homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Основные направления авангарда • Arzamas

Разговорный минимум для бесед о русском искусстве XX века

Подготовила Анна Красильщик

Абстрактное искусство

Василий Кандинский. Картина с кругом. 1911 год © Национальный музей Грузии

Одно из основных направлений авангарда. В отличие от тради­ционного искусства не подражает реальности и не воспроизводит ее элементы. Объект абстрактного искусства — инструментарий художника: цвет, линия и форма. Первые абстрактные произведения создал Василий Кандинский в конце 1900‑х — начале 1910‑х; первым абстрактным произведением считается его «Картина с кругом» (1911). В 1912–1915 годах появились абстрактные живо­писные системы лучизма (Ларионов, 1912) и супрематизма (Малевич, 1915).

Авангард

Сначала термин употреблялся в военном деле и по отношению к политическим событиям — до тех пор пока в 1885 году французский критик Теодор Дюре не использовал его в художественной критике.

Впрочем, в таком значении слово не прижилось. Лишь в 1950-х годах оно вернулось в искусствоведение благодаря французскому критику Мишелю Сёфору, который впервые назвал авангардом русское искусство начала XX века.

Всёчество

Термин придумал весной 1913 года Илья Зданевич — художник, писатель, издатель и журналист. В основу всёчества легли художественно-эстетические идеи Михаила Ларионова и художников его круга: в каталоге к выставке «Мишень» он признал все существующие стили — кубизм, футуризм, орфеизм и другие. 5 ноября того же года Зданевич публично представил свою концеп­цию в Москве на закрытии выставки Наталии Гончаровой. Лекция называлась «Наталия Гончарова и всёчество». После этого Зданевич отправился в Петер­бург, чтобы и там пропагандировать идеи всёчества на лекциях и в диспутах. Эти выступления носили характерный для авангарда эпатажный характер. Так, в конце выступления «Раскраска лица» 9 апреля 1914 года Зданевич выкрасил лицо черной краской, а 17 апреля того же года на акции «Поклонение башмаку» отрицал все, что считалось прекрасным, и воспел красоту башмака, «красивого, подобно автомобилям и двигателям».

    

Заборная живопись

Обращение к сюжетам и стилистике надписей на заборах — одна из характер­нейших особенностей авангарда и неопримитивизма. Особенно заметно это направление в работах Ларионова неопримитивистского периода.

Конструктивизм

Эль Лисицкий. Проект небоскреба у Никитских Ворот, вид с Тверского бульвара © charnelhouse.org

От латинского constructio — «построение». Основные черты конструкти­визма — строгость, лаконизм и геометричные формы. Официально стиль был обозначен в 1922 году в одноименной книге художника и теоретика искусства Алексея Гана. Среди самых известных конструктивистов — Владимир Татлин, Александр Родченко, Варвара Степанова, архитекторы Моисей Гинзбург, Константин Мельников, братья Веснины. Конструктивизм распространился в самых разных сферах художественного творчества: театральных декорациях и костюмах, книжном оформлении, архитектуре и проч.

Космизм

Лазарь Хидекель. Города будущего. Надземный город. 1927 год © newsfeed.kosmograd.com

Философское понятие, возникшее в 1870-е годы и обозначающее философов и ученых, размышлявших о внеземном пространстве и космосе. Развитию космизма способствовало беспредметное, или абстрактное, искусство, а ученики Малевича — художник Иван Кудряшов и архитектор Лазарь Хидекель — развивали космический аспект геометрической беспредметности и идеи космизма.

Кубизм

Жорж Брак. Скрипка и подсвечник. 1910 год © San Francisco Museum of Modern Art

Кубизм сформировался во Франции осенью 1908 года в работах Жоржа Брака и Пабло Пикассо. В Россию он проникает разными путями. Так, художница Александра Экстер регулярно привозит из Парижа разные сведения о новом модном стиле, а в 1908 году коллекционер Сергей Иванович Щукин открывает всем желающим свой особняк в Большом Знаменском переулке. В собрании среди прочего есть работы кубистов, и в галерею регулярно заходят будущие бубновалетцы. В 1912 году в сборнике «Пощечина общественному вкусу» выходит статья художника и поэта Давида Бурлюка «Кубизм». Кубизм, пишет он, подразумевает плоскостное понимание мира или канон сдвинутой конструкции, а его важнейший прием — изображение объекта с нескольких точек зрения. Три года спустя в манифесте «От кубизма к супрематизму» Казимир Малевич определяет сущность направления как «диссонанс», происходящий в результате «встречи двух форм»: «В принципе кубизма лежит еще очень ценная задача, не передавать предметы, а сделать картину. <…> В нашей эре кубизма художник уничтожил вещь как таковую с ее смыслом, сущностью и назначением».

Кубофутуризм

Наталия Гончарова. Фабрика. 1912 год © Государственный Русский музей

Впервые это понятие в 1912 году использовал французский критик Марсель Буланже, а на следующий год термин получает распространение и в русской культуре. К кубофутуристам причисляет себя поэтическо-художественная группа «Гилея», а также художники круга «Союза молодежи». В кубофуту­ристических произведениях мир предстает раздробленным на фрагменты или разобранным на элементы. В ноябре 1913 года кубофутуристическими называет свои работы Малевич в каталоге выставки «Союза молодежи». В 1912–1913 годах появляется кубофутуристичная живопись Наталии Гончаровой («Фабрика»).

Левое искусство

Александр Родченко. Вариант обложки журнала
«Леф»    «Леф» — «Левый фронт», журнал, выходивший в Москве в 1923–1925 годах, главный редактор — Владимир Маяковский. Несколько номеров оформлены Александром Родченко. (шарж на О. Брика). 1924 год © Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина

Весной 1915 года после Выставки картин левых течений в Петрограде термин «левое искусство» наравне с понятием «футуризм» стал применяться по отношению к новаторскому искусству. В 1917 году были созданы три федерации; одна из них называлась «левой» и объединяла большинство художников-авангардистов. К 1919-му термин меняет свое значение: теперь так называют беспредметников и пролетарских художников. В начале 1920-х последние образуют группировку вокруг журнала «Леф».

Линиизм

Александр Родченко. Линейная конструкция № 108. 1920 год  © monoskop.org

В 1919 году термин изобрел Александр Родченко, обозначив так одно из тече­ний в беспредметном искусстве. «Ввел и объявил линию как элемент конст­рукции и как самостоятельную форму живописи», — писал он в Манифесте раннего конструктивизма.

Лучизм

Михаил Ларионов. Петух (Лучистый этюд). 1912 год © Государственная Третьяковская галерея

Одна из первых систем беспредметной живописи, разработанная Михаилом Ларионовым. Лучизм, считал Ларионов, должен связать в единой гармонии видимый материальный мир и мир духовный. Первые лучистские работы художник создал в 1912 году, и тогда же они были показаны на выставках «Мира искусства». В 1913 и 1914 годах лучистская живопись Ларионова экспонировалась на выставках «Мишень» и «Номер 4». Для реалистического лучизма характерны анималистические сюжеты. Для следующей стадии лучизма — пневмолучизма — использование других техник (например, вставки из папье-маше, знаков вроде нот, крестов и проч.).

Ориентализм

Важная часть программы художников раннего авангарда. Влияние восточного искусства в основном отразилось на теории и манифестах и привлекало худож­ников авангарда скорее сюжетами и темами, чем приемами. Важно было само погружение в атмосферу Востока, а не изучение особенностей искусства. Теоретическое обоснование ориентализма разработали Михаил Ларионов и Илья Зданевич. И как раз любовь к Востоку стала поводом к разрыву Ларио­нова с «Бубновым валетом» — его членов художник обвинял в подража­тельном западничестве. Впрочем, к середине 1910-х тема Востока оказалась забыта, а ориентализм исчерпал себя.

Примитивизм

Михаил Ларионов. Весна. Времена года (Новый примитив). 1912 год © Государственная Третьяковская галерея

Направление раннего русского авангарда (конец 1900-х — начало 1910-х). Среди особенностей примитивизма — инфантильные, детские формы и пропорции фигур, неуклюжая пластика, имитация любительского рисования, наивная сказочность. Принципиальную роль здесь играла опора на национальную традицию, на образцы древнего и народного искусства, прежде всего икона, лубок, скульптурную архаику. Впервые слово было использовано поэтом и критиком Сергеем Маковским в статье о выставке «Голубая роза»: «Они — возвестители того примитивизма, к которому пришла современная живопись, ища возрождения у самых родников — в творчестве непосредственном, не обессиленном тяжестью исторического опыта. <…> Современный сознательный примитивизм, понятый как основная задача, — последняя победа художнического освобождения».

Летом 1907 года термин также используется в анонсе выставки Бурлюков в Херсоне.

Супрематизм

Казимир Малевич. Без названия. Около 1916 года © The Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venice

Так в декабре 1915 года Малевич охарактеризовал свои работы, показанные на «Последней футуристической выставке „0,10“». Его «Черный квадрат» открыл новое поле опытов — чисто геометрическую беспредметную форму. В начале 1920 года Малевич уехал преподавать в Витебск, и там супрематизм становится основой новой педагогики Уновиса — «Утвердителей нового искусства».

Футуризм

Джакомо Балла. Скорость + звук. 1913–1914 годы © The Solomon R. Guggenheim Foundation Peggy Guggenheim Collection, Venice, 1976

От итальянского futuro — «будущее». Футуризм возник в Италии в 1909 году благодаря Филиппо Томмазо Маринетти и распространился на все области художественного творчества. Основа футуризма — новый язык искусства, соответствующий изменившемуся миру. По свидетельству Давида Бурлюка, русские художники и литераторы начали использовать термин с 1911 года. Сами футуристы, однако, тогда называли себя будущниками или будетлянами. Ближе всего к футуризму были группы «Ослиный хвост» и «Союз молодежи». Особенно популярен в русской живописи футуризм был до 1914 года.  

24 Течения и стили авангарда

ЛЕКЦИЯ

Течения и стили авангарда. Изобразительное искусство XX века.

 

Решетников Ф. П. Тайны абстракционизма. М. 1963.

Малахов Н. Я. Модернизм. Критический очерк. М.: «Искусство», 1986.

Байрамова Л. Матисс. Журнал «Смена», №9, 1998, С. 130-147.

Лебединский М. Сальвадор Дали. Журнал «Смена», №1, 1998, С. 90-100.

 

Изобразительное искусство первой половины XXв.

Рекомендуемые файлы

Авангардизм (от фр. Avantgarde – передовой отряд) – это совокупность течений в искусстве, который порывая с реалистическими традициями ищут новые способы построения художественной действительности. Авангард начал развиваться в 1910-1920-х гг. К русским авангардистам относятся М. Шагал, П. Н. Филонов, К. С. Малевич, Кандинский и другие.

Модернизм (от фр. Moderne – новейший, современный) – художественно-эстетическая система или совокупность течений искусства, сложившаяся в 1920-х гг., ищущая нетрадиционные способы художественного освоения действительности. Декаденство и авангардизм считаются его ранними стадиями.

Фовизм (от фр. Fauves – дикие) – название направления, которое было присвоено творческой группе  молодых парижских художников А. Матиссу, А. Дерену, М. Вламинку, А. Марке, Р. Дюфи, К. ван Донгену, совместно участвующим в выставках 1905-1907 гг. Четкой программы у группы не было. Художников объединяло стремление к созданию образов с помощью яркого, открытого цвета. Природа – повод для создания экспрессивных композиций. Работы этих художников отличало отсутствие светотеневой моделировки, стремление к гармонизации цветовых пятен. У фовистов оставался один шаг до абстракционизма.

Анри Матисс (1869-1954), член парижской группы художников, называвшей себя «фовистами», отказался от модулирования цветов, чтобы снова создать впечатляющие, простые и ясные цветовые поверхности, расположенные в субъективно-прочувствованном равновесии по отношению одна к другой. Вместе с Браком, Дереном, Вламинком он принадлежал к парижской группе «Диких». В результате многолетней интенсивной работы, Матисс постепенно отходит от свето-теневой модуляции. Его девизом стало: «Чем боле плоско, тем художественнее». Он постепенно переходит к плоскостно-декоративной манере живописи, превращая картину в декоративный узор.

Матисс был сыном потомственных ремесленников. Его мать в свободное время расписывала тарелки. Анри Матисс получает юридическое образование и становится клерком. Во время болезни он читает руководство для начинающих в живописи. Отец отправляет его с рекомендательными письмами учиться в мастерскую художника Бугро (1891), но он ищет что-то иное. Матисс поступает в Школу изящных искусств в мастерскую Гюстава Моро. Моро уважает дарование другого. В его мастерской царит атмосфера творчества и эксперимента. Матисс обращается к опыту импрессионистов в 1897 г.(натюрморт «Голубой горшок и лимон»). Матисс расписывал километры лавровых листьев, был сторожем в театре. Он заплатил огромные деньги за «Купальщиц» Сезанна. Картина вдохновляла его на создание едевров. В 1905 г. Матисс отправляется на Средиземное море. Его «Вид  Коллидра» – полет освобожденного человека. Плотина рухнула, и лавина самых ярких чистых красок обрушилась на мир. Немыслимые, сумасшедшие, запрещенные всеми художественными Академиями мира цвета нашли свое место на полотнах мастера. В 1905 г. состоялась выставка, в которой участвовали Матисс, Дерен, Вламинк, Руо и другие художники. Матисс показал на ней картину «Открытое окно». Критик Луи Воксель назвал живопись дикой, а их авторов дикими или фовистами. В Матиссе не было ничего эпотажного, что свойственно и русским авангардистам. Он с молодости любил элегантно одеваться, обожал стильные вещи. Он не ставил перед собой цель поразить и озадачить. Его находки и открытия – результат честного труда. С 1907 г. начинается сотрудничество Матисса с известным русским собирателем живописи Сергеем Ивановичем Щукиным., который обеспечил мастеру нормальную без срывов работу до 1912 г. Для стиля Матисса характерна предельная упрощенность формы, композиционная ясность и уравновешенность, отсутствие светотеневой моделировки, плоские пятна чистого цвета и мажорность («Танец», «Музыка», «Натюрморт с ковром», «Красная комната»).

Близок Матиссу Рауль Дюфи. Он писал сцены скачек, морских пейзажей, парусных регат («Лодки на Сене»). Анри Дерен через Сезанна пришел к кубизму («Субботний день»). У Амедео Модельяни нет матиссовского монументализма, образы более камерные, интимные.

Кубизм. Изобретателем кубизма считают Пикассо с его картиной «Авеньонские девушки» (1907), но это, скорее всего, выражение поиска многих художников. Теоретиками кубизма являются живописцы Ж. Метценже и А. Глез. Кубисты пробовали осознать внутреннее строение предметов, они пытались расширить пределы оптического видения. К трем измерениям пространства Возрождения кубисты добавили 4-е – время. В 1911 г. они выставили свои произведения в «Салоне отверженных». Кубисты – Пабло Пикоссо, Жорж Брак, Жуан Грис, М. Дюшан – использовали цвет для своих сочетаний света и тени. Они прежде всего интересовались формой, преобразуя предметы. Они добивались впечатления выпуклости с помощью тональных градаций.  Прежде всего, они свели многообразие форм к элементам прямоугольника, треугольника и круга. Полихромное богатство Сезанна, охватившее весь спектр, они свели в основном к черному, белому, серому, охре, коричневому и синему цвету. Контраст света и тени ими был использован во всех возможностях его многотональности. Картины стали уподобляться рельефу, а их содержание свелось к нескольким предметам домашнего обихода. Музыкальные инструменты, благодаря своей утонченности и функциональной красоте форм, вдохновляли живописцев и становились объектами натюрмортов. В качестве контраста к линейным формам и сплошным поверхностям использовались куски ткани, имитации кусков дерева и деревянных решеток. Позже к окрашенным геометрическим формам стали добавлять настоящие предметы, как то: фанера, стекло, листовые металлы, ткани, куски обоев и газет и отдельные типографские буквы. Формы предметов были отделены от их естественной, органической среды и согласованы с абстрактными геометрическими формами. Кубисты разрабатывали новые формы неглубокой многомерной перспективы, позволяющей представить объект в виде множества пересекающихся и просвечивающих плоскостей, сосредоточенных вдоль оси композиции. Объект изображался одновременно со многих точек зрения как комбинация геометрических форм. По мнению кубистов на картине был представлен не только внешний облик объекта, но и знание о нем. Конструктивное сходство и взаимосвязь всех предметов – на это обращают внимание кубисты. Первый этап развития кубизма связан с аналитическими композициями, второму этапу свойственны абстрактные натюрморты.

Пикассо пишет картины «Танец с покрывалами», «Женщина с веером», «Три женщины». В 1908 г. создалось объединение «Бато-Лавуар». В 1911 г. образовалась новая группа кубистов в мастерской Вийона, к которому присоединились Дюшан, Глез, Метценже, Ле Фоконье, Леже, Пикабия, Купка.

Наиболее последовательно кубизм проявлялся в творчестве Ж. Брака (1882-1963) («Арии Баха», «Португалец»).

После Второй мировой войны кубисты ушли в декоративно-прикладное искусство. Глез стал заниматься стенописью, Люрса и Леже – коврами и керамикой. Продолжатели кубистов – пуристы – развивали рационалитическую, рассудочную живопись (Озанфан). С пуризма начинал и Ле Корбюье, считавший, что картину можно построить так же, как машину или здание.

Экспрессионизм (от фр. Expression – выразительность) – одно из направлений авангардизма. Первое поколение экспрессионистов соотносится с деятельностью немецкой группы «Мост» (1905-1912 гг). Их сочная и многоцветная живопись сменяется плоскостной и графичной манерой письма. Группа «Мост» была организована в Дрездене студентами архитектурного факультета Высшего технического училища. Своим предшественником экспрессионисты считали бельгийца Джеймса Энсера с его масками и Эдварда Мунка, чьи картины называют «криками времени». С 1906 по 1912 гг. выставки «Моста» устраиваются то в Дрездене, то в Кельне. Для экспрессионизма характерна изломанность линий, контрастность цвета, деформированность пространства. В 1910 г. В. Кандинский и Ф. Марке организовали альманах под названием «Синий всадник», а в следующем году – выставку с этим же названием. Эта выставка положила начало второму объединению экспрессионистов (1911-1914 гг.). К этому объединению примкнули Макке, Кампендонг, Клее, Кубин, Кокошка. Экспрессионисты – Мунк, Кихнер, Геккель, Нольде и художники группы «Голубые всадники» — Кандинский, Марк, Маке, Клее – вновь пытались вернуть живописи ее психологическое и духовное содержание. Целью их творчества было представить внутренний духовный опыт с помощью форм и цвета, донести до зрителя внутреннее напряжение, которое испытывает автор. Творчество Поля Клее отличается необыкновенным размахом использования цветовых возможностей. Он составил суровые, веселые и мрачные мелодии цвета. В творчестве Дерена отразилось ощущение жестокости среды и сочувствие человеку.

Абстракционизм (от лат. Abstractio- отвлечение). Кандинский начал писать беспредметные картины около 1908 года. Он утверждал, что каждый цвет имеет присущую ему духовную выразительную ценность, что дает возможность передавать духовные переживания, не изображая при этом реальных предметов. Эстетическое кредо абстракционизма Кандинский изложил в книге «О духовном в искусстве», 1910 г.

Между 1912 и 1917 годами в различных частях Европы совершенно независимо друг от друга работали художники, создавая то, что можно было бы отнести к категории «абстрактного искусства». Среди них Купка, Делона, Малевич, Иттен, Арп, Мондриан и Вонтонжерло. Их картины изображали беспредметные, большей частью геометрические формы.

Абстракционизм имеет направления:

·         Супрематизм, при котором создание новых типов художественного пространства идетпутем сочетания различных геометрических форм. Это завершение поисков кубистов. В России  это районизм (лучизм) Ларионова М., супрематизм Малевича К., в Голландии – творчество группы «Стиль» (с 1917 г.) во главе с Мондрианом и Т. ван Дусбургом.;

·         Абстрактный экспрессионизм, при котором главной задачей становится гармонизация бесформенных цветовых отношений. К этому направлению относятся ранние работы Кандинского, когда происходит «освобождение» цвета от форм реальной действительности. Это завершение поисков экспрессионизма и фовизма.

Пит Мондриан (1872-1944) в 1910-е гг. был связан с кубизмом. В Голландии у него появилась группа последователей, объединившаяся вокруг журнала «Стиль». Датский художник Мондриан ввел понятие «неопластицизма». Он не стремился воспроизвести объект, а создавал ощущение его существования на плоскости. Несколько позже Мондриан сделал дальнейший шаг вперед. Он, как гири использовал чистые желтый, красный и синий цвета для конструкции картин, форма и цвет которых совпадал с эффектом статического равновесия. Он не стремился ни к скрытому выражению, ни к интеллектуальному символизму, но к реальным, оптически различимым конкретным гармоническим рисункам. Мондриан писал: «Нет ничего конкретнее, чем линия, цвет, плоскость».

Кандинский Василий Васильевич (1866-1944) – русский художник, основатель и теоретик абстракционизма. Его стиль называют живописным абстракционизмом. С 1921 г. он живет за рубежом. В 1933 г. эмигрировал из Германии во Францию.По Кандинскому художник выражает существующую духовность, он свободен в выборе средств выражения – от «чистого реализма» до «чистой абстракции». Единственный его руководящий судья – принцип внутренней необходимости. Все, что вызвано этим чувством «совершенствует и обогащает душу». Он создавал цвето-ритмические и колористические симфонии, опираясь на «Учение о цвете» Гете, опыты с цветомузыкой Скрябина. Не отрицая реалистической живописи, Кандинский полагал, что освобождение живописи от природных форм освобождает ее от всего постороннего, «внеживописного». Начиная с 1910-го г. мастер создает в основном абстрактные полотна, называя их «Симфониями» или «Композициями». Он пишет теоретические труды: «О духовном в искусстве» (1910), «точка и линия на плоскости» (1926), «Эссе об искусстве и художниках» (1935).

Каземир Малевич (1878-1935) изобрел супрематизм. «Черный квадрат» по мнению автора не просто изображение квадрата, а «восприимчивость к отсутствию предмета». .В 1920-е гг. Малевич создает планиты и архитектоны, применяет находки в архитектурных поисках. В 1930-е гг. возвращается к реалистической традиции («Девушка с красным древком»). Лучизм – одно из направлений абстракционизма, в котором работают Михаил Ларионов и Наталья Гончарова.  Клее стремился, как он утверждал, выразить суть космических процессов.

Абстракционизм в скульптуре выразился как интерес к соотношению отвлеченных объемов (К. Бранкузл, Г. Арп), и как решение пространственных отношений (Н. Габо, А. Певзнер).

С приходом к власти фашизма, центр абстракционизма перемещается в Америку. В годы Второй мировой войны сюда из Парижа переезжают Марк Шагал, Макс Эрнст. В 1940 г. в Нью Аорке обосновался Пит Мондриан. В САШ эмигрировали Ласло Мохой-Надь, Ханс Рихтер и другие. Кроме гладкой поверхности живописи художники стали применять наряду с маслом песок, гальку, цемент, слюду.

В 1937 г. в Нью-Йорке создается музей беспердметной живописи, основанной семьей Гугенхейма. В 1939 г. создается Музей современного искусства, созданный на средства Рокфеллера. Искусство становится языком знаков (абстракнная калиграфия Ганса Гартунга).

Футуризм. В 1908 г. математик Герман Минковский сформулировал изменение мировоззрения: «Отныне понятия «время» само по себе и «пространство» само по себе осуждены на забвение: они могут сохранить свое существование только вступив в своеобразный союз между собой».

В основе произведений футуристической живописи, скульптуры и архитектуры лежит выражение движения в двух формах: «проникновение во внутрь» и «одновременности» (скульптор Умберто Боччони «Бутылка, развернутая в пространстве»). Футуризм сложился и получил широкое развитие в Италии в 1910-1920-х гг. В творчестве Луиджо Руссооло, Карло Карра, У. Боччони, дж. Северини появилась тенденция сделать предметом искусства динамизм как таковой. Теоретик футуризма Ф. Т. Маринеттив 1909 г. пишет «Манифест итальянского футуризма». Футуристичесмкие картины – хаотическое нагромождение плоскостей и линий. Художники стремились поместить зрителя в центр картины.

