Фото пианиста за роялем: D0 bf d0 b8 d0 b0 d0 bd d0 b8 d1 81 d1 82 d0 b7 d0 b0 d1 80 d0 be d1 8f d0 bb d0 b5 d0 bc: стоковые фото, изображения — homyrouz.ru

Содержание

Немецкая газета извинилась за статью о пианисте Игоре Левите | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

«Покорителем высот» и «новым Рихтером» зачастую называют немецкого пианиста российского происхождения Игоря Левита (Igor Levit). «Поэт клавиатуры», «мистик», «наследник Ференца Листа», — таких эпитетов удостаивают российско-американского пианиста Даниила Трифонова. Имена этих двух артистов знакомы всем любителям фортепианной музыки. Они выступают на престижнейших площадках при переполненных залах, восхищая самую взыскательную и искушенную публику. Работать с ними мечтают лучшие в мире оркестры и ведущие дирижеры современности. А музыкальные критики и поклонники нередко проводят между ними параллели. Автор одной публикации тоже сделал попытку сравнить Левита и Трифонова — и оказался под шквалом критики…

Музыканты из Нижнего Новгорода

Сопоставление напрашивается само собой. 33-летний Левит и 29-летний Трифонов — представители одного поколения. И того, и другого отличает высочайший виртуозный уровень исполнения. Оба располагают очень широким репертуаром. В послужном списке каждого — множество наград. Не говоря о том, что пианисты даже родились в одном городе — Нижнем Новгороде. Правда, когда Игорю Левиту исполнилось восемь лет, он эмигрировал с семьей в Германию, где впоследствии с успехом окончил Ганноверскую консерваторию.

Даниил Трифонов

А родители Даниила Трифонова, когда он достиг примерно того же возраста, переехали в Подмосковье — чтобы их сын-вундеркинд мог учиться в Музыкальной школе имени Гнесиных. По ее окончании одаренный юноша поступил в Кливлендский институт музыки. А сейчас он живет в Нью-Йорке и выступает с концертами по всему миру — в том числе, и в Германии, где у него подписан эксклюзивный контракт с прославленным брендом звукозаписи классической музыки Deutsche Grammophon и где он удостоен престижной премии Echo Klassik от Немецкой академии звукозаписи.

Скандальная публикация

Именно в Германии — а точнее, в Берлине, где сегодня живет Игорь Левит — пианистам довелось познакомиться. В мае 2014 года их выступления были включены в программу одного концерта, по окончании которого музыканты пожали друг другу руки, не успев даже пообщаться — настолько плотным оказался у каждого график. Это была единственная встреча артистов, которые, к слову, никогда себя в качестве конкурентов не позиционировали и оценку творчеству друг друга не давали. Тем более что у них абсолютно разный репертуар: если «конек» Левита — фортепианные сонаты Бетховена, то Трифонов больше любит исполнять произведения Прокофьева, Скрябина, Мессиана, Листа. Не говоря о различиях в технике и стиле.

Берлин, 1 октября 2020. Президент ФРГ Франк-Вальтер Штайнмайер вручает Игорю Левиту высшую награду Германии для гражданских лиц

И тем любопытнее, что пресса, волей или неволей, Даниила Трифонова и Игоря Левита то и дело «сталкивает лбами». А статья «Игорь Левит устал», опубликованная на прошлой неделе на страницах немецкой газеты Süddeutsche Zeitung, и вовсе вызвала шквал критики. Согласно оценке ее автора, Трифонов явно превосходит Левита по мастерству, а значение Левита как пианиста обратно пропорционально его значению как «виртуоза Твиттера».

Дело в том, что Левит, в отличие от Трифонова, не стоит в стороне от политических событий и активно выражает свою гражданскую позицию в соцсетях и, в частности, в Твиттере. В своих микроблогах он выступает против действий Трампа, против расизма, против антисемитизма, против партии «Альтернатива для Германии». Автор статьи в Süddeutsche Zeitung как раз и позволил себе сыронизировать по поводу блогерской деятельности Игоря Левита.

Реакция Süddeutsche Zeitung

Публикация вызвала бурю негодования — в первую очередь, среди пользователей Твиттера, многие из которых обвиняют автора статьи в антисемитизме. Антисемитскую направленность усматривает в опубликованном материале и сам Игорь Левит. Реакция Süddeutsche Zeitung не заставила себя ждать. 21 октября издание сообщило, что антисемитские выпады, присутствующие в статье «Игорь Левит устал», вызвали критику и в самой редакции, и принесло извинения своим читателям, а также лично пианисту.

Смотрите также:

Российские музыканты, которые покорили Германию
Даниил Трифонов: непостижимый талант
В январе Даниил Трифонов получил свою первую «Грэмми». Американская академия звукозаписи объявила «Transcendental» лучшим классическим инструментальным сольным альбомом 2017 года. В Германии Трифонов свой первый концерт дал в 2013 году. Тогда его назвали одним из непостижимых талантов последних десятилетий. В 2017 году пианист удостоился музыкальной премии ECHO Klassik, немецкого аналога «Грэмми».
Российские музыканты, которые покорили Германию
Владимир Ашкенази: 10 лет в Берлине
Семикратный лауреат премии «Грэмми», пианист и дирижер Владимир Ашкенази, родом из Горького, впервые в 1957 году выступал с гастролями в Германии. С 1989 по 1999 годы он возглавлял в качестве главного дирижера Немецкий симфонический оркестр Берлина. Имеет исландское гражданство. Живет в Швейцарии.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Ольга Бородина: блиц-визит в Мюнхен
Запись Реквиема Верди с Чикагским симфоническим оркестром принесла Ольге Бородиной в 2010 году две награды «Грэмми». Солистка Мариинского театра востребована на сценах лучших театров мира. В Германии слушатели классической музыки могли насладиться ее вокалом в 2014 году в Баварской государственной опере. На фото: «Хованщина» в бельгийском Антверпене.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Ильдар Абдразаков: контракт с немецким лейблом
Две премии «Грэмми» за запись Реквиема и у солиста Мариинского театра Ильдара Абдразакова. Бывший муж Ольги Бородиной также выступает в Ла Скала, Метрополитен-опера и прочих знаменитых театрах. В 2013 году состоялся его дебют в Баварской государственной опере. В 2017 году прославленный бас подписал контракт с звукозаписывающей компанией Deutsche Grammophon.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Максим Венгеров: гражданин Германии
Дважды удостаивался премии «Грэмми». В 1989 году знаменитый скрипач переехал из Новосибирска со своим легендарным учителем Захаром Броном и его другими учениками в немецкий Любек. Позднее Максим Венгеров получил и немецкое гражданство. Выступал с прославленными оркестрами и дирижерами. В Германии долгое время также преподавал и был дважды удостоен премии ECHO Klassik.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Евгений Кисин: трамплин в Берлине
Две премии «Грэмми» – у пианиста Евгения Кисина. Его дебютом на большой сцене классической музыки стал в 1988 году новогодний концерт в Берлине, где он выступил с Берлинским филармоническим оркестром под руководством Герберта фон Караяна.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Юрий Башмет: начало карьеры в Германии
Юрий Башмет удостоился премии «Грэмми» вместе с оркестром «Солисты Москвы» в 2008 году. Международная карьера прославленного альтиста и дирижера началась также в Германии с победы в 1976 году на международном музыкальном конкурсе общественно-правового немецкого телевидения Internationale Musikwettbewerb der ARD.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Гидон Кремер: латвийский немец из СССР
Родился в Риге, учился в Москве, эмигрировал в ФРГ. Знаменитый виртуоз Гидон Кремер был удостоен «Грэмми» в 2001 году в номинации «Лучшее исполнение в составе небольшого ансамбля в жанре классической музыки» совместно с основанным им оркестром «Кремерата Балтика». Посредством музыки скрипач ведет также борьбу за права человека, посвящая концерты оппозиционерам и опальным инакомыслящим.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Михаил Плетнев: за пультом в Дрездене
Лауреатом премии «Грэмми» пианист и дирижер из Архангельска стал в 2004 году. Михаил Плетнев выступал по всему миру с сольными программами и известнейшими оркестрами, в том числе и Филармоническим оркестром Берлина. В 2011 году он руководил Саксонской государственной капеллой во время исполнения Немецкого реквиема Брамса в память о бомбардировках Дрездена во время Второй мировой войны.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Марина Домашенко: Кармен в Берлине
Есть «Грэмми» и у Марины Домашенко. Оперная дива мирового масштаба родилась в Кемерово, училась в Екатеринбурге. Международный дебют меццо-сопрано состоялся на европейской сцене в 1998 году в Праге. Одна из самых ярких ролей ее репертуара — Кармен из одноименной оперы Бизе. В Германии Марина Домашенко выступала, в частности, в Немецкой опере Берлина.
Российские музыканты, которые покорили Германию
Мстислав Ростропович: великий музыкант и почетный гражданин мира
Международная карьера ныне покойного Мстислава Ростроповича (1927-2007) началась с концертов в 1964 году в Германии. Был частым гостем Берлинской филармонии. На второй день после падения Берлинской стены сыграл концерт у КПП «Чарли». Немецкий Кронберг провозгласил «мировой столицей виолончели» и основал там фонд, помогающий молодым музыкантам. Пятикратный лауреат «Грэмми».
Российские музыканты, которые покорили Германию
Владимир Горовиц: последний концерт в Германии
Лидирует по числу «Грэмми» среди музыкантов советского или российского происхождения Владимир Горовиц (1903-1989) — 25 раз награждала его Американская академия звукозаписи.
Международная карьера выдающегося пианиста из Киева началась и закончилась в Германии. В 1925 году он уехал в Германию «учиться». 21 июня 1987 года в Гамбурге состоялся его последний концерт.
Автор: Элла Володина

Сергей Тарасов : Московская государственная академическая филармония

Сергей Тарасов – востребованный концертирующий пианист, постоянно выступает с сольными концертами в России и за рубежом. Музыкант играет в крупнейших залах мира: Большом зале Московской консерватории и Московском международном Доме музыки, Большом зале Санкт-Петербургской филармонии, Сантори-холл в Токио и Фестивал-холл в Осаке (Япония), Зале Верди в Милане (Италия), Сиднейской опере (Австралия), Моцартеуме в Зальцбурге (Австрия), зале Гаво в Париже (Франция), зале Маэстранца в Севильи (Испания) и других.

«Его руки за роялем приводят в смятение. Тарасов превращает музыку в чистое золото. Его талант ошеломляет и оценивается во много карат», – писала пресса о выступлениях пианиста в Мексике.

