Краткий гайд по терминам: модерн, постмодерн, модернизм и постмодернизм
Анастасия Добрицкая
06/08/2021
В чём отличие, как их запомнить и правильно использовать.
Перечисленные в заголовке этой статьи -ерны и -измы встречаются нам изо дня в день. Их можно услышать где угодно: от бытовых разговоров до политических дебатов. Однако люди зачастую просто не понимают значения этих терминов. Команда ART FLASH решила разобраться в смыслах и различиях между ними.
«Композиция VIII» (Василий Кандинский, 1923)Модернизм и модерн – в чем разница?
В конце XIX – начале XX века многим художникам и ценителям искусства наскучил академизм, и среди авторов начались поиски новых форм, стилей и смыслов. Так сложилось направление, получившее название «модернизм».
Его представителей объединяла вера в то, что человек может создать новое общество, основанное на идеях разума и прогресса, отказавшись от всех традиций и опыта предшественников. Это стремление проявлялось по-разному и художники не сходились в едином стиле. В итоге, внутри течения модернизма образовалось множество отдельных направлений: импрессионизм (Клод Моне), постимпрессионизм (Ван Гог), абстракционизм (Василий Кандинский), сюрреализм (Сальвадор Дали) и многие другие, в том числе,
Модерн – это конкретный стиль в искусстве. У него, в отличие от разрозненного течения модернизма, есть чёткие отличительные признаки. Например, произведения модерна можно узнать по ярким изогнутым линиям, а также по образам растений в композиции и орнаменте. Эти черты модернисты позаимствовали у художников древних цивилизаций и японских гравёров. Больше всего особенности стиля проявились в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве, хотя среди известных представителей были и живописцы, например, австрийский художник Густав Климт.
Постмодернизм, как и модернизм, представляет собой не отдельное направление, а совокупность течений, объединённых общими идеями. Однако модернисты и постмодернисты противостоят друг другу в теоретической части.
Во второй половине XX века начинается кризис модернизма. Во многом благодаря работам Маркса, Ницше и Фрейда стало ясно, что иногда человек не властен даже над самим собой, и поэтому он не способен подчинить внешний мир своему разуму. Окончательно разрушило модернистские теории ещё одно осознание: всё, что можно создать, уже было создано и задача современного творца – не отрицать труды предшественников, а умело их переработать. Так и возникли новые движения в искусстве, одно из которых – постмодерн.
«Сандро Боттичелли, Рождение Венеры» (Энди Уорхол, 1984)
И всё же они есть: в первую очередь, произведения постмодернизма выделяются особой свободой самовыражения. Авторы могут смешивать разные художественные стили и даже виды искусства в рамках одного произведения, включать привычные, традиционные образы в новый контекст, переосмыслять их или иронически обыгрывать. Часто такая свобода действий приводит к тому, что художники создают демонстративно скандальные и эпатажные работы.«Святая троица» (Дэмиен Херст, 2000)Теперь разница между схожими на первый взгляд понятиями прояснилась. Или не совсем? Закрепить пройденное поможет схема, составленная командой ART FLASH.
Русский модерн • Arzamas
У вас отключено выполнение сценариев Javascript. Измените, пожалуйста, настройки браузера.
Русское искусство XX векаМатериалыМатериалы
Action Art: Performances, Actions, Happenings
Objects, Installations and Ready-Mades
Conceptualism and Sots Art
The Thaw and the 1960s.
The Birth of the Underground
Socialist Realism
Artistic Life in the Soviet Union after the October Revolution of 1917
Russian Avant-Garde
Russian Modern
Акции, перформансы, хеппенинги
Искусство действия от футуристов до Павленского
Объекты, инсталляции, реди-мейды
Почему искусством стали кучи мусора и меховые чашки
Концептуализм и соц‑арт
Всё про Илью Кабакова, Эрика Булатова и Комара с Меламидом
Оттепель и шестидесятые: рождение андеграунда
Как Хрущев дал жизнь неофициальному искусству
Соцреализм
Какой стиль живописи создал Сталин
Искусство после революции: художник и власть
Как и когда появилось новое советское искусство
Русский авангард
Что придумали Малевич, Кандинский, Татлин и «бубновые валеты»
Русский модерн
Как Дягилев, Бенуа и Бакст изменили русскую действительность
Как Дягилев, Бенуа, Бакст и другие решили улучшить русскую неприглядную действительность — и что у них получилось
Автор Галина Ельшевская
soundcloud.com/player/?url=https%3A//api.soundcloud.com/tracks/295484476&auto_play=false&hide_related=true&show_comments=false&show_user=true&show_reposts=false&visual=true»/>В массовом сознании есть твердое представление, что настоящий ХХ век в русской культуре начинается в 1910-е годы. С авангарда, который выводит русское искусство в европейский мир, и этот авангард и есть наш вклад, наш бренд и вообще наше все. И совсем редко вспоминают о тех, кто этот торжествующий выход на интернациональные просторы подготовил. Ну разве что о Дягилеве и его Русских сезонах, которые с 1907 года проходили на Западе с триумфом. Но та эстетика, которой восторгались европейцы в дягилевских гастрольных балетах, была сформирована кругом художников, входивших в объединение «Мир искусства». Они смогли перенастроить оптику восприятия искусства, произвести в нем негромкую, но существенную революцию. И это был трамплин для тех, кто пришел потом и, естественно, отнесся к предшественникам пренебрежительно.