Дадаизм (от фр. Dada – лошадка) – авангардное течение в литературе, изобразительном искусстве, театре возникло почти одновременно в 1915-1916-м гг. в США и Швейцарии. Дадаисты заимствовали у кубистов технику коллажа, у футуристов — любовь к манифестам и публичным действиям, у абстракционистов – спонтанность творчества. Дадаисты утверждают, что мир непостижим, и художники лишь отражают его. В 1915 г. в США художник Дюшан выдвигает программу антиискусства, художественные произведения заменяет экспонированием вещей, которые предстают перед зрителем в непривычном окружении, контексте. Дюшан экспонировал на выставках велосипедную раму, сушилку для посуды и т. п. Ф. Кикабия выставляет репродукции «Моны Лизы» с пририсованными усами и бородой.

Кинетическое искусство (по гр. Kinetikos – приводящий в движение). В произведених искусства применяются возможности движения конструкций и оптические эффекты. Первые попытки развития данного направления встречаются в рамках  футуризма, конструктивизма, дадаизма. В начале 1930-х гг. американец А. Кальдер создает мобили – конструкции, приводимые в движение атмосферными явлениями. В 1950-х гг. кинетические конструкции используются в дизайне интерьера. В 1956 г. Сурью в работе «Эстетические категории» обращает внимание на то, что кинетическое искусство может как возбуждать, так и успокаивать.

 

Изобразительное искусство второй половины XXв.

Сюрреализм (фр. Cur – над). Французский поэт Анре Бретон (1896-1966, «папа сюрреализма» в союзе с Хансом Арпом (1887-1966) и Максом Эрнстом (1891-1976), поэтами П. Элюаром и Б. Пере в 1924 г. издает «Первый манифест сюрреализма». Второй манифест выходит в 1929 г., а третий – в середине 1930-х гг. Бретон определил сюрреалистическое творчество как форму свободного выражения человеческогодуха при отсутствии всяких нравственных и эстетических ограничений. «Сюрреализм – это чистый психический автоматизм… Сюрреализм основывается на вере в высшую реальность определенных форм ассоциаций, до сих пор не принимаемых во внимание, во всесилье сновидений, в незаинтерисованную игру мышления. Он стремиться окончательно уничтожить все другие психические механизмы и заменить их собой в решении основных проблем жизни». Видным представителем ранней поры сюрреализма был Макс Эрнст. Он изображал полустертые в памяти образы юношеских снов. В годы , предшествующие Второй мировой войне, наряду с Максом Эрнстом, Ивом Танги (1900-1955), Хоаном Миро (1893-1995), появляются новые сюрреалисты: испанец Сальвадор Дали, бельгийцы Рене Магритт (1898-1967) и Поль Дельво, австриец Вольфанг Паален (1907-1959), швейцарец Курт Зелигман (1900-1961). Сюрреалисты – Макс Эрнст, Сальвадор Дали и другие – пользовались цветом как средством выражения «нереальных образов». Интуиция, считали они, — единственное средство познания Истины. Некоторые сюрреалисты считали своими предшественниками испанского архитектора Антонио Гауди и Марка Шагала. В сюрреализме иррациональный мир написан с подчеркнутой объемностью. Натуралистические детали передаются с фотографической точностью. Здесь присутствует сочетание реальных и абстрактных форм, тяжелое повисает, мягкое костенеет, твердое растекается.

Сальвадор Дали (1904-1989) родился в маленьком испанском городке. Испания – страна высочайших культурных традиций, где любят и почитают художников. Во многих городах, не говоря уже о Мадриде, можно свтретить памятники Веласкесу, Сурбарану, Рибере, Эль Греко, Гойе. Дали обладал литературным даром. Он пишет «Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим», «История пука», сценарии фильмов, статьи, манифест «Декларация независимости воображения и прав человека на его собственное безумие». Дали внешне напоминал Дон Кихота. Он любил свою жену, руссую по происхождению, Галу. Рафаэль, Леонардо до Винчи, Вермеер Дельфтский, Жан Франсуа Милле – художники, к творчеству которых он постоянно обращался. Расчитывая композиции произведений, Дали занимался математикой и оптикой. В 1974 г. он открыл собственный музей в городе Фигеросе. Одна из его картин названа «Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон» (1932).

Поп-арт (popular art) широкое распроистранение получил в Англии, США, Канаде. Крестным отцом этого направления был Марсель Дюшан (1887-1968). Не удовлетворившись ни эффектами абстрактного экспрессионима, ни техникой наклеивания Курта Швитерса, ни так называемыми редимейдами (готовыми изделиями) Дюшана, предлагаемыми в качестве художественного продукта, некоторые английские и американские художники уже в 1950-х гг. начинают выставлять комбинированные произведения – живописные работы с располженными на них предметами. В поп-арте используются фотографии, муляж, репродукции из комиксов и журналов. Авторы использовали металлический хлам, старые автомобили, рваный холст, обрывки газет, журналов, рекламных проспектов. Э уорхол выставляет в 1965 г. «Четыре супа фирмы Кэмбелл». Р. Лихтенстайн выполняет в 1963 г.произведение «Женщина в цветной шляпке».США широко демонстрировали поп-арт в 1964 г. на XXXII биенале в Венеции, на котором первый приз был присужден американцу Роберту Раушенбергу («Прейсер»). В  своих работах он использовал технику коллажа. Искусство поп-арта тесно связано с рекламой и потому поддерживается меценатами. В 1979 г. Музей Гугенхейма в Нью-Йорке организовал большую персональную выставку Йозефа Бойса. Для Бойса важен не внешний вид его творений, но то, что происходит в сознании у зрителей. Хеппенинг – сценическая разновидность поп-арта, театральное действие без продуманного сценария (от англ. Happening – сдучающееся, поисходящее).

Оп-арт (optical art) распространился в 1960-х гг. Использование оптических мотивов в монохромных или ярких композициях роднит его с росписью тканей. Одно из направлений оп-арта – кинетическое искусство (иногда его рассматривают как самостоятельное направление). В оп-арте используется блеск дродащих металлических пластин, оживающих от колебаний воздуха; зеркала, создающие иллюзию пространства. Один из известных мастеров оп-арта – Вазарелли. Он создавал композиции на основе орнимента, в котором с помощью цвета создавалась иллюзия трансформации плоскости (ее выпуклость, вогнутость, неровность).

Гиперреализм (фотореализм) – художественное течение, возникшее в конце 1960-х гг. в США и распространившееся затем в европейских странах. Это течение проявилось прежде всего в живописи (Э. Уорхол и другие). Картины имитируют свойства фотографии: автоматическую визуальную фиксацию мира, документальную точность. У художников Р. Эстеса, Р. Гоинза часто изображаются улицы, реклама, автомобили. Ч. Клоуз интересен применением макрофотографий. К концу 1970-х гг. течение теряет свою силу.

Абстрактный экспрессионизм. Новое поколение абстракционистов (Дж. Поллак, Де Куринг) после Второй мировой войны восприняли от сюрреализма принцип «психического автоматизма». У Поллака акцент перемещается с произведения на сам процесс его создания – живопись-действие (action-painting). Джексон Поллак (1912-1956) ввел термин «дриппинг» – разбрызгивание красок на холст без кисти. Во Франции такая живопись называлась ташизмом (от фр. Tache – пятно), в США  — абстрактным экспрессионизмом, в Англии — живописью действия, в Италии – ядерной живописью. Она развивается в 1940-1950-х гг. Так работают художники в США Дж. Поллок, во Франции П. Сулаж и Ж. Матье, в Нидерландах К. Аппел. Ташисты «беззаконны, как в цвете, так и в форме».

Концептуальное искусство (от англ. concept – понятие, идея, общее предсттавление) или информационное искусство имеет множество течений. Произведения концептуального искусства демонстрируют понятия, употребляемые в научных дисциплинах (философии, социологии, антропологии, искусствознании и др.). Это искусство должно изменять традиционную, поверхностную точку зрения человека на окружающие его явления и предметы, способствовать расширению осознания. Так работы данного вида искусства могут раскрывать понятия «пустая форма», «условность» и другие. Раздичают следующие основные течения: ленд-арт, боди-арт, перфоманс, кутьтурное искусство, видео-арт.

Ленд-арт (от англ. land – земля) использует в качестве материала для создания произведений искусства природные объекты. Возник ленд-арт в 1970-х гг. Ленд-арт может ориентироваться на архаические формы архитектурной и изобразительной деятельности. «Спиральный холм» Смитсона имеет диаметр 45м. Часто произведения ленд-арта видны целиком лишь с воздуха. В этих случаях на выставках демонстрируются их фотографии. Интересны работы в этом виде искусства Христо. Одни из первых работ этого мастера, принесшие ему всемирную известность, были композиции с зонтиками. Христо расставил пляжные зонтики синего цвета на протяжении несколоких километров в природном ландшафте в Америке. Лента из ярких синих точек выделялась на фоне естественного окружения и производила фантастическое впечатление. В Японии он также играл с желтыми зонтиками. Следующие его произведения представляют собой «упоковку» или «драпировку» крупных архитектурных или природных объектов. Например, он покрыл тканью Рейхстаг в Берлине, упоковал в насыщенную розовую ткань остров, мост и т.д.

Боди-арт – разновидность перфоманса, в котором исползуется тело челвека для создания произведения.

Вместе с этой лекцией читают «1.4 Системы с самонастройкой параметров».

Перфоманс – изображение состояний сознания с помощью сценических действий. При этом используется внешний вид, жесты, поведение художника или группы авторов. Перфоманс возник в 1960-х гг.

В культурном искусстве используются известные картины художников или фотографии известных произведений искусства. Они красятся, дорисовываются и т. п. В видео-арте используются возможности кинематографа и компьютерной анимации для воздействие на сознание зрителя.

Графити как разновидность искусства, субкультуры имеет свои законы и показатели мастерства. Произведение графити выполняется за один сеанс с использованием максимального колличества оттенков цвета. Стилизованный текст должен быть хорошо закомпонован, иметь оригинальную стилистику.

Фентези как направление в искусстве получило развитие в творчестве Валеджо. Это иллюстрация сюжетов фантастических произведений, где идеальные по физическим характеристикам фигуры мужчин и женщин сочетаются с космическим, неземным стилем одежды, показом энергетических потоков, световых лучей, неземными пейзажами, фантастическими существами. Такой стиль получил большое распространение в оформлении обложек популярных книг не только фантастического, но и детективного и любовного жанров. При  этом он утратил свою уникальность, оригинальность и собственно художественную ценность.

 

 

XX ВЕК

1
Авангард

Авангард зародился в середине XIX века во Франции. Слово avant-garde пришло в искусствоведческую терминологию из военной лексики и означало «передовой отряд». Под «авангардом» понимают условное объединение самых разных течений искусства ХХ в. (конструктивизм, кубизм, орфизм, оп-арт, поп-арт, пуризм, сюрреализм, фовизм). Представителями этого течения в России были К. Малевич, В. Кандинский, М. Ларионов, Н. Гончарова, М. Матюшин, Л. Попова, В. Татлин, П. Филонов, А. Экстер и другие.

Авангард в глобальном смысле начал новую эпоху в искусстве. На протяжении многих тысячелетий функция искусства состояла в отражении окружающего мира. Согласно теории мимесиса (от греч. mimesis — подражание), искусство — это то, что отражает окружающую нас действительность и воспроизводит ее средствами скульптуры, живописи и так далее. Зародившись в Древней Греции, за исключением Средних веков в Европе и Древней Руси (иконопись), такое отношение сохранялось вплоть до XIX века. Авангард взял на себя совершенно новую функцию — не отражать, а создавать новую действительность, которая может быть навеяна окружающим миром, но она не есть окружающий мир. Это другая действительность — духовная, воображаемая, какая-то еще.

Авангардному искусству свойственна безудержная свобода, увлекающая и захватывающая, но одновременно свидетельствующая о деградации, разрушении целостности содержания и формы. Манифестантный и эпатажный характер, атмосфера иронии, игры, карнавальности, маскарада присущи различным течениям авангарда, что не столько маскирует, сколько раскрывает глубокий внутренний разлад в душе художника. Его идеология несет в себе как созидательную, так и разрушительную силу. По словам русского философа Н. Бердяева (1910-е гг.) в России подрастало «хулиганское поколение».

Первым употребил в России слово «авангард» А. Бенуа, с некоторой иронией этим словом он охарактеризовал ряд художников, представивших картины на выставке «Союза художников» в 1910 году, — они примкнули к объединению «Бубновый валет», громко заявив о новом искусстве на своей выставке. Традиционный русский максимализм, ярко проявившийся еще в движении передвижников и «шестидесятников» XIX столетия, был лишь усилен русской революцией и привел к тому, что во всем мире Советская Россия считается родиной авангардного искусства.

Если европейские авангардисты вдохновлялись творчеством «примитивных» народов, то художники русского авангарда свои приёмы черпали из древнерусского (иконопись, фреска) и крестьянского искусства, городского народного промысла: лубочных картинок и трактирных вывесок, деревянной скульптуры, резьбы, игрушки, вышивки, формируя новый изобразительный язык. В то же время русские художники во многом опирались и на модернистские направления европейского искусства (кубизм, футуризм, фовизм и т.д.).

Искусство авангарда было нацелено на изменение человеческого сознания и, возможно, самой человеческой природы.

2

Казимир Малевич. «Лесоруб» (1912-1913)
Городской музей (Стеделик музеум), Амстердам

Картина «Лесоруб» была написана художником в 1912-1913 годах. В эти годы в его творчестве определился стиль кубофутуризма, соединивший кубистическую пластику форм с футуристической динамикой.

В качестве красок Малевич предпочел масло. Эту картину он называл «Подражанием иконе» благодаря столь заметной образности. Однако золотистое цветовое предпочтение было достаточно прямолинейным, грубым и не особо убедительным в иконописи. Для фресковой же живописи характерно упрощение изображения, лишение его многих деталей, оставляя лишь основные линии, отождествляющие объект или предмет изображения. Малевич использует подобные приёмы, поэтому он называл свой жанр картин «трудовыми».

Имея всегда и на все неповторимый взгляд, Малевича считал икону высшей ступенью «крестьянского искусства». И в этом взгляде была доля истины — без святых образов был немыслим крестьянский быт. На полотнах первой крестьянской («трудовой») серии — «Лесоруб», «Плотник», «Крестьянка с ведрами и ребенком», «Уборка ржи» — хорошо виден решительный перелом в искусстве Малевича, открытие нового направления собственного стиля.

В цветовой гамме этого произведения преобладают красно-жёлтые и чёрно-белые сочетания, что является созвучным со стилем писания иконы, строго выдержанной плоскостной передачи.

Фигура лесоруба занимает все поле картины, намеренно упрощена и укрупнена во имя большей выразительности. Крестьянин словно сделан из нового материала: выгнутых листов с металлическим отливом, подобный механизму, собранному из отдельных частей и деталей. Вокруг все заполнено цилиндрами в жёлто-оранжевом отсвете огня, уподобляя их разлетающимися в стороны обрубками брёвен в процессе «кипящей» работы.

Зафиксированная застылость позы и строгое профильное изображение фигуры входят в контраст с формами разрубленных бревен, повернутых в разные стороны и заполоняющих торцовыми полукружиями всю плоскость картины, где художник уже намечает диалог кубистической статики и футуристической динамики. Это придает образу лесоруба величественную героизацию.

Kazimir Malevich art in Stedelijk museum in Amsterdam

3

Казимир Северинович Малевич (1879, Киев — 1935, Ленинград) — российский и советский художник-авангардист польского происхождения, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — направления в абстрактном искусстве.

Родился в семье управляющего заводом. В семье родилось четырнадцать детей, но до зрелого возраста дожили лишь девятеро, и Казимир был старшим. Рисовать он начал с легкой руки своей матери, в пятнадцатилетнем возрасте, после того, как она подарила сыну набор с красками. Когда Малевичу исполнилось семнадцать, он некоторое время занимался в Киевской художественной школе Н.И. Мурашко.В 1896 семья переезжает в Курск. Там он участвовал в созданном кружке любителей искусства и служил чертежником, зарабатывая деньги на жизнь и учебу в Москве.

В 1905 приехал в Москву, где недолго посещал занятия в училище живописи, ваяния и зодчества и в Строгановском училище. В 1905-1906 года он дважды подавал прошение о приеме в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Однако в училище его не приняли. С 1906 до 1910 года Казимир посещал занятия в студии Ф.И. Рерберга, знакомится М.Ф. Ларионовым и принимает участие в выставке Московского товарищества художников. Творчество Малевича в этот период прошло через все стили того времени — от живописи в духе передвижников к импрессионизму и мистическому символизму, модерну, а затем к постимпрессионистическому «примитиву». Был участником выставок «Бубновый валет» и «Ослиный хвост», «Синий всадник» в Мюнхене, членом «Союза молодежи».

Работы первой половины 1910-х годов, все более задорно-новаторских и полуабстрактных, определи стиль кубофутуризма, по определению самого художника («Точильщик (Принцип мелькания)», «Лесоруб», 1912–1913).

Продолжая свои художественные искания, Малевич проводит серию живописных экспериментов, которые вполне можно было бы отнести к дадаизму. Он разрабатывает свой метод «заумного реализма» и «алогизма», протестуя против мещанской логики («Англичанин в Москве» и «Авиатор», Русский музей, Петербург; обе работы — 1914 г.). В картине «Композиция с Джокондой (Частичное затмение в Москве)» (1914) Малевич сосредотачивается на абсурдности самого изображения. В «Композиции с Джокондой» это перечеркнутая крест-накрест картина Да Винчи и газетная вырезка с надписью «передается квартира». По мнению искусствоведов, Малевич приравнял живописный шедевр к одной из самых обыденных вещей, тем самым отрицая его художественную ценность и намечая свой новый путь в искусстве.

Художник активно участвует во всех футуристических выставках и важным этапом в творчестве мастера имела работа над оформлением оперы «Победа над Солнцем» (музыка М.В. Матюшина, текст А.Е. Крученых и В.В. Хлебникова; премьера состоялась в петербургском Луна-парке в 1913) — трагикомического бурлеска о крушении старого и рождении нового миров. Именно геометризация форм и максимальное упрощение в оформлении (впервые там появляется черный квадрат) и натолкнули Казимира Малевича на мысль о создании нового направления — супрематизма, принципы которой были изложены им в брошюре-манифесте «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм».

«Черный квадрат», 1913 — это простая геометрическая фигура на белом фоне — и своего рода апокалиптический занавес над прежней историей человечества, и призыв к строительству будущего. В новом методе, призванном, по замыслу Малевича, увенчать собою все предыдущие течения авангарда (отсюда само название — от лат. supremus, «высший»), «преобразиться в нуле форм».

После Февральской революции 1917 г. Малевич был избран председателем Художественной секции Московского Союза солдатских депутатов. Он разрабатывал проект создания Народной академии искусств, являлся комиссаром по охране памятников старины и членом Комиссии по охране художественных ценностей Кремля, выступает как «художник-комиссар», активно участвуя в революционных преобразованиях, в том числе в монументальной агитации.

Вместе с Марком Шагалом в Витебске (1919–1922) руководил мастерской в Народной художественной школе, участвовал в выставках; создает «Объединение утвердителей нового искусства» (Уновис), стремясь наметить универсальную художественно-педагогическую систему, решительно переоформляющую взаимоотношения человека и природы (философский труд «Мир как беспредметность»).

По возвращении из Витебска Малевич возглавил (с 1923) Государственный институт художественной культуры (Гинхук), выдвинув идеи, радикально обновившие современный дизайн и архитектуру (объемный, трехмерный супрематизм, воплощенный в бытовых вещах (изделия из фарфора) и строительных моделях, так называемых «архитектонах» — домах будущего). Малевич мечтает об уходе в «чистый дизайн», все более отходит от революционной утопии.

Тревожные ноты отчуждения характерны для многих его станковых вещей конца 1920–1930-х годов, где доминируют мотивы безликости, одиночества, пустоты — уже не космически-первозданной, а вполне земной (цикл картин с фигурами крестьян на фоне пустых полей, а также полотно «Красный дом», 1932, Русский музей).

Опасаясь за судьбу своего наследия, в 1927, во время заграничной командировки, мастер оставил значительную часть своих картин и архива в Берлине (позднее они легли в основу фонда Малевича в амстердамском Городском музее).

Власти стали относится к деятельности Малевича все с большим подозрением (его дважды, в 1927 и 1930 гг., арестовывают). К концу жизни он попадает в обстановку социальной изоляции. Самобытная «школа Малевича», образовавшаяся из его витебских и ленинградских учеников, уходит либо в прикладной дизайн, либо в подпольно-«неофициальное» искусство.

В 1932 году Малевич добился должности руководителя Экспериментальной лаборатории при Русском музее. Тогда же внезапно он вновь обратился к традиционному реализму, к классическим принципам построения картины (Автопортрет, 1933).

В 1933 году Казимир Малевич тяжело заболел, а два года спустя, в 1935 г. — скончался.

«…И я счастлив, что лицо моего квадрата не может слиться ни с одним мастером, ни временем. Не правда ли? Я не слушал отцов и я не похож на них. И я — ступень. В искусстве есть обязанность выполнения его необходимых форм, помимо того, люблю я их или нет. Нравится или не нравится — искусство об этом вас не спрашивает, как не спросило, когда создавало звезды на небе». К.С. Малевич

Виртуальный тур по Русскому музею. Зал 76: Русское искусство XX — нач. XXI вв.

Стили живописи: общая характеристика основных стилей

Стилем называют общее направление развития искусства, репрезентативные образцы которого объединены идейным смыслом, техникой передачи, характерными приемами творческой деятельности. Стили в искусстве живописи тесно переплетались, перерастали в сродные направления, существовали параллельно, обогащая друг друга.

Живописные стили и направления формировались под влиянием идеологии, политического и экономического развития общества, религии, традиций.

История развития

История развития стилей демонстрирует сложную культурную эволюцию общества.

Готика

Зародилась во Франции в XI – XII веках. Стиль развивался на территории Западной, а с XIII – XIV веков – в Центральной Европы. Зарождение и эволюция этого направления находились под существенным влиянием церкви. Средние века – период доминирования церковной власти над светской, поэтому готические художники работали с библейскими сюжетами. Отличительными особенностями стиля являются: яркость, вычурность, динамичность, эмоциональность, помпезность, невнимание к перспективе. Картина не выглядит монолитной – она смотрится, словно мозаика из нескольких действий, изображенных на холсте.

Ренессанс или Возрождение

Пришел из Италии в XIV века. Около 200 лет это направление было доминирующий и стало основой для развития рококо и Северного Возрождения. Характерные художественные черты картин: возвращение к традициям античности, культ человеческого тела, интерес к деталям, гуманистические идеи. Это направление было сконцентрировано не на религии, а на светской стороне жизни. Отличалось Северное Возрождение Голландии и Германии – здесь Возрождение воспринималось, как обновление духовности и христианской веры, предшествовавшее Реформации. Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.

Маньеризм

Направление в развитии живописи XVI века. Идейно противоположное Возрождению. Художники отходили от идеи совершенства человека и гуманизма в сторону субъективизации искусства, ориентации на внутренний смысл явлений и объектов. Название стиля происходит от итальянского слова «манера», что полностью отображает суть маньеризма. Представители: Я.Понтормо, Дж.Вазари, Брозино, Ж.Дюве.

Барокко

Пышный, динамичный, роскошный стиль живописи и культуры, зародившийся в Италии в XVI веке. На протяжении 200 лет направление развивалось во Франции, Германии, Испании. Барочная живопись полна яркими красками, особое внимание уделяется деталям, украшениям. Изображение не статично, эмоционально, поэтому барокко считают наиболее напряженным и выразительным этапом развития живописи.

Классицизм

Возник в западноевропейских странах в XVII веке, через 100 лет он добрался до стран Восточной Европы. Главная идея – возврат к традиции античности. Портреты, пейзажи, натюрморты легко узнать, благодаря догматическому воспроизведению, выполнению четких правил стиля. Классицизм переродился в академизм – стиль, которые впитал наиболее яркие черты античности и Ренессанса. В этом стиле работали Н.Пуссен, Ж.-Л.Давид, российские передвижники.

