homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Стиль Арт-Деко • История стиля Ар-Деко

Art-Deco

Стиль Арт-Деко представляет собой великолепную возможность сочетать почти невозможное – наслаждаться элегантностью и утонченной красотой вещного мира и одновременно демонстрировать почти неприличную буржуазную роскошь.

Обтекаемый, геометрический стиль впервые стал популярным в 20-30-е годы нашего века. Он характеризуется закругленными углами, четкими вертикальными линиями и вогнутыми формами. Источники Арт-Деко – рисунки кубистов, искусство американских индейцев, современный автомобильный и авиационный дизайн. Обычные материалы включают в себя экзотические сорта древесины, пластиковый ламинат, хром и нержавеющую сталь. Как художественное течение Арт Деко оформился в 1906-1912 годы и достиг расцвета между 1925 и 1935 годами.

Период выбран не случайно – это передышка Европы между двумя войнами, эпоха, характеризующаяся с одной стороны стремлением забыть об ужасах войны и стремлением эстетизировать мир, с другой стороны – это «пир до и после чумы», в котором чувствуется жажда и наслаждение жизнью вместе с пониманием ее непрочности и скоротечности.

Во времена Арт-Деко Европа открыла для себя джаз и Африку с их диким буйством форм и композиций и облекла это в оставшуюся от декаданса начала века европейскую утонченность. Гибрид превзошел все ожидания – родился Арт-Деко и заполонил собой все – музыку, архитектуру, дизайн помещения, моду…

В 1966 году, во время выставки в парижском Музee декоративных искусств вернулся интерес к стилю и тогда же сложилось его название. До этого Арт-Деко называли модерном с различными эпитетами, характеризующими частные особенности направления – «джазовый модерн», «обтекаемый модерн», шведский, голландский, итальянский, чешский, английский…

Перерыв в популярности Арт-Деко был вызван великой депрессией, когда стремление экономить на всем проникло в дизайн. Кульминацией направления Арт-Деко была Нью-йоркская всемирная выставка в 1939 году. После начала второй мировой войны мир изменился бесповоротно, и стиль Арт-Деко стал частью истории декоративно-прикладного искусства.

Арт Деко — стиль времени

Из многообразия стилей и направлений (модерн, авангард, конструктивизм, Арт Деко, модернизм) характерного для ХХ века проанализируем явление Арт Деко.

Арт Деко возник на основе различных течений в искусстве и дизайне 1900-х годов, таких как модерн, венский Сецессион, немецкий союз дизайнеров Веркбунд, русский конструктивизм и голландское движение «Де Стейл», а также модернистские достижения в живописи, такие как абстракционизм и кубизм. Термин «Арт Десо» происходит от названия Exposition Internationale des Art Decoratifs et Industriels Modernes — Международная выставка современных и декоративных искусств и ремесел 1925 года в Париже, на которой в полном объеме были представлены достижения декоративно-прикладных искусств того времени. Сам термин возник еще позднее — в 1966 году, во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts Decoratifs (Музее декоративных искусств).

Стиль Арт Деко особенно ярко проявление нашел в архитектуре и дизайне. Дизайнеры широко использовали и продолжают использовать идеи и средства Арт Деко в своем творческом репертуаре. Ностальгические тенденции в области дизайна периодически возрождают формы Арт Деко, чему способствует эффективность этого стиля при создании атмосферы «элегантности, роскоши и возбуждения», свойственной эпохе ретро. Оптимизм, экзотика, фантазия, театральность и вера в способность человека одерживать победу в любых условиях соединились, чтобы создать стиль немеркнущей привлекательности. Эта привлекательность сохранилась в условиях растущей механизации жизни.

Особенно широко в начале 1930-х годов приемы Арт Деко использовались в оформлении и меблировке интерьеров новых общественных и административных зданий (комбинат «Правда» и др.) и при проектировании станций московского метрополитена (1935-1943), павильоны их надземных вестибюлей, подземные центральные и перронные залы. Здесь стилевые признаки и приемы Арт Деко проявились особенно широко и разнообразно, включая использование скульптурной и живописной декорации.

Одним из источников вдохновения мастеров Арт Деко явились яркие краски и экзотические персидские и восточные мотивы балетных «Русских сезонов» Сергея Дягилева, которые своим «триумфальным шествием» с 1909 года по 1929 год покорили не только Париж, но и мир. Костюмы и декорации, созданные по эскизам Л. Бакста, А. Бенуа, Н. Гончаровой соперничали по своей яркости с картинами фовистов. Внезапно ярко-оранжевые, нежно-голубые, лимонно-желтые, ядовито-зеленые и др. не менее необычные цвета и оттенки вошли в моду в одежде, украшениях, появилось даже эстетическое течение «цвет ради цвета».

Арт Деко не избежал влияния еще важного явления в искусстве ХХ века — абстракционизма. Новации абстракционизма связывают в основном с заслугами Василия Кандинского, который жил и работал в Мюнхене с 1896 по 1914 год. Постепенно удаляя сюжет из своих картин, художник добился того, что они приобрели вид полной абстракции.

Это также творчество Казимира Малевича, который явился основателем супрематизма, упростивший изображение до наложения одного белого квадрата на другой. Стиль конструктивизм оказал значительное влияние на искусство Запада. Конструктивизм базировался на убеждении, что искусство должно было служить социальным целям и что оно являлось отражением скорее личного, чем общественного опыта. Художники конструктивисты создавали работы, напоминавшие детали механизмов, составленные из геометрических форм и оказали влияние на графику Арт Деко.

