Кристина краснянская: 10 частных коллекций: галерея «Эритаж» Кристины Краснянской

Содержание

каким был ар-деко в СССР • Интерьер+Дизайн

В столичной галерее Эритаж открылась выставка «Постконструктивизм, или рождение советского ар-деко: Париж – Нью- Йорк – Москва». Подробно о проекте, о личном опыте коллекционирования и продвижения дизайна рассказывает искусствовед и галерист Кристина Краснянская. Специально для interior.ru.

По теме: Russian Art & Antique Fair: дебют в новом формате

Коварный период Главная тема галереи «Эритаж» — советский дизайн, эта специализация сложилась постепенно: мы начинали с художников русского зарубежья, которых и сейчас любим и выставляем, но теперь пристально изучаем направления в дизайне от авангарда до конца 1960-х годов. Тема мало исследованная — много открытий, много сюрпризов.

В академической среде термин «советское ар-деко» не принят, также как не приняты официально «русский импрессионизм» и «русский экспрессионизм». Все они попали в поле дискуссий. Поэтому нам вдвойне интересно было сделать такую выставку.

И.А.Фомин. Соавтор Н.Н. Андриканис. Проект станции «Красные ворота», 1934. Вестибюль. Интерьер нижнего зала © Государственный музей архитектуры им. А.В. Щусева

У проекта два автора — я и искусствовед, специалист по советскому ар-деко, куратор Центра Авангарда, Александра Селиванова. Мы сосредоточились на коротком периоде с 1932 по 1937 годы, когда конструктивизм вышел из фавора и начался переход к неоклассике, сталинскому ампиру и архитектуре высоток. Многие считают, что сталинская архитектура появилась сразу после конструктивизма, это не совсем так. Надеюсь, нам удалось показать, как все происходило на самом деле.

Ширма-замок. По проекту А. Дмитриева. Детская военно-трудовая коммуна. ЛЕНОБЛОНО. 1934. Дуб. Частная коллекция.

История вопроса Поскольку сам стиль зародился не в СССР, на выставке представлен Париж с референсом на выставку 1925 года, с которой началось триумфальное шествие ар-деко.

Важен для нас был и Нью-Йорк, поскольку многие советские архитекторы впервые узнали этот стиль именно через Америку. Streamline — эстетика обтекаемых форм стала источником вдохновения для советских авторов. Известно, что американский архитектор Луис Кан приезжал по приглашению Сталина и работал в Советском Союзе: проектировал, обучал наших архитекторов и инженеров. Вместе с американцами было построено 500 промышленных объектов. Индустриализация страны не могла проходить без западного опыта. США переживали период депрессии, поэтому американские проектировщики охотно принимали приглашение работать в СССР. Таким образом мы получили и опыт, и элементы стиля, который нас объедняет и роднит — стиля ар-деко.

И. Голосов, при участии А.С. Алимова, В.А. Мыслина, М.И. Рогайлова. Проект Дворца Советов. Закрытый конкурс 1932 г. Главный фасад. © Государственный музей архитектуры им. А.В. Щусева

Бескомпромиссный отбор Нет сомнений в том, что советский вариант ар-деко сильно отличался от того, что делалось в это время в Европе и Америке. У страны не было финансов для того, чтобы воплотить всю роскошь, все декоративное богатство ар-деко. Однако возникло оригинальное понимание стиля — отечественные архитекторы изо всех сил пытались сохранить принципы конструктивизма, но добавляли декор с новыми узнаваемыми элементами. Поэтому советский ар-деко принято называть конструктивизмом. Мы с Александрой Селивановой старались, чтобы все вещи были честными, чтобы стиль читался очень внятно. Эксперимент оказался непростым. Споры вызывали даже работы Александры Экстер. В ее графике есть сильное ощущение ар-деко, но она и ключевая фигура русского авангарда. Нам же хотелось быть последовательными и показывать не авангард, а именно постконструктивизм.

Д.Ф. Фридман, при участии В. Кузьменко, художник Ю.И. Пименов. Проект центральной подстанции метрополитена, нач. 1930-х. Фрагмент перспективы. © Государственный музей архитектуры им. А.В. Щусева

Три страны  — три зала Экспозиция поделена на три части: есть зал Парижа, «советский зал» и зал, посвященный Нью-Йорку. Мы отобрали настоящие французские вещи и работы художников русского зарубежья, которые трудились в 1920-1930-е годы во Франции: Сони Делоне, Осипа Цадкина, Эрте, Георгия Артемова, Александра Архипенко, Павла Челищева, Поля Мака. Будут два великолепных стула с лайнера «Иль-де Франс» — первого океанского лайнера, популярного не за счет технических характеристик, а за счет роскошных интерьеров. Есть вещи и с лайнера «Нормандия», спроектированного русским инженером Сергеем Юркевичем.

Эрте. Нил. Эскиз костюмов. Ревю «Цветы». 1923. Бумага, тушь, перо, кисть, гуашь, золотая и серебряная краска. Частная коллекция.

Наряды и модные журналы

Помимо живописи, графики, скульптуры, мы отобрали французские, американские и советские костюмы в стиле ар-деко из частных коллекций. Я была удивлена, насколько интересные, ценные, редкие вещи собраны нашими московскими коллекционерами — не одним Александром Васильевым жива мода ХХ века!  Гостей нашей выставки ждут модные журналы СССР, в которых давались вполне передовые рекомендации относительно того, что носить, с чем и как. Давали редакторы журналов и советы красоты: я была поражена, поскольку нашла рекомендации даже по уколам красоты и круговой подтяжке — и это в 1930-е годы в СССР!

Иосиф Вакс. Интерьер, 1935. Частная коллекция.

Музейные и частные собрания Мы благодарны музеям: Музей архитектуры имени Щусева любезно дает нам архитектурную графику —  эффектные листы с проектами советского метро, а также градостроительные эксперименты архитекторов — Алексея Щусева, Ильи Голосова, Ивана Фомина, Алексея Душкина, Якова Лихтенберга, Дмитрия Чечулина. Из Театрального музея имени Бахрушина будут эскизы декораций и эскизы костюмов. И, наконец, Музей декоративно-прикладного искусства дает нам мелкую пластику, фарфор и еще кое-что.  Коллекционер Алик Лахман дал нам прекрасную женскую голову — скульптуру Александра Дейнеки, фарфор Янека Ковальского, преподавателя Вхутемаса-Вхутеина.

Великолепные вещи дал Ильдар Галеев. Не буду раскрывать все секреты — концентрация прекрасных вещей велика.

А. В. Щусев. Эскиз для всесоюзного конкурса на проектирование Дворца Советов, нач. 1930-х. © Государственный музей архитектуры им. А.В. Щусева

Советский дизайн на Западе Советским дизайном традиционно интересуются американцы. Еще в период перестройки они активно вывозили из России агитационный фарфор и агитлак. И агитфарфор и агитлак — хорошо узнаваемые бренды. Эти вещи давно продаются на аукционах. Западные коллекционеры знают, о чем идет речь, понимают смысл и ценность этих вещей, несмотря на то, что рынок испорчен большим количеством подделок. С мебелью сложнее. До недавнего времени почти все покупатели дизайнерской мебели советского периода у меня были русские. Только представители музеев интересовались мебелью. Сегодня есть постоянные коллекционеры из Швейцарии и Германии. Самую первую вещь, на ярмарке Design Miami Basel, у меня купила дама, коллекционер из Парижа с русскими корнями.

Заветный план Сегодня моя мечта — привезти выставку в Америку. Наиболее подходящей по формату мне кажется ярмарка The Salon Art+Design. Мы участвовали в Design Miami в основном в Базеле и в Майами мы были один раз— но для нас там слишком сильна ориентация на современный коллекционный дизайн. Однако во всем есть свой смысл. Именно в Майами на нас обратил внимание нью-йоркский национальный музей дизайна Cooper Hewitt. Замдиректора этого прославленного музея — специалист по агитационному текстилю. Нам предложили сотрудничество и мы надеемся, что эта идея даст плоды.

Галерея «Эритаж». До 15 апреля 2018.

Искусство в интерьере: фото квартиры Кристины Краснянской

Крупные локоны, нежное ­платьице, мягкий голос: «Де­вочка из хорошей се­мьи» назывался бы ее портрет, нарисуй его кто-то из реалистов. Тут, впрочем, никакой ошибки нет: дочь углепромышленника Георгия Краснянского, выпускница экономфака МГИМО и Института культурного просветительства воспитанна и образованна безукоризненно. Десять-двенадцать лет назад едва ли не каждая молодая и красивая девушка в столице, устав от титула светской львицы, становилась дизайнером интерьеров или галеристкой. Имена их самих, как и названия галерей, с тех пор канули в Лету, а вот Кристина Краснянская не только удержала свою галерею «Эритаж» на плаву, но и заработала репутацию — она арт-дилер, куратор множества выставок в зарубежных музеях, с недавних пор — попечитель знаменитой коллекции Костаки, важнейшего собрания русского авангарда и нонконформизма в Музее современного искусства в Салониках. В насыщенном арт-мире столицы она сумела занять свою нишу — по живописи художников русской эмиграции первой волны и мебели и предметам интерьера советской эпохи.

У изголовья хозяйской кровати — картина «Флейтист» Дмитрия Иконникова

Мы беседуем в ее новой квартире на Якиманке с видом на Центральный дом художника и Крымский мост. В серых стенах со ­светло-коричневыми ореховыми панелями, под черными светильниками соседствуют стулья классика датского модернизма Ханса Вегнера, итальянский комод в стиле novecento и французская ваза 1950-х годов. На стенах — любимые Кристиной художники: Поляков, Ланской, Зверев, Булатов. «Мне было важно соединить у себя дома работы разных жанров и направлений из моей личной коллекции», — говорит Кристина. Любимая вещь хозяйки — метровая скульптура «Тотем» итальянского дизайнера Этторе Соттсасса, столетие со дня рождения которого отмечалось в прошлом году. «Я увидела ее на выставке в Базеле и просто не смогла пройти мимо. Это керамическая скульптура с уникальным провенансом — она принадлежала вдове автора. У меня уже несколько раз хотели ее купить, но я твердо намерена оставить скульптуру себе».

