулез, пришлось искать более подходящий климат.

В итоге Фешины приехали в Таос, город в Нью-Мексико. Таос – сплав различных культур: американцы, индейцы, испанцы, мексиканцы. Чем-то он напоминал многонациональную Казань.

Осмотрелись, купили участок, на котором было два дома. В маленьком поселились, а над большим Фешин работал 6 лет.

Этот дом и поныне открыт для посетителей, теперь там музей Фешина, дом включен в перечень национальных исторических памятников США. Дом, безусловно, является одним из художественных произведений Фешина, а еще это гимн его любви к жене и дочери.

Он трудился над ним как художник, строитель, плотник, резчик, скульптор.

Мальчик, у которого с 13 лет не было дома, обрел его. И надеялся провести в нем жизнь рядом со своими самыми любимыми женщинами – взрослой и маленькой. Фешин прожил в Таосе 7 лет. Его талант в этот период достиг предельного накала, расцвел максимально. В Таосе он нашел всё… и всё потерял.

Фешин говорил, что американцы «довольствуются внешними эффектами, а если я правлю работы, то они просят их подписывать».

Фешин экспериментирует с пейзажами, выезжает на пленэры. Но более всего пишет портретов.

Николай Иванович Фешин "Ла Эбуэла" (1927-1933) Холст, масло.

Николай Иванович Фешин "Мальчик". 1927-1933, Холст, масло.

Николай Иванович Фешин "Старый индеец". 1927-1933, Холст, масло

Николай Иванович Фешин " Обнажённая женщина", 1923г. Холст,масло.

Николай Иванович Фешин "Портрет балерины В.П.Фокиной" (1925)

Николай Иванович Фешин "Старый патриарх" (1933-1940)

Николай Иванович Фешин "Дитя Таоса" (1927—1933)

Николай Иванович Фешин "Портрет писателя (Н.Н.Евреинов)". 1926

Николай Иванович Фешин "Тори Пайнз" (1925)

Николай Иванович Фешин "Малая вода в лагуне"

В Таосе Фешин много писал, занимался резьбой и увлёкся керамикой – художник брал уроки у местной индейской мастерицы Марии Мартинес. В этот период художник создал несколько деревянных и гипсовых скульптур. Художественная общественность Таоса тепло приняла семейство Фешиных в свои ряды, дочь Ия смогла получить приличное образование, художники помогли Фешину организовать сбыт своих работ и цена за них удвоилась.

Николай Иванович Фешин "Александра" 1930

Николай Иванович Фешин "Джон Вудраф"

Николай Иванович Фешин "Большой Иван (отец)". 1927-1933

Николай Иванович Фешин "Салватулла". 1920-е

Жизнь после любви

Жена, Александра Белькевич, была единственной любовью Николая Фешина. И когда она потребовала развод, мир рухнул. Есть версия, что Александра захотела самостоятельности, мечтала проявить себя как писатель. Она действительно написала две книги, достаточно хорошего уровня, но славы и богатства они ей не принесли. Впрочем, был еще один фактор. Александра увлеклась молодым поэтом Спадом Джонсоном.

Отношения с ним в серьезные так и не переросли. А дальше… Дочь не могла простить матери ее предательство и осталась с отцом. Они уехали в Нью-Йорк, где им пришлось учиться самим решать бытовые вопросы, которыми всегда занималась Александра. Она же оказалась без средств к существованию. Не в силах платить за отопление отстроенного мужем дома, она снимала дешевое жилье, ела бесплатно в ресторане, хозяин которого раз в год приходил в дом и выбирал любую из картин Фешина. 

Сам Фешин неоднократно пытался вернуться и восстановить отношения, но это так и не удалось.

Николай Иванович Фешин "Индейское ожерелье" холст, масло 51,5х41 см. частное собрание

В Нью-Йорке дела шли не очень, а вот переезд в Калифорнию оказался удачным. Фешин даже предпринял еще одну попытку создать свой дом – но и в нем жил недолго. Ия выросла и вышла замуж, дом оказался велик для художника, он его продал и приобрел студию в Санта-Монике. «Потерявши дом и семью, я и до сих пор не могу найти место, где бы я мог работать так же легко, как у себя в студии дома», – с горечью пишет он брату в Россию.

Тем не менее, жизнь после любви была: он подолгу путешествовал, побывал в Мексике, на Бали, в Японии. Впрочем, страстью путешествия для него не стали, и последние двадцать лет жизни он жил и работал в Санта-Монике. 

Писал портреты, преподавал ученикам, гулял со своей собакой и переписывался с дочкой. В письмах брату говорил, что жалеет об отъезде из России. Хотя очень может быть, что это была не столько эмигрантская тоска по родине, сколько тоска по жизни, о которой он мечтал: жизни в настоящем доме, с любимыми людьми рядом. Умер Николай Фешин во сне, оставив на мольберте неоконченный пейзаж.

Николай Иванович Фешин "Автопортрет" (середина 30-х гг.)

Николай Иванович Фешин "Берёзки" (до 1923)

Николай Иванович Фешин "Зимний пейзаж"

Николай Иванович Фешин "Зимний пейзаж с санями. Этюд "(1917) холст, масло, 47х37см.

Николай Иванович Фешин "Сельский пейзаж". Этюд (1900-е)

Николай Иванович Фешин "Вершины Тручас" (1927—1933)

Николай Иванович Фешин "Цветы во дворе дома Хенри Шарпа" (1927—1933)

Николай Иванович Фешин "Бобровая плотина" 1927-1933

Бежит вода, шумит вода,
Не иссякая никогда,
Сквозь толщу каменных пород,
За часом час, за годом год.

И каждый раз, придя к ручью,
Гляди в бегущую струю:
Увидишь зыбкий образ свой,
Мгновенно схваченный водой.

И каждый раз заметишь ты
Давно знакомые черты,
Но всё туманней, всё тускней
Их отразит в себе ручей.

И будет день, когда в воде
Себя не сыщешь ты нигде.
И будет течь и течь вода
Сквозь бесконечные года
И не иссякнет никогда.

1919 г.  Александр Чижевский

Николай Иванович Фешин "Залив Монтерей "(1925)

Николай Иванович Фешин "Уличный деревенский вид "(задник). Иллюстрация к книге 3.М.Славяновой (1921)

Николай Иванович Фешин "Ранчо в горах Таоса" (1927-1933)

Очень точно об удивительной атмосфере фешинского творчества сказал наш соотечественник С.Т. Коненков, знаменитый художник, скульптор и добрый знакомый Фешина: «Красота, заключенная в его полотнах, русский дух, не растраченный им до последних дней, сеют добро и добрые чувства и в Америке, и в Европе».

«Цель мастера живописца, - отмечает Фешин, - заключается не в бессознательном загромождении холста материалами, а в разумной экономии их… Об ограниченной палитре необходимо особенно помнить начинающим, ибо, чем меньше красок, тем больше пищи разуму в работе».

Художник много работает над созданием своей особой манеры письма. Традиционные приемы кистью и мастихином сочетаются с соединением красочных мазков и старательным их втиранием пальцами рук в холстовый грунт. Как результат – почти эмалевая поверхность многокрасочного слоя.

Николай Иванович Фешин "Выход из катакомб после моления" (1903)

Живопись Фешина мощная, неистовая и парадоксальная, очень гармоничная! Широкие , свободные мазки, основанные на на подлинном владении рисунком... и мгновенно схваченная композиция. Зрителю чуть ли не на физиологическом уровне передаётся энергия живописной кисти мастера.

Николай Иванович Фешин "Мальвы"

Николай Иванович Фешин "Маки"

Николай Иванович Фешин "Бабье лето " (1927-1933)

Николай Иванович Фешин "Лилии с раковиной"

Николай Иванович Фешин "Натюрморт" 1920

Николай Иванович Фешин "Натюрморт"

Николай Иванович Фешин "Натюрморт с подсолнухами"

Николай Иванович Фешин "Натюрморт"

Николай Иванович Фешин "Ромашки" 1930-1940 гг. холст, масло, 110х100см.

Николай Иванович Фешин "Натюрморт с чайником" (1948)

Николай Иванович Фешин "Натюрморт"

Николай Иванович Фешин "Натюрморт с апельсинами" 1925

Николай Иванович Фешин "Натюрморт с цветами"

Николай Иванович Фешин "Фуксии"

Николай Иванович Фешин "Подсолнухи"

Фешин Н.И. "Натюрморт с грейпфрутом" 1923

Фешин Н.И. "Абстрактная композиция", ок.1937 г.

В России Николая Фешина, ученика И. Е. Репина, можно поставить в один ряд с Филиппом Малявиным, Абрамом Архиповым, Сергеем Малютиным и другими мастерами Серебряного века.

В масштабе европейского и американского искусства творчество русского мастера входило в направление, которое представляли Андерс Цорн, Георг Брейтнер, Джон Сарджент, круг художников Мюнхенского Сецессиона и многие другие.

Оказавшись в эмиграции, он не потерял свою творческую личность, более того, его имя органично вошло в контекст американской культуры. Фешина прочно связывают с региональной художественной школой Юго-Запада и Таосской художественной колонией.

Из тридцати двух лет, которые Фешин прожил в США, в Таосе он провел около семи, но это оказался один из самых плодотворных и ярких периодов его творческой жизни в Америке. В Таосе индивидуальность художника полноценно раскрылась во всех областях – в живописи, рисунке, скульптуре, резьбе по дереву и архитектуре.

Существенным фактором для Советской России явилась эмиграция художника в США в 1923 году, которая предопределила игнорирование имени Фешина на родине вплоть до хрущевской оттепели конца 1950-х–середины 1960-х годов, времени второго «открытия» художника.