В целом, стиль Арт Деко явился результатом смешения множества новаций, развивавшихся в этот период почти одновременно. В художественном смысле также заметное влияние на Арт Деко оказал кубизм, особенно его способ расчленения предметов и анализа их геометрических составляющих. Кубистское видение предметов появляется в работах Пабло Пикассо и Жоржа Брака примерно в 1908-1909 годах. Глубокое влияние на Арт Деко оказала манера обращения кубистов с плоскостями и их техника использования цвета.

Ещё один итальянский художник Амадео Модельяни оказал влияние на развитие Арт Деко. Талантливый живописец и скульптор, он изображал живые, преимущественно женские формы, намеренно растягивая пропорции тела и черты лица, что явилось прообразом элегантной стилизации, свойственной Арт Деко.

В живописи, среди картин межвоенного периода чистый стиль Арт Деко выделить очень трудно. Большинство художников использовали технику, заимствованную у кубистов. Живопись Арт Деко не входила в число авангардных художественных направлений, более того, не носила прикладной характер, призванный соответствовать основополагающим принципам декорирования.

Типичным Арт Деко считают живопись Тамары де Лемпицки, родившейся в Польше, в творчестве которой преобладают модные портреты и эротическая обнаженная женская натура. За время жизни в Париже она как портретист достигла большого успеха в модных кругах. Дать определение техники письма де Лемпицкой можно, применив в веку машин ее собственное утверждение о том, что художник «не должен забывать о точности. Картина должна быть чистой и аккуратной».

Скульптуру Арт Деко можно разделить на две большие группы: на работы массового производства для внутреннего рынка и произведения «изящного искусства». Созданные художниками и скульпторами авангардного направления того периода, качественная скульптура и недорогая продукция массового потребления шли рука об руку — мрамор и бронза существовали рядом с пластиком и сувенирами из керамики. В области скульптуры стиль Арт Деко проявлял себя повсюду, от высокого искусства до китча.

С развитием рекламы в двадцатые годы занятие коммерческим искусством впервые стало полноценной профессией. Средств массовой коммуникации до начала 1920-х годов еще не существовало, не было многоцветной печатной рекламы. Газеты и журналы печатались преимущественно в черно-белом варианте, а цветной литографический плакат был для того времени самым мощным из существовавших средств коммерческой рекламы. Тогда реклама шла в ногу с развитием техники, используя новейшие технологии для выражения таких примет времени, как «скорость, сложность и урбанизация».

В период Арт Деко произошло второе рождение искусства книжного переплета. Прогресс в типографском деле, и особенно разработка модернистского шрифта «сансериф», также способствовали осовремениванию книжных переплетов. Десятилетием раньше русские конструктивисты были первыми, кто включил шрифт в число абстрактных элементов дизайна. Выверенную угловатость и геометричность шрифтов «футура» и «бродвей» можно считать типичными признаками стиля Арт Деко. Геометрические формы самих литер, избавленные теперь от пресловутых росчерков и завитков стали неотъемлемой частью дизайна нового поколения переплетов, упор делался на строгость и простоту стиля, основанного на обтекаемости, геометричности, многоцветности и современности шрифтов как составного элемента дизайна.

Архитекторы — приверженцы Арт Деко, обычно не знали, что «работают» в этом стиле, потому заимствования в их кругу обычно имели неконцептуально-целенаправленный, а традиционно-профессиональный — «увражный» характер, подобно ознакомлению и использованию готовых форм в ходе разработки проектов в исторических стилях, например в ордерной классике или в готике (даже в меньшей степени осознанно, чем в Арт Нуво — модерне, где освоение чужеродных форм «своего» стиля было концептуальным, знаковым).

Мастера Арт Деко изучали и тонко использовали выразительные возможности, цвет и фактуру различных материалов, стекла, пластмасс. Демонстративная современность Арт Деко проявилась в частой обтекаемости форм («стрим-лайн»). Внешне близкие к Арт Нуво и архитектуре современного движения эти линии отличны от тех и других. Обтекаемые линии произведений Арт Деко подражают динамичным формам транспортных устройств: автомобилей, кораблей, самолетов, но роль этих форм не функциональна, а чисто изобразительна, «семиотична» как знак принадлежности к «современному миру машин», рассматриваемому как среда будущего. Не случайно Арт Деко активно использовался в архитектуре кинотеатров и в декорациях для фильмов с картинами будущего и фантастики.

Подобно архитектуре современного движения Арт Деко видел себя интернациональным стилевым движением, не связанным с конкретными национальными традициями, и это оказалось созвучным настроениям советских архитекторов-новаторов, хотя впоследствии рядом исследователей Арт Деко стал восприниматься — без достаточного основания — как явление чисто американское («стиль небоскребов»).

Формы этих новых зданий, возводившихся в конце 1920-х в начале 1930-х годов, по сей день являются наиболее замечательным наследием Арт Деко. До сих пор продолжают строить небоскребы по образу и подобию Крайслер-билдинг.

Технические средства для строительства высотных зданий — стальные конструкции и железобетон — к моменту появления небоскребов в стиле Арт Деко уже были хорошо освоены, «стильность» Арт Деко придавали ступенчатые силуэты и неконструктивные декоративные элементы, а совсем не высота, новые материалы и технологии.