Круг был совсем узкий. Всего несколько человек составили ядро объединения «Мир искусства», которое в 1898 году стало издавать одноименный журнал. Это были художники Александр Бенуа, Константин Сомов, Лев Бакст, Евгений Лансере, Мстислав Добужинский, Анна Остроумова-Лебедева. И конечно, Сергей Дягилев, антрепренер, импресарио, мотор и пружина всех мирискуснических инициатив. Кроме того, были литераторы — отдел критики, которым руководил Дмитрий Философов. Там печатались Мережковский, Гиппиус, Розанов, Сологуб, Брюсов, Бальмонт, Белый — но потом литераторы разругались с художниками и ушли в журнал «Новый путь». В этом узком кругу большинство еще связано то родством, то гимназической дружбой. И собственно «Мир искусства» родился из совсем камерного кружка, названного в честь романа Диккенса «Посмертные записки Пиквикского клуба», — «Невские пиквикианцы».
На склоне лет Бенуа, уже эмигрировавший во Францию, написал два тома мемуаров. Он вспоминал детство и детские увлечения: коллекции игрушек, картонные модели городов, любовь к оптическим игрушкам вроде волшебного фонаря.
И мирискусники, с одной стороны, хотят уйти от жизни в какие-то отвлеченные миры. Где эти миры? В прошлом. А откуда мы что-то знаем о прошлом? Мы видим его в образах искусства, и именно они нас вдохновляют. Мирискусников искусство интересовало гораздо больше, чем жизнь. Искусство прошлого, которое способно порождать другое искусство, новое. Их интересовала не история как она есть, а ее образы — сочиненные, летучие, случайные. «Ретроспективные мечтания», «галантные празднества», «царские охоты» — никаких больших идей, а просто острое переживание атмосферы ушедшего времени. Уход от действительности, своего рода эскапизм.
Но, с другой стороны, этот непривлекательный, рутинный современный мир можно ведь и переделать, переформатировать, сделать его иным для глаза, для визуального восприятия.
Теперь поговорим о том, в каких областях мирискусники особенно преуспели. Они, например, совершенно изменили облик театра, особенно музыкального. До них художнику в русском театре делать было просто нечего: все декорации брались, что называется, «из подбора», то есть из числа заранее готовых стандартных декораций: вот это для любого спектакля из средневековой жизни, а это — для любого из египетской. Мирискусники работали с каждым спектаклем индивидуально, с реставраторской точностью.
1 / 3
Костюмы и декорации Леона Бакста к балету «Шехеразада». 1910 годLibrary of Congress
2 / 3
Декорации и костюмы к балету «Петрушка». Начало XX векаLibrary of Сongress
3 / 3
Костюмы к «Половецким пляскам» из оперы «Князь Игорь». 1900-е годыLibrary of Сongress
А еще они полностью изменили облик иллюстрированной книги. Раньше в таких книгах иллюстрации заказывались разным художникам и стилистически спорили друг с другом внутри книжного блока. Мирискусники выдвинули и воплотили идею книги как единого целого: изображение должно быть увязано с текстом, все виньетки и заставки должны работать на общую стилистику, художник выступает как режиссер и декоратор целостного зрелища. Впервые эта идея синтеза была осуществлена в издаваемом ими журнале «Мир искусства», речь о котором впереди.
1 / 3
Обложка «Азбуки в картинах» Александра Бенуа. 1904 годbenua-memory.ru
2 / 3
Иван Билибин. Обложка программки оперы «Борис Годунов». 1908 годLibrary of Сongress
3 / 3
Обложка «Азбуки „Мира искусства“» Мстислава Добужинского. 1911 годmoscowbooks.ru
Всего сделанного мирискусниками не перечислить: там было много «микрореволюций». Но еще об одном интересно напомнить: ведь это они определили наше сегодняшнее восприятие Петербурга; в 1903 году праздновалось его двухсотлетие, и стилистика праздника во многом была подготовлена мирискусническими усилиями по изменению имиджа столицы. До них Петербург вообще не считался красивым городом. У него было два публичных образа — один неприятнее другого. С одной стороны, это был образ города казенного, чиновного — в противовес живой, фрондирующей, более разнообразной и свободной Москве. С другой стороны, это был город Достоевского: город дворов-колодцев и вечных сумерек.
Все это изменилось усилиями мирискусников — отчасти Мстислава Добужинского и главным образом Анны Остроумовой-Лебедевой. Есть такая расхожая фраза, что русскую природу придумали Саврасов, а потом Левитан: до них ее не существовало как объекта для зрения. Так вот, можно сказать, что Петербург придумала Остроумова-Лебедева.