Романтизм

Сменил классицизм во второй четверти XIX века. Художественные черты: стремление к передаче индивидуальности, даже если она несовершенна, эмоциональность, выразительность чувств, фантастичность образов. Искусство художников-романтистов отрицает нормы и правила классического этапа развития живописи. Возрождается интерес к народным традициям, легендам, национальной истории. Представители: Ф.Гойя, Т.Жерико, К.Брюллов, Э.Делакруа.

Символизм

Культурное направление конца XIX – XX века, идеологическую базу почерпнул у романтизма. На первом месте в творчестве был символ, а художник был посредником между реальностью и фантастическим миром творчества.

Реализм

Художественные изыскания, которые на первый план ставят точность передачи форм, параметров, оттенков. Характерны натуральность, точность воплощения внутренней сути и внешней оболочки. Этот стиль наиболее масштабный, популярный и многогранный. Его ответвлениями являются современные направления – фото и гиперреализм. Представители: Г.Курбе, Т.Руссо, художники-передвижники, Ж.Бретон.

Импрессионизм

Зародился в конце XIX – начале XX века. Родина – Франция. Суть стиля – воплощение в картине магии первого впечатления. Этот короткий миг художники передавали при помощи коротких мазков краской по полотну. Такие картины лучше воспринимать не с близкого расстояния. Работы художников наполнены красками и светом. Постимпрессионизм стал фазой развития стиля – для него характерно большее внимание к форме и контурам. Художники: О.Ренуар, К.Писсарро, К.Моне, П.Сезанн.

Модерн

Самобытный, яркий стиль, который стал основой для формирования многих живописных направлений XX века. Направление собрало черты искусства всех эпох – эмоциональность, интерес к орнаментам, пластичность, преобладание плавных, криволинейных очертаний. Основой для развития стал символизм. Модерн неоднозначен – развивался в странах Европы по-разному и под разными наименованиями.

Авангардизм

Художественные стили, для которых характерен отказ от реалистичности, символизм передачи информации, яркость красок, индивидуализация и свобода творческого замысла. К категории авангардных относят: сюрреализм, кубизм, фовизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм. Представители: В.Кандинский, П.Пикассо, С.Дали.

Примитивизм или наивный стиль

Направление, для которого характерно упрощенное изображение реальности.

Перечисленные стили стали главными вехами в развитии живописи – они продолжают перевоплощаться в новые формы творческого самовыражения художников.

стиль в интерьере, искусстве, авангардная живопись, направление авангардизма в архитектуре, что это такое, картины

Авангард – это яркий, дерзкий стиль в живописи, архитектуре, моде, литературе и музыке. Это явление стало знаком революционных устремлений молодёжи XX века. В наше время под авангардом понимается всё, что противостоит классике и традиционному мышлению. Авангард стал культурно-эстетическим вызовом, претендующим на создание нового искусства. Само название «авангард» (в переводе с французского – «идущий впереди» или «передовой отряд»), подчёркивает современность стиля, новизну идей и стремление всегда оставаться в моде.

История возникновения

Как стиль и художественное направление, авангард зарождается в начале XX столетия. Термин первоначально носил военный характер, но со времён французской революции получил другой, метафорический смысл.

К концу XIX века его стали применять в художественной критике, но не в качестве названия стиля, а для обозначения новых, передовых идей. И только уже после Второй мировой войны слово «авангард» стало использоваться в роли объединяющего термина, прикрепляемого к любым видам искусства, антитрадиционным по форме.

Авангардизм в искусстве тесно связан с модернизмом. До сих пор вопрос соотношений этих двух понятий остаётся открытым: их полностью противопоставляют и, наоборот, взаимозаменяют. Но всё-таки модернизм в большей мере считают предшественником авангарда, определяя разницу между стилями. Так, модернизм проявил себя как эстетический бунт: это была революция в искусстве. Авангард же – это бунт против всякой художественной традиции в любом направлении.

Искусство авангарда

Особенно отметился русский авангардизм в живописи, появившись в СССР как протест против тоталитарного режима. Самыми яркими представителями русского авангарда считаются Казимир Малевич и Василий Кандинский.

Характерные черты авангарда:

• осознанно экспериментальный характер произведения искусства;
• революционно-разрушительный пафос;
• антитрадиционность;
• принципиальное новаторство в формах, приёмах, средствах;
• эпатажность и даже скандальность;
• стирание границ между видами искусств и синтез разных искусств.

Появившись в переломный момент, авангард принял на себя функцию разрушителя, пророка и творца абсолютно нового искусства. При этом каждый из представителей видел его выражение по-своему, поэтому рамки авангардных течений очень велики.

Современное направление

Сегодня авангардистами называют новаторов во всех видах искусства (живопись, архитектура, дизайн, мода, музыка). А само искусство авангарда представляет собой целый пласт различных веяний и течений. Это уже часть популярной культуры, частично утратившей свой изначально бунтарский дух.

С 60-х годов вторым развитием авангарда стал стиль, получивший название «поп-арт». Это искусство, рассчитанное на массовую аудиторию. В идее движения лежит теория о том, что всё может стать предметом искусства. По словам крупнейшего представителя «поп-арта» американца Р. Рауншенберга, «это искусство вне искусства», так как стирались границы между жизнью и творениями мастеров. Этот стиль и сегодня живёт в кино, рекламе, моде, в поведенческом типе жизни.

К 70-м годам на смену «поп-арту» приходит концептуализм, в основе которого лежит бессодержательность. Практически одновременно появляется движение «боди-арт», когда тело превращается в объект искусства.

Сегодняшний авангард – это искусство успокоенного общества. Оно не учит, не пропагандирует, ни с кем не конфликтует, а живёт наравне с другими стилями. В большей степени современный авангард заметен в моде. У истоков авангардного стиля в одежде стоял знаменитый Пьер Карден. Особенности этого стиля проявляются и в нынешней моде:

• асимметрия;
• нестандартный силуэт;
• игра форм;
• яркие цвета;
• смелые сочетания, контрастность;
• сочетание разных стилей, тканей, фактур.

Архитектура

В Москве сохранилось немало зданий 20-30-х годов, построенных в период авангарда.

Большинство из них имеют упрощённую форму с акцентированными угловыми частями. Много домов с башенными силуэтами, угловыми лоджиями и балконами. Жилые комплексы Москвы этого периода можно смело поставить в один ряд с европейскими аналогами – жилыми кварталами Берлина, Амстердама, Вены. Творения зарубежных мастеров амстердамской школы превосходят в плане индивидуальности постройки советских авторов, однако следует учитывать трудные условия, в которых работали наши соотечественники.

Сегодня самым авангардным городом Европы считается Роттердам. Его жители каждый день имеют возможность смотреть на архитектурные творения, парящие в воздухе. А в Музее Бойманса-ван-Бёнингена собрано большинство произведений авангардного искусства.

Образец современного русского авангарда – здание школы управления «Сколково» (Москва). Именно в этом здании воплощены идеи архитектуры будущего.

Некоторые архитектурные примеры авангардного стиля поражают своей абсурдностью: унитаз на постаменте М. Дюшана или композиция из консервных банок Э. Уорхола.

Дом архитектора Мельникова (1929 г.) – пример здания, построенного в рамках конструктивизма (одно из авангардных течений). Примечательно, что в доме отсутствуют балки и стропила, вместо этого используется тес, уложенный на ребро. Простота и утилитаризм форм при полном отсутствии декора – одна из особенностей данного стилевого течения.

Рекомендуем также ознакомиться с архитектурой Рококо.

Школа управления “Сколково”, Москва

Интерьер

Можно не знать Малевича и Кандинского, но если в человеке присутствует бунтарский и новаторский дух, то авангард в интерьере как раз то, что ему нужно.

Авангардный стиль – это прежде всего импровизация, а уж далее возможны эпатаж и сногсшибательность. Его особенностями являются штучные формы, новаторский, экспериментальный подход к выбору цвета, формы, к декору интерьера в целом.

Сейчас стиль авангард всё больше набирает популярность в архитектуре и дизайне. Фотографии в этом стиле украшают офисы известных компаний ресторанов. Авангардизм совмещает в себе дух искательства и протеста. Однако создание авангардного интерьера в доме требует индивидуального подхода. Увидеть картинку в журнале и скопировать подобный интерьер у себя в доме не получится. В проектировании интерьера в авангардной стилистике нужно учитывать образ жизни, вкусы и интересы хозяина.

Важно знать, что авангард противопоставлен не столько классицизму, сколько любому стилю, где на первый план выдвигаются формальная красота и рационализм. Нельзя отождествлять авангард с минимализмом в интерьере или хайтеком. Авангардный дизайн предполагает наименьшую функциональность. Здесь во главу угла ставятся цвет и форма в отрыве от функциональности. Идея этого стиля в том, чтобы разрушить связь между красотой и полезностью. Допускаются абсолютно бесполезные, но красивые вещи, что является противоположностью Готическому стилю.

Авангардный стиль ассоциируется с яркостью, эффектностью, нестандартностью. В интерьере обязательно присутствует торжество контрастов. Главное – уметь сочетать цвета и формы, свет и тень. Свежие идеи, эксперимент, детали должны в целом сливаться в единую стилистическую картину.

Цветовые решения

Цвет – одна из основных и принципиальных особенностей авангарда. Яркие цвета в необычных сочетаниях – вот что главное в этом стиле.

Сама концепция цвета строится на основе какого-либо светлого оттенка (белого, бежевого, жёлтого). В дополнение следуют цветовые акценты: фиолетовый с красным или зелёный с синим. Разнообразие красок должно быть обязательно.

Чтобы организовать интерьер в авангардной стилистике, надо смело браться за кисти и краски. Эксперимент с цветом – главное. К примеру, можно покрасить одну стену в белый цвет, а другую – в чёрный. Рядом с белой стеной – расположить чёрное кресло, а на чёрной стене повесить бра со светлым абажуром. Главное – проявить смелость и уверенность, чтобы стиль выглядел естественно.

Материалы

Авангард в плане выбора материала для пола, стен, потолка очень демократичен. Сегодня вполне применимы самые современные материалы: пластик, текстиль, а для отделки – ламинат или линолеум. Потолки (подвесные, разноуровневые) традиционно белого цвета, стены должны быть покрыты краской. Обои с рисунком исключены, только однотонные либо металлизированные. Допускается декоративная штукатурка.

На сегодняшний день выпускается плитка фирмы Опочно в стиле авангард.

Окна и двери

Окна в стиле авангард должны не столько выполнять главную функцию – освещения, сколько стать украшением комнаты. Они используются также для декорации внутренних стен и перегородок. Это сделает интерьер необычным и своеобразным, что в целом является главным для авангардной стилистики. Возможны даже имитации окон.

В выборе окон важны конфигурация, форма, размер, цвет оконных рам. Последнее веяние – большие цветные окна – витражи.

Важно контрастное оформление окон. Ткань для штор подбирается ярких оттенков, контрастирующих с цветом стен. Уместны рулонные шторы.

Двери могут быть стандартными распашными, но с уникальным дизайном, подчёркивающим общий стиль. Альтернативное решение – раздвижные или складчатые двери из современных материалов.

Декор и аксессуары

Секрет оформления комнаты в стиле авангард в том, что в ней должен находиться центральный предмет (кровать, диван, ковёр на полу, стол и др.), вокруг которого располагается вся композиция. В качестве деталей используются репродукции современного искусства, объёмные стеклянные вазы, необычная посуда.

Освещение комнаты – обильное. Уместно большое количество современных светильников, встроенных в потолок, галогеновых ламп. Акцентом может стать интересная дизайнерская люстра. Большие окна, подиумы, ступени выступают в роли элементов декора.

Мебель

Авангардная мебель оригинальна, полна энергии и интересных деталей, но вместе с тем функционально сдержанна. Игра с формой только приветствуется. К примеру, диван может быть наполовину круглый, наполовину – квадратный. Допускается разнообразная асимметрия либо предметы мебели простых геометрических форм. В духе авангарда – мебель на коротких ножках, максимально приближенная к полу. Обивка – яркая, но без мелких деталей.

Комнаты в стиле авангард не должны быть перегружены: всегда должно оставаться свободное пространство. Кухня, выполненная из стекла, пластика с мебелью округлых или прямоугольных форм, выглядит очень эффектно. Спальня с выдвижной мебелью, центральный предмет которой – кровать-подиум или оригинальный шкаф-купе, станет уютным местом для уединения. Яркая гостиная с минимальным количеством мебели, с вазами, картинами художников-авангардистов смотрится современно и стильно.

Элемент декора – картина в стиле авангард

Авангардистские порывы в современном интерьере: видео

Все о мозаике Чакмакс.

Красивые шторы в гостиную: как правильно оформить жилище с помощью штор читайте в этой статье.

В какой цвет покрасить шторы в гостиной: https://trendsdesign.ru/home/liv/vybiraem-cvet.html

Выводы

Стиль авангард в целом несложно реализовать, если следовать нескольким правилам:

• смело экспериментировать с цветом;
• применять самые современные материалы;
• использовать однотонные яркие текстуры, дополняя их разноцветными акцентами;
• выбирать различные геометрические формы;
• использовать максимальное освещение.

Интерьер в стиле авангард – отличное решение для людей ярких, динамичных, самобытных. Главное – суметь оформить помещение так, чтобы необычность удивляла, но вместе с тем всё смотрелось гармонично и просто.

Также стоит рассмотреть направление модернизм, если вы обладаете живым умом и ярким энтузиазмом. Для более спокойных людей идеально подойдет ретро-стиль или же стиль эпохи Возрождения.

Авангард в живописи (черты, направления, значение)

Одно из крупных явлений XX века —  Авангард — зародилось в середине XIX века во Франции. Слово avant-garde — пришло в искусствоведческую терминологию из военной лексики — означающее «передовой отряд».

Термин «русский авангард» объединяет радикально настроенные течения отечественного искусства, появившиеся 1907-1914 годы и достигшие зрелости в послереволюционные годы.

На самом деле авангардные явления характерны для любых переломных эпох. Но в ХХ веке Авангард стал мощным явлением культуры, обозначившим грандиозные изменения в мировой художественной культуре. ХХ век характеризовался глобальными культурно-цивилизационными процессами, затронувшими не только культуру, но и науку, а также человеческое общество.

Первые шаги русских авангардистов

Первый шаг по направлению к авангардистскому искусству совершили участники художественного объединения «Голубая роза» в 1907 году, стиль живописи которых был близок к символизму и неопримитивизму, который оказал очень сильное влияние на творчество крупных представителей авангарда: Ларионова, Малевича, Гончарову и др.

Первым употребил в России слово «авангард» Бенуа, этим словом с некоторой иронией он охарактеризовал ряд художников, представивших картины на выставке «Союза художников» 1910 года, примыкавших в основном к объединению «Бубновый валет». В этом же году «Бубновалетцы» громко заявили о новом искусстве на своей выставке, и с этого времени принято считать, что всё новаторское в мире создаётся русскими художниками. В 1912 году возникает новое объединение «Ослиный хвост», а через год открывается выставка «Мишень», на которой свои работы показали художники-футуристы. На этой же выставке Ларионов впервые представил зрителю свои знаменитые «Лучистые произведения».

В Петербурге 1910 году было образованно объединение «Союз молодёжи», в него входили представители разных направлений (Альтман, Шагал, Экстер и др.). Также в Петербурге возникает новый стиль в живописи — кубофутуризм (соединение итальянского футуризма и кубизма). Петербург стал столицей ещё одного нового стиля — «Заумного реализма», соединившего стихи и живопись.

Эстетика и художественные черты авангарда в живописи

Для данного направления характерны:

• эксперимент (чаще осознанный) как манифест и как практическое направление творчества

• отрицание традиционного искусства, а также эстетических и моральных норм обывательского, «буржуазного» мира

• революционный и подчас разрушительный пафос творчества

• отказ от канонов 19 века в изобразительном искусстве, т.е. отказ от изображения видимой действительности

• стремление создать новое в формах, приемах, средствах художественного мира

• эпатажный характер поведения и презентации

• признание и преклонение пред достижениями научно-технического прогресса

• поиски Духа как панацеи от материализма

• с одной стороны, рационализм в искусстве (например, конструктивизм),
• с другой – иррациональность художественного творчества (например, в сюрреализме)

• приветствие любых социальных изменений в обществе (русская революция)

Если европейские  авангардисты вдохновлялись творчеством «примитивных» народов, то художники российского течения свои приёмы черпали из древнерусского и крестьянского искусства, городского народного промысла: лубочных картинок и магазинных вывесок.

В то же время они во многом опирались на модернистские направления европейского искусства (кубизм, футуризм, фовизм и т.д.).

Искусство авангардной живописи проникнуто духом нигилизма, революционной агрессией и соединяет в себе деструктивное и созидательные начала.

Как эстетика он нацелен на изменение человеческого сознания и, возможно, самой человеческой природы.

Направления художественного авангарда в России

Это многогранный и пёстрый феномен, объединивший несколько крупных течений русского искусства XX века, созданных и теоретически обоснованных известными мастерами, такими как В.Кандинский К. Малевич, П.Филонов, М.Ларионов и др.

Абстракционизм

Или беспредметное искусство использовало ассоциативное восприятие, художники этого направления, работали в основном с цветом, создавая абстрактные формы.

В 1910 годы главный теоретик этого направления Кандинский создаёт своё первое абстрактное полотно (он называл их композициями).

Суть абстракционизма заключается на решении абстрактных живописных задач — гармонии цвета и формы.

Кандинский уподоблял живопись музыке, и главная его цель — выразить на холсте звучание «Духовного мира». В то же время абстракционизм возвел в идеал эстетическую значимость цвета и формы.

Можно сказать, что и другие направления авангардизма в живописи относятся к абстракционизму (супрематизм К.Малевича, лучизм М.Ларионова, «беспредметничество» О.Розановой и Л.Поповой)

Супрематизм

Как направление он зародился в 1910, главенствующее положение в нем занимает К.Малевич.

Основным для Супрематизма является изображение реальности, выраженной в простых формах, сочетании цветных кругов с квадратами и треугольниками, прямыми линиями.

В полотнах супрематистов краска, с точки зрения Малевича, стала первым шагом «чистого искусства», которое уравнивает в творчестве человека и Природы (Бога).

Футуризм

Это в большей мере литературное направление, но оно нашло свое выражение и в живописи.

Для футуризма в живописи характерна энергия движения, раздробленность фигур на фрагменты, движение передается наложением различных последовательных фаз на полотно.

Первыми русскими футуристами стали братья Бурлюки.

Лучизм

Это направление М.Ларионова и Н.Гончаровой трактовало творчество как стремление изобразить не предмет, а его отражение в лучах, т.е. художник на полотне изображает не предмет, а только падающие на него лучи.

Лучизм был основан на смешении цветовых спектров, а также возможностях свето—и цветопередачи.

М.Ларионов писал:

«Это почти тоже, что мираж, возникающий в раскаленном воздухе пустыни».

С 1910 года художник начинает отстаивать принципы аналитического искусства, в основе которых лежали сложные, калейдоскопические композиции. В основе аналитического искусства П.Филонова лежит принцип «органического роста художественной формы». Художественное полотно возникает от частного к общему, как бы прорастает, как прорастает зерно. В произведениях этого художника были выражены духовно-материальные закономерности истории, он воплощал в них свои мечты об идеальном будущем, в котором восторжествует справедливость добра.

Примитивизм

Он в России возник в начале XX века, первыми к нему обратились участники объединения «Голубая роза».

Примитивизм основан на намеренном упрощении изображение, т.е. такого изображение, которое подобно русскому лубку или рисунку ребенка.

Отдали дань примитивному и Ларионов, Гончарова и Малевич. Художники-примитивисты обращались к формам первобытного, древнерусского и средневекового искусства, народного и детского творчества, они использовали чистые цвета и орнаментальные элементы.

Конструктивизм

Течение возникло под влиянием технического прогресса. Наибольшее распространение получило в архитектуре. Как направление появилось в 20-е годы ХХ века.

Его представители считали основным принципом организации произведения — конструкцию.   Для данного направления важна функция, геометризм, лаконичность форм, индустриальность.

Ярко конструктивизм проявил себя в искусстве плаката (А.Родченко, В. Степанова).

Наша презентация

 

Историческое значение русского художественного авангарда

Авангард в России имел недолгую, но достаточно насыщенную жизнь:

• образовывались новые художественные объединения,
• каждый художник стремился создать новое течение,
• и все эти направления сосуществовали одновременно.

Значение данного течения заключается в следующем — он:

•  открыл относительность форм, средства и способов художественного мышления
• выработал огромное количество новых форм, приемов, подходов к решению художественных проблем и задач
• привел к возникновению новых видов искусства (кино, фотографии и др)
• показал важность экспериментальной работы в художественном творчестве
• показал исчерпанность основных видов новоевропейского искусства

Многие идеи, наработки, находки этого художественного направления российского искусства до сих пор находят свое применение в художественной жизни современной России.

