Эпоха Возрождения | 10 известных художников и их шедевры
На чтение 11 мин. Просмотров 21.3k. Опубликовано
Эпоха Возрождения или Ренессанс, датируемая 14-17 веками, была периодом истории Европы, в котором происходило большое культурное развитие. Слово «Ренессанс» означает «перерождение», и этот период назван так, потому что он был отмечен возобновлением интереса к древней греко-римской культуре. Он начался в Италии и распространился по всей Европе, что привело к значительным изменениям в различных областях, которые окажут глубокое и продолжительное влияние на западную цивилизацию. Хотя в эпоху Возрождения произошли события во многих областях, все же эта эпоха наиболее известна своими художественными достижениями, которые оказали беспрецедентное влияние на последующее европейское искусство. Итальянский художник и архитектор из Флоренции Джотто ди Бондоне считается первым из многочисленных великих художников, которые внесли свой вклад в эпоху Возрождения. Джотто ди Бондоне, ознаменовавший верхушку изобразительного искусства в эпоху Возрождения, был во главе с Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем. Вместе они создали некоторые из самых известных работ в западном искусстве. Здесь представлены 10 самых известных художников эпохи Возрождения вместе со своими шедеврами.
Тинторетто
Продолжительность жизни: октябрь 1518 г. — 31 мая 1594 г.
Национальность: итальянец
ТинтореттоВенецианская школа, разработанная в Венеции в эпоху Возрождения, дала новый импульс в живописи в сторону пышных цветов и световых эффектов. Венецианский стиль оказал большое влияние на последующее развитие западной живописи. Наряду с Тицианом и Веронезе, Тинторетто был одним из трех венецианских гигантов во времена эпохи Возрождения. Во времена Ренессанса художники в Италии разработали перспективу, чтобы создать иллюзию трехмерного пространства. Тинторетто расширил эту технику до предела, используя длинные и широкие перспективы. Стиль Тинторетто был новаторским и драматичным. Его искусство известно своей радикальной природой, яркостью и современностью. Тинторетто был высоко индивидуалистическим художником, чья техника развивалась в течение всей его карьеры. Его эксперименты со светом и пространством привели к достижению яркого визионерского качества в его более поздних работах. Тинторетто считается одним из самых значительных художников позднего Ренессанса.
Шедевр: Тайная вечеря (1594)
Тайная вечеря (1594)Другие известные работы:
- Распятие (1565)
- Тело Святого Марка, привезенное в Венецию (1566)
Тициан
Продолжительность жизни: 1488/1490 — 27 августа 1576
Национальность: итальянец
ТицианТициан — самый важный художник венецианской школы 16-го века. Он был универсальным художником, знатоком портретов; ландшафтных фонов и мифологических и религиозных предметов. За свою долгую карьеру Тициан экспериментировал со многими различными стилями живописи. На самом деле он радикально пересмотрел свой стиль и технику в последние годы. Свободные мазки и тонкость тона в его более поздних работах, не имеют аналогов в западном искусстве. Тициан использует цвета и методы рисования, особенно его акцент на прикосновениях кисти и даже иногда на кончиках пальцев, оказал глубокое влияние не только на художников позднего итальянского ренессанса, но и на будущие поколения западного искусства. Он также известен тем, что изменил историю искусства и покровительства, позволив королям и высшим санам Церкви совершать сексуальные соблазнения так же легко, как распятия. Тициан был провозглашен современниками как «Солнце среди маленьких звезд». Сегодня искусствоведы считают его одним из величайших художников всех времен.
Шедевр: Венера Урбинская (1538)
Венера Урбинская (1538)Другие известные работы: —
- Успение Богородицы (1518)
- Вакх и Ариадна (1523)
Альбрехт Дюрер
Продолжительность жизни: 21 мая 1471 г. — 6 апреля 1528 г.
Национальность: немец
Альбрехт ДюрерАльбрехт Дюрер был блестящим художником и рисовальщиком, его наибольшее художественное влияние было оказано на печатное производство. Он начал свою карьеру в качестве ученика Михаэля Вольгемута, который возглавлял большую мастерскую и был лидером среди художников, возрождающих стандарты немецкой гравюры в то время. Еще в двадцатилетнем возрасте Дюрер завоевал свою репутацию и влияние в Европе благодаря своим высококачественным гравюрам на дереве. Он продолжил революцию в печатном производстве, подняв его до уровня самостоятельной художественной формы, и он считается одной из главных фигур в истории печатного искусства. Дюрер общался с крупнейшими итальянскими художниками своего времени, включая Рафаэля и Да Винчи. Его введение классических мотивов в северное искусство было важным вкладом в германское возрождение. Альбрехт Дюрер считается величайшим немецким художником эпохи Возрождения. Он оказал глубокое влияние на художников последующих поколений, особенно в печати.
Шедевр: Меленколия I (1514)
Меленколия I (1514)Другие известные работы: —
- Автопортрет в возрасте двадцати восьми лет в пальто с меховым воротником (1500)
- Молящиеся руки (1508)
Иероним Босх
Продолжительность жизни: 1450 — 9 августа 1516 г.
Национальность: голландец
Иероним БосхИероним Босх был первым художником, который изобразил инновационные существа и царства, непостижимые для человека. Однажды он сказал: «Бедный — это ум, который всегда использует изобретения других и сам ничего не изобретает». Его искусство известно тем, что в нем содержатся гротескные люди, животные, монстры и фантастические существа, неизвестные людям. Наиболее известные картины Босха часто изображают детальное и символическое исполнение Небес и Ада через библейские тематические пейзажи. Среди выдающихся тем в его искусстве — почитание людей, искушаемых злом или похотью; и окончательная судьба грешников, которые поддаются этим искушениям. В течение долгого времени произведения Босха не ценились и не рассматривались «Часто менее приятные, чем ужасные». Однако сегодня Иероним Босх считается одним из первых дальновидных гениев в мире искусства и чрезвычайно индивидуалистическим художником, глубоко понимающим желания и глубочайшие страхи человечества.
Шедевр: Сад земных наслаждений (1515)
Сад земных наслаждений (1515)Другие известные работы: —
- Триптих Хейвейн (1516)
- Страшный суд (1482)
Джотто
Продолжительность жизни: 1267 — 8 января 1337
Национальность: итальянец
ДжоттоДжотто был самым важным итальянским художником 14-го века, периода, который подпадает под ранний Ренессанс. Джотто произвел революцию в западном искусстве до такой степени, что он почитался как отец европейской живописи на протяжении почти семи веков. Первый из великих художников эпохи Возрождения, Джотто положил начало решительному разрыву с преобладанием византийского стиля и вместо этого вновь ввел «технику рисования точно из жизни, которой пренебрегали более двухсот лет». Картины Джотто известны тем, что они первыми мастерски запечатлели жесты, лица, печали и радости людей и были верны природе. Его цикл фресок в часовне Скровеньи считается высшим достижением эпохи Возрождения и одним из важнейших шедевров западного искусства. Некоторые искусствоведы считают, что никто никогда не рисовал лучше Джотто, и лишь немногие сравнимы с ним.
Шедевр: поцелуй Иуды (1306)
поцелуй Иуды (1306)Другие известные работы: —
- Огниссанти Мадонна (1310)
- Оплакивание (Траур Христа) (1306)
Сандро Боттичелли
Продолжительность жизни: 1445 — 17 мая 1510
Национальность: итальянец
Сандро БоттичеллиБоттичелли был, пожалуй, величайшим гуманистическим художником раннего Возрождения. Он написал широкий спектр мифологических и религиозных сюжетов, а также несколько портретов. Боттичелли стремился запечатлеть красоту и добродетель с помощью своих работ. Богиня Венера, которая представляет эти качества, появляется во многих его работах. Искусство Боттичелли известно своим визуальным блеском и декоративным качеством, которого нет в картинах преуспевающих художников эпохи Возрождения. Его картины «Рождение Венеры и Примаверы» — две из самых известных картин эпохи Возрождения. Боттичелли вырос, чтобы стать одним из ведущих художников своего времени, но после его смерти его репутация была испорчена до конца 19-го века. Однако с тех пор его искусство снова стало цениться критиками и публикой. Сегодня он стал одним из самых известных художников эпохи Возрождения, чьи работы представляют линейную грацию живописи раннего Ренессанса.
Шедевр: Рождение Венеры (1486)
Рождение Венеры (1486)Другие известные работы:
- Примавера (1482)
- Поклонение волхвов (1476)
Донателло
Продолжительность жизни: 1386 — 13 декабря 1466
Национальность: итальянец
ДонателлоДонателло вместе со своим другом, известным архитектором Филиппо Брунеллески, совершил поездку в Рим и изучил древнеримские руины, которые до сих пор не изучались в таких подробностях. Донателло и Брунеллески продолжали оказывать большое и глубокое влияние на искусство и архитектуру эпохи Возрождения. Донателло дал другое направление западной скульптуре, уводя ее от господствующего готического стиля, отмеченного мягко изогнутыми линиями и невыразительным лицом, к классическому стилю с драматическими выражениями и детальным реализмом. Он также впервые применил несколько художественных приемов, которые будут иметь огромное влияние на последующие поколения художников эпохи Возрождения. Донателло был ведущим скульптором раннего Ренессанса, и он создал некоторые из самых известных скульптур в мире, включая Бронзового Давида и конную статую Гаттамелаты.