1 / 3
Анна Остроумова-Лебедева. Вид Невы сквозь колонны Биржи. 1907 годФотография РИА «Новости»
2 / 3
Мстислав Добужинский. Гримасы города. 1908 годФотография Михаила Филимонова / РИА «Новости»
3 / 3
Анна Остроумова-Лебедева. Петергоф. Фонтан «Самсон». 1922 годФотография Алексея Бушкина / РИА «Новости»
И характерно, что она сделала это в гравюрах. Мирискусники еще и возродили графику как самостоятельное искусство. В России графика была подсобной: сводилась к этюдам и эскизам для картин, а на выставочную самостоятельность почти не претендовала. И графика, печатавшаяся в журналах, часто не была сделана специально, а сводилась к репродукциям живописных картин.
А мирискусники возродили не только уникальную графику, авторский рисунок, но и графику тиражную, в частности Остроумова-Лебедева занималась цветной гравюрой на дереве и отталкивалась от японских гравюр, которые в России мало кто знал.
Ядро «Мира искусства» составляли, конечно, разные художники. Но какая-то общая поэтика, их объединяющая, тем не менее была. Квинтэссенция этой поэтики — в творчестве Александра Бенуа и Константина Сомова.
Любимые эпохи Бенуа — это в основном Франция XVII века, царствование Людовика XIV и Россия екатерининского и павловского времени. «Версальская серия» и цикл «Последние прогулки Людовика XIV» Бенуа — это сочиненный, хрупкий марионеточный мир. Важно, что это и не масляная живопись, а гуаши на бумаге: нет живописной плотности, беспрекословности, натурной обязательности. Это не исторические картины, а исторические картинки. Что такое историческая картина, например, в духе Сурикова? Это какая-то идея о смысле истории, спрессованном в конкретном событии.
А если бы художник «Мира искусства» писал «Утро стрелецкой казни», он, вполне возможно, смотрел бы не на стрельцов или на Петра, а на пролетающую мимо сороку. Исторические жанры у Бенуа — это всегда случайно выхваченный фрагмент, в котором нет главного события, а вместо него только воздух истории. Та же острота и случайность ракурсов есть в «Царских охотах» Валентина Серова и в его гуаши «Петр I». Здесь гротескные фигуры огромного Петра и скорчившихся придворных на фоне условных «пустынных волн» сочетают иронию с чувством исторического масштаба. Серов не случайно входил в правление «Мира искусства» — единственный из москвичей: они хорошо понимали друг друга.
1 / 3
Александр Бенуа. Прогулка короля. 1906 годГосударственная Третьяковская галерея
2 / 3
Валентин Серов. Выезд Екатерины II на соколиную охоту. 1902 годWikimedia Commons / Государственный Русский музей
3 / 3
Валентин Серов. Петр I. 1907 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея
В отличие от Бенуа, который вдохновлялся конкретной историей, Сомов в своих стилизациях воспроизводил некий условный галантный век — XVII или XVIII, неважно.
Маркизы с кавалерами, арлекины и другие герои итальянской комедии дель арте, маскарады, спящие или грезящие «дамы прошедшего времени». Насмешки здесь больше, чем растроганности или печали по утраченному. Но печаль тоже есть — только это печаль не по утраченному, а по недостижимому: по тому, что принадлежит не жизни, а искусству. И постоянная его тема — тема того, что вспыхнет и сейчас же исчезнет: радуга, фейерверк, костер. Конец праздника, всегда краткого, как вспышка.
Современники считали главной картиной Сомова «Даму в голубом» — портрет художницы Елизаветы Мартыновой, написанный незадолго до ее смерти от чахотки. Печальная девушка в муаровом платье по моде сороковых годов XIX века стоит с книгой, за ее спиной в сильном удалении — книжное видение: кавалер и дама флиртуют на скамейке, а мимо проходит фланер с тросточкой, похожий на самого художника. Картина о тщетности романтических порывов в прозаическом мире: именно так ее восприняли первые зрители.
Среди мирискусников были и вовсе чуждые ностальгии. Например, Леон Бакст — он главным образом реализовался как художник дягилевских Русских сезонов. От его костюмов для балетных спектаклей потом отталкивались кутюрье всех модных домов Парижа — Пакен, Пуаре, Ворт, далее везде. Или Добужинский — он, в отличие от товарищей, станет работать не в музыкальном, а в драматическом театре, в МХТ со Станиславским. И сделает там несколько спектаклей, из которых особенно замечательны два. Один, «Месяц в деревне» по Тургеневу, — спектакль мирискуснический, антикварский. Другой, «Николай Ставрогин» по Достоевскому, — спектакль мрачный и вполне символистский. Вообще Добужинскому не чужд символистский вкус, а среди его поздних работ есть даже абстракции.
1 / 4
Леон Бакст. Саломея. 1908 годWikimedia Commons
2 / 4
Леон Бакст.
Жар-птица. 1910-е годыWikimedia Commons
3 / 4
Леон Бакст. Аладдин. 1919 годWikimedia Commons
4 / 4
Леон Бакст. Бабочка. 1913 годWikimedia Commons
Гуаши Добужинского и ксилографии Остроумовой с видами Петербурга распространялись в открытках, выпускаемых Общиной святой Евгении. Выпуск открыток — еще одна важная часть мирискуснической программы. Открытки — искусство массовое, многотиражное, сувенирное. А мирискусники принципиально не устанавливали дистанции между искусством массовым и искусством высоким.