На кухне — стол и кресла, спроектированные американским модернистом Уорреном Платнером, полотна — Сержа Полякова

«Я занималась традиционными жанрами искусства: живописью и графикой, — рассказывает Кристина. — На все предложения обратить внимание на предметы мебели и дизайна я отвечала категорическим отказом. Считала, что меня это никогда не заинтересует. Как говорится, never say never». В 2011 году вместе с авторитетными французскими галереями, специалистом по XVIII веку Didier Aaron и установившей моду на семидесятые Yves Gastou, Краснянская провела в Мос­кве масштабную выставку коллекционной мебели: там были кресла, зеркала, часы, столики и секретеры знаменитых мебельщиков XVIII столетия Жан-Франсуа Эбена, Мартин-Гийома Бьенне и Жан-Жака Вернера и предметы от нынешних звезд авангардного дизайна вроде космического кресла Джо Коломбо, ярко-желтого пластикового письменного стола Мориса Цалки или кубической консоли Этторе Соттсасса.

Под абстракцией Андре Ланского «Ветер-конвоир», 1958, стоят лампа работы Гаи Ауленти, скульптура-капуста Buccellati и ваза Aldo Cibic. На столе — советский сервиз 1970-х годов

Увлекшись интерьером, наша героиня открыла для себя и советское мебельное наследие: «На выставке Design Miami/Basel я подошла к стенду датской галереи Dansk Møbelkunst, и счастливый владелец похвастался, что только что Роман Абрамович выкупил у него всю коллекцию. Я посмотрела на эти лаконичные кресла, стулья, раздвижной стол и торшеры и отчетливо вспомнила свое советское детство». Но сентиментальность уступила место трезвому расчету — по прошествии времени уникальных рудиментов советского интерьера будет оставаться все меньше, следовательно, они будут постоянно расти в цене. Был в этом и профессиональный вызов: «Как куратору мне стало интересно представить советский дизайн на самом высоком уровне — как искусствоведческом, так и рыночном. Причем речь не про российский, а про между­народный контекст. С этого момента советское постепенно становилось главной темой, которой мы занимаемся».

В 2014 году ее галерея «Эритаж» уже сама показала вещи советского периода на престижной выставке Design Miami/Basel, став первой и единственной попавшей туда российской галереей, а в 2015-м Кристина собрала из раритетов выставку «Советский дизайн. От ­конструктивизма к модернизму, 1920–1960-е» в московском Музее архитектуры. Для экспозиции Краснянской удалось разыскать настоящие сокровища: стул из Дома на набережной авторства архитектора Бориса Иофана, резной мебельный гарнитур «Хлеба коммунизма» и кресло-лесенку из карельской березы, подаренное «всесоюзному старосте» Калинину сотрудниками Театра оперы и балета им. Кирова (нынешний Мариинский). Музейное руководство сперва смотрело на молодую выскочку с подозрением, однако в итоге успех был такой, что выставку продлевали два раза.

Кристина позирует на фоне фотографии американца Уильяма Кляйна из марокканской серии, 1958. На винтажном комоде — вазы работы испанского дизайнера Хайме Айона.
На Кристине: платье из шелка и полиэстера, туфли, все Dior

Десятилетие своей галереи Кристина тоже отмечает экспозицией — «Рождение советского ар-деко». Практически неизвестный широкой публике социалистический вариант этого стиля, знакомый нам по высоткам и станциям метро, будет представлен в одном ряду с эталонными образцами жанра из Нью-Йорка и Парижа. Она уверена, что новый проект будет интересен как коллекционерам, так и дизайнерам интерьеров.

«Мы идем к тому, чтобы совмещать в своих выставках и собраниях вещи разных направлений, эпох», — Кристина не без удовлетворения оглядывает собственную гостиную и приводит в пример коллекцию Ива Сен-Лорана, в которой были и вазы династии Цинь, и диваны-канапе эпохи Людовика XVI, и французское ар-деко с Мондрианом.

На столике David Dubois из каррарского мрамора, дуба и кожи — ваза швейцарского скульптора Данило Куретти, 1960-е. Керамика Хайме Айона в гостиной соседствует с культовой скульптурой-тотемом Этторе Соттсасса

Мне все больше нравится создавать интерьеры, не просто картины подобрать и развесить, а как-то не­ожи­данно обыграть пространство. Я часто бываю в домах, где хозяева собирают искусство: на стенах висят шедевры, а интересной мебели и предметов в них нет. Или вообще меня приглашают в квартиру, где все монохромно, серо — грусть-тоска. Хозяин хочет что-то менять, но не стены же сносить. Выход — это самое разно­образное искусство. Ты приносишь с со­бой притягиваю­щие взгляд объекты, картины, фотографии — не обязательно супердорогие, есть мно­го доступных работ, — и они сразу меняют интерьер, он оживает».

То же самое касается антиквариата и винтажа. Старые вещи дают ощущение времени, добавляют пространству исторической глубины и достоверности. «Невозможно остаться равнодушным к истории вещей, если знаешь, к какому периоду предмет относится, откуда он, что за ним стоит: причем это касается и советской эпохи, на которую у нас в силу понятных вещей принято смотреть без особого уважения. Галерея «Эритаж» и существует для того, чтобы посмотреть на дизайн того времени по-новому».

На стене гостевой спальни — работа Оксаны Мась из серии People, 2008. На тумбе — коллаж Андре Ланского, 1960-е. Перед ним — бокал Fornasetti

Переквалифицироваться полностью в декораторы, однако, нет ни желания, ни возможности: у нашей героини громадье планов и более того — обязательств. Главное для нее в этом году — конечно же, перезапуск Музея современного искусства в Салониках, в попечительский совет которого ее недавно выбрали по предложению директора — Марии Цанцаноглу. Отказаться от возможности поработать с одной из самых выдающихся коллекций русского авангарда, собранной легендарным Костаки, другом и благодетелем всех неофициальных художников советского времени, было невозможно. «Все, что Костаки вывез из СССР, Министерство культуры Греции в 1997 году выкупило у его дочери Алики. Если у Sotheby’s и Christie’s выставляются на торги работы наших авангардистов — они зачастую едут в Салоники за экспертным советом. Потому что это единственный музей, обладающий наиболее полной коллекцией русского авангарда за рубежом. Наша задача — помощь в глобальном перезапуске музея, начиная с фирменного стиля и заканчивая новой экспозицией».

Она уже делала выставку скульптора Алексея Морозова в Археологическом музее Неаполя и выставку украинской художницы Оксаны Мась в Милане. «Но Костаки — выход на совершенно другой уровень и другая ответственность». Кристина признается: «Я мечта­тельница по натуре, романтик. Кстати, вы знаете, что я начинаю выпускать журнал о поэзии, где будут в унисон говорить и художники, и поэты». Первый номер посвящен, конечно же, авангарду!»

Кристина на фоне работы Эрика Булатова «Дом», 1992. Рядом — вазы из стекла и керамики Aldo Cibic. На Кристине: блузка Christopher Kane, хлопковая юбка Max Mara, босоножки Miu Miu

Подпишитесь и станьте на шаг ближе к профессионалам мира моды.

Фото: Михаил Степанов, Таурас Демидов

Кристина Краснянская: «Наш материал нетипичный, понятно, что конкурентов на Art Basel у меня нет»

Кристина Краснянская на стенде галереи «Эритаж» на ярмарке BRAFA. 2019

Вы не в первый раз едете на Art Basel. Объясните почему.

Знаете, в этом году я еду не в Базель, а на Art Basel в Майами-Бич. Я сделала такой выбор по двум причинам. Первая. Несмотря на все санкции, противостояние и политические нюансы, американцы относятся с большим интересом и симпатией к тем вещам, которые мы показываем. Они рассматривают их не как атрибутику тоталитарного режима, а как произведения искусства, как что-то очень любопытное, аутентичное. И вторая. В этом году нас, галерею «Эритаж», пригласила очень крупная и важная ярмарка Salon Art + Design в Нью-Йорке. Она проходит в ноябре. Логично, что оттуда мы поедем в Майами. А еще у нас выходит книга о советском дизайне как раз в конце лета — мы собираемся там ее презентовать. А на Art Basel в Швейцарии я поеду не как участница, а как гостья.

Как случилось, что вы выбрали именно Art Basel и ее «сестер», ведь в мире немало других сильных ярмарок? 

Давайте вспомним, что такое Art Basel. Ярмарке почти 50 лет, это одна из самых важных ярмарок современного искусства, хотя там представлен и модернизм. В ней участвуют крупнейшие и сильнейшие галереи. Ярмарка заслужила такую репутацию благодаря, конечно же, очень профессиональной команде организаторов, потому что любая ярмарка хороша продажами — а на Art Basel покупают. Она меня поразила в первый же раз, когда я увидела очередь, как в мавзолей в советские времена, состоящую из серьезных коллекционеров — мужчин в костюмах, при галстуках.

Мебельный гарнитур «Хлеба коммунизма». Игорь Крестовский. 1937. Выставка «Новое искусство нового государства» в галерее «Эритаж». 2017

Куда они стояли?

Они стояли в так называемый First choice track. Это были коллекционеры, приглашенные на самый приоритетный и самый закрытый показ в 11 часов утра. 

Представляете, люди, прилетающие на собственных самолетах, выстраиваются в очередь, для того чтобы ринуться внутрь и бежать в попытке быстрее купить то, что им уже заранее «отложили». Естественно, они подготовлены, они знают, чего хотят, они пришли, чтобы подтвердить свою покупку. Если бы мне о таком рассказали лет десять назад, я бы в жизни не поверила, но это действительно так. 

У ярмарки есть несколько открытий, точнее, первые два дня состоят только из вернисажей. Вот этот First choice track — для самых главных коллекционеров. Потом просто открытие для главных коллекционеров, в четыре часа дня. На следующий день пускают тоже только по приглашениям или по ВИП-картам; их заранее присылают, то есть купить приглашение невозможно, передать карту тоже.

Стул для Дома на набережной. Борис Иофан. Конец 1920-х

А потом уже приходит публика?

Да, дальше пускают всех желающих посмотреть и купить искусство. Это действительно очень стройная, отлаженная система, и галереи серьезно готовятся к мероприятию, выбирают лучшие произведения, заранее оповещают коллекционеров о них. Я несколько раз в Базеле для клиентов что-то покупала. От начала обсуждения вещи с галеристом и звонка клиенту до покупки проходило не более часа — настолько быстро там все совершается. И после двух первых дней ВИП-открытий фактически 50% Art Basel уже продано. 

Design Miami/Basel более демократична, чем Art Basel?

Нет, это просто, скажем так, отсек, где показывают дизайн. Что такое коллекционный дизайн? Это авторские вещи, либо уникальные, в единственном экземпляре, либо выпущенные очень ограниченным тиражом. 

Как правило, тираж этот в большинстве случаев, как и в скульптуре, восемь экземпляров плюс несколько авторских. Сейчас к коллекционному дизайну причисляются, в общем-то, вещи и большего тиража, но базово это так. И конечно, там выставляют как современный дизайн, так и винтажные работы знаменитых авторов. 

