Урок 5. Искусство Нового времени
Искусство Нового времени является, пожалуй, одним из наиболее запутанных и в то же время интересных для изучения. Если предыдущим периодам была свойственна определенная линейность процессов, в исторический отрезок Нового времени можно наблюдать параллельное сосуществование сразу нескольких стилей, каждый из которых мог бы считаться отдельной и самодостаточной эпохой в искусстве.
Цель урока: разобраться в многообразии художественных стилей эпохи Нового времени, понять их основные отличия и характеристики.
Пройдя этот урок, вы получите общие ориентиры, по которым сумеете определить принадлежность того или иного произведения искусства к тому или другому стилю Нового времени.
Содержание:
- Искусство барокко и рококо
- Искусство классицизма
- Романтизм в искусстве
- Проверочный тест
Изучая предыдущие темы, вы уже поняли, что искусство достаточно сложно загнать в какие-то строго определенные рамки, в том числе хронологические, ввиду того, что культурно-исторические процессы в разных странах развиваются неравномерно и несинхронно.
Как и в прошлом уроке, мы сосредоточимся на европейской культуре, т.к. именно в Европе зародились основные стили искусства. В этом плане культура прочих регионов в некотором смысле вторична либо заимствована. Начнем со стиля барокко и посмотрим, как оно отразилось в архитектуре, скульптуре, живописи, литературе, музыке и зрелищных искусствах.
Искусство барокко и рококо
Одним из главных стилей, предопределивших развитие искусства 17-18 столетий, был стиль барокко. В целом, барокко присущи контраст и динамика, сложность и многообразие, стремление к величию и некоторая аффектация. Эти признаки наглядно демонстрируют все произведения искусства, созданные в данном стиле.
Архитектура
Отличительными признаками архитектуры барокко являются размах пространственных решений, слитность и плавное перетекание криволинейных форм.
Одним из первых образцов барокко в архитектуре считается фасад церкви Санта-Сусанна в Риме, построенной еще в 4 веке, которую перестроил в стиле барокко в 1603 году итальянский архитектор Карло Мадерна (1556-1629):
Сходные черты можно увидеть и в творениях прочих архитекторов барокко. Наиболее известны такие деятели архитектуры барокко, как Джованни Лоренцо (1598-1680), Франческо Борромини (1599-1667), Гварино Гварини (1624-1683).
Отдельно стоит сказать о барокко во Франции: этот стиль часто определяют как «барочный классицизм», отличающийся повышенной страстью к роскоши и великолепию. Типичным образцом французского барокко или «барочного классицизма» считаются Версальский дворец и дворцово-парковый ансамбль при нем, сооружавшиеся во времена Людовика XIV, которого современники величали не иначе, как «Король-Солнце».
Такой дрейф стиля в сторону роскоши и великолепия можно считать предтечей возникновения рококо: стиля на основе барокко, отличавшегося большей легкостью, непринужденностью, вольным обращением с правилами и пропорциями, избытком декоративных элементов.
При том, что барокко очень склонен к разным криволинейным формам, в рококо этот тренд достиг своего апогея. Украшаются едва ли не все плоскости на поверхности строения снаружи и внутри. Такой подход можно наблюдать во всех странах, где рококо получил распространение. Возьмем для примера церковь Азамкирхе, она же церковь Святого Иоанна в Германии:
Есть образцы рококо и на территории России, которые появились благодаря работе приглашенных из Италии архитекторов. Это, в частности, Летний дворец Елизаветы Петровны (Санкт-Петербург), построенный Франческо Растрелли (1700-1771). Кроме того, к стилю рококо относят и работы Антонио Ринальди (1709-1794): дворец Петра III, Китайский дворец и другие строения в Ораниенбауме.
Скульптура
Скульптуре барокко, как и архитектуре, свойственна сложность линий и вычурность форм. Скульпторы предпочитают сложные замысловатые сюжеты, которые весьма талантливо реализуют. В качестве примера приведем работу итальянского скульптора Лоренцо Бернини (1598-1680) «Похищение Прозерпины», где он предложил свое видение мифологического сюжета:
Стоит отдельно сказать о воплощении стиля барокко в работах испанских скульпторов.
В отличие от своих коллег, они предпочитали работать с деревом. Наиболее известен своими работами скульптор Педро де Мена (1628-1688). Образцом могут служить сделанные им деревянные Хоры в соборе Малаги:
Стиль рококо стал естественным продолжением барокко в скульптуре, отличаясь лишь еще большей сложностью формы и избытком деталей декора. Наиболее знаменитым скульптором, работавшим в стиле рококо, считается Этьен Морис Фальконе (1716-1791), много работавший на заказ и вынужденный угождать не всегда изысканному художественному вкусу представителей знати.
Тем не менее даже в условиях определенных ограничений он создал выдающиеся скульптуры, которые восхищают красотой и сложностью по сей день. Например, интерпретация сказания про древнего атлета Милона Кротонского и его схватку со львом:
Живопись
Человек в искусстве нового времени занимает центральное место, и в живописи барокко это заметно особенно явно. Главные фигуры в живописи барокко – это Рубенс (1577-1640) и Караваджо (1571-1610), причем у каждого из них есть свои хорошо узнаваемые черты в творчестве.