Сергей Тарасов – победитель крупнейших международных соревнований, входящих во Всемирную Федерацию международных музыкальных конкурсов. Он – обладатель Гран-при и победитель конкурсов «Пражская весна» (1988, Чехословакия), в Алабаме (1991, США), Сиднее (1996, Австралия), Хайене (1998, Испания), Порто (2001, Португалия), Андорре (2001, Андорра), Варалло, Вальсесия (2006, Италия), конкурса композиторов Испании в Мадриде (2006, Испания). Он также является лауреатом престижнейших музыкальных конкурсов – пианистов в Монте-Карло, имени П. И. Чайковского в Москве, имени Артура Рубинштейна в Тель-Авиве, имени Бузони в Больцано и других.

Неоднократно принимал участие в престижных музыкальных фестивалях в Германии (фестиваль земли Шлезвиг-Гольштейн, Рурский фестиваль, Башмет-фестиваль в Роландсеке), Японии (фестиваль в Осаке), Италии (Римини), Франции (в Ла-Рок-д’Антерон), Словении (Люблянский фестиваль), Хорватии (Летний фестиваль в Дубровниках), Швейцарии (Фестиваль И.

Менухина в Гштааде) и других.

С. Тарасов сотрудничал со всемирно известными коллективами: как Государственный академический симфонический оркестр имени Е. Ф. Светланова, Академический симфонический оркестр Московской филармонии, Санкт-Петербургский симфонический оркестр, а также Токийский столичный симфонический оркестр, Сиднейский симфонический, Израильский филармонический оркестры. В его биографии выступления с симфоническими оркестрами Новосибирска, Омска, Санкт-Петербурга, Воронежа, Ростова-на-Дону, Ярославля, Костромы и других городов России.

С. Тарасов записал несколько компакт-дисков с произведениями Шуберта, Листа, Брамса, Чайковского, Рахманинова, Скрябина.

С 2010 года музыкант является профессором южнокорейского Keimyung University.

Мультимедиа Арт Музей, Москва | События

Концерт28/III 20:00. МАММ ул. Остоженка, 16

Всемирный день фортепиано «Piano Day»

Ярчайший представитель европейского минимализма Симеон тен Хольт (1923г. — 2012г.) был учеником легендарного нидерландского композитора-модерниста Якоба ван Домселаара, во многом разделял его идеи: изучение взаимного влияния музыки и изобразительного искусства, поиск связей между музыкальными гармониями и математикой, использование фортепиано как основного инструмента. Воспитанный также на лучших образцах голландской академической музыки, Хольт, оказавшись от радикального авангарда, выработал свой уникальный стиль чистого, медитативного минимализма. Его музыка благозвучна, свободна от джаза и этники, близка по звучанию к сочинениям европейского романтизма. Произведения Хольта состоят из «секций», основанных на простых тактах, которые чередуются, повторяются и накладываются друг на друга.

В этом стиле, названным композитором «генетическим кодом», написано наиболее известное и часто исполняемое его произведение «Сanto Ostinato» (1976г.). Впервые оно прозвучало в 1979 году и с тех пор на родине Хольта в Нидерландах исполняется практически еженедельно в самых разных местах — от престижных концертных залов и знаменитых соборов до железнодорожных вокзалов — и самыми разными составами.

Такая свобода заложена уже в структуре сочинения. В определённом смысле»Сanto Ostinato» — песня без конца. Она состоит из 106 «ячеек», а количество и очерёдность их повторения зависит от исполнителей. «Упрямая песнь» может звучать от полутора до 24 часов, что при всей кажущейся простоте композиции ставит перед музыкантами весьма непростые задачи.

Это феноменально популярное произведение чаще всего звучит в исполнении четырех роялей. Однако, автор и здесь не ограничивал свободу выбора. К примеру, в 2020 году «Сanto Ostinato» прозвучала в исполнении струнного квартета.

Известны и сольные исполнения на арфе, органе, маримбе.

Исполнители:

Дарья Воронцова — фортепиано
Федор Большаков — фортепиано
Анастасия Соколова — фортепиано
Валерий Харламов — фортепиано
Мария Сулимова — фортепиано
Ульяна Ловчикова — фортепиано

Александра Курицына — фортепиано
Мария Садурдинова — фортепиано

Фортепиано «Картинки с выставки» | Журнал Robb Report

Этот искусный и амбициозный инструмент выполнен артистом Steinway Полом Уайсом. С помощью звучания и картин, Уайс приглашает в многомерное путешествие в цикл фортепианных пьес Модеста Мусоргского «Картинки с выставки». Концертный пианист Пол Уайс, который объездил весь мир, является первым мастером и артистом в истории, который придумал дизайн, нарисовал и сыграл на art case фортепиано Steinway. Самое главное, что это уникальное фортепиано доступно для покупки. Более того, оно станет достойным украшением не только домашнего интерьера (если так получится), но и ценным экспонатом для коллекционеров.

Над фортепиано «Картинки с выставки» работали более 4 лет. Это первый инструмент Steinway & Sons, посвященный музыкальному произведению. Разрисованный корпус и крышка фортепиано украшены образами и характерами русской музыкальной истории и фольклора, на массивной крышке рояля можно увидеть роспись маслом с обеих сторон. Уникальные ножки фортепиано выполнены в виде избушки Бабы Яги (так хорошо знакомой нам всем с детства), а избушки, как мы помним, стоят на курьих ножках, выполненных из бронзы. Золотые детали аккуратно вписаны в рисунки, подставку и педали из розового дерева. Вся эта искусная работа выполнена на величественном рояле модели D Steinway. Данная модель собрана по точным техническим требованиям и стандартам качества Steinway & Sons, известным с момента основания компании (1853 год).

«У этого рояля своя собственная жизнь», — подчеркивает Уайс. «Я стремился использовать фортепиано Steinway, чтобы рассказать историю не только фортепианных пьес Мусоргского, но и всего, что сопряжено с этим… Для меня это больше попытка понять загадочную русскую душу и все ее грани: сказки, были, историю и увлекательную политику, которые соединяются удивительным и вместе с тем драматическим образом воедино».

Даниил Трифонов: Шопен с годами легче не становится

Российский пианист сыграл в Зальцбурге, а теперь выпустил диск

Пианист Даниил Трифонов /Алексей Мокроусов

Сегодня 26-летний пианист из Нижнего Новгорода Даниил Трифонов – мировая звезда, за ним охотятся крупнейшие фестивали мира, его приглашают крупнейшие концертные залы, сыграть с ним мечтают лучшие оркестры и знаменитейшие дирижеры. В 2011 г. Трифонов стал лауреатом сразу трех престижных пианистических конкурсов – имени Шопена в Варшаве, имени Артура Рубинштейна в Тель-Авиве и Конкурса Чайковского в Москве, где он получил сразу три награды – Гран-при, Первую премию и Золотую медаль.

Только что на Deutsche Grammophon вышел диск Трифонова Chopin Evocations (можно перевести как «Выборы Шопена»), здесь записи не только Шопена, но и вдохновлявшихся им авторов, от Чайковского и Грига до Сэмуэла Барбера и Федерико Момпу.

– Вы с детства играете Шопена, а записали диск только сейчас?

– Я уже записывал его пьесы, включая прелюдии, была запись и на Шопеновском конкурсе, но диск, сконцентрированный на его имени, записал впервые. Оба концерта записаны впервые, причем в оркестровке, которую для себя открыл недавно. Я был в туре с Немецким камерным филармоническим оркестром Бремена, дирижировал Михаил Плетнев, он предложил сыграть концерты в его оркестровке, которую давно еще сделал для себя, она известна, но не опубликована.

– Чем вам понравилась оркестровка Плетнева?

– Не только мне. Кто-то из слушателей, не прочитав, видимо, программку, написал: ах, какая все же хорошая оркестровка у Шопена! Это интереснее играть оркестру. Там много деталей, которые не обязательно откроются с первого прослушивания, но они помогают общей картине. В целом ощущение более компактного ансамбля, где лучше слышен тембр инструментов, часто что-то и написано в более выигрышном регистре. Аккомпанемент теперь выстроен так, что пианисту не нужно заморачиваться, чтобы быть вместе с оркестром. В оригинале нужно помнить, что здесь надо быть обязательно вместе, это сковывает, приходится идти на некоторые компромиссы, а здесь у пианиста больше свободы.

– Играть с пианистом-дирижером удобнее?

– Конечно. В принципе, у обоих шопеновских концертов плохая репутация в том смысле, что ими неудобно дирижировать, в них столько деталей! Здорово, когда дирижер досконально знает фортепианную партию, иначе исполнение может пройти самым неудачным образом.

Помогли старшие

В записи нового диска участвовали Михаил Плетнев как дирижер и Малеровский камерный оркестр, а также Сергей Бабаян, у которого Даниил Трифонов учился в Кливлендском институте музыки: учитель и ученик вместе исполняют до-мажорное рондо для двух роялей.

– Как развиваются ваши отношения с Шопеном?

– Шопен, как никто другой из композиторов, способен повлиять на развитие пианиста. Это один из самых эффективных композиторов, способных построить пианистический фундамент и исполнительски, и музыкантски – эта поэзия, лирика и эта сиюминутность… Реакция на события, происходящие в музыке, очень важна для Шопена. Когда его играешь, встречаешь огромное количество трудностей – и пианистически, чтобы найти нужный звук и нужное туше, и музыкантски, чтобы сыграть пьесу так, чтобы были искренние эмоции и чувствительность к переменам образа.

– Получается, с годами его играть сложнее?

– Шопен не становится легче. Стоит его отложить на несколько недель, потом возвращаешься – и вот, только что играл, а работу надо начинать заново. Трудный композитор, он сразу ускользает.

– Дело, может, не в Шопене, а в исполнителе?

– Он настолько уникальная индивидуальность, что, чтобы быть настроенным под Шопена, надо самому быть Шопеном. Известно, что у него второй, четвертый и пятый пальцы были одинаковой длины с третьим пальцем, очень необычное строение руки, это дает о себе знать, большинству приходится бороться с этими трудностями, искать свои пути, чтобы сыграть, например, Второй этюд, самому Шопену было гораздо легче. Но трудности того стоят.

– Как вы работаете над записью? Переслушиваете один или вам важно мнение коллег?

– Я часто советуюсь со своим педагогом Сергеем Бабаяном.

– Посылаете ему записи?

– И это тоже. На предыдущей записи он, например, присутствовал, что мне очень помогло. Самое важное – найти звук. Через микрофон звук меняется, а всегда хочется, чтобы звучало как на сцене; когда слушаешь в наушниках, чувствуешь, что немного другое звучание, а хочется настроить звук так, чтобы было максимально реалистично. Это тонкий процесс, он может занять много времени. Когда же звук найден, можно начать экспериментировать. Я стараюсь каждый раз играть по-разному. Я не могу играть в одном стиле, стараюсь от концерта к концерту находить что-то новое. Но на записи нет публики, надо себя внутренне настроить на эту волну, эту температуру, как если бы она там была. Нужно нарастить обороты, чтобы запись по накалу была сопоставима с игрой перед публикой.