Вообще в мирискусниках реализовался совершенно новый для России тип художников. Во-первых, они дилетанты. Кто-то не доучился в Академии художеств, кто-то немного походил вольнослушателем по парижским частным студиям. Но практически все и отовсюду сбегали, потому что им было скучно нормативное рисование и нормативное образование.
Во-вторых, все они интеллектуалы — что тоже русским художникам в массе тогда было совершенно не свойственно.
Они читающие люди, они знают языки, они космополиты по устремлениям, они меломаны и устраивают вечера современной музыки при журнале «Мир искусства».
В-третьих, они все буржуа. Вообще традиционно буржуазный образ жизни противопоставлялся образу художника — романтическому образу, — а мирискусники на нем настаивают. Притом что все они разного происхождения: Бенуа из дворянской семьи с французскими корнями, Сомов — сын главного хранителя Эрмитажа, то есть из интеллигентной профессорской семьи. А, скажем, Бакст — еврей из Гродно, и это совершенно никому не мешает: они все говорят на одном языке, и манера поведения у них общая.
И в этой манере поведения есть один очень важный оттенок. Вся вторая половина XIX века в русском искусстве, условно передвижническая половина, основывается на пафосе долга. Художник всегда оказывается обязан: народу, обществу, культуре — кому и чему угодно. Мирискусники — это первые люди в русском искусстве, которые утверждают, что художник никому и ничего не должен.
Лейтмотив их жизни, их творчества — это ода капризу и прихоти, вольному артистическому жесту. Отсюда уже совсем недалеко до вольного жеста в авангарде, но начало — здесь.
1 / 4
Обложка одного из номеров «Мира искусства». 1904 годWikimedia Commons
2 / 4
Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1903 годWikimedia Commons
3 / 4
Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1900 годWikimedia Commons
4 / 4
Страница одного из номеров журнала «Мир искусства». 1902 годWikimedia Commons
Любимое слово мирискусников — «скурильность». Они любят в искусстве все скурильное и собирают скурильное. Что это такое? Это вещи, которые не обладают качеством значимости, фундаментальности. Это что-то смешное, одинокое, уязвимое, это может быть игрушка, это может быть какой-нибудь мещанский коврик. Этот культ необязательности — тоже важный оттенок в их коллективной программе.
Художник Игорь Грабарь писал Александру Бенуа: «Вы слишком влюблены в прошлое, чтобы хоть что-нибудь современное ценить» — и это абсолютно справедливо. Прошлое, в которое они влюблены, — это прошлое выдуманное, это мечта, это некий образ красоты, на который мы можем смотреть, как из зрительного зала в перевернутый бинокль. И в этом есть и любование, и ирония, и горечь, и жалость.
И вот эти люди — с этой системой ценностей, совершенно камерного склада люди, — хотят перенаправить русскую культуру в сторону Запада и изменить устоявшиеся общественные вкусы. Для этого они издают журнал, который делается по образцу европейских журналов, пропагандирующих стиль модерн. Потому что эстетика «Мира искусства» — это именно вариант модерна.
В каждой из стран этот стиль назывался по-своему: модерн, сецессион, либерти, ар-нуво, югендстиль. Проще говоря, «новый стиль». Слово «стиль» само по себе важно — оно означает озабоченность формой. В каждой стране модерн существует в собственных формах, но есть общее: формы берутся из всего культурного запаса человечества, из общей памяти.
Это общее служит опорой для индивидуального, прошлое порождает настоящее. В русском искусстве, да и не только в русском, до мирискусников никакой озабоченности формой не было, только содержанием, — и стиля не было.
Модерн — придуманный стиль, он не вырастает сам собой. Если говорить совсем грубо — он порожден промышленной революцией. Машинное производство одинаковых вещей и одинаковых образов жизни вызывает психологическое и эстетическое отторжение. И первая идея модерна — это идея ручного труда. Сначала в Англии возникло так называемое Движение искусств и ремесел под началом литератора, издателя и художника Уильяма Морриса. А затем в разных странах появились его филиалы. У них была двойная идея. Во-первых, сделать вещи красивыми, индивидуальные вещи, а не конвейерные. А во-вторых, объединить ремесленников в деле производства этих вещей. Ранний модерн вообще очень связан с социалистическими идеями.
Таким образом, ранний европейский модерн был двунаправленным.
С одной стороны — архаический, реставрационный вектор: вокруг строят гигантские фабрики, а мы вернемся назад, к ремеслу, к средневековым цехам. И одновременно он же является вектором футуристическим, потому что все это делается во имя утопического будущего. В перспективе весь мир должен быть спасен красотой и превратиться в сплошной город-солнце.
Но вернемся к мирискусникам. Чтобы издавать журнал, нужны спонсоры. Кто дает им деньги? Неожиданная деталь: значительную сумму дал Николай II — потому что его попросил Валентин Серов, писавший портрет императора. Но были и два постоянных спонсора. Первый — предприниматель и меценат Савва Мамонтов, который, впрочем, к 1899 году разорился. Второй — княгиня Мария Тенишева, она будет субсидировать издание до финала. И Мамонтов, и Тенишева были инициаторами российской программы, аналогичной Движению искусств и ремесел. В своих имениях — один в Абрамцево, вторая в Талашкино — они создавали художественные мастерские. Известно, что у Мамонтова Врубель расписывал балалайки и камины — но это не было никаким неуважением к художнику, ровно наоборот.