Стенд галереи «Эритаж» на ярмарке Design Miami/Basel. 2018

Сейчас Design Miami/Basel занимает целое здание в несколько этажей. Находится оно напротив Art Basel, и между ними даже есть внутренний переход. Естественно, те, кто приезжает на Art Basel, — это та же аудитория, что приходит на Design Miami/Basel. Так повелось, что дизайнерская ярмарка открывается за день до художественной, и в 11 часов в день открытия там происходит та же самая история. Пока я ездила в Базель как посетитель, участие в ярмарке казалось мне недостижимой мечтой.

И как же вы осмелились мечту осуществить? 

После случая, когда Крейг Робинс, основатель и совладелец Design Miami, водил меня по ярмарке, рассказывал о галереях, о предметах. В какой-то момент я обратила внимание на стенд галереи Dansk Mobel Kunst с очень аскетичной, простых форм, минималистической датской мебелью. Она навела меня на мысль о мебели советской, которую я видела в детстве. Вот тогда-то у меня и родилась идея, немного безумная. Я предложила Крейгу показать советский дизайн. Как у любого иностранца, он у Робинса ассоциировался с авангардом, поэтому он решил, что я собираюсь именно его показывать. А я говорю: «Ну почему обязательно авангард?» В общем, он дал мне шанс показать что-то на этой ярмарке.

Николай Силис. Скульптура «Конькобежцы». 1960-е. Стенд галереи «Эритаж» на ярмарке Design Miami/Basel. 2012

Получается, вы попали по блату?

Блат очень относительный. Попасть на ярмарку практически невозможно. По официальной статистике, ежегодно на Art Basel отказ получает около тысячи галерей, на Design Miami/Basel — сотни. И конечно же, никакой блат тут не поможет. Просто Робинсу понравилась идея, ему стало интересно: что я могу показать? А дальше… могу целую новеллу написать о том, как мы собирали материал. 

Первый наш показ был связан с темой «От авангарда к поставангарду». Мы выставляли фарфор 1920–1930-х годов и мебель архитектора Бориса Иофана в диалоге с вещами, сделанными уже в 1960-е годы, в период оттепели, в совершенно другой эстетике, когда нашим дизайнерам было позволено вновь обращаться к идеям русских авангардистов и Баухауса. В результате мы имели оглушительный успех. 

Фрагмент выставки «Постконструктивизм, или Рождение советского ар-деко: Париж – Нью-Йорк – Москва» в галерее «Эритаж». 2018

Потом каждый год мы старались удивлять. Показывали сталинский ампир и мебель из домов-коммун, советское ар-деко. Организаторы ярмарки были нами очень довольны, каждый раз говорили, что мы делаем “good job”, «хорошую работу». Конечно, им нравится, ведь наш материал нетипичный, понятно, что конкурентов у меня там нет, а для них это изюминка.

Скорее, перчинка. Ну а как с продажами? 

У нас покупают в основном русские коллекционеры. Наверное, им приятен сам факт того, что вещь приобретается в Базеле. Бренд работает. 

Но за эти годы, надо отдать должное Art Basel, у нас сложилась своя аудитория. Появился интерес западных институций, они хотят делать с нами совместные выставки.

Деталь лампы «Молодежный фестиваль дружбы народов». Дмитрий Богатырев, Галина Столбова. 1957. Стенд галереи «Эритаж» на ярмарке BRAFA. 2019

А как зрителю чем вам интересна ярмарка?

Это всегда хороший срез ситуации в искусстве и на рынке. Можно понять, что сегодня пользуется спросом, сориентироваться в ценах, найти новые имена. Там можно увидеть самые мощные галереи США, Европы и Латинской Америки. 

И вообще, Базель — замечательный город, особенно когда там проходит Art Basel, которую сопровождают интереснейшие параллельные программы. 

«Перископ» — чудесный проект, где всегда можно обнаружить новые имена. Замечательный проект Unlimited. В самом городе прекрасные музеи, один из моих любимейших — Фонд Бейелера. Там постоянно проходят потрясающие выставки, и там роскошный сад. 

Когда меня спрашивают, какие ярмарки стоит посетить, я отвечаю, что человеку без профессионального интереса посещение большинства ярмарок может быть тяжеловато. А на Art Basel как раз имеет смысл поехать. 

Специальное приложение Art Basel к The Art Newspaper Russia N 74

«Есть пять основных принципов коллекционирования» • ARTANDHOUSES

С 21 февраля по 30 апреля в московской галерее «Эритаж» пройдет выставка «Постконструктивизм, или Рождение советского ар-деко: Париж — Нью-Йорк — Москва», проводящая параллели и ищущая пересечения и влияния в искусстве, архитектуре и дизайне в России, Америке и Франции в 1920–30-е годы. Этой экспозицией галерея отмечает свой 10-летний юбилей, в преддверии которого ее основатель Кристина Краснянская рассказала ARTANDHOUSES о различиях между коллекционерами и инвесторами, о вере в «сарафанное радио» и пользе арт-консультантов.

В последние годы вы делали несколько музейных проектов в России, но новости о работе галереи в основном доходили из-за рубежа — об участии в Design Miami. Почему?

Был период, когда было очень много проектов — я бралась за всё, и мне было важно, чтобы постоянно велась активная выставочная деятельность. Сейчас это менее актуально по нескольким причинам. Со временем всё-таки количество перерастает в качество, и ты уже за всё не хватаешься. Мы делаем достаточно сложные проекты, которые требуют довольно долгой подготовки, в частности, со сбором материала. Поэтому делать их много и часто просто не получается, а делать что-то простое мне не интересно.

Так получилось, что деятельность галереи с фокуса на художниках русского зарубежья — хотя подчеркну, что мы и это направление не забываем и включаем работы в выставки, — плавно перетекла на тему советского дизайна. Но выставки последнего времени тем не менее намного шире: они включают в себя не только дизайн, но и живопись, графику, архитектуру. Мне нравится, что они насыщенные, эклектичные, вижу, что этот выставочный тренд поддерживают и другие. Потому что когда у тебя такого рода экспозиция, то ты можешь увидеть не только что-то вырванное из контекста, а сразу весь контекст.

То есть поэтому, следуя трендам, вы стали работать и с современными художниками?

Конечно, у правильной галереи должен быть определенный фокус, но я, несмотря на то, что мы концентрируемся на первой половине XX века, с удовольствием поддерживаю современных художников. Некоторым даже помогаю с продвижением на Западе: в позапрошлом году курировала проект скульптора Алексея Морозова в Археологическом музее Неаполя. А в прошлом году была сокуратором выставки Оксаны Мась в музее MAGA под Миланом, где ее работы были вписаны в экспозицию мастеров арте повера — Фонтаны, Кастеллани и других. Кстати, патроны этого музея — семья Миссони, и у меня сейчас есть идея сделать выставку об их модном доме в Москве.

William Klein
«Tatiana, Mary Rose and Camels, Picnic, Morocco»
1958

Вашей галерее исполняется десять лет. Как вы считаете, для галереи в России это много или мало?

Учитывая рыночную и политическую конъюнктуру, мне кажется, что это прилично. В мировом контексте, конечно, мало, а для нашего российского — достаточно. Особенно помня о том, что за это время мы пережили несколько кризисов.

Как ваша галерея пережила кризисы?

Первый очень легко. Он, скорее, задел международные аукционные дома, ведь кризис был действительно мировой, и люди не хотели давать вещи для публичных продаж. Второй — тяжелее, так как он был связан с нашими коллекционерами, с нашими политическими и экономическими событиями. Поэтому произошла своего рода ротация: люди, которые много и активно покупали искусство, по тем или иным причинам перестают покупать, но появляются новые покупатели. Наш бизнес так устроен, что галерея должна быть гибким организмом и подстраиваться под обстоятельства. Мне всегда было интересно удержать баланс между коммерческим и кураторским аспектами.

Помню, несколько лет назад вы сетовали на отсутствие в галерее арт-директора. Вы его нашли или продолжаете всё делать сами?

К сожалению, продолжаю сама им быть, хотя регулярно думаю о том, чтобы такой человек появился.

Возвращаясь в прошлое… У вас экономическое и искусствоведческое образование. Учиться на искусствоведа вы пошли целенаправленно, чтобы впоследствии открыть галерею?

Да. Тогда я уже работала в одной частной галерее закрытого типа у своих знакомых. Она специализировалась на классической живописи, а с моим приходом они начали заниматься и современным искусством. Это было великолепное время! Такое поле для маневров, где я могла изучить, как устроена галерея и вообще этот бизнес изнутри. В какой-то момент там даже так сложились обстоятельства, что мне пришлось активно заниматься продажами, вести финансовые дела галереи. Так что это была такая хорошая школа.

Ib Kofod Larsen, легкое кресло, 1950 / Borge Mogensen, софа, 1962

Почему вы тоже решили изначально делать галерею закрытого типа?

Я просто не верю, что у нас по улице ходят коллекционеры, которые заглядывают в окна. Мне кажется, в нашей стране тема коллекционирования до сих пор закрытая, и лучше всего здесь работает «сарафанное радио», наработанный авторитет среди коллекционеров, когда они к тебе возвращаются и тебя рекомендуют. Наверное, это и есть лучшая реклама.

То есть наши галеристы сами продолжают поддерживать ауру элитарности коллекционирования и создавать некую магию вокруг?

Я считаю, что коллекционирование — это и есть магия. И всегда говорю, что клуб коллекционеров — это закрытый клуб и, по сути, удел избранных. Потому что мало иметь много денег и возможность покупать дорогие предметы искусства, даже мало просто прочесть книги, ходить по выставкам и ярмаркам или получить какое-то специальное образование. Ведь поймите, что далеко не все люди готовы и не всех заражает этот дух собирательства. Даже те, которые что-то покупают, не обязательно становятся коллекционерами. Настоящие коллекционеры — очень сложные люди. И, если честно, в чем-то даже одержимые. Они живут этим и совершенно по-другому воспринимают искусство. Потому что искусство — условная категория. Оно не входит в число предметов первой необходимости, даже не входит в число luxury goods, таких как шикарный автомобиль, крупные бриллианты, яхта или дом на Лазурном Берегу. Это то, что нужно почувствовать сердцем, то, на что нужно иметь «глаз» и вкус. Да, можно, ходя по выставкам, запоминать имена и популярные направления, но понимать искусство и коллекционировать, глубоко изучать его тонкости интересно далеко не всем. И способны на это не все. Поэтому клуб этих людей, зараженных «бациллой» коллекционирования, которым нравится в этом вариться, которые ревностно относятся к покупкам друг друга и следят годами за вещами, которым нравится давать свои работы в музеи, чтобы они «жили» какой-то своей жизнью и набирали провенанс, закрыт. Чтобы войти в него, мало просто иметь деньги. Более того, есть известные коллекции, когда люди покупали произведения совсем не за баснословные деньги, просто у них были хорошее чутье и знания, ну и хорошие консультанты.