Советский Арт Деко, сформировавшееся в конце 1920-х годов, явился сложным конгломератом форм, включая мотивы позднего русского модерна, архитектуры американских небоскребов и приемы отечественного конструктивизма. Наиболее ярко московский вариант Арт Деко проявился в работах В.А. Щуко, И.А. Фомина, Л.В. Руднева, Б.М. Иофана, Д.Ф. Фридмана, П.А. Голосова.

Особенно широко в начале 1930-х годов приемы Арт Деко использовались в оформлении и меблировке интерьеров новых общественных и административных зданий (дом СТО в Охотном ряду, комбинат «Правда» и др.).

Именно этот стилевой подход характеризовал также советские павильоны на Всемирных выставках 1937 г. в Париже и 1939 г. В Нью-Йорке (оба по проектам Б.М. Иофана, основного автора Дворца Советов, а второй с участием К.С. Алабяна, чей, совместно с В.М. Симбирцевым театр Красной Армии несомненно связан с Арт Деко) и многие постройки Всесоюзной сельскохозяйственной выставки в Москве (1930), где приемы Арт Деко оригинально переплетались с национальными архитектурными и декоративно-орнаментальными мотивами.

Арт-Деко в моде

Анатоль Франс как-то обмолвился, что, доведись ему воскреснуть через сто лет, он первым делом заглянул бы в дамский журнал мод, чтобы понять, что происходит в обществе. Ведь только по длине дамских юбок знающий человек может судить о степени процветания экономики.

Замечено, что в эпоху индустриального подъема в моду входят мини-юбки, открытые фасоны одежды, спортивность. Женская красота предполагает здоровье, румянец, подвижность. Так было в 1920-е годы, когда Коко Шанель ввела в моду загар и легкие костюмы из джерси, а Елена Рубинштейн — яркие тона в макияже, а затем в 1960-е, когда благодаря Мэри Куант подол вновь стал предельно коротким.

Напротив, в периоды депрессий юбки стремительно удлиняются, одежда становится закрытой, как бы защищая хозяйку от жизненных передряг. Модный типаж — болезненная изможденная дама, эффектная бледность на лице, покорность, пассивность; это 1930-е и особенно 1990-е годы, давшие поколение «концлагерных» моделей во главе с Кейт Мосс.

В конце XIX века подобным универсализмом обладал стиль ар нуво: знаменитые изогнутые линии господствовали решительно во всех жанрах. Текучий силуэт платьев Поля Пуаре рифмуется с ракушечными завитками в дизайне домов Гауди и с растительными мотивами ювелирных украшений Рене Лалика. Пышные естественные изгибы женской фигуры, волнистые складки тканей становятся символом сценического искусства самой известной танцовщицы того периода Лои Фуллер. Особенно явно видны стилистические соответствия, когда предметы одной эпохи бывают собраны вместе, причем не обязательно ретроспективно, в музее. Для современников в 1900 году Всемирная выставка в Париже демонстрировала триумф ар нуво во всех областях, а Лои Фуллер танцевала там в специальном павильоне со световыми эффектами

Мода в 20-х годах переживает радикальное обновление, и стиль арт-деко играет здесь не последнюю роль. Освобождение женской фигуры от корсета было обусловлено многими факторами. Первый шаг в этом направлении сделали деятели балета, такие как Айседора Дункан и Дягилев, который привез в Париж русскую труппу. Она поразила воображение французов не только мастерством танца, но и необычными костюмами по эскизам художника Бакста, использовавшего античные, восточные и половецкие мотивы. В моду входят яркие цвета, не характерные для модерна – оранжевый, алый, лиловый, ярко-желтый.

В дягилевских постановках в полной мере реализуется и еще одно свойство, присущее как Арт Нуво, так и Арт Деко — экзотизм. Бакстовские костюмы к «Саломее» (1908), «Клеопатре» (1909), «Шехерезаде» (1910), «Жар-птице» (1910-1913) трактованы как сложнейшие, почти ювелирные, произведения. Одетые в них герои смотрятся в пространстве сцены как сверкающие драгоценные камни и броши. Собственно, они входят в такое взаимодействие с целым, как и эффективные пятна орнаментов в монументальных постройках Арт Деко. В этом явно прочитывается знамение нового стиля. В 1912 году зрители увидели «Послеполуденный отдых фавна» Клода Дебюсси с декорациями Льва Бакста и с главным исполнителем и хореографом Вацлавом Нижинским.

На следующий год сенсацией стала постановка «Весны священной», возвестившая приход эпохи современной музыки, поражающей новизной рваных ритмов, диссонансов и примитивизма произведений Игоря Стравинского. Кроме знакомства парижан с современной музыкой, «Русские сезоны» многое сделали для ознакомления их с новейшими художественными течениями. С. Дягилев привлекал к своим постановкам многих художников — авангардистов, включая Наталью Гончарову, Анри Матисса, Пабло Пикассо, Андре Дерена, Мари Лорансен, Робера Делоне и других, которые занимались созданием костюмов и декораций для его постановок. Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, которые в своем творчестве использовали изобразительные мотивы иконописи и детского рисунка, прибавив к нему «лучизм», основанный на узорах пересечения и рассеивания лучей света, стали еще одним существенным влиянием на новый стиль.

Частично под влиянием дягилевских гастролей художник Поль Пуаре создает в 1913 году новаторскую коллекцию, в основе которой – платье-туника без корсета с естественным силуэтом. Модели Пуаре очень декоративны и выразительны по цвету, в отличие от блеклых костюмов в стиле модерн.