И еще у нас есть кроссворд по этой теме — здесь

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

Авангард — Гуманитарный портал

Авангард — это компонента культуры (см. Культура), ориентированная на новаторство и характеризующаяся резким неприятием традиции. В широком своём смысле понятие «авангард» может быть апплицировано на соответствующую тенденцию любой культурной традиции; в строгом (узком) своём смысле оно подразумевает широкую область творческих поисков первой половины XX века и связанную совокупность многообразных новаторских движений и направлений в искусстве этого периода. Термин «авангард» первоначально был перенесён Т. Дюре из сферы политики в область художественной критики (1885). Авангард — это, прежде всего, реакция художественно-эстетического сознания на глобальный, ещё не встречавшийся в истории человечества перелом в культурно-цивилизационных процессах, вызванный научно-техническим и социокультурным развитием второй половины XIX — первой половины XX столетия. Значение для человечества этого лавинообразного процесса в культуре пока не получили адекватного научно-философского осмысления, но уже с достаточной полнотой выразились в художественной культуре в феноменах авангарда, модернизма, постмодернизма. Формирование авангарда во многом было связано с отказом от позитивизма в эстетике и реализма в искусстве (см. Искусство), а также с доминированием в сфере политики коммунистических, анархистских и других радикальных социально-политических теорий. Общекультурными предпосылками становления авангарда выступают: философские идеи А. Шопенгауэра, Ф. Ницше, С. О. Кьеркегора, А. Бергсона, М. Хайдеггера, П. Сартра; конституирование лингвистики в качестве дисциплины, имеющей выраженную философскую размерность (см. Язык), обращение психологии к фрейдизму; общий отход от европоцентризма и повышенное внимание к восточным культурам; возникновение в культуре таких феноменов, как теософия, антропософия, новые эзотерические учения. В качестве непосредственных предтеч авангарда могут рассматриваться эстетика романтизма, разработавшая концепцию антиимитационной (так называемой «музыкальной») живописи и обозначившая вектор внимания художественного творчества к феноменам подсознания, а также импрессионизм, заложивший такие тенденции (оказавшиеся чрезвычайно важными для развития авангарда), как массовый внеиндивидуальный характер героя и подчёркнуто индивидуальная, остро личная точка зрения самого художника. Осознавая глобальность начавшегося перелома в культуре и цивилизации в целом, авангард принял на себя функции ниспровергателя старого, пророка и творца нового в искусстве. Авангардисты демонстративно отказываются от большинства художественно-эстетических, нравственных, духовных ценностей (прежде всего, традиционной европейской культуры). Новые формы и способы художественного выражения в авангарде обычно сводятся к абсолютизации и доведению до логического завершения (часто предельно абсурдного с позиции традиционной культуры — абсурд) того или иного элемента или совокупности элементов художественных языков, изобразительно-выразительных приёмов искусств, вычленённых из традиционных культурно-исторических и художественных контекстов. При этом цели и задачи искусства видятся представителям различных направлений авангарда самыми разными вплоть до отрицания вообще искусства как такового, во всяком случае в его новоевропейском смысле. К характерным и общим чертам большинства авангардных феноменов относятся их осознанный заострённо экспериментальный характер; революционно-разрушительный пафос, направленный на традиционное искусство (особенно искусство последнего этапа — новоевропейское) и традиционные ценности культуры; резкий протест против всего, что представлялось их создателям и участникам ретроградным, консервативным, обывательским, буржуазным, академическим; в визуальных искусствах и литературе — демонстративный отказ от утвердившегося в XIX веке «прямого» (реалистически-натуралистического) изображения видимой действительности, или миметического принципа в узком смысле слова; безудержное стремление к созданию принципиально нового в формах, приёмах и средствах художественного выражения; а отсюда и часто декларативный и эпатажный характер презентации представителями авангарда самих себя и своих произведений, направлений и движений; стремление к стиранию границ между традиционными для новоевропейской культуры видами искусства, тенденции к синтезу отдельных искусств (в частности, на основе синестезии), их взаимопроникновению. По-своему происхождению, авангард — это обусловленная модернизмом художественная программа искусства изменяющегося мира — мира ускорения индустриального прогресса на основе технологии, урбанизации, массовизации образа жизни. Проблема соотношения авангарда с модернизмом имеет несколько измерений и остаётся дискуссионной. С одной стороны, с точки зрения своих концептуальных оснований авангард тесно связан с модернизмом своим неприятием реалистической эстетики и практически представлен теми же школами, что и модернизм в художественном своём измерении, однако в функциональном отношении авангард может быть специфицирован как значительно более отчётливо педалирующий тенденции социального протеста, нежели модернизм. Вместе с тем, модернизм как социокультурный феномен существенно шире авангарда как по-своему содержанию, так и по социокультурной значимости. Существует также тенденция трактовки модернизма как явлений в художественной культуре, которые возникли на основе авангарда, но утратили его эпатажно-разрушительный или демонстративный пафос. Так, для основного поля искусства середины XX века характерно внутреннее осмысление находок и достижений авангардных направлений первой половины столетия, осознание их реальных художественно-выразительных, репрезентативных и других возможностей, использование в тех или иных интертекстуальных отношениях и так далее. Отсюда модернизм может быть понят как более-менее спокойное «усвоение» культурой, утверждение и своего рода догматизация новаторских достижений авангарда. То, что в авангарде было революционным и новаторским, в модернизме становится «классикой», а постмодернизм, возникший почти одновременно с модернизмом, уже встаёт на позицию ироничного отношения к этой «классике», свободно и на равных основаниях соотнося и сопрягая её (также в духе лёгкой всеобъемлющей иронии) с классикой других периодов культуры. С этой точки зрения, авангард выполнил свою функцию в новоевропейской культуре и практически завершил существование в качестве некоего глобального феномена, трансформировавшись после Второй мировой войны в модернизм. С концептуальной точки зрения авангард утверждает, что связь искусства с действительностью не имеет ни обязательного характера, ни стабильных форм своего осуществления, но, напротив, находится в постоянном трансформационном процессе и что именно это позволяет искусству поддерживать подлинный контакт с действительностью, позволяет постоянно обновлять этот контакт (Ф. Т. Маринетти, М. Дюшан, Т. Тцара, Ф. Пикабиа, С. Дали). Применительно к началу XX века авангард постулирует ситуацию компрометации «здравого смысла» и «банкротства» традиционных систем ценностей. Такие феномены, как закон, порядок, поступательное движение [европейской] истории и культуры, подвергаются со стороны авангарда сокрушительной критике как идеалы, не выдержавшие проверку временем (в данном пункте своей концепции авангард весьма близко подходит к моделированию концепции постистории). Таким образом, авангард постулирует отказ «современного» (модернистского) общества от традиционной интенции культуры на поиски стабильной основы того, что феноменологически предстаёт в качестве хаоса социальной переориентации на рассмотрение хаоса как такового в качестве основы социального движения. В соответствии с этими концептуальными основаниями характерной особенностью авангарда является его программная эпатажность, имеющая своей целью активное (вплоть до скандального, шокирующего и агрессивного) воздействие на толпу ради пробуждения последней ото сна здравого смысла. Сверхзадачей авангарда выступает разрушение традиционных нормативно-аксиологических шкал, сопряжённое, соответственно, с ниспровержением традиционных авторитетов и распадом традиционных оппозиций: «синтез «да» и «нет» — путь к окончательному пониманию, где тезис — подтверждение, антитезис — отрицание, а их синтезом будет понимание» (Дж. Макфарлайн). В этом отношении авангард может быть оценён как обладающий мощным потенциалом культурной критики, находящей своё выражение также и в формальном негативизме: «охваченные горячкой вычитаний, художники отделяли от искусства и отбрасывали одну за другой составляющие его части. По мере того, как сокращалось искусство, возрастала свобода художника, а вместе с ней — и значимость жестов чисто формального бунта» (Р. Поджоли). П. Пикассо, определил живопись авангарда как «сумму разрушений»: «Раньше картина создавалась по этапам, и каждый день прибавлял к ней что-то новое. Она была обычно итогом ряда дополнений. Моя картина — итог ряда разрушений. Я создаю картину, и потом я разрушаю её». С авангардной концепцией художественной и эстетической революции тесно связана программа революции политической, претендующей на тотальное изменение мира. При этом большинство представителей авангарда не имели твёрдых политических убеждений, однако, как правило, декларировали оппозиционные взгляды в отношении к наличному социальному состоянию (вплоть до откровенно скандального фрондёрства): так, в стремлении к «новизне» дадаизм был близок анархизму, многие представители русского авангарда приветствовали социалистическую революцию, итальянский футуризм активно принял идеи Б. Муссолини, многие французские сюрреалисты были членами коммунистической партии Франции, и так далее. Данная установка негативизма обнаруживает себя в отказе авангарда не только от традиций искусства, но и от самого термина «искусство», — целью авангарда становится «антитворчество» в «рамках антиискусства». Это находит своё проявление в стремлении авангарда конституировать так называемую «нефилософию», которая была бы близка их «неискусству», раскрывая творческие возможности человека в процессе плюрального видения мироздания. Решительно порывая с классическими традициями изобразительного искусства, авангард ориентирован на то, чтобы посредством абстрактных композиций спровоцировать интеллектуальное соучастие зрителя, разбудить обыденное сознание, предлагая ему радикально новый опыт видения мира (сходство позиций поп-арта, дадаизма, футуризма, сюрреализма, экспрессионизма в самооценке своей деятельности не в качестве художественного направления, но в качестве образа мышления). В этом контексте манифесты авангарда постоянно апеллируют к так называемому «чистому» сознанию, то есть сознанию, не отягощённому культурными нормами в их конкретно-историческом (и, стало быть, изначально неполноценном) варианте. В поисках такого сознания авангард прокламирует абсолютную ценность непредвзятого взгляда на мир, присущего детскому мышлению, на основе чего формируется такой программный принцип авангарда, как принцип инфантилизма (начиная от самых ранних версий экспрессионизма). Пафос авангард предопределяется, таким образом, идеей плюрализма различных (и при этом аксиологически равноправных, то есть равновозможных) типов восприятия действительности, и если с точки зрения художественной техники произведения авангарда могут быть отнесены к абстракционистским, то основой данного абстракционизма выступает программное смешение опыта с импровизацией. В соответствии с этим проблема собственной социальной легитимности не артикулируется для авангарда в качестве острой: «авангард ставит под сомнение смысл подражания античному образцу; вырабатывает, в противоположность норме абсолютной красоты, кажущейся независимой от времени, масштаб зависимой от времени, относительной красоты» (Ю. Хабермас). Вместе с тем, авангард пытается утвердить себя в качестве нового слова в понимании человека, социума, искусства, творчества и морали (в этом плане авангард апеллирует к З. Фрейду, обратившему особое внимание на творческий потенциал бессознательного). Столь же противоречива и позиция авангарда в отношении оппозиции элитарного и массового искусства: с одной стороны, для авангарда характерны ориентации на предельно повседневное сознание (нашедшие программное выражение в позиции искусства поп-арт), с другой — авангард тяготеет к интеллектуальной элитарности, поскольку массовость предполагает отрицаемые авангардом унификацию и стандарт. В этом отношении авангард не может быть отнесён к массовой культуре, хотя в нём присутствуют элементы массовости. Таким образом, действие двух сил определяет волны взлетов и падений всех течений авангарда: с одной стороны, авангард поддерживает элитарная публика, с другой — стандартизирующая и тиражирующая новизну мода. Одним из мощных факторов собственной социальной адаптации авангард считает моду, функция которой — непрерывная стандартизация, включения нового в сферу всеобщего потребления: «вследствие влияния моды авангард обречён завоевать ту самую популярность, которую сам презирает, — и в этом начало его конца. Фактически это и есть неизбежная, неумолимая судьба каждого движения: восставать против уходящей моды старого авангарда и умирать, когда появляется другая мода» (Р. Поджоли). Глобальное значение авангарда выявлено ещё не в полной мере, однако уже очевидно, что он показал принципиальную культурно-историческую относительность форм, средств, способов и типов художественно-эстетического сознания; в частности, вывел многие традиционные виды искусства и присущие им формы художественного мышления из сферы художественно-эстетического и, напротив, придал статус искусства предметам, явлениям, средствам и способам выражения, не входившим в контекст традиционной художественной культуры; довёл до логического завершения (часто — до абсурда) практически все основные виды новоевропейских искусств (и их методы художественной презентации), тем самым показав, что они уже изжили себя и не соответствуют современному (и тем более будущему) уровню культурно-цивилизационного процесса, так как не могут адекватно выражать дух времени, отвечать духовным и художественно-эстетическим потребностям современного человека и тем более человека будущего супертехнизированного общества; экспериментально обосновал множество новых, нетрадиционных приёмов презентации того, что до середины XX века называлось художественной культурой и что находится в стадии глобального перехода к чему-то принципиально иному, призванному в возникающей ныне новой цивилизации занять место искусства; способствовал появлению и становлению новых (как правило, технических, медийных) видов искусств. Поэтому достижения авангарда до сих пор активно используются строителями так называемой (за неимением пока иного термина) «новой художественной культуры».

Авангард — Art Term | Тейт

Авангард — первоначально французский термин, означающий в английском авангард или авангард (часть армии, которая идет впереди остальных). Впервые он появился в связи с искусством во Франции в первой половине девятнадцатого века, и его обычно приписывают влиятельному мыслителю Анри де Сен-Симону, одному из предшественников социализма.Он верил в социальную силу искусства и видел художников, наряду с учеными и промышленниками, лидерами нового общества. В 1825 году он писал:

Мы, художники, будем служить вам авангардом, сила искусства очевидна: когда мы хотим распространить новые идеи, мы наносим их на мрамор или холст. Какая великолепная судьба для искусств — это проявление положительной власти над обществом, истинная священническая функция и марш в фургоне [т. Е. авангард] всех интеллектуальных способностей!

Начало авангарда

Авангардное искусство, можно сказать, началось в 1850-х годах с реализма Гюстава Курбе, на которого сильное влияние оказали ранние социалистические идеи.За этим последовали последовательные движения современного искусства, и термин авангард более или менее синонимичен современному.

Некоторые авангардные движения, такие как кубизм, например, были сосредоточены в основном на инновациях формы, другие, такие как футуризм, де Стидж или сюрреализм, имели сильные социальные программы.

Развитие авангарда

Хотя термин авангард изначально применялся к новаторским подходам к созданию искусства в девятнадцатом и начале двадцатого веков, он применим ко всему искусству, которое раздвигает границы идей и творчества, и все еще используется сегодня для описания искусства, которое является радикальным или отражает оригинальность видения.

Понятие авангарда воплощает идею о том, что об искусстве следует судить, прежде всего, по качеству и оригинальности видения и идей художника.

Movers and shakers

Из-за своего радикального характера и того факта, что он бросает вызов существующим идеям, процессам и формам; Художники-авангардисты и произведения искусства часто идут рука об руку с противоречиями. Прочтите подписи к работам ниже, чтобы узнать о вызванных ими ударных волнах.

Эдгар Дега
Маленькая танцовщица 14 лет 1880–1, отливка около 1922 г.
Tate

Невинная, хотя она и может казаться нам сегодня, «Маленькая танцовщица» Дега «, четырнадцать, » вызвала бурю негодования, когда она впервые была выставлена ​​на выставке импрессионистов 1881 года в Париже.Эта фигура по-разному описывалась как «отталкивающая» и «представляющая угрозу для общества». Критики и публика были расстроены реализмом работы, а также тем, что Дега представлял провокационную современную тему … танцоры считались частью более изощренной стороны развлечений и не более чем проститутками.

Жорж Брак
Бутылка и рыбки c.1910–12
Tate
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон 2021

Примерно в 1907 году Пабло Пикассо и Жорж Брак разработали революционно новый стиль живописи, который преобразовывал повседневные предметы, пейзажи и людей в геометрические формы. Кубизм проложил путь для многих стилей абстрактного искусства двадцатого века, но название движения происходит от уничижительной реакции критика, который описал одну из пейзажных картин Брака как «кубистские причуды».

Рауль Хаусманн
Художественный критик 1919–20
Tate
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2021

Возможно, последнее авангардное движение, дадаизм, родилось из отвращения к социальным, политическим и культурным ценностям того времени, особенно к ужасам и безумию Первой мировой войны. Сатирические и бессмысленные выходки дадаистов вызвали возмущение, и одна из их выставок была закрыта полицией.Но, как это ни парадоксально, хотя они утверждали, что являются антиискусством, эффект от движения должен был открыть дверь для многих будущих достижений в искусстве.

Марсель Дюшан
Фонтан 1917 г., реплика 1964 г.
Тейт
© Наследие Марселя Дюшана / ADAGP, Париж и DACS, Лондон 2021

Марсель Дюшан представил свою скульптуру Фонтан (перевернутый писсуар) для выставки, организованной Обществом Независимых под вымышленным именем.Хотя общество должно было показать все, что было представлено членами, работа возмутила правление и была отклонена. Дюшан считается одной из самых важных фигур в современном искусстве, вдохновляя многих более поздних художников и художественных течений, особенно концептуального искусства.

Ман Рэй
Несокрушимый объект 1923 г., переработка 1933 г., тиражная копия 1965 г.
Tate
© Man Ray Trust / ADAGP, Париж и DACS, Лондон 2021

Отчасти вдохновленный идеями психоаналитика Зигмунда Фрейда, сюрреализм был движением писателей и художников, которые экспериментировали со способами высвобождения бессознательного.Многие искусствоведы считали сюрреализм абсурдным или бессмысленным, но это движение оказало огромное влияние не только на искусство, но и на литературу, кино, музыку и философию.

Джексон Поллок
Желтые острова 1952 г.
Tate
© ARS, NY and DACS, London 2021

«Капельные» картины Джексона Поллока могут показаться нам сейчас очень знакомыми, но его подход к рисованию (он положил свои холсты на пол и буквально капал и брызгал краской на поверхности. ), и полученные в результате картины вызвали сенсацию, которая вышла за рамки самих работ, закрепив за ним репутацию одного из самых известных художников-авангардистов двадцатого века.

Энди Уорхол
Черная фасоль 1968 г.
Tate
© 2021 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Лицензия DACS, Лондон

Поп-художники потрясли веками традиционные ценности изобразительного искусства, когда они отвергли все, чему их учили в художественной школе, и вместо этого приняли популярную культуру, которую они видел вокруг себя — такую ​​как упаковку товаров и рекламу.Хотя сейчас это признанное и уважаемое направление искусства (которое имеет высокие цены на арт-рынке), поп-арт когда-то считался серьезной угрозой миру искусства.

Карл Андре
Эквивалент VIII 1966 г.
Tate
© Carl Andre / VAGA, New York and DACS, London 2021

Когда в 1972 году в галерее Tate была выставлена ​​модель Carl Andre Equivalent VIII , состоящая из двадцати семи огнеупорных кирпичей, организованных в виде прямоугольников, это вызвало возмущение публики, и критики назвали ее В национальных СМИ появились изображения кирпичей и карикатуры, высмеивающие скульптуру.Андре и другие художники-минималисты часто использовали безличные материалы (такие как кирпичи или люминесцентные лампы), чтобы поставить под сомнение представление о том, что произведение искусства является уникальным творением одаренного человека, и предотвратить его превращение в товар.

Рудольф Шварцкоглер
3rd Action 1965 г., напечатано в начале 1970-х гг.
Tate
© Поместье Рудольфа Шварцкоглера, любезно предоставлено галереей Krinzinger

Венские художники, связанные с акционизмом, подняли перформанс на новый уровень авангарда.Их «действия» были призваны подчеркнуть повсеместное насилие человечества и были намеренно шокирующими, включая самоистязание и квазирелигиозные церемонии с использованием крови и внутренностей животных. В июне 1968 года на одном из выступлений они столкнулись с законом, и против Гюнтера Бруса, Отто Мюля и Освальда Винера были выдвинуты обвинения.

Джозеф Бойс
Информация Действие 1972
Авангардное искусство часто имеет социальное или политическое измерение.Йозеф Бойс, принадлежавший к сети художников-авангардистов Fluxus, использовал в качестве отправной точки концепцию, согласно которой все является искусством, что к каждому аспекту жизни можно подходить творчески, и, как следствие, каждый имеет потенциал стать художником. Хотя он был страстным и харизматичным профессором искусства в Дюссельдорфской академии, его отношения с властью были бурными, и он был уволен в 1972 году.

Фото: Саймон Уилсон
Фотоархив Тейт: Семь выставок 1972

Мартин Крид
Работа №227
Свет включается и выключается 2000
С середины 1960-х годов художники-концептуалисты отстаивали идею и творческий процесс художника над арт-объектом. Мартин Крид вызвал споры в 2001 году, когда представил свою концептуальную работу № 227 в галерее Tate Britain. Он состоит из пустой галереи, которая попеременно освещается и погружается в темноту, когда свет включается и выключается. Работа вызвала возмущение. Одна посетительница галереи забросала стены яйцами, чтобы выразить отвращение к произведению искусства.

Фото: Tate Photography © Мартин Крид

Что такое авангардное искусство и художники, преодолевшие преграды?

«Авиньонские девицы» Пабло Пикассо. (Фото: MoMA через добросовестное использование Wikimedia Commons)

Смелый, новаторский, прогрессивный, экспериментальный — все эти слова описывают искусство, которое раздвигает границы и создает изменения. Все эти характеристики также связаны с термином, который часто используется, но иногда неправильно понимается — авангард .Французский термин, который переводится как «авангард» или «авангард», относится к чему-то дальновидному и опережающему свое время.

Часто используемый для обсуждения творческого вклада в общество и культуру, авангард стал одним из самых памятных произведений в истории. Но как охарактеризовать авангардное искусство? А кто такие дальновидные художники, которые пошли на риск, определяющий теперь историю искусства?

С точки зрения искусства, авангард обычно связан с эстетической инновацией — той, которая часто неправильно понимается или не принимается в свое время .Это концепция, которая применима к тем творческим людям, которые выступили против основных идеалов, и, хотя она часто используется в отношении модернизма, существует множество исторических художников, чьи работы в свое время можно было рассматривать как авангардные.

Прежде чем мы погрузимся в некоторых из самых известных художников-авангардистов и художественных течений, давайте посмотрим, откуда появился этот термин и как он приобрел свое нынешнее значение. Первоначально он использовался французскими военными и относился к небольшой группе войск, которая проводила разведку перед основной армией.В течение XIX века его начали применять к левым социалистическим мыслителям и их призывам к политической реформе. Фактически, влиятельный французский социалист Анри де Сен-Симон первым применил этот термин к искусству.

В тексте 1825 года он объединил художников вместе с учеными и промышленниками как лидеров общества, которые могли вести людей вперед. С тех пор авангард стал термином, который регулярно применялся к художникам, и многие ссылались на реализм Гюстава Курбе в качестве отправной точки.Впоследствии этот термин будет применяться во многих современных движениях, хотя можно легко сказать, что более ранние художники, такие как Леонардо да Винчи или Караваджо, безусловно, были авангардистами, порвав с традиционными художественными практиками. Даже сам итальянский Ренессанс был авангардным движением с его вниманием к перспективе и реализму, о котором раньше не слышали.

Художественные движения авангарда

Хотя это ни в коем случае не исчерпывающий список, вот некоторые из наиболее запоминающихся течений современного искусства в западной истории, которые считаются авангардными за нарушение границ.

Импрессионизм

Клод Моне, «Восход впечатлений», 1872 г. (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

Хотя Искусство импрессионистов может показаться не авангардным по современным стандартам, это движение было революционным в свое время. Отвергнутые традиционным парижским салоном, такие художники, как Моне, Дега и Ренуар, предпочитали пейзажи и сцены повседневной жизни общепринятым историческим и мифологическим сюжетам. Они также нарушили традицию, переехав из студии и написав en plein air .

Знаковых картин импрессионистов:

Завтрак на траве Мане

Обед на лодке Ренуара

Впечатление, восход солнца Моне

Дада

«Фонтан» Марселя Дюшана (Фото: общественное достояние Wikimedia Commons.)

Движение Dada сложно определить, потому что творчество его художников очень разнообразно.Он был образован в Швейцарии во время Первой мировой войны и является революционным, поскольку нацелен на создание работ, которые не обязательно были эстетичными. Вместо этого его целью было поставить под сомнение капиталистическое общество и его ценности. Дада также использовал реди-мейды — предметы повседневного обихода, присвоенные как произведения искусства — как способ подвергнуть сомнению буржуазные чувства и роль художника в творчестве. Дада оказал глубокое влияние на другие последующие авангардные движения, такие как кубизм и флюксус.

Iconic Dada Art:

Фонтан Марселя Дюшана

Стеклянные слезы от Man Ray

Художественный критик Рауль Хаусманн

Сюрреализм

Сюрреализм — это в высшей степени экспериментальный жанр, основанный на принципах подсознания, заимствованных из литературной техники под названием автоматизм .Этот отрыв от реальности дал сюрреалистам, таким как Рене Магритт, Сальвадор Дали и Ман Рэй, полную творческую свободу, поскольку они больше не руководствовались академическими принципами. Сказочные пейзажи их искусства сочетают в себе реалистичные изображения фантастических сюжетов. Сюрреалисты также были известны своим увлечением многими видами искусства, от живописи и скульптуры до фотографии и кино.

Культовое искусство сюрреализма:

Постоянство памяти Сальвадора Дали

Сын Человеческий Рене Магритт

Великий мастурбатор Сальвадора Дали

Кубизм

Полностью отказавшись от традиционных форм и двигаясь к абстракции, Кубизм стал одним из самых известных авангардных движений.Основатели Жорж Брак и Пабло Пикассо сыграли со всеми традиционными академическими правилами западного искусства и превратили их в новый, неожиданный метод создания искусства. Фигуры были разбиты на геометрические формы, цвета были увеличены и упрощены, а коллаж был включен для инновационного результата, который продолжает формировать искусство сегодня. Фактически, если взглянуть на хронологию истории искусства, западную визуальную культуру можно четко разделить на две части — до и после кубизма.

Важные произведения кубизма:

Les Demoiselles d’Avignon Пабло Пикассо

Три музыканта Пабло Пикассо

Натюрморт с метрономом Жоржа Брака

Флюксус

Возникнув в 1960-х и 1970-х годах, Fluxus представляет собой междисциплинарное движение, в котором участвовали художники, дизайнеры, композиторы и поэты.Находясь под сильным влиянием дадаизма, участники Fluxus организовывали художественные мероприятия, которые включали в себя шумовую музыку, чтения стихов, временные представления и многое другое. Композитор Джон Кейдж оказал большое влияние на Fluxus, и его представление о том, что взаимодействие между художником и аудиторией является наиболее важной фазой работы, а не конечным продуктом, часто соблюдалось. Художники-авангардисты, такие как Джозеф Бойс, Йоко Оно и Нам Джун Пайк, были активны в Fluxus.