Вы сейчас описали фигуру, вероятно, канонического страстного коллекционера. Получается, тех, кто собирает в инвестиционных целях, вы коллекционером не считаете?

Я всегда говорю: есть покупатели, а есть коллекционеры. Покупатели — это те, кто покупают искусство в дом, для подарка, иногда под воздействием эмоций, что особенно часто случается на ярмарках. А есть коллекционеры, другая категория, совсем не мифологическая. У нас в стране, например, есть таких человек десять.

Те же, кто покупает в инвестиционных целях, — просто инвесторы. Конечно, в искусстве крутятся большие деньги и многие хотят в это вложить, чтобы потом получить сверхдоход. Но для этого либо надо очень хорошо знать этот рынок, следить за ним не меньше, чем за фондовым, либо иметь рядом опытного консультанта. А лучше одно и другое сразу. Ну и вообще, я считаю, что есть более доходные и менее рисковые виды бизнеса, чем инвестиции в искусство.

Мы когда-то с Мэтью Стивенсоном, тогда главой русского отделения Christie’s, делали лекцию о том, как коллекционировать так, чтобы искусство было всегда ликвидным. Там было пять основных принципов.

Можете их озвучить?

Первое — это имя. Мы не говорим сейчас об инвестициях в emerging art (молодое искусство), а говорим о том, что человек хотел бы свои деньги вложить и если не преумножить, то как минимум сохранить. Это должен быть первый ряд имен.

Второе — это период. Потому что у любого художника есть период расцвета, а есть менее интересные — начало, когда он еще не сформировался, закат творчества. Важно понимать, что ты покупаешь лучший период этого автора.

Третье — сюжет. Должен быть узнаваемый сюжет, который характеризует этого художника, и в работе должны быть все его, скажем так, фишки. Если перед вами работа Пикассо и вы не узнаете, что это его рука, не нужно покупать с точки зрения инвестиций.

Четвертый — очень интересный параметр. Есть такое понятие: wallpower. Это значит, что работа должна быть эффектной. Даже, например, если это картина позднего Магритта, не лучшего периода, но если она эффектная, то может быть в дальнейшем хорошо реализована.

И последний пункт — это состояние работы и провенанс. Тут нужно смотреть сохранность произведения, вмешательство или нет реставраторов. И ее происхождение: кому она принадлежала, где выставлялась или в какой авторитетной галерее приобреталась.

Если этим нехитрым правилам следовать, то, мне кажется, успех вашим вложениям обеспечен.

David Dubois
«Strap table»
2014

Для чего же тогда будут нужны арт-консультанты?

Ну, не так легко этими правилами пользоваться (смеется). Нужно тратить огромное количество времени на изучение вопросов, причем по каждому художнику отдельно. И для того, чтобы обрести нужный объем информации, нужно, вероятно, полностью отключиться от своего основного дела.

Как появилось название вашей галереи?

Очень просто: мне хотелось дать название, чтобы, с одной стороны, оно было международным, а с другой — несло бы в себе смысл. И слово «эритаж» показалось универсальным, как говорят, с хорошей кармой.

Вы начинали с художников русского зарубежья, сейчас ушли в советский дизайн — всё наше наследие, да. А почему стали сюда привозить вещи зарубежных дизайнеров?

Еще когда я начинала, я поняла, что у нас в стране вообще не заполнена ниша под названием «коллекционный дизайн». И много лет назад я сделала выставку только западных вещей такого рода. Показала там лучшие хрестоматийные объекты, как антикварные, так и через весь XX век до современных дизайнеров Мартена Баса и Фабио Новембре. Мне было интересно посмотреть на реакцию людей, но тогда немногие оказались к этому готовы. Сегодня, к счастью, уже несколько человек такими вещами занимаются.

Мы же, особенно на этой выставке к юбилею галереи, сосредоточены на советском дизайне в широком международном контексте — стараемся показать, как влияла Америка и Франция на СССР, что оттуда к нам пришло и что есть аутентичного в советском дизайне.

Советский дизайн вы активно показываете на Западе. Как местные коллекционеры реагируют?

Западные музеи очень заинтересованы, и я веду ряд переговоров о показе. А коллекционерам нравится, но ведут себя настороженно — очень мало за рубежом литературы об этом. Хотя кроме русских покупателей у нас появились клиенты из Германии и Швейцарии, один француз с русскими корнями, и, надеюсь, появятся из Италии.

Вы в домашней коллекции тоже пользуетесь советской мебелью?

Конечно! Она же абсолютно утилитарна и придает шарм любому пространству. У меня дома есть и советские диван, секретер и стул, есть скандинавский дизайн середины прошлого века, вещи Этторе Соттсасса и современные дизайнеры.

#Кристина Краснянская. Интервью с куратором

 

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

Саша Фролова

01.04.21. В Новой Третьяковке на Крымском Валу открылась выставка «ДАЁШЬ КУЗБАСС!». Проект посвящен 300-летию Кузбасса. В экспозиции представлены 64 произведения, включая живопись, графику, скульптуру.  Кураторы: Сергей Фофанов, Анна Пахомова. Особенность настоящей выставки заключается в том, что на ней экспонируются произведения на индустриальную тему из двух основных художественных музеев региона – Музея изобразительных искусств Кузбасса и Новокузнецкого художественного музея. Экспозиция дополнена работами из фондов Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО», Государственного центрального музея современной истории России, Российской государственной библиотеки и Государственной Третьяковской галереи. Организаторы выставки вынесли название плаката Дейнеки в заглавие выставочного проекта. По замыслу кураторского коллектива экспозиция имеет три основных раздела. В первом представлены произведения искусства эпохи индустриализации, созданные художниками в 1920–1930-х годах. К этой части относятся работы из фондов РОСИЗО, и, в частности, специально отреставрированная центральная часть триптиха «Стахановцы Кузбасса». Второй раздел экспозиции демонстрирует работы 1960–1980-х годов, выполненные преимущественно мастерами местной художественной школы и приезжавшими в регион художниками. Авторы этого поколения стремились выразить пафос своего времени в крупных и лаконичных живописных, графических и скульптурных произведениях, в центре которых находился человек труда. Третий раздел выставки посвящен современному искусству. Здесь представлены произведения Павла Отдельнова, Егора Плотникова и Ильи Гапонова. В 2007 году Отдельнов и Плотников отправились в творческое путешествие для изучения Новокузнецкого и Западно-Сибирского металлургических комбинатов. Целью поездки стало переосмысление опыта художников 1920–1930-х годов. Другой участник выставки – уроженец Кемерово Илья Гапонов, первыми героями его картин стали шахтеры, написанные кузбасслаком – раствором каменноугольной смолы, полученной при разработке горных пород на Кузбассе. Выбор этого сугубо технического материала в качестве художественного средства позволило Гапонову совершить прорыв в традиционной монументальной живописи. Специально к выставке Илья Гапонов создал мурал (монументальное живописное произведение) «Кузбасс параллельный» (2021, 5х15 метров), который размещен в фойе Новой Третьяковки и предваряет проход на выставку «Даешь Кузбасс!». Выставка дополнена инсталляцией, на которой представлен фотоархив Спиридона Бывшего (1891 – 1937). Это уникальный фоторепортаж со строительства одного из главных объектов первой пятилетки – Коксохимзавода в Кузбассе (в то время называвшемся Щегловск). Фотохроника отражает все этапы строительства – от закладки фундамента до запуска предприятия. Выставка «Даёшь Кузбасс!» – самая крупная тематическая подборка художественных произведений, отражающих историю и культуру Кузбасса. Выставка работает по 10.05.21.

Егор Плотников

Егор Плотников

Фотографии предоставлены автором Егором Плотниковым

Павел Отдельнов

Фотографии предоставлены автором Павлом Отдельновым

02. 04.21. Галерея Светланы Сажиной представила проект Лизы Эшва «Урбантело женщины. Стихии». Это многолетнее творческое исследование Лиза Эшва посвятила теме взаимодействия современной женщины мегаполиса с первозданными стихиями. Проект исследует скрытые процессы сознания жительницы мегаполиса, выводя их в поле дикости и раскрепощения, фиксируя и одновременно делая их частью фотографического ритуала, наделяющего новыми качествами всех участников проекта. Фотографии здесь становятся не только фиксацией происходящего, но и  методом исследования себя и своих героев-соавторов. Участники проекта: Анна Третьякова, Алёна Горбачева, Лариса Тогулева, Наталья Тимофеева.

«Оставляя за кадром личные истории каждой героини, в сознании зрителя я трансформирую человеческую природу, достраивая и акцентируя существующую реальность, обнажая символизм глубинных и скрытых смыслов происходящего» – Лиза Эшва – «Используя концепцию четырех стихий ( первоэлементов – Земля, Вода, Огонь, Воздух), я на два года осознанно погрузила себя в особое состояние творческого исследования, уподобив его духовной практике. В проекте для меня важно вывести стихии, из роли изображаемого объекта в область изобразительного средства и даже соавтора, сжигая и закапывая фотографии, тем самым проявляя природу стихии, переходя от состояния концептуалиста, в роль наблюдателя мощной и, порой, неконтролируемой силы природных явлений, иронично играя с понятиями постановочной и документальной фотографии». Первая часть проекта «Урбантело женщины» – «Земля» была отснята, закопана, извлечена с 2019 по 2020 год, последняя часть проекта «Огонь» – отснята в 2019 и 2020 годах, сожжена в 2021 году. Выставка в галерее Светланы Сажиной работает по 22.04.21.