Упрощение женской одежды, начатое во время Первой Мировой, когда дамы, заменив ушедших на фронт мужчин, активно вовлекаются в социальную жизнь, соответствует геометричности форм арт-деко. Поскольку наличие турнюра и корсета значительно осложнило бы жизнь работающей женщины, возникает необходимость в практичном и удобном костюме, не стесняющем движений. Платья укорачиваются, становятся шире и свободнее, маскируя естественные очертания тела.

Мода и искусство начала 20-го века ориентированы на функциональность и целесообразность. Новый стиль носит название конструктивизм и характеризуется простотой и геометричностью форм, в чем-то повторяя архитектурный стиль арт-деко. Представление о красоте резко меняется: идеальная женщина теперь несколько напоминает юношу. В целом наблюдается сближение мужского и женского облика: эталонная девушка обязана быть спортивной, стройной, загорелой и подвижной. Пышные формы нежелательны – в моде проскогрудость и узкобедрость (те, кому «не повезло» срочно садятся на диету, начинают заниматься спортом или просто создают нужный силуэт с помощью бандажа). Замысловатые и сложные прически уступают место короткой гладкой стрижке «гарсон». Женственность проявляется в ярком маникюре и макияже (с акцентом на глаза и губы), ухоженных блестящих волосах.

Влияние абстрактной живописи отразилось и на силуэте одежды, который теперь четко геометричен и вписан в куб или прямоугольник. Линия талии занижена, юбка открывает колени, платье висит свободно, не подчеркивая фигуру. Орнамент тоже под стать – квадратики, линии, кружочки, штрихи. В дамском костюме появляются традиционно мужские детали и аксессуары, вроде галстуков.

Из-за того, что ноги, впервые в истории, открыты для обозрения, их красота приобретает большое значение. Особое внимание уделяется чулкам – в моде телесные, розовые, песочные и серые оттенки, обязательно с глянцевым блеском.

Популярны легкие и практичные ткани: полотно, газ, крепдешин, шелковый и шерстяной трикотаж, сукно. В связи с демократизацией моды возникает спрос на бижутерию: искусственный жемчуг, сусальное золото, стразы, стеклянные бусы и прочие украшения, доступные широким женским массам.

Для пропаганды экзотического и красочного стиля Арт Деко, начало которому было положено «Русскими сезонами», многое сделал знаменитый парижский кутюрье Поль Пуаре, ставший на долгие годы законодателем мод. Модели Поля Пуаре утверждали идеальный образ богатой и модно одетой современной женщины. П. Пуаре «революционным» образом изменил моду: он уничтожил корсет, и тем самым силуэт его моделей сделался прямым и более естественным. Это было первое, еще робкое по сравнению с тем, что произойдет после первой мировой войны, но уже явное ее освобождение. Одев прямые и свободные платья-туники, с ярким декоративным рисунком, женщина и в поведении стала более прямой и естественной, менее жеманной и вычурной.

В 1911 г. П.Пуаре открывает ателье «Мартин», в котором совсем необученные молодые девушки создавали рисунки для тканей, мебели, обоев. Такой необычный метод дал рождение произведениям, полным свежести и живости восприятия, а недостаток технических знаний компенсировался хорошо обученными мастерами, переводившими рисунки девушек на ткани, лишь слегка подправляя их. Из ателье «Мартин» выходили обои, стенные панно, ткани, сплошь покрытые огромными яркими цветами. Так, цветы (особенно розы, георгины, маргаритки, цинии), очень декоративные и бесконечно далекие от природных (настоящих), становятся любимой темой складывающегося Art deco.

20-е годы выдвигают целую плеяду женщин-кутюрье; их произведения на Выставке 1925 г. демонстрировались в Павильоне «Элеганс». Это Мадлен Вьонне, мадам Пакин, сестры Калло, Жанна Ланвен, Эльза Скьяпарелли (сейчас это имена самых престижных фирм в мире моды) и, конечно, Габриэль Шанель.

По поводу Шанель писали: «Она ввела в моду посетителей Отеля Риц вязаную куртку апаша, сделала элегантными воротничок и манжеты горничной, использовала шейный платок землекопа и одела королев в комбинезоны механиков». Она упростила флакон духов так же, как сделала это с линией костюма, ввела образ «la garconne». Шанель была знакома со И. Стравинским и П. Пикассо, делала костюмы для «Антигоны» Ж. Кокто, поддерживала деньгами труппу С. Дягилева, к ней, действительно, можно отнести все характеристики женщины той эпохи.

Art Deco: секрет стиля | Журнал ПАРТНЕР

Ваш партнёр в Германии

Русский | Deutsch

Вход

Логин

 При помощи аккаунта в соцсетях

•  Жизнь в Германии
•  Едем в Германию
•  Новости
•  Воспоминания
•  Каталог сайтов
•  Знакомства
•  Досуг

Все выпускиг. 2023г. 2022г. 2021г. 2020г. 2019г. 2018г. 2017г. 2016г. 2015г. 2014г. 2013г. 2012г. 2011г. 2010г. 2009г. 2008г. 2007г. 2006г. 2005г. 2004г. 2003г. 2002г. 2001г. 2000

ПАРТНЕР № 12 (267)ПАРТНЕР № 11 (266)ПАРТНЕР № 10 (265)ПАРТНЕР № 9 (264)ПАРТНЕР № 8 (263)ПАРТНЕР № 7 (262)ПАРТНЕР № 6 (261)ПАРТНЕР № 5 (260)ПАРТНЕР № 4 (259)ПАРТНЕР № 3 (258)ПАРТНЕР № 2 (257)ПАРТНЕР № 1 (256)