Важные моменты в Fluxus:

Отрезанный кусок от Йоко Оно

Дзен для фильма Нам Джун Пайк

Сделать салат Элисон Ноулз

Статьи по теме:

13 революционных движений в искусстве, которые сформировали нашу визуальную историю

10 великих испаноязычных художников, которые сформировали западную культуру

Почему художник-постимпрессионист Поль Сезанн известен как «отец современного искусства»

Что такое современное искусство? Изучение движений, определяющих новаторский жанр

Понимание значения авангарда

17 мая 1863 года в Париже открылась выставка Salon des Refusés , выставка произведений искусства, отклоненных жюри престижного Парижского Салона, ежегодно проводимого Академией дезертирства. Beaux-Arts.

Впервые термин avant garde или avant-garde был использован в отношении искусства, и он обозначил начало культурной революции .

Известные художники, такие как Гюстав Курбе, Эдуард Мане и Камиль Писсаро, отвергнутые критиками и публикой за то, что они не были консервативны по отношению к их вкусам, организовали собственные выставки по всей французской столице, на которых были представлены такие легендарные картины, как Déjeuner sur l ‘ herbe и Симфония в белом, No.1 .

Привлекая тысячи посетителей, эти художники объявили своего рода восстание, которое повлияет на целые полтора века художественных движений и художников-единомышленников, несмотря на продолжающиеся насмешки со стороны художественной элиты.

Авангард стал символом прогресса, исследований и инноваций , всего и всех, кто опережает свое время и способы делать.

Фотография Салона отказов 1898 года в Париже, «салона отвергнутых», основанного в 1863 году.

Определение авангарда

Определить авангард — задача не из легких. Словарь Слово происходит из французского языка и переводится как «авангард» или «авангард». Это был военный термин, обозначающий небольшой отряд высококвалифицированных солдат, которые шли впереди остальной армии, чтобы исследовать местность и предупреждать о возможной опасности. Имея это в виду, художников-авангардистов можно охарактеризовать как группу людей, которые развивают свежие и часто очень неожиданные идеи в изобразительном искусстве, литературе и культуре в целом .Фактически, французский политический писатель Анри де Сен-Симон впервые ввел этот термин, заявив, что художники должны служить авангардом в общем движении социального прогресса и радикальных реформ, даже раньше ученых, промышленников и других классов. Однако, поскольку было неясно, что именно означает «опережающий время» и кто определяет, какие произведения искусства следует считать революционными, авангард был принят как прилагательное, приписываемое тем, кто исследовал новые художественные техники и предметы, тем людям, которые представил что-то, чего раньше никто не видел и не делал.Из-за такого радикального характера и того факта, что он противоречил общепринятым существующим формам, идеям и процессам, авангард часто, если не всегда, был шокирующим и противоречивым.

Анри де Сен-Симон ввел термин «авангард», чтобы заявить, что художники должны служить авангардом в общем движении социального прогресса и радикальных реформ.

Предшественники художественных движений ХХ века

Одной из основных характеристик авангарда было противоречие академическому пониманию искусства, налагаемым правилам о том, как должно выглядеть произведение искусства и как оно должно создаваться.Подобный отход от установленной нормы можно было также увидеть в итальянском Возрождении, которое поощряло наготу и представляло фигуры из Библии в полностью натуралистической манере как в живописи, так и в скульптуре, бросая вызов византийскому и готическому искусству, а также влиятельной католической церкви. . В то время как художественные движения 20-го века потрясли все навязанные условности до основания, именно пионеры 19-го века уступили место таким действиям и мышлению; в частности, шокирующий в то время импрессионизм, который предлагал реалистичную картину, основанную на «впечатлениях» и способе взаимодействия света с нашим собственным восприятием.Наряду с другими группами художников и движениями, которые развивались примерно в то же время, такими как символизм, постимпрессионизм, а затем Die Brücke и фовизм, конец 19 века и наступление 20-го стали началом чего-то совершенно беспрецедентного. .

Судьба авангарда — Очерк в партизанском обозрении

Основные движения авангарда

Во введении к этому тексту был задан очень важный вопрос: Что считается опережающим свое время и что означает авангард ? Стоя на передовой, бросая вызов способам создания и осмысления искусства, выражается более глубокое стремление к революции, к сдвигу в восприятии мира и роли искусства в различных обществах как инструмента пропаганды и политики или как средство, помогающее переопределить некоторые из традиционных способов рассмотрения предмета или пространства, понимаемого как место искусства.Первые солдаты ( «авангард» или «авангард» ) либо умирают первыми, либо получают одни из самых престижных наград. Следующим движениям Avant Guard мы в огромной степени обязаны некоторыми из основных концепций, сред и функций искусства, которые мы видим сегодня в огромном пузыре смешанных медиа, известном как современное искусство. Большинство перемещений произошло во время межвоенных и послевоенных периодов , когда понятно, что были необходимы серьезные изменения в обществе.Бросая вызов традиционному взгляду на искусство, большинство движений, появившихся после него, похоже, возникли из крупного движения в современном искусстве, известного как импрессионизм. Художники-импрессионисты отстаивали радикальные теории живописи, которые нарушали почти все основные правила, касающиеся композиции и выбора сюжета. Продвигая живопись современного общества, которое быстро модернизировалось, художники во время этого движения представили оригинальный предмет повседневной жизни, оставив позади величие исторических картин.Во многом благодаря экспериментальному духу художника-импрессионизма основные движения авангарда, которые мы будем обсуждать сегодня, сделали немного больше, поскольку они помогли произвести революцию не только в живописи, но и в других художественных дисциплинах, таких как музыка, кино и т. Д. театр.

Дада

Первое крупное движение против искусства, Dada было восстанием против культуры и ценностей, которые, как считалось, вызвали и поддержали кровопролитие Первой мировой войны.Быстро превратившись в искусство авангарда, стремясь подорвать традиционную ценность искусства, полагая, что оно помогло социально-политическому амбивалентному статус-кво, оно возникло одновременно в 1916 году как в Европе, так и в Америке. Фактически, это название было придумано в Цюрихе, и, по словам поэта Ричарда Huelsenbeck , слово было выбрано наугад им и художником-музыкантом Hugo Ball . Взято из немецко-французского словаря, слово «дада» означает «да-да» по-русски и «Там-там» по-немецки.

Целью дадаистов было не сделать искусство «самоцелью, но предоставить возможность для истинного восприятия и критики того времени, в котором мы живем», и как поистине антиискусственная группа давления, дадаисты организовали и применили возмутительную тактику, чтобы атаковать устоявшиеся традиции искусства. Были организованы многочисленные демонстрации, написаны различные манифесты, а также выставки искусства абсурда, призванные бороться, шокировать и шокировать как авторитетные фигуры, так и широкую публику.Эта группа представляла собой слабо связанную международную сеть, известную в Цюрихе, Нью-Йорке, Берлине, Кельне, Ганновере и Париже. Фигуры этого движения связывали с необходимостью пересмотреть определение искусства. Для них идея была важнее, чем само произведение искусства, и одними из основных фигур, помогавших продвигать эту концепцию, были Марсель Дюшан , Жан Арп , Макс Эрнст и Фрэнсис Пикабиа , просто называя немногих.

Основной концепцией, которой мы обязаны движению дада, была идея о том, что искусство может быть создано из чего угодно. Готовые модели Дюшана , произведения искусства, созданные из найденных предметов, отражают эту идею, и его первым реди-мейдом была стойка для бутылок, которую он провозгласил произведением искусства в 1914 году. Эта дадаистская техника смещения предметов из их нормального контекста и представления их как искусства был широко принят позже артистами ассамбляжа и эстрады. Еще одна техника, все еще применяемая сегодня, и которой мы обязаны этому революционному движению, — это фотомонтаж , в котором были вырезаны иллюстрации и рекламные объявления из популярных журналов.Если перевести на другой уровень идею коллажа, определенную художниками-кубистами, полученные изображения часто были очень загадочными.

Дадаисты по всему миру боролись против репрессивных социальных институтов и в процессе помогли сформировать самую революционную идею того времени, и это заключалось в том, что независимо от того, насколько обычным было или есть что-то, если поместить его в художественный контекст и определить как произведение искусства. , это произведение искусства.

Слева: Дюшан — Фонтан / Справа: Дюшан — Велосипедное колесо.Изображения через cultured.com

Конструктивизм

Конструктивизм — направление художественного и архитектурного авангарда, зародившееся в России с по 1913 год Владимиром Талиным . Этот термин описывает искусство и его функцию, отвергая традиционное искусство в пользу искусства, используемого в социальных целях , а именно построения социалистической системы. Отражая революционное время, большая часть искусства представляла собой сплав искусства и политических идей, и его нужно было «сконструировать» из современных промышленных материалов, таких как пластик, сталь и стекло, чтобы служить политическим целям, а не выражать чисто абстрактная идея.Большинство конструктивистов, таких как Татлин, считали живопись мертвой, если она не представляла и не действовала как своего рода план для чего-то, что нужно физически построить. Благодаря этой идее большинство конструктивистов работали в основном с керамикой, дизайном одежды, графикой и архитектурой. В самом известном манифесте этого движения, Realist Manifesto , написанном в 1920 году Татлиным вместе с Антуаном Певзнером и Наумом Габо, провозглашалась ключевая идея конструктивизма, а именно восхищение машинами и технологиями над более традиционным искусством.

Плакат в стиле конструктивизм. Изображение с сайта creativebloq.com

Супрематизм

Супрематизм — еще одно уникальное направление в русском искусстве, начавшееся одновременно с конструктивизмом. Фокус и акцент были сделаны на объятии абстракции, допускаемой картинами на холсте, и супрематизм был первым движением авангарда, реализовавшим геометрическую абстракцию в живописи. Казимир Малевич считается его основателем, и именно он вместе со своими современниками способствовал продвижению идеи о том, что искусство должно быть возвращено к его основам.Это объясняло их приверженность чистой геометрической абстракции и частое использование основных форм, таких как квадраты, треугольники и круги, а также основных и нейтральных цветов. Картина Малевича « Белое на белом » олицетворяла движение, тесно связанное с революцией, подобно конструктивизму. Важный аспект супрематизма сильно отличался от конструктивизма, поскольку движение было тесно связано с духовностью и мистицизмом, которые добавляли силы абстракции.В 1927 году Малевич опубликовал свою книгу «Беспредметный мир», ставшую одним из важнейших теоретических документов по абстрактному искусству. В нем художник объяснил роль абстракции в своих картинах как средства « освобождения искусства от мертвого груза реального мира».

Казимир Малевич — Супрематическая живопись. Изображения через wikiart.org

Футуризм

Футуризм был художественным и общественным движением, которое зародилось в Италии в начале 20-го века , но параллельные движения были также в России и Англии. Он подчеркивал скорость, технологии, молодежь и насилие . Это авангардное движение, охватывающее изменения и связывающее людей с машинами и наоборот, с акцентом на насилие и технологический триумф человечества над природой, является одним из самых противоречивых движений эпохи модернизма. Отказ от традиционных художественных и культурных форм прошлого в центре платформы футуризма был, по сути, одобрением войны. Футуризм, воплощенный в манифесте 1909 Филиппо Маринетти , не ограничивался одним видом искусства, но его художники работали во множестве различных художественных дисциплин, таких как скульптура, керамика, графический дизайн, театр, кино, текстиль, литература и т. Д. и музыка.Частыми сюжетами художника были машины, поезда, животные, танцоры и большие толпы людей. Заимствовав пересечение плоскостей из кубизма, яркий и выразительный цвет, наряду с динамичным мазком из фовизма, искусство прославляло достоинства скорости. Когда были осознаны разрушения Первой мировой войны, футуризм потерял свою актуальность.

Фортунато Деперо — Небоскребы и туннели. Изображение с сайта Exhibitions.guggenheim.com.

Кубизм

Фактически, Аналитический кубизм считается самым интеллектуальным из всех авангардных движений .Отказ от общепринятой идеи линейной перспективы в пользу акцента на двумерной картинной плоскости шокировал художественные академии Европы. Отказавшись от условностей прошлого, которые способствовали мимикрии природы и высокому построенному реализму, кубисты подчеркнули плоскую размерность поверхности холста и ее единство с изображенной сценой, помогая проложить путь нерепрезентативному искусству. Как одно из самых известных движений эпохи модернизма, кубизм стал ассоциироваться с двумя главными фигурами: Пабло Пикассо и Жорж Брак .Именно их эксперименты помогли перестроить традиционное понимание искусства и изменить его ход.

Чтобы движение считалось поистине авангардным, оно подразумевает, что оно должно поколебать суть статус-кво. Подобно самому мощному искусству протеста, сила приходящего нового искусства должна поколебать все предрасположенные эстетические и концептуальные представления о том, что такое искусство и что оно должно делать. Вышеупомянутые движения помогли сформировать остальную часть искусства раннего модерна, и их идеи двигались в манере эффекта домино, формируя наследие искусства.Упомянутым авангардным движениям мы обязаны рождением таких идей современного искусства позднего 20-го века, как сюрреализм, поп-арт, минимализм и концептуальное искусство, хеппенинги и перформансы, чье влияние на современное искусство сегодня мы все наблюдаем.

Посмотрите другие работы Пабло Пикассо на нашей торговой площадке!

Пабло Пикассо — Les Demoiselles D’Avignon, деталь. Изображение с www.flickr.com

Авангард в музыке, театре и фотографии

Историческая функция авангарда заключалась в завершении переопределения и последующей эмансипации искусства , начавшейся в восемнадцатом веке.Концепция, неотделимая от progress , авангард требовала революционных преобразований и переосмысления искусства. Бросая вызов каждой условности, правилу и эстетической идее, которые они могли определить, эти художники хотели выйти за рамки произведений искусства и задать вопрос о роли искусства в построении другого мира. Согласившись с тем, что прошлое должно быть разорвано, а культурные часы обнулены, эти художники предложили различные комбинации новых и старых медиа, таких как перформанс, политическая активность и метафизика.Как самое радикальное и амбициозное из всех движений, Дада первым подверг сомнению концепцию искусства . С введением Дюшаном реди-мейда понятие искусства стало неотделимо от вопроса , что такое искусство . По мере распространения движений эта концепция начала достигать различных областей, таких как изобразительное искусство, музыка, фотография и театр.

Луиджи Руссоло со своим помощником Пьятти и изобретенная им шумовая машина для футуристических «симфоний», одна из которых была исполнена в Лондонском Колизее в июне 1914 года.(Фото Hulton Archive / Getty Images)

Музыка раннего авангарда

Итальянский футуризм создал несколько композиторов и манифестов, но основополагающей работой была работа Луиджи Руссоло Искусство шума , в которой он пропагандировал использование промышленных и военных шумов для создания нового вида музыки. Он построил шумовую машину s, которая воспроизводила грохот индустриальной эпохи и бум войны, но ни один из этих инструментов и конструкций не сохранился.Эта машинная музыка оказала сильное влияние на ряд композиторов той эпохи, а также на современных. Тем не менее, только в конце 1940-х годов термин авангард был окончательно присоединен к музыке благодаря работе композиторов, связанных с Darmstadt Summer School .
В то же время в Соединенных Штатах Джон Кейдж, считавший себя художником-экспериментатором, имел более революционное видение. В своей печально известной пьесе 4’33 ’’ 1952 года он впервые представил тишину как звук, бросая вызов понятию , что такое музыка .Эта «композиция» состояла из 4 минут и 33 секунд молчания, и это было скорее философское высказывание, чем музыкальное произведение. На протяжении всей своей практики Кейдж продвигал измененные инструменты, звуки природы, найденные звуки, движения исполнителя и аудитории, случайные шумы до статуса музыки. Он также впервые ввел в исполнение концепции неопределенности и случайности и создал так называемую алеаторическую музыку . Кроме того, он создал концепт подготовленного фортепиано , пианино, которое было изменено путем вставки различных предметов в деку или между струнами для воздействия на звук.

Джон Кейдж — 4’33 », в исполнении Дэвида Тюдора

Начало электронной музыки

Окончание Второй мировой войны принесло новый период музыкальной революции, основанной на самых радикальных идеях предыдущих десятилетий и появлении новых технологий. В 1948 году Pierre Schaeffer создал лабораторию в Париже для musiquecrete , чтобы исследовать теории Луиджи Руссоло. С этой музыкальной формой, которая была разновидностью электронной музыки с использованием звукоснимателей, Шеффер был пионером в обнаружении звуков.Самым известным примером этого жанра был Poème électronique by Edgard Varèse в исполнении 400 громкоговорителей. Karlheinz Stockhausen внес большой вклад в популяризацию всех основных методов электронной музыки . Он экспериментировал с электроникой, голосом, магнитной лентой и различными сэмплами и интересовался тем, как звук движется в пространстве. Кроме того, он стал пионером поджанров камерной электроакустической музыки в 1958 году и живой электронной музыки в 1964 году.Рост минимализма не обошел стороной музыку как форму. Композиторы-минималисты, такие как Steve Reich , Terry Riley , Phillip Glass и La Monte Young , сочиняли музыку, используя простые аккорды и повторяющиеся ритмические паттерны. С распространением новых форм музыки и открытием различных центров авангардной музыки, она перестала быть исключительной сферой деятельности известных композиторов и стала относительно обычным явлением .

Эдгар Варез — Электронная поэма

Авангард Джаз

Концепция авангарда была также применена к радикальному развитию black American jazz между 1950-ми и 1960-ми годами.Следуя техническим новшествам и эмоциональному выражению , авангардный джаз стал уникальным гибридом, сочетающим расширенную технику, оригинальность и гениальность с импровизационными способностями. Первоначально являвшийся синонимом фри-джаза, большая часть авангардного джаза отличалась от этого стиля. Как уникальная форма искусства для чернокожих , авангардный джаз возник во время колониальных войн, оккупаций, холодной войны и борьбы за расовое и гендерное равенство, и в этих условиях он отражал неопределенность и мучения и прославлял плебейский и абсурдный .Размывая границу между письменным и спонтанным, авангардный джаз был пропитан формальной сложностью и эмоциональной прямотой . Тем не менее, авангардный джаз отличался от других авангардистов своими претензиями к искусству , а не отказом от него.

Джон Колтрейн, через musictour.eu

Появление фотографии как средства массовой информации

Рост фотографии в 19 веке создал совершенно новый язык для запечатления человеческого образа и окружающего нас мира.Начав с портретной фотографии в фотостудиях, относительно низкая стоимость дагерротипа привела к общему росту популярности портретной фотографии по сравнению с рисованным портретом. Фотография как средство коммуникации, возможно, была авангардом сама по себе , поскольку создание портрета больше не было прерогативой очень богатых. К концу девятнадцатого века многие фотографы отказались от традиционных настроек и начали расширять жанр живописной фотографии и продвигать ее до высокого искусства.То, что сначала начиналось как простой инструмент для документирования, стало само по себе настоящим художественным средством. Когда первые простые в использовании камеры малого формата вышли на улицы, фотография была полностью демократизирована и революционизирована как среда с различными авангардными подходами , которые сильно повлияли на визуальную культуру.

Слева: Ласло Мохоли-Надь — AKT № 58, 1935 г., через thecharnelhouse.org / Справа: Ласло Мохоли-Надь — Искусство света, из склеп.org

Авангардная фотография

Обладая невероятной выразительной силой и став средством современного сознания, появившимся после Первой мировой войны, многие художники-авангардисты обратились к фотографии, чтобы запечатлеть душу современного индустриального общества . В течение 1920-х и 1930-х годов начали появляться различные нетрадиционные формы и техники , такие как абстрактные фотографии или фотомонтажи. С этой мощной формой экспериментировали разные художники, в том числе Ласло Мохоли-Надь, который теперь считается отцом авангардной фотографии, Август Сандер и Альберт Ренгер-Пацш.

Авангардная фотография во Франции, чья столица служила бесспорным центром международного авангарда, была основана на сюрреализме, который выступал за социальные преобразования, отвергая буржуазные ценности и условности. Фотографы-сюрреалисты использовали такие техники, как двойная экспозиция, комбинированная печать и перевернутая тональность, чтобы создать образы, стирающие грань между мечтой и реальностью . Русские художники Эль Лисицкий и Александр Родченко использовали различные техники, которые нарушали условности восприятия и визуального представления, такие как экстремальные крупные планы, наклонные горизонты или абстрактные формы.

Период между двумя войнами, безусловно, был одним из самых богатых в истории фотографии, и он вывел эту среду за пределы ее прежних границ. Работы фотографов-авангардистов , таких как Ман Рэй, Юджин Атже , Андре Кертес, Клод Кахун или Анри Картье-Брессон, дают представление об этом чрезвычайно продуктивном и творческом периоде. Сюрреалистические городские пейзажи Атже, проникнутые элегической тревогой и странной сверхъестественностью, новаторские композиции Кертеса, формальные эксперименты Рэя по трансплантации, сомнение и дестабилизация устоявшихся моделей гендерной идентичности Кагуном, острая чувствительность и понимание момента Картье-Брессон, этот творческий и творческий подход Авангардный подход довоенного периода навсегда изменил фотографию.

Man Ray — режим, через modearte.com

Рождение театра авангарда

Подобно другим формам авангарда, экспериментальный или авангардный театр возник как реакция на предполагаемый общий культурный кризис и отверг как возраст, так и доминирующие способы написания и постановки пьес. Отказавшись от буржуазных ценностей и условностей , эта свежая концепция попыталась ввести другое применение языка и тела, чтобы изменить восприятие и создать более активные отношения с аудиторией.Это началось в 1896 году с Альфреда Джарри и его пьесы Ubu Roi , которая перевернула культурные правила, нормы и условности в дикой, причудливой и комической форме. Это произведение имело революционное значение , поскольку оно открыло двери модернизма 20-го века и оказало влияние на дадаизм, сюрреализм и Театр абсурда.

Традиционно воспринимаемые как пассивные наблюдатели роль аудитории впервые была оспорена с появлением авангарда.Аудитория стала вовлеченной различными способами , такими как участие в акции на очень практическом уровне или приглашение почувствовать определенным образом, чтобы изменить свое отношение, ценности и убеждения. Знаменитый режиссер Питер Брук описал эту цель как «необходимый театр, в котором есть только практическое различие между актером и аудиторией, а не фундаментальное». Авангард также был направлен на изменение социального лица театра. , исполнители становятся своего рода культурными активистами.Так было с дидактическим агит-театром, целью которого было сделать определенное моральное или политическое заявление и бросить вызов ценностям и убеждениям аудитории. Авангард также бросил вызов и отверг традиционный иерархический метод создания театра. Поскольку у исполнителей было больше свободы интерпретации, они стали самостоятельными творческими артистами. Кроме того, были изменены традиционные условности пространства, движения, настроения, напряжения, языка и символики.

Король Убу, через steampunkchicago.com

Театр французского и русского авангарда

Авангардный театр Франции был отмечен значительными чертами дадаизма и сюрреализма. Дадаисты заимствовали несколько эстетических принципов для создания драмы футуристов, такие как использование одновременного действия и антагонистическое отношение к аудитории . Постановка Тристана Цары Gas Heart сама по себе была формой анархии против искусства и, в частности, театра, и привела к драке между его сторонниками и противниками.Введение сюрреализма Андре Бретон в 1924 году, который порвал с дадаизмом двумя годами ранее, означал смерть дадаизма как влиятельного авангардного движения. Сюрреализм был главной силой в экспериментальном письме, и наиболее знаменитыми театральными работами были работы Антонена Арто и Гийома Аполлинера . Пьеса Арто « Тайны любви », поставленная в 1927 году, была первой пьесой, в которой использовалась сюрреалистическая техника автоматического письма .Двое влюбленных в пьесе постоянно меняют свои отношения и взаимодействуют с разными другими персонажами, чья личность изменилась.

Тем временем в России театр стал рассадником экспериментов и мощным средством революционной пропаганды . Первая в мире «футуристическая опера» Победа Солнца в 1913 году с либретто на экспериментальном языке «заум», сочетанием первобытного славянского родного языка с пением птиц и космическими высказываниями, а также костюмами, состоящими из монохромных треугольников и квадратов. вызвало возмущение зрителей.Художником по костюмам был молодой Казимир Малевич, который первым начал экспериментировать в театре, прежде чем развить и сформулировать свое художественное видение и идеи. Театр был преобразован из места натурализма и эмоций в полноценное ярмарочное зрелище . Такие художники, как Александр Родченко, Владимир Татлин , Александра Экстер и Любовь Попова создали радикальные и возмутительные дизайнерские наборы и костюмы для футуристической эпохи, которые вдохновили Fritz Lang и даже Flash Gordon . Всеволод Мейерхольд , один из самых восторженных активистов нового советского театра, отстаивал телесное самовыражение в актерской игре и заложил основы современного физического театра. В эти неспокойные годы зародилось множество художественных стилей. Как позже писал Маяковский, «Театр — не зеркало, а увеличительное стекло».