Шедевр: бронзовый Давид (1440-е годы)
бронзовый Давид (1440-е годы)Другие известные работы: —
- Конная статуя Гаттамелата (1453)
- Кающаяся Магдалина (1455)
Рафаэль
Продолжительность жизни: 6 апреля 1483 г. — 6 апреля 1520 г.
Национальность: итальянец
РафаэльВысокое Возрождение это термин, используемый для обозначения верхушки изобразительного искусства в Италии эпохи Возрождении. Раффаэлло Санцио да Урбино, наряду с Леонардо да Винчи и Микеланджело, образует троицу великих мастеров Высокого Возрождения. Рафаэль был, пожалуй, самым популярным художником эпохи Возрождения, и даже до конца 19 века его работы ценились больше, чем чьи-либо еще, и его считали лучшей моделью для исторической живописи. Хотя слава Микеланджело и Леонардо превзошла его, Рафаэль по-прежнему считается одним из величайших художников в истории. Он, как никто другой, был мастер в реалистическом изображении эмоций, которые привели его картины в чувство. Его искусством восхищаются во всем мире за его чистоту формы, простоту композиции и визуальный блеск. Многие из его картин, в том числе его шедевр «Афинская школа», считаются краеугольными камнями искусства эпохи Возрождения.
Шедевр: Афинская школа (1511)
Афинская школа (1511)Другие известные работы: —
- Сикстинская Мадонна (1512 г.)
- Преображенский (1520)
Микеланджело
Продолжительность жизни: 6 марта 1475 г. — 18 февраля 1564 г.
Национальность: итальянец
МикеланджелоМикеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони был «человеком эпохи Возрождения» или «Универсальным гением», который преуспел в различных областях, включая живопись, архитектуру, поэзию и инженерию. Однако, прежде всего, он считается величайшим скульптором всех времен. В его жизни Микеланджело часто называли Il Divino («божественный»). После его смерти последующие художники попытались подражать его страстному, очень личному стилю, приводящему к маньеризму, следующему главному движению в западном искусстве. Микеланджело, пожалуй, самая влиятельная фигура в истории западного искусства, чьи работы в живописи, скульптуре и архитектуре оказали беспрецедентное влияние на развитие искусства на западе. Его статуя Давида — самая известная скульптура на западе; его фрески на потолке Сикстинской капеллы и Страшный суд на его алтарной стене гарантируют ему место среди величайших художников; и его базилика Святого Петра является наиболее известным произведением архитектуры эпохи Возрождения.
Шедевр: Давид (1504)
Давид (1504)Другие известные работы:
- Сотворение Адама (1512)
- Базилика Святого Петра (1626)
Леонардо Да Винчи
Продолжительность жизни: 15 апреля 1452 г. — 2 мая 1519 г.
Национальность: итальянец
Леонардо Да ВинчиЛеонардо да Винчи был идеальным человеком эпохи Возрождения, величайшим Вселенским Гением, который, помимо прочего, был художником, математиком, инженером, архитектором, ботаником, скульптором и анатомом. Однако, в течение четырех столетий после его смерти его слава, прежде всего, почивала на лаврах художника. Детальное знание анатомии, света, ботаники и геологии помогло ему создать некоторые из самых известных шедевров в истории. Да Винчи известен тем, что запечатлевает тонкие выражения, благодаря которым его картины выглядят более живыми, чем другие. Он сделал многочисленные вклады в области искусства, включая его пионерские методы, известные как сфумато, плавный переход от света к тени; и чиароскуро, использование сильных контрастов между светом и темнотой для достижения трехмерного эффекта. Да Винчи нарисовал Мона Лизу, самую известную картину в мире. Другие известные работы в его искусстве включают «Тайную вечерю», наиболее воспроизводимую религиозную живопись; и Витрувианский Человек, один из самых воспроизводимых художественных образов. Леонардо да Винчи, без сомнения, самый известный художник эпохи Возрождения.
Шедевр: Мона Лиза (1517)
Мона Лиза (1517)Другие известные работы:
- Тайная вечеря (1498)
- Витрувианский человек (1490)
Эпоха Возрождения — стиль Ренессанс в одежде и архитектуре. — Искусство
Стиль Ренессанс — Эпоха Возрождения. Одна из самых значимых эпох в истории человечества. Эпоха, подарившая миру таких знаменитых художников (да и не только художников, а мастеров на все руки), как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, всё же больше скульптор Микеланджело Буонарроти.
«Витрувианский человек» Леонардо да Винчи
Стиль Ренессанс. Свои истоки культура Ренессанса берёт в Италии, и совершенно не случайно, ведь именно на территории Италии когда-то располагалась Римская империя. А настоящей колыбелью культуры Возрождения станет Флоренция.
Беноццо Гоццолиизобразил поклонение волхвов как торжественную процессию придворных Медичи
В архитектуре, в живописи, в скульптуре, во всём творцы той эпохи искали пропорции, симметрию, гармонию. Именно в эпоху Возрождения картины становятся реалистичными, ведь средневековые миниатюры больше напоминали детские рисунки, они были плоскими, а изображения людей времён средневековья отличались достаточно большим объёмом головы по сравнению с телом. В средневековой Европе главной всегда оставалась духовность, но никак не тело. В период Возрождения всё меняется, теперь и телу придаётся определённое значение, тело должно быть также красиво, как и дух. Именно в эпоху Возрождения художники и скульпторы вновь учатся создавать произведения, в которых будут отражены реальные пропорции человеческого тела.
Ренессанс диктует и свои каноны, идеалы женской красоты. Идеалом того времени были: высокий рост, широкие плечи, тонкая талия, плюс белые зубы, красные губы, благородные движения и статная фигура. Но при тонкой талии ни в коем случае женщина того периода не должна была быть худой, нет, наоборот, она должна была обладать пышным телом с не менее пышной грудью.
И ещё, именно в эпоху Возрождения, именно в Италии появляется мода на блондинок. Белокурые локоны считаются идеалом женской красоты, и все модницы той поры всячески пытаются достичь подобного цвета волос. Волосы приводили в нужный цвет либо при помощи окраски, либо при помощи париков, сделанных из накладных волос ярко-жёлтого цвета.
Ещё одним критерием красоты в эпоху Ренессанса служил высокий, гладкий, не скрытый волосами, а только обрамлённый ими лоб. Наличие бровей не считалось красивым, и они выщипывались, причём как женщинами, так и мужчинами. На лицо наносилась косметика. Екатерина Сфорца даже создала целое пособие с правилами нанесения грима на лицо. Но при этом косметика была не столь обязательной, в эпоху Возрождения особое значение придавалось естественности, подчёркиванию природной красоты человека.
«… Волосы женщин должны быть нежными, густыми, длинными и волнистыми, цветом они должны уподобляться золоту или же меду, или же горящим лучам солнечным. Телосложение должно быть большое, прочное, но при этом благородных форм. Чрезмерно рослое тело не может нравиться, так же, как небольшое и худое. Белый цвет кожи не прекрасен, ибо это значит, что она слишком бледна; кожа должна быть слегка красноватой от кровообращения… Плечи должны быть широкими… На груди не должна проступать ни одна кость. Совершенная грудь повышается плавно, незаметно для глаза. Самые красивые ноги — это длинные, стройные, внизу тонкие с сильными снежно-белыми икрами, которые оканчиваются маленькой, узкой, но не сухощавой ступней. Предплечья должны быть белыми, мускулистыми …».
Из трактата Аньоло Фиренцуолы.
Кстати, ещё одной особенность моды Ренессанса стало появление многочисленных работ, посвящённых красоте, а также правилам, к примеру, правилам создание причёсок, можно сказать, впервые моду стали описывать.
Что касается волос, то в женские причёски также вплетались ниточки кораллов и жемчуга, волосы украшались специальными накидками и сеточками, что можно увидеть и на многих картинах художников той поры.
Стиль Ренессанс — Женский костюм
Женский костюм состоял из нескольких платьев, обязательным было наличие верхнего и нижнего платья с длинными рукавами. Верхнее платье имело широкие рукава и называлось оно гамурра. Флоренция, колыбель итальянского Возрождения, славилась производством суконных тканей, которые ею широко продавались по всей Европе, но при этом сами жители Флоренции отдавали предпочтение совершенно другим тканям – парча, бархат, шёлк.