Так, Караваджо очень любил экспериментировать со светом и тенью, а многие его картины буквально погружены в полумрак. Как, например, «Призвание апостола Матфея»:
Рубенс использует более светлые тона, но более пышные формы в изображении людей, особенно женщин. В живописи, как и в скульптуре, в чести сложные запутанные сюжеты и положения. В качестве примера возьмем картину Рубенса «Похищение дочерей Левкиппа». И, да, тема похищения в живописи, как и в скульптуре, тоже актуальна:
Словосочетание «рубенсовские формы» со временем стало именем нарицательным и используется, если нужно в тактичной форме описать весогабаритные характеристики женщин весом от 85 кг и выше.
Рококо в живописи можно вкратце охарактеризовать, как «много всего» на единицу площади картины. Примером может служить картина Антуана Ватто (1684-1721) «Отплытие на остров Цитеру»:
Там, где, по сюжету, предполагалась меньшая численность народа, холст перегружался избытком деталей окружающей действительности.
Допустим, тщательной прорисовкой листочков растений, как у Николы Ланкре (1690-1743) и Фрагонара (1732-1806), детализованным изображением лавы вулкана, как у Франсуа Буше (1703-1770) и т.д.
Литература
Литературная жизнь барокко была весьма богата. В произведениях широко используются символы и метафоры, риторические вопросы и оксюмороны, а стремление к разнообразию часто приводит к хаотичности сюжета. Авторов барокко интересуют самые разные темы, а многообразие возникших в этот период жанров просто зашкаливает: галанто-героический роман, сатирический роман, бытовой роман, маринизм, гонгоризм, эвфуизм, метафизическая школа и многие другие.
Особое распространение получила так называемая прециозная литература (от французского précieux, что значит «драгоценный»), которая распространилась в придворно-аристократической среде. Наиболее яркие представители направления – это Жорж де Скюдери (1601-1667) и Мадлен де Скюдери (1607-1701).
К прециозной литературе относят и произведения в жанре пасторали, описывающие беззаботную жизнь пастухов и пастушек в окружении живой цветущей природы.
Наиболее яркий представитель – Оноре д’Юрфе (1568-1625) со своим романом «Астрея».
В отличие от барокко, стиль рококо в литературе – это преимущественно малые литературные формы, стихи, новеллы и сказки, хотя есть и исключения. Например, роман Жана-Батиста Луве де Кувре «Любовные похождения шевалье де Фобласа». Всем произведениям в стиле рококо свойственна игривость, фривольность и беззаботность, они несут в себе идею удовольствия от жизни. К слову, похожие тренды наблюдаются и в музыке рококо, о которой мы и поговорим далее.
Музыка и зрелищные искусства
Типичные представители барокко в музыке – это Антонио Вивальди (1678-1741), Себастьян Бах (1685-1750), Георг Гендель (1685-1759). Они оказали значительное влияние на развитие инструментальной музыки. Барокко свойственно противопоставление хора и солиста, голосов и музыкальных инструментов. Все это оказало значительное влияние на развитие оперы.
Музыка рококо более легкая и более тяготеющая к различным мелким музыкальным и звуковым украшениям, мелизмам, прочим приемам, собственно и создающим ощущение легкости мелодии.
Наиболее яркими представителями рококо в музыке считаются Франсуа Куперен (1668-1733) и Луи Клод Дакен (1694-1772).
Вот так в общем и целом повлияли барокко и рококо на развитие искусства. Узнать больше можно из книги «Мастера и шедевры эпохи барокко» [Е. Яйленко, 2015]. Тем же, кого заинтриговала непревзойденная роскошь рококо, рекомендуем книгу «Рококо. От Ватто до Фрагонара» [С. Даниэль, 2007]. А мы переходим к искусству классицизма.
Искусство классицизма
Классицизм – это стиль в искусстве, формировавшийся и развивавшийся параллельно с барокко в 17-18 веках и оказавший заметное влияние на культуру 19 столетия. В отличие от барокко, классицизм проповедует простоту, строгость и соразмерность, свойственную искусству Античности. Жанр зародился во Франции, и именно деятели французского классицизма оставили значительный след в его наследии.
Архитектура
Архитектуре классицизма свойственна четкость форм и планировок, стремление к логике и ясности. Причем это касается не только отдельных строений, но и градостроительных решений.
Типичный пример классицизма – это площадь Согласия в Париже, спроектированная архитектором Жак-Анж Габриэлем (1698-1782):
Часто в отдельное направление выделяют ампир, зародившийся в рамках классицизма. В целом, это и есть поздний классицизм в архитектуре и прикладном искусстве, охвативший первую четверть 19 столетия. Ампир еще называют «королевским стилем» за использование большого числа декоративных элементов, украшений при том, что сохраняется симметрия, равновесие и умеренность в их использовании.
Скульптура
Скульптура классицизма аналогично стремится к правильности форм, наследуя античные традиции. И тут хотелось бы сделать ремарку и обратить ваше внимание, что для характеристики искусства конца 18 – начала 19 веков часто можно встретить термин «неоклассицизм».
В начале урока мы говорили о том, что разные стили и направления в искусстве получили неодинаковое распространение в разных странах, а сами культурно-исторические процессы развиваются неравномерно и несинхронно.
Поэтому зачастую под неоклассицизмом понимается тот же самый классицизм, но имеющий национальные особенности культуры какого-либо государства.