И неудивительно, что именно эти два человека поддерживают Бенуа и Дягилева.
1 / 2
Михаил Врубель. Портрет Саввы Мамонтова. 1897 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея
2 / 2
Михаил Врубель. Валькирия (Портрет княгини Марии Тенишевой). 1899 годWikimedia Commons / Одесский художественный музей
Журнал издавался шесть лет, с 1898-го по 1904-й. Среди дочерних его предприятий были и салон «Современное искусство», где торговали мебелью, фарфором и так далее, и кружок «Вечера современной музыки», и еще один журнал, «Художественные сокровища России», с тем же Бенуа в роли редактора. Устраивались выставки российского и зарубежного искусства — их было пять, а еще три устроил Дягилев до выхода журнала. Дягилев вообще был движущей силой всех инициатив — человек неуемной энергии и выдающихся организационных талантов. Среди самых громких его проектов — историческая выставка русского портрета, на которой он практически открывает публике отечественное искусство XVIII — первой половины XIX века.
Дягилев сам собирал на эту выставку работы, объезжая усадьбы и буквально обольщая владельцев. В 1907 году он проводит в парижской Гранд-опера серию концертов русской музыки, и отсюда начинается история последующей более чем двадцатилетней антрепризы — знаменитых Русских сезонов.
Дягилев уезжает за границу, и практическая деятельность объединения остается на Александре Бенуа, а он идеолог, но не организатор. И в «Мире искусства» наступают не лучшие времена. Но парадоксальным образом вероятность быстрого заката была заложена в самой программе сообщества. Потому что эти люди, дорожащие дружбой в собственном узком кругу, в художественной политике исповедовали предельную широту и толерантность. Они готовы были сотрудничать со всеми и привлекать в свои проекты всех. Всех, в ком видно хоть что-то живое — даже если это живое видно едва и самим мирискусникам чуждо.
В первом номере журнала было много репродукций картин Васнецова, хотя среди издателей не было его поклонников и вообще «Мир искусства» выступал против передвижничества. Они были уверены, что Репин устарел, но публиковали репродукции его картин, признавая их значение. А ведь уже начинается эпоха манифестных войн, когда принято размежевываться, воевать за свой взгляд на мир и творческую оригинальность. В этих условиях идея всеобщего объединения во имя эстетической утопии становится очень уязвимой.
Но в 1904 году во имя этой идеи объединения мирискусники совершают сильный жест — они отказываются от собственного бренда и входят в московский Союз русских художников. Там солируют пейзажисты саврасовско-левитановской линии, там в моде импрессионизм, петербургским художникам чуждый, — и, конечно, никакого объединения не получается.
В 1910 году «Мир искусства» восстанавливает собственное имя. Но мирискусники не отказываются от идеи самого широкого сотрудничества, и теперь на их выставках можно встретить и символистов из «Голубой розы», и фрондеров из «Бубнового валета», и вообще кого угодно — вплоть до Малевича.
Бенуа избегает властных полномочий, поэтому в 1910 году главой «Мира искусства» становится Николай Рерих, человек и художник совершенно иного, практически враждебного истинным мирискусникам склада. А в 1921 году объединение и вовсе возглавит Илья Машков, самый беспардонный из «бубновых валетов» — он просто узурпирует бренд. Но это будет уже посмертное существование, хотя формально «Мир искусства» будет распущен лишь в 1924 году. К тому времени из его основателей никого уже не останется в России, кроме Бенуа (он тоже вскоре эмигрирует), Лансере и Остроумовой-Лебедевой.
Николай Рерих в тибетском костюме. 1920‑е годыThe Library of CongressНадо сказать, что идеологи и создатели «Мира искусства» отчасти осознавали эфемерность своей затеи.
Они чувствовали наступление другой жизни и появление других людей, которые вытеснят их самих с культурного поля. Это чувство было ясно сформулировано в речи Дягилева, произнесенной еще в 1905 году. И эту вполне пророческую речь стоит привести:
«Не чувствуете ли вы, что длинная галерея портретов великих и малых людей, которыми я постарался заселить великолепные залы Таврического дворца, есть лишь грандиозный и убедительный итог, подводимый блестящему, но, увы, и омертвевшему периоду нашей истории? <…> Я заслужил право сказать это громко и определенно, так как с последним дуновением летнего ветра я закончил свои долгие объезды вдоль и поперек необъятной России. И именно после этих жадных странствий я особенно убедился в том, что наступила пора итогов. Это я наблюдал не только в блестящих образах предков, так явно далеких от нас, но главным образом в доживающих свой век потомках. Конец быта здесь налицо. Глухие заколоченные майораты, страшные своим умершим великолепием дворцы, странно обитаемые сегодняшними милыми, средними, не выносящими тяжести прежних парадов людьми.