• Политика
  • Постсоветское пространство
  • Германия
  • Европейский Союз
  • Мир
• Работа
  • Трудовое законодательство
• Семья
  • Воспитание детей
• Образование
  • Высшее образование
• Общество
  • Полезная информация
  • Люди и судьбы
  • Государство и личность
• Техника и наука
  • Гипотезы и взгляды
• Здоровье
  • Знать свой организм
  • Медицинское законодательство
  • Болезни
• История
  • Люди, вошедшие в историю
  • Памятные даты
  • Неизвестное об известном
• Культура
  • Новости культуры
  • Деятели культуры
  • Литература
  • В мире музыки
• Путешествия
  • Путешествия вне Европы
• Досуг
  • Спорт

Полистать журнал  |  Версия для печати

Культура >> Новости культуры

«Партнер» №8 (263) 2019г.

Маяковский, рассматривая в Америке в 1925 году нью-йоркские небоскребы, задиристо констатировал: «Это славные достижения современной инженерии. Прошлое не знало ничего подобного! Трудолюбивые ремесленники Возрождения никогда не мечтали о таких высоких сооружениях, качающихся на ветру и бросающих вызов закону тяготения. Пятьюдесятью этажами они шагают в небо, и они должны быть чистыми, стремительными, совершенными и современными, как динамо. Но американский строитель, лишь наполовину сознающий, какое чудо он создал, разбрасывает на небоскребах одряхлевшие и никчемные здесь готические и византийские орнаменты. Зачем? Это вроде как привязать к экскаватору розовые бантики или посадить целлулоидных «пупсиков» на паровоз. Это, может быть, и прелестно, но это не искусство. Это не искусство индустриального века».

 

Поэт, конечно, был не одинок в своих представлениях, однако миллионы людей сегодня любуются именно этой чистотой форм с причудливым, «неуместным» орнаментом в произведениях искусства, архитектуры и дизайна того самого «индустриального века»!

Американский дизайн возник позже европейского. Америка к 1919 году была еще «дизайнерской провинцией» и, хотя в то время имела самую передовую индустрию, но не имела культуры, соответствующей «индустриальному веку». История перенесения дизайна из Европы в Америку, а потом обратно, из Америки в Европу, очень интересна, но нас интересует сюжетная линия, связанная с Ар деко.

 

К концу ХIХ века в творчестве и сознании европейских мастеров искусств произошел решительный поворот к модернизму – это был ответ тому тягостному, беспокойному времени, в котором они жили. Почти одновременно, с разницей, может быть, в несколько лет, появляются различные течения и направления в искусстве, архитектуре и дизайне: ар нуво во Франции, «Сецессион» в Австрии, югендстиль и «Баухауз» в Германии, супрематизм и конструктивизм в России, футуризм в Италии, дадаизм в Швейцарии… Во всех случаях речь идет об одном художественном движении, объединенном общим названием «модернизм». Модернисты в своем художественном творчестве вытеснили человека из «центра мира» и взяли курс на тотальное новаторство, на «самоценное и самодовлеющее новое». Но и они, хитрецы, всё-таки вкрапливали в свои произведения художественные элементы старой школы, классического искусства.

Развивался модернизм во всех направлениях и стилях очень бурно, и в 1925 году Франция устроила выставку художественной промышленности – Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriales Modernes, которая подвела первые итоги развития новой эстетики в культуре послевоенной Европы. Там были представлены достижения архитектуры, дизайна декоративно-прикладных искусств того времени – повод для национальной гордости и успеха, что тут скажешь.

 

Подавляющее число экспонатов символизировало примирение нового искусства и индустрии. На первое место вышла функциональность, а декоративный элемент отодвинулся на второй план. Функциональность зданий, мостов, мебели, светильников, дизайна помещений и даже уличных фонарей. Потом уже объекты декорировались – неожиданно и дерзко, в меру понимания художниками Великой Красоты. Причем применялись натуральные материалы – металл, стекло, кожа, дерево, то есть всё, что выпускалось в массовом производстве.

 

Так появились прекрасные здания строгих форм с кружевными балкончикам и оградами из металла, «венские» стулья, абажуры из цветных стеклышек, стулья Чарльза Макинтоша и многие проекты, в которых использовался принцип так называемой функциональной Красоты. Это был новый стиль, в основе которого была простота и геометрическая выверенность форм в сочетании с оригинальной и даже помпезной отделкой. Этот же принцип применялся в произведениях живописи и скульптуры (Климт, Макинтош, Муха, Кокошка и другие). Стиль этот был необычным, иногда забавным, но производил сильное впечатление. Эффект выставки был космический.

 

Новый «функциональный» стиль был осознан. А как насчет названия? Принято считать, что стиль «Ар деко» получил свое имя от названия этой выставки. За точность ручаться не могу – подобной информации найти не удалось. Но это всё тот же «модерн», хотя в 20-е годы, когда «сошедшая с ума» Европа танцевала до упаду под звуки джаза, к стилю приклеились названия «джазовый модерн», «зигзаг-модерн», «стиль звезд».