Как вариант, к неоклассицизму относят произведения искусства, имеющие все признаки принадлежности к классицизму, но более украшенные различными мелкими деталями и склонные к сложности и некоторой запутанности. Примером могут служить скульптуры Антонио Кановы (1757-1822). В частности, его «Амур и Психея»:
Если совсем обобщить, неоклассицизм соотносится с классицизмом примерно так, как рококо соотносится с барокко или маньеризм с искусством высокого Ренессанса.
Живопись
Живопись классицизма вдохновляется традициями Ренессанса. Считается, что основы классицизма и его принципы работы с многофигурной композицией заложены Рафаэлем в ранее упомянутой нами работе «Афинская школа». Никола Пуссен (1594-1665) в своих работах заметно усложняет игру тени и света, и предпочитает более сложные сюжеты. В качестве примера приведем его картину «Танец под музыку времени»:
Из других ярких представителей живописи классицизма можно выделить Клода Лоррена (1600-1682) и Шарля Лебрена (1619-1690).
Показательно, что французская монархия поддерживала развитие классицизм в противовес захватывающему умы знати барокко, финансируя «Школу изящных искусств» и награждая лучших «Римской премией», которая предполагала возможность провести в Риме 3-5 лет за счет государства, изучая античное искусство.
Еще один интересный нюанс: именно в классицизме произошло разделение жанров на «возвышенные» и «низкие». К «высокому искусству» отнесено творчество, посвященное истории, религии и мифологии, к «низкому» – бытовая тематика и натюрморт.
Литература
Основоположником поэзии классицизма считается Франсуа Малерб (1555-1628), осовременивший и обогативший нормы литературного французского языка. При этом в творчестве самого Малерба сильны традиции барокко.
В литературе, как и в живописи, произошло разделение на «высокое искусство», к которому отнесли драматургию и трагедию, и «низкое», к которому приписали комедию, басни, юмор и сатиру.
Представителями «высокого искусства» считаются Пьер Корнель (1606-1684) и Жан-Батист Расин (1639-1699).
Широко известные за пределами Франции комедии Мольера (1622-1673) и басни Жана де Лафонтена (1621-1695), согласно канонам классицизма, считаются «низким» искусством.
Литература 18 столетия испытала серьезное влияние Просвещения – культурно-исторического течения в научной, философской и общественной мысли. Идеи Просвещения, прав и свобод человека и гражданина легли в основу многих художественных произведений Вольтера (1694-1778), в частности, его философских романов «Простодушный», «Задиг, или Судьба», «Кандид, или Оптимизм» и других.
Музыка и зрелищные искусства
Под музыкой классицизма принято понимать академическую музыку второй половины 18 – начала 19 веков. Самыми яркими музыкальными деятелями классицизма являются Людвиг ван Бетховен (1770-1792) , Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791), Франц Йозеф Гайдн (1732-1809). Все они принадлежат к Венской классической школе, отличительной особенностью которой является сочетание множества стилей и приемов классической музыки, трагичного и комичного в музыкальных сочинениях, баланса точного расчета и непринужденности звучания.
Развитие литературы и музыки дало толчок развитию театрального искусства. Принципы классицизма в театральном искусстве воплощались следующим образом:
- Единство времени – действие вмещалось в некий условный 24-часовой период.
- Единство места – действие происходило в одной локации.
- Единство действия – действие имело одну сюжетную линию (как правило, личная трагедия или конфликт межу личным и общественным).
Вот такой путь прошло искусство классицизма. Желающим знать больше мы рекомендуем книгу «Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок» [Р. Томан, 2001]. Как вы уже поняли, она полезна и для желающих поближе познакомиться с искусством романтизма.
Романтизм в искусстве
Романтизм зародился как протест против «правильности» классицизма, рациональности Просвещения. Романтизму были чужды строгость первого и реализм второго. Идеи романтизма требовали признать самостоятельную ценность духовной и творческой жизни личности, воспевали бунтарское начало и культ естественного в человеке.
Хронологически романтизм охватывает конец 18 – первую половину 19 века.
Архитектура
В архитектуре отойти от «правильности» строительных традиций прошлых столетий удалось благодаря началу широкого использования металлических конструкций в строительстве. Они давали больше технических возможностей для выражения чувств и эмоций, реализации нестандартных, в том числе бунтарских идей без ущерба прочности конструкции. Появились причудливые своды зданий и чугунные мосты. Первый в мире арочный чугунный мост был переброшен через реку Северн в Англии:
Ныне этот мост находится под охраной ЮНЕСКО.
Скульптура
Скульптуре романтизма тоже присуще использование металлических изваяний, хотя мрамор по-прежнему широко используется как материал для изготовления скульптур. В отличие от прочих периодов, скульпторы романтизма стараются передать, в первую очередь, эмоции и переживания, а не просто динамику или статику положений.
В этом плане интересен французский романтизм, получивший особо мощное развитие после наполеоновских войн и определенного разочарования общества в прежних идеалах.
Скульпторы стремились передать эмоции сильной личности, возвеличивали героизм простых воинов. Показательны работы Франсуа Рюда (1784-1855) и, в первую очередь, его «Марсельеза», украшающая Триумфальную арку в Париже:
Композициям романтизма свойственен огромный накал страстей, при котором герои вот-вот выйдут за пределы своих человеческих возможностей. Человек в искусстве Нового времени – это всегда личность, а в работах французских деятелей романтизма – еще и творец истории.