У художника примерно до 2000 произведений,(по некоторым оценкам американских арт-дилеров).

Они не просто разделены между Россией и Америкой, но и рассредоточены по музеям и частным коллекциям, немало весьма значительных работ художника утрачено.

В России его произведения хранятся в Государственном Русском музее Санкт-Петербурга, Государственной Третьяковской галерее, но, главным образом, в художественном музее Казани, хотя даже русский период художника коллекция музея отражает не в полной мере.

Поскольку с 1910 по 1914 год, время исключительно плодотворное, Фешин отправлял произведения на выставки в Германию, Италию, Голландию и особенно активно в Америку. С выставок произведения приобретались и, соответственно, не возвращались. Американские коллекционеры покупали произведения Фешина и другим способом – отбирая их по фотографиям. Кроме того, большое количество работ художник забрал при отъезде из России.

Созданное в Америке находится не только в коллекциях более чем 30 музеев, но и в многочисленных частных собраниях.
Фешин – художник во многом парадоксальный. Он индивидуален и неповторим, и одновременно его художественный язык соединяет в себе многочисленные стилевые направления.

Ясно читаются и академическая основа, и реалистические традиции передвижников, и импрессионистические элементы, и экспрессионистические тенденции, но все трансформировано в единую систему, где основным является открытое соединение натурных впечатлений с условной режиссурой.

Это стиль модерн, переходный стиль переходного времени. В XIX веке художники стремились к отображению реальности, весь XX век будет стремиться к ее преображению и созданию новой реальности ради постижения сути вещей. Переходность модерна и выражает дуалистичность художественного языка. 

Для художников модерна необходима натура, но также необходимо ее преобразование ради выявления главного, а главное – это Красота.

Текст по книге : Г.П.Тулузакова. Николай Иванович Фешин. Спб., 2007

источник

основной источник текста

Художники - Музей русского импрессионизма

Фешин покидает Россию в 1923 году. В США его ждут. Дав 18 работ на выставку русского искусства в Бруклинском музее, он привлекает внимание и публики, и профессионалов. Уже в 1924 году в Нью-Йорке откроется его первая персональная выставка. Не зная английского, Фешин постоянно давал мастер-классы: живопись в действии была красноречивее слов. Вскоре художник добился известности как портретист. Частные заказы позволили отказаться от преподавания. Покровители-коллекционеры покупают картины прямо с мольберта, делают заказы, представляют Фешина известным арт-дилерам и директорам музеев. Он попадает в эпицентр насыщенной эмигрантской артистической жизни Нью-Йорка. Здесь были созданы многочисленные портреты знаменитостей и коллег по артистической сцене («Портрет Дуэйн», 1926, «Портрет гравера У. Дж. Уотта», 1924), близких («Дома в Нью-Йорке», 1924, «Портрет Александры», 1926-27), натюрморты, пейзажи. Казалось бы, после лишений войны наступает долгожданная благополучная жизнь. Но у Фешина открывается туберкулез, и художник вынужден покинуть Нью-Йорк в поиске более подходящего климата.

По приглашению покровительницы искусств Мэйбл Додж Лухан Фешины летом 1926 года переезжают в городок Таос, Нью-Мехико. К этому времени Таос — культурный оазис, ставший благодаря усилиям Мэйбл Додж локальным центром модернизма, куда съезжаются мастера из разных стран. На фоне грандиозной природы здесь смешивается все: традиции индейцев, испанцев, мексиканцев, белых американцев и новоприбывших европейцев, провинциальная размеренность и бурное течение жизни пестрой художественной колонии.

Фешин оказывается в яркой артистической среде, общается с художниками: соотечественником Леоном Гаспаром и Джорджией О’Кифф, писателем Дэвидом Гербертом Лоуренсом, поэтессой-ирландкой Эллой Янг, фотографом Полом Стрэндом.

Из произведений таосского периода особо выделяются портреты индейцев и мексиканцев — романтические и возвышенные. Русский живописец настолько пришелся по душе жителям скрытной индейской общины Таос-Пуэбло, что ему даже позволяли быть очевидцем некоторых религиозных церемоний, в течение столетий строго охраняемых от чужих глаз. Контрастная природа Нью-Мексико и пестрая индейская жизнь вдохновили художника вводить в палитру необычайно яркие краски.

В 1928 году Фешин покупает глинобитный дом с неровными стенами в традиционном индейско-испанском стиле адобе и принимается за его переделку по собственному плану. Стены перекрашиваются в белый, прорубаются огромные арочные окна (для работы в естественном освещении). Мастер собственноручно украсил дом резьбой с элементами казанской геральдики – змеем Зилантом, головами коней и птиц, знаками солнца и воды, священным деревом, сам изготовил и деревянную мебель. Дом художника в Таосе приобрел черты модерна в его неорусском изводе. Именно в Таосе своеобразие художника раскрылось не только в живописи, но и рисунке, скульптуре, резьбе по дереву и архитектуре.

Необычайно плодотворный период в жизни Фешина оборачивается трагедией: в 1933 году любимая жена Александра подает на развод. Художник с дочерью Ией, которая предпочла быть с отцом, проводят зиму в Нью-Йорке, а затем переезжают в Лос-Анджелес. Здесь художник найдет своего галериста Эрла Стендаля, экспонировавшего Фешина следующие 20 лет. Фешин вновь стал преподавать. После свадьбы дочери художник покидает мегаполис и обустраивается в Санта-Монике. В 1936 году Николай Иванович с учениками путешествовал по Мексике, где познакомился с Диего Риверой. Потом были Ява, Бали и Япония, обогатившие его позднее творчество новыми темами. При этом всю оставшуюся жизнь Фешин обращался к мотивам из Таоса.

Художник умер во сне в возрасте 73 лет. По словам дочери, взявшей на себя хлопоты по сохранению его наследия, Николай Иванович всегда помнил о родине и подчеркивал, что самое сильное и плодотворное влияние на него оказали годы детства, юности и зрелого творчества в России. Следуя воле отца, Ия Фешина передала на Родину коллекцию фешинских работ и в 1976 году захоронила его прах в Казани.

Художник Николай Фешин (1881—1955) / Графика. Портреты: anabelle215 — LiveJournal


Женский портрет (Сидорченко). Николай Фешин.1915



Мальчик (После 1936 года)


Девочка с острова Бали (После 1938)


Портрет девушки (1940-е — нач. 1950-х)


Старик с острова Бали. 1938


Фешин Николай - русский художник, мастер живописи и графики, представитель импрессионизма и модерна.

Николай Фешин родился в Казани 26 ноября (8 декабря) 1881 в семье владельца позолотно-столярной мастерской. Учился в Казанской художественной школе (1895-1900), а затем в петербургской Академии художеств (мастерская И.Е.Репина), которую окончил в 1909. Был членом «Товарищества передвижников». С 1909 жил в Казани и преподавал в местной художественной школе.

Выдвинулся как автор динамичных по живописной лепке, красочных картин, посвященных быту народов Поволжья (Капустница, 1909, Научно-исследовательский музей Академии художеств, Петербург; Черемисская свадьба, 1908, Институт Карнеги, Питтсбург; Обливание, 1911, Музей изобразительных искусств Татарстана, Казань). Импрессионистический раздельный мазок в его полотнах укрупнился, соединившись с масштабной ритмикой модерна, порой — с элементами протоэкспрессионизма (Бойня, 1910-е годы). Писал и портреты, проникновенно соединяющие острую экспрессию с живописностью (Варя Адоратская, 1914; Отец художника, 1918).

Получив предложение преподавать в Нью-Йорке, уехал в США (1923). Жил в Нью-Йорке, а с 1927 — в Таосе (шт. Нью-Мексико), где выстроил по собственному проекту дом-студию, украсив его «неофольклорной» резьбой. В конце 1930-х годов путешествовал по Мексике и Японии, побывал на о.Ява. В поздний период переселился в район Лос-Анджелеса. Плодотворно работал в разных жанрах, оставив большой цикл ярких этнографических зарисовок, которые часто переводил в литографию. Имел сенсационный успех как светский портретист. Однако эти элегантные работы существовали как бы на обочине большого искусства, представляя цветистые наборы салонных комплиментов. Более серьезен и драматичен в образах людей искусства (портреты Д.Д.Бурлюка и его жены, 1923-1924, собрание наследников семьи Бурлюков, Хэмптон-Бейс, Лонг-Айленд, США).

Умер Фешин в Санта-Монике (ныне в составе Лос-Анджелеса) 5 октября 1955. В 1981 в его доме в Таосе был основан Институт Фешина — с музеем и образовательным центром

http://graphic.org.ru/feshin.html
https://vk.com/fechin

                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                L

Николай Иванович Фешин | Spirito

Российский художник рубежа 19-20 вв., ученик Ильи Ефимовича Репина. Фешин создал яркие образы российских крестьян в таких картинах, как «Капустница», «Черемисская свадьба» или «Обливание». Одной из главных черт манеры Фешина является эмоциональный, упругий мазок, лепящий живописную форму. В ряде работ, например, в картине «Капустница», «Черемисская свадьба» или в портретах, например, в картине «Дама в лиловом», благодаря такой живописной манере, художник создал иное, чем реалистичных картинах, ощущение материи. Рассыпчатость капусты, мягкость и подвижность складок ткани, вязкость грязи или снега – были не дотошно и детально выписаны, а нарисованы летящими подвижными движениями. Довольно часто манеру Фешина называют импрессионистической, что в принципе верно. Но художник не ставил перед собой задачу изобразить подвижность световоздушной среды. Художник скорее использовал этот прием как скульптор или резчик (художник происходил из семью резчика иконостасов), то есть как инструмент для лепки формы.
  