Но это всего лишь налет времени, «уличный сленг» в искусстве. В «Оксфордском словаре по искусству» (издание 1988 года) четко написано: «Ар Деко – самый модный стиль дизайна и оформления интерьеров 1920-х и 1930-х в Европе и в США». Заметьте, написано в 1988 году. А в серьезных изданиях тридцатых годов название звучит иначе – «стиль декоративного искусства». Так что…

 

Это определение стиля точнее. Художественные изделия декорировались обильно, а их формы вызывают ассоциации с Египтом, Африкой или Китаем. То есть стиль украшенной и украшающей вещи. Декор покрывал поверхности стен зданий и мебели, ткани и предметы быта, женские платья и посуду. Даже ювелиры предпочитали экзотику в сочетании с новизной форм. Рене Лалик, известный французский ювелир эпохи «ар нуво», прославился флаконами для духов, талисманами для авто, вазами, часами и другими стильными вещами. Интерьеры ресторанов, кинозалов, казино тоже оформлялись в стиле Ар деко. Он создавал иллюзию благополучия и был символом новой послевоенной жизни.

 

Естественно, европейский стиль был элитным. Потому и «стиль звезд», переименованный впоследствии в Штатах в «голливудский стиль». Общедоступным его сделала Америка. Она заимствовала его в Европе, вывезла оттуда и привила этот саженец в крону своей культуры. Америке не нужно было перенимать технику – в техническом отношении она была впереди. Но одно дело индустрия, а другое – индустриальная культура и искусство: из самой техники они не вырастают.

 

Время, когда это случилось, можно указать точно: 1925 год, та самая знаменитая Парижская выставка. В Париже можно было увидеть специальный павильон Ле Корбюзье с функциональной мебелью, выполненной им совместно с Шарлоттой Перриан, проекты автомобилей, павильон Баухауза, где были работы Вальтера Гроппиуса и его учеников, а также павильон СССР, сооруженный по проекту архитектора К. Мельникова, в котором были представлены интерьеры, мебель и другие работы А. Родченко.

 

Ни Корбюзье, ни Гроппиус, ни Родченко, ни Мельников, занимаясь дизайном, не думали, конечно, о торговле. Но именно о ней размышляли на Парижской выставке американцы. Среди них был и Норман Геддес, проектировщик, коему суждено было стать пионером американского дизайна. Вдохновленный примером европейцев, он сумел решить одну из труднейших проблем – проблему эстетического освоения новых индустриальных форм (самолетов, поездов, автомобилей, дизайна интерьеров и мебели).

 

В 1927 году в США возникла первая профессиональная дизайнерская фирма Уолтера Тига. Сколько бы эта фирма продержалась одиночкой, неизвестно, если бы не «Великая депрессия» 1929 года. Промышленность бедствовала, и создавались фирмы и компании, занимавшиеся чем угодно, и эти годы считаются временем рождения американского дизайна. А Нью-Йорк, бывший в начале 20-х годов «дизайнерской провинцией», пережив страшный спад, а затем мощный подъем экономики своей страны, в пятидесятые годы стал столицей дизайна. Собственно, сам дизайн, использовав всё лучшее и интересное, что было в европейском модернизме, в конце концов стал в американской жизни явлением специфическим, с которым буквально до сегодняшнего дня имеет дело Европа, куда «слегка подреставрированный» модернизм вернулся после Второй мировой войны; да что там Европа – пожалуй, весь мир!

 

Теперь о секрете стиля. Он в термине «Ар деко» (Art Deco), который появился в 1966 году во время возрождения выставки в парижском Musee des Arts decoratifs de Paris (Музей декоративного искусства в Лувре, Париж). Эта выставка, пользовавшаяся небывалым успехом не только у французов, возвестила о возрождении интереса у людей к декоративным искусствам и дизайну 20х-30х годов – периода, когда все эти искусства процветали под общим названием «модерн».

 

Анатолий Сигалов (Ульм)

 

Читайтетакже:

1. Модерн» и море, Ницца. Журнал «Партнёр», № 11 / 2006. Автор А.Сигалов
2. Сезанн – прорыв в модерн. Журнал «Партнёр», № 11 / 2004. Автор А. Сигалов
3. Ах, венская «прекрасная эпоха»! Журнал «Партнёр», № 7 / 2009. Автор Г. Цесарская

| №8 (263) 2019г. | Прочтено: 153 | Автор: Сигалов А. |

Мне понравилось?

(Проголосовало: 0)

Поделиться:

‘+item.data.text+’

‘+ ‘

‘+item.data.date+’ ‘+ ‘ | ‘+ ‘

‘+ ‘

‘+ »+ ‘

‘+ ‘

‘+ ‘

‘+ ‘

‘ + ‘ ‘+ »; return out; }

История ар-нуво и ар-деко

Движение искусств и ремесел

Движение искусств и ремесел, предшествовавшее модерну, было сосредоточено на ручном мастерстве в декоративно-прикладном искусстве и олицетворялось влиятельным дизайнером текстиля Уильямом Моррисом.

В стиле ар-нуво стиль предмета не предопределен и не навязан, а развивается органически в процессе создания, идея, полученная от шотландского архитектора Чарльза Ренни Макинтоша.

Макинтош считал, что стиль зависит от функциональности, а структуры должны строиться изнутри наружу. Одно из его самых известных зданий — Школа искусств Глазго, построенная в 1919 году.10.

Ар-нуво был принят архитекторами благодаря использованию кривых, железа и стекла в дизайне. Результатом стали здания, подобные извилистому, органичному Дому Баттло Антонио Гауди в Барселоне, Испания, построенному в 1906 году. Австрийский художник Густав Климт использовал свои абстрактные узоры, характерные для вьющихся растений, в качестве фона для фигуративных картин. Иллюстратор Обри Бердслей привнес стиль ар-нуво в дизайн книг, проиллюстрировав книгу сэра Томаса Мэллори «9».0015 La Mort d’Arthur и работает художественным редактором популярного журнала Yellow Book в Англии.