– В этом году вы впервые выступили в Зальцбурге, на всех трех фестивалях – Пасхальном, Троицыном и летнем, где играли и с оркестром, и с Маттиасом Герне. Не стоило ли начать с сольного концерта?

– Сольный – в будущем году. Я люблю выступать с Герне, он потрясающий музыкант, никогда не знаю, как именно музыка пойдет. Все время есть элемент импровизационности, когда ты находишься внутри текущего момента, это всегда ценно. Я вообще люблю камерную музыку, может, потому, что редко ее играю.

– Продолжаете сами сочинять?

– Сейчас пишу двойной концерт для скрипки и фортепиано для Гидона Кремера и «Кремераты Балтики», следующим летом премьера. Еще пишу фортепианный квинтет. Не так много времени для занятий композицией. Надо все время прислушиваться к веяниям эмоций; когда материал есть, можно над ним работать более аналитически. Но чтобы материал пришел, необходимо определенное ментальное состояние, новая эмоция, уникальный опыт, который выразит музыка.

Бывший банкир, а теперь пианист Стивен Ридли — о пустом Лондоне и русской душе :: Герои :: РБК Стиль

Мягкий микс блюза, ритм-н-блюза, джаза и харизматичный вокал Стивена Ридли практически никого не оставляют равнодушными. Это объясняет, почему за последние несколько лет по всему миру у него появились тысячи поклонников: в 2019 году Ридли дал больше сотни концертов, собрал внушительную аудиторию слушателей в социальных сетях и не раз бывал в России. Мы встречаемся с ним в центре Лондона, вблизи модного района Сохо. Покупаем кофе, проходим через лабиринт коридоров и оказываемся в небольшом помещении — студии звукозаписи, где пианист работает над новыми каверами, собственной музыкой и премьерным EP, который он планирует выпустить к концу года.

То, что мы общаемся вживую, уже кажется чуть ли не чудом: это интервью стало первой беседой для нас обоих после длительного трехмесячного локдауна, объявленного в британской столице еще в середине марта.

Во время пандемии музыкант занимался сразу несколькими проектами. В том числе запустил серию видео «Песня для всего мира» (Song for the world), где он играет на фортепиано в самых необычных местах Лондона. Сначала Стивен Ридли отправился на одну из опустевших станций метро и исполнил там легендарную песню Джона Леннона «Imagine», чем тронул зрителей — на YouTube ролик уже собрал более 900 тыс. просмотров. Второй клип музыкант снял у Тауэрского моста на рассвете и посвятил его всем, кто борется с пандемией. С его просмотра мы и начинаем разговор.

— Во время карантина вы начали записывать серию видеороликов в пустом Лондоне. Увидеть город, в котором жизнь кипит круглый год, без людей — это редкая, а в новом контексте еще и пугающая возможность. Как появилась такая идея?

— Мысль снять видео в пустой лондонской подземке появилась совершенно спонтанно. За пару дней до этого я вернулся в Лондон. Сначала провел несколько месяцев в Америке, потом был в Москве — именно там меня застали новости о коронавирусе. Помню, как приземлился в Хитроу и ощутил на себе странные взгляды людей. Я тогда подумал: «Может англичане всегда смотрят друг на друга с презрением?» Ничего не мог понять. По дороге домой наблюдал, как многие соседи собирают вещи и уезжают за город всей семьей. Казалось, происходит что-то очень страшное. А на следующий день в Англии объявили локдаун. Поэтому перед тем, как все официально закроется, я решил еще раз выйти на улицу и сыграть. Мы отправились на вокзал Кингс-Кросс (там стоит пианино, на котором может сыграть любой желающий), на станции практически не было людей, я сел за инструмент и почувствовал себя героем Уилла Смита в фильме «Я — легенда».

— Думаю, что организовать вторую съемку было труднее. Как вам удалось привезти огромный рояль и установить его рядом с королевской сокровищницей?

— К нам даже приехала полиция и попыталась нас остановить. Представьте картину: 4 часа утра, огромный фургон, в котором стоит рояль весом больше тонны, и команда из пяти человек, пытающихся его установить возле Тауэрского моста. К нам вышли два охранника — пришлось им объяснять, что нас не интересуют королевские драгоценности, которые хранятся в замке. Я просто хотел сыграть одну песню. В итоге все получилось так трогательно, что мы все прочувствовали эту особенную атмосферу, которая повисла в воздухе и объединила нас.

— Странно было выступать там одному, без зрителей? Вообще, живая реакция аудитории важна для артиста?

— Это было не просто странно. Очень непривычно и тяжело. В какой-то момент я понял, что делаю музыку не только для себя. Когда играю, я чувствую то, что в этот момент ощущают другие люди. Обычно мы чувствуем намного больше, чем можем объяснить словами, и именно музыка помогает мне выразить тот спектр эмоций, которые остаются за рамками сказанного. Это позволяет сформировать неразрывную связь с аудиторией, научиться слышать и понимать ее. Кстати, мне очень повезло — у меня очень внимательные фанаты. Глубокие, понимающие, открытие, честные и сопереживающие. Мы на одной волне. Поэтому мне очень нравится быть окруженным такими людьми, нравится их удивлять и делиться своим настроением.

— А критики среди них есть?

— Конечно, но, если честно, я очень не люблю критику. И если вижу негативные комментарии или сообщения, то, бывает, блокирую пользователя. Это может прозвучать высокомерно, но я все-таки стараюсь защитить свое настроение и эмоциональное состояние. Мне не хочется тратить на это то время и энергию, которые можно вложить в создание чего-то прекрасного.

Когда играю, я чувствую то, что в этот момент ощущают другие люди.

— С чего началась ваша любовь к музыке?

— Мне было 11 лет, когда я впервые увидел по телевизору выступление Робби Уильямса в Небуорт-хаус. Этот трехдневный концерт стал крупнейшим за всю историю Великобритании. Клянусь, тогда даже никто не пошел на работу — все прилипли к телевизору. Вживую его посетили около 375 тысяч человек, а по телевидению и интернету посмотрели три с половиной миллиона зрителей. Так вот, я восхищаюсь этим шоу, а отец параллельно убеждает меня, что мужчине нужна стабильная работа, деньги, квартира, а музыка — это несерьезно. Но в моей детской голове только одна мысль: «Сейчас Робби Уильямс совершает музыкальную революцию. И это именно то, чем я хочу заниматься всю свою жизнь». У меня до сих пор мурашки от воспоминаний. После этого дня никто не мог меня убедить, что работать в офисе может быть круче, чем собирать стадионы.

— Значит, вы сразу поставили перед собой цель стать музыкантом, собирающим стадионы? Звучит не очень скромно.

— К большому сожалению, все было наоборот. Я начал заниматься музыкой, потому что она давала мне возможность спрятаться от других людей в своем выдуманном мире. Мы жили в деревне, там было очень скучно, и только эти уроки помогали мне сбежать куда-то далеко. Родители много работали и часто оставляли меня у соседа, в доме которого было пианино. Помню, как меня восхищала его форма, клавиши и звуки, которые они издают. А еще тот факт, что это была единственная чистая вещь в его доме. (Смеется.) Позже я понял, что музыка — это моя медитация. И мне до сих пор кажется, что, когда ты играешь для других людей, у них тоже появляется возможность остаться наедине с собой, своими мыслями и перенестись куда-то далеко во времени и пространстве. Это похоже на магию, и мне хочется верить, что я хоть немного причастен к ее созданию.

— Если любовь к музыке была с детства, как и почему вы все-таки устроились работать в инвестиционный банк?

— Я всегда стараюсь ответить на этот вопрос по-философски. Но, если быть честным, когда мне было 15 лет, мой отец умер прямо у меня на руках. Это произошло очень неожиданно и сильно повлияло на мой характер. Отец был тем, кто всю жизнь говорил, что найти высокооплачиваемую работу — очень важно для настоящего мужчины. Что я должен нести ответственность за свою будущую семью, потому что он всегда делал то же самое. Хотя сейчас я четко осознаю: намного важнее для меня было бы, чтобы мой отец прожил свои годы счастливо. Поэтому я все-таки решил закончить университет, начал заниматься инвестициями, проработал несколько лет в офисе в Сити. Конечно, было очень страшно уходить с работы. Меня долго преследовали слова отца, и я боялся не оправдать его надежды. Но еще больше меня пугало то, что через 40 лет моя жизнь тоже может закончиться, а мечты — остаться неисполненными. Тогда я решил дать себе три месяца на то, чтобы просто заняться музыкой и посмотреть, что из этого выйдет.

Я начал заниматься музыкой, потому что она давала мне возможность спрятаться от других людей в своем выдуманном мире.

— И тогда вы сыграли свой первый уличный концерт в Лондоне?

— Да, я просто шел по улице, увидел старое пианино в магазине и решил его купить. Тут же поставил, снял с головы шляпу, положил ее на землю и начал играть. За выступление я заработал £16,34, хотя оно было просто ужасным (включает видео и через 15 секунд выключает его). Нет! Не могу на это смотреть, мне стыдно. (Смеется.) Дело ведь еще в том, что до этого момента я никогда не пробовал исполнять песни, только играл на инструменте. Но в тот день я подумал: «Заработанных денег хватит на то, чтобы пообедать и выпить кофе». И это стало настоящим открытием. «Значит, если я сыграю больше, то заработаю еще». Теперь я играю каждый день по 15 часов, путешествую по миру, даю концерты в разных странах, и мой трехмесячный план растянулся на целую жизнь.

— Как окружение отреагировало на ваше решение бросить стабильную работу ради музыки?

— Практически никто меня не поддержал. Более того, те, кого я считал близкими друзьями, сочли меня сумасшедшим. Помню, как поделился своим недоумением с мамой, а она ответила: «Чему ты удивляешься? Ведь это жизнь, Стивен. В ней невозможно ничего изменить». Мне хотелось иначе. Я знал, что смогу стать кем-то большим. И чтобы понять, кем именно, мне было необходимо выйти из зоны комфорта.

— Вы помните свой первый большой концерт? За который заплатили сумму, сопоставимую с ежемесячной зарплатой в банке.