Фотографии предоставлены автором Лизой Эшва

03.04.21. 25Kadr Gallery представила персональную выставку Маши Ивановой «Интерблизость». С появлением новых средств коммуникации происходит постепенная трансформация ментальности. Сознание неминуемо оказывается погруженным в пространство искусственно созданных образов. Маша Иванова в своих работах представляет части человеческого тела в процессе взаимного сближения с цифровой средой. Конвергенция предполагает здесь не просто сближение, но процесс взаимопроникновения и взаимовлияния, что позволяет говорить о появлении новой формы телесности – дигитальной. C момента идентификации пользователя в сети через «имя» и «пароль» происходит открытие телесности. Следующий этап – самопрезентация. Проект «Интерблизость» показывает этот процесс не как раздвоение личности, распад или клонирование, а скорее как слияние с квазиреальностью, срастание с новой действительностью, и обретение нового себя, дополненного новым содержанием. Цифровые технологии и физическое тело начинают функционировать как единое целое. Личное тело теперь формируется не только посредством телесной чувствительности и внутренних органических ощущений, потребностей и желаний, но и под действием виртуальных образов извне. Бесконечность этого процесса, загадочность и непредсказуемость подчеркивается художественными решениями автора в создании образов. Каждый из них несет в себе плавность и мягкость, готовность тела к общению с цифровой действительностью, и одновременно внутреннее напряжение, нервозность и затаенный страх. Отсутствие конфликта при этом настраивает на позитивное мышление и желание рассматривать работы так, как смотрят на живой огонь, ожидая увидеть в нем проблески предстоящего будущего. Выставка работает до 30.04.21.

Фотографии Cabinet de lart

 

06.04.21. В Государственном музее Востока открылась выставка художника-космиста Бориса Смирнова-Русецкого «Идущий к звёздам». 12 апреля 1961 года советский космонавт Юрий Гагарин впервые в мире совершил полет вокруг планеты Земля. Выставка приурочена к 60-летию выхода человека в космос. «Идущий к звёздам» – это и космонавт «номер 1», открывший космическую эру, и художник, устремлённый к духовным высотам. Это каждый человек, дерзающий перешагнуть грань неведомого на пути познания тайн Вселенной. На выставке представлено около 20 живописных картин Бориса Смирнова-Русецкого, большинство из которых относятся к циклу «Космос». Воображение художников-космистов стремилось расширить горизонт сознания, откликнуться на космические зовы и веления. Куратор выставки: Лариса Келим. Выставка работает до 16.05.21.

 

Фотографии предоставлены Государственным музеем Востока

 

07.04.21. Галерея Ruarts представила проект «Дебют», направленный на поиск новых имен, раскрытие молодых перспективных современных художников и реализацию их персональных проектов на площадке галереи. Первым в цикле выставок стал проект фотографа Николая Ефимцева «С первого взгляда», который был отобран в ходе открытого портфолио-ревю, проведенного весной 2020 года. Куратор проекта: Катрин Борисов.

Героями фотосерии Николая Ефимцева стали мужчины. В основном это непрофессиональные модели разного возраста, с которыми художник, замечая в них необходимую фактуру, знакомился в парижских кафе и на бульварах. Стремясь уйти от эстетики коммерческих портретов, Ефимцев часто делал снимки тут же, при первом знакомстве, чтобы выразительнее передать типаж и характер героя. Результатом стал коллективный портрет города с мужским лицом. Серию портретов дополняют меланхоличные пейзажи. Ефимцев изучает переходные состояния природы, поэтому в его кадре почти всегда осень – время смирения, одиночества, любования мимолетной красотой. Фотографии были сделаны в период с 2017 по 2021 год. Выставка работает в галерее Ruarts до 30.05.21.

Николай Ефимцев

Николай Ефимцев

Фотографии предоставлены галереей Ruarts

 

07.04.21. Галерея ARTSTORY представила выставочный проект «Космос наш!» – Космос в работах художников XXI века. Мультидисциплинарный проект, решающий задачу отражения космической повестки в современном искусстве, уже имеет определенную историю. Впервые выставка состоялась в Московском музее современного искусства в 2014 году. Далее она совершила путешествие по нескольким регионам России; при этом каждый раз корпус представленных работ существенно менялся. Участники новой экспозиции – 40 художников из Москвы и разных городов России. Авторы создали уникальные произведения, объединенные одной темой: космос и его восприятие в современном обществе. Многие из них были задуманы и исполнены специально для этого проекта. В работах предстают как отображения реальных лиц, событий и фактов в области освоения космоса, так и философские и фантастические произведения на тему Вселенной и человека в ней. Особенностью представленного выставочного проекта явилось большое внимание со стороны художников к личности первого космонавта Юрия Гагарина. 60 лет прошло с момента первого полета человека в космос, но интерес к узнаваемому и понятному изображению главного героя отечественной космической истории не иссяк. Кураторская группа: Дмитрий Буткевич, Валерия Галлай, Люсинэ Петросян. Работы предоставили авторы; галереи 11.12, Fine Art; Триумф, NK Gallery, ARTSTORY, а также коллекционеры Любовь Агафонова и Денис Химиляйне. Выставка работает до 30.05.21.

Алексей Бегак. «Гагарин»

Олег Кулик. Космос Outer Space.

Фотографии предоставлены галереей ARTSTORY

 

08.04.21. Московский музей современного искусства и Галерея «Триумф» представили выставку Алексея Дубинского «Свет Звезды и Лабиринт Минотавра» посвященную внутренней жизни человека, его памяти и самоидентификации. Выставка проходит в рамках совместной программы поддержки молодого искусства «Молодые львы», а также в рамках программы поддержки молодого искусства ММОМА. Куратор программы поддержки молодого искусства ММОМА: Дарья Камышникова.  Алексей Дубинский: «Эти работы о семье, о вынужденном бесконечном путешествии, о потере близких отношений, о том, как мимолётны могут быть моменты, ностальгии, воспоминаний и реальности событий, которые с нами происходят. История основывается на определенных реперных точках, событиях, повлиявших на становление личности, на восприятие мира и отношение к нему, его законам, его обитателям. Часто сложно определить в памяти что было реально в твоей жизни, а что является плодом воображения, сюрреалистическими галлюцинациями, так или иначе влияющими на твоё сегодня». Куратор выставки: Софья Симакова. Выставка работает в ММОМА на Петровке, 25 до 16.05.21.

Фотографии предоставлены пресс-службой ММОМА

08.04.21. В пространстве арт-платформы Cube.Moscow новые проекты представили галереи-резиденты Cube.Moscow: персональную выставку известного на Западе русского художников Юрия Купера, выставку мастера перфоманса и художника Ольги Кройтор, групповую выставку «Мегаполис: pro & contra», посвященную тенденциям городского развития, и первую московскую персональную выставку фотографа Александры Деменковой «Русская любовь», продолжающую традиции гуманистической фотографии. Также в большом зале Cube.Moscow открылась выставка молодой художницы Вероники Ивашкевич «Транзитная зона».

Kupol Gallery, новый резидент Cube.Moscow, открыла выставку Юрия Купера «Мыслимые объекты» одного из самых известных на Западе русских художников.  Проект раскрывает внутреннюю суть простых вещей и привычных явлений – художник предлагает по-новому посмотреть на обыденные предметы, связанные с миром живописи, и выявить в них общефилософские законы, говорящие о единстве мира. Юрий Купер, художник с глубоким пониманием современных культурно-философских процессов, уже давно обращается к этой практике. Он трансформирует процесс создания художественного произведения в работы, на которых прослеживается путь от реальности (краска в емкостях и кисти, готовые к использованию) до мышления и познания (краска в банках превращается в ту краску, с помощью которой написаны ее пустые емкости и грязные кисти). Скрыв объекты за слоями красочных мазков, Купер задерживает мышление в понимании того, что же именно изображено на полотнах. Этот подход, основанный на кантовском предположении, что не знания должны сообразовываться с предметами, а предметы должны сообразовываться с познанием, оказывается действенным в формировании нового измерения реальности – ее познаваемости. Выставка работает до 23.04.21.

Юрий Купер «Ведро с кистью» 1990

Галерея Syntax представила новую персональную выставку Ольги Кройтор «За стеной сна». Ольга Кройтор принадлежит новейшему поколению российских художников. В экспозиции представлены живопись, объекты, а также новое видео художницы, известной своими сложными и бескомпромиссными перформативными практиками. Выставка работает до 23.04.21.

Ольга Кройтор_Видеоинсталляция «За стеной сна»

Галерея Osnova представила персональную выставку Вероники Ивашкевич «Транзитная зона» в большом зале арт-платформы Cube. Moscow. В экспозиции соединены графика и инсталляции. В своих работах Вероника Ивашкевич сочетает элементы театра и карнавала с элементами внутренней борьбы, страхов и конфликта, отстраняясь от своего альтер эго, заменяя его на вымышленных мифических персонажей из забытой литературы и кинематографа, как будто бы находящихся в своей пограничной зоне. «В своей художественной практике я руководствуюсь интуицией – когда доходит до толкований, мне приходится сначала объяснять работы самой себе. Как правило, я действую от обратного, когда сам материал и техника задают тему будущего проекта. Для меня важно не что, а как, когда «medium is the message». Я стараюсь заглушить красоту помех и случайностей, возникающих в процессе сопротивления материала, и намеренно заглушаю концептуальный подход. Синтез природного и искусственного, разочарование и надежда – пожалуй, это темы, которые волнуют меня на данном этапе» – Вероника Ивашкевич. Куратор проекта: Марина Виноградова. Выставка работает до 25.04.21.

Галерея «КультПроект» представила групповую выставку «Мегаполис: pro & contra». В экспозиции работы известных российских художников и архитекторов, посвященные тенденциям городского развития. События последнего года заставили жителей больших городов по-новому взглянуть на среду своего обитания, подумать о том, что является абсолютной и непреходящей ценностью мегаполиса, а какие его функции оказываются не столь востребованы в тот или иной период. Фиксация ключевых городских составляющих, значение духовных центров, инфраструктуры — аэропорты, метро и улицы; офисные центры, культурные и природные ландшафты, а также взгляд в будущее мегаполиса, основы формирования его целостности или раздробленности, территориальный рост или изменение и повышение этажности при сохранении компактной структуры. Участники выставки: Татьяна Баданина, Тимур Башкаев, Евгений Гор, Сергей Гребенников, Владимир Кузьмин, Сергей Кузнецов, Владимир Наседкин, Николай Наседкин, Илья Романов, Кирилл Рейв, Алла Урбан, Андрей Яншин. Выставка работает до 23.04.21.