Живопись
Все вышесказанное справедливо и по отношению к живописи. Портретная живопись получила новый толчок, когда портрет – это не просто самоцель, а средство передачи эмоциональной составляющей события. Как, например, в работе Эжена Делакруа (1798-1863) «Свобода, ведущая народ»:
Считается, что романтический стиль стимулировал появление множества художественных школ, оказал влияние на будущее развитие многих направлений живописи. В частности, таких, как эстетизм, символизм, авангард и импрессионизм.
Литература
В литературе романтизма сформировалась целая плеяда авторов, чьи произведения человечество читает до сих пор. Отметим при этом, что идеи романтизма многие литераторы разных стран понимали по-своему, однако везде человек рассматривается как основное звено и, если можно так сказать, «центр тяжести» всех событий.
Это поэзия Генриха Гейне (1797-1856) и Джорджа Байрона (1788-1824), это романы Виктора Гюго (1802-1885) и Александра Дюма (1802-1870), это сказки братьев Гримм и Эрнста Теодора Гофмана (1776-1822). Это множество других авторов, не всегда признанных при жизни, как, к примеру, Уильям Блейк (1757-1827), чьи стихи получили известность уже после его смерти.
Еще раз акцентируем, что понимание романтизма у разных авторов может существенно отличаться, что никоим образом не умаляет их художественного значения.
Музыка и зрелищные искусства
Музыка эпохи романтизма – это гимн человеческой душе, это звучащая в каждой ноте убежденность, что душа всегда будет властвовать над разумом и если разум может заблуждаться, то душа никогда.
Среди образцов романтизма представлена самая разная музыка, от патриотической до академической.
Так, в период Французской революции появился гимн «Марсельеза», воодушевлявший народные массы на борьбу. В академической музыке основоположником романтизма считается Франц Шуберт (1797-1828), а наиболее знаковыми представителями романтизма стали Иоганнес Брамс (1833-1897), Фридерик Шопен (1810-1849), Феликс Мендельсон (1809-1847), Роберт Шуман (1810-1856). Больше вы узнаете из статьи «Романтизм в музыкальной культуре Западной Европы» [Л. Зорилова, 2014].
Даже беглый взгляд на годы жизни показывает, что в музыке влияние романтизма зачастую выходит за пределы условно очерченного периода конца 18 – первой половины 19 веков. Это еще более заметно, если обратить взор на творчество российских композиторов.
Так, к образцам романтизма традиционно причисляют творчество Петра Чайковского (1840-1893), Римского-Корсакова (1844-1908), Даргомыжского (1813-1869), Мусоргского (1839-1181) и других.
Это еще раз подтверждает тезис, что в разных странах сходные культурно-исторические процессы имели свои особенности, в том числе и хронологические.
Развитие литературы и музыки дало почву для дальнейшего становления театрального и оперного искусства. Наиболее активно театры развивались во Франции. К слову, первый финансируемый государством театр появился во Франции еще во времена Людовика XIV, а в начале 19 столетия свой театр имели все большие и не очень большие города.
В России придворные театры известны с 17 века. При Петре I театральное искусство получило мощнейший толчок к развитию, далее поддержанный императрицами Елизаветой Петровной и Екатериной II. В 1803 году в российском театральном искусстве произошло разделение драматургических и музыкальных трупп, а музыкальные труппы далее разделились на балетные и оперные. Идея принадлежала Катерино Кавосу (1775-1840), итальянскому дирижеру и композитору, работавшему тогда в России.
Так или иначе, российский театр на протяжении всей своей первоначальной истории развивался под мощным влиянием западноевропейских деятелей искусства, при этом не теряя своей самобытности и нарабатывая свой русскоязычный репертуар.
Так развивалось искусство разных стран в Новое время. Далее мы предлагаем пройти проверочный тест и перейти к материалу следующего урока.
Проверьте свои знания
Если вы хотите проверить свои знания по теме данного урока, можете пройти небольшой тест, состоящий из нескольких вопросов. В каждом вопросе правильным может быть только один вариант. После выбора вами одного из вариантов система автоматически переходит к следующему вопросу. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.
Cтатистика На весь экран
Далее давайте познакомимся с модернизмом.
Ольга Обломова← 4 Возрождение6 Модернизм →
Барокко в архитектуре. Кратко
Барокко в переводе с итальянского означает причудливый, странный. Зарождается данный стиль в Италии, затем он приобретает популярность в других европейских странах и в Америке, несколько видоизменяясь и приобретая ряд национальных черт.
Барокко активно развивается в XVI – XVII веках. В разных странах этот стиль восприняли неодинаково. В Англии, например, барокко получило не столь сильное развитие, как в Италии. Во Франции, Германии и Голландии, напротив, данное направление стало весьма популярным.
На рубеже XVI – XVII веков Европу потрясла череда научных открытий, которые оказали сильное влияние на мировоззрение людей. Происходит ломка представления о неизменности и постоянстве мира. Изменения в науке не могли не повлиять на искусство. В барокко удалось отразить новое прогрессивное представление людей о противоречивости, многообразии и непостоянстве мира. Произведения, выполненные в данном стиле, оказывают сильное эмоциональное воздействие на зрителя. Для архитектуры барокко свойственен широкий размах, сложность форм. Наиболее известными мастерами, работавшими в данном направлении, являются Л. Бернини, Ф. Борромини в Италии, В. В. Растрелли в России.
Стиль барокко отражает представления людей о постоянном изменении мира.
Архитектурные работы, выполненные в стиле барокко, отличаются богатством и роскошностью, для большей эффектности мастера часто сочетают разноплановые масштабы, материалы, соединяют иллюзорное и реальное.
