homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

арт — история возникновения стиля, особенности, фотографии, примеры проектов с фото

Popular art – в переводе с английского «популярное искусство», а слово pop означает ещё и «резкий хлопок». Поэтому термин «поп-арт» имеет двойное значение: «искусство в массы» и нечто шокирующее. Такое сочетание было вполне в духе своего времени – как стиль, поп-арт оформился в Америке в 50-60-е годы XX-го века.

Поп-арт – это своеобразный протест против абстрактного искусства, безликого минимализма, пресного конструктивизма, ставших популярными ранее. Прародителями поп-арта стали художники-иллюстраторы, комиксисты, мультипликаторы, фотографы и рекламщики. Сменился контекст, масштабы изображений, цвет и способы отображения. Производственные дефекты: неравномерное распределение красок, типографское зерно, ошибки цвета при печати стали непременным атрибутом нового стиля. На первый план вышла техника отображения, смысл отошёл на второй.

Поп-арт поменял местами внешнее и внутреннее.

Энди Уорхол

Стиль поп-арт не содержит заумных концептуальных идей, он адресован к обывателю, к народным массам в той же степени, как адресованы к ним средства массовой информации. Недаром расцвет поп-арта совпал с повсеместным распространением телевидения, глянцевых журналов и началом эпохи массового потребления. Глянцевость и гламур – ещё одна неотъемлемая черта этого стиля. Часто в интерьерах поп-арт используются гладкие глянцевые поверхности.

Узнаваемые картинки с обложек периодических изданий, фото знаковых мировых событий и звёзд экрана, популярные герои кино, мультфильмов и телешоу – всё это образы поп-арта. При этом они как будто воспроизводятся на печатном станке или сходят с конвейера – картинки тиражируются и располагаются в один ряд, детали орнамента образуют полотно из разноцветных повторяющихся элементов. Эти рисунки и элементы орнамента часто расположены на плитке, крепящейся на стену. Конечно же, используются большие постеры и картины.

Классическим произведением, «иконой» поп-арта является шелкография Энди Уорхола «Диптих Мэрилин», включающая 50 изображений Мэрилин Монро со знаменитой фотографии актрисы 1953 года. Элементы этой и других работ художника часто встречаются в интерьерах поп-арт.

Материалы, используемые в поп-арте – крашеный металл, стекло, текстиль, дерматин и, конечно же, разноцветный пластик – получивший широкое распространение именно в 60-е годы. Массовое производство из пластмассы, как нового материала, пресса, телевидение, американские небоскрёбы в сочетании с неоновыми огнями реклам, противостояние мировых держав и, конечно же, покорение космоса и научная фантастика – вот что вдохновляло первопроходцев этого стиля! Неудивительно, что деревянная мебель в поп-арте встречается редко. Пластик, стекло, гладкие обтекаемые формы, минимум деталей, максимум цвета – вот что такое настоящий поп-арт.

Поп-арт невероятно пёстр и ярок, умудряется сочетать несочетаемое и часто балансирует на грани безвкусицы и вульгарности, но никогда эту грань не переступает. В самой противоречивости поп-арта есть изюминка, она всегда неожиданно уместна. Поп-арт – стиль, который способен удивлять. Он моментально захватывает зрителя, цепляет его внимание. Знакомые образы притягивают взгляд, приводят в лёгкое замешательство, завораживают. Насыщенные цвета и необычные формы наполняют пространство энергией, а повторяющиеся элементы дизайна задают ритм современной жизни.

Однако не следует думать, что поп-арт – это непременно что-то «кричащее», навязчивое и раздражающее, вроде пресловутой «попсы» или рекламы по телевизору. Интерьер поп-арт может быть выполнен в достаточно спокойных, пастельных тонах, при этом нисколько не изменяя традициям стиля.

Поп-арт позволяет дать волю воображению, непрерывно экспериментируя. Каждый интерьер в стиле поп-арт – неповторимая авторская работа. Поп-арт – стиль демократичный, в нём светильники в стиле минимализм или хай-тек могут соседствовать с мебелью в стиле арт-нуво или арт-деко. И наоборот. Но, поскольку решающее значение имеют цвет и форма, дизайнеру необходимо позаботиться о правильном их сочетании.

———————-

Если вы профессионально занимаетесь дизайном интерьера, читайте также:

Как правильно построить отношения с клиентом

28 способов найти заказчика

Как составить договор на дизайн-проект интерьера

Самопрезентация дизайнера

Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.org

направление

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ. Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Поп-арт

основные принципы, цветовая гамма и материалы

Основные принципы стиля поп-арт: как оформить интерьер необычно и индивидуально. Полезные советы и рекомендации от Квартблога!

Любите неожиданные решения в интерьере и яркие цвета? Тогда поп-арт — ваш выбор. В красочности с ним не может соревноваться ни один из других стилей интерьера.

Пор-арт переводится как популярное искусство: 1950-1960 годы это направление развилось именно в искусстве и затем быстро распространилось и на дизайн интерьера. Существуют американский, итальянский и английский поп-арт, а самые яркие представители направления — Энди Уорхол, Рой Лихтенстайн и Ричард Гамильтон. При создании интерьера дизайнер может вдохновляться как искусством конкретного автора, так и общими принципами стиля. В таком интерьере будет не только много красок, но и узнаваемые с первого взгляда образы современного массового искусства и рекламы.

Для реализации поп-арта нужно обширное пространство. Насыщенные цвета и изобилие узоров визуально уменьшают интерьер. Использовать орнаменты для создания иллюзии расширения пространства — целое искусство. Если квартира небольшая, можно сделать микс скандинавского стиля с поп-артом, тогда белая спокойная основа будет работать на размер помещения, а декор — создавать настроение.

Стиль поп-арт в интерьере: цветовая гамма

Буйство красок, яркие (включая кислотные и неоновые) цвета, контрастные сочетания — отличительная особенность поп-арта. Пастельным оттенкам здесь не место. Для того, чтобы в таком интерьере можно было жить, не сойдя с ума, за основу часто берется белый, черный или черно-белый в равной пропорции. Если оформляется интерьер нежилого помещения, или хозяева квартиры слишком устали от серого города за окном, основой могут служить сразу несколько цветов, присутствующих в одинаковом количестве.

Единственное допущение полутонов в поп-арте, — это наложение одного полупрозрачного цвета на другой с целью создания такого фильтра, как на поп-арт фотографиях.

Материалы

Большую роль в поп-арт интерьере играют стены. Они не хотят брать на себя фоновую роль, а заявляют о себе как настоящие произведения искусства с помощью росписи или фотообоев. Самые популярные темы — граффити, анимационные персонажи, комиксы, стилизация под Энди Уорхола. У поп-арта есть своя особая стилистика, в которой можно исполнить любое изображение, даже ваше собственное фото.

На стенах могут быть и обычные обои, но непременно с интересным рисунком. Например, повторяющиеся геометрические узоры, создающие визуальную иллюзию будут очень кстати. Для того, чтобы не перегружать пространство, оформите так только одну, акцентную стену. Больше про этот прием читайте в нашей статье: «». В поп-арте, сплошь состоящем из акцентов, этот прием может быть преобразован: одна стена оформляется мелким узором или росписью, противоположная окрашивается в белый, а соседние — в контрастные цвета.

Для стиля поп-арт, который часто декорируется подсветкой, лучшим решением будет многоуровневый потолок. Если подсветка не планируется, можно сделать навесной глянцевый потолок, это позволит визуально его приподнять и соответствует принципам стиля. При желании, можно оформить потолок зеркалами или росписью.

Для оформления пола есть 2 основных варианта. Если стены оформлены очень разнообразно и насыщенно, лучше положить на пол светлый и глянцевый материал — плитку, паркет, винил, линолеум. Однотонный ковролин тоже подойдет. Если хочется, чтобы пол притягивал к себе взгляды, то поверхности с орнаментами или необычной раскладкой — ваш вариант.

О мебели и декоре для стиля поп-арт, читайте во второй части статьи.

Дайджест Квартблога

Яркий стиль поп-арт. Часть 2 — Как подобрать мебель и декор для создания интерьера в стиле поп-арт.

Квартблог ЛАЙВ: мастер-класс «Панно в стиле поп-арт. Сделай свой дом ярче» — На мастер-классе дизайнера Татьяны Ефимчук вы своими руками создадите панно в стиле поп-арт. Приглашаем всех!

Сдержанный поп-арт по-шведски — Впечатляющая шведская квартира с элементами поп-арта.

15 интерьеров в стиле поп-арт — Веселые, яркие, с долей юмора — это все об этой подборке интерьеров.

Фотографии: milandesignagenda.com, decoist.com, myhome.ru, www.homedsgn. com, decobizz.com, interioridea.net, home-designing.com

поп-арт, стиль интерьера

Страница не найдена — Confetissimo — женский блог

Маникюр и педикюр

В переводе с английского слово «grunge» означает «неприятно, отвратительно», а само направление считается одним

Стиль в одежде

Новый год — это теплый, радостный и сказочный праздник. В предвкушении Нового года каждая

Цвет в одежде

Лиловый цвет олицетворяет нежность, спокойствие, размеренность. Его цветовая гамма универсальна: его можно надеть в

iHerb

Медовая трава Стевия давно известна своими полезными свойствами, благодаря чему сегодня она активно используется в

Волосы и прически

Всем представительницам прекрасной половины человечества хорошо известно, что прическа способна кардинально изменить не только

iHerb

Недостаток железа в организме нарушает работу многих жизненно важных систем, поэтому его запасы нужно

ПОП-АРТ.

ИСКУССТВО УСПЕХА. По лабиринтам авангарда

ПОП-АРТ. ИСКУССТВО УСПЕХА

Поп-арт стал эпохой в развитии авангарда. Более того, воздействие его приемов и образов ощутимо и в настоящее время. Термин «поп-арт» (от англ, «pop-art») быстро стал популярным. Впрочем, как и многие термины авангарда, он мало что проясняет, да и история его происхождения имеет несколько версий. Эдуардо Паолоцци еще в 1947 г. употребил словечко «поп» в одном из своих коллажей. Художественный критик и писатель Лоурес Элоуэ, будущий хранитель в музее Гуггенхейм в Нью-Йорке, увидел в 1954 г. обозначение «поп» на одной из картин художника Р. Б. Китай и пустил его в оборот как новый, нарождающийся феномен. В 1956 г. в коллаже Ричарда Гамильтона под названием «Так что же придает нашему современному дому такое разнообразие, такую привлекательность?» снова мелькнуло знакомое «поп». Видимо, слэнговая частичка «поп» циркулировала инкогнито в качестве жаргонного в кругах художников, близких битникам, обозначая нечто, рассчитанное на вкус широких кругов публики. Кроме того, по своему звучанию оно напоминало хлопок пробки, вылетающей из бутылки, или удар, что намекало на определенную скандальную ситуацию.

Как бы там ни было, термин «поп-арт» легко вытеснил другие названия, вроде «нового реализма» и «супернатурализма». Он стал не менее употребительным, чем «поп-музыка» и «поп-культура». Уже в 1957 г. Гамильтон пытается дать описание народившегося феномена: это искусство популярное, рассчитанное на массовую аудиторию, переходное и занимающее небольшой период, легко распространяемое и легко забываемое, дешевое, массово-производимое, молодое и остроумное, сексуальное, хитроумное и трюковое, отдающее большим бизнесом. Многое было им названо верно, однако описание это относилось к годам зарождения поп-арта и потому, конечно, неполно. Появившись в середине 50-х гг., поп-арт достиг расцвета в 60-е гг. В 1964 г. Р. Раушенберг, крупнейший представитель американского поп-арта, получил на Венецианском биеннале «Гран-при».

Для многих распространение нового течения обозначало «конец» абстрактной живописи, что воспринималось по-разному. Для ряда критиков, для апологетов абстрактного искусства Г. Рида, Г. Розенберга, К. Гринберга и П. Селза новое искусство казалось «неискусством». Да, впрочем, поп-арт и не хотел им быть. Раушенберг говорил: «Живопись равна и искусству и жизни, я же ищу середину между ними». Представители нового движения стремятся выработать приемы, устраняющие возможность определения искусства. Слово «арт» могло появиться на любом объекте, т. е. здесь проявилась «годность всего», что есть «артефакт». Клаус Ольденбург, не менее знаменитый, чем Раушенберг, указывал, что «поп-арт — это искусство, которое не знает, что оно искусство». Характерен лозунг о «расширении ситуации искусства». Все может стать искусством, коль скоро оно названо таковым, утверждают мастера-«пописты». Не случайно поп-философ Маршалл Маклюэн предлагает рассматривать и всю «человеческую ситуацию» (имея в виду общество в данный момент) как произведение искусства. Ольденбург комментировал: «Я стою за искусство, которое берет формы из жизненных контуров, за искусство, которое (эти контуры) скручивает, распрямляет, собирает и отбрасывает, как слюну, — тягуче, тяжело, остро, мягко и глупо, короче, как сама жизнь». Так, между искусством и жизнью стирались границы; это стало возможно потому, что содержание и искусства и жизни беднело на глазах. Поп-арт — это своеобразное «искусство вне искусства», и если когда-то существовало «искусство для искусства», потом авангард и искусство, потом просто антиискусство, то теперь искуственное искусство… Вскоре, заметим, появится и неискусство и неавангард — далекое последствие «революции поп-арта».

Нередко поп-арт рассматривается излишне однородным, чуть ли не определенным стилистическим явлением. На самом деле это не так: в нем имелись свои школы и направления, вклад разных стран был различным; наконец, были такие художники, как, например, Роберт Раушенберг и Джаспере Джонс, своеобразные «диссиденты поп-арта», которые в него то входили, то выходили. Англичанин Питер Блейк порой делал исторические композиции в академической манере. Да и само это течение то уходило в тень, то становилось вновь актуальным.