Платье эпохи Возрождения воплощает телесность и объёмность, его фалды – широкие и симметричные, и главное – лиф и юбка платья должны гармонировать между собой, они должны быть пропорциональны, в их сочетание должен соблюдаться идеал «равновесия отдельных частей человеческого тела». Лиф платья – зашнурованный с маленьким овальным вырезом
Но у платьев были и достаточно глубокие декольте, распространённым становится так называемое «бродячим декольте», которое при движении могло съехать с одного плеча на другое, переместиться на спину или же «случайно» при ходьбе обнажить грудь.
Платья обильно декорируются, имеют множество деталей: вышивка, дорогое кружево, отделка из меха и драгоценных камней, которые также свидетельствуют и о высоком положении тех, кто одевает подобные наряды.
О богатстве дамы свидетельствовал и …рукав платья, который был узким и имел разрез изначально на локтях, а затем и в пройме, обнажая нижнее бельё. Нижнее белое бельё, ведь в то время белые ткани считались одними из самых дорогих.
Стиль Ренессанс — Мужской костюм.
В эпоху Ренессанса молодые люди и франты ходили в коротком костюме, основой которому послужила античная туника, её теперь лишь снабдили рукавами и некоторыми, часто декоративными деталями. Плюс появляются и округлые симметричные фалды. Такой костюм был длиной до колена, а иногда и короче. Под него одевались облегающие штаны-чулки, пошитые из материала разного цвета.
Также именно в эпоху Возрождения появляется и длинный плащ с вшитыми рукавами и широким воротником. Со временем подобный плащ стал эмблемой учёных и пожилых людей. И по сей день его используют как официальную одежду для различных университетских церемоний. Впрочем, это совершенно не случайно, ведь именно в эпоху Возрождения появляется интеллигенция – врачи, юристы, учёные, именно в эпоху Возрождения появляется возможность зарабатывать на жизнь исключительно умственным трудом.
http://ru.wikipedia.org
http://mylitta.ru/534-renaissance.htm
http://www.ms77.ru/articles/fashion…nce/ital/14946/ http://www.liveinternet.ru/users/4723908/post230222564/
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов
ПодписатьсяВеликие картины эпохи Возрождения
Эпоха Возрождения, или Ренессанса, началась в XIV веке. Это время считается периодом расцвета культуры, скульптуры, интеллектуальной мысли и живописи. Оно оставило большое количество настоящих шедевров, картин, которые можно увидеть в различных музеях по всему миру.
Поклонение волхвов
Картины с таким названием есть у нескольких художников, однако наибольшую известность приобрело «Поклонение волхвов» кисти Джотто. Выполнена картина как фреска в Капелле Скровеньи в Италии. Художник жил и творил в эпоху раннего Ренессанса. Его особенностью стало отхождение от золотого фона, обычно использующегося в те времена. На своих фресках Джотто изображает голубое небо. Написанные им фигуры стоят на ногах и полны внутреннего достоинства. Художнику удалось изобразить героев библейских сюжетов реалистичными и живыми.
Поцелуй Иуды
На этом полотне Джотто изобразил сцену предательства Иудой Иисуса. В центре картины находятся два персонажа, при этом художнику удалось передать их нравственное состояние через физический образ. Лицо Христа благородно и красиво, обладает аккуратными правильными чертами. Иуда же изображен обезьяноподобным с скошенным подбородком, маленькими глазками и выделяющимися надбровными дугами.
Рождение Венеры
Картина с таким названием является одним из самых выдающихся произведений Ботичелли. Художник написал ее в конце XV века. Считается, что полотно было выполнено на заказ для богатого вельможи того времени. На картине Ботичелли изобразил Венеру, богиню любви древнего Рима. Согласно мифам, она была рождена из морской пены в глубине океана, а потом попала на Кипр. Ее окружают грации и нимфы, а поза изображенной женщины полностью соответствует древним канонам.
Мадонна Литта
Изначальна эта картина носила название «Мадонна с младенцем», более позднее ее название происходит от имени владельца картинной галереи Милана – графа Литта. В 1864 году граф обратился к руководителям Эрмитажа, предлагая им купить эту и еще несколько других картин. В результате «Мадонна» переехала в Санкт-Петербург, где находится и в настоящее время.
Тайная вечеря
Картина была написана Леонардо да Винчи в 1490 году и предназначалась для монастыря в Милане. На полотне изображена последняя трапеза Иисуса и его учеников. Современники художника, имевшие возможность наблюдать за его работой по созданию полотна, отмечали, что Леонардо мог трудиться над ним весь день, не прерываясь даже на еду. При этом у художника бывали периоды, когда он по несколько дней даже не подходил к своему творению. Леонардо очень тщательно относился к написанию образов на полотне, особенно предателя Иуды и Христа. После завершения картина по праву стала шедевром. Этот статус сохраняется за ней и в настоящее время. «Тайная вечеря» — одна из самых копируемых и известных картин во всем мире.
Джоконда
Говоря о самых лучших картинах эпохи Возрождения, нельзя не упомянуть о Джоконде да Винчи. Этот портрет известный также под названием «Мона Лиза» считается самой узнаваемой и популярной картиной планеты. Таинственности и загадочности ей придает умелое изображение легкой, почти неуловимой улыбки на губах женщины. Над тайной этой улыбки бьются художники и ученые не одно столетие, но определить ее истинную природу до сих пор не удалось. Стоит отметить и другие, удивительные детали полотна, особенно на руки и глаза. Не менее тщательно художник отнесся и к фоновой части картины, на которой изображен драматический пейзаж.
Сотворение Адама
Картина выполнена в виде фрески, входящей в роспись свода Сикстинской капеллы, расположенной в Ватикане. Ее авторство принадлежит Микеланджело Буонаротти. В этом шедевре воплощен сюжет, взятый из библейского Ветхого Завета. Художник пытался изобразить сотворение человека. Центром полотна стали почти соприкасающиеся руки первого человека Адама и Бога. Этим автор пытался передать получение человеком души и появление у него тяги к творчеству и познанию мира. Роспись потолка Сикстинской капеллы стала наиболее масштабной и известной работой Микеланджело как художника На ее выполнение потребовалось четыре года, при этом работал он один.
Афинская школа
Это полотно художника Рафаэля изображает сборище великих ученых, математиков и философов, которые учатся друг у друга и обсуждают научные теории. Хотя все герои картины жили в разное время, художник поместил их на одном полотне. Здесь можно увидеть Птолемея, Аристотеля, Пифагора, Платона и многих других. Помимо этих людей, Рафаэль изобразил на картине и самого себя.
Сикстинская Мадонна
Считается, что картина написана в 1513 году. Предназначалась она для церкви Святого Сикста. Полотно изображает Богоматерь с Божественным младенцем на руках. Возле них стоит Святая Варвара и Сикст II. Шедевр принадлежит Рафаэлю. В нем художнику удалось соблюсти все законы композиции и максимально живо и скульптурно передать изображенные фигуры. Одним из известных элементов картины стали два маленьких ангелочка, помещенные автором внизу картины. Они в дальнейшим стали самостоятельным, часто использующимся атрибутом, встречающимся на открытках, плакатах, альбомах.
Любовь земная и Любовь небесная
Эта картина кисти Тициана находится в Риме в Галерее Боргезе. Стоит отметить, что название полотна дано ему не самим художником, оно появилось лишь через пару веков после создания шедевра. Более ранние ее названия: «Три типа любви», «Светская и божественная женщины», «Красота приукрашенная и не приукрашенная».
Венера Урбинская
Это произведение искусства Тициана Вечеллио было закончено в 1538 году. Художнику удалось с невероятной точностью передать идеал красоты эпохи Ренессанса. На полотне изображена женщина, лежащая в постели. У нее тонкие черты лица, округлый живот и светлые волосы. До сих пор не установлено, с кого именно Тициан писал свою картину. По одним предположениям это была невеста герцога Урбинского, по другим – любовница самого художника.
Страшный суд
Еще одна картина Микеланджело Буонарроти приобрела широкую известность. Хотя художник считался (и сам себя считал) скорее скульптором, чем живописцем, ему принадлежит масштабный труд по росписи Сикстинской капеллы. Одним из наиболее запоминающихся и впечатляющих сюжетов данной росписи является сцена Страшного суда.