— Я играл на частной вечеринке у итальянского писателя. Кстати, мы познакомились с ним на улице. Он подошел во время моего очередного выступления и просто начал плакать. Оказалось, я напомнил героя его новой книги. Сначала мне показалось, что с этим парнем происходит что-то неладное. Но когда мы пошли вместе выпить кофе, он в точности описал мою жизнь, мое ощущение мира, мои мечты — и в это было очень трудно поверить. Через 20 минут мы уже оба плакали в кофейне. А после — подружились, и он пригласил меня в тур по Италии, где я играл на презентации его новой книги. Во время путешествия я познакомился со многими интересными людьми, и дальше все начало развиваться само собой.

— За это время у вас не появлялись мысли, что лучше было бы вернуться обратно в офис на стабильную работу и прекратить заниматься музыкой?

— Нет, мне никогда этого не хотелось. Там я не чувствовал себя на правильном месте. К тому же, работа в офисе дает только иллюзию стабильности, но не реальную уверенность в завтрашнем дне. И карантин, который обрушился на весь мир, тому подтверждение. Многие люди, которые ежедневно приходили в офис, сегодня остались без работы. Поэтому мы все находимся в одинаковых условиях и только от нас самих зависит, как будут развиваться события нашей жизни.

— Если говорить про музыкальную индустрию, то, действительно, во время карантина работа в ней практически полностью остановилась. Но, с другой стороны, появились и новые форматы, популярными стали онлайн-концерты. И, когда вы объявили, что виртуальное выступление будет платным, многие в социальных сетях были недовольны. На что от вас последовал ответ: вы честно признались, что в начале пути артисту нужно развиваться и зарабатывать деньги. Ожидали ли вы такой реакции от поклонников? И как все в итоге прошло?

— Я постоянно провожу прямые эфиры в инстаграме: только за время карантина их было, наверное, больше сотни. Но спустя месяц пения в телефон у меня началась депрессия. Появилось реальное ощущение, что этот кошмар никогда не закончится и творчество, и музыка не будут прежними. Поэтому мне хотелось создать что-то качественное: хорошее выступление, на организацию которого нужны были деньги, ресурсы и силы. Я решил сделать концерт платным, чтобы просто покрыть эти расходы. Например, только на оборудование ушло £800, не говоря уже о работе команды и аренде помещения. И мне очень хотелось, чтобы аудитория тоже это понимала. Я — артист, во время карантина мой доход остановился полностью, я не даю концерты, и мне не хочется обращаться за помощью к правительству. К счастью, в итоге все сработало: билеты на концерт стоили по $20 и на него «пришло» больше 600 зрителей.

Мы все находимся в одинаковых условиях и только от нас самих зависит, как будут развиваться события нашей жизни.

— Такие онлайн-концерты — это жизнеспособный формат для музыкантов в будущем?

— Может быть, сейчас люди устали от виртуального общения, но в будущем такие концерты дадут нам возможность выступать для зрителей, которые находятся в разных частях света. По факту, тебе под силу собрать целый стадион, не выезжая за пределы своего города. Единственное условие — делать качественные шоу и по справедливой цене. Мы ведь не можем просто сидеть и ждать, когда все это закончится. К тому же, без искусства пережить карантин было бы намного труднее. Хотя, с другой стороны, концерт в онлайне — абсолютно другой опыт, и сравнить его с живым выступлением нельзя.

— Как вы думаете, нежелание зрителей платить деньги — это эффект, который оказывают социальные сети?

— Отчасти да. Например, когда мы снимали видео возле Тауэра, над ним работали 12 человек, и каждому из них я заплатил гонорар, после чего опубликовал ролик совершенно бесплатно на YouTube. Мне это нравится и приносит огромное удовольствие, но в то же время необходимо иметь источники дохода, чтобы позволять себе иногда устраивать подобные эксперименты.

— С другой стороны, многие утверждают, что благодаря социальным сетям стать известным артистом сегодня намного легче, чем, предположим, 50 лет назад. Вы с этим согласны?

— Однозначно сейчас легче стать музыкантом-любителем. Для этого достаточно купить инструменты, записаться на уроки вокала и выложить свое выступление в интернет. Но вырасти в настоящего артиста намного сложнее, потому что, во-первых, конкуренция выше, а, во-вторых, в те времена, чтобы стать известным, достаточно было принести запись своей песни всего на одну радиостанцию и понравиться ее владельцам. Мир искусства был сконцентрирован вокруг одних и тех же людей: вероятность их отказа высока, но если ты попадал в игру, то успех был практически неминуем. Хотя рассуждать об этом пока что рано, результат покажет только время.

— На концертах, как и в видеороликах, вы исполняете каверы на известные песни, хотя пишете собственную музыку и тексты. Почему предпочитаете, чтобы она оставалась за кадром? Разве не хочется поделиться собственными мыслями?

— Я еще никогда об этом не говорил. Все просто — мне очень страшно делать свою музыку. Работать над кавером безопасно, ведь я знаю, что люди любят определенную песню, им, в целом, нравится мое исполнение, и все вместе обычно срабатывает на «ура». При этом, когда я создаю кавер, всегда стараюсь внести в песню что-то новое. Например, в прошлом году я дважды выступал со Стингом и, слушая вживую, как он исполняет песню Roxette, очень хотел спеть ее по-другому. Конечно, это не значит, что мне не нравится Стинг — он гениален. Но я чувствую музыку иначе, задумываюсь о значении текста, и считаю, что мое видение тоже имеет право на существование. Что я хочу сказать — мне легко записать кавер, но очень сложно предугадать, понравится ли аудитории моя музыка. И это меня останавливает.

— С этим страхом нужно бороться?

— Я пишу песни для других музыкантов и различных ТВ-шоу — всего сделал около 400 текстов. Постепенно замечаю, что многие из них действительно нравятся аудитории. И это меня немного успокаивает, даже вдохновляет каждый раз, когда страх снова начинает мной овладевать. Ведь, как и любой артист, я понимаю, что каждый новый человек, который заходит на мою страницу в социальных сетях, хочет получить нечто большее, чем кавер на уже знакомую ему песню. Также я пробую играть свою музыку на концертах, чтобы посмотреть на реакцию слушателей — вроде бы им нравится. (Играет.) Но каждый раз, когда я накладываю на пианино больше инструментов, песня меняется, и я пока не определился, нужно ли это делать. Поэтому решил, что выпущу EP, где будет пять песен в оригинальном звучании и в обработанной версии сразу.

— Когда?

— Первую «пару» планирую закончить в ближайшие несколько недель. А работу над полным EP — к концу этого года. И еще я занимаюсь проектом с классической музыкой, где будет звучать только фортепиано. Надеюсь, что его я тоже смогу презентовать до конца года.

— Кстати, почему у вас так много фанатов в России? Вы когда-нибудь об этом задумывались?

— У меня есть своя шуточная теория: в мире часто говорят о «широкой русской душе», и мне кажется, что я нахожусь в неправильном теле, потому что не чувствую себя англичанином, хоть и выгляжу как настоящий британец. Мы очень похожи по темпераменту: во мне, как и во многих русских, заключен поток необузданной энергии, которая постоянно хочет вырваться наружу. Я не привык скрывать свои эмоции за консервативной маской или правилами приличия. Всегда стараюсь быть честным и открытым, несмотря ни на что. Считаю себя человеком действий, не боюсь казаться смешным и правда люблю Россию — это новая динамичная страна, где все очень быстро меняется. Мне нравится такой темп — в нем я действительно чувствую себя комфортно.

Мне легко записать кавер, но очень сложно предугадать, понравится ли аудитории моя музыка. И это меня останавливает.

— Сколько уже концертов было в России? И когда — предположительно — следующий?

— Ближайший концерт должен состояться 4 декабря в московском Доме музыки. А до этого было много частных ивентов, прошлогоднее выступление на юбилее пианиста Юрия Розума в Зарядье и мой сольный концерт в Новой Голландии в 2018 году.

— Давайте на минуту вернемся к Стивену Ридли в самом начале его карьеры. Что бы вы могли посоветовать молодому артисту, который оказался на вашем месте, без поддержки, но с верой в себя и в музыку?

— Постоянно работать над мастерством и не жалеть себя. В начале ты никто. И нет другого выхода, кроме как сидеть в комнате, пока все гуляют на улице, путешествуют, развлекаются, и играть, играть, играть… Проблема многих молодых артистов заключается в том, что они звучат как любители, и из-за этого не могут перейти на новый качественный уровень. Для того чтобы решить проблему, нужно только упорно трудиться — так ты сможешь добиться чего-то особенного. Есть еще один совет, который на первый взгляд противоречит сам себе: не слушай никого, когда делаешь свою музыку, но научись слышать то, что нравится людям, и чувствовать их эмоции, чтобы оставаться со слушателями на одной волне — это будет твой первый шаг на пути к необыкновенному будущему.

Пианист Риад Маммадов — о джазе, классике и образе рая.

Стейнвей в масле

Элемент оформления рояля Steinway & Sons “Картинки с выставки”

В 2017 году в Нью-Йорке представили уникальный концертный рояль, на создание которого художника Пола Уайза вдохновил знаменитый цикл фортепианных пьес великого русского композитора Модеста Петровича Мусоргского под названием «Картинки с выставки».

Одноименный концертный инструмент от всемирно известного производителя фортепиано “Steinway & Sons”, демонстрировался в манхэттенском Стейнвей-холле.

Концепцию оформления рояля, который без ложной скромности можно назвать наиболее грандиозным из когда-либо созданных в мире, разработал и осуществил художник Пол Уайз – один из лучших в Северной Америке портретистов, чьи работы размещены в Национальной портретной галерее Смитсоновского института, исторической коллекции портретов Стейнвей-холла и в Общественной палате Канады.

Поверхность девятифутового рояля Steinway Model D украшают бессмертные образы из русской музыкальной истории и фольклора. На обеих сторонах массивной крышки разместились великолепные картины, написанные маслом.

Музыкальный цикл «Картинки с выставки» был написан Мусоргским в 1874 году в память о друге – художнике и архитекторе Викторе Гартмане. Импульсом к созданию музыкальной «прогулки» по воображаемой арт-галерее послужило посещение посмертной выставки Гартмана, куда вошли около его 400 работ. В результате получилась серия музыкальных зарисовок по мотивам десяти рисунков Гартмана.

Уайз использовал эти рисунки в живописной панораме, опоясывающей корпус рояля. Роспись корпуса представляет собой выставочный зал, где помимо тех самых «картинок с выставки» и портрета Мусоргского можно увидеть также портреты таких великих русских композиторов, как Александр Бородин, Александр Скрябин и Михаил Глинка.

Рояль Steinway & Sons “Картинки с выставки””

Там же изображены посетители галереи. Причем они выписаны совершенно современными, что, по замыслу художника, должно подчеркивать безвременность искусства и его тесную связь с современностью.