Англичане и американцы — истинные пионеры поп-арта. Правда, он известен не только как американское изобретение. С начала 60-х гг. информационная машина США начала пропагандировать «поп» — «чисто американское искусство», отражающее определенный яркий образ жизни. Это было связано с тем, что со времени абстрактного экспрессионизма Нью-Йорк стал претендовать на звание «третьего Рима» в искусстве. Париж после второй мировой войны несколько потерял лидерство в развитии современной художественной культуры. Нью-йоркские галереи Грина, Кастелли, Стейбла, Джексона, Джодсона, Джениса, музей Утни стали зажигать «звезды» поп-арта, когда и сам художник становился участником акции, в данном случае, рекламы и вложенных денежных средств. Опыт Голливуда тут, несомненно, учитывался. Поп-арт, бесспорно, рекламное искусство, любящее рекламу как символ современности. Особенно прославились Р. Раушенберг, Д. Розенквист, Р. Лихтенстайн, Э. Уорхол, К. Ольденбург, представляющие «горячую пятерку» из Нью-Йорка, и Том Вессельман, Д. Сигал, Э. Руша, Р. Моррис, А. Джонс, Д. Джонс, Р. Индиана, Д. Дайн. Конечно, представителей поп-арта было намного больше, здесь названы только основные. В 1955 г. Раушенберг начал делать первые «комбинированные картины», представляющие из себя некие соединения живописи и отдельных предметов, а в конце 50-х гг. к нему примкнули Джонс, Уорхол, Розенквист. Параллельно, а может быть и раньше, свою концепцию разрабатывали англичане.

Рис. 27. Р. Лихтенстайн. Храм Аполлона. 1964

В 1952 г. в Лондоне возникает группа «Независимых». Один из инициаторов ее — Эдуардо Паолоцци, который демонстрировал через проектор на экране сопоставления различных рекламных материалов, перемешанных весьма прихотливо. В следующем году был проведен семинар «параллель жизни и искусства», само название которого созвучно «эстетике» поп-арта, искавшего связи между этими явлениями. «Независимая группа» вскоре организовывает «институт современного искусства», который устраивает выставки «Коллаж и объект» (1954), «Человек, машина и движение» (1955), «Это завтра» (1956). Наиболее активны Лоуренс Эллоуэй, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци, Питер Блейк. Они изучали фотографии, рекламу, жизнь большого города, стрессы, сопоставления изобразительных образов с текстами. Характерно, что англичане ориентировались на материалы американских массовых иллюстрированных журналов. Вскоре их заинтересовал начавший выходить (с 1956 г. ) журнал «Плейбой», тогда вполне «невинный» и позволяющий благодаря смягчению цензуры показывать обнаженную грудь модели из-под приспущенной рубашки. В американских журналах художников из Лондона интересовали достижения дизайна, мастерски сделанные фотографии, серийность образов, зрительные и смысловые контрасты. Их привлекала также реклама стандартных наборов мебели — «ливингрум». Англичане поняли, что перед ними не весь объект, а только одно его качество. Сами формы не изобретаются (они уже существуют), а переносятся в некие «блоки видеоряда», создающие стандартные визуальные образы, несущие определенную информацию и вызывающие определенные ассоциации и эмоции. Здесь есть радость «узнавания» в незнакомом знакомого, лишенная большой интеллектуальной нагрузки. Все это стало основой поп-арта. Но английский поп-арт был болен «прерафаэлизмом», был слишком рафинированным, так что он стал скорее духовной силой, чем подлинным «отцом» нового движения, вскоре захватившего США, ряд стран Европы и Японию. США стали претендовать на лидерство, поп-арт начал восприниматься исключительно как американское явление, что прочно укоренилось в сознании публики, и, характерно, англичане с этим согласились, более того, многие из них стали работать в Нью-Йорке или, по крайней мере, часто посещать этот город.

Возможно, что дело не только в проблеме лидерства авангардистских художников Англии и США; в Англии «поп» оставался некой экзотикой, в США он приобрел массовый, опирающийся на коммерческий успех, характер. Это и понятно; однако отметим и то, что в США имелась определенная традиция собственного авангардного искусства, создавшая условия для возникновения американского поп-арта. Стоит учесть, что в 30-е гг. окончательно «осел» в Штатах основатель дадаизма Марсель Дюшан; в 50-е гг. он сделал ряд повторений своих объектов «реди-мейд»; в начале 60-х гг. состоялась большая выставка 80-летнего художника; его поклонником и другом стал Раушенберг. В 1964 г. Дюшан писал о поп-арте: «Это течение меня восхищает». Большое влияние на молодых художников оказал «диссидент абстракционизма» Уильям де Кунинг; в 1950 г. он сделал коллаж «Штудии для женщины» с использованием обертки сигарет «Кембелл»; его влияние испытал и Р. Раушенберг и Д. Джонс. Кроме того, в 1952 г. была открыта в Сан-Франциско выставка «Собрания обыденного искусства», позволившая консолидироваться художникам новой генерации. В середине 50-х гг. Раушенберг делает свои первые «комбинированные» картины, а Джонс начинает серию картин «Флаг». Американские кубисты, например С. Дэвис, Ч. Демут, Дж. Мэрфи, в 20-е гг. использовали в своих живописных композициях коммерческие знаки, которыми так впоследствии заинтересовался поп-арт.

«Разбитое поколение», иначе битники, в середине 50-х гг. провозглашали анархический гедонизм, эротическую свободу, нигилизм. В творчестве писателей и поэтов-битников проявлялась тенденция к бессюжетности, свободному стиху, метафоричности и одновременно к известной натуралистичности. Оставаясь явлением экстравагантным, подготовившим своей «эстетикой» добровольную бедность и бродяжничество хиппи, битничество не могло не повлиять и на общий климат восприятия искусства. «Художники реальности», такие, как Э. Хоппер, Д. Кох, Э. Уайт, «магические реалисты» и «риджионалисты», с их обостренным вниманием к быту страны и естественной оппозицией абстракционизму, напоминали о важности всем понятных, легко усваиваемых образов действительности. Довольно сложным выглядит отношение «попистов» к абстрактному искусству. Обычно говорят, что поп-арт возник в полемике с абстрактным искусством, которое было понятно только посвященным и в принципе «ничего не изображает». Однако и здесь ситуация намного сложнее. Многие будущие художники поп-арта начинали с занятий абстрактным искусством, да и позже возвращались к нему или использовали его отдельные приемы. Де Кунинг все же был в основном абстракционистом, его влияние имело большое значение для Раушенберга и Джонса. Сам Раушенберг в 1964 г. заявил, что между поп-артом и абстрактным искусством нет непроходимой пропасти. Д. Сигал и А. Капроу признавались в воздействии на них примера Дж. Поллока. Дж. Дайн говорил, что его поколение связано с абстракционистами, как дети с родителями. Р. Китай подтверждал подобное мнение: «Абстрактный экспрессионизм сидит во всех нас: в Дж. Дайне, Р. Раушенберге и Дж. Джонсе…»

Не были забыты и сюрреалисты; так, «Завтрак в меху» Мереты Оппенгейма представлял собой чайный прибор, обтянутый шерстью, что очень напоминало последующие акции «попистов». Немало значили и приемы европейских авангардистов. Идея выделения отдельного изобразительного мотива и его последующее укрупнение были взяты у Фернана Леже, некоторое время прожившего в Нью-Йорке. Декупажи («вырезки») Матисса с их элементарными формами и яркими красками вполне соответствовали будущей эстетике поп-арта, тем более, что в американских музеях было достаточно поздних работ этого французского мастера. Наконец, в 50-е гг. происходит новое «открытие» искусства модерн, устраиваются выставки, посвященные этому наследию, выходят книги, рассказывающие о нем. Интерес к упрощенной символике, рекламной броскости образов, несомненно, идет из этого источника. Как всегда, авангардизм в своем развитии, в данном случае в поп-арте, опирается на широкие традиции. Китч, графика заборов и граффити вагонов «подземки» естественным образом дополняли арсенал средств, к которым обращались художники авангарда 50—60-х гг.

Художников-«попистов» привлекал окружающий их мир массовой культуры, рассчитанной на потребление миллионов, когда эстетические и социальные ценности приравнивались к потребительским, обыденным и бездуховным. Художники делали акцент на общественном, банальном и анонимном, легко узнаваемом. Действительность как бы демифологизировалась, мастера стремились представить некую энциклопедию современной жизни с ориентировкой на «великую американскую мечту». «Поп» был нефилософичен, полагая, что и сама жизнь есть уже определенная, по крайней мере на поведенческом уровне, философия. Внутри него могла существовать и некая пародийность; все могло восприниматься иронично, полушутя. Художник относился к зрителю добродушно-снисходительно, предлагая некую игру по взаимной «договоренности», давая понять, что он подозревает в зрителе нечто низменное, над чем можно и посмеяться. Но так как вещи и образы поп-арта не персонифицированы, т. е., иными словами, их обладатель как бы анонимен, то и зритель мог делать вид, что иронизируют не над ним. Телевидение, реклама, комиксы, радио, картинки из журналов, привычные образы массовых средств информации стали объектом изображения, приравненные к таким символам прекрасного, как «Мона Лиза» и Венера Милосская. Хотя на первый взгляд бесконечные повторы этикеток на банках консервированного супа «Кембелл» или бутылки кока-колы Уорхола ничего не выражали, кроме самое себя, художники попа искали за этим ту «формулу действия и состояния», которая бы воспринималась как факт действительности. Именно поэтому они стремились соединить жесткий и брутальный символизм «имиджа», с одной стороны, и «реализм» конкретного предмета, который можно осязать как некий товар в супермаркете, — с другой. Художники интересуются тем, что порождено современной цивилизацией, той, в которой «мы живем». Поэтому можно смешать в одну кучу хлам и подлинные ценности. Это и тиражирование, серийные образцы культурного ширпотреба, китча и отбросы; это образы рекламы и духовной нищеты. Иконография поп-арта специфична, она включает «лики» эстрадного певца Элвиса Пресли, президента Джона Кеннеди и Мерилин Монро, «репродукции» картин Моне, Делакруа, Леонардо да Винчи, Ренуара и Пикассо, натуральные ансамбли мебели, полное убранство ванных комнат, пишущие машинки, почтовые конверты, обложки книг, электроприборы, лампочки, выключатели, фойе, кассы, зрительные залы кинотеатров, принадлежности живописца, буквы и слова (так называемый «леттризм»), консервные банки и бутылки, обувь и одежду, обстановку баров и больниц, интерьеры лавочек и магазинов, еду и алкогольные напитки, сигареты и окурки, средства транспорта — автомашины, корабли, самолеты. .. Всего не перечислишь. Наконец, сюда относятся манекены и разного рода объекты «реди-мейд», имеющие опосредованную связь с миром реальности и миром фантазии.

Рис. 28. Д. Xокни. Мальчики в бассейне. 1.965

Все это легко могло вызывать самые простые ассоциации, и в этом смысле поп-арт являлся в определенной степени «демократическим» искусством. В нем есть привкус нравственного благодушия и бездумного оптимизма, хотя все это можно воспринять как «эстетику обыденного и вульгарного». Р. Индиана так описывал ситуацию: «…молодые художники возвращаются ко все менее возвышенным вещам, к таким, как кока-кола, мороженое, большие бифштексы, супермаркеты и «съедобные» символы. У них голодный взгляд—они «поп»». Поп-арт понял, что дистанция между человеком и потребляемым продуктом сокращена до минимума; все что потребляется — недалеко. Массовая информация, стандартизация предметов потребления, технологичность — вот истинная почва, на которой взращивался поп-арт. Если не сам предмет, то его образ («имидж»), как социально-эмоциональный символ, напомнит о мире, полном товаров. Поп-артисты среагировали на насыщенность среды обитания напечатанными, нарисованными, сфотографированными образами. Не случайно, что некоторые из них, например Уорхол, начинали свою карьеру как мастера рекламы…

Вещь в поп-арте или изображается, или подается сама по себе. Как есть, причем трактуется она, если изображена, иллюзионистически или в манере рекламного образа. Поп-арт — это постоянное визуальное и смысловое раздражение привычными образами и текстами. Так появляются гигантские бутерброды высотой в три метра, памятник в виде тюбика для губной помады, копии бутылок, лампочек. Предметы составляются друг с другом — нередко в неожиданных сочетаниях. Художники называют такой прием «комбинациями», а критики — «ассамбляжами». «Подарок Аполлону» Раушенберга — кухонный столик, перепачканный красками, и привязанное к нему мусорное ведро. Джорж Сигал показывал гипсовые слепки с моделей, помещая их в реальные пространства: в макеты мясных лавок, в кассу кинотеатра, в ванную комнату. Он как бы документировал действительность. С некоторыми его фигурами можно было даже посидеть за одним столом. Как выражались художники, «они концентрируют в одном месте хронологически и топографически случайное». Так, произведением может стать улица города, если ее, вместе с автомашинами и прохожими, рассматривать как объект искусства. Художники любят использовать прием, уже открытый дадаистами: постановкой предметов в неожиданный и несвойственный им контекст. Предмет изолируется, приобретает характер знака-символа — имперсональный и связанный с урбаническим окружением, новейшей техникой, реалиями быта. Том Вессельман сопоставляет нарисованное изображение обнаженной женщины в ванной с реальной дверью, с висящим на ней полотенцем, с репродукцией картины Ренуара. Ольденбург выставляет гладильную доску с рубашкой и утюгом на ней, вешалку с висящим плащом, кеды. Правда, чтобы их приравнять к искусству, он символически окрашивает блестящими акриловыми красками часть из своих «экспонатов». В поп-арте большое внимание уделятся надписям, например, «Мать—это мать», и названиям, где характерным может явиться такое: «Я люблю тебя вместе со своим «Фордом» (1961, художник Дж. Розенквист).