  
В 1923 г. художник с семьей мигрировал в США, где почти сразу включился в художественную жизнь и даже преподавал в Академии искусств при Гранд Сентрал Галлерис. Через некоторое время художник, по причине болезни, переехал в город Таос, в Нью-Мексико. В этот период художник создал графическую серию портретов местного населения, в основном индейцев. Именно эта серия портретов считается наибольшим достижением позднего творчества художника.


  

10 самых знаковых коллабораций в области искусства и моды

Искусство и мода - две области непрерывных инноваций и творческого самовыражения. И все же они решительно отличаются от другого: в то время как искусство свободно от каких-либо ограничений, мода связана с требованиями быстро меняющейся индустрии. Естественно, модные дизайнеры неоднократно обращались к искусству, чтобы наполнить свои творения этим чутьем творческой свободы, уступая место сенсационным коллаборациям искусства и моды. Проследите за некоторыми из самых знаковых пар между этими двумя мирами…

Эльза Шапиарелли x Сальвадор Дали

«Ужин из органзы с нарисованным омаром», вероятно, является одним из самых ранних совместных проектов модельера и художника.Это необычное, но элегантное изделие, созданное Эльзой Скиапарелли и Сальвадором Дали, стало результатом плодотворного сотрудничества этих двух творческих умов. Платье, которое Уоллис Симпсон носила в выпуске Vogue в 1937 году, считается одним из самых знаковых предметов одежды той эпохи.

Longchamp x Tracy Emin

Названная некоторыми критиками «сумками-монстрами», эта линия аксессуаров была разработана Трейси Эмин в сотрудничестве с Longchamp. К 10-летнему юбилею французский люксовый бренд пригласил британскую художницу создать коллекцию сумок, в которой были использованы некоторые из ее фирменных техник, например, лоскутное шитье, разрушенный текстиль и живопись.Созданные на основе исповеди Эмина, дизайнерские сумки были связаны с историей любви, в которой женщина путешествовала из одного города в другой в поисках «международной любви».

Рей Кавакубо x Мерс Каннингем

Как креативный директор Comme des Garçons, Рей Кавакубо всегда была известна своим концептуальным подходом к дизайну, стирающим границы между модой и искусством. Вдохновленная легендарным хореографом Мерс Каннингем, в 1997 году она создала новаторскую коллекцию лето / весна «Body Meets Dress, Dress Meets Body».Потрясающая игра современного танца и авангардной моды, меняющая тело.

Louis Vuitton x Ричард Принс

Для коллекции Весна / Лето 2008 Louis Vuitton Марк Джейкобс и Ричард Принс решили воплотить в жизнь недавнюю иконографию художника. В знак уважения к его знаменитым картинам « Nurse » модели шли по подиуму в прозрачных платьях медсестер. Другие отсылки к искусству Prince были воплощены в сумках LV - удачный ход, который ранее оказался успешным со знаменитой коллекцией сумок Takashi Murakami x LV, как мы увидим ниже.

Yeezy x Ванесса Бикрофт

От одевания своих исполнителей в бикини Gucci до сотрудничества с Louis Vuitton Ванесса Бикрофт была не новичком в мире моды, когда Канье Уэст пригласил ее сотрудничать с ним в его коллекции Yeezy 3 сезона в 2016 году. Вместе они устроили представление для показа на подиуме Yeezy, на котором были представлены сотни исполнителей, одетых в униформу Уэста.

Prada x Michael Elmgreen & Ingar Dragset

Расположенная на фоне потрясающих пейзажей техасской пустыни, эта специфическая для сайта инсталляция представляет собой ироничный взгляд Майкла Элмгрина и Ингара Драгсета на роскошный шоппинг.Повторяя дизайн магазинов Prada, которые можно найти в самых элегантных районах мира, инсталляция под лаконичным названием «Prada Marfa» представляет коллекцию бренда Весна / Лето 2005 года. С момента своего создания это произведение стало местом культурного паломничества ценителей искусства, но также стало жертвой неоднократных вандализмов.

Alexander McQueen x Damien Hirst

Именно общая иконография черепа побудила британский модный дом Alexander McQueen привлечь к сотрудничеству звезду скандального арт-рынка Дэмиена Херста.Чтобы отпраздновать 10-летие легендарного шарфа с принтом черепа, Херст создал ограниченную серию из 30 дизайнов, адаптированных из его серии Entomology. В этой коллекции бабочки и насекомые, которые населяют эстетику художника, вдохновленную Данте, созданы для создания мотива черепа Александра МакКуина.

Stella McCartney x Ed Ruscha

В 2016 году американский художник Эд Руша придал свой фирменный стиль зимней кампании Стеллы Маккартни #Stellacares. Отражая безжалостную производственную этику модельера, изображения кампании, снятые фотографом Харли Вейром, были наложены такими фразами, как «без мяса» и «без овощей» в характерном для Руша «Boy Scout Utility Modern».Шрифт в стиле без засечек, который он создал в 1980-х годах и стал центральным компонентом его работы.

Louis Vuitton x Takashi Murakami

Пожалуй, одно из самых коммерчески успешных коллабораций моды и искусства, коллекция аксессуаров Louis Vuitton x Takashi Murakami 2003 года раскрыла экономический потенциал, возникающий в результате столкновения моды и искусства. Эти сумки с яркой монограммой LV, разработанной японским поп-артистом, можно смело считать одними из самых образцовых ИТ-сумок 2000-х годов.

Raf Simons x Robert Mapplethorpe

Показанная на выставке Pitti Uomo в 2017 году коллекция мужской весенне-летней одежды Рафа Симонса стала источником вдохновения для создания невероятных фотографий Роберта Мэпплторпа. Некоторые из основополагающих работ художника, такие как его портреты Патти Смит, а также менее известные эротические фотографии были переработаны в одежду в печатной форме. Но искусство Мэпплторпа также присутствовало в более референциальных формах, например, в белых рубашках с широким вырезом, которые можно было увидеть на подиуме в знак уважения к андрогинному стилю Смита.Кстати, именно фонд Роберта Мэпплторпа обратился к Саймонсу, позволив ему просмотреть архив фотографа, чтобы воплотить его трансгрессивные работы в моду.

Как этот Instagram-художник превратил свою страсть к моде в карьеру внештатного сотрудника

Читать 11 мин

Примечание редактора: В этой серии статей Instagram Icon , Entrepreneur беседуют с людьми, стоящими за популярными аккаунтами в Instagram, чтобы узнать секреты их успеха.

Как и многие представители поколения миллениума, Жанетт Гетрост реализовывала свои устремления сначала через телевидение, а затем через социальные сети. Она была в средней школе, когда дебютировал канал Style Network, и настройка привела ее к мечте о карьере в моде. В чем конкретно будет ее работа, она не знала.

«Я предполагал, что вы можете быть либо дизайнером, либо моделью», - рассказывает Гетрост Entrepreneur . «Я не очень разбирался в индустрии, поэтому просто много рисовал. Я не знала, что модная иллюстрация вообще существует.”

Чтобы развить свои навыки, она взяла уроки рисования в местном колледже, а тем временем изучала и гуглила« иллюстрацию моды », чтобы получить представление о потенциальных возможностях карьерного роста.

В конце концов, Гетрост специализировался на журналистике - якобы более практичной альтернативе получению степени в области искусства. Затем, по ее словам, «когда я закончила школу, я сделала то, что, как мне кажется, делают многие творческие люди, когда вы как бы танцуете вокруг того, чем действительно хотите заниматься». Она работала в художественных галереях, занимаясь продажами, которые, по ее словам, «быстро поняла, что это совсем не творческий подход», а затем устроилась на работу в винтажном розничном магазине в Лос-Анджелесе.

Связано: Эта художница-самоучка использует Instagram в качестве своей галереи и привлекла несколько известных клиентов

Клиентура этого винтажного магазина - актрисы, дизайнеры, модные блогеры - были одними из первых Лидеры мнений в Instagram. По тому, как они использовали платформу, и по аудитории, которая за ними следовала, Гетрост понял, что Instagram - это способ показать миру, кто вы есть и что вы можете предложить.

Сегодня у профессионального модного иллюстратора более 107000 подписчиков в Instagram, он был представлен в Vogue , а также сотрудничал с такими брендами, как Chanel, Coach, Tiffany and Co.и больше.

Гетрост объясняет, как ее работа в винтажном магазине положила начало ее карьере, как изменился ее подход к Instagram за последние несколько лет и как платформа сформировала ее художественный стиль.

Это интервью отредактировано для большей ясности.

1. Как вы начали работать с Instagram?
Я управлял нашей учетной записью в социальной сети в винтажном магазине. Актрисы, дизайнеры и модные блогеры приходили, фотографировали и отмечали нас в Instagram, и я видел, что нас наводнили новые подписчики.Затем я увидел, как можно использовать Instagram как бизнес и продвигать себя.

В то время я все еще рисовал на стороне, только не публично. Я набирал обороты в Tumblr, когда решил опубликовать свои рисунки в Instagram. Я написал в своей биографии, что я был иллюстратором моды, хотя меня тогда еще не наняли иллюстратором. Вскоре после этого я начал получать запросы - только на небольшие концерты, иллюстрации для чьего-то веб-сайта, который они запускали, и тому подобное.