Использование специальной живописной техники позволило художнику добиться максимальной объемности изображений.

Рояль Steinway & Sons “Картинки с выставки””

Самым известным, пожалуй, фрагментом цикла Мусоргского стала пьеса № 9 под названием «Баба Яга». На ее написание композитора вдохновил эскиз изящных бронзовых часов в виде избушки на курьих ножках.

В форме избушек Бабы Яги, балансирующих, как и положено, на резных бронзовых курьих ножках, выполнены три опоры инструмента. Все три избушки совершенно разные.

“В форме избушек Бабы Яги, балансирующих, как и положено, на резных бронзовых курьих ножках, выполнены три опоры инструмента”

Сюжеты для росписи крышки рояля также позаимствованы из работ Гартмана.

Особо пытливый взгляд способен разглядеть в росписи множество зашифрованных посланий на латыни, русском и французском языках.

«С помощью инструмента Steinway, я хотел не только рассказать историю фортепианной сюиты Мусоргского, но и приоткрыть тайну русской души во всех ее гранях, где сказка, легенда, история и увлекательные интриги удивительным образом сплетаются воедино»,

– признался Пол Уайз.

Инкрустированный 24-каратным золотом рояль с клавишами из розового дерева, позолоченными педалями и пюпитром, полностью соответствует стандартам, которым “Steinway & Sons” следует с момента своего создания в 1853 году.

Приобрести феерический рояль, на создание и роспись которого потребовалось более 4-х лет, можно за $2.5 миллиона. Если найдется покупатель, готовый заплатить эту цену, то будет установлен новый рекорд стоимости инструментов Steinway.

Рояль Steinway & Sons “Картинки с выставки””

На сегодняшний день самым дорогим роялем в мире официально считается инструмент под названием “Sound of Harmony” («Звук гармонии»), созданный в 2008 году под заказ на фабрике “Steinway & Sons” в Гамбурге. Его стоимость составила 1,2 миллиона евро. Для изготовления этого эксклюзивного рояля потребовалось 4 года.

Для его отделки были использованы интарсии из сорока разных пород дерева, а на крышке воссоздана реплика полотна современного китайского художника Ши Ци (Shi Qi). Рояль был представлен публике на выставке Expo 2010 в Шанхае, КНР. В настоящий момент он принадлежит коллекционеру Го Цинзяну (Guo Qingxiang).

Самый дорогой рояль, проданный через аукцион, был изготовлен в 1883-1887 годах фабрикой ‘Steinway & Sons’ в Нью-Йорке и продан в 1997 году за $1,2 миллиона на торгах аукцона Christie’s в Лондоне. Эта цена в несколько раз превысила предыдущий мировой рекорд – 390 тысяч долларов, отданных на аукционе за рояль Steinway, который в настоящее время выставлен в музее искусств Clark Art Institute.

Создан кристальный Steinway

Самое дорогое на сегодняшний день в мире пианино было изготовлено компанией “Steinway & Sons” на фабрике в Гамбурге в 1970 году. В том же году его всего за $1,500 долларов приобрёл Джон Леннон. Именно на этом инструменте легендарный «биттл» играл во время создания и записи песни ‘Imagine’ и других известных композиций. Это пианино можно увидеть в фильме, снятом в доме Леннона в Англии в 1971 году, где Леннон поёт песню Imagine своей супруге Йоко Оно.

Позже инструмент принадлежал британскому коллекционеру, который продал его на аукционе в 2000 году. Новым владельцем стал скоропостижно скончавшийся в прошлом году музыкант Джордж Майкл, предложивший лучшую цену в 1,67 миллиона британских фунтов.

Справедливости ради стоит отметить, что совсем недавно рояль Stainway с инкрустацией на крышке в виде спирали Фибоначчи был продан неназываемому покупателю за сумму, превышающую 2 миллиона долларов, но этот факт остался незамеченным широкой общественностm..

Компания “Steinway & Sons” была основана в Нью-Йорке немецким иммигрантом, краснодеревщиком Хайнрихом Энгельхардом Штайнвегом.

История Steinway & Sons: от Ференца Листа до Евгения Кисина

Штайнвег занимался изготовлением фортепиано под маркой Steinweg с 1835 года в своём доме в Зезене (Германия). В 1850 году он вместе с женой и восемью из его девяти детей эмигрировал из Германии в Америку, где позже сменил имя на Генри Э. Стейнвей. Его старший сын Теодор остался в Германии, где продолжил делать фортепиано Steinweg в партнерстве с известным продавцом Фридрихом Гротрианом.

В 1853 Хайнрих Штайнвег основал компанию “Steinway & Sons”, открыв небольшую мастерскую на Манхэттене. Первому фортепиано, произведённому Steinway & Sons, дали номер 483, поскольку Штайнвег изготовил 482 фортепиано в Германии и не хотел начинать отсчёт заново. Этот инструмент, проданный нью-йоркской семье за 500 долларов, теперь выставлен в музее «Метрополитен». Год спустя, из-за огромного спроса, компания переехала в помещение большего размера на Уокер-Стрит.

К 1860-м годам Стейнвей построил новую фабрику на Парк-Авеню, которая занимала целый квартал. На фабрике были задействованы 350 работников, и производство увеличилось с 500 до 1,800 фортепиано в год.

Качество производимых инструментов постоянно улучшалось в соответствии с новейшими научными исследованиями, в частности, в области акустики. Почти половина из 126 запатентованных изобретений компании были сделаны первым и вторым поколениями семьи Стейнвей. Инструменты производства ‘Steinway & Sons’выиграли несколько важных призов на выставках в Нью-Йорке, Париже и Лондоне. К 1862 году они получили более 35 наград.

Steinway & Sons и Lalique выпустили «женский» рояль

В 1865 компанию возглавил Теодор Штайнвейг, который по настоятельной просьбе семьи приехал в Нью-Йорк, продав свою долю немецкой компании партнёру, Вильгельму Гротриану (сыну Фридриха Гротриана). Он также официально принял фамилию Стейнвей.

Еще один сын основателя “Steinway & Sons” – Уильям – в 70-80-х годах XIX-го столетия развернул вокруг новой фабрики в Квинсе целый ремесленный городок с литейным заводом, лесопилкой и собственной жилой инфраструктурой, включавшей жилые дома, детский сад, почтовое отделение, парк и даже отдел добровольческой пожарной охраны. Позже городок стал частью Лонг-Айленда, и одна из центральных улиц в нем назвала в честь компании.

Почему рояли Steinway популярны у звезд музыки и не только

Чтобы охватить европейских клиентов и избежать высоких европейских налогов на импорт, в 1880 году Уильям и Теодор Стейнвеи открыли новую фабрику ‘Steinway & Sons’ в немецком Гамбурге. Теодор стал главой немецкой фабрики, а Уильям Стейнвей вернулся на фабрику в Нью-Йорке.

Десять лет спустя компания “Steinway & Sons” стала поставщиком двора королевы Виктории. В следующие годы она стала поставлять инструменты ко дворам Италии, Норвегии, Персии, Португалии, Румынии, России, Испании, Швеции и Турции.

Стоит отметить, что Теодор Стейнвей является автором множества улучшений в конструкции фортепиано. Ему и по сей день принадлежит более трети запатентованных изобретений компании.

Последним президентом компании из членов семьи был Генри Стейнвей III, скончавшийся в 2008 году.

Известнейший производитель роялей Steinway & Sons продан за $438 млн

На сегодняшний день на фабрике “Steinway & Sons” в Нью-Йорке изготавливаются 6 моделей роялей и 3 модели пианино. На фабрике в Гамбурге – 7 моделей роялей и 2 модели пианино.

ClassicalMusicNews.Ru, по материалам Steinway & Sons

Редкое пианино Fazioli Анджелы Хьюитт, сброшенное грузчиками

Хьюитт, один из ведущих мировых классических пианистов, заявила в своем сообщении на Facebook, что только что закончила запись фортепианных вариаций Бетховена в Берлине, когда грузчики вошли в диспетчерскую студии, чтобы сказать ей, что они упали. пианино Fazioli ручной работы.

Пианистка сказала, что ей потребовалось 10 дней, чтобы поделиться «очень грустной новостью», потому что она «была для меня таким шоком, что я не сразу захотел поделиться ею с миром.«

Ее драгоценное пианино F278 Fazioli было единственным в мире с четырьмя педалями», — написала она.

«Я обожал это пианино. Это был мой лучший друг, лучший товарищ. Мне нравилось то, что я чувствовал во время записи — давая мне возможность делать все, что я хотел », — сказала она.

« Теперь этого больше нет ».

Стальная рама была сломана, как и большая часть конструкции, крышка и футляр, сказала она

Итальянский инженер и пианист Паоло Фазиоли, владелец Fazioli Pianos, объявил сделанный вручную инструмент «непригодным для спасения», — написала Хьюитт.

Хьюитт сказала, что «не могла поверить в это», добавив: «Нет смысла, ни с финансовой, ни с точки зрения искусства, восстанавливать это пианино с нуля. Это капутт. Грузчики, конечно, были подавлены. За 35 лет выполнения своей работы это никогда раньше не случалось. По крайней мере, никто не пострадал ».

Fazioli Pianos находится в Сачиле, к северо-востоку от Венеции, в районе Италии, известном своей деревообработкой.

Хьюитт сказала, что хранила пианино у себя дома в Италии и использовала его почти во всех своих записях более 17 лет.

Хьюитт сказала CNN, что не будет комментировать дальше, «пока страховая сага все еще в движении».

Пресс-секретарь Fazioli Pianos сообщила CNN, что компания не может давать дальнейшие комментарии из-за «строгого внутреннего правила» по защите конфиденциальности клиентов.

Саймон Марксон, управляющий директор Markson Pianos в Лондоне, сказал CNN, что, по его мнению, оценка стоимости пианино в размере 150 000 фунтов стерлингов (194 000 долларов США), если оно было новым, была точной.

«Это дорогое пианино», — сказал он. «Это понравится кому-то высокого уровня.«

Марксон сказал, что подобные несчастные случаи« случаются не очень часто », и расстроил их из-за« сентиментальных »привязанностей.

« Есть шесть или семь ведущих компаний, производящих пианино хорошего качества. Разные пианино нравятся разным людям в зависимости от тона и прикосновения. «Фациоли хороши для Баха», — сказал он.

Хьюитт сказала, что выберет новый Фациоли в следующие несколько месяцев, написав: «Я надеюсь, что мое пианино будет счастливым в фортепианном раю».

Хьюитт не первая, кто страдает потеря ценного инструмента в пути.В 2007 году грузчики, доставившие рояль стоимостью 89 000 долларов на фестиваль Two Moors Festival в Девоне, на юге Англии, выронили инструмент из своего фургона.