Живописность и динамичность постройки барокко приобретают благодаря использованию причудливой пластике фасадов, часто используется прием цветовой контрастности. Очертания построек, как правило, имеют сложный криволинейный план, благодаря чему они точно срастаются с окружающим миром.
Интерьеры зданий изобилуют большим количеством украшений: многоцветными скульптурами, зеркалами, лепниной. Росписи стен создают впечатление необъятности пространства, а живопись плафонов стирает границы сводов.
Архитектурные особенности барокко восходят к традиции итальянского Ренессанса, но по сложности, разнообразию и живописности новые произведения превосходят своих предшественников. Характерными чертами барокко являются: постройка фасадов с профилированными карнизами, сооружение громадных колонн высотой в несколько этажей, украшение полуколоннами и пилястрами, использование скульптурных декоративных деталей.
Все это создает впечатление движения здания, придает ему динамику.
Русскому барокко, в отличие от западно-европейского, свойственны большая простота и структурность композиций. Наиболее ярко и величественно барокко проявило себя в объектах дворцовой архитектуры Петербурга, а также Петергофа и Царского Села
К стилю барокко относятся такие постройки как:
- Версальский дворец (Франция)
- Дворцово-парковый ансамбль Петергоф (Россия)
- Собор святого Петра в Риме (Ватикан)
- Дрезденский Цвингер (Германия)
- Аранхуэс (Испания)
- Дворец Шёнбрунн (Австрия)
Много архитектурных памятников, церкви создавались в стиле барокко. Искусство барокко всегда ошеломляло зрителей, именно такое сильное эмоциональное впечатление необходимо было служителям религии для того, чтобы подчеркнуть их всемогущество и мощь.
Поделиться ссылкой
ЭВОЛЮЦИЯ
ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА САМЫЙ БОЛЬШОЙ В МИРЕ
ART | Нравится фламандским и голландским художникам Испанский
Художники эпохи барокко, особенно Рибера , также испытали сильное влияние.
благодаря использованию Караваджо света,
и использовал обильный тенебризм и светотень , хотя
не ради театрального эстетизма, а для создания
более насущный смысл драмы. По тематике библейский искусство продолжало преобладать, но покровительство католических Габсбургов также финансировал многочисленные королевские портреты, а также картины исторических событий и жанровых сцен. Основные школы барокко живописи в Испании были те Мадрид Ранний испанский Барокко Ранний представитель нового испанского
реализм был важным каталонским тенебросо и караваджистом Франциско
Рибальта (1555-1628), действовавший в Мадриде и Валенсии. Рибера Базируется в далеком Неаполе, Джузепе
Рибера (1591-1652) был первым крупным испанским художником, принявшим
новый натуралистический стиль религиозного искусства
отстаивал Караваджо. Он стал известен религиозным
картины, характеризующиеся высокой реалистичностью моделирования, особенно
телесные оттенки его святых, а также сильное предпочтение драматических
темы, как показано в его Сент-Эндрю (1630-32, Прадо, Мадрид),
и его Мученичество св. Варфоломея (1630, Прадо). Его стиль развивался
от раннего акцента на караваджизме, через
период эксперимента с серебристым светом, до зрелой стадии, отмеченной
теплыми, золотыми тонами.
Эль Греко В Севилье живопись быстро развивалась из
От классицизма эпохи Возрождения до натурализма барокко на примере
в работах Франсиско Пачеко (1564-1644), Хуан де лас Роэлас (1560-1625) и Франсиско де Эррера Старший (1595-1656). Веласкес Вершина барочной живописи в Испании
было достигнуто в лице Диего
Веласкес (1599-1660). Для Веласкеса манера Караваджо
был лишь отправной точкой. В его картинах светом манипулируют, чтобы реконструировать
«оптический реализм» посредством эффектов различных тональностей:
иными словами, воспроизведение действительности, не соответствующее
волоски бороды или фактура ткани в том виде, который ищет
живописцев эпохи Возрождения, но к тому, что на самом деле видит глаз, общее
впечатление, которое мы получаем, когда смотрим на что-либо. Известный своим рисованием с натуры, даже его
самые ранние произведения характеризуются плотной пастозностью,
сдержанный цвет, обычно охра
и коричневые, и их простой натуральный состав. В 1623 году Веласкес стал официальным портретистом.
Филиппу IV и высшей знати. Между 1623 и 1629 гг.он закончил
ряд работ с серым фоном, раскрывающих его освобождение от
Формула Тенебриста. Триумф Вакха (Лос-Боррахос, The
Topers) (1629, Прадо) относится к этому периоду. В 1632 году он произвел христов. По мере того, как его искусство еще больше совершенствовалось, он показал
большая точность контура, а также еще более тонкое смешивание
тонов и цвета. Один из его лучших
Картин барокко в это время Сдача Бреды (Лас-Ланзас) (1634-35, Прадо) для Зала
королей во дворце Буэн Ретиро в Мадриде. В течение следующих нескольких
лет Веласкес сосредоточился в основном на портрете
искусство — см. его Филипп IV на коне (1634-35, Прадо) и Принц
Бальтасар Карлос на коне (1635-36, Прадо) — и сюжетные картины
например, Гном Франсиско Лескано («Эль-Ниньо де Вальекас»)
(1643-45, Прадо). Он также выполнил несколько религиозных работ, в том числе
великолепный Коронация Богородицы (1645, Прадо). В поездке в
Италия, в 1649 году он написал свой шедевр Портрет Иннокентия X (1650, Галерея Дориа-Памфили, Рим), а в его последний период (1651-1660)
он нарисовал Венеру в
ее Зеркало (The
Rokeby Venus) (1649-51, Национальная галерея, Лондон) и Las
Менины или Семья Филиппа IV (1656-57, Прадо).