Я бы посвятил каждый день рисованию и размещению постов, и я был стратегическим и ставил хэштеги для всех своих постов, особенно нацеливаясь на людей, которые, как я думал, будут склонны репостить меня. Репосты людей с миллионом подписчиков обычно приносят мне от 1000 до 2000 подписчиков. Я помню, как за год до того, как я начал публиковать свои собственные работы, у меня было 10 000 подписчиков, а затем, через год после этого, я достиг 80 000. Примерно через год после того, как я начал писать, я был в значительной степени фрилансером в качестве иллюстратора на полную ставку.Я работаю фрилансером уже четыре года.

Мой первый концерт для настоящего бренда был на JustFab.com, может быть, через шесть месяцев после того, как я начал публиковать свои работы. Меня наняли для проведения живого скетча на одной из их вечеринок здесь, в Лос-Анджелесе. Второй год, который я жадно публиковал, в статье Vogue были представлены я и пара других иллюстраторов с заголовком: «Почему мода - это новые девушки. Держите ручки, а не кошельки ». Это определенно был момент, когда я ущипнул меня. Статья узаконила меня и дала мне больше возможностей.

2. Сколько времени вы тратите на публикацию и что это влечет за собой?
Когда я только начинал, особенно, я поставил себе задачу публиковать сообщения каждый день, то, что я обнаружил, было идеальным временем. Сейчас мне нравится делиться только тем, что, как мне кажется, представляет меня и мой вкус. Я жду, пока не создам вещи, которые мне нравятся, в удобное для меня время и в подходящий момент. Иногда, если я не занимался творчеством в течение нескольких дней или чувствую, что волшебства не происходит, я публикую что-то, что я сделал несколько недель назад, чем я еще не поделился.Если я не публиковал какое-то время, я буду чувствовать себя так, как будто я не в курсе.

Я стараюсь делиться своим творческим процессом с людьми. Если освещение в моей студии выглядит действительно хорошо, я могу просто настроить существующую картину и показать обстановку студии. Если я лежу на кушетке и зарисовываю, я могу подумать: Это хороший момент, я запишу это. Я люблю естественное освещение и тот волшебный час заката. Недавно я написал пост, в котором делал наброски в розариях.Я знал время дня, когда я собирался, и я собирался просто почувствовать вдохновение и получить личный момент зарисовки, но я определенно, в глубине души думал, что О, это, вероятно, было бы неплохо для также создавать.

3. Какова ваша контент-стратегия и как вы решаете, что и когда публиковать?
Я немного сбавляю темп и использую Instagram так, как я использовал его, когда он только появился, где он мне кажется более личным. Сначала я хочу, чтобы меня считали художником, делающим вещи, которые кажутся мне немного более соответствующими моему вкусу, а не чем-то похожим на рекламу или публикацию продукта.

Наличие места для размещения моих работ каждый день в течение последних нескольких лет и получение прямой обратной связи от аудитории в некоторой степени помогли сформировать мой художественный стиль. Иногда я публикую что-то, и я очень горжусь этим, и это не очень хорошо работает. А в другой раз я опубликую рисунок, который мне нравится, , я не знаю об этом, , и людям он действительно нравится. Instagram - это публичный форум, особенно для начинающего художника. Вы можете критиковать свою работу каждый день.

4. Как вы используете свой аккаунт в Instagram и в какой степени монетизируете его?
Если бы мне пришлось угадывать, я бы сказал, что 85 процентов запросов, которые я получаю, вероятно, исходят от людей, просматривающих мой Instagram.

Я работал с Тренером несколько раз, в том числе делал с ними живые скетчи в Нью-Йорке на Хай-Лайн. Бренд Tadashi был моим первым выступлением на Неделе моды. Я посетил их выставочный зал и проиллюстрировал некоторые закулисные моменты, затем отправился за кулисы в день шоу и задокументировал для Instagram.После шоу я проиллюстрировал их образы.

Пару лет назад я сотрудничал с Project Runway, и они присылали мне свои серии за неделю до выхода в эфир, и я делал наброски победных образов. Для своего Instagram они публиковали иллюстрацию, а я размещал ее у себя.

Что меня больше всего интересует и на чем сейчас сосредоточено, так это иметь конкретную работу, которая живет в мире. Я не особо хочу, чтобы меня считали художником-эскизом. Я сделал упаковку, и нет ничего лучше, чем зайти в магазин и посмотреть ваши работы.Я сделала упаковку для праздничной упаковки бренда средств по уходу за кожей Кейт Сомервилл для Sephora.

Я также продаю принты и делаю флэш-продажи. Сейчас я перехожу к большему количеству живописи, выполняю несколько частных заказов. У меня пока нет возможности использовать функцию Shoppable, но очевидно, что пролистывающие вверх ссылки на мой магазин через Stories полезны.

5. Что вы посоветуете другим людям, которые хотят создавать бренды на платформе?
Как только я написал в своей биографии, что я модный иллюстратор, меня всерьез восприняли как иллюстратора.Важно определить свои намерения. Не волнуйся слишком сильно. На то, чтобы действительно развить собственное чувство стиля, потребуется несколько лет, месяцев или столько же времени, особенно если вы начинаете как художник. Это просто то, с чем нужно быть терпеливым. Я верю, что буду работать над своим ремеслом каждый день, если это возможно. Это единственный реальный способ стать лучше.

Обратите внимание на то, что работает. Если люди действительно хорошо отзываются на посты определенного типа, то, возможно, вы просто на какое-то время сосредоточитесь на этом.Или если вы заметили, что публикация в определенное время работает хорошо. Это требует времени, вначале, особенно если вы привыкаете к этому - вы просто тратите на это так много времени. Вы должны просто посвятить много-много часов тому, чтобы быть включенным в сеть, что может показаться немного высасывающим душу или что-то в этом роде, но на самом деле это просто определение ваших сильных сторон.

6. Какое заблуждение многие люди имеют об Instagram?
Вероятно, вы видите только 10 процентов того, что я создаю.У меня бывают дни, когда я часами сижу и рисую, но ничего не происходит. Люди, вероятно, думают: «О, это так весело, можно зарабатывать себе на жизнь рисованием», а на самом деле это работа. Иногда я чувствую себя творчески, а иногда - нет. Это тоже бизнес. Мне будут представлены предложения о работе, которые в конечном итоге проваливаются.

Кроме того, то, что у кого-то много последователей, не означает, что кто-то работает последовательно. В отрасли бывают пиковые периоды, поэтому во время простоев я все еще пытаюсь оставаться занятым, выглядеть занятым и ждать следующей работы.Как любят говорить, много дыма и зеркал.

См. Ниже подборку Гетрост ее пяти любимых постов.

«Я создал контент для недавнего открытия pop-up дома красоты Chanel в Лос-Анджелесе. Я хотел создать пост, который оставался верным моему художественному выражению, а также был информативным для моей аудитории. Я подумал, что сопоставление цвета иллюстрации с красным логотипом Chanel на фасаде здания будет уникальным и эффективным.»

« Создание контента иногда может казаться ошеломляющим помимо времени, необходимого для создания новых работ. Этот снимок был незапланированным и сделан в реальном времени. К счастью для меня, эти «текущие» сообщения кажутся наиболее интересными ».

«Я постоянно экспериментирую с новыми средами, и в последнее время я начал работать в более крупном масштабе. Поскольку иногда бывает сложно представить контекст с произведением искусства, я решил поместить себя на фотографию, чтобы показать масштаб.»

« Вот еще один пример желания продемонстрировать новое направление. Хотя большинство людей знают меня по моим иллюстрациям, которые я обычно создаю на бумаге и в альбомах для рисования, я также люблю рисовать. Не говоря уже о том, что в эпоху цифровых технологий, я думаю, легко забыть, что за произведениями искусства стоит реальный человек. Это был мой способ сказать: «Это я. Я сделал это ».

« Самое замечательное в размещении иллюстраций - это то, что они иногда (надеюсь) говорят сами за себя.Я создал эту иллюстрацию по прихоти, без ссылки, поэтому я подумал: Подпись не требуется!

Чем занимается модный художник? (с изображением)

Художник моды работает с модельерами и арт-директорами над созданием творческих и художественных визуальных образов одежды с помощью цифровых и традиционных художественных средств массовой информации. Художника обычно просят создать изображения, чтобы побудить покупателей покупать одежду, и ему ставят задачу использовать свое чувство моды для разработки центральной темы проекта.Художник часто делает несколько разных визуализаций или цифровых изображений моды в разных ситуациях и даже на разных моделях. Работа художника моды обычно находится в рекламе, индустрии моды и в отдельных студиях дизайна.

После того, как дизайнер одежды создал новую линейку одежды, обычно вызывают модного художника для создания рекламного изображения, предназначенного для того, чтобы вызвать ажиотаж в индустрии моды.Часто художник будет использовать несколько различных типов медиа для создания желаемого изображения. От карандашных рисунков до акварели и цифровых изображений, компьютерных изображений - мода воплощается в жизнь и задается художником. Когда все пойдет хорошо, художник придет к дизайну, который будет привлекать потенциальных покупателей в магазины, чтобы купить одежду. Иногда такое волнение вызывается тем, что в рендеринге художника изображена конкретная модель, знаменитость или место.

Работа модного художника - от очень строгих и правильных визуализаций до образов современного искусства - придать моде доверие.Помещая одежду в неожиданном или нетрадиционном месте, художник моды может привлечь повышенное внимание к одежде. Этот тип сценария может быть таким же простым, как рисование модели купальника в купальном костюме в снежной обстановке. Поместив одежду в неожиданном месте, модный художник фактически привлек к продукту повышенное внимание. Это также известно как вид шоковой рекламы.