Плакаты были основным средством распространения стиля модерн. Образы знойных и гламурных женщин, созданные чешским художником Альфонсом Мухой, захватили воображение публики. Его плакат 1894 года Gismonda , созданный для артистки Сары Бернар, принес ему первый огромный успех.

В стиле модерн представлены дизайнеры предметов, а не скульпторы. Самым известным является Луи Комфорт Тиффани, бывший художник, который создавал предметы декора для своих состоятельных клиентов.

Главным нововведением Тиффани были витражи, которые сыграли решающую роль в дизайне его самого известного изделия — лампы Тиффани. Тиффани также известен своими украшениями, шкатулками, часами и гончарными изделиями. Клара Дрисколл, работавшая в Tiffany с 1888 по 1909 год, разработала большинство самых известных ламп Tiffany, а также многие другие предметы для компании.

Французский производитель ваз Эмели Галле вместе с скульптором по бронзе Луи Мажорелем основал влиятельную «Школу Нанси» в своем родном городе Нанси, Франция, чтобы собрать мастеров ар-нуво в различных дисциплинах, таких как дизайн мебели и изготовление ювелирных изделий.

К концу Первой мировой войны ар-нуво как сила в мире искусства рассеялся. Его место заняли модернистские движения, в первую очередь ар-деко.

Знакомство с ар-деко

Ар-деко было объявлено миру на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства в Париже в 1925 году не как новое движение, а как движение, которое разрабатывалось более десяти лет.

Экспозиция представляла собой зрелище в стиле Всемирной выставки, длившееся шесть месяцев и занимавшее 57 акров в Париже. В следующем году популярное шоу, основанное на экспозиции, гастролировало по США.

В 1927 году в универмаге Macy’s прошла влиятельная выставка в стиле ар-деко, на которой были представлены работы восьми архитекторов, в том числе Рэймонда М. Худа, главного дизайнера Рокфеллеровского центра, и Джозефа Урбана, сценографа и архитектора Мар-А-Лаго в Палм-Бич, Флорида.

Покрывала в стиле ар-деко

Возникновение стиля ар-деко совпало с борьбой за возведение небоскребов, и его влияние ощущается по всей Америке.

Крайслер-билдинг, спроектированный в 1928 году, считается одним из самых знаковых и самых вездесущих примеров. Работа архитектора Уильяма Ван Алена, его шпиль из нержавеющей стали с зубчатым основанием делают его мгновенно узнаваемым.

Арт-деко был выбором дизайна для кинотеатров той эпохи, таких как Египетский театр Граумана в Лос-Анджелесе и Radio City Music Hall в Нью-Йорке.

Ар-деко также был руководящим принципом стильного транспорта, такого как автомобили Bugatti Type 57SC Atlantic, поезда, такие как 20th Century Limited Генри Дрейфуса, и роскошные лайнеры, такие как Queen Mary.

Ар-деко проник в личную жизнь людей своим влиянием на обстановку и предметы декора. Дизайнерские работы Эмиля-Жака Рульмана в мебели, Жана Беснара в керамике, Рене Лалика в стекле, Альбера-Армана Рато в металле, Жоржа Фуке в ювелирных изделиях и Сержа Гладки в текстиле — это лишь некоторые из них, которые оказали большое и продолжительное влияние.

Образы ар-деко

В изобразительном искусстве ар-деко способствовал утонченной чувственности. Французский художник Жан Дюпа известен своими фресками и печатной рекламой. Его знаменитые Les Perruches были показаны на выставке 1925 года. Польская художница Тамара де Лемпицка была известна своими портретами богатых и знаменитых.

Как и ар-нуво, графика сыграла решающую роль в внедрении ар-деко в общественное воображение и определении связанной с ним культуры. Шарль Гесмар наиболее известен своими плакатами с изображением французского артиста Мистингетта, которые придали индивидуальность эпохе джаза. Плакаты французского художника Поля Колина с изображением Жозефины Бейкер стали главным фактором в начале карьеры Бейкер. Жан Карлу черпал вдохновение в кубизме и прославился своим плакатом к фильму Чарли Чаплина «19 лет».21 фильм Малыш .

Стиль ар-деко также повлиял на отношение публики к путешествиям. Украинский художник Кассандр специализировался на транспортных плакатах, в первую очередь на своем плакате 1935 года с изображением французского круизного лайнера Normandie , а также известен своими отличительными рекламными работами.

Животные были популярной темой среди художников ар-деко. Картины и скульптуры Поля Жува посвящены африканским животным. Знаменитая бронзовая статуя белого медведя скульптора Франсуа Помпона дебютировала на 19-й25 выставка.

Скульптура в стиле ар-деко

Скульптура в стиле ар-деко часто находится на виду у публики. Самая известная работа Пола Мэншипа « Прометей » 1933 года покоится в фонтане Рокфеллер-центра. Итало-бразильский скульптор Виктор Брешере прославился своим памятником бандерас в парке Ибирапуэра в Сан-Паулу, Бразилия, строительство которого было начато в 1921 году и завершено в 1954 году. Искупитель 9Скульптура 0016 на вершине горы Корковадо высотой 2300 футов в Рио-де-Жанейро, Бразилия, была разработана французским скульптором Полом Ландовски, а лицо — румынским скульптором Георге Леонидой. Статуя была завершена в 1931 году, и ее можно увидеть практически из любой точки города.