Неудивительно, что Веласкес оказался трудным
действовать, чтобы следовать. Сурбаран Франциско
де Сурбаран (1598-1664), смесь эстремадурского аскетизма
и андалузской элегантности, с использованием натурализма и крайней светотени.
что делало его самым сдержанным и самым чистым из художников испанского
Барокко. В свои 20-30 лет он написал серию композиций для
несколько монашеских орденов, таких как мерседарианцы и иеронимиты,
на примере Дом Назарета (1630, Художественный музей, Кливленд).
В процессе он стал мастером рисования одиночных фигур, в том числе
святые с воздетыми к небу глазами. Без сомнения, его искусство должно было принести пользу
в огромной степени из-за его личного благочестия и религиозной преданности, как, возможно,
проиллюстрировано Святой Лука как художник перед Христом на кресте (1660, Прадо), для которого, возможно, он сам был образцом. Мурильо В школе Севильи, Бартоломе
Эстебан Мурильо (1618-1682) олицетворяет собой вершину элегантности и
деликатность и, надо сказать, величайшая уступка народным чувствам.
Первоначально находился под сильным влиянием старых мастеров.
таких как Рибера и Сурбаран, позднее он заимствовал у Ван Дейка, Рубенса и
Рафаэль. Он разработал свой собственный легкий и пленочный стиль — estilo вапоризо .
— с мягкими контурами, нежными тонами и золотисто-серебристым отливом.
завеса света: стиль, вдохновивший множество подражателей и последователей.
Наряду с религиозными произведениями он специализировался на жанровой живописи.
уличных мальчишек и попрошаек, на примере Молодой нищий (1645, Лувр, Париж) и Мальчики едят виноград и дыню (1645-46, Старая пинакотека, Мюнхен). Еще одна важная ранняя работа — « ангелов».
Кухня (1646, Лувр, Париж). Хуан де Вальдес Леаль После смерти Мурильо передовой
художником в Севилье был Хуан де Вальдес Леаль (1622-1690). Хотя,
как и Мурильо, он был в основном религиозным художником, Вальдес Леаль был более
драматические, более театральные, более мрачные и более волнующие: его произведения
показать живое чувство движения и яркую окраску. Во многом он
был предшественником романтизма. Его самые известные произведения — две аллегории
смерти в Госпитале де ла Каридад в Севилье — В Мерцание
Ока (1671) и Конец Мирской Славы (1672). Другой
основные работы включают Успение Богородицы (1659, Национальная галерея
Искусства, Вашингтон) и Христос, несущий крест (1660, исп. В 17 веке испанское барокко
в Мадриде водил Веласкес и разносторонний скульптор, живописец
и архитектор Алонсо Кано (1601-67) — по прозвищу «Испанский Микеланджело». (Смотрите также
скульптор Хуан
Martines Montanes (1568-1649)) Другие интересные представители
Идиома барокко в Мадриде включает: монументалист Фрай Хуан Риччи (1600-1681), сын художника из Болоньи.
школа, приехавшая в Испанию для работы над украшением Эскориала,
и Антонио Переда (1608-1678), создатель нескольких элегантных религиозных
картины и аллегорические композиции. Более качественная работа
портретиста Хуан Каррено де Миранда (1614-1685), официальный
художник Карла II, сменившего Филиппа IV. Произведения испанского барокко можно увидеть в лучших художественных музеях мир. Для получения подробной информации о европейских коллекциях, содержащих значительные запасы испанских картин 17 века см.: Искусство Музеи Европы. Для коллекций современного и современного испанского искусство см. Рейна София Мадрид. |
В их ряды входили несколько мастеров
жанровой живописи, портретной живописи, религиозных сцен, например Мурильо ,
и среди них были такие выдающиеся толкователи аскетизма и
духовность испанской культуры как Сурбаран . И конечно там
был несравненный Velazquez .
Отмеченный
за его смелую, рыхлую манеру письма, его тенебризм и светотень он подчеркивал
скульптурное моделирование его форм путем противопоставления света и тени. Сурбаран
был среди художников, которые находились под его влиянием.
Одна из его самых красивых картин — « Святой».
Семья со святой Екатериной (1648, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
В
Толедо, на рубеже веков, доминирующее влияние было эл.
Греко (1541-1614). Его ближайшим учеником был выдающийся живописец Луис Тристан (1585-1624), подчеркивавший тенебристские аспекты
Творчество Эль Греко. Другие художники Толедана включали Педро Орренте .
(1570-1645), последователь Рибальты, Фрай Хуан Баутиста Майно (1578-1649),
который стал мастером рисования Филиппа IV, и Фрай Хуан Санчес-Котан (1560-1627).
На картинах Веласкеса
свет используется так же, как художники двумя веками ранее использовали перспективу,
сделать пространство осязаемым. Области света и тени чередуются, чтобы создать
иллюзия места, в котором фигуры не нарисованы, а на самом деле
‘являются’. Эти фигуры написаны широкими, гибкими мазками кисти.