При использовании цифровых или компьютерных носителей изображения можно улучшить или обработать аэрографом.Это позволяет художнику изменять моду и модель, чтобы придать изображению желаемый вид. Художник моды, которого часто критикуют за изображение гораздо меньшей талии или более длинных ног на модели, использует эту технику, чтобы добавить привлекательности и привлекательности одежде. Некоторые модельеры будут использовать только одного художника исключительно для продвижения модной линейки. Это выгодно как для дизайнера, так и для художника, так как позволяет дизайнеру разрабатывать дизайн в соответствии со стилем силы рендеринга художника, а художнику иметь четкое понимание того, что нравится дизайнеру.

вдохновляющих иллюстраторов моды, за которыми можно подписаться в Instagram

Мода - это быстро, весело и легкомысленно, и ничто так не оживляет энергию и креативность индустрии, как модная иллюстрация.Культурная поездка знакомит с десятью лучшими модными иллюстраторами и вдохновляющими работами, которые они создают.

Ира Комлева @doll_memories

Мода и вдохновение встречаются в одной великолепно красивой ленте Instagram с @Doll_Memories. Подумайте: идеально прорисованные каблуки и наряды, которые вы хотели бы иметь, приправленные красивыми фотографиями гурманов и панорамами Нью-Йорка.

С такими клиентами, как Prada, Chanel, Dior, Tiffany & Co, Vanity Fair, Bergdorf Goodman, Louis Vuitton и Cartier, рисунки @meganhess_official являются прекрасным примером модной иллюстрации в лучшем виде.Потрясающие цвета и мечтательные линии - все благодаря ее надежному ручке Montblanc, которую она называет «Монти». Вы можете купить ее потрясающие произведения искусства на ее веб-сайте.

Дэвид Даунтон @daviddownton

Клиенты @ Daviddownton, известные как один из ведущих мировых художников моды, включают Chanel, Dior, Tiffanys New York, Top Shop, Joyce, Hong Kong, Harrods, Estée Lauder и Музей Виктории и Альберта. Он также рисовал пером на бумаге некоторых из самых красивых женщин мира и теперь является первым художником моды, проживающим в отеле Claridge’s в Лондоне.

Гриз и Норм @grizandnorm

Работая со знаменитостями и дизайнерами над созданием причудливых произведений искусства, @Grizandnorm на самом деле являются художниками художественной анимации в Walt Disney Animation Studio. Гриз - виздев и дизайнер персонажей, а Норм - художник раскадровки, создающий красивые рисунки, которые вдохновят и впечатлят.

Gretchen Röehrs @groehrs

Объединяя еду для создания неожиданно красивых иллюстраций, @Grohers любит не что иное, как рисование платья от кутюр в сочетании с парой кусочков черники и редиса, добавленных для хорошей меры.Уникальный, красивый и съедобный.

Ищете великолепную коллекцию фантастических иллюстраторов моды в одном месте? Галерея модных иллюстраций - это лента Instagram для вас. Обязательно посетите веб-сайт, на котором представлены одни из самых невероятных иллюстраторов моды. Здесь вы можете приобрести свои собственные произведения искусства, вдохновленные модой.

Blair Breitenstein @blairz

@Blairz - это прекрасная коллекция снимков прямо с подиума, а также ее собственные картины и рисунки.Легко понять, почему у этого художника впечатляющее количество подписчиков.

Питер Тернер - невероятно талантливый художник, у которого есть клиенты, включая Christian Dior, Dom Perignon, Vogue , Harpers Bazaar , Galerie Lafayette и Мадонну. Акварель и красивые четкие линии составляют этот потрясающий корм.

@eric_c_duhhh

Думайте невероятно красивые диаграммы лица, которые иллюстрируют потрясающий макияж. Нарисованный от руки и вдохновляющий, этот визажист Bay Area - тот, кто следит за @eric_c_duhhh за безупречными иллюстрациями макияжа.

@Richard_Haines - художник из Бруклина, который демонстрирует сочетание изобразительного искусства, модных иллюстраций и короткометражных видеороликов в этой яркой ленте Instagram. В его галерее вы найдете работы разных художников, и если вы что-нибудь полюбите, то сможете подобрать что-нибудь на одном из онлайн-аукционов.

Fida Talks - Как выжить в качестве модного художника - fidaworldwide

На Talks будет обсуждаться работа избранных модных креативщиков и художников, имеющих большой опыт работы как внутри компании, так и внештатно с брендами.В конце беседы будет предоставлена ​​возможность для вопросов и ответов, и беседа должна длиться не более 45 минут.

Fida стремится помочь поддержать и отметить сегодняшних модных иллюстраторов. Деньги, собранные в ходе переговоров, предоставят возможности иллюстраторам, которые не могут позволить себе место на веб-сайте Fida или в книгах.

Франческо Ло Яконо - итальянский иллюстратор, в настоящее время проживающий в Лондоне. До этого он около пяти лет жил в Париже, где также работал в агентстве по прогнозированию тенденций Nelly Rodi.

Он уже работал с широким кругом клиентов, включая модельеров, элитные универмаги и модные журналы. Некоторые из его иллюстраций также были представлены во время второго выпуска DDessin, ярмарки современного рисунка в Париже.


В список его клиентов входят:

Dior, Louis Vuitton, Gucci, Off-White, Fendi,

JW Anderson, REDValentino, Bottega Veneta,

Сальваторе Феррагамо, Тед Бейкер, Vogue Japan,

L'Officiel Italia, Пол Смит, тряпка и кость, CFDA,

Неделя моды в Париже, GQ Mexico, Selfridges,

Харви Николс, Stratégies Magazine, InStyle Uk, Stylist Magazine, Vfiles, Superdrug, Sportweek,

L'Officiel Hommes Italia, Лу Дальтон,

Malene Oddershede Bach и другие.

Он представлен Lipstick of London.

Он был одним из судей первой премии Fashion Illustration Drawing Awards. Более двух лет он также проводил ежемесячные занятия по рисованию в модной жизни во флагманском магазине Cass Art в Лондоне.

Вики Луиза Уорд

Вики Луиза Уорд - лондонский иллюстратор моды и образа жизни. Она училась в Университете творческих искусств, прежде чем начать свою карьеру в области дизайна и иллюстрации, а также работала и сотрудничала с такими брендами, как L’Oréal, SkinCeuticals, Stylist и NET-A-PORTER & Mr Porter.Она использует смесь минималистичных и детализированных линий вместе с абстрактной акварелью, чтобы описать красоту и элегантность окружающего ее мира.

Она помешана на моде и регулярно посещает такие шоу, как Alice Temperley, Vivienne Westwood, Erdem и Vin + Omi; позже реализовав свои переживания в тонких оригиналах.

В прошлом году Вики выставлялась в рамках показа Cluster Illustration на лондонском Brick Lane, а теперь дебютирует на международном уровне в рамках Fashion Illustration в Acid Gallery, в которую входят некоторые из ее подиумных работ.Совсем недавно она была финалистом в двух номинациях награды FIDA (Fashion Illustration Drawing Awards).

Монтсеррат Сальват

Монтсеррат Сальват - испанский иллюстратор; беспокойный ум, который осмелился бы заявить, что единственное намерение в ее произведениях искусства и Жизни - отдать дань уважения Красоте.

После нескольких лет работы в финансовом секторе ее страсть к искусству и моде полностью меняет баланс, превращая ее в профессию, образ жизни и само по себе Завершенное действие.

В настоящее время она работает с модными фирмами и компаниями в этой отрасли, такими как Dior, Armani, Massimo Dutti, L´Oreal, Calzedonia, Vogue ... делая ставки на разные проекты, но всегда в рамках принципов устойчивости и пропорции, сохраняя эстетику в соответствии со своей этикой .

Джилл Райт

Я внештатный иллюстратор с 22-летним опытом дизайна одежды, графического дизайна и иллюстраций. Хотя я специализируюсь на модной иллюстрации, мой стиль также распространяется на еду, природу и многое другое, и я люблю новые вызовы.

ПОСЛЕ ПОКУПКИ БИЛЕТА ВАМ БУДЕТ ОТПРАВЛЕНО ПОДРОБНАЯ ИНФОРМАЦИЯ, КАК ПРИСОЕДИНЯТЬСЯ К РАЗГОВОРУ.


для доп. Информации:

[email protected]

Модная иллюстрация с 16 века до наших дней

Рис. 1. René Gruau , дань уважения первой модной коллекции Christian Dior в 1947, 1987

Большинство модных иллюстраций были созданы для того, чтобы их можно было увидеть на странице с близкого расстояния, что позволяет получить личный опыт, связанный с книгами и письмами.Таким образом, модные иллюстрации обладают уникальным чувством интимности, когда изображение находится в руке зрителя, а также срочностью, необходимостью остановить нас, прежде чем мы перевернем страницу.

Модная иллюстрация требует уникальной способности использовать перо или кисть таким образом, чтобы она не только улавливала нюансы с помощью жестов, но также могла преобразовывать графическое изображение одежды, аксессуаров или косметики в объект желания. Работа модного художника - «рассказать историю платья».’

Рис. 2. Чарльз Дана Гибсон , Книга Гибсона, Том II , 1907

НАЧАЛО МОДНОЙ ИЛЛЮСТРАЦИИ

Модная иллюстрация началась в шестнадцатом веке, когда глобальные исследования и открытия привели к увлечению одеждой и костюмом людей во многих странах мира. Были напечатаны книги, иллюстрирующие соответствующую одежду различных социальных классов и культур, чтобы помочь устранить страх перемен и социальные волнения, вызванные этими открытиями.