Здесь доживают не люди, а доживает быт. И вот когда я совершенно убедился, что мы живем в страшную пору перелома; мы осуждены умереть, чтобы дать воскреснуть новой культуре, которая возьмет от нас то, что останется от нашей усталой мудрости. Это говорит история, то же подтверждает эстетика. И теперь, окунувшись в глубь истории художественных образов и тем став неуязвимым для упреков в крайнем художественном радикализме, я могу смело и убежденно сказать, что не ошибается тот, кто уверен, что мы — свидетели величайшего исторического момента итогов и концов во имя новой неведомой культуры, которая нами возникает, но и нас же отметет. А потому, без страха и неверия, я подымаю бокал за разрушенные стены прекрасных дворцов, так же как и за новые заветы новой эстетики».
Что еще почитать про русский модерн:
Ельшевская Г. Короткая книга о Константине Сомове. М., 2003.
Пружан И. Лев Бакст. М., Л., 1975.
Сарабьянов Д. Стиль модерн. М., 1989.
Чугунов Г. М. В. Добужинский. Л., 1984.
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
Лекция 1 из 8
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
Радио ArzamasЧто на самом деле говорил Заратустра?
Ахура-Мазда, Авеста, поклонение огню и похороны со стервятниками: новый курс — о зороастризме, религии Древнего Ирана и части современной Индии
Хотите быть в курсе всего?
Подпишитесь на нашу рассылку, вам понравится. Мы обещаем писать редко и по делу
Курсы
Все курсы
Спецпроекты
О проектеЛекторыКомандаЛицензияПолитика конфиденциальностиОбратная связь
Радио ArzamasГусьгусьСтикеры Arzamas
ОдноклассникиVKYouTubeПодкастыTwitterTelegramRSSИстория, литература, искусство в лекциях, шпаргалках, играх и ответах экспертов: новые знания каждый день
© Arzamas 2023.
Все права защищены
Какая разница? Мебель в стиле модерн и ар-деко
Определить разницу между стилями ар-деко и модернизм бывает непросто. Существует много совпадений как с точки зрения времени, так и даже с точки зрения дизайнеров и художников, которые переходили от одного стиля к другому по мере того, как их личные стили дизайна развивались с течением времени. Не волнуйтесь — к концу этого вы станете экспертом в этих двух областях и, что еще более важно, теперь сможете повеселиться, включив эти знаменитые стили в свой дом.
Что такое ар-деко? Термин ар-деко, каким мы его знаем сегодня, не был придуман до 1960-х годов, но этот стиль восходит к началу 1900-х годов, когда он занял центральное место в Париже, Франция, на Международной выставке декоративного и промышленного искусства в 1925 году. Стиль Модерн, как его первоначально называли, должен был дебютировать в 1914 году, но был отложен из-за начала Первой мировой войны. С приближением нового века многие считали, что нынешний стиль дизайна, изобразительного и декоративно-прикладного искусства устарел, старомоден и не демонстрирует современный мир.
Ар-деко заменил мягкие стили модерна, заимствованные из природы, повторным использованием линейных и геометрических форм. Черпая вдохновение у множества муз (древнее египетское искусство, современный транспорт, дизайн Баухауза, немецкой художественной школы и даже кубизма), этот дизайн в стиле ар-деко включал в себя современные материалы, такие как нержавеющая сталь, чтобы создать ощущение гламура, экстравагантности и изысканность. К 1930-м годам он стал ослепительным международным стилем.
Ар-деко: концепции, стили и направления Но как на самом деле узнать, что это ар-деко? Этот стиль известен некоторыми ключевыми отличительными чертами, благодаря чему его легко заметить, даже если вы менее знакомы с ним. Он использует повторяющиеся геометрические формы и четкие линии, такие как треугольники, зигзаги и шевроны, которые сегодня все еще выглядят почти футуристическими. Сегодняшний поворот в стиле ар-деко вызывает чувство ностальгии по гламуру.
Просто взгляните на один из самых инстаграм-баров Лондона — Sketch.
Мебель в стиле ар-деко изначально была символом роскоши. Эту эстетику прекрасно воплотил один из самых выдающихся мебельных дизайнеров того времени: Эмиль-Жак Рульманн. Если вы не знакомы с Рулманном, вам в основном нужно знать, что он использовал некоторые из самых роскошных материалов, включая экзотические породы дерева (например, черное дерево), часто лакированные, слоновую кость и кожу зебры в дополнение к замысловатым деревянным вставкам для создания своих шедевров. Его изысканный дизайн побудил других известных дизайнеров отказаться от экстравагантности, призывая к более простой и функциональной мебели. Один из этих дизайнеров и художников, Ле Корбюзье, считал любое украшение излишним и предпочитал вариант стиля ар-деко без орнамента.
Кровать в стиле ар-деко The Inside Архитектура в стиле ар-деко Вы бывали на Южном пляже Майами или смотрели на небоскребы Нью-Йорка, такие как Крайслер-билдинг или Эмпайр-стейт-билдинг? Это яркие примеры истинного мастерства в стиле ар-деко, которое характеризуется четким дизайном с богатыми украшениями, подчеркнутыми металлическими акцентами.
Если мы подумаем о некоторых ключевых формах этого стиля, неудивительно, что многие здания имеют прямоугольную, почти блочную форму и внешний вид. Сегодня этот стиль можно идеально описать одним очень описательным словом: ретро. Нужен еще один визуал? Картина Голливуд в середине 1920 с.