Похожие подборки:
Российские иконы: 20 самых известных
Классическая музыка: 12 самых известных музыкальных произведений
Джазовые композиции: самые популярные во все времена
Культовые платья в истории человечества: 20 самых известных
Лучшие книги жанра фэнтези по мнению студентов
История Возрождения Арт Ренессанс или Ринасименто , в значительной степени способствовал постфеодальному росту независимого города, подобные найдены в Италии и на юге Нидерландов. Разбогател благодаря торговли и промышленности, эти города обычно имели демократическую организацию гильдий, хотя политическая демократия обычно сдерживалась некоторыми богатый и влиятельный человек или семья.Хорошие примеры включают 15 век Флоренция — средоточие итальянского искусства эпохи Возрождения — и Брюгге — одно из центры фламандской живописи. Они были двумя столпами европейской торговли и финансов. Искусство и как следствие процветало декоративное ремесло: во фламандском городе под патронатом герцоги Бургундии, зажиточный купеческий класс и церковь; во Флоренции под тем из богатой семьи Медичи. В этой доброжелательной атмосфере художники проявлял все больший интерес к представлению видимого мира вместо того, чтобы ограничиваться этой исключительной заботой о духовности религии , которую можно было придать только визуальную форму в символах и жестких условности.Изменение, санкционированное вкусами и либеральным отношением покровителей (в том числе искушенных церковников) уже проявляется в Готическая живопись позднего средневековья и кульминацией того, что известно как международный готический стиль четырнадцатого века и начала пятнадцатого. По всей Европе во Франции, Фландрии, Германии, Италии и Испания, художники, свободные от монашеских дисциплин, представили основные характеристики этого стиля в более сильном повествовательном интересе их религиозные картины, усилие придать больше человечности настроениям и внешнему виду Мадонне и другим почитаемые изображения, более индивидуальный характер портретной живописи в целом и представить подробности пейзажа, жизни животных и птиц, которые художник-монах вчерашнего дня казалось бы слишком приземленным.Это может быть говорят, были характерны и для живописи эпохи Возрождения, но существенное отличие появился в начале пятнадцатого века. Такие представители Интернационала Готика как Симона Мартини (1285-1344) из сиенской школы живописи, и родившийся в Умбрии язычник да Фабриано (ок. 1370-1427) все еще находился под властью идеей сделать элегантный дизайн поверхности с ярким, нереалистичным образец цвета. Реалистичная цель следующего поколения радикальный шаг проникновения через поверхность, чтобы дать новое ощущение пространства, рецессии и трехмерной формы. Это решительный шаг вперед в реализме появились примерно в то же время в Италии и Нидерландах, а точнее в работах Мазаччо (1401-28) во Флоренции и Яна ван Эйка (около 1390-1441) в Брюгге. Мазаччо, о котором Делакруа сказал, что величайшая революция, которую когда-либо знала живопись, дала новый импульс Раннее Возрождение роспись своих фресок в капелле Бранкаччи Санта-Мария-дель Кармин. См., В частности: Высылка из Эдемского сада (1425-6, Капелла Бранкаччи) и Святая Троица (1428, Санта-Мария-Новелла).Фигуры в этих повествовательных композициях казалось, что он стоит и двигается в окружающем пространстве; они были смоделированы с чем-то чувства скульптора к трём измерениям, в то время как жест и выражение были изменены таким образом, что не только разные персонажи изображенных лиц, но и их взаимосвязь.В этом отношении он ожидал специального исследования Леонардо в году. Тайная вечеря (1495-98, монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан). Хотя Ван Эйк также создал новое чувство пространства и перспективы, есть очевидная разница между его работами и тот из Мазаччо, который также подчеркивает различие между замечательными Фламандская школа пятнадцатого века и итальянский ранний ренессанс. Оба считались одинаково «современными», но отличались средним и идея.Италия имела давние традиции росписи роспись фресками, что само по себе стиль, тогда как нидерландский художник, работающий масляной средой на панно относительно небольшой размер, сохранил некоторую мелкость миниатюрного художника. Мазаччо действительно был не одиноким новатором, а тем, кто разработал фреску. повествовательная традиция его великого предшественника эпохи Возрождения во Флоренции, Джотто ди Бондоне (1267-1337).См., Например, последний Флоренция тоже имела иную ориентацию как центр классического обучения и философских исследований. Городской интеллигент энергия сделала его главным центром Возрождения в пятнадцатом века и оказал влияние на все виды искусства. Ученые, посвятившие себя изучению и переводу классических текстов, как латинских, так и греческих, были наставниками в богатых и знатных семьях, которые приходили поделиться своими литературный энтузиазм.Это, в свою очередь, вызвало потребность в графических версиях. древней истории и легенд. Круг сюжета художника был очень в результате расширился, и теперь у него возникли дополнительные проблемы решать. Таким образом, то, что могло быть просто ностальгия по прошлому и шаг назад в искусстве стал шагом вперед и увлекательный процесс открытий. Человеческое тело так долго исключалось от живописи изобразительного искусства и средневековья скульптура из религиозных соображений — кроме самая скудная и нереальная форма — приобрела новое значение в изображение богов, богинь и героев классического мифа.Художники пришлось повторно познакомиться с анатомией , чтобы понять связь кости и мышцы, динамика движения. На картинке сейчас лечится как сцену вместо плоскости нужно было исследовать и делать использование науки линейной перспективы . Кроме того, пример классической скульптуры было стимулом к объединению натурализма с идеал идеальных пропорций и физической красоты. Художники и скульпторы по-своему отстаивали достоинство человека, как это делали философы-гуманисты, и проявляли та же жажда знаний.Поистине необыкновенный список великих Флорентийские художники пятнадцатого века и, что немаловажно, выдающиеся, количество тех, кто практиковал более одного искусства или формы выражения.
Уравнение философии Платона и христианское учение в академии, учрежденной Козимо Медичи похоже, санкционировал разделение деятельности художника, как это часто бывает произошло между религиозным и языческим предметом. Интеллектуальный Атмосфера, созданная Медичи, была бодрящим элементом, вызывающим Флоренция обогнала соседнюю Сиену. Хотя ни один другой итальянский город пятнадцатого века мог претендовать на такое созвездие гения в искусства, ближе всего к Флоренции находились города просвещенными покровителями. Людовико Гонзага (1414-78) маркиз де Мантуя был типичным правителем эпохи Возрождения в его склонностях к политике и дипломатии, в его поощрении гуманистического образования и в культурных вкуса, который привел его к созданию большой коллекции произведений искусства и использованию Андреа Мантенья (1431-1506) как придворный художник. Аналогичного калибра был Федериго Монтефельтро , Герцог Урбино. Как и Людовико Гонзага, он был учеником знаменитого учитель-гуманист Витторино да Фельтре, чья школа в Мантуе объединила мужественные упражнения с изучением греческих и латинских авторов и привитые гуманистическая вера во всестороннее улучшение, возможное для человека.На двор Урбино, который установил стандарты хороших манер и достижений описанный Бальдассаре Кастильоне в Il Cortigiano, герцог развлекал ряд художников, главный из которых великий Пьеро делла Франческа (1420-92). История живописи эпохи Возрождения после Мазаччо сначала приводит нас к благочестивому фрау Анджелико (около 1400–1455), родился раньше, но прожил гораздо дольше. Что-то готического стиля остается в его творчестве, но монастырская невинность, что, пожалуй, первое, что бросается в глаза, сопровождается зрелым твердость линии и чувство структуры.Это видно на таких картинах его более поздних лет как Поклонение волхвов сейчас в Лувре и фрески, иллюстрирующие жизнь святого Стефана и святого Лаврентия, фрески в Ватикане для Папы Николая V в конце 1440-х годов. Они показывают чтобы он знал и мог воспользоваться изменением и расширение мировоззрения своего времени. Смотрите также его серию картин на Благовещение (c.1450 г., музей Сан-Марко). Тем не менее, его ученик Беноццо Гоццоли (около 1421-97) сохранены в ярких декоративных цветах и подробностях происшествий Международного Готический стиль в таком произведении, как панорамное шествие волхвов во Палаццо Риккарди во Флоренции, где он представил конный спорт портрет Лоренцо Медичи. Ближе к фра Анджелико, чем был Мазаччо Фра Филиппо Липпи (около 1406-69), монах-кармелит в молодости и протеже Козимо Медичи, который снисходительно смотрел на разные выходки художника, любовные и прочие.Фра Филиппо, он писал исключительно религиозные сюжеты, как в фреска и панно, демонстрируют тенденцию прославлять очарование идеализированного человеческий тип, который контрастирует с стремлением пятнадцатого века к технические инновации. Он менее отличителен в чисто эстетическом или интеллектуальном отношении. качества, чем в его изображении Мадонны как существенно женственной быть. Его идеализированная модель, стройная, темноглазая и с приподнятыми бровями, слегка втянутым носом и маленьким ртом при условии иконографический образец для других.Определенная задумчивая выразительность возможно, был передан его ученику Сандро Боттичелли (1445-1510). В картинах Боттичелли большая часть резюмируется предшествующее развитие эпохи Возрождения. Он преуспел в ту грацию черт и форм, которую Фра Филиппо стремился передать и современник Боттичелли Доменико Гирландайо (1449-94), также имел свою восхитительную версию на фресках. и портреты. Он интерпретировал неоплатонизм в уникальной живописной манере. философов-гуманистов Лоренцо Медичи.