Фантастический механический набор Любови Поповой для «Великодушного рогоносца», 1922, через V&A

Театр абсурда

В период между двумя войнами авангардный театр процветал, возникли различные авангардные театральные движения.Вдохновленный этими театральными экспериментами начала века и ужасами Второй мировой войны, парижский авангард New Theater полностью отказался от традиционных театральных декораций, персонажей, сюжетов и постановок. Театральный критик Мартин Эсслин назвал его «Театром абсурда » , в нем участвовали такие известные пьесы, как Эжен Ионеско , Сэмюэль Беккет , Жан Жене , Артур Адамов и Фернандо Аррабаль .Следуя философии Альбера Камю , согласно которой человеческая ситуация по сути абсурдна и лишена цели , эти авторы создали абсурдистскую беллетристику, которая дала название этому стилю театра, который возник в результате их творчества. Эти пьесы были проникнуты пессимистическим взглядом на человечество, оставшееся безнадежным, сбитым с толку и тревожным. Одними из самых знаменитых театральных произведений этого периода являются « Wainting for Godot » Беккета, «Лысое сопрано» Ионеско , «Горничные» Генета, «Комната» Гарольда Пинтера и «Вирджиния Вульф » Олби.Наследие и отголоски Театр абсурда можно увидеть в произведениях многих более поздних драматургов.

Постановка пьесы Сэмюэля Беккета В ожидании Годо , через myentertainmentworld.ca

Авангард Сегодня

Судя по всему, что говорит наша история, авангард должен на опередить свое время на . Следовательно, согласно логике, людям нужно время, чтобы осознать, что кто-то «опередил свое время», иначе авангард вообще не был бы авангардом.Во времена возникновения большинства исторических движений это был также способ противостоять традиционному взгляду на искусство и бросить вызов академическому подходу к нему. Но теперь, когда академия знает об исторических авангардных движениях , а также поддерживает современное искусство, как мы можем различить истинную прогрессивность?

Ренато Гуттузо — Абстрактное против фигуративного искусства

Почему определение авангарда сегодня такое сложное

Современное искусство переживает лучшие и худшие времена.Этому предшествует огромное количество значительных перемещений и связано с уже решенными вопросами, которые могут рассматриваться как выгода или оказаться ограничивающим препятствием. Некоторых до сих пор беспокоит тот факт, что искусство трудно дать определение, и все винят авангард. И хотя эти комментарии часто не относятся к делу, не мешало бы пересмотреть наследие, оставленное нам авангардными движениями. Да, это дало нам много поводов для благодарности, предоставив нам миллион различных способов подойти к искусству, не только как к традиционной форме, но и как готовая форма, сборка, перформанс, хэппенинг, акт, документ, инсталляция. , вы называете это.Но с другой стороны, не все ли мы время от времени испытываем неприятное ощущение жизни в мире, где все уже сказано и сделано , задаваясь вопросом, что теперь?

Ева Райзер Робертс — Кот Дюшана спускается по лестнице № 2, via fineartamerica

Псевдоавтономия современного искусства

Есть еще одна вещь, которая затрудняет решение вопроса о «современном авангарде», — это преобладание критиков, которые обычно стремятся интерпретировать искусство по-своему и представить определенные произведения искусства как нечто, чем они по сути не являются.В результате происходит то, что из-за нехватки слов, предоставляемых самими художниками, искусство легко превращается в податливую материю, меняющую форму при переходе от одной интерпретации к другой. С другой стороны, у большинства авангардных движений был манифест, прямо или косвенно объясняющий их настроения . Сегодня мы не привыкли к тому, что художники являются собственными «кураторами» или даже образуют группы и движения. Предполагаемое художественное движение или объединяющий лейтмотив, объединяющий группу, обычно создается кем-то другим.

студентов RCA Inspire Curating Contemporary Art MA устанавливают Sum Parts в Acme Project Space. Фото Рут Ли (2011 г.), через acme.org.uk

Быть крутым против авангарда — YBA

Признать авангард в современном искусстве — значит рискнуть провозгласить что-то имеющее отношение к будущему, предпочтительно реформистское или даже просветительское. В нашем недавнем прошлом казалось, что несколько так называемых движений намеревались достичь этих целей, но все еще остается неясным, их коллективная энергия была авангардной или просто задающими тенденции .Как это было в далеком прошлом, так было и в недавнем прошлом — большинство значительных открытий начинаются с одной выставки. Многие согласятся, что Freeze, которым руководил Дэмиен Херст в 1988 году, ознаменовал поворотный момент в карьере художников, чьи имена позже стали ассоциироваться с молодыми британскими художниками . YBA стали исторической группой, хотя имена из списка со временем добавлялись и стирались. Поскольку большинство этих художников происходили из одной школы (ювелиры) и якобы поддерживали особенно дикий небрежный образ жизни, YBA действительно казались реальной группой.Тем не менее, когда дело доходит до их искусства, хотя оно в основном основано на тактике шока, которая оставалась общим знаменателем в их творчестве, для него характерно преднамеренное разнообразие стилей. Помимо того факта, что большинство из них оказались великими предпринимателями, способными использовать как положительную, так и отрицательную рекламу, потребовалась бы целая статья, чтобы обсудить, были ли YBA (как группа) особенно конструктивными в отношении самому искусству. В конце концов, они не были первыми, кто использовал «шок» как метод.

Tracey Emin — Моя кровать

Вероятно, авангард — эстетика отношений

Еще одна попытка дать определение чему-то революционному была предпринята Николасом Буррио в 1996 году после выставки, которую он курировал — Traffic. Несмотря на то, что некоторые из художников, которые принимали в ней участие, до сих пор игнорируют этот термин (и найдите время, чтобы вспомнить вышеупомянутую проблему, когда кураторы видят то, чего нет), Буррио считал выставку образцом чего-то свежего. Это было отправной точкой для его определения эстетики отношений, которая была воспринята одними как новый «изм» и отвергнута другими как повторение уже существующего.Короче говоря, оно определяется как искусство, опирающееся на социальный контекст и сеть человеческих отношений, которые служат для расшифровки самого произведения искусства. Другими словами, произведение искусства является посредником , интерфейсом, ценность которого измеряется не его физическими качествами, а его способностью передавать информацию между художником и зрителем, рассчитывая на реакцию зрителя для достижения своей цели. Если вы не заметили, идея такого артефакта тесно связана с возможностями, предоставляемыми Интернетом, но тогда наши отношения с Интернетом не были полностью признаны.Поэтому мы не ошибемся, если скажем, что способность французского куратора делать ценные выводы из нового явления была весьма авангардной.

Traffic (1996), вид на выставку, CAPC, Бордо, Франция

Потенциально новаторский — искусство под влиянием объектно-ориентированной онтологии

Почти случайно, но, как сообщается, немного позже, в современной философии официально появилось другое движение, и его нынешнее и потенциальное влияние на искусство невозможно переоценить.Объектно-ориентированная онтология говорит о мире, в котором мы живем, под углом, который мы раньше не рассматривали, помещая объект вместо человека. Таким образом, вы можете забыть об антропоцентризме Канта и принять новую эру , в которой человечество передает свой титул объектам, например роботы, машины, байты, в которых мы больше не отображаем объекты как зависимые от нашей интерпретации или даже нашего простого подтверждения. « Экспонаты нам не доступны, мы сами их выставляем », — так подошел к делу Пьер Юйге.Имея это в виду, мы могли бы с нетерпением ждать влияния ООО на искусство в будущем и наблюдать, как трансгуманизм уже влияет на некоторых художников, обозначенных как постинтернет-художники.

Антея Гамильтон — Лучшие дома

Так китчем, что это становится искусством — Kitschy Art

Но если мы рассматриваем авангард как противоположность академическому определению искусства, мы могли бы с таким же успехом сказать, что лоброу — это новый авангард . Почему бы и нет. Нетрудно поверить, что Дюшан XXI века отвергнет всю сегодняшнюю «прогрессивность» и проигнорирует современное искусство и даже реди-мейд, и в конечном итоге примет поп-сюрреализм как явно беспечное и легкомысленное движение.Если в искусстве 21 века чего-то очень не хватает, так это счастья — подлинного счастья, надежды, радости, ликования, которые способствуют позитивному, беззаботному взгляду на жизнь, который почему-то стал ассоциироваться с китчем, а не с искусством. Что-то действительно свежее в сегодняшнем мире будет означать что-то утвердительное, которое не ставит своей целью оспаривать или подвергать сомнению что-либо, а скорее довольствуется вещами такими, какие они есть.

Выставка «Митч О’Коннелл» — «Практика ведет к совершенству»

Недостижим ли современный авангард?

Опережать время в 21 веке практически невозможно.Общее впечатление, что время постоянно ускоряется, является проблемой для начала. Поскольку информация перемещается так же быстро, как нажатие на экран, перевод идей становится проще, но вместе с тем и наше предполагаемое понимание этих идей (предполагаемое, потому что в худшем сценарии нас гораздо легче убедить в том, что мы их понимаем). Как мы можем определить, опережает ли что-нибудь свое время, если наше восприятие времени само по себе неясно? Новое изнашивается быстрее, чем когда-либо, и даже если время искривлено, а прошлое повторяется в той или иной форме, у нас едва ли есть время признать это. Быть авангардом в 2010-е — значит быть больше, лучше, смелее современного искусства . Как этого добиться, когда современное искусство включает в себя все, что связано с духом нашего времени? Или все авангард современного искусства глухо?

Вместо подлинного заключения, мы позволим последним предложениям из книги Лиама Гиллика «Современное искусство не учитывать то, что происходит» , дадут вам повод задуматься: « Режим современности становится все больше и больше. включая собственное прошлое и вечное будущее.Раздутый и находящийся на грани полезности, он бесконечно тянется во все стороны. Но как и плоская Земля, в которую когда-то верили люди, и бескрайнее небо Запада — тоже. «

Автор: Энджи Кордич, Силка П, Елена Мартиника и Натали П

Все изображения предназначены только для иллюстративных целей.

Авангард | Encyclopedia.com

определяющие характеристики
модерн
fauves
довоенный театр и балет в Париже
экспрессионизм до 1914 года в Германии
кубизм
орфизм
футуризм
районизм
русский футуризм и супрематизм
библиография

Художники как духовные Лидеры грядущего общества были впервые названы авангардом в диалоге, написанном в 1825 году французским математиком и ранним социалистом Олиндой Родригес (1794–1851), близким другом социалистического графа Анри де Сен-Симона (1760–1825). .Это первое упоминание об авангардных художниках, играющих ключевую роль в формировании сознания граждан грядущего утопического общества, превозносит художников, но ограничивает их роль передачей идей будущих политических лидеров. Концепция авангарда вырвалась из этой первоначальной идеи и стала обозначать ориентированное на будущее отношение в искусстве, связанное с радикальным социальным прогрессом.

Военный термин авангард (что означает авангард или авангард) начал широко использоваться в качестве метафоры для обозначения культурных взглядов в конце девятнадцатого века, но он никогда полностью не терял своего воинственного подтекста.Его применяли к литературным и художественным течениям, которые смешивали политическое инакомыслие с художественной современностью. Художники, чьи новые и необычные работы вызывали споры, как правило, применяли стратегию формирования групп, порождая движения, в рамках которых они коллективно демонстрировали свои работы, излагали свои идеи публике в письменной форме (которые часто принимали форму манифестов). , и таким образом подтверждают действия друг друга. Групповое присутствие было более защитным и эффективным, чем индивидуальные претензии к новым концепциям и эстетике.Художники могли держать свои коллективно принятые идеи и работы как щит между собой и остальным обществом. Авангард всегда относится к группе или ее представителю, а не только к инновационному человеку.

Авангард as стал общим термином для искусства, проникнутого политическим, социальным и эстетическим радикализмом и критикой. Социалистические, анархистские, коммунистические или даже протофашистские идеологии были столь же часты среди художников-авангардистов, как и аполитичность, но чувство элитарности, осознание превосходства над традиционным искусством и мышлением характеризовало авангардные движения.

Некоторые авангардные группы не сформулировали никакой программы, которая выходила бы за рамки их художественного творчества. Тем не менее, даже такие группы, как фовисты, консенсусом считаются авангардными из-за их художественного радикализма.

Один из величайших парадоксов различных групп и поколений авангарда заключался в том, что они видели себя потенциальными лидерами духовного и социального возрождения, заявляя при этом о полной независимости от любого политического истеблишмента. Другое противоречие заключается между элитарностью их эстетики и их политически эгалитарными взглядами.

Авангард возник на фоне религиозных, философских и культурных кризисов примерно в конце девятнадцатого века, который последовал за временем усиливающейся секуляризации западной культуры. Эта культура не могла дать ответы на те основные вопросы, которые французский художник-постимпрессионист Поль Гоген (1848–1903) задал в названии одной из своих последних картин: Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем? (1897–1898).

Восстание авангардов проявилось в их отрыве от традиции миметической репрезентации и иллюзии трехмерности.Недовольные западной культурой, многие художники-авангардисты искали правдивого и аутентичного художественного выражения в далеких культурах — Африке, Азии, Океании и других племенных культурах — или в безупречном творчестве детей и психически больных.

Беспрецедентное прежде развитие науки и новых технологий оказало большое влияние на художников авангарда. Перед лицом этих событий художники-авангардисты не могли довольствоваться копированием поверхности природы.Они исследовали основные структуры, тектонические и / или психологические. Домом авангарда был современный мегаполис, где ощущались стремительный ритм жизни и синхронность параллельных событий. Авангард был в высшей степени урбанистическим явлением, разворачивающимся в печатных СМИ: ежедневная пресса, небольшие журналы, регулярная художественная критика, а также продолжающиеся дебаты в кафе, театральных холлах и по всему городу.

Романтизм начала и середины девятнадцатого века, реализм и натурализм середины девятнадцатого века, шокирующее появление импрессионизма в 1870-х годах и великие личности постимпрессионизма — все это характеризовалось некоторыми чертами авангарда. либо в их новаторской эстетике, либо в подрывных идеях, но они не были полноценными движениями с политическими или радикальными эстетическими планами.Движение искусств и ремесел в Англии конца девятнадцатого века, с главными действующими лицами Уильямом Моррисом (1834–1896), Чарльзом Робертом Эшби (1863–1942) и Уильямом Ричардом Летаби (1857–1931), было важным предшественником позднего двадцатого века. века, социально ориентированные дизайнерские инициативы, но не выходили за рамки потребностей высшего среднего класса в Англии.

Модерн тоже не был подрывным движением, но он охватил несколько социальных слоев и привел к глубоким изменениям в их образе жизни.Этот новый стиль конца века был, по-видимому, плавным бунтом против дисциплинированной эклектики и академической строгости вкуса среднего класса. Его чувственные, криволинейные или изогнутые линии и цветочные мотивы передают подавленный эротизм и отвечают новому стремлению к декоративным орнаментам в архитектуре, дизайне, живописи и скульптуре. Хотя новый стиль был очень популярен и активно продвигал современный дизайн интерьеров и продуктов, он также передавал мелодраматический, душевный, декадентский эстетизм большей части молодежи среднего класса перед Первой мировой войной.

Бельгийские архитекторы Виктор Орта (1861–1947) и Генри ван де Велде (1863–1957), последний также занимался дизайном, гобеленами и живописью, представили новый стиль, который быстро распространился по обе стороны Атлантики. Он называется Jugendstil в Германии (назван в честь журнала Jugend [Youth], выпущенного в Мюнхене в 1896 году), ар-нуво во Франции и Liberty Style в Италии (по названию бренда текстильного продукта с типичным дизайном в стиле ар-нуво). был в Вене, где новый стиль стал лицом антиакадемического и антитрадиционного движения под названием Sezession, по отношению к группе молодых художников и архитекторов, отколовшихся от мейнстрима мира искусства.В 1898 и 1899 годах они построили собственный выставочный зал, Венскую Сезионскую галерею, работу немецкого архитектора Йозефа Марии Ольбрих (1867–1908). Центральным художником новой волны был художник Густав Климт (1862–1918), вундеркинд, которого ожидали, что он станет следующим авторитетом Венской академии изящных искусств. Вместо этого Климт позволил себе жить и рисовать в новом стиле. Живя без брака со своей девушкой Эмили Флёге, обычно в длинном синем платье, созданном самим собой, и выступая против академии, он баловался пышной, часто золотой отделкой на своих картинах и щедрыми декоративными деталями.Фаворит очень эрудированных дам из высшего сословия, которых он изображал, он передал новое чувство нервозности и беспокойства начала двадцатого века, которое также присутствовало в австрийской литературе тех лет. Другими успешными, но более противоречивыми венскими художниками были смело эротичный Эгон Шиле (1890–1918), провидец Оскар Кокошка (1886–1980) и композитор Арнольд Шенберг (1874–1951), которые были скорее экспрессионистами, чем представителями модерна. .

Среди архитекторов Венской сессии были Йозеф Хоффманн (1870–1956) и Отто Вагнер (1841–1918).Дизайнер Коломанн Мозер (1868–1918) вместе с Хоффманном в 1903 году основал Wiener Werkstätte, или Венские ремесленные мастерские, являвшиеся прямым ответвлением движения Sezession. Также, основываясь на концепции движения искусств и ремесел в Англии, они выпустили множество аксессуаров для дома в новом, модном стиле.

Фовы (по-французски «дикие звери») были первой подрывной группой художников в Париже, хотя ткань традиционного художественного выражения была ослаблена во всех областях и жанрах.Так называемый фовский скандал разразился в Парижском Осеннем салоне 1905 года, выставочном центре, созданном для наиболее радикальных художников в 1903 году. Его вице-президент Жорж Десваллиер (1861–1950), который также отвечал за развешивание картин. , повесил уже вызывающие споры работы Анри Матисса (1869–1954) — считавшиеся спорными, потому что они считались жестокими и незаконченными — в одной комнате с столь же яркими работами его друзей Мориса де Вламинка (1876–1958), Андре Дерен ( 1880–1954), Жорж Руо (1871–1958), Альбер Марке (1875–1947), Шарль Камуан (1879–1965) и Анри Манген (1874–1949), так что картины в новом стиле появились как коллективное заявление на смелых насыщенных, чистых цветах и ​​продуманной стилизации.Согласно легенде, искусствовед Луи Воксель спонтанно придумал название fauves , войдя в этот выставочный зал. К первоначальной группе вскоре присоединились художники Эдуард Вюйар (1868–1940), Рауль Дюфи (1877–1953) и Отон Фриез (1879–1949), голландский художник Кейс ван Донген (1877–1968) и молодой Жорж. Брак (1882–1963).

У фаворитов было сильное желание новизны и прямого выражения своих эмоций с помощью ярких ярких пятен.Вместо того, чтобы использовать цвет для описания предметов, они исследовали его выразительный потенциал. Картины Матисса 1905 года Зеленая полоса ( Мадам Матисс ), Открытое окно, и Женщина в шляпе взрывается цветом. Ставить цвет на первое место — как внутренний элемент в живописи — обращается к бессознательному и влечет за собой бунт против традиционной концепции сбалансированной художественной композиции. «Прежде всего я ищу выражения», — сказал Матисс в номере от 25 декабря 1908 г. La grande revue, . «Композиция — это искусство декоративного расположения различных элементов, которые выражают чувства и идеи художника … Композиция должна быть нацелена. при выражении.

По словам Е. Х. Арнасона, «восстание фовистов было первым бурным взрывом искусства двадцатого века» (Арнасон, стр. 104), но продолжалось не более двух или трех лет. После 1908 года художники фовистов приняли другие идиомы.

Яркая театральная жизнь была неотъемлемой частью парижской художественной сцены перед Первой мировой войной. Именно на сцене буржуазный комформизм подвергался серьезнейшим испытаниям. Первым автором-мошенником был Альфред Джарри (1873–1907), написавший книгу. scandalous Ubu roi (King Ubu) в возрасте пятнадцати лет, первоначально как пародия на его учителя математики. Ubu roi, абсурдная пьеса, вдохновленная Macbeth, Уильяма Шекспира, о трусливом Убу, чья амбициозная жена убеждает его убить короля Польши и стать королем, терроризируя страну, пока не будет побежден русским царем. Впервые он был исполнен в Театре де l’Oeuvre в 1896 году. Его резкие выражения и смелые заявления о природе власти, а также частое использование слова merde (дерьмо) для буржуазной культуры возмутили публику, но оставил неизгладимое воспоминание.Джарри, написавший два продолжения к Ubu roi, Ubu enchaîné (1900; Ubu enchained) и Ubu sur la butte (1901; Ubu с рогами), считается предшественником дадаизма и сюрреализма.

---

Инновационные изменения в классический балет внес Сергей Дягилев (1872–1929), основатель Русского балета, который переехал в Париж в 1906 году после карьеры в Санкт-Петербурге, которая включала художественную и художественную коллекционерскую / выставочную деятельность. Спектакли Дягилева были основаны на современной музыке Клода Дебюсси, Мориса Равеля, Сергея Прокофьева и Игоря Стравинского, среди прочих, которые вдохновили впечатляющий сценический дизайн и модернизированную хореографию, которая, в свою очередь, привлекла гораздо более широкую аудиторию, чем аристократический стиль классического балета. .Но даже этой современной версии балета бросила вызов широко популярная американская танцовщица Айседора Дункан (1877–1927), которая в 1900 году переехала в Париж, чтобы стать чемпионом danse moderne (современный танец) и сделала радикальное заявление о том, что классический балет «уродлив и уродлив». против природы «. Ее смелое искусство и экстравагантный образ жизни вдохновляли многих художников, в том числе Мориса Дени и Антуана Бурделя, которые изобразили ее на барельефах и фресках Театра Елисейских полей, открывшегося в 1913 году.

Фовесы оказали большое влияние на немецкий экспрессионизм. Причины, по которым эти тенденции классифицируются отдельно, являются скорее историческими, чем эстетическими.На всех этих художников оказало влияние выразительное искусство Винсента Ван Гога (1853–1890) и, в меньшей степени, Гогена.

В 1905 году четыре немецких студента архитектуры — Эрнст Людвиг Кирхнер (1880–1938), Эрих Хекель (1883–1970), Карл Шмидт-Ротлуф (1884–1976) и Фриц Блейл (1880–1966) — сформировали группу в Дрезден, который они назвали Die Brücke (Мост), следуя линии своего любимого философа Фридриха Ницше о том, что человек является «мостом между животным и сверхчеловеком». В 1906 году Кирхнер вырезал свою программу из дерева: «С верой в развитие, в новое поколение, будь то творческие участники или получатели, мы собираем вместе всю молодежь, которая стремится к будущему.Мы хотим получить простор и свободу жизни против устоявшихся старых сил. Каждый, кто прямо и искренне передает то, что побуждает их творить, принадлежит нам ».

Группа приняла очень стилизованный и красочный живописный язык. Чуткие к социальному неравенству в Германии, они выразили страдания обездоленных в драматических гравюрах на дереве. грубо высеченная текстура которого была адекватным средством выражения их эмоций. 1889–1981), также были граверами.В 1906 году лидеры Die Brücke пригласили уже известных художников Эмиля Нольде (1867–1956) и Макса Пехштейна (1881–1955) присоединиться к группе. В 1910 году, когда работы Отто Мюллера (1874–1930) были отклонены Берлинской сессией, они вышли из нее и присоединились к Die Brücke. В 1911 году к нам присоединился чешский художник Богумил Кубиста (1884–1918). Смелые несмешанные цвета, плакатная стилизация, изображения детей, африканские маски и артефакты на их картинах указывали на их несогласие с традиционными художественными стандартами.

В 1911 году группа переехала в Берлин, где Кирхнер рисовал уличные сцены, городские пейзажи и зловещие сцены кабаре, а картины Нольде на похожие темы также передавали предвкушение опасности и катастрофы. Однако в Берлине Die Brücke не удалось привлечь подписчиков на запланированные графические портфолио, и вскоре группа распалась.