Хотя направление ар-деко родилось из современности, на самом деле оно не подпадает под стиль модерн. Модернизм возник в Соединенных Штатах во время Великой депрессии в 1930-х и 1940-х годах. Это был отход от украшений и безвкусных стилей предыдущего десятилетия. Вместо роскошных и легкомысленных материалов модернизм включал в себя бетон, сталь и стекло и был известен чистыми линиями и открытыми планами — многое из того, что мы до сих пор ассоциируем с современным дизайном. Модернизм и ар-деко, безусловно, имеют свои пересекающиеся черты — они оба были заметны примерно в одно и то же время, и такие дизайнеры, как Ле Корбюзье, балансировали на грани между ар-деко и модернизмом.
Однако модернизм — это обтекаемая версия ар-деко, где упор делается на форму, а не на орнамент.
Подобно ар-деко, модернизм затронул многие аспекты мира дизайна, включая дизайн интерьера, мебель и архитектуру. Хотя различение этих двух вещей может сбить с толку, есть некоторые ключевые характеристики, которые могут помочь вам определить, действительно ли что-то является современным.
Архитектура модернизма Вы слышали о Фрэнке Лойде Райте? Может быть, вы видели его работы и даже не поняли, что он был человеком, стоящим за этими современными зданиями. Его работы идеально отражают функциональный дизайн, использование геометрических форм, плоских крыш и интерьеров открытой планировки, которые сегодня так известны в этом стиле. Они изготовлены из новых материалов, таких как бетон и сталь, под девизом «меньше значит больше». Еще одно известное имя, на которое стоит обратить внимание, — Дональд Дески.
Как и многие его современники, он начал свою карьеру в 1920-х годов, но его стиль эволюционировал от ар-деко к ар-модерну (также называемому Streamline Moderne) и был человеком, стоящим за знаменитыми интерьерами Radio City Music Hall.
В отличие от единственного в своем роде предмета мебели, мебель в стиле модерн была разработана для массового производства. Даже если это не так, цель состояла в том, чтобы это выглядело машинным. Помните, как мы говорили, что стили ар-деко и модернизм трудно отличить друг от друга? Ну, чтобы добавить к путанице, Пол Франкл является еще одним ярким примером пересечения между ними. Как и Ле Корбюзье, он начал с ар-деко, но то, что он сделал, так это создал американскую версию стиля и создал коллекцию редко выглядящих лакированных геометрических предметов мебели, получившую название «мебель небоскреба». Гладкие геометрические формы без украшений в этой коллекции прекрасно иллюстрируют отход от гламура ар-деко.
Роскошный, геометрический, а иногда и пастельный декаданс в стиле ар-деко был вершиной современности на рубеже 20-го века. После Великой депрессии стиль стал слишком легкомысленным и сменился более простым современным стилем: модернизмом. Если вы хотите узнать, что будет после модернизма, почитайте об архитектуре и мебели модерна середины века.
Модерн в архитектуре | Дезин
Результаты поиска:
Уточните параметры поиска:
«»Жилье для грязных людей» вернулось и я его приветствую»
Жилье с выходом на террасу несправедливо стало символом городской нищеты в Великобритании, но новая волна архитекторов демонстрирует его достоинства, пишет Рори Олкейто. Подробнее
Рори Олкайто | | Оставить комментарийSteelcase запускает линию мебели на основе дизайна Фрэнка Ллойда Райта
Американская компания Steelcase использовала архивные проекты архитектора Фрэнка Ллойда Райта для создания Racine Collection, линии мебели для домашнего офиса.
Бен Дрейт | | Оставить комментарий
ЕщеACDF Architecture оборачивает стеклянный дом вокруг яблони в Квебеке
Монреальская студия ACDF Architecture спроектировала дом с низкой посадкой в модернистском стиле, массивная форма которого окружает яблоню и обеспечивает прямой обзор жилых помещений. Подробнее
Джеймс Бриллон | | Оставить комментарий«Обе стороны в войнах стилей одинаково не правы»
Непрекращающиеся ссоры между сторонниками классической и модернистской архитектуры — бесполезное отвлечение перед лицом чрезвычайной климатической ситуации, которая требует от нас избегать и того, и другого, — пишет Барнабас Колдер. Подробнее
Варнава Колдер | | Оставить комментарийКейт Байрон создает модернистский набор Don’t Worry Darling как «игривую и развратную интерпретацию 1950-х»
Художник-постановщик Кейт Байрон использовала старинные «сокровища» и отсылала к ключевой модернистской архитектуре для создания декораций психологического триллера «Не волнуйся, дорогая», съемки которого проходили в калифорнийском Палм-Спрингс.