Между 1520 и 1610 годами было опубликовано более двухсот коллекций таких гравюр, офортов или гравюр на дереве, содержащих пластины с изображениями фигур в одежде, соответствующей их национальности или положению. Это были первые тематические иллюстрации платья и прототип современной модной иллюстрации. Иллюстрации, вероятно, попали к портным, портным и их клиентам, вдохновив на создание новых дизайнов.

Рис. 3. Abraham Bosse , Un homme se dirigeant à droite monte un degré , 1629

Художники семнадцатого века Жак Калло (1592–1635) и Авраам Боссе (1602–1676) использовали современные техники гравировки для создания реалистичных деталей одежды и костюмов своего времени.

Журналы, которые начали публиковаться во Франции и Англии с 1670-х годов, считаются первыми модными журналами, среди них Le Mecure Gallant , The Lady's Magazine , La Gallerie des Modes , Le Cabinet des Режимы и Le Journal des Dames et des Modes . Увеличение количества периодических изданий и журналов, выпущенных за это время, было ответом на все более информированную женскую аудиторию, жаждущую последних новостей моды.К концу восемнадцатого и началу девятнадцатого веков иллюстрации современных мужских стилей стали столь же важными, как и женские.

Рис. 4. Jacques Callot , гравюра из La Noblesse , ок. 1620

МОДНАЯ ТАБЛИЧКА В ДЕВЯТНАДЦАТОМ ВЕКЕ

Модная тарелка стала популярной в конце восемнадцатого века, процветая в Париже благодаря таким публикациям, как « Incroyables et Merveilleuses » Горация Венет.Эта серия акварельных модных рисунков при Наполеоне I была выгравирована Жоржем-Жаком Гатином (1773-1824) как серия модных табличек. Положение Франции как арбитра моды обеспечило постоянный спрос на модную иллюстрацию дома и за рубежом. Этот интерес к модной одежде и растущий доступ к ней привели к появлению более ста пятидесяти модных периодических изданий в девятнадцатом веке, все из которых включали модные номера. Эти подробные модные иллюстрации отражали актуальную информацию и давали общие инструкции по шитью.Эти иллюстрации были созданы такими талантливыми художниками, как сестры Колин и Флоренса де Клосмениль .

Рис. 5. Georges-Jacques Gatine , Le Goût du Jour, No. 21: Les Modernes Incroyables , из Caricatures Parisiennes , ок. 1815 г.

Мода от кутюр возникла в 1860-х годах. Модные дома наняли иллюстраторов, которые работали бы напрямую с кутюрье, чтобы набросать новый дизайн, пока маэстро наклеивал ткань на живую модель.Они также нарисовали иллюстрации к каждому дизайну из готовой коллекции, которые затем можно было отправить клиентам. К концу девятнадцатого века ручная печать была заменена полноцветной печатью. На модных пластинах стали изображать две фигуры, одна из которых видна сзади или сбоку, так что костюм можно было увидеть под большим углом, что облегчало копирование. В центре внимания иллюстраторов девятнадцатого века были точность и детали. Они придерживались статических, иконографических условностей, чтобы предоставлять информацию и инструкции своим зрителям.

Рис. 6. Florensa de Closménil , La Mode, 25 сентября 1846 г .: Chapeaux de Mme Penet , 1846

Модная иллюстрация на рубеже двадцатого века стала очень графичной и больше основывалась на индивидуальном стиле художника. Например, Чарльз Дана Гибсон (Charles Dana Gibson) (1867-1944) колючий рендеринг современной американской женщины с взъерошенными волосами и рубашечной талией определили тип, а также предоставили юмористический, иногда сатирический, комментарий к современной американской жизни.

ЖУРНАЛЫ МОДЫ И ИЛЛЮСТРАЦИЯ В ХХ ВЕКЕ

Первые десятилетия двадцатого века стали свидетелями первого расцвета модной иллюстрации в ее современном понимании. Рисование стало призванием, поскольку распространение новейших стилей становилось все более прибыльным. Мода, прежде создававшаяся отдельными художниками, превратилась в индустрию, производящую новые товары в беспрецедентных количествах для заполнения универмагов.Эти магазины изобретали культуру покупок, новое национальное времяпрепровождение.

В Париже кутюрье Поль Пуаре заказывал ограниченным тиражом альбомы таких художников, как Поль Ирибе (1883-1935). В 1908 году Ирибе представила фигуры, напечатанные с использованием метода pochoir , основанного на японских методах, которые включали создание трафарета для каждого слоя цвета, который затем наносился вручную. Известный своей украшенной драгоценными камнями палитрой и чистыми графическими линиями, Пуаро теперь сочетал свои новые нескорсированные и экзотические силуэты с элитным и эксклюзивным миром искусства.

Рис. 7. Paul Iribe , Les Robes de Paul Poiret Racontée , 1908

Издававшийся с 1912 по 1925 год роскошный французский журнал Gazette du bon ton собрал группу молодых художников, которым была предоставлена ​​беспрецедентная свобода в их интерпретации моды. Каждое издание содержало до десяти цветных тарелок pochoir и несколько эскизов дизайна кроксов. Ирибе был одним из нескольких иллюстраторов моды, которые внесли свой вклад в знаменитую публикацию, в которую также вошли работы таких великих людей, как Чарльз Мартин (1848-1934), Эдуардо Гарсия Бенито (1892-1953) Джордж Барбье (1882-1932) Жорж Лепапе (1887-1971) и Умберто Брунеллески (1879-1949).Пластины, которые они изготовили для Gazette , демонстрируют влияние японской гравюры на деревянных блоках, а также новую гладкую геометрию стиля ар-деко.

Рис. 8. Джордж Барбье , Artémis - Manteau, de Worth , таблица 29 из Gazette du Bon Ton, № 4 , 1924-1925

В Соединенных Штатах журналы мод для массового рынка Vogue и Harper’s Bazaar освещали социальную жизнь, а также современные тенденции в одежде и красоту. Harper’s Bazaar подписала эксклюзивный контракт с Erte на период с 1915 по 1938 год - один из самых длительных контрактов в истории издательского дела. С 1910 года до начала Второй мировой войны на обложке Vogue всегда была иллюстрация. На ранних обложках Vogue были изображены работы американских иллюстраторов Хелен Драйден (1882-1972), Джорджа Вольфа (1883-1965), Джорджа Лепапа (1887-1971) и F.X. Лейендекер (1876-1924).После Первой мировой войны к ним присоединились европейские художники, в том числе Эдуардо Бенито (1891-1981), Шарль Мартен (1884-1934), Пьер Бриссо (1884-1964) и Андре Марти (1882). -1974).

Рис. 9. F.X. Leyendecker , Обложка Vogue , 1 марта 1911 г.

ЗОЛОТОЙ ВЕК МОДЫ ИЛЛЮСТРАЦИЯ

1920-е и 30-е годы - это «золотой век» модной иллюстрации.Каждый коммерческий художник считался художником моды - все были прекрасными рисовальщиками. Многие смогли убедительно и убедительно изобразить текстуру, блеск и даже вес ткани.

Новые технологические разработки в фотографии и печати стали позволять воспроизводить фотографии и размещать их непосредственно на страницах журналов, а это означает, что модная тарелка больше не является отражением современной жизни. К началу 1930-х в журналах стали отдавать предпочтение фотографиям: в 1936 году журнал Vogue сообщил, что обложки с фотографиями продаются лучше.Иллюстрация стала отодвигаться на внутренние страницы.

Рис. 10. Рене Буше , Красный костюм , 1950

В условиях экономического спада, последовавшего за крахом фондового рынка в 1929 году, модная индустрия Соединенных Штатов стала меньше зависеть от моды Парижа. В межвоенные годы американское производство одежды добилось больших успехов, улучшив методы крупномасштабного производства и стандартизировав размеры. Женщины из среднего класса полагались на опытных портных, которые интерпретировали последние модели от кутюр по более доступным ценам, в то время как выкройки, опубликованные такими журналами, как Vogue и Women’s Journal , были неоценимы для домашней портнихи.С началом Второй мировой войны эти навыки приобрели новое значение, поскольку женщины изо всех сил пытались сохранить определенный уровень модности перед лицом острой нехватки поставок и ограничений.

Основная цель Vogue заключалась в том, чтобы показать читателю моду с максимально информативной детализацией. Фотография освободила иллюстраторов от необходимости делать точные записи одежды в пользу более интерпретируемых интерпретаций модных платьев. Издатели журналов жаловались, что «художников в основном интересовали забавные рисунки и декоративные эффекты.... им до смерти надоело что-нибудь, напоминающее обязанность честно рассказывать о духе современной моды ». Vogue и Harper's Bazaar поддержали искусство модной иллюстрации, показывая работы таких модных иллюстраторов, как Кристиан Берард (1902-1949), Эрик [Карл Эриксон] (1891-1958), Эрте [Ромен де Тиртофф] (1892–1990), Марсель Вертес (1895–1961), Рене Буше (1906–1963) и Рене Грюо (1908–2004).

«New Look» от Dior в конце 1940-х годов послужил источником вдохновения для возрождения моды после войны. Во многих смыслах это был ретроградный стиль, возвращающийся к прошлому, а не предвосхищающий будущее, но он также символизировал возвращение к более веселым и оптимистичным временам.

Рис. 11. Erté , Symphony in Black , 1983

РАСПАДА И ВОЗРОЖДЕНИЕ МОДНОЙ ИЛЛЮСТРАЦИИ

К 1950-м годам модные редакторы вкладывали больше средств в редакционные выпуски фотографий.Последующее продвижение модного фотографа к знаменитости означало, что иллюстраторам приходилось довольствоваться работой над статьями для нижнего белья и аксессуаров или рекламными кампаниями.