Эпицентром экспрессионистского искусства в Берлине была галерея Der Sturm, открытая в марте 1912 года музыкантом и писателем Хервартом Вальденом (1878–1941).Галерея Der Sturm представила футуристам последние достижения авангардного искусства от Der Blaue Reiter (Голубой всадник), продемонстрировала международный массив работ из Италии, Франции, Голландии, России и Чехии, а также пригласила ведущих деятелей искусства. авангард выступит с речами. Уолден уже с 1910 года издавал провокационный авангардный еженедельник Der Sturm (Буря) как форум для экспрессионистской литературы.

Созданный по образцу Парижского Осеннего салона, Erste Deutsche Herbstsalon (Первый немецкий осенний салон), организованный Вальденом в Берлине в 1913 году, был самым важным обзорным шоу современного авангардного искусства в Европе.Он включал богатый выбор французских художников от постимпрессионистов до кубистов и орфистов, итальянских футуристов, чехов, русских и большинства групп немецких экспрессионистов.

В Мюнхене, столице южногерманской земли Бавария, еще одна группа художников-экспрессионистов, Neue Künstlervereinigung (Ассоциация новых художников), была организована в 1909 году русским художником Василием Кандинским (1866–1944), который переехал. в Мюнхен в 1896 году и стал учеником Франца фон Штука (1863–1928).Впервые группа встретилась на чаепитиях, устроенных русской эмигранткой баронессой и художницей Марианной Веревкиной (1860–1938). Первоначально членами были немецкие художники Габриэле Мюнтер (1877–1962), Эрма Босси и Пауль Баум (1859–1932), а также русские художники Алексей Явленский (1864–1941), Владимир Бехтеев (1878–1971) и Моисей Коган. (1879–1943). В 1910 году к ним присоединились французские художники Пьер Жирье (1876–1948) и Анри Ле Фоконье (1881–1946). Пауль Клее (1879–1940), который впервые встретил Кандинского на занятиях Штука, также выставлялся вместе с группой.Как типично для авангарда, и Кандинский, и Клее были связаны с Мюнхенским театром художников (основанным в 1908 году), который был нацелен на получение полного эстетического опыта, возвращаясь к мистико-религиозным истокам театра как праздника жизни.

Художественные концепции группы были теоретизированы Кандинским, позже опубликованы в его книге Über das Geistige in der Kunst (1912; О духовном в искусстве): художники должны прислушиваться только к своему внутреннему вдохновению и не обращать внимания к внешнему виду вещей, который свел бы их к простым «записывающим машинам», подобным импрессионистам.Кандинский написал свою первую абстрактную картину в 1911 году. Абстракция разделила группу: немецкий художник Франц Марк (1880–1916), еще один член ассоциации, согласился с Кандинским в том, что дематериализация и одухотворение являются наиболее важными занятиями художника, но тем более. консервативные элементы группы во главе с Александром Канольдтом (1881–1939) и Адольфом Эрбсло (1881–1947) настаивали на миметическом представлении. Группа раскололась в 1911 году, когда более радикальные участники во главе с Кандинским и Марком, к которым присоединился Август Маке (1887–1914), основали новую группу Der Blaue Reiter (Синий всадник), получившую название от названия Альманах, над которым работали Кандинский и Марк (издан в 1912 году).Der Blaue Reiter отстаивал независимость художника и его творчества. Природу больше не воспроизводили, но выражали через автономные комбинации цветов и форм в определенном ритме. Внутреннее видение художника было принято за настоящую правду, что оказалось подрывной идеей в немецкой культуре. Эту идею уже отстаивал немецкий историк искусства Вильгельм Воррингер, считающийся первым теоретиком экспрессионизма, в его книге Abstraktion und Einfühlung (1908; Abstraktion and Empathy, 1953), где он предположил, что произведение искусства — это такой же автономный организм, как и любой естественный.

Альманах Blaue Reiter продемонстрировал равную важность всех областей творчества — поэзии, прозы, музыки, танца, живописи, скульптуры и гравюры отбором художников со всего мира. «Первая выставка редакторов« Синего всадника »открылась 18 декабря 1911 года, а затем совершила поездку по Германии. Это была открывающая выставка галереи Штурм. Марк писал в альманахе: «В это время великой борьбы за новое искусство мы сражаемся, как неорганизованные« дикари », против старой, установленной власти.Битва кажется неравной, но духовные дела [решаются]… только силой идей…. Новые идеи убивают лучше стали и разрушают то, что считалось несокрушимым »(Марк, стр. 28).

Немецкий экспрессионизм не прекратил свое существование в 1914 году, но во время и после Первой мировой войны он становился все более политическим, оппозиционным. В то же время религиозно-мистическая версия экспрессионизма обрела новое значение в послевоенном контексте.

Кубизм был создан в Париже испанским художником Пабло Пикассо (1881–1973) и французским художником Жоржем Браком ( 1882–1963) примерно в 1907 году под влиянием Поля Сезанна (1839–1906) и, косвенно, изменений мировоззрения, связанных с новыми научными открытиями.Термин кубизм был придуман тем же Луи Воксель, который ввел термин fauves, , вдохновленный картиной Брака 1908 года « Houses at L’Estaque, » с множеством кубических форм. Ранний кубизм также находился под влиянием африканского искусства, которое Пикассо изучал во время своих многочисленных посещений этнографического музея Парижа, Musée Trocadéro. Картина Пикассо Les demoiselles d’Avignon (1907) была объявлена ​​«первой картиной двадцатого века» Альфредом Х. Барром-младшим, основателем и первым директором Нью-Йоркского музея современного искусства.К первым кубистам присоединились другие художники, включая Хуана Гриса (1887–1927), Жана Метцингера (1883–1956) и Альберта Глейза (1881–1953).

Ранние картины в стиле кубизма, созданные между 1908 и 1914 годами, называются «аналитическим кубизмом» за разбиение — «анализ» — объектов на небольшие геометрические пересекающиеся грани, которые оставались намеком на первоначальный мотив (в отличие от «синтетический кубизм» после Первой мировой войны, синтез первоначально абстрактных элементов в вызывающую воспоминания композицию).Кубисты устранили одноточечную перспективу, переплетая передний план, средний план и задний план картины и сжимая множество картинных плоскостей в одну плоскую поверхность.

Примерно в 1912 году Пикассо начал делать свои первые коллажи из фрагментов изображений, текстурированной бумаги, букв и цифр. Кубизм также оказал влияние на скульпторов двадцатого века, включая Александра Архипенко (1887–1964), Раймона Дюшана-Вийона (1876–1918) и Жака Липшица (1891–1973).

Орфизм был разновидностью кубизма, термин был придуман в 1912 году французским поэтом Гийомом Аполлинером для картин Робера Делоне (1885–1941), которые он связал с Орфеем, поэтом, который также играл музыку в греческой мифологии.Делоне, который изначально был кубистом, рисовал красочные картины, которые кажутся видимыми через призму, которая разбивает цвета. Его жена Соня Делоне-Терк (1885–1979) и чешский художник Франтишек Купка (1871–1957) также назывались художниками-орфистами, или орфическими кубистами. В это недолговечное движение на короткое время вошли братья Дюшаны — Марсель Дюшан (1887–1968), его брат Раймон Дюшан-Вийон и их сводный брат Жак Вийон (1875–1963) и Роже де ла Фресне (1885–1925). .Лирическое использование цвета орфистами с целью достижения цветовой гармонии повлияло на Der Blaue Reiter, а также на американских синхромистов.

Кэролайн Тисдалл и Анджело Боццолла утверждали, что «итальянский футуризм был первым культурным движением двадцатого века, которое прямо и намеренно нацелено на массовую аудиторию» (Тисдалл и Боццолла, стр. 7). Движение было единолично инициировано поэтом и редактором Филиппо Томмазо Маринетти (1876–1944), опубликовавшим «Основание и манифест футуризма» в консервативной парижской газете Le Figaro 20 февраля 1909 года.В том же году он переиздал ее на итальянском языке в своем собственном миланском журнале Poesia (Поэзия). Манифест стал тревожным сигналом для коллег-итальянских художников через французские печатные СМИ, чтобы они поставили свою страну и культуру на быстрый исторический путь, практикуя и прославляя использование новых, быстрых транспортных средств и новых технологий. Он призывает к разрушению памятников прошлого, таких как музеи, библиотеки и академии, которые, как он утверждает, стоят на пути прогресса; прославляет войну как «гигиену человечества»; и выражает презрение к женщинам.С помощью «своего рода научно-фантастического предвидения» (Перлофф, стр. 3) Маринетти понял, как работают СМИ и в какой степени СМИ являются сообщениями. Он изложил свое послание прямо, в конечном итоге стремясь изменить мир, а не только искусство. Он опубликовал ряд манифестов и брошюр, в том числе «Убьем самогон» (1909), «Футуристическое обращение к англичанам» (1910) и «Футуристический синтез войны» (1914). Во главе с Маринетти, «кофеином Европы», футуризм стал наиболее радикальной попыткой разрушить религиозные и светские власти и фальшивые идеалы европейской культурной традиции.Однако его более позднее увлечение итальянским фашизмом отделяет его и его движение от преимущественно левых течений авангарда.

Маринетти делал вид, что говорит от имени группы, которой не было на момент написания его брошюры, но которая возникла сразу после ее публикации, когда к нему присоединился художник и скульптор Умберто Боччони (1882–1916) ) и художников Джакомо Балла (1871–1958), Карло Карра (1881–1966), Джино Северини (1883–1966) и Луиджи Руссоло (1885–1947).Футуристы вряд ли разделяют живописный стиль, но все они были очарованы запечатлением движущихся объектов в статичной картинной рамке. Архитектор-футурист Антонио Сант’Элия (1888–1916) проектировал утопические многоуровневые мегаполисы, представляя собой видения будущего с нескончаемым потоком поездов, автомобилей, кораблей и самолетов.

С конца девятнадцатого века русское искусство все больше взаимосвязано с искусством Западной Европы, и некоторые из наиболее радикальных авангардистов возникли в России.Вдохновленные революционными временами после революции 1905 года, русские художники Михаил Ларионов (1881–1964) и Наталья Гончарова (1881–1962) в декабре 1906 года основали в Москве группу «Голубая роза». Между 1906 и 1909 годами они начали публиковать авангардные произведения. garde journal Golden Fleece, форум группы, в котором они написали: «Мы намерены распространять русское искусство за пределы страны его рождения… в самом процессе его развития». На них сильно повлияли примитивистские течения немецкого экспрессионизма, кубизма и футуризма, что привело к появлению в России живописного кубофутуристического языка, который они переняли.

В 1911 году они запустили новое движение, лучизм, которое эстетически основывалось на представлении раздробленного света и его отражений вместо самих светоотражающих объектов. Рисование лучей света привело к созданию абстрактных картин, но у районистов также была политическая и социологическая повестка дня. Ясно вдохновленные манифестом Маринетти, они подчеркивали превосходство повседневных технологий над художественными достижениями: «Мы заявляем, что гением наших дней будут: брюки, куртки, обувь, трамваи, автобусы, самолеты, железные дороги, великолепные корабли — какое очарование! какая великая эпоха, не имеющая себе равных в мировой истории! » они написали в своем собственном манифесте.Они также «перевели» национализм Маринетти в российский контекст, избегая Запада, который, по их утверждениям, «вульгаризирует наши восточные формы». В 1913 году Ларионов вместе с писателем-футуристом Ильей Зданевичем (1894–1975) также написал «Почему мы рисуем себя: манифест футуриста» — текст, очень похожий на некоторые из манифестов итальянских футуристов.

Ларионов и Гончарова работали в «Русском балете Дягилева» декораторами и оказались во Франции в начале Первой мировой войны.Они так и не вернулись в Россию, поэтому районизм прекратил свое существование в 1914 году.

Русский футуризм, как и его итальянский аналог, был не только художественным, но и литературным направлением. За недолговечной группой эго-футуристов (1911–1913) последовали хилены, заинтересованные в синтезе итальянского футуризма и французского кубизма. Художник-график Давид Бурлюк (1882–1967) организовал группу, в которую вошли поэты Велимир Хлебников (1885–1922), Алексей Крученых (1886–1970), Владимир Маяковский (1893–1930).Они тесно сотрудничали с художниками, которые оформляли обложки их книг и иллюстрировали их поэтические сборники. Манифест группы « Пощечина общественному вкусу», был опубликован в Москве в 1912 году.

Супрематизм был инициативой русского живописца (польского и украинского происхождения) Казимира Малевича (1878–1935). В 1913 году Малевич, ранее занимавший постимпрессионизм, вместе со своими друзьями-футуристами Крученых, Хлебниковым и музыкантом, художником и теоретиком Михаилом Матюшиным (1861–1934) работал над театрализованным исполнением футуристической оперы « Победа над Солнцем». Малевич разработал декорации и геометрические костюмы для спектакля, действие которого происходило «в десятом доме будущего». На основе черного фона, который он разработал для Акта II, он разработал к 1915 году картину под названием Черный квадрат на белом фоне. Из этой абстрактной картины он разработал корпус абстрактных геометрических работ с новым ощущением бездонного пространства — космической пустоты, а не рационализированного и иллюзорного пространства одноточечной перспективы. Он ввел термин супрематизм для обозначения «превосходства чистого ощущения», утверждая, что эти образы принадлежат будущему, и только превосходная чувствительность художника может ощутить и передать их в настоящее.Впервые он показал эти картины на выставке в Петрограде под названием «0,10: Последняя выставка футуристов» в декабре 1915 года, где он разместил одну из нескольких версий черного квадрата , , который он назвал «нулевой точкой живописи» или «Царственный младенец» в верхнем углу комнаты, которая традиционно является святыней для религиозных икон в русских православных домах.

См. Также Модерн; Кубизм; Дягилев Сергей; Фовизм; Футуризм; Джарри, Альфред; Кандинский, Василий; Климт, Густав; Матисс, Анри; Пикассо, Пабло.

Альтшулер, Брюс. Авангард на выставке: новое искусство ХХ века. Нью-Йорк, 1994.

Арнасон, Х. Х. История современного искусства. Ред. Ред. Лондон, 1977.

Bowlt, John E., ed. и пер. Русское искусство авангарда: теория и критика, 1902–1934. Ред. Ред. Лондон, 1988.

Калинеску, Матей. Пять ликов современности: модернизм, авангард, декаданс, китч, постмодернизм. Дарем, Н.C., 1987.

Dube, Wolf-Dieter. Экспрессионисты. Перевод Мэри Уиттолл. Лондон, 1972. Перепечатка, 1991.

Фостер, Хэл, Розалинд Краусс, Ив-Ален Буа и Бенджамин Х. Д. Бухло. Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм. Лондон, 2004.

Фрай, Эдвард Ф. Кубизм. Лондон, 1966.

Кандинский, Василий. О духовном в ст. Перевод М. Т. Х. Сэдлера. Нью-Йорк, 1977. Перепечатка «Искусства духовной гармонии».Лондон, 1914.

Лоутон, Анна, изд. Русский футуризм через его манифесты, 1912–1928. Ithaca, N.Y., 1988.

Marc, Franz. «Die ‘Wilden’ Deutschlands». В Der blaue Reiter, под редакцией Василия Кандинского и Франца Марка. 1912. Переиздание, Мюнхен, 1965.

Маринетти, Филиппо Томмазо. Давай убьем самогон: избранные сочинения. Под редакцией Р. В. Флинта. Лос-Анджелес, 1972 г.

Перлофф, Марджори. Предисловие к «Давайте убьем самогон: избранные произведения», Филиппо Томмазо Маринетти.Под редакцией Р. В. Флинта. Лос-Анджелес, 1972 г.

Тисдалл, Кэролайн и Анджело Боццолла. Футуризм. Лондон, 1977 год.

Уитфилд, Сара. Фовизм. London, 1991.

Eva Forgacs

Энциклопедия современной Европы: Европа 1789-1914: Энциклопедия эпохи промышленности и империи

Музыка авангарда: определение, стиль и исполнители — видео и стенограмма урока

Сериализм

Авангард изначально использовался для описания сериализма , также известного как тоново-рядная, 12-тональная или додекафонная музыка, которая представляет собой музыку, которая рассматривает все двенадцать нот шкалы как имеющие одинаковую важность и присваивает каждой из них место в ряду заметок.Этот ряд становится основой всего мелодического и гармонического развития произведения. Одним из первых и влиятельных сторонников сериализма был Арнольд Шёнберг. Его ученики Антон Веберн и Альбан Берг также были важными додекафоническими композиторами. Их новаторские разработки во второй половине 20-го века пронесли через таких композиторов, как Милтон Бэббит и Пьер Булез.

Композиторы авангарда

Американский композитор Джон Кейдж был пионером алеаторической музыки и, помимо прочего, подготовил фортепиано. Алеаторическая музыка использует элемент случайности как часть композиции. Например, исполнителю может потребоваться бросить кубик, чтобы определить, какая часть будет разыграна следующей. Подготовленное фортепиано — это фортепиано, которое было изменено путем вставки таких предметов, как винты, гвозди и кусочки дерева, в деку или между струнами, чтобы повлиять на звук. Это придает фортепиано ударный экзотический тембр. Композитор Джордж Крамб и сегодня продолжает экспериментировать с подготовленным фортепиано.

Musique concrète , еще одно крупное творческое движение авангарда, представляет собой тип электронной музыки, в которой используются записанные звуки.Эти звуки обрабатываются и изменяются с помощью фильтров, ленточных петель, склейки и других методов звукозаписи. Эксперименты французского композитора Пьера Шеффера со звуками на магнитной ленте вскоре после Второй мировой войны стали первыми образцами конкретной музыки. Электронная поэма Эдгара Вареза, исполненная 400 громкоговорителями, является известным примером этого жанра.

Четыре важных композитора — Стив Райх, Терри Райли, Филип Гласс и Ла Монте Янг — считаются первыми минималистами. Minimalism использует простые аккорды в очень повторяющихся ритмических паттернах, которые медленно меняются с течением времени. Минимализм можно найти во всем, от сольных фортепианных пьес до опер, таких как Akhnaten Гласса. Он также преодолел барьер в поп- и рок-музыке. Такие разные артисты, как Бьорк, Брайан Ино и Radiohead, используют минимализм в своей музыке.

Будущее авангарда

Авангард по своей природе постоянно меняется. Современные технологии играют все более заметную роль.Компьютеры можно запрограммировать на создание музыки. Электронные инструменты, такие как синтезаторы, добавляют во вкус доступных звуков. В тот день, когда даже дети могут использовать приложение Garage Band на своих ноутбуках, возможности для создания новой музыки безграничны.

Еще одна заметная тенденция в авангардной музыке — это смешение музыкальных стилей. У рока и джаза есть сторонники авангарда, которые переходят в сферу концертной музыки, и наоборот. Мировая музыка также стала игроком, поскольку музыканты заимствуют африканские ритмы и азиатские инструменты для создания новых звуков, которые не поддаются простой классификации.

Краткое содержание урока

Авангард по-французски означает «авангард». Музыка авангарда исследует новые идеи и звуки. Это смело творчески. В первой половине 20-го века этот термин относился к сериализму , но теперь он обычно означает концертную музыку, сочиненную после Второй мировой войны.

В жанре авангардной музыки существует множество стилей. Среди наиболее заметных — сериализм, алеаторическая музыка, подготовленное фортепиано, конкретная музыка и минимализм.Ключевыми композиторами авангарда являются Арнольд Шенберг, Джон Кейдж, Пьер Шеффер и Филип Гласс. Дух авангарда жив и здоров сегодня, поскольку его композиторы продолжают раздвигать границы и переходить в популярную музыку, рок и джаз.

Искусство авангарда Что это? особенности и выражения

В настоящее время можно увидеть различные виды искусства, возникшие в периоды, очень близкие к 21 веку. До нашего века эти художественные стили были очень известны в нашем веке, и подавляющее большинство людей это знает.Это относится, например, к современному искусству или искусству кубизма, хотя это также относится к искусству авангарда.

Что такое авангардное искусство?

Авангардное искусство — это художественное направление, которое относится ко всем произведениям искусства и художникам, которые являются новаторскими или эмпирическими, обычно это искусство относится как к художественным, политическим и культурным дисциплинам. По этой причине авангард — это импульс всех тех ограничений, которые принимаются за норму, в основном в культуре.

Происхождение этого стиля искусства в основном связано с современным искусством, поскольку оно начало проявляться как протест против него.Кроме того, термин авангард относится к радикальным социальным изменениям. В авангардном искусстве существуют различные художественные движения, которые создали художественное обновление и исказили методы, используемые для художественной репрезентации, как это было в таких дисциплинах, как литература, музыка, живопись, кино, театр, архитектура и другие. .

Это новаторское и обновляющее художественное направление, которое в целом было догматическим, зародилось в основном в Европе в первый период ХХ века. Вскоре после этого этот вид искусства перемещается на другие континенты, например в Америку, где он столкнулся с модернизмом.

Характеристика авангардного искусства

В этом стиле искусства мы можем наблюдать разные характеристики как в целом, так и в частицах. Однако самой яркой чертой этого художественного класса была провокация его работ. Из этих характерных поджанров авангардного искусства начинают возникать такие, как сюрреалистическое искусство, футуризм, ультраизм, кубизм и другие. Хотя это были разные авангардные движения, все они имели несколько общих черт:

• Боритесь против традиций, чтобы обрести новаторство и свободу личности.
• Свобода и смелость.
• Экспериментальный характер.

Общие характеристики этого стиля искусства можно резюмировать следующим образом:

• Художник-авангардист не согласился с предыдущими традициями, и по этой причине в этом стиле искусства делается попытка найти оригинальность и новаторство, которые есть внутри художника, тем самым предоставляя ему свободу выражения.
• От основных тем других художественных стилей отказываются, так как они не дают ответа на новаторские идеи художников.
• В некоторых художественных направлениях проявляется тенденция к пластическому искусству.
• Поэзия сосредоточена на постоянной игре с символом.
• Это противоречило современному искусству, а также противоречило художникам, принадлежащим к модернизму.
• Начинают появляться новые темы, такие как устранение анекдота, поэтический язык.
• Точка зрения рассказчиков множественна. И между окружающей средой и персонажем появляется тесная связь.

Если мы говорим об авангардном искусстве определенным образом, мы можем выделить некоторые характеристики как живописи, так и литературы, это следующие характеристики:

• Живопись: Живопись была в пользу абстрактного искусства, поэтому этот стиль искусства постоянно уходил от фигуративного искусства, и с ним устранялась всякая персонификация.Изображения, использованные для демонстрации жестокости и агрессивности объектов, стали использоваться в очень ярких цветах. Кроме того, возникли одновременные видения различных модификаций единого объекта и геометрических рисунков.
• Литература: особенно в поэзии текст создавался бы путем сопоставления образов и одновременности. По этой причине знаки препинания, строфы, стихотворные метрики и синтаксис исключаются, что приводит к изменению традиционной структуры литературных произведений.Благодаря этому новому способу создания поэзии возникает каллиграфия.

Выражения авангарда

В авангарде вы можете видеть разные выражения или разные поджанры авангарда, как мы уже отмечали ранее, этими разными выражениями были: импрессионизм, экспрессионизм, фовизм, дадаизм, футуризм, кубизм, ультраизм, ариэльдентизм, поп-арт, сюрреализм и резкость.

ОТНОШЕНИЙ АВАНГАРДА | ИСКУССТВЕННАЯ ТЕОРИЯ

Преобладает мнение, что современное искусство находится в состоянии путаницы.Живопись и скульптура, кажется, изменяются и развиваются быстрее, чем когда-либо прежде. Инновации следуют все ближе и ближе друг к другу, и, поскольку они не уходят так быстро, как входы, они накапливаются в беспорядке эксцентричных стилей, тенденций, тенденций, школ. Казалось бы, все сговаривается в интересах неразберихи. Развиваются различные среды: живопись превращается в скульптуру, скульптура в архитектуру, инженерию, театр, среду, «соучастие». Стираются не только границы между различными искусствами, но и границы между искусством и всем, что не является искусством.В то же время научные технологии вторгаются в изобразительное искусство и трансформируют его, даже если они трансформируют друг друга. И, что усугубляет путаницу, высокое искусство становится популярным, и наоборот.