Сеть гениальных аллегория, в которой Марсилио Фичино, наставник Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи (двоюродный брат Лоренцо Великолепного) стремился продемонстрировать отношение между Благодатью, Красотой и Верой имеет эквивалентную тонкость в La Primavera (c.1482-3, Уффици) и Рождение Венеры (ок. 1484-6, Уффици), казненных за Вилла Лоренцо. Поэтический подход к классике Анджело Полициано, также наставник семьи Медичи, можно увидеть отражение в Боттичелли Изобразительное искусство.Хотя продолжительность его жизни простиралась до периода Высокого Возрождения, он по-прежнему представляет молодежь движения в своем восторге от ясных цвета и изысканные природные детали. Возможно, в задумчивой красоте в его Афродите можно найти что-то от ностальгии по средневековью к которому, в конце концов, когда фундаменталистский монах Савонарола осудил Медичи и все их работы, он сделал свой страстный жест возврата. Ностальгия и чистота Линейный дизайн Боттичелли, еще не затронутый акцентом на свет и тени, сделал его особенным объектом восхищения прерафаэлитов в девятнадцатый век.Но, как и у других художников эпохи Возрождения, была энергия в нем, которая сообщала его линейным ритмам способность интенсивно эмоциональное выражение, а также нежная изысканность. Расстояние до Ренессанс из невыразительного спокойствия классического периода в его представлении статуями Венеры или Аполлона, находится в этой разнице в духе или намерение, даже если оно обнаружено неосознанно. Выражение физической энергии которые во Флоренции, естественно, приняли форму представлений обнаженных мужчин, дает неклассическое насилие над творчеством художника и скульптора Антонио Поллайуоло (1426-98).Поллайуоло был одним из первых художников, преподнесших человеческие тела, чтобы точно следовать за игрой костей, мышц и сухожилий в живом организме с такими динамическими эффектами, которые проявляются в мышечном Напряженность борьбы в его бронзе Геркулес и Антей (Флоренция, Барджелло) и движения лучников на его картине Мученичество. Святого Себастьяна (НГ, Лондон). Такой же скульптурный акцент можно замечен на фресках менее известного, но более влиятельного художника Андреа дель Кастаньо (ок.1420-57). Лука Синьорелли (c.1441-1523), хотя и был связан с умбрийской школой как ученик Пьеро делла Франческа, находился под сильным влиянием Флорентийский Поллайуоло в трактовке фигуры. С менее анатомическим тонкость, но с большим акцентом на выпуклости наружу и полосах мышцы и сухожилия, он тоже нацелился на динамические эффекты движения, получение их внезапными взрывами жестов. Это было направление усилий, которое кажется естественно и неизбежно привести к достижению Микеланджело (1475–1654).Хотя есть явные различия в образе мышления и стиле между его Последняя ложа в Сикстинской капелле и версия Синьорелли в фрески в соборе Орвието, их объединяет грозная энергетика. Это было качество, из-за которого они казались далекими от баланса и гармонии. классического искусства. Рафаэль (1483-1520) был намного ближе к классику дух в Аполлоне своего Парнаса в Ватикане и Галатеи в Фарнезина, Рим.Один из самых ярких региональных контрастов эпохи Возрождения находится между суровым и интеллектуальным характер искусства Тосканы в изображении фигуры по сравнению с чувственным томлением женщины обнаженные тела, написанные в Венеции Джорджоне (1477-1510) и Тицианом (около 1485-1576). (Подробнее см .: Венецианский Портретная живопись около 1400-1600 гг.) Хотя даже в этом отношении флорентийская наука не осталась без своего влияния.Разработана мягкая градация тени Леонардо да Винчи для придания тонкостей моделирования был принят Джорджоне и в Парме Антонио Аллегри да Корреджо (1489-1534) как средство усиливая сладострастное очарование Венеры, Антиопы или Ио. Мастера эпохи Возрождения не только создали специальное изучение анатомии, а также перспективы, математические пропорции и вообще наука о космосе. Стремление периода к знаниям может частично объяснить это абстрактное стремление, но оно было более конкретным происхождение и причины.Линейная перспектива изначально была предметом изучения архитекторов. в чертежах и реконструкциях классических типов зданий они стремился возродить. В этом отношении великий архитектор Филиппо Брунеллески (1377-1446) был лидером своих исследований в Риме. Во Флоренции он дал демонстрация перспективы на рисунке площади Сан-Джованни это пробудило интерес других художников, в частности его друга Мазаччо. Архитектор Леон Баттиста Альберти (1404-72) был еще одним пропагандистом научной теории.Художники, озабоченные изображением как реализованной трехмерной иллюзией важность перспективы как вклада в эффект пространства — вопрос, связанный с техникой иллюзионистской росписи, такой как quadratura , впервые примененный Мантенья в Герцогском дворце в Мантуе в его фресках Camera degli Sposi (1465-74). Паоло Уччелло (1397-1475) был одним из графские покровители науки во Флоренции.Его картина битвы года Сан-Романо в Национальной галерее Лондона с его живописностью геральдики, представляет собой прекрасно рассчитанную серию геометрических форм и математические интервалы. Даже сломанные копья на земле кажутся такими устроенными чтобы привести взгляд к точке схода. Его ракурс рыцаря лежа на земле было упражнением, которым Андреа Мантенья был подражать. Именно Мантенья принес в Венецию новую науку об искусстве. В сложном обмене рефератов математические идеи и влияния, Пьеро делла Франческа выделяется как величайшая личность. Хотя уроженец Умбрии родился в маленьком городке Борго Сан Сеполькро, он впитал атмосферу Флоренции и Флоренции. искусство в молодости, когда он работал там с венецианцем Доменико Венециано (ок. 1410-61). Доменико усвоил тосканский стиль и у него был собственный пример перспективы, как в прекрасном Благовещении сейчас находится в музее Фитцуильяма в Кембридже, хотя Пьеро, вероятно, получил его научное отношение к дизайну от трех пионеров исследований, Брунеллески, Альберти и Донателло (1386-1466), величайший скульптор в quattrocento Florence. Классика в заказном дизайне и больших размерах концепции, но без намека на антиквариат, который можно найти в Мантенья Пьеро оказал влияние на многих художников. Его внутренние перспективы архитектуры эпохи Возрождения, добавившего элемент геометрической абстракции к его фигурам композиции были хорошо известны его флорентийским современником, Андреа дель Кастаньо (ок. 1420-57). Жестко геометрическая установка противоречит и все же подчеркивает гибкость человеческого выражения в Апостолах в Андреа шедевр Тайная вечеря в монастыре Святой Аполлонии, Флоренция.Антонелло да Мессина (1430-1479), который представил фламандскую технику масляной живописи. в Венецию принесло также чувство формы, полученное от Пьеро делла Франческа. это, в свою очередь, оказало стимулирующее влияние на Джованни Беллини (1430-1516), отвлекая его от такого жесткого линейного стиля Мантеньи и способствуя его зрелому величию как лидера венецианской Живопись и учитель Джорджоне и Тициана. Всего чудесного развития Итальянский ренессанс пятнадцатого века, Леонардо да Винчи и Микеланджело были наследниками.Универсальность художника была одним из важнейших аспект века. Между архитектором, скульптором, художником, мастером и писателя не было жесткого различия. Альберти был архитектором, скульптор, живописец, музыкант, автор трактатов по теории искусство. Андреа дель Верроккьо (1435-88), ранний мастер Леонардо, описывается как ювелир, художник, скульптор и музыкант: а в скульптуре мог соперничать с любым мастером.Но Леонардо и Микеланджело продемонстрировали эту универсальность высшая степень. Леонардо, инженер, пророческий изобретатель, ученый ученик природы во всех аспектах, художник запоминающихся шедевров, никогда не переставал вызывать удивление. См., Например, его Virgin. скал (1483-5, Лувр, Париж) и Леди с горностаем (1490, Музей Чарторыйских, Краков). Сколько может можно сказать о Микеланджело, скульпторе, живописце, архитекторе и поэте.В корона флорентийских достижений, они также знаменуют упадок города величие. Рим, восстановленный в великолепии амбициозными папами после долгого упадка, утверждал, что Микеланджело вместе с Рафаэлем создал монументальный концепции высоких Живопись эпохи Возрождения: два абсолютных шедевра Микеланджело Genesis фреска (1508-12, потолок Сикстинской капеллы, Рим), которая включает знаменитый Creation Адама (1511-12) и Рафаэлло Санцио Sistine Мадонна (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister, Дрезден).К тому же, оба художника были назначены ответственными архитекторами новой церкви Св. Базилика Петра в Риме, символ преобразования города из от средневековья до города эпохи Возрождения. Леонардо, поглощенный своими исследованиями, был наконец переманили во Францию. Но в этих великих людях гений Флоренции жил дальше. За историю позднего Возрождения периода (1530-1600 гг.) — период, в который входят величайшие венецианские запрестольные части, а также великолепные, но зловещие работы Микеланджело. Последний Фреска «Суд » на алтарной стене Сикстинской капеллы — см .: Маньерист. Живопись в Италии.Смотрите также: Тициан и венецианская цветная живопись c.1500-76. Лучшие коллекции искусства эпохи Возрождения Следующие итальянские галереи имеют основные коллекции картин или скульптур эпохи Возрождения. • Уффици
Галерея (Флоренция) |
Более того, в его религиозной истории Живопись Джотто умел одновременно изобразить череду моменты времени, тем самым значительно улучшая нынешнюю практику изобразительного повествование.Он расположил в одной живописной рамке сцены, которые на самом деле происходит последовательно в библейском тексте.