Американский скульптор Ли Лори — один из самых известных и малоизвестных художников в стиле ар-деко. Его работы украшают здания по всей территории Соединенных Штатов — Национальную академию наук в Вашингтоне, округ Колумбия, Публичную библиотеку Лос-Анджелеса, Дом штата Небраска, Рокфеллеровский центр в Нью-Йорке и многие другие места.

Федеральному художественному проекту Управления прогресса работ (WPA) также приписывают распространение формы ар-деко в Соединенных Штатах с такими художниками, как Роквелл Кент, Диего Ривера и Реджинальд Марш.

Ар-деко Уэйнс

Арт-деко часто соответствовал вкусам богатых. Крах фондового рынка 1929 года переориентировал движение в сторону массового производства.

К началу 1930-х годов обновленный ар-деко под названием Streamline Moderne (или Art Moderne) утвердился в Америке, упростив дизайн и в архитектуре сосредоточив внимание на одноэтажных структурах для лучшего обслуживания более общих потребностей зданий, таких как заправочные станции и закусочные. Ко Второй мировой войне ар-деко и модерн потеряли популярность и были в значительной степени заменены модернизмом.

Источники

Современное искусство: от импрессионизма до постмодернизма. Под редакцией Дэвида Бритта.
Югендстиль. Жан Лахор.
Дух и великолепие ар-деко. Ален Лесьетр.
Ар-деко. Виктор Арвас.
Французский ар-деко. Метрополитен-музей.

Краткая история фигурок в стиле ар-деко

ВЕРНУТЬСЯ НАЗАД

Соответствующие категории: Арт-деко, Бронза

Май
19
2021

Чтобы просмотреть наш ассортимент бронзы в стиле ар-деко, нажмите здесь

(Фото вверху — Статуэтка из серебряной бронзы в стиле ар-деко работы Макса Леверье) 

Статуэтки в стиле ар-деко стали популярными из-за их невероятного чувства эстетики. Многие люди обращаются к этим скульптурам, чтобы украсить свой дом или офис. Но что такое ар-деко и откуда оно взялось?

Ар-деко или стиль Модерн — направление в архитектуре или декоративно-прикладном искусстве, популярное в 1920-х и 1930-х годах. Это стало результатом международной художественной выставки, проходившей во Франции в 1925. Здесь экспонаты отражают стиль художественного декора, который уже прижился в Брюсселе и Париже перед Первой мировой войной. Вскоре потребительский дух пронесся по всему земному шару от Западной Европы до Соединенных Штатов. Люди начали покупать радиоприемники, фильмы и транспортные средства в качестве коммунальных услуг и предметов досуга. Арт-деко, декоративный стиль, выходящий за рамки изготовления мебели, архитектуры, декоративно-прикладного искусства и т. д., вскоре стал отражать тот же дух.

(На фото выше — бронзовая танцовщица в стиле ар-деко, фигурка девушки-лампы, обелиск Clarte Biba Light ) 

Арт-деко — это не просто стиль ведения дел. Наоборот, это слияние разных и несколько противоречивых типов для создания наилучшего возможного предмета. Это привело к созданию некоторых из самых знаковых зданий по всему миру.

(На фото вверху — бронзовая аристократическая борзая в стиле ар-деко. Подпись Poertzel) 

Скульптура в стиле ар-деко была работой не одного художника, а нескольких художников, работающих по отдельности, чтобы определить уникальный стиль. Основным источником вдохновения были зарождающиеся художественные движения начала 20 века, такие как сюрреализм, дадаизм, футуризм, кубизм, фовизм и Баухаус, для создания великих произведений искусства. Ниже приведены некоторые из самых известных скульпторов той эпохи:

(Фото вверху — бронзовое литье в стиле ар-деко, созданное Чипарусом) . Он придумал уникальные скульптуры в стиле реализма, сочетая слоновую кость и бронзу, создавая неповторимый эстетический эффект, называемый хризелефантином. Его самые распространенные фигурки в стиле ар-деко изображают стройных танцовщиц французского театра и русского балета. Одна из его самых знаковых фигурок — «Танцовщица на ринге», вдохновленная Зулой де Бонча, танцовщицей парижского «Фоли-Бержер». У него был большой интерес к египтологии, что проявляется в большинстве его скульптур.

2. Йозеф Лоренцль

Йозеф Лоренцль (с сентября 1892 г. по 15 августа 1950 г.) был австрийским скульптором, который жил одновременно как Деметре Чипарус. Он был талантлив в своей работе, создавая скульптуры, олицетворяющие эпоху ар-деко. Лоренцль, как и Чипарус, черпал вдохновение в женской танцевальной форме, создавая фигурки, олицетворявшие женскую жизненную силу и красоту. В большинстве его бронз вы заметите стройных танцоров с закрытыми глазами и длинными элегантными конечностями. Большинство его статуэток стоят на постаментах из зеленого оникса из Бразилии.

Заключение

 

 

Стиль ар-деко всегда привлекателен, будь то архитектура, скульптура или живопись. С тех пор в 1980-х годах к ней возобновился интерес, особенно к рекламе моды и ювелирных изделий. Сегодня он остается популярным среди людей, которые ищут статуэтки в стиле ар-деко для украшения своих домов и офисов.