редких пианино, уничтоженных во время движения, теперь в «Piano Heaven» (надеюсь)

В течение 17 лет Анджела Хьюитт, одна из ведущих мировых классических пианистов, выступала с сольными концертами и создавала известные записи с помощью редкого концертного рояля.

Но их партнерство закончилось. На этой неделе она сочинила панегирик своему любимому инструменту, полному эмоций и тоски, как и музыка, которую она когда-то создавала с его помощью, после того, как грузчики уронили пианино, разрушив его.

В воскресном посте на Facebook г-жа Хьюитт рассказала, что только что завершила запись вариаций Бетховена в студии в Берлине. По ее словам, она была в восторге от результатов, и, когда она заканчивала со своим продюсером, грузчики вошли в диспетчерскую, разочарованные.

«Они уронили мой драгоценный концертный рояль Fazioli», — написала она.

«Я обожала это пианино», — продолжила она. «Это был мой лучший друг, лучший товарищ».

Г-жа Хьюитт сказала, что она была настолько расстроена, что ей потребовалось 10 дней, чтобы рассказать эту историю.

«Я надеюсь, что мое пианино будет счастливым в фортепианном раю», — добавила она.

Фортепиано модели F278 с четырьмя педалями — единственное в своем роде, имеющее такой механизм, — написала она.

«Мне нравились ощущения, когда я записывала, что дает мне возможность делать все, что я хочу», — написала она.

И на протяжении многих лет в концертных залах по всему миру она давала слушателям то, что они хотели, согласно обзорам The New York Times и других.

«Мисс. Хьюитт — один из тех редких музыкантов, которые, кажется, вкладывают что-то в свои головы и сердца и мгновенно находят это у них под рукой », — написала The Times о выступлении в Метрополитен-музее в 2007 году.

В другом обзоре г-жа Хьюитт описывалась как «превосходная» и «отважная пианистка» за то, что она взяла на себя «Искусство фуги» Баха на 92-й улице Y в Манхэттене. Музыкальный критик Times Джеймс Р. Острейх писал в 2015 году, что пьеса «ложится тяжелым бременем на любого, кто будет ее исполнять, чтобы воспитать плоть и кровь». клавиатура. »

«Значит, это отважная пианистка возьмется за дело, как это сделала Анджела Хьюитт», — сказал он.

В ноябре г-жаХьюитт, канадка, проживающая в Лондоне, провела «великолепное исполнение» программы Баха на 92-й улице Y — первой из трех, завершивших ее четырехлетний обзор всех клавишных сочинений Баха. Остальные запланированы на апрель и май.

Несчастный случай не повлияет на ее концертный график, сообщила в электронном письме Джейн Браун, публицист мисс Хьюитт в Лондоне. «Она по-прежнему будет выступать на концертном рояле Fazioli, когда он будет в наличии, благодаря различным дилерам, имеющимся у них по всему миру.«

Klavierhaus, фортепианный магазин на Манхэттене, предоставляет г-же Хьюитт модель Fazioli F278 для ее предстоящих концертов на 92-й улице Y», — сказала г-жа Браун.

В заявлении, отправленном по электронной почте, г-жа Хьюитт сообщила, что она купила пианино на фабрике Fazioli в Сачиле, Италия, в 2003 году и переехала в дом, который она построила на берегу озера Тразимено в Умбрии, Италия. «Дом и дорога в музыкальную комнату были спроектированы с учетом концертного рояля и того факта, что его нужно будет легко транспортировать», — сказала она.

«Это был мой первый полноразмерный концертный рояль, и я была очень взволнована, когда он был доставлен», — добавила она.

Она использовала его для всех своих записей в Европе в течение следующих 17 лет, в основном в Германии и Италии, а также на отдельных концертах в Умбрии, Флоренции, Риме и Лондоне. В других местах она полагалась на дилеров, которые поставляли пианино.

«Вопреки мнению некоторых, это пианино не путешествовало по миру вместе со мной», — сказала она. «У меня должна была быть очень веская причина, чтобы вынести это пианино из дома!»

Несколько других пианистов прикасались к его клавишам, сказала она.

«Фортепиано приобретает характеристики того, кто на них играет, а звук формируется прикосновением пианиста», — написала г-жа Хьюитт. «У этого Fazioli было бесконечное множество звуков, которые я мог использовать, и это сильно бросило вызов моему прикосновению и воображению. Требовалось много контроля, и другим пианистам, возможно, было бы слишком «опасно» играть, но мне это нравилось ».

Мисс Хьюитт, отец которой был органистом в соборе Крайстчерч в Оттаве, начала играть на пианино в 3 года.Она также изучала балет, что, по ее словам, способствовало ее пониманию танцевального элемента в музыке Баха. (The Guardian описал ее в 2017 году как «одну из великих интерпретаторов Баха наших дней».)

Г-жа Хьюитт сказала, что на пианино совсем недавно были вставлены новые молоточки и струны.

Она сказала в своем сообщении на Facebook, что «железная рама пианино сломана, как и многое другое в структуре и действии» инструмента. После осмотра персоналом компании Fazioli Pianos, которая производит рояли и концертные рояли в Сачиле, они могут стоить несколько сотен тысяч долларов.

Г-жа Хьюитт отказалась сообщить, как произошел несчастный случай, или прокомментировать стоимость пианино, заявив, что процесс страхования продолжается.

«Нет смысла восстанавливать это пианино с нуля с финансовой или художественной точки зрения», — написала г-жа Хьюитт, добавив, что это капут.

Теперь должны быть и другие: она сказала, что должна выбрать новый в Сачиле в ближайшие месяцы, как раз к летнему фестивалю в Умбрии.

И хотя она исчезла, любимый инструмент, который она потеряла, не заставили замолчать.Это все еще можно услышать как на ее последней записи, так и позже в этом году на записи Бетховена, которую она делала в Берлине, их последней совместной работе.

«Когда я тренировалась — может быть, до восьми часов в день — дома, — каждая минута была полной радостью», — сказала она в своем заявлении по электронной почте. «Я счастлив, что у меня есть так много записей, которые показывают, какой это был красивый инструмент. Теперь они значат для меня больше, чем когда-либо ».

Известный пианист делает новую запись дома во время изоляции от COVID-19

«Для меня создание музыки казалось неадекватным.

Так сказала известная пианистка Симона Диннерстайн о днях, которые она провела в карантине прошлой весной, когда пандемия коронавируса опустошила Нью-Йорк и распространилась по США.

Условия стали небезопасными для музыкантов для репетиций и совместных выступлений, а концертные залы были закрыты. закрыто.

Итак, Диннерстайн, путешествующий по миру концертный пианист, был вынужден остаться дома. Наступила некоторая тишина. И издавать собственный шум — даже на любимом рояле Steinway в ее доме в Бруклине — просто не имело смысла.

«У меня просто не было слов для того, что происходило в то время, — сказал Диннерстайн в телефонном интервью, — и мне казалось, что играть просто бессмысленно».

Вместо этого она слушала много музыки. Она снова и снова слушала запись кантаты Баха Ich habe genug ( I Have Enough ), которую она сделала со своим струнным ансамблем Baroklyn в их последнем исполнении перед тем, как вступили в силу приказы о приюте на дому. Послушала какую-то Нину Симону. Она слушала еще кое-что, что ее эклектичный в музыкальном отношении сын принес домой из университета.

Кредит Лиза Мари Маццукко / Предоставлено Симоне Диннерштейн

Предоставлено Симоне Диннерштайн

Симоне Диннерштайн

Но ее Steinway — ее Steinosaurus, как она его называет — лежал тихо.

Диннерстайн позвонила своему другу и звукорежиссеру Адаму Абешхаузу и рассказала ему о том фанке, в котором она находилась.

«Он сказал:« Знаешь, я думаю, тебе нужен перерыв.И ты всегда хотел записывать на своем пианино, и я могу приехать в Бруклин и записать тебя в твоей комнате, на твоем пианино », — сказал Диннерстайн.

Так была приведена в движение энергия, лежащая в основе последней записи Dinnerstein, A Character of Quiet .

Dinnerstein записал номер A Character of Quiet в июне 2020 года, укрываясь дома, даже когда Нью-Йорк вновь открылся в условиях пандемии. Запись сочетает этюды Филипа Гласса с последней фортепианной сонатой Шуберта D.960, произведение, почитаемое за его невыразимую глубину.

Запись, по словам Диннерстайн, позволила ей исследовать общие черты в совершенно разных произведениях и в ее собственном внутреннем ландшафте в необыкновенное время.

Кредитная рекламная фотография / Предоставлено Simone Dinnerstein

Courtesy Simone Dinnerstein

«Тихий персонаж» — это пианистка Симона Диннерстайн, играющая произведения Филипа Гласса и Шуберта.

«Я чувствовал, что между этими двумя композиторами существует очень сильная связь, что у них общий язык, основанный на медленных изменениях, ритмических паттернах, гармонических паттернах, небольших мотивах, которые развиваются с течением времени. И я подумал, что это то, что нужно записывать прямо сейчас », — сказал Диннерстайн. «Музыка созерцательна, интроспективна. В нем есть чувство изолированности. И это была музыка, которая казалась мне совершенно правильной ».

Слушайте отрывки из Тихий персонаж и слушайте, как Симона Диннерштейн рассказывает о том, как создание этой записи помогло ей справиться с эмоциями по поводу пандемии.

пианистов имеют ключи к созданию чудесной музыки

Breadcrumb Trail Links

Музыка
Местное искусство
Фестивали
Развлечения

Суперзвезда джазового пианиста Ванювера Фреда Герша — один из многих великих музыкантов TD, появившихся на фестивале 2021 года. Международный джазовый фестиваль.

Автор статьи:

Стюарт Дердейн Фред Херш — американский джазовый пианист и мировая звезда.Фото Фреда Херша / PNG

Обзоры и рекомендации объективны, продукты выбираются независимо. Postmedia может получать партнерскую комиссию за покупки, сделанные по ссылкам на этой странице.

Содержание статьи

35-й ежегодный международный джазовый фестиваль TD Vancouver

Когда : с 24 июня по 4 июля, разное время

Где : различные площадки и онлайн-трансляции

Билеты и информация : прибрежный джаз.ок.

Сольное исполнение на фортепиано было ключевой частью джаза с момента его зарождения. Настолько, что немногие изображения провозглашают жанр так мощно, как человек, сидящий за пианино в пустом клубе. Для многих сольные выступления — это определяющие записи и выступления в карьере.

Одним из самых искусных в искусстве сольного выступления является американский пианист Фред Херш, который в воскресенье даст онлайн-концерт в рамках серии International Stream на 35-м ежегодном международном джазовом фестивале TD Vancouver.