Самые важные ученики Джотто — Масо ди Банко (действовал около 1330-1350 гг.), который развил особое чувство абстрактные поверхностные эффекты (Капелла Бар-ди-Вернио, Санта-Кроче, Флоренция. 1330-1340) и Таддео Гадди (1300-1366), которые представили экспериментальные эффекты освещения в фресковой живописи. Джотто также имел значительное влияние на более консервативных сиенцев Школа живописи в Сиене — яростный гражданский соперник Флоренции. Кроме того, все последующие старые Мастера эпохи Возрождения, в том числе итальянцы Мазаччо, Мантенья, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и Тициан, а также голландцы и немецкие художники Роджер Ван дер Вейден, Ван Эйк, Иероним Босх и Альбрехт Дюрер был хорошо знаком с работами Джотто и признал его вклад в историю искусства.
Сиена Школа: Дуччо de Buoninsegna В Сиене религиозной живописи потребовалось больше времени, чтобы отойти от Византийская традиция (см. Романский Живопись в Италии) — развитие, которое Джотто совершил в один прыжок.В результате на протяжении многих лет сиенская живопись начала 13 века несправедливо стоял в тени Джотто и его школы. Где работал Джотто блочные объемы для улучшения его фигуры живопись, линии остались все для сиенского вождя Дуччо де Буонинсенья (1255-1318). Однако как в красоте линий, так и в графике развитие, а также богатство его материалов и цветов, Дуччо ни в чем не уступает Джотто, и на самом деле его образное повествование, его рисунок, его чувствительные градации цвета, и удивительно глубокие живописные и пейзажные пространства, даже превосходят те из флорентийского художника, как видно в Дуччо Сцены из Life Of Christ на обратной стороне Maesta Алтарь (1308, Museo dell’Opera Metropolitana, Сиена), гигантская бывшая алтарная роспись Сиенского собора.На передней, Мария сидит в кругу святых в раннем исполнении разговор »- тема живописи, ставшая впоследствии популярной во флорентийском quattrocento . Подобно Джотто, Дуччо исследовал разные но гармоничные способы, которыми искусство могло ссылаться на опыт зрителя повседневного мира, не теряя чувства священного. Джотто — первый в Ассизи в 1290-х годах и позже в Часовне Арены в Падуе (ок.1305) — заполненные тщательно продуманные пространства с трехмерными фигурами в значимые позы. Напротив, Дуччо предпочитал подчеркивать цвет, декоративность. эффекты и изящно сформулированные фигуры, чтобы представить более лиричный но не менее человеческий эффект. Смотрите также: миниатюрный Stroganoff Дуччо Мадонна (1300). (См. Также: Best Рисунки эпохи Возрождения.) Сиенская школа: Симоне Мартини ученица Дуччо Симона Мартини (1284-1344) представляет еще более широкий спектр тем и стили.Он также начал свою карьеру в Сиене с Maesta (1315), окрашенной как фреска для Палаццо Публико в придворной вариации на тему произведения Дуччо алтарная роспись в соборе. Его шедевр — это изысканный Благовещение Триптих (1333), расписанный для Сиенского собора. Мартини дальше работа в Италии все чаще обнаруживает влияние поздней французской готики книжная живопись, как видно на фресках капеллы Мартина в нижняя церковь Сан-Франческо в Ассизи, и художник фактически стал придворный художник в Неаполе Роберту I Анжуйскому в 1317 году. Из Мартини мы узнаем гораздо больше о придворной жизни треченто, чем от Джотто, который преследовал вневременные классические религиозные изображения которые существовали отдельно от повседневной жизни. Мартини медленно продвигался к Авиньон, хотя его работы там не сохранились. Сиенская школа: Амброджо и Пьетро Лоренцетти Два других выдающихся сиенских художника были братья Амброджо Лоренцетти (ок.1290-1352) и Пьетро Лоренцетти (c.1280-1348) — по всей вероятности, ученик Дуччо. Их алтарные картины и фрески, которые также демонстрируют некоторое влияние Джотто, более эмоциональны и живы, чем их сиенцы. современники. Величайший шедевр Амброджо Лоренцетти, монументальный Аллегория Хорошего и плохого правительства (1338-9, Палаццо Пубблико, Сиена), это не только первый пейзаж и городской пейзаж в европейском искусстве, но и раскрывает понимание городского правительства Сиены в его бесчисленных Детали. Авиньон: французский Книжная живопись В 1309 году анархия в Риме привела к папского двора в старый город Авиньон на юге Франции. Присутствие этого богатого источника покровительства привлекали многих художников, в том числе Симону Мартини и, как сообщается, Джотто. В результате Авиньон расцвел как артистический центр и стал стартовой площадкой для распространения итальянского искусства на север в Бургундию, центральную Францию и Нидерланды.При дворе Авиньона, позднеготическое наблюдение за природой, поэзия, мистическое богословие Devotio moderna в сочетании с итальянской красотой линии. Книжная живопись стал средоточием времени: одновременно роскошный, удобный для упаковки и транспорт, иллюстрированные книги стали предметами коллекционирования. Они оба улучшили честь придворных и принцев, таких как герцог Берри в Бурже (брат Филиппа II Смелого из Бургундии) и служил в частном порядке поклонение. Среди множества качественных миниатюры, работа парижского мастера Жана Пучель (1290-1334 гг.) Доминировал в первой половине 14 века, затем Лимбург Братья (ок. 1380-1416). По заказу герцога Берри они произвели несколько освещенных рукописи или «часословы», включая такие шедевры, как Les Belles Heures (1408, Метрополитен-музей, Монастыри, Новый York) и Tres Riches Heures du Duc de Berry (1413-16, Музей Конде, Шантильи) «нежнейшее и тончайшее произведение искусства миниатюры», по мнению историку Йохану Хейзинги.С их подробной иллюстрацией ежегодного природный цикл, эти книги часов начала 15 века представляют первая серия жанровых картин в истории живописи. Они ожидали позже религиозная изобразительная изобретательность, и их глубоко закрытые интерьеры подготовил почву для искусства Яна Ван Эйка «в миниатюре». Панно и фрески выявить соответственно менее независимый профиль, помимо работы различных региональных школ, например, в Провансе около 1400.Жан Фуке (ок. 1420-1481), как художник-миниатюрист и живописец, также формирует исключение и, по сути, основание французской живописи: см. его необыкновенные Мелун Диптих (1450-55). Международный Движение готического искусства Примерно с 1370 по 1430 г. подобное явление проявляется во всей европейской живописи из Англии, через Францию, Бургундию, северную и центральную Германию, Богемию, Австрию в Италию.Характеристики международного готического стиля сошлись воедино в скульптурах «Прекрасных Мадонн», в панно, фрески и книжная живопись того времени, а также в ювелирных изделиях по металлу. Скульптура, иллюминированные рукописи и религиозные картины функционировали. и как средство дипломатии, и как подарок между судами и правительствами. Утонченная придворная культура, стиль которой изначально принадлежал Богемским Габсбургам. двор императора Карла IV, а затем дворы бургундских герцогов, установил европейские стандарты — прославился в живописи в виде мерцающий золотой фон, нежно меняющие цвета, слегка движущиеся одежды, драгоценно изысканные жесты и неоднозначно улыбающиеся лица святых и ангелов.Исходя из первых лет периода, частные часовни императора Карла представляют собой обширные произведения искусства, включать драгоценные камни в панно, фрески и литургические оборудование. В Италии конец gotico internationale произошел в то же время как раннего Возрождения, и пользовался равной популярностью у современников. Влияния, вытекающие из работ Лоренцо Монако (ок. 1370-1425), язычники да Фабриано (ок.1365-1427) и Мазолино (1383-1440), все еще очевидны после 1498 года в книге Боттичелли. поздняя религиозная работа. В Бургундии, фламандский пионер Мельхиор Бродерлам (ок. 1350-1411) указал путь к искусству Роберта Кампин и Ян ван Эйк, тогда как в Германии художники Кельнской школы, в частности Стефан Лохнер (около 1405-1451), а на севере — мастера Бертрам (около 1340-1415). и Франке (ок. 1380-1430), объединившие линейность богемского придворного искусство с богатством деталей французской книжной живописи и ранние голландские мастера. Примечание: Работы, отражающие стиль Proto Живопись и иллюминацию эпохи Возрождения можно увидеть в некоторых из лучших художественные музеи мира. |
| Срок | Определение
| ||
Срок
| Определение
| ||
| Срок | Определение
| ||
| Срок | Определение
| ||
| Срок | Определение
| ||
| Срок | Определение
| ||
Срок
| Определение
| ||
| Срок | Определение
| ||
YIVO | Живопись и скульптура
[ Эта статья посвящена художникам русских земель. Для обсуждения визуальных художников из других регионов, см. Биографические записи о тех, которые перечислены в разделе «Визуальные и исполнительские искусства» Синоптического плана. ]
История участия евреев в создании восточноевропейской живописи и скульптуры сложилась на фоне профессионализации изобразительного искусства в девятнадцатом веке.До этого века, в рамках Речи Посполитой, производство живописи и скульптуры, не говоря уже о подготовке художников и скульпторов, развивалось в рамках традиционной системы городских ремесленных цехов и было официально и для всех практических целей запрещено. евреям.