Элис Финни | | Оставить комментарий ЕщеБруталистский отель Марселя Брейера среди лауреатов премии «Модернизм в Америке 2022 года»
Группа охраны природы Docomomo US объявила победителей своей ежегодной премии «Модернизм в Америке», которая присуждается людям и проектам, сохраняющим модернизм в Соединенных Штатах. Подробнее
Бен Дрейт | | Оставить комментарийДесять интерьеров с естественным и успокаивающим органическим современным дизайном
Для нашего последнего лукбука мы собрали 10 проектов, олицетворяющих органичный современный стиль дизайна, сочетающий минималистские интерьеры с натуральными текстурами и цветами. Подробнее
Кайса Карлсон | | Оставить комментарийИветт ван Зил завершает строительство дома в стиле модерн с видом на побережье Южной Африки
Местный архитектор Иветт ван Зил построила дом для себя и своего мужа в приморском городке Моссел-Бей в Южной Африке, сочетая морские и модернистские мотивы с богатой палитрой текстур, материалов и цветов.
Джон Эстбери | | Оставить комментарий ЕщеGalerie Philia представляет выставку дизайна, созданную Ле Корбюзье в Cité Radieuse
Galerie Philia представила Héritages, выставку в здании Cité Radieuse, спроектированном Ле Корбюзье, на которой представлены работы таких дизайнеров, как Рик Оуэнс , которые соответствуют теориям модернизма швейцарско-французского архитектора. Подробнее
Джейн Энглфилд | | Оставить комментарийВосемь домов, построенных в современном стиле Скалистых гор
В Скалистых горах в США и Канаде расположено множество современных домов, созданных как в модернистской архитектуре, так и в уникальном окружении. Джон Гендалл выбрал восемь примеров из своей книги «Современные скалистые горы». Подробнее
Бен Дрейт | | Оставить комментарийДискуссия Dezeen
Дезин дебаты
Информационный бюллетень Dezeen Debate рассказывает о минималистском доме в Нью-Йорке
В последнем выпуске Dezeen Debate рассказывается о сдержанном нью-йоркском доме, спроектированном Магдаленой Кек. Подпишитесь на Dezeen Debate прямо сейчас! Подробнее
Карен Андерсон | | Оставить комментарийМагдалена Кек использует «теплый минимализм» для интерьеров дома в долине реки Гудзон
Дизайнер интерьеров Магдалена Кек наполнила дом из стекла и стали в Нью-Йорке сдержанной, но эклектичной смесью мебели, призванной дополнить существующую архитектуру. Еще
Дженна Макнайт | | Оставить комментарийНа этой неделе мы выявили 11 современных зданий в Америке, находящихся под угрозой исчезновения
На этой неделе на Dezeen американская природоохранная группа Docomomo собрала 11 американских зданий 20-го века, которые находятся под угрозой сноса.
Элис Финни | | Оставить комментарий ПодробнееОдиннадцать современных зданий Америки, находящихся под угрозой исчезновения
Группа консерваторов Docomomo выбрала 11 самых значимых зданий 20-го века, находящихся под угрозой сноса в США. Еще
Том Рейвенскрофт | | Оставить комментарийПогрузчик Монтейт завершает «невидимую» реставрацию дома Питера Уомерсли в Хай-Сандерленде
Архитектурная студия Loader Monteith отремонтировала модернистский дом в шотландских границах, который был поврежден во время пожара, используя легкий штрих, чтобы восстановить его первоначальный дизайн архитектора Питера Уомерсли. Подробнее
Элин Гриффитс | | Оставить комментарийSOM раскрывает планы на 19Ремонт Lever House 50-х годов в Нью-Йорке
Архитектурная фирма SOM реконструирует небоскреб Lever House 1950-х годов, спроектированный в Нью-Йорке, чтобы сохранить «очень важное наследие» модернистского офисного здания.
Лиззи Крук | | Оставить комментарий ПодробнееОдиннадцать зданий, которые доказывают, что Палм-Спрингс — оазис модернизма
Чтобы отметить Неделю модернизма в этом году в Палм-Спрингс, которая начинается сегодня, мы собрали 11 выдающихся зданий, расположенных в калифорнийском пустынном городе, который часто называют Меккой модернистской архитектуры середины века. Еще
Элис Финни | | Оставить комментарийАндрес Райзингер и Альба де ла Фуэнте проектируют модернистский дом в морозном ландшафте метавселенной
Чистая геометрия промышленного дизайна Дитера Рамса легла в основу Winter House, виртуальной резиденции цифрового художника Андреса Райзингера и архитектора Альбы де ла Фуэнте, которая существует в розовом зимнем мире. Подробнее
Джейн Энглфилд | | Оставить комментарийДесять модернистских гостиных с открытой планировкой в стиле минимализма
Открытая планировка, функциональная и легко адаптируемая мебель и минималистский дизайн — вот некоторые из отличительных черт модернистских интерьеров. Для нашего последнего лукбука мы собрали 10 гостиных, которые напоминают стиль. Подробнее
Джейн Энглфилд | | Оставить комментарийMecanoo и OTJ Architects завершили реконструкцию Мемориальной библиотеки Мартина Лютера Кинга Миса ван дер Роэ
Архитектурные студии Mecanoo и OTJ Architects добавили сад на крыше и эффектные лестницы к Мемориальной библиотеке Мартина Лютера Кинга-младшего в Вашингтоне, округ Колумбия, в рамках реконструкции здания, спроектированного Мис ван дер Роэ. Подробнее
Джейн Энглфилд |
Еще
Еще
Еще
Подробнее
Подробнее