65-летний музыкант, педагог и активист по борьбе с ВИЧ / СПИДом — первый артист, получивший приглашение на недельную работу за 75-летнюю историю знаменитого нью-йоркского концертного зала Village Vanguard.

Приносим свои извинения, но это видео не удалось загрузить.

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

В 1993 году он выпустил свою первую сольную запись Fred Hersch на сайте Maybeck.Songs from Home, выпущенный в 2020 году, является его 14-м сольным выступлением.

Многие из его 15 номинаций на премию Грэмми были за сольные записи. Невероятно, но Херш еще ни разу не выигрывал. Тем не менее, ему были присуждены различные награды — от стипендий Гуггенхайма и Рокфеллера до трех наград «Пианист года» от Ассоциации джазовых журналистов.

Не то чтобы это имеет какое-либо значение для исполнителя, которого журнал DownBeat назвал одним из немногих блестящих музыкантов своего поколения и которого All About Jazz цитирует за то, что он дает слушателям часть себя в своих сольных выступлениях.Сейчас Герш переживает один из самых популярных периодов своей карьеры.

«Я не из тех, кто хвастается своими достижениями, но период с 2016 года до пандемии, вероятно, был самым загруженным в моей карьере», — сказал Херш. «Я всегда шутил, особенно в отношении моего состояния здоровья, что если бы я дожил до 65 лет, это было бы мое время в начальном возрасте категории старых мастеров. То же самое и случилось, и я здесь, упорно делаю то же самое, что и делал, и получаю наибольшую реакцию на выпуск альбома, записанного в моей гостиной дома во время пандемии.”

Проблема здоровья, о которой говорит пианист, — это жить с ВИЧ с 1984 года со всеми многочисленными проблемами, с которыми он столкнулся. В 2008 году он впал в кому на два месяца и потерял все мышечные функции в результате длительного периода бездействия. После длительной реабилитации он смог возобновить игру. Это возвращение к музыке было откровением.

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

«Каким-то образом это заставило меня перестать сосредотачиваться на том, что я не мог делать на клавиатуре или как композитор, и ценить то, что я умею», — сказал Херш.«Я знаю, что моя игра отличается от прежней, но я более миролюбив с ней, чем когда-либо, и принимаю то, что происходит в данный момент, от фразы к фразе. Мне больше не нужно производить впечатление на кого-либо или бороться за то, чтобы проект был услышан, и мне это очень комфортно «.

Этот новый комфорт превращается в чувство безопасности, когда он выступает с сольными шоу, например, на джазовом фестивале в Ванкувере в этом году.

«В последнее время у меня появилась тенденция записывать живые выступления, потому что мне больше не так комфортно в студии, и именно там вы снимаете что-то в чистом виде», — сказал Херш.«С Songs from Home у меня была возможность вернуться и сделать столько дублей, сколько я хотел. Но я сказал себе, как своему продюсеру: «Хорошо, Фред, если есть недостаток или звук не самый лучший, ты сказал это в тот раз и можешь отпустить».

Отсюда он говорит, что цель того, что вы хотели сделать с исполнением определенной пьесы, улавливается и достигается совершенство момента.

Пять концертов, которые нельзя пропустить

На 35-м ежегодном международном джазовом фестивале TD Vancouver представлены фантастические группы под управлением пианистов, которые исполняют музыку в самых разных направлениях.Вот пять очень рекомендуемых предстоящих концертов. Билеты и информацию на все эти шоу можно найти на сайте coastaljazz.ca.

Шэрон Минемото — джазовая пианистка из Ванкувера. Фото Coastal Jazz / PNG

Sharon Minemoto Quartet

Когда : 25 июня, 19:30.

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Когда : 1 июля, 4:30 стр.м.

Где : Металлургический завод, 235 Александр

Встреча на высшем уровне трех импровизаторов, склонных играть на своих инструментах способами, для которых они изначально не предназначались. Художественный руководитель NOW Society Лиза Кей Миллер — пианистка, известная изучением тонального диапазона и техник, барабанщик / перкуссионист Бен Браун — главная сила в освещении новой ударной работы, а трубач Февен Кидане — молодой талант.

Приносим свои извинения, но это видео не удалось загрузить.

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

[email protected]

twitter.com/stuartderdeyn

Поделитесь этой статьей в своей социальной сети

Нажимая на кнопку «Зарегистрироваться», вы соглашаетесь на получение вышеуказанного информационного бюллетеня от Postmedia Network Inc. Вы можете отказаться от подписки в любое время, щелкнув ссылку для отказа от подписки внизу наших электронных писем. Postmedia Network Inc. | 365 Bloor Street East, Торонто, Онтарио, M4W 3L4 | 416-383-2300

Спасибо за регистрацию!

Приветственное письмо уже готово. Если вы его не видите, проверьте папку нежелательной почты.

Следующий выпуск Vancouver Sun Headline News скоро будет в вашем почтовом ящике.

Postmedia стремится поддерживать живой, но гражданский форум для обсуждения и поощрять всех читателей делиться своим мнением о наших статьях. На модерацию комментариев может потребоваться до часа, прежде чем они появятся на сайте. Мы просим вас, чтобы ваши комментарии были актуальными и уважительными. Мы включили уведомления по электронной почте — теперь вы получите электронное письмо, если получите ответ на свой комментарий, есть обновления в цепочке комментариев, на которую вы подписаны, или если пользователь, на которого вы подписаны, следит за комментариями.Посетите наши Принципы сообщества для получения дополнительной информации и подробностей о том, как изменить настройки электронной почты.

5 современных пианистов, которых вы должны слушать

Бетховен и Моцарт — не единственные известные пианисты, которых вы должны слушать! Современные пианисты со всего мира поддерживают прекрасную музыку и интерпретируют ее по-новому и захватывающе.

Слушание различных пианистов — отличный способ оставаться воодушевленным как музыкант. Вот наш список из пяти лучших современных и известных пианистов, которых вам стоит послушать прямо сейчас!

5 известных пианистов, которые можно добавить в свой плейлист

Ланг Ланг

Ланг Ланг родился в Китае, начал играть на фортепиано в два года, учился у профессора колледжа в три года и выиграл региональный конкурс пианистов в пять лет.

Сейчас он выступает и преподает по всему миру и является одним из самых известных пианистов в мире музыки. Его интуиция и чувствительность явно проявляются в его игре. Вот «Ave Maria» Ланг Ланга.

[cta_split_test id = ”BST-Piano-Shortcode”]

Мицуко Утида

Мицуко Утида родился недалеко от Токио и вырос в Европе. Митсуко Утида построил потрясающую карьеру исполнительства, учености и дирижирования.

Она выступала с лучшими оркестрами мира и была удостоена множества наград.Ниже приводится ее интерпретация Концерта для фортепиано с оркестром № 5 Бетховена. 4 соль мажор.

Обратите внимание на ее невероятное внимание к деталям, особенно к динамике и фактуре!

Павел Зарукин

Этот известный пианист, преподаватель начальной музыки, изучал фортепиано в Санкт-Петербургской консерватории в Санкт-Петербурге, Россия.

Его энергия и безупречная техника сделали его уважаемой фигурой в мире фортепиано.

Дайана Кролл

Дайана Кролл, известная как самая продаваемая джазовая исполнительница, канадская певица, автор песен и пианистка.

Обратите внимание на ее осторожное прикосновение к клавишам в этом неожиданном исполнении классической песни Mamas и Papas «California Dreamin».

Марта Аргерих

Марта Аргерих, считающаяся одной из величайших пианисток второй половины 20-го века, родилась в Буэнос-Айресе в семье испанских и русско-еврейских родителей.

В год, когда ей исполнилось 16 лет, она выиграла два крупных фортепианных конкурса. Поразитесь этой знаменитой пианистке и ее интерпретации Концерта для фортепиано с оркестром No.1 до мажор ниже.

Каждый из этих знаменитых пианистов привносит в игру свои особые и уникальные таланты. Пара чувствительна и интуитивна, другие чисты и техничны.

Возможно, самое большое преимущество прослушивания многих известных пианистов — это узнать, что мы все разные, когда играем, и поэтому мы называем это «искусством»! Кого из известных пианистов вы бы добавили в список? Оставьте комментарий ниже!

Хизер Л. преподает фортепиано и многое другое в Санкт-Петербурге.Августин, Флорида. Она закончила престижный Вестминстерский хоровой колледж в Принстоне, штат Нью-Джерси, и выступала с Нью-Йоркской и Королевской филармонией. Узнайте больше о Хизер здесь!

Фото Ричарда Аведона

У пианистов есть ключи к созданию чудесной музыки

Ссылки Breadcrumb Trail

Музыка
Местное искусство
Развлечения

Суперзвезда джазовый пианист — один из великих джазовых пианистов Фреда Херса игроки, выступающие на Международном джазовом фестивале TD в Ванкувере в 2021 году.

Автор статьи:

Стюарт Дердейн Фред Херш — американский джазовый пианист и мировая звезда. Фото Фреда Херша / PNG

Содержание статьи

35-й ежегодный международный джазовый фестиваль TD Vancouver

Когда : с 24 июня по 4 июля, разное время

Где : различные площадки и онлайн-трансляции

Билеты и информация : прибрежный джаз.ок.

Приносим свои извинения, но это видео не удалось загрузить.

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

Объявление

Это объявление еще не загружено, но ваша статья продолжается ниже.

Содержание статьи

Пять концертов, которые нельзя пропустить

Шэрон Минемото — джазовая пианистка из Ванкувера. Фото Coastal Jazz / PNG

Поделитесь этой статьей в своей социальной сети

Плейлист за июнь от пианистки Лары Даунс: Картинное шоу: NPR

Лагерь YWCA для девочек. Хайленд-Бич, Мэриленд, 1930 год. Эти фотографии из коллекции Scurlock Studio в Смитсоновском национальном музее американской истории. Подробнее о фотографиях читайте в конце этого рассказа. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Давайте споем песню о свободе этого июня. Давайте поднимем каждый голос. Давайте праздновать нашу свободу воли, разума и духа — нашу свободу идти вперед.Мы знаем, что этот марш не окончен, этот бой не выигран.

Прошлое научило нас кое-чему о вере; настоящее принесло нам, наконец, некоторую надежду на завтрашний день.

Для меня музыка дает свободу. Свобода самовыражения — мой способ радоваться и оплакивать, утешать, призывать к переменам. В прошлом году музыка дала мне возможность общаться и общаться даже в изоляции. Музыка напоминает мне о печалях и борьбе наших предков, а также об их победах — о каждой выигранной битве, о каждом переходе моста, о каждом поднятом бремени.Музыка возвращает мои собственные воспоминания: о том, как я ехал высоко на плечах отца во время марша свободы; надежды и веры моих родителей, работы, которую они проделали, чтобы я мог выполнять свою. Музыка вдохновляет меня идти дальше, встречать этот новый день, который только начинается, встречать солнце, поднимающееся из тьмы.