Утрата независимости Польши в конце восемнадцатого века способствовала росту провинциальных художественных кругов, а также интересу как к современным, так и к историческим предметам. Европейский романтизм сформировал визуальные вложения в региональные темы и новую национальную иконографию, связанную в первую очередь с первой школой польской живописи, вокруг харизматической фигуры художника Яна Матейко (1838–1893).С основанием первого частного художественного института в Кракове и созданием финансируемых государством академий и художественных школ в Вене, Мюнхене и Санкт-Петербурге — заведомо нейтральных площадок для художественного творчества — для восточноевропейских евреев стало теоретически возможно обучаться и обучаться. зарабатывают на жизнь художниками и скульпторами. Процесс, который начался с небольшого числа необычайно одаренных людей во второй половине XIX века, завершился культурной эмансипацией еврейского искусства в Первой мировой войне.К этому моменту евреи стали участниками создания и распространения восточноевропейского искусства не только как производители, но и как потребители: покровители, коллекционеры и критики. Кроме того, восточноевропейские еврейские художники играли важную роль в культурной политике еврейского возрождения. Их работы сформировали сионистскую иконографию и внесли свой вклад в движение еврейского декоративно-прикладного искусства, которое под руководством скульптора Бориса Шаца (1867–1932) в конечном итоге было перенесено в Палестину.
Распад империй Романовых и Габсбургов и последующее восстановление националистической Восточной Европы привели к приобщению еврейских художников и скульпторов к радикальной политике и экспериментальным художественным практикам, связанным с европейским модернизмом.Восточноевропейский еврейский авангард изобрел радикально светскую еврейскую иконографию, чрезвычайно важный аспект еврейского культурного возрождения в межвоенный период. Во время Второй мировой войны еврейские художники и скульпторы преследовали одни и те же художественные обязательства, теперь наделенные новым чувством моральной цели. С формированием коммунистической Восточной Европы еврейские художники снова стали для всех намерений и целей невидимыми, как евреи, их еврейство полностью ограничивалось их именами. Несмотря на то, что они играют важную роль в создании советского искусства, к примеру, большинство советских еврейские художники стойко сопротивлялись притяжением происхождения.Картины и скульптуры, связанные с еврейскими сюжетами, особенно с агонией восточноевропейских евреев во время Второй мировой войны, оставались табу.
Диссидентское движение 1970-х и 1980-х годов, которое произвело своего рода еврейское возрождение в музыке и литературе, аналогичным образом вдохновило подрывной еврейский поворот среди еврейских художников и скульпторов Восточного блока. Более прочные связи с восточноевропейской еврейской диаспорой в Израиле, Соединенных Штатах и Западной Европе еще больше способствовали процессу политического и культурного самоутверждения, который принес свои плоды в посткоммунистический период.Сегодня восточноевропейские художники, как евреи, так и неевреи, охотно обращаются к еврейской тематике в рамках восстановления имперского — многонационального и регионального — характера региона. Их современные работы также стимулируют академический и общественный интерес к еврейским корням некоторых из самых известных местных художников Европы. Как музейные кураторы, так и ученые вносят немалый вклад в нынешнюю реабилитацию еврейского прошлого восточноевропейской живописи и скульптуры.
Генеалогия еврейского искусства в Восточной Европе
Как и их современные преемники, первые критики еврейского искусства в Восточной Европе испытывали трудности с концептуальным осмыслением своего предмета.В то время как Майер Балабан включил любой объект, который демонстрирует «черты еврейского творчества», Абрам Эфрос утверждал, что «еврейские художники принадлежат искусству страны, в которой они живут и работают» ( Evreiskaia starina 1 [1909]: 55). Когда еврейские художники и скульпторы начали входить в европейские художественные круги, они внесли новый набор еврейских сюжетов, взятых из еврейского опыта, в современный репертуар жанровых сцен. Тем не менее, в их манере изображения не было ничего заметно отличавшегося; Фактически, обработка еврейских тем и иудейских обрядов неявно опиралась на христианскую визуальную лексику.Художники еврейского происхождения также создавали светские работы — пейзажи, исторические сцены и портреты, — в которых не было явных еврейских следов. Все это усложняло утверждение, что отличительная еврейская эстетика существовала даже в Восточной Европе; некоторые критики, напротив, настаивали на том, что еврейского происхождения художника достаточно, чтобы квалифицировать искусство как еврейское. Лишь после подъема еврейского национализма на рубеже веков дебаты приобрели отчетливо идеологический оттенок. С этого момента жанровая живопись восточноевропейских евреев стала основным элементом иконографии изгнания, связанной с культурной политикой сионистского возрождения.
Восточноевропейские евреи, которые впервые начали заниматься живописью и скульптурой в девятнадцатом веке, сделали это в имперском контексте. Они начинали как еврейские провинциалы; в профессиональном увлечении искусством лежит их географическая и культурная эмансипация от социальных и конфессиональных границ своих местных еврейских общин. В то же время их еврейское чутье, выраженное в визуальной идиоме исторической живописи и уходящее корнями в романтический интерес к еврейским истокам христианства, вновь вошло в их искусство как предметный, так и как личный стиль.Например, работа Мауриция Готлиба (1856–1879) размыла грань между изображением современной еврейской жизни и его героическими образами еврейского Иисуса. Нетрадиционное взаимодействие с христианскими способами изображения со стороны первых профессионально подготовленных еврейских художников в Восточной Европе — Александра Лессера (1814–1884), Готтлиба и Маурици Трембача (1861–1941) — фактически заложило тематические основы еврейской жанровой живописи. .
По погрому (После погрома).Маурицы Минковский, 1905. Холст, масло. (Тель-Авивский художественный музей)
Образные связи между еврейской жанровой живописью и универсальными моральными темами христианской визуальной лексики поддерживались такими художниками, как Шмуль Хиршенберг (1865–1908) в Польше, Изидор Кауфманн (1853–1921) в Венгрии и Иегуда Пен (1854–1937) ) в России. Среди первого поколения еврейских художников с формальным образованием они разделяли интерес к сентиментализации еврейской семейной жизни и к мелодраматическому воскрешению еврейских страданий.В той степени, в которой весьма застенчивое отношение к еврейским предметам основывалось на присвоении аффективной традиции христианской живописи, еврейские жанровые сцены фактически исказили современное стремление к реализму, которое в первую очередь вдохновило на обращение к еврейской тематике. В этом отношении еврейские художники Восточной Европы стали ближе к современным русским и польским традициям «тайного романтизма»; во второй половине девятнадцатого века художники, связанные с восстанием передвижников против академии в России, и польские художники, получившие образование в реалистической мюнхенской школе, продолжали полагаться на аллегорический потенциал христианского символизма в своих поисках актуально современного живописного язык.Точно так же их еврейские коллеги стремились поместить испытания повседневной еврейской жизни — бедность, антисемитизм, старость, социальные конфликты — в стилизованный драматический язык религиозной живописи. Пожалуй, наиболее ярким примером этой тенденции является « Po pogromie » («После погрома»; 1905, Тель-Авивский художественный музей; см. Изображение выше, слева) польского художника Маурици Минковского (1881–1930). Изображение современных жертв антиеврейского насилия имплицитно вызывает образ Святого Семейства.Центральная фигура матери, держащей своего младенца, явно указывает на Мадонну с младенцем, в то время как лежащая на заднем плане поза спящего мальчика напоминает провисшую фигуру Христа в Пьете.