Пописты демонстративно отказались от «условности» живописи и рисования на плоскости, вышли в пространство. Они гордятся тем, что забросили традиционные палитры и кисти, взяв в руки распылитель и автогенный аппарат. Раушенберг постулировал: «Пара мужских носков не менее пригодна для работы, чем масло и холст». Англичанин Дэвид Хокни утверждал, что его искусство лишено приверженности к форме, и в этом — «его козырная карта». Традиционная живопись рассматривалась как «банальность». От нее остались только «кустовые» небрежные удары кистью с краской на некоторых «ассамбляжах» Раушенберга и «объектах» Ольденбурга. Механизация творческого процесса приводит к тому, что крупные лидеры поп-арта работают со своими бригадами (Р. Раушенберг), которые занимаются реализацией замысла их предводителя. Уорхол называл свою мастерскую «фэктори» (она и была в бывшем помещении фабрики). Рой Лихтенстайн переносил точки полиграфического растра, рассматривая свои переложения комиксов как результат действий «рисующей машины». Уорхол, открыв для себя технику шелкографии, механически повторял отдельные образы, будь то Пресли или Монро, используя цветной негатив с меняющимися фильтрами, так что одно изображение оказывалось в синей, желтой, красной тональностях. Серии и вариации характерны для Вессельмана; так, его известные «Американские ню» насчитывают до 100 произведений (все под номерами).

Характерный прием попистов — использование имитации материалов. Так создается новое «сотрудничество» материалов и образов. Муляжи «еды» у Ольденбурга сделаны из гипса, картона, покрытых акрилом. Джонс выставил свою «Раскрашенную бронзу», представляющую отлитые из традиционного материала скульптуры банки из-под пива «Балантай».

Проявляя большую гибкость и мобильность в понимании того, что может оказаться искусством, расширяя художественную ситуацию, художники уничтожают иерархию образов и сюжетов, у них может одинаково цениться Леонардо да Винчи и Микки Маус, живопись и технология, халтура и искусство, китч и юмор.

Своеобразным ответвлением поп-арта явился хеппенинг (от англ, «heppening» — происшествие) — определенная форма действий, акций, поступков, когда* художники стремятся завлечь зрителей в хитроумную игру, контуры сценария которой намечены приблизительно. Хеппенинг включает удивительные импровизации: из разрезанной туши барана каплет кровь на лежащую на полу женщину, некто живой курицей лупит по струнам рояля, маленькими ножницами срезаются лоскутки одежды с сидящей девушки-модели, студенты колледжа слизывают патоку, набрызганную на кузова старых автомобилей… Все это продолжение симультанных декламаций дадаистов, скандальных выступлений футуристов, эпатирующих выходок сюрреалистов, «живописи телом» Ива Клейна и разбрызгиванием красок «внутри» холста Дж. Поллока. Хеппенинг появился вначале в США, потом распространился в ФРГ, Италии и Японии. Пописты интерпретируют хеппенинг как «коллаж фактов, предметов и жестов в пространстве». С. Сонтаг говорила, что хеппенинг трудно описать и даже снять на пленку. В рассказе и съемке появятся невольно структурность, последовательность, а хеппенинг на самом деле — стихия, непредсказуемость, импровизация. Тут соединены пантомима, клоунада, приемы экспрессионистического театра, восточный символический ритуал. Сам термин был предложен Аланом Капроу, поставившим в октябре 1959 г. в галерее Рейбен в Нью-Йорке представление, названное «Восемнадцать хеппенингов в шести частях». На сцене с большими конструкциями вместо декораций, с пластическими объектами вместо скульптуры, с холстами, обрызганными краской, вместо картин, исполнялись танцы, читались монологи. Актеры стремились спровоцировать зрителей на какое-нибудь выступление. Это было действительно происшествие, и термин «хеппенинг», повторенный в прессе, с тех пор приобрел популярность.

Хеппенинг — ближайший родственник поп-арта, можно даже сказать, что поп-арт — это «застывший» («замороженный») хеппенинг, а хеппенинг это «активный» («действенный») поп-арт. История хеппенинга, как и поп-арта, начинается в 50-е г. В это время композитор Джон Кейдж пишет «Пять минут тридцать три секунды. Тишина» — музыкальную пьесу, когда в течение названного периода пианист сидит за фортепьяно не играя на инструменте. Алан Капроу так оценил опыт Поллока: «стоять не у холста, а внутри него, разбрызгивая краску». Капроу понял, что можно манипулировать объектами и людьми в пространстве. Фактически это ассамбляжи из нетрадиционных живописных и скульптурных форм, внутри которых, в этом организованном хаосе, движутся люди, создавая «искусство событий». Результат творчества, так как художники в хеппенинге ничего не производят, в самом процессе. Это использование смешанных форм с цветомузыкальными и световыми эффектами, когда тело, жест, мимика лица становятся смыслом отдельных композиций. Творческое начало должно проявиться у всех «игроков». Для всех — это выход энергии, пробуждение неожиданных эмоций, проверка своей реакции на непредсказуемые события. Коллаж вещей и людей в пространстве напоминает еще об одном явлении авангарда, об инвайроменте (от англ, «inviroment») — о переживании среды, созданной на основе «ручного» или индустриального творчества. В хеппенинге ассамбляж размещается «вокруг» человека, инвайромент создает эффект «актуализации» пространства, которое рассматривается как искусственное «окружение». Такая среда влечет человека к своему пересозданию. «Джанк-арт» (jank-art) мог бы дополнить гамму применяемых средств; это абсурдное сочетание разных вещей и объектов, как правило, имеющих бросовый характер: хлам, старье и т.п. Имело значение и развитие так называемого «невербального театра», использовавшего язык жестов и язык предметов. Именно тогда в студиях Манхэттена, в студиях «нижнего» Нью-Йорка, в «Театре лучевого пистолета.» Ольденбурга и «Фэктори» Уорхола можно было наблюдать своеобразные спектакли с «бунтом инстинктов», с «освобождением от эмоциональной анестезии». Спонтанно и бессюжетно (почти бессюжетно, так как некая общая программа, конечно, имелась) в действие вовлекались вещи вне зависимости от привычных условий их материального бытования. При этом говорилось, что участники переживают «не новую форму», а новый моральный и экзистенциальный опыт. В хеппенинге «Универсальный магазин» Ольденбурга, например, показанном в 1961 —1962 гг., можно было видеть пространство, заполненное продаваемыми товарами, сделанными художником из папье-маше и гипса, ярко раскрашенных. В «магазине» происходило 13 инцидентов, скажем, входили покупатели, что-то восклицая, что-то приобретая, затем начиналась для них лекция, дискуссия о дороговизне, борьба… Сам автор комментировал свою «реализацию» следующим образом: это идеальная ситуация на полпути между искусством и жизнью. Знакомые слова, кто из попистов их не произносил! В своем комментарии Ольденбург приводил слова «посетителей магазина», которые, видя трехметровый сэндвич из папье-маше, восклицали: «О, нет, это не сэндвич, это искусство!» И далее он декларировал: «Я хочу уйти от знания, как делать произведения, потому что это находится вне жизненного опыта… Искусство — это то, что локализовано в музеях, драгоценно, изысканно, аристократично, избрано и отобрано… Я настаиваю на редифиниции искусства». Хеппенинг, по словам автора, является синтезом явлений, подобных явлениям не искусства, а жизни. Это панорама жизни. Свой хэппининг, что показательно, он называл «тотальный инвайромент», т.е. подчеркивал связь действия и среды. Чтобы понять, на чем строится эффект подобного воздействия, может быть, стоит вспомнить и слепки людей Д.Сигала, эти застывшие мумии, рядом с которыми можно стоять, сидеть и которые являются словно «современной книгой мертвых».

Раушенберг совместно с Робертом Моррисом стал ставить «балеты». Обнаженная танцовщица Ивон Райнер действовала конвульсивно, каталась на полу, кричала, плакала, смеялась, пела, по ее телу стекала ртуть, прожектора мигали, давали столбы цветного пламени. Раушенберг стремился к своеобразной синестезии, т.е. к искусству, которое воздействует на все чувства сразу: тут могли объединиться кинематограф, танец, живопись, телевидение. Капроу поставил хеппенинг «Слова» (1961), который назвал «инвайромент со светом и звуками» представление «Апельсиновый сок» (1964). В одном люди проходили через «стены» развешанных листов бумаги с обильными надписями, в другом видели ванну с девицей, обливающей себя соком. Сам Капроу в 1961 г. заполнил двор автомобильными шинами, которые затем перетаскивал с места на место. В своей книге «Хеппенинг — инвайромент» Капроу приводил в качестве примера действие, организованное в одном из американских колледжей: группы студентов, разделившихся на «мужскую» и «женскую» части, начали строить «деревню» из старых автомобилей, потом кузова их обмазывали сладкой патокой, которую слизывали, после чего сожгли все собранные машины.

Авторы хеппенингов, инвайроментов стремились предельно расширить место действия. Как писал критик Эллоуэй, «весь город, со всеми его жителями, может быть не только субъектом искусства, но и его субстанцией». Вскоре такое мышление пришло к практической реализации: один художник заявил, что в какой-то день весь Нью-Йорк объявляется произведением искусства, на что другой критик отреагировал ироничным вопросом: «С пригородами или без?» Выход за пределы искусства, под которым понималось исключительно искусство в музеях, воспринималось авангардистами тех дней как возвращение к «нормальному состоянию». Произведение, говорили они, это «кое-что, занимающее пространство, не более», это «искусство, которое не знает, что оно искусство». Характерно, что в таких экспериментах 60-х гг. фигурировали обычные вещи, помещенные в чуждую им среду и выступающие в чуждой им функции. Испытывались позиции зрителя и позиция исполнителя действия: авторы стремились к стиранию границ между ними, почему и предполагалась провокация публики, попытка вовлечь всех в абсурдное действие. Стрессовое поведение публики в контексте «случайного» должно было вести к перестройке связей между людьми, между человеком и вещью (включая улицы, магазины, товары, образы популярной культуры и урбанистический фольклор). Для исполнения многих хеппенингов требовалась большая техническая оснащенность, которая интерпретировалась в духе поп-арта: работа с материалом.

Другим движением стал «флюксус» («fluxus») — показ свободной игры форм, «истечения» творческой энергии. «Флюксус» не связан ни с каким конкретным направлением; главное — создать при, использовании своего тела, пространства и вещей парадоксальную ситуацию, не мотивированную логикой обыденного существования.

Помимо американского и английского поп-арта своя школа сложилась во Франции — «новый реализм» во главе с идеологом П. Рестани и такими мастерами, как Арман, Сезар, Бен, Эрро (все это псевдонимы). «Новый реализм» более эстетичен, более анекдотичен и более ироничен, чем в США и Англии. Стоит посмотреть, как Арман располагает на плоских основах распиленные корпуса музыкальных инструментов, воплощая в реальность то, что делали Пикассо и Брак, как раскрашивает свои «компрессы» (сдавленные корпуса автомобилей) Сезар, как делает «живописные монтажи» Эрро и реконструирует по фотографиям интерьеры старинных лавочек Бен, чтобы понять это. В Италии развивалось «бедное искусство», пропагандистом которого являлся Дж. Челант. Это направление отличалось известной театральностью и мистичностью, иногда выбором крайне простых средств и материалов. В Германии яркой личностью являлся И. Бойс, образовавший целую школу. Довольно эклектичный, он поражал своей неугомонной активностью. В Японии поп-арт стал после увлечения абстрактным искусством «вторым» языком авангарда (если под первым понимать абстракцию). Известный представитель — Акакава. В Испании в период диктатуры Франко поп-арт находился под запретом; там официально, что редкость для тоталитарных режимов, поддерживался абстракционизм, а поп-арт с его изобразительностью оказывался неприемлемым. Наконец, ветвь поп-арта появилась в Москве, если иметь в виду работы В. Янкелевского и И. Кабакова. Характерно, что они пародировали нередко саму попытку создать «благоденствующее» общество в рамках социализма, которое было бы способно конкурировать с американским. В. Комар и А. Меламид, основатели «соц-арта», устроили совместную выставку в Нью-Йорке в 1976 г. Последователи этого направления нашлись и в других странах, представляя его модифицированные «диалекты».

Был ли политичен поп-арт, только ли он воспевал американскую мечту? Как всегда в таких случаях, авангард политически точно неопределим. Характерно, что наряду с рекламными образами и «мусором» цивилизации поп-артисты, изображая отдельных политических деятелей, скажем, Дж. Кеннеди или Мао Дзедуна, позволяли себе дерзкие сопоставления, не соответствующие принятой иерархии. В 1968 г. они показали свои работы на антивоенной выставке (против войны во Вьетнаме), где, в частности, экспонировалась уменьшенная копия статуи Свободы с лентой через плечо—и надписью: «Мисс Напалм». Ольденбург принял участие в выступлениях студентов, «в политических хеппенингах» и размещал свои работы во дворах мятежных университетов. В Йельском университете он выставил гигантский тюбик помады на платформе с танковыми гусеницами. Чуть позже Уорхол выставил красное изображение серпа и молота на синем фоне под названием «Натюморт».

У поп-арта имелся дух массовости, вовлекаемости, почему он и покорил так много людей и так много стран. Его структура была преднамеренно открытой, завлекающей. И думается, именно поп-арт явился первым большим течением авангарда, который был социализирован, вживлен в общество, и общество приняло его в конечном итоге как «своего», почему он и стал определенным стилем 60-х гг. Поп-арт вошел в кино, в рекламу, из которой сам первоначально исходил, в моду, в поведенческий тип жизни. Преднамеренная неряшливость в одежде, ее разностильность, хождение в джинсах и использование рекламных пластиковых пакетов в качестве сумок и портфелей Время поп-арта еще не закончилось.

все из того времени.

Стиль поп-арт в интерьере

Стиль, отражающий философию общества потребления.

На фото: модель Fumetto от фабрики Sicis.

Термин. От сокращенного popular art (англ.) — «популярное искусство». Второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop — отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. нечто, производящее шокирующий эффект. Термин «поп-арт» предложил член «Независимой группы», объединяющей художников, дизайнеров, архитекторов и философов, критик Лоуренс Аллоуэй.

Время и место. Поп-арт зародился в 1950-х годах в Великобритании как реакция на абстрактное искусство, которое к этому времени стало считаться слишком сложным и элитарным. Просуществовал до начала 1970-х, когда в связи с нефтяным кризисом возникла необходимость в более рациональном подходе к дизайну. Стиль отражал формирующуюся философию общества потребления.

На фото:

На фото: модель Blow от фабрики Zanotta, дизайн D’Urbino Donato, Lomazzi Paolo, Pas Jonathan de.

Характерные черты. Поп-арт воспевал простые вещи, окружающие человека в повседневной жизни. Основным источником вдохновения служило «низкое искусство», массовая культура — реклама, упаковки, комиксы, телевидение, иллюстрации из газет и журналов. На смену классическим ценностям модерна пришли недолговечные, одноразовые вещи.

Архитектура. Поп-арт выражал вкусы жителей мегаполисов, и в этом стиле оформлялись, в основном, апартаменты в многоквартирных высотных домах. В строительстве использовались новейшие достижения науки и техники.

Интерьер. Отражением принципов стиля поп арт в интерьере может служить картина-коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает современные дома столь необычными, столь привлекательными?», впервые продемонстрированная в 1956 году на выставке под названием «Это — завтра». Она представляет собой монтаж вырезок из «цветных» журналов, изображающий интерьер комнаты потребителя среднего класса. Жилище начинено всеми признаками стиля поп арт в интерьере — предметами комфорта с рекламных страниц: это и магнитофон, и телевизор, и увеличенный фрагмент комикса вместо картины. Таким образом, поп арт в интерьере был представлен отделкой стен и потолка различными обоями, коллажами, печатными изображениями известных личностей и событий. В этой связи широкую популярность получили техника сериграфии (станковый способ трафаретной печати), фотопечать и использование диапроектора.

На фото:

Мебель. Поп арт в интерьере определил и самый удобный для конструирования мебели материал — пластик, изделия из которого — ярких флуоресцирующих цветов и нестандартных форм – пришлись по вкусу молодежи. Также в ход идет прессованная бумага и картон.

На фото:

На фото: модель Car mirror от фабрики Droog, дизайн Bakker Gijs.

 

Основные мотивы:

• абстрактные: примитивные символы;
• геометрические: броские формы;
• компилятивные: элементы или вещи из различных стилей первой половины XX века. Банки от Cоса-Cоla или супа Сampbell, символизирующие ценности современной демократии, — одни из самых популярных «представителей» поп арта в интерьере.

Поп-арт. Создаем стиль поп-арт в интерьере своими руками. Стиль поп-арт

Эта статья расскажет вам об использовании стиля поп-арт в интерьере. Стиль поп-арт — это направление в искусстве, «взорвавшее» в 60-х годах Америку, а следом за ней и весь мир. Официально считается, что название стиля «поп-арт» образовано из укороченной комбинации двух слов popular art (популярное искусство). Но есть и второй смысл: коротенькое английское «pop», равнозначное нашему русскому «бум!», весьма часто использовалось в комиксах для обозначения взрыва, хлопка. Это вполне соответствует природе стиля поп-арт — нарочитый эпатаж и привлечение внимания.

Родоначальниками нового стиля поп-арт были выходцы из среды рекламистов, иллюстраторов, художников комиксов. Поэтому не случайно объект исследования в направлении поп-арт — это образы массовой культуры, отражающие дух эпохи. Поп-арт концентрируется на материальных предметах, раскрывая эстетику и проблемы массового потребления. Основными инструментами поп-арта являются игры с размером, цветом и количеством. Привычные и банальные вещи подвергаются соответствующей обработке, что в итоге рождает новые сущности. Визитной карточкой этого стиля в искусстве стали картины, активно эксплуатирующие изображения банок кока-колы и супа Campbell, а также образы знаменитостей Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Мао Дзедуна.

Поп-арт, порожденный массовой культурой, гармонично вписался в реальную жизнь, найдя себе применение в параллельных искусству областях — моде и дизайне. Нужно отметить что, поп-арт все-таки специфичен. Он выглядит несколько наивно, даже кукольно, что впрочем, не отменяет комфортности и функциональности стиля поп-арт в интерьере. В любом случае от обладателя квартиры, решившего оформить свое жилище в стиле поп-арт, требуется соответствующее легкое отношение к жизни.

Ярким примером того, как будет выглядеть помещение, соответствующее канонам поп-арта, могут являться интерьеры в фильме Стэнли Кубрика «Заводной апельсин».

Характерные особенности интерьера в стиле поп-арт

Помещение

Отлично если в распоряжении имеются просторные помещения. В данном случае можно оформить все в соответствии с «классическим» пониманием поп-арта, и это будет смотреться гармонично. Если же размеры оставляют желать большего можно обойтись вариантом «лайт» — сосредоточиться на деталях, стилизовать интерьер под желаемый образ.

Цвет

Для поп-арта характерно использование ярких (вплоть до кислотных) и насыщенных цветов.

Как правило, основной цвет интерьера белый, допускаются близкие к белому пастельные тона. В дополнение к нему идут цветовые сочетания из нескольких ярких цветов. Характерная особенность — цвета редко дополняют, сглаживают друг друга. Чаще они контрастируют и противопоставляются. Впрочем, не стоит злоупотреблять буйством красок — нужно учитывать, что в этом помещении вам придется жить. Яркое может выглядеть красиво и свежо, но есть опасность, что владельцу быстро надоест буйство красок.

Мебель

Приветствуется и желательна исторически обусловленная мебель из пластика. Формы пологие, округлые, несколько необычные — в стиле «ретро-футуризма». Поп-арт обожает гламур, поэтому глянцевые поверхности — обязательный штрих. Для данного стиля характерно отсутствие шкафов, которые компенсируются полками, воздушными стеллажами и нишами. Интересный момент: на мебель можно и нужно наносить орнаменты, рисунки из комиксов и даже граффити.

Детали

Поп-арт балует обилием деталей и интересных мелочей. Характерно использование повторяющихся мотивов: как для акцента (постеры и картины), так и для фона (настенная плитка, ковры с растиражированным рисунком). Приветствуется использование яркого, пестрого текстиля, подобранного в основной цветовой гамме. Украсят и придадут завершенность интерьеру стилизованные пластиковые аксессуары: часы, рамки для фотографий, статуэтки, вазы, светильники и подсвечники.

Гостиная в стиле поп-арт

Гостиная — одно из наиболее вероятных помещений, для оформления в стеле поп-арт, поскольку, с одной стороны, нет необходимости проводить там все свободное время, а с другой — всегда можно удивить своих гостей необычным интерьером.

Простейший, наименее затратный вариант — одну или две стены оставляем белыми, еще одну стену оформляем постерами с растиражированными изображениями или наносим на нее граффити любимых персонажей комиксов, аниме. Если делать стилизацию под 60-е прошлого века, то можно использовать узнаваемые картины деятелей поп-арта.

Впрочем, если создавать поп-арт именно в том смысле, который заложен в названии стиля, то желательно использовать образы современных деятелей: Ксении Собчак, Владимира Путина, Уго Чавеса, и т.д. — все зависит от личных предпочтений владельца квартиры.

Оставшиеся стены (одна или две) делаем насыщенного яркого цвета. Выбираем мебель: округлый, мягкий диван и кресла, пластиковые этажерки и столик. На окна желательны шторы в основной оттеночной гамме, можно и желательно с повторяющимся рисунком или принтами. Неплохо будут смотреться диванные подушки, контрастных дивану цветов.

Вместо ковра вполне подойдет шкура зебры или тигра. Ну, хотя бы их «чебурашечная» имитация. Дополняем интерьер аксессуарами по своему вкусу — вазами, рамками, пепельницами. Главный критерий выбора: некоторая вычурность, яркость и соответствие выбранной цветовой гамме.

Обзор движения в стиле поп-арт

| TheArtStory

Краткое изложение поп-арта

Освежающее повторное введение в поп-арт узнаваемых образов, почерпнутых из средств массовой информации и массовой культуры, стало серьезным сдвигом в направлении модернизма. Имея корни в нео-дада и других движениях, которые ставили под сомнение само определение «искусства», Pop родился в Соединенном Королевстве в 1950-х годах в послевоенном социально-политическом климате, когда художники обращались к прославлению обычных предметов и возведению повседневности к уровень изобразительного искусства.Американские художники Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Джеймс Розенквист и другие вскоре последуют их примеру и станут самыми известными поборниками движения в своем собственном отказе от традиционных исторических художественных предметов вместо вездесущего проникновения современного общества в массовые производимые продукты и изображения. это доминировало в визуальной сфере. Возможно, благодаря использованию коммерческих изображений, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Ключевые идеи и достижения

• Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арта стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой.Представление об отсутствии иерархии культур и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.
• Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как художники поп-музыки искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, возможно, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что нет прямого доступа к чему-либо, будь то душа, мир природы или искусственная среда.Поп-художники считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях искусства.
• Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая часть его в некоторой степени эмоционально удалена. В отличие от предшествовавшего «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт, как правило, «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокирующий отказ от него, было предметом многочисленных споров.
• Поп-артисты, казалось, приняли послевоенный производственный и медиа-бум. Некоторые критики назвали выбор изображений в стиле поп-арта восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-артистами повседневного искусства к высокому: привязка статуса товара товаров, представленных статусом самого арт-объекта, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.
• Некоторые из самых известных художников поп-музыки начали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным иллюстратором журналов и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника для рекламных щитов.Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и поп-культуры.

Обзор поп-арта

От первых изобретателей в Лондоне до более поздней деконструкции американских образов, таких как Уорхол, Лихтенштейн, Розенквист, — движение поп-арта стало одним из самых востребованных художественных направлений.

Что такое поп-арт? Путеводитель по движению поп-арт

Поп-арт возник как художественное направление в 1950-х годах в Америке и Великобритании и достиг своего пика в 1960-х годах.Движение было вдохновлено популярной и коммерческой культурой в западном мире и началось как восстание против традиционных форм искусства.

Поп-художники чувствовали, что искусство, выставленное в музеях или преподаваемое в школах, не представляет реальный мир, и вместо этого обратились к современной массовой культуре в поисках вдохновения. На пике своего расцвета поп-арт часто объявлялся «анти-искусством» за отказ подчиняться стандартам современного искусства того времени.

Мы собрали это руководство, чтобы ответить на некоторые из наиболее распространенных вопросов о жанре.Узнайте, кто ввел «поп-арт» в поп-арт и почему этот стиль сегодня стал одной из самых узнаваемых форм современного искусства.

Хотите вместо этого купить поп-арт? Взгляните на нашу коллекцию или исследуйте картины в стиле поп-арт.

Источники поп-арта III сэра Питера Блейка

Каковы основные характеристики поп-арта?

Понимание того, что означает термин «поп-арт», может помочь осветить ключевые идеи, поддерживающие движение.Художник Ричард Гамильтон ранее перечислял « характеристик поп-арта » в письме своим друзьям.

Он разделил значение поп-арта на простые термины: популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), недорогой, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), Остроумный, сексуальный, бесподобный, гламурный, большой бизнес.

«Я скорее буду счастлив, чем достоин достоинства», Магнус Джоэн

Как определить поп-арт?

Вы часто можете идентифицировать поп-арт по использованию популярных потребительских символов, будь то предметы домашнего обихода, такие как скромная банка с бобами в Campbell’s Soup Cans Энди Уорхола 1962 года или знаковые знаменитости, такие как Мэрилин Монро в Мэрилин Монро, I by Джеймс Розенквист, еще один ключевой сторонник движения.

Чтобы квалифицировать это, Уорхол сказал: «Поп-артисты создавали изображения, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитостей, занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы», все современные вещи, которые художники пробовали ранее. избегать в своей работе.

Кричать для Шанель от Ольги Ломаки

Действительно, фирменная или коммерческая символика — особенно важная тема в поп-арте.Включение логотипов или безличных образов укрепило идею о том, что искусство может быть вдохновлено всем и вся, а не только историей, мифологией или моралью.

Для поп-арта характерны смелые цвета, особенно основные цвета: красный, синий и желтый. Цвета обычно были яркими и похожими на вашу типичную палитру комиксов. Эти цвета не использовались для представления внутреннего мира или личности художника, как это часто было в предыдущих классических формах искусства, но отражали яркую, популярную культуру вокруг них.

Композиции с резкими краями — популярный мотив, используемый для смягчения «живописной раскованности» таких стилей, как абстрактный экспрессионизм. Следовательно, многие произведения поп-арта состоят из отличительных или фрагментированных форм. Некоторые художники также высмеивали предметы, увеличивая их до почти комических размеров.

Чего-то всегда не хватало, Питер Хорват

Какие техники используются в поп-арте?

Подобно дадаизму и, возможно, вдохновляясь им, поп-артисты часто создавали необычные и бессмысленные комбинации «найденных» или «готовых» объектов и образов популярных, политических или социальных явлений.Эти объекты или изображения часто отображаются в виде коллажей, организованных в художественном процессе, называемом присвоением. Это копирование, заимствование или изменение изображений или предметов из массовой массовой культуры.

С ростом потребительской культуры и распространением визуальных явлений благодаря постоянно расширяющимся средствам массовой информации присвоение приобрело совершенно новое значение в искусстве.

Поп-артисты также использовали процессы индустрии дизайна, такие как коммерческая трафаретная печать и чрезвычайно графические макеты, имитирующие рекламу, рекламные щиты, каталоги и другую маркетинговую пропаганду, внедренную в окружающий их мир.По этой причине этот стиль первоначально назывался «Пропагандистское искусство».

Сексуальное время 2, автор: D13EGO

Что делает движение поп-арта уникальным?

Когда Энди Уорхол указал на то, что художники отказываются замечать все великие современные вещи, которые замечали все остальные, он подчеркивает тот факт, что искусство в то время было полностью оторвано от реальной жизни и реальных людей; одержимость мазком кисти создавала атмосферу исключительности.

Одна из вещей, которая сделала поп-арт таким уникальным, заключалась в том, что он решил сосредоточиться на таком «реальном» и актуальном предмете, решение, которое критики модернистов открыто ненавидели. Поп-артисты стерли границы между «низким» и «высоким» искусством, преодолев разрыв между популярной культурой и классическим искусством, переопределив традиционные параметры того, что составляет искусство и что значит быть художником.

Движение поп-арта важно, потому что оно сделало искусство доступным для масс, а не только для элиты.Поскольку стиль был вдохновлен коммерческими деятелями и культурными событиями, работа получила признание и уважение среди широкой публики. Наконец, появился вид искусства, который казался не только уместным, но и доступным каждому. В некотором смысле поп-арт был «искусством для народа».

Маньяк Виктория Топпинг

В чем разница между американским поп-артом и британским поп-артом?

В США соблазнительная «американская мечта» об успехе, красоте и деньгах двигала культуру поклонения знаменитостям в 50-х и 60-х годах.Появление телевидения практически в каждом доме по всей стране повлияло на весь культурный ландшафт. Каждый дом наполнялся лицами и идеями американских музыкантов, спортсменов, актеров и политиков, восхваляющих новую американскую эпоху.

В то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели и пережили в своей культуре и обществе, на поп-арт в Британии существенно повлияли издалека.

Британский поп-арт создавался с точки зрения стороннего наблюдателя, в значительной степени заимствовав лексику, изображения и предметы из послевоенной Америки.Подпитываемые желанием сбежать из едва выздоровевшей послевоенной обанкротившейся страны, британские художники создавали искусство, которое тосковало — обычно по иронии судьбы — глянцевой американской мечты, которую хвалили на телевидении, в газетах и ​​в рекламе.

Дороти Дэндридж от Тима Таулера

Кто такие известные поп-исполнители?

Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн относятся к числу тех, кого считают первыми поп-артистами.

Ричарда Гамильтона часто называют отцом-основателем британского поп-арта за то, что он изложил цели и идеалы движения, перечисленные выше. Гамильтон считал, что искусство предназначено не только для галерей и выставок, но и для образа жизни. Таким образом, он внес свой вклад в популяризацию искусства, а не только для частных выставок.

Энди Уорхол, возможно, более широко известный сторонник этого движения, использовал свой статус знаменитости для распространения поп-арта в другие сферы искусства, особенно в кино.Фактически, его часто считают родоначальником независимого кино.

Зоя от Албана

Поп-арт все еще актуален сегодня?

Многие современные поп-артисты продолжают поддерживать движение не только в живых, но и в процветающем. К популярным сегодня исполнителям поп-музыки относятся нео-поп-исполнитель Джефф Кунс, культовый Алекс Кац и иммерсивный японский художник Яёи Кусама.

Если вы ищете поп-арт для продажи, мы рекомендуем взглянуть на известного гравера Питера Хорват , художника Яссин Моурит и Ники Харе , или узнать больше здесь .

Motor Cade Love от Пирса Бурка

Что такое поп-арт? Техники, художники и примеры, сформировавшие движение

Возможно, самое известное художественное развитие 20-го века, поп-арт, возник как реакция на потребительство, средства массовой информации и массовую культуру. Это движение появилось в 1950-х годах и набрало обороты в шестидесятые годы. Поп-арт отошел от теории и методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, ведущем движении, которое ему предшествовало.Вместо этого он использовал предметы повседневного обихода и средства массовой информации, такие как газеты, комиксы, журналы и другие обыденные предметы, для создания ярких композиций, сделав движение краеугольным камнем современного искусства.

Это введение идентифицируемых образов было серьезным отклонением от направления модернизма, который поп-артисты считали пустым и элитарным. Многие художники, связанные с этим движением, в первую очередь Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, достигли беспрецедентной славы и статуса, опыт, который приблизил практикующих к мейнстриму знаменитостей.Сегодня поп-арт — один из самых узнаваемых видов искусства.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — это движение, возникшее в середине 20-го века, когда художники включали в свои работы обычные предметы — комиксы, консервные банки, газеты и многое другое. Движение поп-арт было направлено на укрепление идеи о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.

Краткая история поп-арта

Антонио Каро, «Колумбия», 1977.Продано за 10 000 долларов через Phillips (май 2014 г.).

Поп-арт возник в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием «Независимая группа». Вскоре он распространился в Соединенных Штатах. Большая часть корней движения возникла в результате культурной революции, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом. Движение быстро распространилось, и многие считают, что пионер британской поп-музыки Ричард Гамильтон сделал коллаж 1956 года. Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? год ознаменовал официальное начало культурного феномена после того, как он появился в лондонской галерее Уайтчепел.

Гамильтон описал характеристики движения, написав: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный материал (легко забываемый), дешевый, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), остроумный. , Сексуальный, бесподобный, гламурный, крупный бизнес ». После того, как движение ворвалось в США, оно быстро распространилось по всему миру и продолжает оказывать влияние на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

Характеристики поп-арта

Кусама Яёи, «Шляпа», 1929 г.Продано за 100 000 йен на аукционе Est-Ouest Auctions Co., Ltd (июль 2009 г.).

Поп-арт легко узнаваем благодаря его яркости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих самых знаковых произведениях этого движения. Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

• Узнаваемые изображения: В поп-арте использовались изображения и значки из популярных СМИ и товаров. Сюда входили коммерческие товары, такие как консервные банки, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты и другие предметы, популярные в коммерческом мире.Были включены даже торговые марки и логотипы.
• Яркие цвета: Поп-арт характеризуется яркими яркими красками. Основные цвета — красный, желтый и синий — были заметными пигментами, которые использовались во многих известных работах, особенно в работе Роя Лихтенштейна.
• Ирония и сатира: Юмор был одной из основных составляющих поп-арта. Художники используют предмет, чтобы заявить о текущих событиях, высмеять причуды и бросить вызов статус-кво.
• Инновационные методы: Многие художники-поп-художники занимались гравюрой, что позволяло им быстро воспроизводить изображения в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, посредством которого чернила переносятся на бумагу или холст через сетку с трафаретом. Рой Лихтенштейн использовал литографию или печать с металлической пластины или камня, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля. Поп-художники часто брали образы из других областей основной культуры и включали их в свои произведения искусства в измененной или исходной форме.Этот тип искусства присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высоким и низким искусством, которое отделяло рекламу и медиа от изобразительного искусства.
• Смешанная техника и коллаж: Поп-художники часто смешивали материалы и использовали различные типы средств массовой информации. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили движение поп-арта, художники Том Вессельманн и Ричард Гамильтон объединили, казалось бы, разрозненные образы в один холст, чтобы создать совершенно современную форму повествования.Точно так же Марисоль известен скульптурами, в которых для изображения фигур используются самые разные материалы.

Поп-исполнители, определившие движение

Энди Уорхол

Энди Уорхол. Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Имя Энди Уорхола стало синонимом американского поп-арта. Работы Уорхола олицетворяют многие аспекты движения, такие как одержимость знаменитостями, повторение изображений и использование рекламы в качестве темы.Его самые известные серии включают «Банки с супом Кэмпбелла», изображения Жаклин Кеннеди Онассис и «Смерть и катастрофа». Уорхол сотрудничал с такими артистами, как Жан-Мишель Баския, и коммерческими брендами, такими как Perrier. В конце концов он открыл студию художника под названием «Фабрика», которая служила мастерской для творчества Уорхола, а также местом встречи богемы.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, «Нога и рука» (1964). Продано за 14000 долларов на аукционе Dane Fine Art Auctions (август 2018 г.).

Другой культовый американский поп-исполнитель — Рой Лихтенштейн. Характерный стиль Лихтенштейна, известного своим использованием основных цветов и смелых очертаний, отсылает к комиксам, из которых он заимствовал большую часть своих ранних исходных материалов. Даже в более поздних сериях работ Лихтенштейн использовал точки Бен-Дея, чтобы вызвать комический стиль в своих полотнах и скульптурах. Подобно Уорхолу и Лихтенштейну, Эд Руша и Джеймс Розенквист взяли темы из печатных СМИ, чтобы создать риффы на вывесках, которые продемонстрировали культурный дух времени.

Роберт Раушенберг

Раушенберг радикально смешал материалы и методы для создания замечательных коллажей в стиле поп-арт, в которые были включены популярные образы того периода времени, в который он существовал. Одна из его самых известных работ, Retroactive II , созданная в 1964 году, представляла собой изображение на шелкографии, на котором был изображен портрет Джона Ф. Кеннеди и астронавта НАСА, среди других изображений, смешанных и перекомпонованных интересным образом.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни помог стать пионером британского поп-арта в 1960-х годах, создавая полуабстрактные картины и экспериментируя с широким спектром средств массовой информации.Его работа 1967 года « A Bigger Splash » была одной из множества картин в стиле поп-арт, сосредоточенных вокруг бассейнов, и очарование возросло после того, как он переехал в Калифорнию и осознал непринужденный, чувственный образ жизни жителей этого района.

Поп-исполнители

Эвелин Аксель, «La directrice aux fruit», 1972 г. Продано за 50 000 евро через Cornette de Saint-Cyr-Bruxelles (декабрь 2016 г.).

Женщины-поп-исполнители часто исключаются из традиционного повествования движения, но многие из них играли ключевую роль на протяжении всей своей карьеры.Драматург и авангардистка Розалин Дрекслер, концептуалист и поп-художник Марисоль и бельгийская художница Эвелин Аксель внесли свой вклад в успех поп-движения. Сегодня все больше женщин-поп-исполнителей участвуют в музейных выставках и аукционах благодаря этим первопроходцам.

Факты о поп-арте

• Первое произведение поп-арта было создано шотландским художником Эдуардо Паолоцци в 1952 году. Это был коллаж из журналов под названием «Я был игрушкой для богатых» .
• Поп-арт изначально назывался пропагандистским искусством.
• Энди Уорхол разработал культовую обложку для дебютного альбома The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.
• The Souper Dress, одноразовая одежда, вдохновленная серией Уорхола Campbell’s Soup Can , была произведена Campbell Soup Company в 1966–67.
• Использование найденных предметов и изображений в поп-арте восходит к движению Дада в начале 1900-х годов.
• Художники, такие как Джефф Кунс и Клас Ольденбург, высмеивали повседневные предметы, изображая их в монументальных пропорциях.Знаменитые предметы Ольденбурга включают гигантские шарики для мороженого, ложки, прищепки и многое другое.
• Самым дорогим из когда-либо проданных Уорхолом был Silver Car Crash (Double Disaster) , созданный им в 1963 году. Он был продан за 105 миллионов долларов в 2013 году.

Поп-арт распространился практически по всем слоям общества, сначала благодаря сотрудничеству художников в области дизайна и музыки, а затем, когда новые поколения художников были вдохновлены стилем середины века. В 80-е годы некоторые художники-постмодернисты работали под лозунгом «Нео-поп.Эти художники, в том числе Джефф Кунс, продолжали брать предметы из повседневной жизни и включать их в свои произведения искусства.

Сегодня мантию поп-арта подхватывают такие художники, как японский феномен Такаши Мураками. Мураками придумал термин «суперплоскость» для описания своего искусства, которое относится к его графическому характеру, вдохновленному аниме, поп-культурой и потреблением. Кроме того, уличные художники, такие как Бэнкси, испытали влияние наследия поп-арта, используя трафареты и графический дизайн для достижения аналогичной эстетики в своих работах.

Поскольку поп-арт почти идеально имитирует те аспекты общества, на которые он реагирует, его влияние на культуру в Соединенных Штатах и ​​за их пределами на данный момент неизмеримо.

Источники : Художественная история | Тейт | Моя современная встреча | МоМа | Британская энциклопедия | Art Hearty

Поп-арт | Национальные галереи Шотландии

Художественное движение 1950–1970-х годов, в основном базировавшееся в Великобритании и США. Поп-артистов называют так из-за того, что они используют образы из популярной культуры.Они также представили методы и материалы из коммерческого мира, такие как трафаретная печать, в практику изобразительного искусства.

Поп-арт появился примерно через десять лет после Второй мировой войны, прежде всего в Великобритании и Соединенных Штатах. Он назван так потому, что художники использовали образы популярной культуры. После периода послевоенной жесткой экономии движение сосредоточилось на гламурном коммерческом дизайне и медиа-культуре, говоря об оптимизме и возможностях.Многие поп-художники, особенно в Соединенных Штатах, выступили против более раннего интроспективного языка абстрактного экспрессионизма, стремясь привлечь внимание масс, смешивая элементы поп-культуры, коллажей и гравюры с традиционными техниками живописи.

С начала 1950-х годов группа художников и писателей под названием «Независимая группа» собиралась в лондонском Институте современного искусства, чтобы обсудить растущую культуру кино, рекламы и консьюмеризма, эмигрирующих из Соединенных Штатов.Среди членов были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, Лоуренс Аллоуэй, Элисон и Питер Смитсон. Считается, что термин «поп» имеет несколько источников, о которых писали Аллоуэй, Смитсон и Гамильтон. Паолоцци также использовал это слово в коллаже под названием Я был игрушкой для богатого человека , 1947. Его коллажи 1940-х и 1950-х годов теперь часто называют «прото-поп», а его новаторская лекция «Крах» в Институте для современного искусства в 1952 году следовал аналогичным идеям.

Эдуардо Паолоцци, Я был игрушкой богатого человека, 1947
© Попечители Фонда Паолоцци, Лицензия DACS 2017.

В 1956 году Гамильтон привлек международное внимание своим коллажем Just What is it, that does the modern homes so different, such a привлекательные , 1956. Создан для групповой выставки This is Tomorrow в 1956 году в галерее Уайтчепел в Лондоне. сатирический подход к новому поверхностному «американскому образу жизни».В 1957 году Гамильтон написал письмо Элисон и Питеру Смитсон, в котором описал характеристики Попа как:

«Популярные, преходящие, расходные материалы, недорогие, массовые, молодые, остроумные, сексуальные, бесподобные, гламурные и имеющие большой бизнес».
— Ричард Гамильтон

В Нью-Йорке к 1950-м годам художники начали изучать популярную культуру в стилях нео-дада, фанк, бит и перформанс. Среди известных людей были Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, которые участвовали в ряде персональных выставок.В 1962 году в галерее Sidney Janis в Нью-Йорке прошла международная выставка New Realists , на которой художники исследовали такие поп-темы, как «повседневный объект», «средства массовой информации» и «повторение». Аллоуэй, который переехал в Нью-Йорк, чтобы работать куратором в Музее Гуггенхайма, ввел британский термин «поп», чтобы обозначить эту новую эру в искусстве, которая распространилась по остальным Соединенным Штатам и Европе.

Многие из культовых изображений поп-музыки из Соединенных Штатов были созданы Энди Уорхолом, и его имя стало синонимом стиля.Уорхол, как известно, копировал такие бренды, как Coca Cola и Campbell’s Soup, вместе с изображениями знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Джеки Кеннеди и Элизабет Тейлор, в массовом производстве с использованием методов шелкографии, но он также снимал фильмы, цифровые произведения искусства, картины и скульптуры. Название студии Уорхола, The Factory , связано с его массовыми работами. Позиция Уорхола о том, что искусство и жизнь должны быть взаимосвязаны, продолжает влиять на современную практику сегодня.

Во Франции поп-арт возник в форме модернистского реализма, определенного критиком Пьером Рестани как «новые способы восприятия реальности». Художник Арман отказался от своего более раннего абстрактного стиля живописи в пользу создания скульптур из найденных или выброшенных произведенных предметов. В Германии термин «капитальный реализм» стал обозначать художников, на которых повлияла американская поп-музыка, основанная Зигмаром Польке и включающая участников Герхарда Рихтера и Конрада Люга, которые исследовали и анализировали образы и фотографии популярной культуры с понимающей иронией.В Великобритании поп продолжал развиваться в Лондоне, среди представителей которого были Дэвид Хокни, Джо Тисон и Билли Эппл.

Влияние поп-музыки продолжалось на протяжении 1960-х и 70-х годов, пока его не затмили концептуальное искусство, инсталляция и перформанс. В конце 1970-х — начале 1980-х годов идеи поп-музыки начали возрождаться как нео-поп, возглавляемый Джеффом Кунсом, который прославляет американскую культуру потребления и китч диковинными картинами, скульптурами и фотографиями. Такаси Мураками также был связан с нео-попом, с его присвоением японской поп-культуры и культуры моды и его «суперплоским» стилем рисования.Оба художника придерживаются делового подхода к производству произведений искусства, нанимая помощников на крупных фабриках для производства товаров, что напоминает Фабрику Уорхола в 1960-х годах.

Что такое поп-арт? — 7 шедевров, определяющих движение поп-арта

С момента своего красочного дебюта в 1950-х годах поп-арт остается заметным художественным движением. Благодаря инновациям таких известных мастеров, как Энди Уорхол, Дэвид Хоккей и Кейт Харинг, этот единственный в своем роде жанр ознаменовал конец модернизма и ознаменовал наступление современного искусства.

Ключевые произведения поп-арта способствовали этому значительному сдвигу в художественном восприятии. Эти экспериментальные шедевры от нетрадиционного коллажа Ричарда Гамильтона, положившего начало движению, до самой культовой адаптации комиксов Роя Лихтенштейна, доказывают, что популярная культура — это больше, чем кажется на первый взгляд.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — особый жанр искусства, который впервые «появился» в послевоенной Британии и Америке. Движение, в первую очередь характеризующееся интересом к популярной культуре и творческим толкованием коммерческих продуктов, открыло новый и доступный подход к искусству.От причудливых до критических — произведения, созданные художниками поп-музыки 1950-х и 1960-х годов, рассказывают о современной жизни и событиях.

Помимо уникальной иконографии, художественная трактовка сюжета помогает определить жанр. Этот механизм, известный своей смелостью, яркой цветовой палитрой и повторяющимся подходом, вдохновленным массовым производством, славится своим уникальным и узнаваемым стилем.

Ключевой завод

Ричард Гамильтон, Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956)

Созданный в 1956 году, этот коллаж считается катализатором распространения поп-арта в Соединенном Королевстве.Британский художник Ричард Гамильтон создал ее для специальной выставки This is Tomorrow, в лондонской Художественной галерее Уайтчепел, которая представила интерпретации современности современными художниками и их прогнозы на будущее.

Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? включает в себя несколько тем, связанных с общением, которые заранее были разработаны Гамильтоном. К ним относятся: «Мужчина, женщина, еда, история, газеты, кино, бытовая техника, автомобили, космос, комиксы, телевидение, телефон, информация.Используя вырезки из американских журналов, он создал сцену, основанную на этих мотивах, буквально создав произведение искусства из произведений популярной культуры и комментируя «различные влияния, которые начали формировать послевоенную Британию».

Энди Уорхол, 32 суповых банки ( 1962)

В 1962 году американский художник Энди Уорхол впервые исследовал свой широко известный мотив «консервная банка». 32 банки для супа Модель состоит из 32 раскрашенных вручную полотен с ручным штампованием, на каждом из которых изображен разный вкус супа Кэмпбелла.Уорхол, один из первых поп-исполнителей, выбрал эту тему, потому что она отражает стремление поп-арта к массовому производству и его собственный художественный интерес к повторению. «Я пил его. Раньше я ел один и тот же обед каждый день, думаю, в течение 20 лет, одно и то же снова и снова ».

Вскоре после написания этой коллекции холстов Уорхол продолжил эксперименты с мотивом банок для супа и идеей мультипликации. Однако с этими более поздними работами он переключил свой процесс с рисования на трафаретную печать, метод гравюры, подходящий для коммерческого производства рекламы.

Рой Лихтенштейн, Вау! ( 1963)

Известный своими красочными картинами, вдохновленными комиксами, художник Рой Лихтенштейн оживил и оживил поп-арт. Whaam! , одна из его самых известных композиций, является адаптацией сцены из All American Men of War , популярного сериала, издаваемого комиксами DC с 1956 по 1966 год.

Оригинальная панель Ирва Новика для комиксов DC «All-American Men of War», № 89 (фев.1962)

Напоминает открытый комикс, Whaam! визуализируется на 2 панелях. В левой части диптиха самолет стреляет в другой самолет, который вместе с восклицанием «ВАААМ!» Занимает всю правую часть фигуры. Хотя композиция поразительно похожа на исходное изображение, Лихтенштейн изменил несколько деталей: он изменил дизайн самолетов, убрал речевой пузырь и изменил цветовую схему.

Эти небольшие изменения говорят о более крупной цели Лихтенштейна, которая заключалась в персонализации этих произведений искусства массового производства.«Я рисую картинку не для того, чтобы воспроизвести ее — я делаю это для того, чтобы перекомпоновать ее», — пояснил он. «Я прохожу весь путь от того, чтобы мой рисунок был почти таким же, как в оригинале, до его полного создания».

Поп-арт — краткая история

Поп-арт — краткая история

Поп-арт — это художественное направление, возникшее в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в Соединенных Штатах. Поп-арт бросил вызов традициям изобразительного искусства, включив в него образы популярной культуры, такие как реклама и новости.В поп-арте материал иногда визуально удаляется из известного контекста, выделяется и / или объединяется с несвязанным материалом. Концепция поп-арта относится не столько к самому искусству, сколько к отношениям, которые к нему привели.

Поп-арт характеризовал чувство оптимизма во время послевоенного потребительского бума 1950-х и 1960-х годов. Это совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворяемой Элвисом и The Beatles. Поп-арт был дерзким, молодым, веселым и враждебным по отношению к художественному истеблишменту.Он включал в себя разные стили живописи и скульптуры из разных стран, но все они были объединены интересом к средствам массовой информации, массовому производству и массовой культуре. Это широко интерпретируется как реакция на господствовавшие в то время идеи абстрактного экспрессионизма, а также как их расширение. И по использованию найденных предметов и изображений он похож на дадаизм. Поп-арт стремился использовать в искусстве образы популярной, а не элитарной культуры, подчеркивая банальные или китчевые элементы любой данной культуры, чаще всего с помощью иронии.Это также связано с использованием художниками механических средств воспроизведения или техник рендеринга.

Реклама, маркировка продуктов и логотипы занимают видное место в изображениях, выбранных поп-артистами, например, в банках для супа Campbells от Энди Уорхола. Даже маркировка на транспортной коробке, содержащей предметы розничной торговли, использовалась в качестве предмета в поп-арте, например, в скульптурах Уорхола «Коробка для томатного сока Кэмпбелла» 1964 или его скульптурах «Коробка для мыла Brillo ».

Энди Уорхол — один из самых известных художников, связанных с поп-артом.Его изображения Мика Джаггера, Мэрилин Монро и банок с супом Кэмпбелла и многие другие стали бытовыми образами, перепечатанными на футболках, плакатах, кружках и признанными людьми во всем мире.

Возможно, удивительно, что движение поп-арта вышло из Лондона до того, как оно убедительно ворвалось на арт-сцену Америки. В конце концов, именно американский художник Энди Уорхол стал синонимом движения, известного как поп-арт. Однако именно Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци, как некоторые из членов-основателей Независимой группы (художественный и литературный коллектив, который регулярно встречался в ICA в Лондоне в период с 1952 по 1955 год), были предшественниками британского поп-арта и трансатлантическое движение поп-арт.Ричарда Гамильтона часто называют основателем британского поп-арта. Другие считают, что разговоры между Гамильтоном и Паолоцци положили начало трансатлантическому художественному движению, ныне известному как поп-арт.

Третьи настаивают на том, что «американский поп-арт» возник сам по себе, а не в отличие от своего британского аналога. Утверждают, что это было одновременно развитием и реакцией на абстрактную экспрессионистскую живопись, которая была первым американским художественным движением, получившим всемирное признание. Однако к середине 1950-х многие почувствовали, что он стал слишком интроспективным и элитарным.

Американский поп-арт развился как попытка повернуть вспять элитарную и абстрактную тенденцию, вновь представив изображение как структурный элемент в живописи, чтобы снова вывести искусство из мрака абстракции в реальный мир. Это была испытанная и испытанная ранее модель. Пикассо сделал нечто подобное сорок лет назад, когда он коллажировал напечатанные изображения «реального мира» на свои натюрморты, когда он размышлял, не становится ли его работа слишком абстрактной.

Примерно в 1955 году появились два замечательных художника, которые заложили основы моста между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом.Это были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.

Также очевидно, что движение американских абстрактных импрессионистов оказало влияние и на движение британского поп-арта. Сэр Питер Блейк создал работы на основе Union Jack ( Union Flag 3 (Black) — внизу слева), на которые явно повлияли звездно-полосатый флаг Джаспера Джона (вверху слева) и коллаж Гамильтона ( Collage of the White). Альбом, 1968 год — внизу справа) ) напоминает альбом Раушенберга 1960-х годов (см. Retroactive II, 1963 ).

Независимо от того, где началось движение или с какой стороны Атлантики — это ясно из коллекционеров, музеев и огромного общественного интереса, что поп-арт действительно, очень популярен и никуда не денется.

30 лучших исполнителей поп-арта!

Поп-арт: взрыв культуры знаменитостей, консьюмеризма и широко распространенных икон с 1950-х / 60-х годов до наших дней.

Статьи по теме: 4 самых дорогих произведения современных художников — 51 самый популярный современный художник — 10 самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах

Поп-арт — чрезвычайно влиятельное движение, зародившееся между 1950-ми и 60-ми годами.Он обращался к массам, а не к отдельным людям, с упором на упрощенный язык послевоенного потребительства.

Что такое поп-арт?

По своей сути, поп-арт — это коммерческое искусство, воспроизводимая форма искусства кажущихся вечными икон для масс, созданная на улицах, за пределами галерей элиты и из символов повседневной жизни.

Художники начали использовать символы и ссылки, которые были прямой ссылкой на повседневные товары, бренды и массовые символы — «культуру», которая влияла на жизнь, взгляды и привычки людей.Эти «иконы современного общества» представляли мир, в котором эти художники — и люди в целом — выросли.

Бренды, изображения и лица голливудских звезд были видны повсюду, узнаваемы в рекламе, на полках местного супермаркета или в кухонном шкафу. Они были вездесущими визуальными символами «поп-культуры».

В 1950–60-е годы «звездная система» — мир культуры знаменитостей, зародившийся в 1920-е годы с больших звезд Голливуда с довоенных лет — достигла своего апогея.Вокруг громких имен и их имиджа было ощущение «поп-культуры». И теперь это коснулось как работ современных художников, так и самих художников. Слава стала центральной.

Начав использовать общие символы и значки, осознав эффект этих ярких образов, художники вскоре сами стали звездами. Более чем когда-либо прежде, мир искусства был миром знаменитостей.

Кто самые влиятельные художники поп-арта?

1.Энди Уорхол (1928-1987)

Энди Уорхол, вероятно, самая влиятельная фигура поп-арта. Он сам стал известной знаменитостью. Понимая «звездную культуру», рекламу и влияние средств массовой информации, он сделал их основой своей работы — и жизни как художника. Его студия, также известная как «Фабрика», превратилась в улей артистических знаменитостей того времени, привлекая других влиятельных личностей и находя отражение в «бренде» Энди Уорхола.

Мы можем рассматривать его как полное представление этой культуры и движения.Обладая самобытным и очень индивидуальным стилем, Уорхол, как никто другой, выразил культуру знаменитостей, и его работы до сих пор влияют на искусство, моду и дизайн.

Например, режиссер Гас Ван Сант недавно объявил, что он работает над мюзиклом «Энди», чтобы прославить эту легендарную личность! Он также будет включать дуэт с Уорхолом и искусствоведом Клементом Гринбергом, как бы чтобы отметить его анти-общепринятый характер и важность для мира искусства. В мае 2021 года пять работ Энди Уорхола были проданы на аукционе в форме NFT в результате сотрудничества между Фондом Энди Уорхола и аукционным домом Christie’s.

Статьи по теме: Тысяча лиц Уорхола

без даты, воссоздание Amiga 1000 Энди Уорхола с цифровым автопортретом, без даты, любезно предоставлено Музеем Уорхола и Artnet.com

2. Кейт Харинг (1958–1990)

Американец Кейт Аллен Харинг начинал как уличный художник, оставляя следы и сообщения на улицах и в метро Нью-Йорка. Как он сказал: «Мой отец делал для меня героев мультфильмов, и они были очень похожи на то, как я начал рисовать — с одной линией и контуром мультфильма».

Сначала он изучал коммерческое искусство в Питтсбурге, а затем, чувствуя потребность уехать, оставил школу, чтобы поехать в Нью-Йорк, где стал известен как один из великих деятелей искусства граффити и поп-арта. Его чрезвычайно узнаваемые образы говорили от имени субкультуры 1980-х годов, пропагандируя осведомленность о СПИДе и злоупотреблении наркотиками. Его работы даже выставлялись на Биеннале Уитни и Венецианской биеннале.

В апреле 1986 года Харинг открыл Pop Shop в Сохо, где продавались товары со своими работами.Раскритикованный за это, он заявил: «Я мог бы заработать больше денег, если бы просто нарисовал несколько вещей и поднял цену. Мой магазин — это продолжение того, что я делал на станциях метро, ​​разрушая барьеры между высоким и низким искусством ».

Статьи по теме: Крупнейшая фреска Кита Харинга в Европе — последний случай фрески Кита Харинга — Well Beyond Lines. Кит Харинг и Жан Мишель Баския

Ценг Квонг Чи, фотография Кита Харинга в его магазине поп-музыки, n.г., любезно предоставлено Фондом Кита Харинга © Фонд Кита Харинга / Muna Tseng Dance Projects, Inc., Нью-Йорк.

3. Рой Лихтенштейн (1923–1997)

Рой Фокс Лихтенштейн — один из отцов движения поп-арт. Его работы характеризуются уникальным стилем, что делает его одним из ведущих художников. В ноябре 2015 года Christie’s продал «медсестру» Лихтенштейна за рекордные 95,4 миллиона долларов.

В этом произведении, как и в других работах, мы видим, как увеличенные изображения рекламы и комиксов с узнаваемыми персонажами подчеркивают иронию образов и ситуаций, которые абсурдно изображают повседневную жизнь.

Этот художник определил поп-арт не как «американскую» живопись, а как «индустриальную» живопись. Это было подрывным, вдохновленным комиксами о войне и романтическими историями, «все, что я мог использовать в качестве объекта, эмоционально сильное […] противоположное удаленным и преднамеренным техникам рисования».

Рой Лихтенштейн, я знаю … Брэд (1963)

4. Том Вессельманн (1931-2004)

Американский художник Том Вессельманн, к чьему творчеству возобновился интерес в годы после его смерти, работал в скульптуре, живописи и коллажах.Он дал сильный поэтический поворот общим темам поп-арта.

В своей практике он изучал традиционные темы, такие как обнаженная натура, натюрморт и пейзаж, сочетая их с рекламой и повседневными предметами. В его работах реалистичные объекты сочетаются с сюрреалистическими, мечтательными и иллюзионистскими пространствами, сделанными с использованием сильных хроматических поверхностей.

Том Вессельманн, Заголовок на двух страницах (страницы 72-73) из 1 ¢ Life, 1964, предоставлено MOMA © Tom Wesselmann / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, Нью-Йорк.

5. Миммо Ротелла (1918–2006)

Итальянский художник Доменико Ротелла, также известный как Миммо Ротелла, был невероятно активным художником второй половины 20 века. Он считается одним из важнейших деятелей послевоенного европейского искусства.

Близкий к ультра-леттристам, реализму модерна и даже движению поп-арта, он сочетал рекламные объявления и плакаты в своих деколлажных работах. Для этой техники он использовал серию полосатых и разорванных плакатов, собирая их, чтобы создать чрезвычайно выразительную и мощную эстетику.

Статьи по теме: Жизнь и творчество Миммо Ротелла — Истоки итальянского поп-арта

Mimmo Rotella, Semper lei Marilyn (2002), холст, декор

6. Роберт Раушенберг (1925-2008)

Роберт Раушенберг был американским художником-графиком, фотографом, гравером, живописцем и перформансом. По мнению некоторых, он предвосхитил движение поп-арта, однако его называют «неодадаистом».

По его словам, «живопись относится и к искусству, и к жизни» — и его целью было работать «в промежутке между ними». Раушенберг собирал выброшенные предметы на улицах Нью-Йорка, используя их в своих работах. Он даже представил найденные изображения на своих картинах, используя сериграфию, чтобы перенести их на холст — техника, которая широко использовалась художниками поп-арта.

Роберт Раушенберг, Estate (1963), холст, масло, шелкография. Предоставлено Художественным музеем Филадельфии.

7.Ричард Гамильтон (1922-2011)

Ричард Гамильтон был ведущей фигурой британского поколения художников поп-арта. Как и у многих других художников этого движения, его корни в коммерческом искусстве оказали большое влияние на его творчество.

Его коллаж «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956) был использован в качестве основного изображения для плаката и каталога выставки в галерее Уайтчепел, что сделало его невероятно заметным и подчеркнуло важность его работ.Он также был частью «Независимой группы», сыгравшей важную роль в движении британского поп-арта.

Ричард Гамильтон, что именно сделало вчерашние дома такими разными, такими привлекательными? (1956), коллаж.
Предоставлено коллекцией Тейт.

8. Джеймс Розенквист (1933-2017)

Другой чрезвычайно важный и известный художник поп-арта, без сомнения, Джеймс Розенквист. Его можно считать одним из самых сильных и влиятельных художников современного поп-арта, наряду с Уорхолом и Лихтенштейном.

Его работы глубоко погрузились в кинематографию и рекламу, опираясь на его опыт в живописи вывесок. Джеймс Розенквист использовал методы, которые традиционно используются для создания коммерческого искусства. Его работы представляют собой ошеломляющую смесь фрагментированных изображений современных икон, предметов повседневного обихода и популярных продуктов питания — гигантских помад или спагетти.

Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960-61 / 1964, холст, масло. Центр Помпиду, Париж

9.Роберт Индиана (1928-2018)

Американский художник Роберт Индиана создал всемирно известные культовые работы, которые до сих пор имеют сильное влияние на дизайн. Сценограф и художник по костюмам, у него была невероятно интересная карьера.

Он использовал яркие смелые слова, такие как «ЕШЬ» или «НАДЕЖДА». Подчеркивая коммерческий аспект этих привлекательных коротких слов, в его работах отчетливо виден поп-аспект. Его самое знаковое произведение — «ЛЮБОВЬ» (1970), скульптура, получившая широкую известность и тиражируемую.

Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ, гравюра со знаменитой скульптуры «ЛЮБОВЬ» (Нью-Йорк).

10. Мел Рамос (1935-2018)

Художник Мел Рамос был американским фигуративным художником, чья семья изначально была португальско-азорской. Представитель поп-арта и профессор университета, его работы часто изображали обнаженную женщину, смешивая абстрактные и реалистические аспекты.

Его работы были представлены наряду с работами Роя Лихтенштейна и Энди Уорхола и выставлены на многих групповых выставках.Фактически он был одним из первых, кто изобразил полоски комиксов. В его работах можно найти некоторую иронию, что отличает его от других поп-исполнителей. Фактически, его символы и сюжеты имеют несколько иное значение, чем в других произведениях.

Мел Рамос, Chiquita Banana (1969), полихромная эмаль

11. Харитон Пушвагнер (1940-2018)

Терье Брофос, артист которого звали Харитон Пушвагнер, был норвежским поп-исполнителем.Он был графиком и живописцем и даже теннисистом. После учебы в Государственной школе искусств и дизайна в Олсо он много лет пытался найти свой личный стиль, прежде чем прославился своими работами.

В его работах представлены карикатурные изображения, частично вызванные его увлечением работами новегийского автора Акселя Йенсена. У них сильная смелая графика и впечатляющее повествование.

Харитон Пушвагнер, Re Traversa (Мягкий город) (1969), печать на бумаге

12.Билли Эппл (1935-2021)

Билли Эппл, урожденный Барри Бейтс, был художником и скульптором из Новой Зеландии. Его работы были тесно связаны с американской и британской школами поп-арта 1960-х и концептуальным искусством 1970-х. Он даже сотрудничал со многими исполнителями поп-музыки, включая Энди Уорхола.

Создавая собственную личность после учебы в Лондонском Королевском колледже искусств, он осветил волосы и брови, создав узнаваемый образ. Он был одним из первых художников, создавших неоновые произведения искусства, а также открыл альтернативную студию.Это было место встречи многих художников, таких как художники Флуксуса и многих художников-концептуалистов.

Билли Эппл, Vertical Progressive, 1963, любезно предоставлено Wikiart.org © Билли Эппл.

13. Уэйн Тибо (1920-настоящее время)

Уэйн Тибо — широко признанный художник, особенно за его работы, изображающие предметы повседневного обихода, найденные в столовых и кафетериях. Хотя его часто называют известным художником поп-арта, иногда говорят, что он отличается от поп-культуры из-за особой техники рисования, которую он перенял.

Категорически против таких ярлыков, как «изобразительное искусство» и «коммерческое искусство», он не считал себя поп-артистом. Он презирал «плоский» и «механический» аспект поп-арта, однако его предметы часто были тесно связаны с этим направлением искусства.

Уэйн Тибо, Панкакский завтрак (2008), холст, масло

14. Алекс Кац (1927-настоящее время)

Алекс Кац — американский художник-фигуралист, известный своими скульптурными, живописными и печатными работами.Он никогда не переставал создавать свежие и влиятельные работы, которые в настоящее время принадлежат одним из самых престижных выставок, коллекций и музеев.

Родом из Нью-Йорка и еврейского происхождения Алекс Кац стал широко известен в 1980-х годах. Он разработал уникальный стиль, связанный как с абстрактным экспрессионизмом, так и с поп-артом, и особенно известен своими крупномасштабными плоскими и смелыми красочными картинами.

Алекс Кац, Coca-Cola Girls (2018), архивные пигментные чернила на белой бумаге.Предоставлено Тимоти Тейлор

15. Яёи Кусама (1929-настоящее время)

Современный японский художник Яёи Кусама — невероятно важный ныне живущий художник. Основываясь на своей практике в концептуальном искусстве, феминизме, минимализме, сюрреализме, арт-брют, абстрактном экспрессионизме и (конечно же) поп-арте, ее работы охватывают скульптуру, инсталляцию, перформанс, кино, моду, поэзию, художественную литературу и живопись.

Яёи Кусама переехала в Нью-Йорк в 1958 году, ее привлекла мощная и яркая сцена американского поп-арта, но с тех пор она вернулась в Японию.Свои исследования бесконечности она воплотила в своих универсальных скульптурах и часто затрагивает автобиографическое, психологическое и сексуальное содержание в своих работах.

Статьи по теме: Мания Яёи Кусама!

Художница Яёи Кусама с работой «Щупальца» (2012-2015)

16. Клас Ольденбург (с 1929 г. по настоящее время)

Клас Ольденбург родился в Швеции, скульптор. Он известен своими гигантскими копиями или мягкими версиями сразу узнаваемых предметов повседневной жизни.

Его основным фокусом была еда и то, как она была обесценена — переход от первой необходимости к коммерческому продукту. Многие из его работ были выполнены с его женой Кусье ван Брюгген.

Выбор анализа символов массового потребления в качестве сюжетов для своих скульптур делает Класа Ольденбурга прекрасным примером современного художника поп-арта. В 1960-61 годах он даже арендовал магазин, чтобы затем заполнить его расписанными гипсовыми копиями продуктов питания, одежды, украшений и других предметов в своей работе «Магазин».

Клас Ольденбург, Флор Бургер (1962). Предоставлено MOMA, Нью-Йорк.

17. Джаспер Джонс (1930-настоящее время)

Американский художник, скульптор и гравер Джаспер Джонс связан с абстрактным экспрессионизмом, нео-дада и поп-артом. Он родился в Южной Каролине, в Аллендейле, а в 1949 году переехал в Нью-Йорк, когда решил проучиться несколько семестров в школе дизайна Parson’s Design School. Вскоре он вошел на сцену искусства с некоторыми работами, в которых возникла неотредактированная связь между реальными и нарисованными изображениями.

Он известен своими работами, изображающими американский флаг. Но его работы также сосредоточены на надписях, газетных отпечатках, числах, текстурах и картах. Его работы часто назывались самыми высокооплачиваемыми работами ныне живущих художников, достигая рекордных цен на аукционах.

Джаспер Джонс, Три флага (1958), холст, масло. Музей американского искусства Уитни

18. Питер Блейк (1932-настоящее время)

Питер Блейк — известный британский поп-исполнитель.В его работах использовались элементы рекламы и часто использовался коллаж, чтобы включать отдельные символы и популярные ссылки.

Он был создателем знаменитой обложки альбома The Beatles «Sgt. Группа Pepper’s Lonely Hearts Club Band, два альбома The Who, обложка сингла Band Aid, плакат Live Aid — и работали над многими другими замечательными заказами. В 2002 году он был посвящен в рыцари за заслуги перед искусством в Букингемском дворце.

Питер Блейк, 100 источников поп-арта

19.Джеймс Гилл (1934-настоящее время)

Американский художник Джеймс Гилл считается центральной фигурой поп-арта. Он особенно известен своим «Триптихом Мэрилин» (1962), который вошел в постоянную коллекцию MOMA в 1962 году.

Работы Джеймса Гилла основаны на центральных поп-темах культуры знаменитостей и символах современной жизни, однако они сильно политизированы. В его творчестве присутствует критический уровень, который бросает мрачный и меланхоличный свет на важные социальные и политические темы, среди которых война во Вьетнаме.

Однако, после того как он ушел из искусства почти на 30 лет и вернулся в 2010 году, теперь его работы больше сосредоточены на поп-образе знаменитостей, технически смешивая реализм и абстракцию в гораздо более безмятежном ключе.

Джеймс Фрэнсис Гилл, Три лица Мэрилин (2014), холст, акрил. Предоставлено Galerie Urs Reichlin

20. Джим Дайн (1935-настоящее время)

Еще один невероятно известный художник — Джим Дайн, с более чем 300 персональными выставками в важных учреждениях.Его работы включают в себя живопись, рисунок, эстамп, скульптуру и фотографию — но даже в его ранних работах есть ассамбляжи и хеппенинги.

Он связан со многими различными формами искусства — неодада и абстрактный экспрессионизм, а также с поп-артом. Фактически, как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, он был частью движения Нового Дада, сопротивляясь его ассоциации с поп-артом и типичным для этого движения прославлением икон. Ставя под сомнение силу знаковых символов, он разработал словарь простых символов, таких как инструменты, сердца и птицы, — универсально узнаваемых и даже детских.

Джим Дайн, Признак его бледного цвета, Нежность (2015). Предоставлено Artribune

21. Дэвид Хокни (1937-настоящее время)

Возвращаясь на сцену британского поп-арта, мы встречаем работы Дэвида Хокни. Художник, рисовальщик, гравер, сценограф и фотограф, Хокни — один из самых известных британских художников поп-музыки.

Его стиль живописи сочетает образную идею с яркой цветовой палитрой, создавая чрезвычайно выразительные декорации, которые по-прежнему легко узнаваемы.На самом деле, его работы чрезвычайно популярны, многократно побивая рекорды продаж — например, с его картиной «Двойной портрет» за 90 миллионов долларов, проданной на Christie’s в 2018 году.

Статьи по теме: Отличное начало для Sotheby’s London — Коллекция Гастона Леви

Дэвид Хокни, Портрет художника (Пул с двумя фигурами), 1972 г.

22. Эд Руша (1937-настоящее время)

Эдвард Руша — американский художник, живущий и работающий в Калифорнии и представленный Галереей Гагосяна.Его работы охватывают фотографию, живопись, рисунок, эстамп и кино. На него больше всего повлияли Джаспер Джонс, Марсель Дюшан и Эдвард Хоппер.

Окончил художественный институт Chouinard в 1960 году и сотрудничал со многими известными именами, его ранние работы во многом связаны с движением поп-арта и поколением битов. Но они также включают аспекты дадаизма, сюрреализма, абстрактного экспрессионизма и концептуального искусства.

Эдвард Руша, торговая марка № 5 (20th Century Fox), 1999 г.

23.Питер Макс (1937-настоящее время)

Питер Макс — немецко-американский художник, чьи работы узнаваемы по ярким цветам и визуальным образам, культуре и эстетике 1960-х годов. Его работы были связаны с влиянием психоделии, контркультуры, неоэкспрессионизма и поп-арта в графическом дизайне.

Он часто использовал в своих работах множество значков и символов. Благодаря популярности его современного стиля, он сотрудничал с музыкантами, такими как Боб Дилан, и получил множество заказов, таких как первая почтовая марка «Сохраняем окружающую среду».

Питер Макс, Мэрилин, из ретроспективы «Собрание сочинений 1960-2017 гг.

24. Джефф Кунс (1955-настоящее время)

Говоря о массовом потреблении и коллективных иконах, нельзя не упомянуть американского художника Джеффа Кунса. Хотя этот художник появляется позже других художников, его формы в стиле нео-поп можно рассматривать как близких родственников культовых произведений Энди Уорхола.

Его работы перекликаются с поп-артом не только своей красочностью, но и монументальностью и влиятельностью, которыми они обладают.Его китч и красочные скульптуры, среди которых известные работы «Кролик», «Щенок» и «Собака-воздушный шар», уникальным образом отражают то позитивное общество, для которого они были созданы.

Статьи по теме: Джефф Кунс и эпоха пост-поп-арта

Джефф Кунс, Попай (2009-2011), нержавеющая сталь с зеркальной полировкой и прозрачным цветным покрытием.
Предоставлено галереей Sonnabend, Нью-Йорк

25. Джордж Кондо (1957-настоящее время)

Джордж Кондо, также некоторое время работая на фабрике Энди Уорхола, является современным визуальным художником, работающим в области живописи, рисунка, скульптуры и гравюры.Он очень уважаемый художник, который использовал поп-нарратив для создания собственного стиля.

В 80-х он ввел термин «искусственный реализм», чтобы описать свои ранние работы — «реалистичное представление того, что является искусственным», — встречать картины старых европейских мастеров с американским поп-артом. В его последней работе картины Кондо интерпретируют человеческие фигуры в юмористическом, гротескном и мультяшном мире. По-прежнему доминируя на сцене современного искусства, он называет это направление работы «психологическим кубизмом».

Джордж Кондо, Треснувший кардинал (2001), холст, масло

26. Нара Ёсимото (с 1959 г. по настоящее время)

Нара Ёсимото — активный японский художник, живущий в Токио. Его работы представляют собой простые фигуры с мультяшными чертами. Они выглядят безобидными, как дети или домашние животные, но с контрастными выражениями лиц, позами или с оружием в руках часто вызывают беспокойство.

Подобно другому художнику, Такаши Мураками — работы Ёсимото были определены как «суперплоские» и «поп-арт» — расширяя иконографию, культурные иконы и символы, которые мы традиционно связываем с ранними произведениями поп-арта.

Статьи по теме: Иди, а не беги * с ножом в руке! Ёсимото Нара

Нара Ёсимото, Нож за спиной (2000), холст, масло

27. Такаши Мураками (с 1962 года по настоящее время)

Современный художник Такаши Мураками — важная фигура как для поп-арта, так и для японской культуры. Живописец, скульптор и коммерческий художник, Мураками создавал произведения искусства, вдохновленные иконографией своей страны, стирая границы между высоким и низким искусством.

Родом из Токио, его художественный стиль представляет собой возвращающиеся мотивы и персонажей, вдохновленных аниме, изображенных в ярких цветах на больших поверхностях или в форме скульптур в натуральную величину. Он ввел термин «суперплоский», используемый для описания японской эстетической традиции — и с тех пор он применяется к его работам.

Статьи по теме: Глобальное племя Такаши Мураками

Такеши Мураками, Мистер Дуб и Банни, цифровое искусство (2019)

28.Дэмиен Херст (1965-настоящее время)

Замечательно противоречивая фигура английского художника, предпринимателя и коллекционера Дэмиена Херста, несомненно, доминировала на сцене искусства. В 1995 году он получил премию Тернера, курировал художественное шоу «Freeze» во время учебы, придав форму успешной группе YBA (молодые британские художники) в 1990-х годах.

Его концептуальные работы имеют сильное влияние на публику во всем мире, делая их определенно поп-музыкой. Как и Энди Уорхол, смерть — важная тема в его творчестве.Часто перенимая эстетику поп-арта, используя символы, мощные образы или вызывающие споры значки, он намекает на мир потребления.

Статьи по теме: Говоря «мусор» в современном искусстве — когда еда и мода становятся изящным искусством

Дэмиен Херст, Череп с часами в глазах (2008), холст, бытовой глянец.
Предоставлено Damien Hirst and Science Ltd.

29. Бэнкси

Анонимный уличный художник Бэнкси, вероятно, самый популярный художник в наши дни.Его всемирная известность обусловлена ​​его произведениями уличного искусства и его провокационным подходом. Его стиль имеет сильное происхождение от уличного искусства, и его основные средства — аэрозольная краска и трафареты. Его работы обращаются к текущим социальным и политическим ситуациям.

Несмотря на то, что его нельзя напрямую классифицировать как художника поп-арта, на его работы сильно влияют популярные изображения, поп-арт и потребительские символы, причем его самые знаковые работы сами становятся воспроизводимыми иконами.

Статьи по теме: Blek le Rat все еще влияет на Бэнкси? — Загадочная история украденного Бэнкси

Бэнкси, Девушка с воздушным шаром (2006).Предоставлено Sotheby’s

30. Никлас Кастелло (1978-настоящее время)

Современный художник, находящийся под сильным влиянием поп-арта, — немец Никлас Кастелло. Его работы, вдохновленные уличным художником Invader и изначально самим уличным художником, являются мощными и знаковыми, связанными с модой и потреблением.

Он стал известен благодаря скульптурам «Поцелуй», монументальным образом напоминающим глянцевые металлические шары Джеффа Кунса или гигантские копии повседневных предметов Клааса Ольденбурга.В целом, его работы сочетают в себе влияния неоэкспрессионизма и стрит-арта, а также вариации нео-попа на темы других известных художников поп-арта.

Никлас Кастелло, Поцелуй (блестящий красный) (2013-2015). Предоставлено Гаем Хепнером

Что мы сегодня можем определить как поп-арт?

Многие имена все еще узнаваемы. Еще более широкое распространение получили работы художников эстрады. Фактически, несмотря на то, что конец этого движения связан с трагической смертью Энди Уорхола, многие аспекты культуры и важные произведения искусства все еще имеют влияние сегодня.

Тем не менее, поп-арт — это не только повторяющиеся цветные шелкографии банок для супа Кэмпбелла. Это очень разноплановое движение, которое по-прежнему выступает за потребительское общество икон, символов и брендов нашего современного мира.

Различные техники, такие как масляные краски, акрил, литография, рисунки, графика, скульптура, текстиль — границы поп-арта трудно определить.

Поп-арт мертв?

Безусловно, поп-арт имел огромный успех, оказав влияние на словарный запас многих современных художников по всему миру.С 1960-х годов до сегодняшнего дня общество уделяло большое внимание знаменитостям, массовому производству и потреблению.

Тем не менее, сегодня в нео-поп-произведениях представлены похожие объекты и предметы, но в более высокой степени, чем те, с которых начинал поп. Мир стрит-арта стал больше ориентироваться на иконы современности и графические изображения рекламы. Так же, как и поп, он возносит «низкое» искусство и популярные символы.

Подобно тому, как упрощенные фигуры Кита Харинга покрывали Нью-Йорк в 80-е годы, сегодня, гуляя по Лондону, мы встречаем серию чрезвычайно выразительных фигур, нарисованных всего несколькими основными линиями — работ британского художника-граффити Стика.

Стик, Танцовщица (2011), цифровая печать в черно-красном цвете. Предоставлено Christie’s

работ Стика выставлялись и продавались в лучших галереях и на аукционах. Его стиль уникален по цвету и форме и демонстрирует очень современное направление того, что можно назвать поп-музыкой. Его воспроизводимость, разборчивость, знаковый характер и популярность — явная отсылка к работам Кита Харинга.

Но теперь цифровая сфера стала центром современного общества, смешивающего и извлекающего из визуальной культуры игр, влиятельных лиц и мира цифрового потребления.Как будто движение поп-арта все еще развивается и обнаруживается по мере того, как достигаются цифровые и физические границы воспроизведения.

«Поп-культура» стала более разнообразной расширенной категорией символов, вымышленных и неигровых персонажей и изображений. Так что, возможно, больше, чем спрашивая себя, является ли поп-арт движением прошлого, мы должны спросить себя, как это движение подтолкнуло художников и массы к взглядам на новые горизонты искусства.