В 1960-е годы мода на иллюстрацию в журналах продолжала исчезать, что было представлено в новой категории молодежных журналов для подростков, ряд из которых был запущен в 1960-е годы и все они использовали иллюстрацию как более дешевую альтернативу фотографии. Их роль заключалась в том, чтобы вдохновлять и предлагать, а не диктовать.Иногда появлялись иллюстрированные обложки, а редакционные иллюстрации включали такие художники, как Рене Буше, Альфредо Буре (1928-2018), Тод Драз (1943-1987) и Том Кио (1922-1980).

Рис. 12. Альфредо Бурэ , иллюстрация для Vogue Paris , 1960

Антонио Лопес (1943–1987) был единственным художником, регулярно появлявшимся на страницах Vogue за это время, начав свою карьеру в Women’s Wear Daily.

Во второй половине двадцатого века модная иллюстрация изо всех сил пыталась выжить, пока в 1980-х годах она не пережила ренессанс. Новое поколение художников получило выход в таких журналах, как La Mode en peinture (1982), Conde Nast Vanity (1981) и Visionaire (1991). Этому возрождению способствуют рекламные кампании, в частности рекламная кампания Барни в Нью-Йорке 1993-1996 годов с остроумными иллюстрациями Жана-Филиппа Деломма (р.1959).

Рис. 13. Жан-Филипп Деломм , Реклама для Barneys New York, 1993–1996

ИЛЛЮСТРАЦИЯ МОДЫ СЕГОДНЯ

Падение между изобразительным и коммерческим искусством, иллюстрация моды только недавно была переоценена как самостоятельный жанр. Поскольку красота и изящество сейчас устарели как в моде, так и в искусстве, модный рисунок временами кажется возвратом к более ранней эпохе. Поскольку фотография стала намного более искусной в документировании деталей одежды, иллюстраторы больше не уделяли внимания точному воспроизведению одежды, а интерпретировали одежду и человека, который мог бы ее носить.В конце двадцатого и начале двадцать первого веков это привело к развитию широкого спектра уникальных художественных стилей, подкрепленных цифровыми инструментами и платформами социальных сетей. В 1990-е годы возник рост компьютерного рисования такими пионерами, как Эд Цуваки (1966 г.р.), Грэм Роунтвейт (1970 г.р.), Джейсон Брукс (1969 г.р.) и Кристиан Рассел .

Рис. 14. Джейсон Брукс , Иллюстрация для Revlon, 2013

Этот период, когда появились программы для компьютерного дизайна Adobe Photoshop и Illustrator, также стал свидетелем возрождения традиционных форм модной иллюстрации, основанных на искусстве.Школа дизайна Парсонса в Нью-Йорке и FIT начали предлагать иллюстрации в качестве отдельного элемента своей учебной программы по моде. «Традиционная» ручная работа продолжает возрождаться, и иллюстраторы моды часто обращаются к мастерам прошлого за стилистическим вдохновением. Модная иллюстрация, основанная на классических методах, сумела выжить вместе с иллюстрациями, созданными более современными технологиями.

Совсем недавно иллюстрация вошла в моду благодаря сотрудничеству дизайнеров одежды и иллюстраторов.С помощью социальных сетей иллюстраторы моды начинают выходить в центр внимания. Модные иллюстрации, наполненные яркими цветами, замысловатыми узорами и бесконечной индивидуальностью, не перестают впечатлять.

Чем занимается модельер?

Кто такой модельер?

Модельеры занимают особое место в нашем мире. Их талант и видение играют большую роль в том, как люди выглядят, а также вносят свой вклад в культурную и социальную среду.Они любят изучать модные тенденции, делать наброски, выбирать материалы и принимать участие во всех производственных аспектах своих дизайнов. Они способствуют созданию миллионов, если не миллиардов предметов одежды и аксессуаров, покупаемых потребителями ежегодно.

Модельеры создают женскую, мужскую и детскую одежду. Это может быть спортивная одежда, одежда для беременных, верхняя одежда, нижнее белье, формальная одежда, очки и обувь. Есть также дизайнеры аксессуаров, которые создают ремни, шарфы, головные уборы, сумки и чулочно-носочные изделия.Есть модельеры на разных уровнях модной индустрии, от известных кутюрье до неизвестных модельеров, работающих в домах прет-а-порте, до модных стилистов, которые могут вносить лишь небольшие изменения в существующие дизайны.

Модельеры продвигают себя с помощью маркетинга и рекламы. Некоторые дизайнеры продают свою одежду на показах на подиумах, а также в собственных розничных магазинах. Некоторые также предоставляют свое имя другим лицензированным продуктам, чтобы расширить свой бренд.На самом деле, многие модные дизайнеры знаменитостей очень мало занимаются созданием коллекций, носящих их имя.

Модельеры теперь начинают использовать новые технологии, такие как сканирование тела для лучшей индивидуальной подгонки или технологии бесшовного вязания, которые позволяют производить одежду простым нажатием кнопки. Подобно тому, как швейная машина изменила облик моды в прошлом, будущее изменится благодаря новым технологиям, ресурсам и инструментам. Высокотехнологичный текстиль позволит модельерам создавать новые линейки продуктов, в том числе те, которые включают защиту от солнца и другие уникальные качества.Новые потребительские запросы и предпочтения могут быть больше связаны с функцией, чем с модой.

Чем занимается модельер?

Процесс проектирования от концепции дизайна до финального производства занимает много месяцев. Изучение текущих модных тенденций и прогнозирование будущих тенденций - это первый шаг в создании дизайна. Некоторые модельеры проводят свои собственные исследования, в то время как другие полагаются на отчеты о тенденциях, публикуемые торговыми группами индустрии моды. Отчеты о тенденциях позволяют узнать, какие стили, цвета и ткани будут популярны в определенном сезоне в ближайшем будущем.Производители текстиля используют эти отчеты о тенденциях для разработки тканей и выкройки, в то время как модельеры начинают делать наброски. Затем дизайнеры посещают производителей или торговые выставки, чтобы получить образцы тканей и выяснить, какие ткани использовать с каким дизайном.

Модельер принимает участие практически во всех аспектах представления моды публике. Создавать базовый дизайн можно разными способами. Это может быть раскадровка с набросками, работа с манекеном и сшивание кусков материала.Эта фаза создания - это когда дизайнер берет свое видение, которое крутится в голове, и превращает его в визуальное выражение. Затем над первым наброском дизайна работает над первым базовым прототипом.

Компьютерный дизайн (САПР) все больше и больше используется в индустрии дизайна одежды. Хотя большинство дизайнеров сначала делают наброски вручную, все больше и больше людей берут эти наброски и переносят их на компьютер. САПР позволяет дизайнерам просматривать дизайн одежды на виртуальных моделях во многих цветах и ​​формах, тем самым экономя время, поскольку впоследствии требуется меньше корректировок.

Следующий шаг модельера - это сделать набросок или модель и разработать более конкретный рабочий шаблон. Обычно дизайнер делает грубую модель дизайна, создавая туал. Это делается путем сшивания недорогого материала (например, кисея), чтобы сделать грубую модель конструкции. Когда это помещено на подставку для платья, похожую на манекен, дизайнер может увидеть, как материал будет драпироваться или висеть на человеческой фигуре.

Крупные дизайнерские дома нанимают собственных мастеров, портных и швей, которые создают основные выкройки и шьют прототипы.Дизайнеры, работающие в небольших дизайнерских бюро или новички в этом бизнесе, обычно выполняют большую часть технических задач по созданию выкройки и шитью в дополнение к дизайну одежды. Когда одежда будет готова, дизайнер либо изменит, либо выбросит, либо утвердит дизайн для показа в коллекции.

Модельер обычно полностью контролирует показ мод, часто выбирая модели, определяя цену каждого предмета одежды и определяя, как одежда будет представлена. У большинства дизайнеров есть помощники, которые помогут со всеми мелкими деталями, но в целом дизайнер сохраняет полный контроль.

Подходите ли вы на роль модельера?

У модельеров разные личности. Они склонны быть артистами, а это значит, что они творческие, интуитивные, чувствительные, красноречивые и выразительные. Они неструктурированы, оригинальны, не соответствуют требованиям и новаторски. Некоторые из них также предприимчивы, то есть они предприимчивы, амбициозны, напористы, экстравертированы, энергичны, полны энтузиазма, уверены в себе и оптимистичны.

Это похоже на тебя? Пройдите наш бесплатный тест карьеры, чтобы узнать, подходит ли модельер для вашей карьеры.

Пройдите бесплатный тест сейчас Узнать больше о карьерном тесте

Каково рабочее место модельера?

Модельер, работающий на оптовиков или производителей, создает модели для мирового рынка. Эти конструкции производятся в различных размерах, цветах и ​​материалах. Небольшое количество дизайнеров высокой моды (от кутюр) работают не по найму. Они создают индивидуальный дизайн для индивидуальных клиентов, обычно по очень высоким ценам.Другие дизайнеры высокой моды продают свои модели в собственных магазинах или обслуживают специализированные магазины или универмаги элитной моды. Эти дизайнеры создают смесь оригинальной одежды и устоявшихся модных тенденций. Модельеры, нанятые производственными предприятиями, оптовыми торговцами или дизайнерскими фирмами, обычно работают в обычные часы в хорошо освещенных и комфортных условиях.