Гор Евгений. Общий вид инсталляции – Человек в метро. 2021 (

Сергей Кузнецов_Красная площадь_2021

Галерея «Алиса» открыла первую московскую персональную выставку фотографа Александры Деменковой, которая исследует сложные, скрытые, часто неприглядные темы и берёт в объектив повседневную жизнь людей вне больших городов, продолжая традиции гуманистической фотографии. В экспозиции представлены фотографии Александры Деменковой из серий «Русское портфолио», «Кольский полуостров», «Ира и Шурочка» и «Баба Валя», работа над которыми продолжалась несколько лет и сопровождалась долгими поездками Деменковой в деревни, где она не только старалась запечатлеть последние следы исчезающего уклада, но вступить в контакт людьми, которые ещё остались в деревнях – они пьют, трудятся, ухаживают за скотом или просто живут и любят, – построить с ними отношения и даже дружбу. «Я помню, как впервые увидела бабу Валю у калитки во дворе ее дома в июле 2016-го года. Она вышла, услышав машину и думая, что приехали племянники. Вместе с ней мне навстречу вышли два козла, черный и белый, собаки, коты, гуси, утки, куры — кажется, все они были там. Она стояла среди них и слушала меня, а у меня в голове была только одна мысль – “Это оно!”. Тогда я прожила у нее две недели. Я почувствовала, что постепенно она тоже полюбила меня и загрустила, когда я стала говорить об отъезде, уговаривала меня остаться на месяц. Мы договорились, что я вернусь месяца через два, когда она будет пахать огород. Прощаясь, мы обнялись и не могли сдержать слез. С тех пор я езжу к бабе Вале при первой возможности, и она стала для меня одним из самых близких на свете людей» – Александра Деменкова. Выставка работает до 23.04.21.

Александра Деменкова_Покровка

В  Cube.Moscow продолжают работу выставка Андрея Сяйлева «Магазин Коллекционер» в PA gallery, групповая выставка «Что-то поменялось» на тему женственности в галерее Window project, выставка работ художников Бенджамина Шайна, Микеланджело Бастиани, Ким Сенву, Владимира Клавихо-Телепнева и Евфросины в BOCCARA ART Moscow, выставка Владимира Чернышева и Устины Яковлевой «В тени ландшафта» в Artwin Gallery.

Фотографии предоставлены пресс-службой арт-платформы Cube.Moscow 

08.04.21. В выставочном пространстве фонда современного искусства White Room Foundation состоялось открытие выставки художника и режиссера Никиты Чернорицкого «Мне страшно». Выставка – это часть большого проекта, разрабатываемого художником совместно с его куратором. Проект-исследование Никиты посвящен теме пограничных состояний человека, автор осуществляет стороннее наблюдение за эмоцией, чувством, инстинктом. Его полотна приоткрывают дверь в подсознание, где таятся страхи и переживания. «Страх не подчиняется контролю и появляется тогда, когда ему вздумается. Он властвует над всеми, погружая во мрак, пробуждая самое темное внутри. И он же является освобождением, указывает путь к обретению чего-то важного, недостающего. Его естество отвратительно, оно способно пробудить и самое ужасное, и самое прекрасное в нас. Возможно, именно страх является причиной продолжения жизни, свершения всего. Та граница, которую внутри себя мы преодолеваем в ситуации стресса, переживаний, сопутствует самым различным проявлениям. Эти образы «переходного состояния», осознания страха, момента, когда отдаешься ему полностью, не пугают сами по себе, но пробуждают сложное, насыщенное воспоминание о подобном опыте.» Куратор: Елизавета Журова.  Выставка работает до 30.04.21.

Фотографии предоставлены куратором Елизаветой Журовой

 

08.04.21. В Мультимедиа Арт Музее, Москва (МАММ), объявленном «Музеем года» Cosmoscow 2021, состоялось открытие Предаукционной выставки благотворительного аукциона Фонда Cosmoscow. Выставка открыта для посещения в МАММ с 9 по 11 апреля. 12 апреля 2021 года, в День космонавтики, состоится 8-й Благотворительный аукцион Фонда Cosmoscow. Вырученные от продаж аукциона средства традиционно направляются на программы Фонда поддержки современного искусства Cosmoscow. Деятельность Фонда осуществляется по трем направлениям: реализация проектов в сфере культуры, образование и пополнение музейных коллекций. В рамках направления по пополнению музейных коллекций Фонд ежегодно приобретает работы современных художников для передачи в дар одному из российских музеев, выбранному «Музеем года, в этом году МАММ. Куратором аукциона и предаукционной выставки выступил арт-директор Cosmoscow Саймон Рис, объявивший тему «PHANTASMA». Отобранные лоты посвящены астрологии и космологии, новым мирам и 60-летнему юбилею первого полета человека в космос. Работы для аукциона предоставили российские и зарубежные художники: Алексей Азаров, Анна Андржиевская, Ута Бекая, Лиза Бобкова, Алексей Боголепов, Алина Глазун, Иван Горшков, Ирина Дрозд, Евгения Дудникова, арт-группировка «ЗИП», Даша Кудинова, Ростислав Лебедев, Роман Манихин, Женя Миронов, Иван Михайлов, Слава Нестеров, Георгий Острецов, Айдан Салахова, Осип Тофф, Карлос Норонья Фейо, Саша Фролова, а также «Художник года» Cosmoscow 2021 – Ирина Корина. Выставку можно посетить по 11.04.21.

Фотографии предоставлены pr-службой Cosmoscow

08.04.21. В выставочном пространстве Art-Office Gallery Fedini состоялось открытие выставки «Трансформация». Автор представленных работ – художник и скульптор Аркадий Ким. Выставка приурочена к юбилею первого полета человека в космос. Космическая тематика увлекла художника, и часть из представленных работ, выполненных акрилом, посвящена этой теме. Часть работ сделана в соавторстве с Тимуром Фазыловым, художником, скульптором, ювелиром. В книге рекордов Гинесса отмечена работа Аркадия Кима, как рекорд «Самая большая картина из зерен кофе». В своё время в ЦПКиО им.Горького Аркадий представил свою работу, общей площадью 30кв.м., весом около 240кг. Часть живописных работ, представленных на выставке «Трансформация» буден передана на благотворительность, после продажи средства будут перечислены в фонд Чулпан Хаматовой «Подари жизнь». Выставка работает по 23.04.21.

Фотографии предоставлены Art-Office Gallery Fedini

Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель


«Если бы мне сказали, что будет ТАК, ни за что бы не поверила»

Смаковать победу на финише легко – куда сложнее первым начать забег. Но трудности Кристину Краснянскую никогда не смущали. Мы встретились с основательницей «Эритажа», недавно отпраздновавшей десятилетие своей галереи и уже давно доказавшей всему миру, что дизайн в СССР был.

«Дизайн в Советском Союзе? Ты шутишь?» – удивленный возглас основателя и куратора Design Miami / Basel Крейга Робинса владелица галереи «Эритаж» запомнила на всю жизнь. Шесть лет назад, когда она решила показывать советский дизайн в Базеле, возникали и другие вопросы, сводившиеся к пресловутому: «Зачем тебе это нужно?» Но Кристина всегда знала зачем. Она вообще из тех людей, кто сначала берется за матчасть, а уже потом бросается в омут с головой, так что эту историю успеха даже скептик не смог бы объяснить чистым везением. «Я понятия не имела, как на нас отреагируют, – вспоминает галеристка. – Помню, мы привезли полутораметровую скульптуру – целующихся взасос русского и европейского рабочих под красным знаменем с надписью: «Пролетарии всех стран, соединяйтесь!» У меня спрашивали: «Это что, contemporary art?» Нет, говорю, не contemporary – 37-й год». Краснянская уверена, что тогда, во время подготовки дебютного базельского проекта, ничего бы не получилось без помощи Юрия Васильевича Случевского: профессор Строгановки и создатель первой корпусной мебели в СССР стал ее верным помощником и консультантом. «Мы понимали, что авангардистских объектов у нас почти не осталось. Но есть конструктивизм, который, по сути, является поздним авангардом. Возникла идея диалога конструктивизма с эстетикой 60-х – периода, когда дизайнеры и архитекторы обращались все к тому же авангарду и баухаузу». План не просто сработал, а выстрелил с оглушительной силой – и в Россию галеристка вернулась с хвалебными рецензиями The Guardian, Wallpaper и The Daily Telegraph, хором назвавших участи «Эритажа» чуть ли не главным событием ярмарки. «Если бы мне сказали, что будет ТАК, ни за что бы не поверила, – улыбается собеседница. – Мы ведь стали первопроходцами: двигались с закрытыми глазами в темноте».

Краснянская, Кристина Георгиевна

Краснянская, Кристина Георгиевна (род. 25 мая 1979, Киев, СССР) — российский искусствовед, куратор, основатель Международной арт-галереи Эритаж, куратор и глава попечительского совета Музея современного искусства г. Салоники (Коллекция Г. Костаки). Впервые представила советский экспериментальный дизайн на международной выставке DesignMiami/Basel (2012), куратор выставок дизайна и искусства в музеях в России и за рубежом. Работала с такими художниками, как Алексей Морозов и Оксана Мась.

Биография

Родилась 25 мая 1979 года в Киеве в семье инженера Георгия Леонидовича Краснянского и Ольги Леонидовны Краснянской. Окончила экономический факультет МГИМО и Институт культурного просветительства, где в 2007 году защитила диплом на тему: «Цвет и свет в творчестве художника русского зарубежья Андре Ланского».

В 2006 году Кристина Краснянская основала собственную арт-галерею «Эритаж», которая с февраля 2008 года раполагается на Петровке в Москве, первым проектом которой стала персональная выставка Ланского, где были собраны ранние примитивистские работы, коллажи и живопись абстрактного периода и опыты Ланского в книжной иллюстрации. В 2012 году впервые представила советский экспериментальный дизайн на международной выставке DesignMiami/Basel.

В 2017 году Краснянская возглавила попечительский совет Государственного музея современного искусства г. Салоники (Коллекция Г. Костаки).

Кураторские проекты

Кристина Краснянская курировала ряд крупных международных выставок как в собственной арт-галерее «Эритаж», так и в Музее архитектуры имени Щусева. В разные годы вела кураторские проекты выставок Design Miami/Basel, Art Paris, ArtFactory Istanbul, Contemporary Istanbul, Nomad Monaco.