четко очертить их, не вдаваясь в реалистические детали. Это было
тот же метод, который должен был быть использован в девятнадцатом веке
Французские импрессионисты — сходство не случайное: Веласкес
слишком казался безразличным к содержанию того, что он рисовал, к
великие религиозные темы, например, имевшие такое значение для его
современники. Вместо этого все его внимание было сосредоточено на живописи,
на своем ремесле.
Его первый великий шедевр
выполненный в этом стиле Уотерселлер Севильи (1618-22, Эпсли-Хаус, Лондон), в то время как
другие включают Старуха, жарящая яйца (1618, Национальная галерея
Шотландия, Эдинбург), Христос в доме Марии и Марфы (1620, г.
Национальная галерея, Лондон) и Ужин в Эммаусе (1620, Митрополит
Художественный музей, Нью-Йорк), все они относятся к его раннему периоду, как и ряд
портретов, большей частью выполненных в ограниченной тенебристской манере, не уступая
преувеличенное значение контрастов между темным и светлым.
Распятый (Христос на кресте) (1632, Прадо) произведение особого
спокойствие и простота.
Помимо таких последователей, как Хуан де Пареха (1610-70), Франсиско де Паласиос (1617-76) и Хуан Баутиста Мартинес
дель Мазо (1615-67), художники мадридской школы остановили свой выбор на
проще Рубенса в стиле барокко.
С 1660 года, когда он стал соучредителем Севильского
Академии изящных искусств, он активно преподавал. Пример его позднего
работа Непорочное зачатие (1678, Прадо).
общества, Нью-Йорк). В свои последние годы Вальдес Леаль завершил множество
циклы росписей для церквей, монастырей и благотворительных учреждений
— в том числе ряд сцен, иллюстрирующих жизнь св. Игнатия (1674-1676),
для иезуитов.
Его ученик Матео Сересо (1626-1666), был особенно талантливым колористом, как и Хосе Антолинес (1635-1675).Искусство барокко (1500-1700 гг.) – ИСКУССТВО
Искусство барокко, как оно используется В изобразительном искусстве термин барокко (происходит от португальского «barocco», что означает «жемчужина или камень неправильной формы») описывает довольно сложную идиому, зародившийся в Риме, расцвет которого приходится на период с 1590 по 1720 годы и охватывавший живопись, скульптуру и архитектуру.
В целом «живопись в стиле барокко» была отражением глубоких политических и культурных изменений, происходящих в то время в Европе. Живопись в стиле барокко совпала, в общем, с 17 веком, хотя в некоторых областях, особенно в Германии, некоторые из ее достижений появились только в 18 веке. Хотя этот термин включает в себя ошеломляющее разнообразие стилей, он обычно характеризуется двумя вещами: ощущением величия (или чувственного богатства) и явным эмоциональным содержанием. Именно с помощью этих двух элементов художники эпохи барокко стремились вызвать у зрителя эмоциональные состояния, обращаясь к чувствам, часто драматическим образом. Почему они так обращались к зрителям? Потому что жизнь в Европе XVII века вдруг превратилась в соревнование двух могущественных сил.
Стили/типы искусства барокко Чтобы выполнить свою пропагандистскую роль, католическое барокко, как правило, представляло собой крупномасштабные произведения общественного искусства, такие как монументальные настенные росписи и огромные фрески для потолков и сводов.
дворцов и церквей. Живопись в стиле барокко иллюстрировала ключевые элементы католической догмы либо непосредственно в библейских произведениях, либо косвенно в мифологических или аллегорических композициях. Наряду с этим монументальным, возвышенным подходом художники обычно изображали сильное чувство движения, используя закрученные спирали и восходящие диагонали, а также сильные роскошные цветовые схемы, чтобы ослепить и удивить. Новые техники тенебризм и светотень были разработаны для улучшения атмосферы. Кисть кремовая и широкая, что часто приводит к густому импасто .
Однако театральность и мелодраматизм барочной живописи не были хорошо восприняты более поздними критиками, такими как влиятельный Джон Раскин (1819–1900), которые сочли ее неискренней. Скульптура в стиле барокко , обычно крупнее человеческого размера, характеризуется аналогичным ощущением динамичного движения наряду с активным использованием пространства.
Как видно, хотя большая часть архитектуры, живописи и скульптуры, созданных в 17 веке, известна как барокко, это ни в коем случае не монолитный стиль. Существует как минимум три направления барокко:
(1)
Религиозное величие Триумф Божественного Провидения, 1633, Дворец Барберини, Потолочная фреска Пьетро да КортонаТоржественное, экстравагантное, почти театральное (и временами) мелодраматический стиль религиозного искусства по заказу католической Контрреформации и дворов абсолютных монархий Европы.
Этот тип искусства барокко иллюстрируется смелой дальновидной скульптурой и архитектурой Бернини (1598-1680), trompe l’oeil иллюзионистскими потолочными фресками Пьетро да Кортона (1596-1669) – см. его шедевр Аллегория Промысла Божия 90 240 (1633–1639) – и грандиозными полотнами фламандского мастера Рубенса (1577–1640).
(2)
Большой реализм Воспитание принцессы Рубанс Новый более реалистичный или натуралистический стиль фигуративной композиции.
Этот новый подход поддержали
Карраваджо (1571–1610),
Франсиско Рибальта (1565–1628),
Веласкес (1599–1660) и
Аннибале Карраччи (1560–1609).