Так ли все это? Судя по внешнему виду, это могло быть так. Автор статьи в литературном приложении Times от 14 марта 1968 года пишет: «. . . та полная неразбериха всех художественных ценностей, которая царит сегодня ». Но самими своими словами этот писатель выдает истинный источник путаницы, а именно, в его собственном уме.Художественная ценность едина, а не много. Единственная художественная ценность, на которую кто-либо еще может удовлетворительно указать на словах, — это просто доброта хорошего искусства. Конечно, есть степени художественного совершенства, но это не разные ценности или виды ценностей. Теперь эта единственная ценность в той или иной степени является первым и высшим принципом художественного порядка. К тому же это наиболее актуальный из таких принципов. Из-за порядка, установленного на его основе, искусство сегодня показывает столько же, сколько и когда-либо. Внешние проявления могут затенять или скрывать этот вид порядка, который является качественным порядком, но они не отрицают его, они не делают его тем более настоящим.Обладая способностью отличать хорошее от плохого и между лучшим и худшим, вы можете довольно хорошо ориентироваться в кажущейся неразберихе современного искусства. Вкус, то есть проявление вкуса, устанавливает художественный порядок — то, как прежде, теперь, как всегда.

Вещи, претендующие на звание искусства, не функционируют, не существуют как искусство, пока они не переживаются через вкус. До тех пор они существуют только как эмпирические явления, как эстетически произвольные объекты или факты. Это именно то, за что принимается много современного искусства, и то, за что многие художники хотят, чтобы их работы принимались — в надежде, что периодически обновляется с тех пор, как Марсель Дюшан впервые применил его пятьдесят с лишним лет назад, что благодаря Ускользая от досягаемости вкуса, оставаясь при этом в контексте искусства, определенные виды изобретений обретают уникальное существование и ценность.Пока эта надежда оказалась иллюзорной. Пока все, что входит в контекст искусства, неумолимо подчиняется юрисдикции вкуса — и упорядочиванию вкуса. И до сих пор почти все, что было бы неискусством в контексте искусства, довольно четко встало на свои места в ряду низшего искусства. Это порядок, в котором основная часть произведений искусства имеет тенденцию находить свое место в 1968 году, как в 1868–1768 годах. Искусство высшего искусства продолжает оставаться чем-то более или менее исключительным. И это, это довольно стабильное количественное соотношение между высшим и низшим, предлагает настолько фундаментально релевантный вид художественного порядка, насколько вы могли бы пожелать.

Но даже в этом случае, если бы это был единственный вид заказа в новом искусстве сегодня, его ситуация была бы беспрецедентной, тем не менее, как гласит распространенное мнение. Беспрецедентно, даже если не запутать. Хорошее и плохое могут отличаться друг от друга так же четко, как всегда, но все равно будет новое смешение стилей, школ, направлений и тенденций. Был бы еще феноменальный, если бы не эстетический беспорядок. Что ж, даже здесь опыт подсказывает мне — а мне больше не на что полагаться, — что феноменальная ситуация в искусстве в это время не так уж нова или беспрецедентна.Опыт подсказывает мне, что современное искусство, даже если рассматривать его с чисто описательной точки зрения, имеет смысл и упорядочивается почти так же, как искусство в прошлом. Опять же, вопрос заключается в том, чтобы избежать поверхностных проявлений.

Подходить к искусству в феноменальных и описательных терминах означает подходить к нему, прежде всего, как к стилю и как к истории стиля (ни то, ни другое само по себе не обязательно предполагает качество). Если подходить строго к стилю, новое искусство 1960-х удивляет — если и удивляет — не своим разнообразием, а тем единством и даже единообразием, которое оно выдает за всеми проявлениями разнообразия.Есть Assemblage, Pop и Op; есть Hard Edge, Color Field и Shaped Canvas; есть нео-образный, фанки и экологический; есть Minimal, Kinetic и Luminous; есть компьютер, кибернетика, системы, совместное участие и так далее. (Одна из действительно новых вещей в искусстве 60-х — это появление множества ярлыков, большинство из которых изобретены самими художниками, что тоже ново; маркировка произведений искусства раньше была делом журналистов.) эти проявления проявляются во всем их разнообразии, но при пристальном и отстраненном взгляде на них во всем их диапазоне выявляются заметно общие стилистические черты.Дизайн или макет почти всегда ясны и ясны, рисунок четкий и чистый, форма или область геометрически упрощены или, по крайней мере, выровнены и точны, цвет плоский и яркий или, по крайней мере, недифференцированный по значению и текстуре в пределах данного оттенка. Среди множества новинок передовое искусство 60-х почти единодушно придерживается этих канонов стиля, которые Вольфлин назвал бы линейными.

Подумайте о контрасте с канонами, которым соответствовало авангардное искусство в 50-х: плавный дизайн или макет, «мягкий» рисунок, неправильные и нечеткие формы или области, неровные текстуры, мутный цвет.Создается впечатление, что авангардное искусство 60-х годов во всех отношениях противопоставляется общим стилистическим знаменателям абстрактного экспрессионизма, искусства информации, ташизма. И так же, как эти общие знаменатели указывали на один и тот же стиль периода в последних 40-х и 50-х годах, так и общие знаменатели нового искусства 60-х указывают на единый, всеобъемлющий стиль периода. И в обоих случаях стиль того периода находит свое отражение как в скульптуре, так и в живописи.

То авангардное искусство последних 40-х и 50-х годов было одним, а не многими, с точки зрения стиля, теперь довольно широко признано.Из-за отсутствия перспективы времени нам труднее выявить подобное стилистическое единство в искусстве этого десятилетия. Он все равно есть. Все разнообразные и гениальные волнения и «эксперименты» последних лет, большие и малые, значительные и тривиальные, текут по берегам одного, единственного стиля эпохи. Однородность возникает из того, что казалось чрезмерной неоднородностью. Феноменальный, описательный, историко-художественный, а также качественный супервент порядка, в котором на первый взгляд все казалось противоположностью порядка.

Если это дает паузу, следует воспользоваться этой паузой, чтобы более внимательно изучить другую популярную идею об искусстве в это время: а именно, что оно движется быстрее, чем когда-либо прежде. Историко-художественный стиль этого периода, который я так схематично описал, — стиль, который сохранил и поддерживает свою идентичность во множестве мод, мод, волн, причуд, маний — существует с нами уже почти десять лет и кажется, обещает остаться с нами еще немного. Стало бы это показать, что искусство движется и меняется с беспрецедентной скоростью? Как долго обычно существовали художественно-исторические стили в прошлом — даже в более недавнем прошлом?

В данном контексте я бы сказал, что продолжительность художественного стиля следует рассматривать как продолжительность времени, в течение которого он является ведущим и доминирующим стилем, время, в течение которого он является сосудом для большей части важного искусства. производятся в данной среде в рамках данной культурной орбиты.Это также, как правило, время, когда он привлекает молодых художников, которые наиболее амбициозны и очень амбициозны. Используя это определение как меру, можно увидеть до пяти, а может и больше, совершенно разных стилей или движений, сменяющих друг друга во французской живописи XIX века.

Сначала был классицизм Давида и Энгра. Затем, примерно с 1820 года до середины 1830-х годов, романтизм Делакруа. Затем натурализм Коро; а потом добрый Курбе. В начале 1860-х годов шла впереди плоская и быстрая версия натурализма Мане, за которой менее чем через десять лет последовал импрессионизм.Импрессионизм оставался ведущей формой до начала 1880-х годов, когда неоимпрессионизм Сёра, а затем постимпрессионизм Сезанна, Гогена и Ван Гога стали наиболее продвинутыми стилями. В последние двадцать лет века все немного запуталось, хотя, может быть, это только внешне. Как бы то ни было, Боннар и Вюйар в своей ранней фазе Наби появляются в 1890-х годах, а фовизм вступает в конкуренцию, по крайней мере, к 1903 году. Судя по всему, с середины 1880-х по 1910 год живопись развивалась быстрее, чем когда-либо в рамках это поспешный обзор.Кубизм отошел от фовизма всего за полдюжины лет после появления последнего. Только тогда живопись снова замедлилась до нормальной скорости изменения между 1800 и 1880-ми годами. Кубизм оставался на вершине до середины 1920-х годов. После этого пришел сюрреализм (я говорю сюрреализм из-за отсутствия лучшего термина: идентичность сюрреализма как стиля все еще остается неопределенной; и некоторые из лучших новых картин и скульптур 20-х и 30-х годов не имеют к этому никакого отношения). А к началу 1940-х годов на сцену вышли абстрактный экспрессионизм и его родственные ему ташизм и художественная информация.

По общему признанию, это историческое изложение слишком упрощает. Искусство никогда не действует так аккуратно. Само краткое изложение не является точным даже в установленных пределах. (То, что я считаю поспешным стилистическим изменением между 1880-ми и 1910 годами, при более длительном рассмотрении может оказаться менее поспешным, чем кажется сейчас. Могут стать очевидными более крупные и неожиданные единства стиля — на самом деле, они уже очевидны, но это не так. место, чтобы коснуться их, несмотря на все, что они сделали бы, чтобы усилить мои аргументы.) Но, несмотря на все исключения, которые могут быть справедливо взяты из моей хронологической схемы и того, что она подразумевает, я действительно думаю, что существует достаточно неоспоримых доказательств, чтобы поддержать мою точку зрения, а именно, что художественно-исторические стили в живописи (если не в скульптуре) с начала XIX века (если не раньше) имели тенденцию занимать руководящие должности в среднем от десяти до пятнадцати лет.

Случай абстрактного экспрессионизма не только подтверждает это среднее; он превосходит его и должен показать, что искусство на самом деле двигалось и изменялось медленнее за последние тридцать лет, чем за предыдущие сто лет.Абстрактный экспрессионизм в Нью-Йорке, наряду с ташизмом и искусством информации в Париже, возник в начале 40-х годов и к началу 50-х годов доминировал в авангардной живописи и скульптуре в большей степени, чем кубизм в 20-х годах. (В те дни вы вообще не были «с этим», если только вы не намылили краску или не сделали шероховатую поверхность; а в 50-х годах «с ним» стало иметь гораздо большее значение.) Что ж, абстрактный экспрессионизм внезапно рухнул. весной 1962 года в Париже и Нью-Йорке.Верно, что он начал терять свою жизнеспособность задолго до этого, но, тем не менее, он продолжал доминировать на авангардной сцене, и к моменту своего окончательного отступления от этой сцены он руководил искусством почти двадцать лет. Крах абстрактного экспрессионизма был столь же внезапным, как и был, потому что он был давно назревшим, но даже если бы его крах случился пятью или шестью годами ранее (когда он должен был наступить), промежуток времени, в течение которого абстрактный экспрессионизм удерживал свое лидерство, все равно были выше среднего для художественных стилей или направлений за последние полтора столетия.

По иронии судьбы, кажущаяся внезапной смерть абстрактного экспрессионизма в 1962 году — еще одна причина, по которой художественные стили меняются намного быстрее и резче, чем раньше. Дело в том, что кончина абстрактного экспрессионизма была необычайно долгой. Заменивший его художественно-исторический стиль также не появился в поле зрения почти так же внезапно, как события весны 1962 года. «Жесткий» стиль 60-х уже проявился на первой выставке Эллсуорта Келли в Нью-Йорке в 1955 году и с возрождением геометрической формы абстрактного искусства в Париже в середине 50-х, как мы видим это в Вазарели.Таким образом, произошло перекрытие во времени. Было также совпадение или переход по стилю: переход от «живописного» к «линейному» можно проследить в живописи Барнетта Ньюмана. Например. и в скульптуре Дэвида Смита, и в таком художнике, как Раушенберг (если назвать только американцев). То, что сцена искусства, в отличие от его курса, в последнее время знала резкие изменения и повороты, не должно вводить нас в заблуждение относительно того, что на самом деле произошло в самом искусстве. (Снова иронично то, что совпадение, сама постепенность, связанная с недавними стилистическими изменениями, производила впечатление неразберихи, по крайней мере в первые годы 60-х годов, как и все остальное.)

Что меня сначала удивило в новом искусстве 60-х, так это то, что его базовая однородность стиля могла охватывать такую ​​огромную неоднородность качества, что такое плохое искусство могло идти рука об руку с таким хорошим искусством. Мне потребовалось время, чтобы вспомнить, что я уже был удивлен тем же самым в 50-х годах. Потом я забыл об этом из-за последующего краха абстрактного экспрессионизма, который, как мне казалось, довольно правильно отделял хорошее от плохого в искусстве 50-х годов.Тем не менее, отчасти мое удивление по поводу большой неравномерности качества нового искусства 60-х годов осталось и осталось. Здесь есть что-то новое, чего не было в абстрактном экспрессионизме, когда он только появился.

Все художественные стили приходят в упадок, и в результате их можно использовать для создания пустотелых и бесполезных эффектов. Но ни один стиль в прошлом, похоже, не стал пригодным для таких эффектов, пока он все еще был многообещающим. Насколько я помню. Ни один из самых печальных мастеров импрессионизма, фовизма или кубизма в первые годы своего правления не упал ниже определенного уровня художественной честности.Энергия и сложность стиля в то время просто не позволяли им. Может быть, я недостаточно знаю, что происходило в те дни. Я допущу это и все еще буду придерживаться своей точки зрения. Новый «жесткий» стиль 60-х годов утвердился в творчестве оригинального и энергичного искусства. Так обычно закрепляются новые стили. Но что было принципиально новым в том, как пришел стиль 60-х, так это то, что он нес не только по-настоящему свежее искусство, но и искусство, которое притворялось свежим и могло притворяться им, как только в прошлые времена. стиль в упадке позволил бы.Абстрактный экспрессионизм начинался как с хорошего, так и с плохого, но только в начале 1950-х годов он стал своего рода стилем, отличающимся от провального искусства. Новаторская черта «жесткого» стиля 60-х в том, что он делал это с самого начала. Этот факт ничего не говорит о неизбежном компромиссе о лучшем искусстве в «жестком стиле». Это лучшее равно лучшим из абстрактного экспрессионизма. Но сам факт показал бы, что в новом искусстве 60-х произошло нечто действительно принципиально новое.

Эта схематично новая вещь, как мне кажется, объясняет большую нервозность художественного мнения, характерную для 60-х годов.Человек знает, что «внутри» в каждый данный момент, но беспокоится о том, что «вне». В 50-е было не так. Герои живописи и скульптуры того периода довольно рано проявили себя на фоне последователей и по большей части остались — и остались — героями. Тогда было меньше вопросов, чем сейчас, о конкурирующих тенденциях или позициях в рамках единого стиля. Кто и что останется от 60-х годов, какой из конкурирующих подстилей окажется имеющим непреходящую ценность — это остается гораздо более неопределенным.Или, по крайней мере, для большинства критиков, музейщиков, коллекционеров, любителей искусства и самих художников — для большинства, я говорю, если не для всех. Эта неопределенность может помочь объяснить, почему критики в последнее время стали уделять друг другу гораздо больше внимания, чем раньше, и почему даже художники уделяют им больше внимания.

Другой причиной новой неопределенности может быть тот факт, что авангардное мнение с середины 50-х годов потеряло пеленг компаса, который надежно служил ему в прошлом. Раньше было само собой разумеющееся академическое искусство, искусство салонов и Королевская академия, против которых можно было занять позицию.Все, что было направлено против академического искусства или от него, было в правильном направлении; когда-то это было минимальной уверенностью. Академии в Париже еще было достаточно в 20-х, а может быть, и в 30-х, чтобы гарантировать авангардному искусству собственную идентичность (в те годы Андре Лот все равно время от времени нападал на салонные выставки). Но после войны, а особенно с 50-х годов, академическое искусство, по общему признанию, выпало из поля зрения. Сегодня единственное заметное изобразительное искусство — исключения, сколь бы многочисленны они ни были, — это авангард или то, что похоже на авангардное искусство или относится к нему.Авангард остается наедине с собой и полностью владеет «сценой».

Это вряд ли означает, что импульс и амбиции, которые когда-то входили в явно академическое искусство, теперь угасли. Отнюдь не. Такой импульс и амбиции теперь находят свое отражение в авангардном, или, скорее, номинально авангардном искусстве. Все лозунги и программы передового искусства 60-х годов и само его распространение как бы призваны скрыть это. Фактически, в авангард проникает враг, и он начал отрицать себя.Там, где все продвинуто, нет ничего; когда все революционеры, революция окончена.

Не то чтобы авангард действительно означал революцию. Только журналистика об этом означает, что это означает разрыв с прошлым, новый старт и все такое. Основная причина существования авангарда, напротив, состоит в том, чтобы поддерживать преемственность: преемственность стандартов качества — стандартов, если угодно, старых мастеров. Их можно поддерживать только с помощью постоянных инноваций, именно так старые мастера с самого начала достигли стандартов.До середины прошлого века новаторство в западном искусстве не должно было вызывать удивления или огорчения; с тех пор по причинам, слишком сложным, чтобы вдаваться в подробности, это должно было быть именно так. И теперь, в 60-е, все как будто наконец — наконец — уловили это: уловили не только необходимость инноваций, но и необходимость — или кажущуюся необходимость рекламных инноваций, сделав их поразительными и впечатляющими.

Сегодня все вводят новшества. Сознательно, методично. А нововведения намеренно и методично делаются поразительными.Только теперь оказывается, что неправда, что все поразительное искусство обязательно новаторское или новое. Это то, что наконец открыли 60-е годы, и это откровение действительно может быть самым новым в большей части того, что считается новым искусством 60-х годов. Стало очевидно, что искусство может иметь поразительное воздействие, не будучи на самом деле и не говоря ничего поразительного или нового. Сам по себе характер — быть поразительным, захватывающим или расстраивающим — стал условным, частью безопасного хорошего вкуса. Следствием этого является осознание того, что аспекты, в соответствии с которыми почти все художественные инновации получили признание за последние сто лет, изменились почти радикально.То, что действительно и важно новое в искусстве 60-х, входит как бы мягко, тайно в обличьях, по-видимому, старого, и неподготовленный взор застает врасплох, потому что это не искусство, которое проявляется в облике старины. очевидно новое. Никакая артистическая ракетная техника, никакая пустая коробка, никакое искусство, которое копает, засоряет, прыгает или выделяет, на самом деле поразило неосторожный вкус в последние годы, как некоторые произведения искусства, которые можно смело назвать станковыми картинами, и некоторые другие произведения, которые определяют себя как скульптуру и ничего больше.Искусство в любой среде, сведенное к тому, что оно делает, переживая его, создает себя через отношения, пропорции. Качество искусства, как ни от чего другого, зависит от одухотворенных, прочувствованных отношений или пропорций.

Этого не избежать. Простая коробка без украшений может стать искусством благодаря этим вещам; и когда оно терпит неудачу как искусство, то не потому, что это просто простая коробка, а потому, что его пропорции или даже размер невдохновлены, неощутимы. То же самое относится к работам в любых других формах искусства «новизна»: кинетическом, атмосферном, световом, экологическом, «земном», «фанк» и т. Д.и т. д. Никакое количество феноменальной, поддающейся описанию новизны не поможет, когда внутренние отношения произведения не были прочувствованы, вдохновлены, обнаружены. Превосходное произведение искусства, танцует ли оно, излучается, взрывается или едва удается быть видимым (слышимым или расшифровываемым), другими словами, демонстрирует правильность «формы».

В этом смысле искусство остается неизменным. Его качество всегда будет зависеть от вдохновения, и оно никогда не сможет проявиться как искусство, кроме как через качество. Идея о том, что вопроса качества можно избежать, никогда не приходила в голову ни одному академическому художнику или деятелю искусства.Первым его задумало то, что я называю «популярным» авангардом. Такой авангард начался с Марселя Дюшана и с DADA. DADA не просто выразило отчаяние военного времени в отношении традиционного искусства и культуры; он также пытался отрицать разницу между высоким и менее высоким искусством; и здесь речь шла не столько об отчаянии военного времени, сколько об отвращении к трудностям высокого искусства, на чем настаивал «непопулярный» авангард, который был подлинным и оригинальным. Еще до 1914 года Дюшан начал свою контратаку на то, что он называл «физическим» искусством, имея в виду то, что сегодня вульгарно называют «формалистическим» искусством.

Дюшан, очевидно, понимал, что его предприятие может выглядеть как отход от «сложного» к «легкому» искусству, и его намерение, похоже, состояло в том, чтобы сократить это различие, «преодолев» разницу между хорошим и плохим в целом. (Не думаю, что я переоцениваю его здесь.) Большинство художников-сюрреалистов присоединились к «популярному» авангарду, но они не пытались скрыть свое собственное отступление от трудного к легкому, претендуя на эту трансцендентность; они явно не считали необходимым быть «продвинутым»; они считали, что их искусство просто лучше, чем трудное.То же самое и с художниками-неоромантиками 30-х годов. И все же мечта Дюшана выйти «за рамки» вопроса художественного качества продолжала витать в умах, по крайней мере, журналистов-искусствоведов. Когда появились абстрактный экспрессионизм и художественная информация, они были широко восприняты как вид искусства, которому наконец удалось сделать ценностную дискриминацию несущественной. И это казалось самым передовым, самым дальним, самым авангардным подвигом, которое искусство когда-либо могло совершить.

Не то чтобы идеи Дюшана в то время особенно вызывались.Абстрактный экспрессионизм или художественная информация не принадлежали к «популярному» авангарду. Однако в период своего упадка они действительно создали ситуацию, благоприятную для возвращения или возрождения этого вида авангардизма. И вернуться и возродить это произошло в Нью-Йорке, особенно с Джаспером Джонсом в конце 50-х годов. Джонс, скорее, был одаренным и оригинальным художником, но лучшие его картины и барельефы остаются «легкими» и, конечно, второстепенными по сравнению с лучшими произведениями абстрактного экспрессионизма. Тем не менее, в контексте своего периода и в идее они выглядели одинаково «продвинутыми».И под прикрытием идеи Джона поп-арт смог войти и выдать себя как, возможно, еще более «продвинутый», не претендуя, однако, на достижение того же уровня качества, что и лучшие образцы абстрактного экспрессионизма. Художественная журналистика 60-х годов безоговорочно принимала «легкость» поп-арта, как если бы это не имело значения и как будто подобные вопросы устарели и устарели. Тем не менее, в конце концов, поп-арту не удалось избежать качественных сравнений, и он все больше страдает от них с каждым днем.

Его уязвимость для качественных сравнений — а не его «легкость» или второстепенное качество как таковое — это то, что многие молодые художники считают настоящим провалом поп-арта. Это то, что, по сути, пытается исправить «новаторское» искусство. (И это намерение, наряду с другими вещами, показывает, насколько «новизна» в искусстве проистекает из поп-арта по духу и мировоззрению.) Отступление к легкому от трудного заключается в том, чтобы более сознательно, агрессивно, экстравагантно маскироваться под масками сложно.Идея трудного — но простая идея, а не реальность или субстанция — должна использоваться против самой себя. Путем пробуждения этой идеи достигается вид продвинутого и в то же время преодолевается разница между добром и злом. Идея трудного вызывается рядом ящиков, простой палкой, грудой мусора, проектами циклопической ландшафтной архитектуры, планом траншеи, вырытой по прямой на сотни миль, на половину. -открытая дверь, по поперечному сечению горы, с указанием воображаемых отношений между реальными точками в реальных местах, с помощью глухой стены и т. д.Как если бы трудность сфокусировать предмет как искусство, или получить физический доступ к нему, или визуализировать его, была такой же, как трудность, которая связана с первым опытом успешно нового и глубоко оригинального произведения искусства. И как если бы эстетически внешняя, просто феноменальная или концептуальная трудность могла уменьшить разницу между хорошим и плохим в искусстве до такой степени, что она стала неактуальной. В этом контексте Млечный Путь можно было бы также назвать произведением искусства.

Проблема с Млечным путем в том, что как искусство он банален.Если смотреть строго как искусство, «возвышенное» обычно переворачивается и превращается в банальность.