  • «Андре Ланской. Ретроспектива», Международная арт-галерея Эритаж, Москва, Россия (2009)
  • «Heritage-Interior-Art. Диалектика интерьера», Международная арт-галерея Эритаж, Москва, Россия (2011)
  • «Авангард и поставангард в советском дизайне 1930 и 1960—1970 гг.», Design Miami/Basel, Базель, Швейцария (2012)
  • «Русский экспрессионизм: Григорьев, Анненков, Ланской, Загреков» (2013)
  • Николай Загреков. Art Paris 2013, Париж (2013)
  • «Советский ампир», Design Miami/Basel, Базель, Швейцария (2013)
  • «Советское ар-деко», Design Miami/Basel, Майами, США (2013)
  • «Георгий Артемов. Русский мастер Ар Деко во Франции», Международная арт-галерея Эритаж, Москва, Россия (2014)
  • «Русское зарубежье. Георгий Пожидаев. От живописи к сценографии», Международная арт-галерея Эритаж, Москва, Россия (2015)
  • «Советский дизайн. От конструктивизма к модернизму. 1920-е — 1960-е», Музей архитектуры имени Щусева, Москва, Россия (2015)
  • «Хлеба коммунизма», Design Miami/ Basel, Базель, Швейцария (2015)
  • Alexey Morosov #antropomachia, Шестая Московская Биеннале современного искусства, Москва, Россия (2015)
  • Oksana Mas. Get together, ArtFactory Istanbul, Стамбул, Турция (2015)
  • Alexey Morosov #antropomachia, Contemporary Istanbul, Стамбул, Турция (2015)
  • «Советский модернизм — феномен культуры и дизайна ХХ века», Международная арт-галерея Эритаж, Москва, Россия (2016)
  • Алексей Морозов. PONTIFEX_MAXIMVS/LE STANZE , Международная арт-галерея Эритаж, Москва, Россия (2017)
  • Новое искусство нового Государства (2017)
  • Nomad Monaco, Монако (2017)

Кристина Краснянская и ее страсть к советскому дизайну

Heritage — известная московская галерея, поддерживающая русский и советский дизайн во всем мире. В галерее представлено более 80 выставок, в том числе международные художественные ярмарки и крупнейшие музеи. В основе его стратегии — желание раскрыть упущенные из виду аспекты истории дизайна и предложить нетрадиционный подход к пониманию его развития.Галерея также реализует издательскую программу и в настоящее время готовит том «Советский дизайн. От конструктивизма к модерну, 1920-1980 гг.

По случаю участия галереи в ярмарке BRAFA Art в Брюсселе, где директор галереи Кристина Краснянская также представит доклад о советском ар-деко, RA + C встретилась с Кристиной, чтобы узнать больше о том, как галерея и ее личный интерес к подано.

Кристина Краснянская © Heritage Gallery

ММ: Уважаемая Кристина, расскажите немного о своей галерее.Насколько мне известно, когда в 2008 году было основано Heritage, оно специализировалось на искусстве русской диаспоры первой волны, но постепенно расширилось, включив в него искусство 20 века и произведения дизайна. Не могли бы вы прокомментировать развитие стратегии? Отражает ли это развитие твоих коллекционерских вкусов?

KK: Галерея «Наследие» начиналась с русских художников-эмигрантов первой волны, а именно тех, кто покинул страну в ходе русской революции. Это был мой личный выбор, на который повлияло то обстоятельство, что эти художники были частью мирового арт-рынка, что сделало их работы привлекательными для инвестиций.

Позже я заинтересовался коллекционным дизайном, который для наших коллекционеров был совершенно неизведанной областью. Развитие этой ниши было одновременно увлекательным и сложным. В сотрудничестве с Yves Gastou Gallery и Didier AaronGallery я привез в Россию первую и самую большую выставку коллекционного дизайна. На выставке был представлен широкий спектр экспонатов от лучших образцов антикварной французской и итальянской мебели XVI-XVIII веков, некоторые из которых были представлены в Эрмитаже, до лучших работ дизайнеров XX века, таких как Арбус, Адне, Пуилерат, Хайме. Айон, Этторе Соттсасс.Поскольку этот сегмент был совершенно новым для коллекционеров, мы также провели программу мастер-классов, лекций и обзоров рынка, чтобы продемонстрировать, что дизайн стоит того, чтобы его коллекционировать и инвестировать.

Дизайн Майами Базель 2012 © Heritage Gallery

Я также понял, что советский дизайн очень привлекателен для международной аудитории, поэтому я начал участвовать в международных выставках, например, в Design Miami / Basel. Наша первая выставка была посвящена периоду оттепели и анализировала тенденции и связи между конструктивистскими идеями 1920-х годов и советским модернизмом (функционализмом) 1960-х годов.Наша выставка получила положительные отзывы в международной прессе, что вдохновило нас на дальнейшую работу в этом направлении. Я очень благодарен Крейгу Роббинсу, основателю и генеральному директору Design Miami / Basel, за его открытость к новым идеям и возможность продемонстрировать советский дизайн на этой престижной ярмарке.

От конструктивизма к модернизму. 2015 © Heritage Gallery

После нашего успешного дебюта я продолжил создавать выставки, как коммерческие, так и музейные, за рубежом и в России, где много коллекционеров и интерес к советскому наследию постоянно растет.Моя кураторская практика основана на моем желании дать этим прекрасным предметам новое рождение и новое представление, не теряя при этом их важных исторических аспектов. В экспозициях я стремлюсь построить историю определенных периодов, объединив мебель, декоративное искусство, стекло, фарфор, графические работы, архитектурные проекты и картины. Например, в 2015 году мы организовали в Государственном архитектурном музее им. Щусева грандиозную выставку « От конструктивизма к модернизму », которая представила 5 периодов истории советского дизайна.В прошлом году мы сделали выставку, посвященную годовщине революции 1917 года, где авангардное искусство было показано рядом с пропагандистским дизайном, подчеркивая тот факт, что оба вида искусства созданы одними и теми же художниками. А в этом году мы устроили увлекательное шоу, посвященное советскому ар-деко, области истории дизайна, которая еще не определена и особенности которой вызывают много жарких дискуссий и интерес специалистов.

Моя собственная коллекция тоже пополнилась. Я начал с живописных и графических работ художников-эмигрантов, но сейчас я собрал редкую коллекцию советского дизайна, которая включает конструктивистскую и пропагандистскую мебель, редкие советские предметы из стекла и фарфора, архитектурные образцы и бронзовые скульптуры.

Cosmoscow 2018 © Heritage Gallery

ММ: Считаете ли вы, что дизайн становится все более признанным видом искусства среди российской аудитории и стал ли привлекать к себе все больше внимания в последние несколько лет? Считаете ли вы, что дизайн также стал более привлекательным для коллекционеров?

К.К .: Мы очень постарались познакомить российских коллекционеров с этой областью. Я пытался познакомить своих друзей и клиентов с различными аспектами дизайна, приглашая их посетить крупнейшие ярмарки дизайна и музеи по всему миру, а также разрабатывая выставочные и образовательные программы в галерее.И в этом моя работа — помогать потенциальным коллекционерам развивать знания, вкус и личные предпочтения, принося им лучшие работы. Шесть лет назад это было непростой задачей, но сейчас интерес российских коллекционеров растет. Очень показателен тот факт, что на последней выставке Cosmoscow, Московской ярмарки современного искусства, организатор впервые решил включить раздел «Дизайн», куратором которого я был приглашен. И я должен сказать, что был приятно удивлен положительными отзывами, которые мы получили от зрителей и клиентов.В следующем году мы планируем расширить этот раздел, включив в него международные галереи дизайна.

Галерея наследия. Монтажный выстрел. 2011 © Heritage Gallery

ММ: Популярен ли советский и российский дизайн у зарубежной аудитории? Какие периоды в истории России привлекают наибольшее внимание?

К. К .: Пока что наши коллекционеры в основном русские. Но, сказав это, я также хочу отметить большое внимание и интерес, который мы получили от международных институтов и музеев.За пределами России люди обычно знакомы с авангардом и конструктивизмом, что делает нас особенно интересными для выделения и привлечения внимания других периодов советского дизайна.

ММ: На предстоящей выставке BRAFA вы будете говорить о советском ар-деко, которому, как вы упомянули, была посвящена и ваша недавняя выставка. Этот период истории дизайна очень интересен, так как он до сих пор остается малоизученным. Как вы заинтересовались этой темой и пришли к такой идее?

KK: Моя цель — открыть и выделить неизвестные области дизайна.Советский ар-деко был очень коротким периодом, на который в основном влияла американская «линия потока». Способы его определения еще предстоит определить. Можем ли мы рассматривать это как поздний конструктивизм с некоторыми интегрированными декоративными элементами или это уникальный стиль со своими особенностями? Эта область несомненно малоизучена и предлагает много возможностей для кураторов. Хотя среди историков искусства до сих пор нет единого мнения по этому поводу, наша выставка дает возможность изучить, как этот стиль возник, под каким влиянием он развивался и какие объекты дизайна можно было отнести к нему.

Ширма складная. Дизайн А.Дмитриева для Детского военно-трудового лагеря «ЛЕНОБЛОНО» 1934. Дуб Советский Союз © Heritage Gallery

ММ: Не могли бы вы познакомить наших читателей с 1 или 2 образцами дизайнерских работ того периода, которые вы цените больше всего?

К.К .: Прежде всего, это редкий образец мебели в стиле ар-деко, созданный специально для детского трудового лагеря, и, конечно же, красивые станции метро, ​​созданные советскими архитекторами.

ММ: Наследие, безусловно, является лучшим местом для всех поклонников русского и советского дизайна.Не могли бы вы порекомендовать другие музеи или коллекции в России или за рубежом, которые стоит посетить нашим читателям, интересующимся произведениями дизайна?

Обязательно порекомендую посетить выдающийся Государственный музей архитектуры им. Щусева и Музей декоративного искусства в Москве. Что касается авангардного дизайна, я приглашаю всех любителей искусства и дизайна посетить Государственный музей современного искусства в Салонниках, где хранится знаменитая коллекция Костаки.

Выступление Кристины Краснянской о советском ар-деко состоится 28 января на ярмарке BRAFA Art Fair.Для получения дополнительной информации перейдите по ссылке.

Благоприятный вход для читателей RA + C:

Пожалуйста, свяжитесь с Патрисией Симонарт [email protected] до 25 января, чтобы забронировать бесплатный билет на лекцию и доступ на Художественную ярмарку BRAFA. Вы сможете забрать свой билет в день лекции не позднее 1655 на VIP-стойке у входа на ярмарку. Вам будет предложено назвать свое имя — пожалуйста, укажите, что вы из русского искусства и культуры.

Советский дизайн Кристины Краснянской, Александра Семенова

Советский Союз оставил обширное наследие в области дизайна интерьеров, которое в значительной степени неизвестно на Западе. За исключением архитектуры и графического или промышленного дизайна, дизайн интерьеров советских времен еще не изучен досконально.Эта книга впервые предлагает всесторонний обзор культуры дизайна интерьера в стране между революционным авангардом и позднесоветским модернизмом. Основываясь на архивах, которые были недоступны до недавнего времени, и содержат множество ранее не публиковавшихся материалов, он документирует достижения за семь десятилетий в бывшей социалистической империи. Советский дизайн часто дискредитируют как массивный, неэргономичный и однообразный. И все же за железным занавесом возникло замечательное разнообразие оригинальных стилей.1920-е годы ознаменовались смелыми исследованиями и экспериментами на Вхутемасе, а также конструктивизмом, рационализмом и супрематизмом. В начале правления Сталина конструктивизм подвергался резкой критике, а постконструктивизм и советский неоклассицизм появились вместе с тем, что стало известно как «агитационная мебель», вдохновленная пропагандой режима. 1930-е годы принесли советский ар-деко и, в конечном итоге, сталинский ампир, в результате которого были построены одни из самых знаковых зданий Советского Союза. В конце 1950-х годов, после смерти Сталина, последним советским «большим стилем» стала модернистская и функционалистская мебель, выпускавшаяся серийно для небольших квартир в многоквартирных домах «Хрущевка», которые были построены в крупных городах.1960-е знаменуют собой золотой век советского дизайна интерьера, снова демонстрируя влияние раннего советского авангарда и Баухауза, в то время как большая часть дальновидных работ нового поколения дизайнеров 1970-х и 1980-х годов так и осталась нереализованной.

Издатель: Scheidegger und Spiess AG, Verlag
ISBN: 9783858818461
Количество страниц: 448
Размеры: 300 x 245 мм

От конструктивизма к модернизму.1920-1980 (книга в твердом переплете) (2020)


Первое в истории всестороннее исследование советского дизайна интерьеров за семь десятилетий, основанное на архивах, которые до недавнего времени игнорировались или были недоступны, и содержит множество ранее неопубликованных материалов

Комментарий

432 страницы, иллюстрации, неуказанные

Медиа Книги Книга в твердом переплете (Книга с твердым корешком и обложкой)
Выпущено Швейцария, 1 / 2-2020
ISBN13 9783858818461
Издательства Scheidegger und Spiess AG, Verlag
Страницы 448
Размеры 253307 44 мм
Масса 2862 г
Язык английский
Редактор Краснянская, Кристина
Редактор Семенов Александр

Советский дизайн: от конструктивизма к модернизму.

1920-1980, Кристина Краснянская

Описание

Советский Союз оставил обширное наследие в области дизайна интерьеров, которое в значительной степени неизвестно на Западе. За исключением архитектуры и графического или промышленного дизайна, дизайн интерьеров советских времен еще не изучен досконально.Эта книга впервые предлагает всесторонний обзор культуры дизайна интерьера в стране между революционным авангардом и позднесоветским модернизмом. Основываясь на архивах, которые были недоступны до недавнего времени, и содержат множество ранее не публиковавшихся материалов, он документирует достижения за семь десятилетий в бывшей социалистической империи. Советский дизайн часто дискредитируют как массивный, неэргономичный и однообразный. И все же за железным занавесом возникло замечательное разнообразие оригинальных стилей.1920-е годы ознаменовались смелыми исследованиями и экспериментами на Вхутемасе, а также конструктивизмом, рационализмом и супрематизмом. В начале правления Сталина конструктивизм подвергался резкой критике, а постконструктивизм и советский неоклассицизм появились вместе с тем, что стало известно как «агитационная мебель», вдохновленная пропагандой режима. 1930-е годы принесли советский ар-деко и, в конечном итоге, сталинский ампир, в результате которого были построены одни из самых знаковых зданий Советского Союза. В конце 1950-х годов, после смерти Сталина, последним советским «большим стилем» стала модернистская и функционалистская мебель, выпускавшаяся серийно для небольших квартир в многоквартирных домах «Хрущевка», которые были построены в крупных городах.1960-е знаменуют собой золотой век советского дизайна интерьера, снова демонстрируя влияние раннего советского авангарда и Баухауза, в то время как большая часть дальновидных работ нового поколения дизайнеров 1970-х и 1980-х годов так и осталась нереализованной. 257 цветных, 171 ч / б

Основная запись:

Красниля︡нськай, автор Кристина.

Название и автор:

Советский дизайн: от конструктивизма к модерну 1920-1980 гг. / Кристина Краснянская, Александр Семенов.

Публикация:

Цюрих, Швейцария: Scheidegger & Spiess, [2020]
© 2020

Описание:

446 страниц: иллюстрации (преимущественно цветные), факсимиле, планы, портреты; 31 см

Примечания:
Включает библиографические ссылки (страницы 436-445).
Советский дизайн 1920-х годов. Теория и принципы советского дизайна 1920-х гг. Искусство производства и дизайн мебели — Принципы проектирования мебели для жилья нового стиля — Теория дизайна мебели во ВХУТЕМАС-ВХУТЕИН — Авангардные концепции мебельного производства: от формализма к рационализму и конструктивизму. Эль Лисицкий, Владимир Татлин, Николай Суетин, Александр Родченко и другие основоположники советского дизайна. Мебель как искусство — Мебель как функция — Комплексный подход к созданию мебельных проектов — Дизайн и производство мебели в 1920-е годы.Искусство в производстве: образование — Массовое производство и популяризация новых мебельных проектов: социальный контекст — Советский дизайн с 1930-х до начала 1950-х годов — Теоретические основы и принципы дизайна: с 1930-х до начала 1950-х годов — После авангард: освоение классического наследия — Ар-деко: между конструктивизмом и советским неоклассицизмом — Строительство и декор в советском неоклассицизме — Мебельные концепции от постконструктивизма до советского неоклассицизма: Борис Иофан, Николай Лансере, Каро Алабян, Юрий Соловьев и другие. Постконструктивизм — Ар-деко в СССР — Советский неоклассицизм — Планировка и массовый дизайн: с 1930-х до начала 1950-х годов. Связь между проектировщиком и промышленностью — Массовое производство и уникальная мебель — Потребительские потребности и желания — Советский дизайн с конца 1950-х до 1980-х годов. Советский модернизм как последний великий стиль советского дизайна. Послевоенный дизайн и всесоюзные мебельные выставки — Система мебельного дизайна в СССР — Золотое десятилетие советского дизайна интерьера.Разработка новых форм и типов дизайна для малогабаритных квартир — Юрий Случевский и поиск чистоты формы: модульная мебель — 1970-1980-е годы: новое поколение дизайнеров. Мебель для массового производства 1970-1980-х гг. — Бумажные конструкции и экспериментальная мебель.
Суперобложка.

Итого:

«Советский Союз оставил после себя огромное дизайнерское наследие, которое в значительной степени неизвестно на Западе.В отличие от архитектуры и графического дизайна советских времен, дизайн интерьеров этого периода не исследовался досконально. Эта книга впервые предлагает всесторонний обзор советского дизайна интерьеров от конструктивизма и революционного авангарда до позднего модернизма. Кристина Краснянская и Александр Семенов на основе обширных исследований и использования архивов, которые были недоступны до недавнего времени, задокументировали семь десятилетий дизайна интерьеров в Советском Союзе. Они демонстрируют, что работа дизайнеров, архитекторов и производителей за «железным занавесом», которую часто дискредитируют как монотонную, на самом деле включает в себя замечательное разнообразие оригинальных стилей.1920-е годы были отмечены смелыми исследованиями и экспериментами в государственной художественно-технической школе Вхутемас, а также пересекающимися движениями, такими как конструктивизм, рационализм и супрематизм. 1930-е годы принесли советский арт-деко и сталинский ампир, в котором были построены одни из самых знаковых зданий Советского Союза. В конце 1950-х годов, после смерти Сталина, возник модернизм, когда массово производилась функциональная мебель, подходящая для небольших квартир в жилых домах. 1960-е ознаменовали золотой век советского дизайна интерьеров, в то время как большая часть дальновидных разработок нового поколения дизайнеров 1970-х годов так и осталась нереализованной.Советский дизайн, содержащий около четырехсот иллюстраций и множество ранее не публиковавшихся материалов, станет исчерпывающим справочником по этой теме ». — Предоставлено издателем.

ISBN:

3858818461 (переплет)
9783858818461 (переплет)

Тема:

Дизайн История Советского Союза 20 век.
Конструктивизм (Искусство) История Советского Союза.
Модернизм (искусство) История Советского Союза.
Конструктивизм (Искусство)
Дизайн.
Модернизм (искусство)
Industriedesign.
Innenarchitektur.
Möbel
Produktgestaltung
Советский Союз.
Sowjetunion.

Добавлены записи:

Семенов Александр Автор.

Холдинги:

Местонахождение: Библиотека ГЛАВНАЯ
Тел.: BIB 253833
Статус: Доступен

Кристина Краснянская — Советский дизайн: от конструктивизма к модернизму 1920-1980 гг., Твердый переплет

Описание

Советский Союз оставил после себя огромное дизайнерское наследие, в значительной степени неизвестное на Западе. В отличие от архитектуры и графического дизайна советских времен, дизайн интерьеров этого периода не исследовался досконально. Эта книга впервые предлагает всесторонний обзор советского дизайна интерьеров от конструктивизма и революционного авангарда до позднего модернизма.

Кристина Краснянская и Александр Семенов на основе обширных исследований и использования архивов, которые до недавнего времени были недоступны, документируют семь десятилетий дизайна интерьеров в Советском Союзе. Они демонстрируют, что работа дизайнеров, архитекторов и производителей за «железным занавесом», которую часто дискредитируют как монотонную, на самом деле включает в себя замечательное разнообразие оригинальных стилей. 1920-е годы были отмечены смелыми исследованиями и экспериментами в государственной художественно-технической школе Вхутемас, а также пересекающимися движениями, такими как конструктивизм, рационализм и супрематизм.1930-е годы принесли советский арт-деко и сталинский ампир, в котором были построены одни из самых знаковых зданий Советского Союза. В конце 1950-х годов, после смерти Сталина, возник модернизм, когда массово производилась функциональная мебель, подходящая для небольших квартир в жилых домах. 1960-е ознаменовали золотой век советского дизайна интерьеров, в то время как большая часть дальновидных разработок нового поколения дизайнеров 1970-х годов так и осталась нереализованной.

С более чем тремя сотнями цветных иллюстраций и большим количеством ранее не публиковавшихся материалов, Soviet Design станет исчерпывающим справочником по этой теме.

Об авторе

Кристина Краснянская — искусствовед, основательница галереи «Наследие» в Москве. Она была куратором выставки 2015 года «Советский дизайн: от конструктивизма к модерну, 1920-1960-е годы» в сотрудничестве с Государственным музеем архитектуры им. Щусева в Москве. Александр Семенов — специалист по советскому дизайну, научный сотрудник Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. Штиглица.

Современный русский дизайн на аукционе Heritage Gallery, Москва, Россия

Современный русский дизайн на аукционе Heritage Gallery

Центральной темой последнего аукциона русского искусства в Heritage Gallery стал русский дизайн и прикладное искусство.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.