Czarny Sztandar (Черное знамя). Шмуль Хиршенберг, 1907. Холст, масло. Еврейский музей, Нью-Йорк. Фотография Джона Парнелла. (Дар поместья Роуз Минц, JM 63–67. Еврейский музей, Нью-Йорк / Art Resource, NY)
Условные обозначения, установленные в жанровой живописи восточноевропейских евреев, стали каноническими в сионистской мифологии изгнания.В первые два десятилетия двадцатого века ряд ключевых мотивов слились в легкодоступную и очень популярную еврейскую иконографию. Сюда входили изображения толпы, обозначающие еврейский народ в процессе миграции или побега, еврейских стариков, отведенных в роли библейских пророков, патриархов или мучеников, траурные сцены и семейные группы, обычно сосредоточенные на матери и ребенке. пара. Работа Хирзенберга, например, перевела исключительную трагедию Христа в политическую аллегорию коллективных страданий евреев.Массовые еврейские портреты Хиршенберга Golus (Изгнание, 1904) и Czarny Sztandar (Черное знамя, 1907, Еврейский музей, Нью-Йорк) резюмировали в более широком национальном масштабе напряженность между смертью и воскресением, столь ярко выраженную в христианских образах. В Czarny Sztandar (см. Изображение справа), на котором изображена похоронная процессия, лицо мальчика, смотрящего вперед мимо массы темных фигур, теснившихся на переднем плане, намекает на искупление. В отличие от других, которые в основном выглядят мрачными или испуганными, эта фигура хорошо освещена и имеет спокойное выражение.Преувеличенные, преувеличенные черты еврейской толпы в Czarny Sztandar иллюстрируют тенденцию в националистической иконографии наделять изображение изгнания чертами христианского гротеска, связанного с изображением ада. Например, знаменитая работа Хиршенберга Żyd-Wieczny Tułacz (Странствующий еврей; 1899, Музей Израиля, Иерусалим) — канонический образ сионистского призыва к бегству евреев из изгнания — имеет поразительное сходство с демоническими лицами, заполняющими еврейские толпы. в творчестве раннего фламандского художника Иеронима Босха.
Ле-Метим аль кидуш ха-шем бе-Кишинов (Посвящается мученикам Кишиневским). Э. М. Лилиен. 1903. Иллюстрация к « Сборник » Максима Горького, Санкт-Петербург. (Изображение предоставлено О. Литваком)
Хирзенберг вряд ли был особенным человеком; похожие мотивы изобилуют творчеством других восточноевропейских художников, которые мобилизовали библейский материал и набожные образы еврейской жанровой живописи во имя национального возрождения. Среди них, в частности, скульптор Альфред Носсиг (1864–1943), один из ведущих защитников сионизма в Восточной Галиции, и польский художник Леопольд Пилиховский (1869–1933), убежденный сионист, который создал среди множества еврейских жанровые сцены, картина-погром, известная как Pietà (ок.1911). Носсиг и Пилиховски были организаторами первой общеевропейской выставки еврейского искусства в Берлине в 1907 году. Художник-югендстиль, уроженец Галиции, Э.М. Лилиен (1874–1925), презирая так называемые «картины гетто» (нем. , Ghettobilder ) художников еврейского жанра, создав, пожалуй, самое яркое и известное слияние еврейской политики и христианской иконографии в своем часто воспроизводимом офорте 1903 года Le-Metim ‘al kidush ha-shem be-Kishinov (Посвящается Мученики Кишиневские; см. Изображение слева).В центре Лилиен поместила прямую фигуру старика-еврея, закутанного в молитвенный платок, привязанного к горящему столбу и перевязанного веревкой через грудь и ноги. Сразу позади и справа от него находится крылатый ангел, держащий свиток Торы и целующий мученика в лоб, что является явным намеком на воскресение. Ступни ангела, идущие влево, соединяются со свитком справа, образуя диагональную линию, напоминающую крест. Здесь Лилиен изобрела своего рода сионистское распятие.Его изображение долгое время оставалось популярным символом еврейских страданий в изгнании из Восточной Европы, его следы очевидны в фантастических распятиях Марка Шагала во время войны (см., Например, Белое Распятие; 1938, Художественный институт им. Чикаго). Лилиен также написала самую известную «пророческую» фотографию основателя сионизма Теодора Герцля с видом на Рейн, словно на берег Земли Обетованной.
Хотя их работа способствовала созданию транснациональной еврейской иконографии, еврейские пионеры современного восточноевропейского искусства, включая художников Исаака Левитана (1860–1900), Леонида Пастернака (1862–1945) и Шандора Бихари (1856–1906) а скульптор Марк Антокольский (1843–1902) также привнес современные технические эксперименты в новаторский подход к краеведческой истории и географии.При этом эти художники значительно расширили рамки восточноевропейского искусства. Например, Левитан, сыгравший знаковую роль в построении канонического русского пейзажа, работал преимущественно в стиле французской барбизонской школы. Бихари также передал эстетические ценности немецкой и французской пленэрной живописи в своих важных региональных исследованиях венгерской сельской местности. Антокольский создал одни из первых образцов светской исторической скульптуры в России. Большая часть его весьма оригинального вклада в русскую реалистическую скульптуру была посвящена эпическим русским сюжетам; даже работы, в которых явно рассматриваются еврейские темы, такие как ранний и незаконченный рельеф Napadeniie inkvizitsii na evreev (Нападение инквизиции на евреев Испании; 1868), более примечательны тем, что являются драматическими экспериментами в форме и использованием материала, а не из-за их еврейского содержания.Пастернак, выдающийся русский импрессионист и художественный педагог, создал салонные портреты ряда еврейских литераторов. Несмотря на (или, возможно, из-за) его личная двойственность в отношении отношения между еврейством и тем, что он называл «международным» средством искусства, Пастернак решительно сопротивлялся набожной символике еврейской жанровой живописи; примечательно, что его погромные зарисовки так и не попали на холст.
Пастернак, Антокольский, Левитан и другие представляют собой гораздо более широкое социальное направление, чем небольшое количество художников, воспринявших эстетические запросы националистического этоса.Десятки восточноевропейских художников и скульпторов еврейского происхождения, которые составляли первое и второе поколение еврейских художников, формально обучавшихся за границей и дома, в частных художественных школах и имперских академиях, никогда не обращались к еврейским предметам. Фактически, в отсутствие наглядных свидетельств инвестиций в политику еврейской иконографии конца XIX века выдающиеся достижения евреев из Восточной Европы, таких как Валентин Серов (1865–1911), Леон Бакст (1866–1924), Борис Анисфельд (1879) –1973), Роберт Фальк (1886–1958), Наум Габо (1890–1977) и Хаим Сутин (1893–1943) активно бросают вызов загруженному определению еврейского искусства.В то же время присвоение еврейской иконографии российскими художниками, такими как Наталья Гончарова (см. Ее Evreiskaia semiia [Еврейская семья]; 1910–1911), демонстрирует, что в рамках все более космополитической культуры восточноевропейского искусства еврейские подданные обрели жизнь. сами по себе, как символы имперской экзотики. Провокационная работа Михаила Ларионова « Evreiskaia venera » (Еврейская Венера; 1912, Екатеринбургская картинная галерея), например, представляет собой наглядный пример того, каким образом еврейство могло функционировать как символ собственного пограничного положения России между Европой и Азией.
Видение во время революции
После войны и революции многие еврейские художники в Восточной Европе активно отказались как от национальной еврейской, так и от космополитической имперской идиомы. Подобно другим членам еврейской интеллектуальной и культурной элиты Восточной Европы, некоторые из них стали активными участниками, создавая новые художественные движения, полностью оторванные от условностей реализма, романтических и других, которые управляли живописью и скульптурой в девятнадцатом веке.Вовлеченное в радикальную политику и поэтику современного искусства, прежде всего в колонии художников La Ruche в Париже, новое поколение восточноевропейских еврейских художников стало авторами модернистского восстания против слезливой эстетики еврейской жанровой живописи. В экспериментальной работе еврейского авангарда видимые следы еврейства отражают поиск альтернативной традиции репрезентации, уходящей корнями в археологию народной культуры.
Этот переход в еврейской иконографии наиболее ярко проявляется в культурном сдвиге между Иегудой Пеном и его учениками в межвоенном Витебске.Сам Пен был одним из первых русских художников-евреев с академической подготовкой, приехавших из Литвы; в его когорту входили Антокольский, Мордехай Цеви Мане (1859–1886), Давид Ашкенази (1856–1902) и Моисей Маймон (1860–1924), родившиеся недалеко от Вильно. Творчество Пена во многом основано на традициях еврейской жанровой живописи; в то же время ряд его картин демонстрирует совершенно новый подход к обращению с еврейской тематикой. Самым важным источником грядущей революции в еврейском стиле является военный шедевр Пена « Часовщик » («Часовщик», 1914, Национальный художественный музей Беларуси, Минск; см. Изображение вверху справа).По словам одного критика, эта картина фиксирует «материальность времени», центральную тему творчества Пена.