Вот несколько песен, которые я выбрал, чтобы отметить этот день памяти, размышлений и радости. Я надеюсь, что они вселяют в вас смелость и утешение, веру и надежду.

Пусть свобода звенит.

Билли Холидей поет с оркестром. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Билли Холидей поет с оркестром.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Дети танцуют вокруг майского шеста. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Дети танцуют вокруг майского шеста.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Duke Ellington: New World A-Comin ‘

В 1943 году у герцога Эллингтона было видение. Глобальная борьба с фашизмом обещала новый мир, в котором угнетение и неравенство уйдут в прошлое, где не будет войны, коррупции, категоризации — мир мира и безусловной любви. Когда я играю эту пьесу на пианино, я чувствую в его нотах под своими руками возможность того нового мира, который когда-нибудь наступит.

Сэм Кук / Лара Даунс: Грядут перемены

Эта песня была частью саундтрека моей жизни, сколько я себя помню. Но теперь я слышу это по-другому, с новым пониманием того, что изменение наступает только тогда, когда мы его вносим. Когда миллионы из нас объединяются, чтобы выступить за справедливость; когда мы голосуем, стоять в очереди столько, сколько нужно; когда мы преднамеренны в наших повседневных действиях, какими бы незначительными они ни были.Вся моя вера в нас ушла в мой новый взгляд на эту старую песню.

Жених и невеста садятся в машину. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Жених и невеста садятся в машину.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Женская пресс-группа. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Женская пресс-группа.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Семья гуляет. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Семья на прогулке.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Wynton Marsalis: Democracy Suite / Be Present

Вот что г-н Марсалис недавно сказал мне о своем присутствии: «Вы играете, чтобы улучшить себя, а затем группу, аудиторию, культуру … Вы должны бороться для вашего видения и мечты о мире, и сделайте это реальностью «. Это от художника, который ведет добрую борьбу с каждой сыгранной нотой.

Уильям Грант Стилл: Симфония № 2 — Песня новой расы

В то время, когда миграция трансформировала жизнь чернокожих в Америке, меняя идентичности и судьбы, Уильям Грант Стилл перевел эту метаморфозу в звук, написав музыку для позиции Черное искусство в культурном пространстве собственного определения. Я думаю, что сегодня мы переживаем похожий сдвиг, творческий расцвет, ренессанс. Начался новый день.

Женская теннисная команда Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Женская теннисная команда

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Это изображение датируется 1920-ми годами. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Это изображение датируется 1920-ми годами.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Групповой портрет группы Sepia Syncopaters со своими инструментами. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Групповой портрет группы Sepia Syncopaters со своими инструментами.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Адольф Град: фанфары на удивительной благодати

Меня охватил озноб, когда эта пьеса была сыграна на церемонии инаугурации президента в январе этого года, всего через несколько дней после того, как Капитолий США стал ареной насилия и беспредела. Было так приятно услышать эти милостивые, любящие фанфары, основанные на песне об искуплении и прощении, написанной композитором, за плечами которого 80 лет американской жизни, свидетелем наших постоянных циклов проступков и искуплений.

Джон Батист: Свобода

Когда прошлым летом жители Нью-Йорка вышли на улицы, маршируя в защиту черных жизней, Джон Батист выступил с песнями свободы, такими как «We Shall Overcome» и «Down by the Riverside». Протестующие возвысили голоса, и земля и небо звенели звуками происходящих перемен. Он дал этим собраниям название: «Мы есть». Теперь это название нового альбома, который наилучшим образом прославляет свободу, заявляя о праве на абсолютную, необузданную, заразительную радость.

Кандидатов в крещении в белых одеждах ведут в воду, а старейшина Мишо и его помощник, по всей видимости, поднимают кандидата сразу после его крещения. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Кандидатов в крещении в белых одеждах ведут в воду, а старейшина Мишо и его помощник, по всей видимости, поднимают кандидата сразу после его крещения.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Пара позирует портрету, Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Пара позирует для портрета,

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Мужчины собираются у пристани. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Мужчины собираются у пристани.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Неопознанная женщина Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Неизвестная женщина

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Гарри Белафонте: поверните мир вокруг

Когда я был маленьким, Гарри Белафонте имел в нашем доме статус божества.Мои родители уважали его. Это был голос, внешний вид и беспрецедентная элегантность, но в основном это было его стремление полностью участвовать в борьбе за социальную справедливость и перемены. Он рано пришел в движение за гражданские права, как один из ближайших доверенных лиц доктора Кинга, и с тех пор остается в борьбе. Оглядываясь назад, его присутствие, должно быть, зажгло во мне что-то — начало видения жизни в музыке, которая воплотила бы мои собственные небольшие усилия, чтобы перевернуть этот мир.

Jeff Scott / Imani Winds: Startin ‘Sumthin’

Jeff Scott Startin ‘Sumthin’ для ансамбля Imani Winds, является прекрасным примером происхождения и наследия, развития традиции и передачи факел.Это современный взгляд Джеффа на рэгтайм с, по его словам, «упор на рваный!» По мере того как музыка передается из поколения в поколение, мы постоянно создаем что-то новое из чего-то старого.

Класс Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Класс

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Портрет команды Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Портрет команды

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Три артистки театра. Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Три артистки театра.

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Рианнон Гидденс: Шоссе свободы

Рианнон Гидденс идет своей собственной дорогой свободы, музыкальной тропой, которая следует за ее любопытством и ведет к обширным и неожиданным панорамам. С тех пор, как мы стали друзьями и творческими сотрудниками, мое собственное мужество пойти по пути, по которому мало путешествовали, было поддержано ее товариществом и сосуществованием — и это стало намного проще.Мы оба остро осознаем, какие указатели мы оставляем следующему поколению, поскольку мы благодарны за указатели, которые наши предки оставили, чтобы указать нам наш путь.

— Лара Даунс, ведущая Amplify

Что за история скрывается за этими фотографиями?

Фотографии, сопровождающие плейлист Лары Даунс за июнь, взяты из Scurlock Studio, фотобизнеса в Вашингтоне, принадлежащего черным, основанного Эддисоном Скарлоком в 1904 году. Смерть Роберта в 1994 году.

Scurlock задокументировал почти всю деятельность Черного Вашингтона, свадьбы, выпускные, крещения, деловые встречи и прогулки на пляже. Они также освещали приходы и уходы таких знаменитостей, как Билли Холидей, Сидни Пуатье, Дюк Эллингтон и доктор Чарльз Дрю из Университета Говарда.

На протяжении почти столетия Scurlock Studio использовала свои камеры и их доступ, чтобы задокументировать чернокожее сообщество во всех его многочисленных аспектах; представляет подробный взгляд на черную культуру в Вашингтоне 20-го века.

Работа Scurlock Studio теперь является частью Смитсоновского института и собрана в книге «Scurlock Studio и Black Washington: Picturing the Promise».

Портрет ребенка Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории скрыть подпись

переключить подпись Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Детский портрет

Scurlock Studio Records / Архивный центр / Национальный музей американской истории

Особая благодарность Дэвиду Хаберстиху из Смитсоновского национального музея истории Америки за его фотоисследование.

Немецкая газета извинилась за статью о пианисте Игоре Левите | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

Музыканты из Нижнего Новгорода

Скандальная публикация

Реакция Süddeutsche Zeitung

Российские музыканты, которые покорили Германию

Даниил Трифонов: непостижимый талант

Российские музыканты, которые покорили Германию

Владимир Ашкенази: 10 лет в Берлине

Российские музыканты, которые покорили Германию

Ольга Бородина: блиц-визит в Мюнхен

Российские музыканты, которые покорили Германию

Ильдар Абдразаков: контракт с немецким лейблом

Российские музыканты, которые покорили Германию

Максим Венгеров: гражданин Германии

Российские музыканты, которые покорили Германию

Евгений Кисин: трамплин в Берлине

Российские музыканты, которые покорили Германию

Юрий Башмет: начало карьеры в Германии

Российские музыканты, которые покорили Германию

Гидон Кремер: латвийский немец из СССР

Российские музыканты, которые покорили Германию

Михаил Плетнев: за пультом в Дрездене

Российские музыканты, которые покорили Германию

Марина Домашенко: Кармен в Берлине

Российские музыканты, которые покорили Германию

Мстислав Ростропович: великий музыкант и почетный гражданин мира

Российские музыканты, которые покорили Германию

Владимир Горовиц: последний концерт в Германии

Сергей Тарасов : Московская государственная академическая филармония

Мультимедиа Арт Музей, Москва | События

Всемирный день фортепиано «Piano Day»

Фортепиано «Картинки с выставки» | Журнал Robb Report

Даниил Трифонов: Шопен с годами легче не становится

Помогли старшие

Бывший банкир, а теперь пианист Стивен Ридли — о пустом Лондоне и русской душе :: Герои :: РБК Стиль

Стейнвей в масле

Редкое пианино Fazioli Анджелы Хьюитт, сброшенное грузчиками

редких пианино, уничтоженных во время движения, теперь в «Piano Heaven» (надеюсь)

Известный пианист делает новую запись дома во время изоляции от COVID-19

пианистов имеют ключи к созданию чудесной музыки

Breadcrumb Trail Links

Содержание статьи

35-й ежегодный международный джазовый фестиваль TD Vancouver

Объявление

Содержание статьи

Объявление

Содержание статьи

Пять концертов, которые нельзя пропустить

Sharon Minemoto Quartet

Объявление

Содержание статьи

Объявление

Содержание статьи

ЧЕЛОВЕК (Итерация)

Объявление

Содержание статьи

Bouncin ’With Bud: Хелен Сунг, Стив Смит, Лонни Плаксико

Объявление

Содержание статьи

Monk’estra Septet Джона Бизли

Объявление

Содержание статьи

Лиза Кей Миллер / Бен Браун / Февен Кидане

Объявление

Содержание статьи

Поделитесь этой статьей в своей социальной сети

Реклама

Спасибо за регистрацию!

Комментарии

5 современных пианистов, которых вы должны слушать

5 известных пианистов, которые можно добавить в свой плейлист

Ланг Ланг

Мицуко Утида

Павел Зарукин

Дайана Кролл

Марта Аргерих

У пианистов есть ключи к созданию чудесной музыки

Ссылки Breadcrumb Trail

Содержание статьи

35-й ежегодный международный джазовый фестиваль TD Vancouver