Смелость и физическое присутствие фигур Караваджо, реалистичный подход к религиозной живописи, принятый Веласкесом, новая форма движения и изобилия, впервые предложенная Аннибале Карраччи, и реалистичная форма деревенского библейского жанра, дополненного животными, эволюционировали. Кастильоне (1609-64) — все эти элементы были частью нового и динамичного стиля, известного как барокко.
См. также: Классицизм и натурализм в итальянской живописи XVII века.
(3)
Станковое искусство Питер-Брейгель-Старший-Крестьянин-Свадьба В отличие от крупномасштабных, публичных, религиозных произведений художников эпохи барокко в католических странах, искусство барокко в протестантской Голландии (часто как голландский золотой век) был представлен новым типом станкового искусства — глянцевой формой жанровой живописи — направленной на зажиточного буржуазного домохозяина.
Эта новая нидерландская реалистическая школа жанровой живописи также привела к усилению реализма в портретном искусстве и пейзажной живописи, цветочных изображениях, композициях животных и, в частности, к новым формам натюрморта, включая протестантский жанр, известный как ванитас. (расцвет 1620-50). В разных городах и районах были свои «школы» или стили, такие как Утрехт, Делфт, Лейден, Амстердам, Харлем и Дордрехт.
См.: Голландские художники-реалисты. Кроме того, чтобы еще больше усложнить ситуацию, Рим — самый центр движения — также был домом для «классического» стиля, примером которого являются картины художника-историка Николя Пуссена (1594–1665) и аркадского пейзажиста Клода Лоррена. (1600-82)
КАРАВАДЖО (1571-1610)
Ужин Караваджо в Эммаусе, выставка в Национальной галерее Мало кто знает, что Микеланджело Караваджо, один из самых влиятельных художников эпохи барокко, при жизни был известен поведение. Итальянский художник, являвшийся ведущим реформатором европейского искусства XVI и XVII веков, якобы не раз в жизни совершал преступления.
В возрасте 38 лет он умер при загадочных обстоятельствах в Порто-Эрколе в Тоскане.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ И ПОСМОТРЕТЬ НЕКОТОРЫЕ ЕГО РАБОТЫ
ФРАНЦИСКО РИБАЛЬТА (1551-1628)
Родился в Сольсоне, Лерида. Хотя его первое ученичество, по-видимому, было у Наваррете, который много лет работал в Эскориале, самая ранняя работа Рибальты (Распятие 1582 года) была подписана в Мадриде. Проведя годы в Мадриде, Рибальта должен был поселиться как художник в Валенсии. Он стал одним из первых последователей в Испании строгого тенебристского стиля Караваджо. Неясно, посещал ли он непосредственно Рим или Неаполь, где у стиля Караваджо было много приверженцев.
Прибивание Христа 1582 Франческо Рибальта (2 июня 1565 — 12 января 1628), также известный как Франсиско Рибальта или де Рибальта, был одним из самых влиятельных старых мастеров испанского барокко начала XVII века и внес важный вклад в В ходе пропагандистской кампании Ватикана католического искусства контрреформации художник Франсиско Рибальта активно работал в Мадриде и Валенсии, где он в основном выполнял заказы на религиозную живопись маслом и запрестольное искусство от имени различных религиозных авторитетов.
Его важность для испанской живописи заключается в том, что он был первым местным художником в Испании, который использовал световые эффекты тенебризма в своих сценах интенсивного религиозного рвения.
Христос, обнимающий святого Бернара – Коллекция – Museo Nacional del Prado
Сохранилась только одна работа из его раннего периода, скромный образец маньеризма под названием Прибивание гвоздей к кресту (1582, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Примерно до 1610 года стиль Рибальты был относительно разнообразным, поскольку он заимствовал из различных источников, включая гравюры Альбрехта Дюрера (1471–1528) и маньеристов. Но примерно после 1610 года он принял более реалистичный стиль, который был более мрачным и монументальным, с драматическим освещением в манере тенебризма Караваджо. Неизвестно, посещал ли он Италию, где караваджизм приобрел значительное число последователей, или картины тенебристов были доступны в Испании в результате испанского правления Неаполитанского королевства.
Самому известному шедевру Рибальты исполнилось 9 лет.0239 Христос, обнимающий святого Бернара (1625-27, Музей Прадо, Мадрид). Испанский художник периода барокко, преимущественно на религиозные сюжеты.
REMBRANDT (1606-1669)
Rembrandt Harmenszoon van Rijn Интенсивное психологическое изучение людей, объектов и их окружения в сочетании с искренней христианской преданностью питало жизнь и творчество Рембрандта.
Даная 1636НАЖМИТЕ ЗДЕСЬ, ЧТОБЫ ПОЛНОЕ СООБЩЕНИЕ
Эмбрандт родился в Лейдене в Нидерландах 0n 15 июля 1606 года, Лейден, Нидерланды . Его отец был мельником, живущим в достатке и способным отправить Рембрандта в городскую латинскую школу. В 14 лет Рембрандт начал учиться в знаменитом Лейденском университете (необычно для сына мельника), но академическая жизнь его не устраивала. Через несколько месяцев он уехал, чтобы начать ученичество в качестве художника. Лейден не предлагал многого в плане художественного таланта, и в 1624 году, после трех лет работы с местным художником, Рембрандт отправился в Амстердам, чтобы ненадолго поучиться у Питера Ластмана.