Некоторые модельеры специализируются на дизайне костюмов для театральных представлений, фильмов и телепрограмм.Работа дизайнеров костюмов аналогична работе других модельеров, за исключением того, что они должны тщательно исследовать стили, которые носят в период представления. Они также могут работать с директорами, чтобы выбрать и создать определенную одежду. Модельеры по костюмам делают эскизы моделей, подбирают ткани и другие материалы, а также следят за производством костюмов. Они также должны оставаться в рамках бюджета костюмов.

Дизайнеры-фрилансеры обычно работают на контрактной основе или по месту работы.Им часто приходится корректировать свой рабочий день в соответствии с графиками и сроками своих клиентов, встречаясь с клиентами по вечерам или в выходные дни. Дизайнеры-фрилансеры, как правило, работают дольше и в небольших помещениях и находятся под постоянным давлением, чтобы угодить клиентам и найти новых, чтобы иметь стабильный доход. Независимо от условий работы, все модельеры иногда работают сверхурочно, чтобы уложиться в сроки или подготовиться к показам мод.

Природа модного бизнеса требует постоянного общения с поставщиками, производителями и покупателями по всей Северной Америке и во всем мире.Многие модельеры несколько раз в год ездят на выставки и выставки, чтобы узнать о последних модных тенденциях. Дизайнеры также могут часто ездить на встречу с поставщиками и производителями тканей и материалов.

Часто задаваемые вопросы

Что такое дизайн прет-а-порте?

В прошлом дизайнерская одежда была недоступна для широких масс - она ​​считалась от кутюр, дизайнерские коллекции можно было увидеть только на подиумах, а одежду, сделанную на заказ, только для избранных.Широкая публика могла увидеть эти предметы одежды в модных журналах или по телевидению только тогда, когда их носили кинозвезды на красной ковровой дорожке.

В 1950-х годах одежда прет-а-порте вошла в западную моду и стала альтернативой высокой моде для широкой публики. Одежда прет-а-порте (прет-а-порте) предлагает публике одежду высокого класса (нечто среднее между высокой модой и масс-маркетом), произведенную в небольших количествах, чтобы гарантировать эксклюзивность, но не предназначенную для индивидуальных клиентов.Готовая одежда предназначена для ношения без значительных изменений и изготовлена ​​в стандартных размерах, которые подходят большинству людей. Дизайнеры используют стандартные выкройки, фабричное оборудование и определенные методы строительства, которые позволяют снизить затраты по сравнению с индивидуально сшитыми версиями того же предмета.

Коллекции прет-а-порте обычно представляют модельеры и модные дома два раза в год во время Недели моды. Эти шоу предвосхищают тенденции и стили следующего года.Коллекции обычно сгруппированы по сезонам весна / лето, осень / зима, курорт, плавание и свадебные наряды. Дизайнеры Prêt-a-porter создают эту одежду, уделяя особое внимание выбору ткани, крою и деталям - одежда, которая требует присвоения имени известного дизайнера или известного бренда. Этот тип одежды довольно дорогой и, как правило, разработан для высшего среднего класса, и его можно найти в определенных магазинах, которые продают имена и бренды дизайнеров.

Читать далее

Что такое модный дизайн от кутюр?

Модельер от кутюр отвечает за создание индивидуальной одежды для избранных клиентов.Клиентов принимают по одному, и им уделяется безраздельное внимание. Дизайн концептуализируется и строится в соответствии с точными размерами, стилем, предпочтениями и индивидуальностью клиента. Каждое изделие изготавливается вручную от начала до конца из дорогой и качественной ткани и с особенным вниманием к деталям сшивается лучшими швеями и вышивальщицами мира. Учитывая количество времени, денег и навыков, необходимых для изготовления каждого изделия, одежда от кутюр обычно не имеет цены.

Многие дома моды от кутюр находятся в Париже, Франция. Согласно Википедии: «Во Франции термин« от кутюр »защищен законом и определяется Chambre de commerce et d'industrie de Paris, расположенным в Париже. Chambre Syndicale de la haute couture определяется как« регулирующая комиссия, которая определяет какие дома моды могут считаться настоящими домами высокой моды ».

Более строгие критерии для высокой моды были установлены в 1945 году. Чтобы получить право называть себя домом высокой моды и использовать термин haute couture в своей рекламе и в любых других целях, члены Chambre Syndicale de la Haute Couture должны соблюдать определенные правила. :

  • дизайн на заказ для частных клиентов, с одной или несколькими фурнитурой
  • иметь мастерскую (ателье) в Париже, в которой работает не менее пятнадцати сотрудников на постоянной основе
  • иметь не менее двадцати штатных технических специалистов, по крайней мере, в одной мастерской (ателье)
  • представляет публике коллекцию не менее пятидесяти оригинальных дизайнов одежды каждый модный сезон (дважды, в январе и июле каждого года), как дневной, так и вечерней одежды.«

В 1960-е годы группа молодых дизайнеров покинула эти устоявшиеся дома высокой моды, открыла свои собственные заведения и основала свои собственные линии. Самыми успешными из этих молодых дизайнеров были Ив Сен-Лоран, Пьер Карден, Андре Курреж, Тед Лапидюс и Эмануэль Унгаро.

Несмотря на то, что индивидуализированная одежда на заказ для элитных клиентов по-прежнему набирает обороты, сегодняшние модели от кутюр, которые можно увидеть на подиумах, не предназначены специально для продажи или являются основным источником дохода.Скорее, они в основном предназначены для демонстрации и дальнейшей рекламы, а также для восприятия и понимания имиджа бренда. Этот имидж бренда добавляет привлекательности дизайнерской линии одежды прет-а-порте (прет-а-порте) и сопутствующим товарам высокого класса, таким как обувь, кошельки и парфюмерия.

Читать далее

Что такое массовый модный дизайн?

Несколько лет назад дома модного дизайна начали предлагать коллекции по более скромным ценам (диффузионные линии), чтобы привлечь больше потребителей (например, Dolce & Gabbana основала D&G).Однако эти линии распространения не полностью заполнили ту пустоту, которую требовали потребители, а именно массовый маркетинг и распространение высокой моды.

В 2004 году креативный директор Chanel и Fendi Карл Лагерфельд сотрудничал с H&M и произвел 30 изделий, которые были распроданы в течение часа в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе и других крупных столичных магазинах. Это побудило H&M сотрудничать со многими другими дизайнерами, чтобы увеличить долю на рынке подростковых расходов. Target последовала примеру H&M в сотрудничестве с дизайнерами.Другие универмаги (такие как JC Penny, Kohl's и Walmart) не отстали и пошли по тому же пути.

Одежда для массового рынка производится в больших количествах и поступает на открытый рынок. Эта одежда обычно доступна в стандартных размерах с множеством копий одного и того же дизайна. Поскольку на этот тип одежды существует большой спрос, стать дизайнером одежды для массового рынка - это на данный момент самое выгодное. Многие модельеры стремятся создать линии одежды и аксессуаров для массового рынка.

«Огромные суммы денег тратятся на модную одежду, но не в универмагах», - говорит Курт Барнард, президент консалтинговой группы Barnard's Retail в Аппер-Монклер, штат Нью-Джерси. «Дизайнеры решили пойти туда, где есть деньги, и деньги находятся в таких местах, как Target and Kohl's ».

Читать далее

Стоит ли мне стать модельером?

Чтобы карьера модного дизайнера стала для вас жизнеспособным выбором, вы должны быть в состоянии ответить Да на каждый из следующих вопросов:

• Насколько я креативен и артистичен? • Обладаю ли я хорошими навыками рисования? • Внимаю ли я деталям? • Обладаю ли я почти врожденным пониманием текстуры, цвета, формы и ткани? • Обладаю ли я сильными навыками визуализации, чтобы превратить что-то из ничего в произведение искусства? • Обладаю ли я хорошими коммуникативными навыками и навыками межличностного общения? • Обладаю ли я деловым чутьем и навыками принятия решений? • Есть ли у меня дух соревнования? • Хорошо ли я работаю с командами? • Обладаю ли я толстой кожей, чтобы выдерживать критику и отказ и работать в иногда беспощадной индустрии? • Обладаю ли я физической выносливостью, чтобы работать много часов в сжатые сроки? • Присматриваю ли я к телу? как должна подходить одежда? • Могу ли я мыслить нестандартно и достигать новых целей, когда первоначальные планы становятся неосуществимыми? • Могу ли я выполнять несколько задач одновременно? • Могу ли я сосредоточиться на одной идее или концепции (несмотря на почти постоянную потребность в многозадачности)? • Обладаю ли я острым чутьем и чутьем на тенденции? • Живу ли, ем и дышу ли модой; я считаю это своим призванием ? • Готов ли я терпеть периоды неопределенности и нестабильности?

Сколько времени нужно, чтобы стать модельером?

Как правило, начинающие модельеры тратят четыре года на получение степени бакалавра, прежде чем искать работу.Большинство выпускников находят работу в моде или в смежных областях, но дизайнеру могут потребоваться годы, чтобы стать признанным и признанным в отрасли.

Довольны ли модельеры?

Модельеры высоко ценят профессии. В целом они входят в 77-й процентиль карьеры по оценке удовлетворенности. Обратите внимание, что это число получено на основе данных, которые мы получили только от наших членов Sokanu.

Мода описывается как идеальный союз творчества, общения и полезности.Исследования показывают, что, хотя не все люди искусства счастливы, большинство из них счастливы - в основном из-за страсти, которую они испытывают к своим повседневным творческим занятиям.

Кто такие модельеры?

Судя по нашему кругу пользователей, модельеры, как правило, в основном люди искусства. Было сказано, что мода - это одно из чистейших выражений искусства, потому что это искусство, которым мы живем каждый день.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *