«Поп-арт» — происхождение и значение слова
Поп-арт — это художественное направление, которое возникло после Второй мировой войны. Оно соединило в себе изобразительное искусство и популярную культуру. Для поп-арта характерно заимствование образов из рекламы, комиксов, журналов, телевидения и кинематографа.Термин pop art появился в результате сокращения английского выражения popular art, что переводится как «популярное» или «общедоступное искусство». Впервые это словосочетание употребил британский искусствовед Лоуренс Аллоуэй в своем эссе «Искусство и средства массовой информации» в 1958 году.
За несколько лет до Аллоуэя интерес к популярной культуре и возможности создавать искусство на ее основе проявила Независимая группа молодых художников в Лондоне. Послевоенный экономический подъем привел к увеличению ассортимента бытовых товаров — их рекламировали с небывалым энтузиазмом. Участники Независимой группы мечтали создавать произведения в подобной «рекламной» эстетике, которые казались бы зрителям такими же притягательными.
Так, коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши дома такими особенными, такими привлекательными?» стал первым широко известным поп-арт-произведением. Для его создания художник использовал вырезки из рекламных страниц журналов.
Особую популярность это направление завоевало в США. Здесь основные сюжеты поп-арта были подкреплены эстетикой американского быта и мифом об «американской мечте».
Одним из лидеров этого течения стал Энди Уорхол, который увековечил в своих работах бутылку кока-колы и банку супа «Кэмпбелл». Отразился в поп-арте Уорхола и культ знаменитостей: художник создавал шелкографии с изображением актрисы Мэрилин Монро, первой леди США Жаклин Кеннеди и «короля рок-н-ролла» Элвиса Пресли.
Наряду с работами Уорхола большой общественный интерес вызвали картины-комиксы Роя Лихтенштейна и скульптуры еды Класа Олденбурга, например огромный виниловый бургер и рожок мороженого.
Популярность поп-арта с 1960-х годов практически не ослабла, а работы в этом жанре до сих пор остаются желанными предметами для коллекционеров искусства.
Искусствоведы не дают единого ответа на вопрос, существует ли отечественный поп-арт. Одни убеждены, что это исключительно американское явление, а в России можно выделить только его разновидность 一 соц-арт. Другие считают, что поп-арт был одним из течений советского андеграунда и процветает в России до сих пор, а среди отечественных художников этого направления называют Александра Косолапова, Сергея Шутова и Ивана Чуйкова.
Портреты Мерилин Монро от Энди Уорхола gettyimages.com
Работы Роя Лихтенштейна «Обнаженная с бюстом» (слева) и AFP
Коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 г. wikipedia.org
Рой Лихтенштейн — автор работ-комиксов, а потом — оммажей Пикассо, Ваг Гогу и Матиссу.
Клас Олденбург, скульптура Mistos oldenburgvanbruggen.com
|
На первый взгляд.
Он же дал первое определение стилю: «Поп-арт это: популярное, преходящее, расходное, недорогое, серийное, молодое, остроумное, сексуальное, бесполезное, гламурное, и Большой Бизнес».
Запах раздавленной земляники, письмо от друга, билборд с рекламой «Драно», три стука во входную дверь, царапина, вздох или голос, читающий нескончаемую лекцию, мгновенная ослепляющая вспышка, шляпа-котелок — все станет материалом для этого нового конкретного искусства.ИКОНОГРАФИЯ ПРОДУКТОВ ПОТРЕБЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ ПОП-АРТА: ОТ ЭНДИ УОРХОЛЛА ДО ДЖЕРЕМИ СКОТТА | Опубликовать статью ВАК, elibrary (НЭБ)
Сысоев С. В.
ORCID: 0000-0003-1505-2076, заведующий кафедрой дизайна костюма, Институт Бизнеса и Дизайна
ИКОНОГРАФИЯ ПРОДУКТОВ ПОТРЕБЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ ПОП-АРТА: ОТ ЭНДИ УОРХОЛЛА ДО ДЖЕРЕМИ СКОТТА
Аннотация
Поп-арт как одно из ярчайших направлений современного изобразительного искусства сегодня является одной из самых обсуждаемых тем как в среде исследователей, так и в среде потребителей искусства.
В данной статье выявлена связь между творческими принципами поп-арта 60-х годов и его динамикой начала ХХI века. Задача исследования – проследить влияние творчества культовой личности поп-арта Энди Уорхола (Andy Warhol) на творчество современного художника в области создания одежды Джереми Скотта (Jeremy Scott). На основе сравнительного анализа выявлены особенности стиля в творчестве двух художников, сформировавшиеся под воздействием влияния потребительской культуры. Эстетическая значимость произведений поп-арта и возросшая популярность стиля обнажает потребность более детального исследования этого направления в современном искусстве, и особенно, в искусстве создания одежды. Исследование наводит зум только на одно направление поп-арта, а именно на иконографию «съестных» продуктов потребления. Целью исследования является изучение смысловой нагрузки иконографии и ее изобразительных особенностей в искусстве поп-арта 60-х годов, а также в новейшей истории развития стиля.
Ключевые слова: поп-арт, современное искусство, Энди Уорхол, Джереми Скотт.
Sysoev S. V.
ORCID: 0000-0003-1505-2076, head of the Costume Design Department, Institute of Business and Design
ICONOGRAPHY OF CONSUMER PRODUCTS IN POP-ART: FROM ANDY WARHOL TO JEREMY SCOTT
Abstract
Pop art is one of the most discussed topics both among researchers and among consumers of art being one of the brightest trends in contemporary fine art. This article discusses the connection between the creative principles of pop art of the 60s and its dynamics at the beginning of the 21st century. The task of the research is to trace the influence of creativity of the cult personality of pop art, Andy Warhol, on the work of contemporary artist in the field of clothes creation, Jeremy Scott. We revealed the peculiarities of style in the work of two artists formed under the influence of consumer culture on the basis of comparative analysis.
The aesthetic significance of the works of pop art and the increased popularity of style exposes the need for more detailed research of this trend in contemporary art and in the art of making clothes, in particular. The study brings to mind only one direction of pop art, namely the iconography of “edible” consumer products. The purpose of the study is to look into the semantic meaning of iconography and its graphic features in pop art of the 60s, as well as in the newest history of style development.
Keywords: Pop Art, Contemporary Art, Andy Warhol, Jeremy Scott.
Сегодня, как и 70 лет назад, поп-арт является одним из наиболее ярких направлений массового искусства, затрагивающим общедоступные художественные образы и идеи. Он ворвался в разрозненный мир классического элитарного искусства модерна и его устойчивых традиций, изображая всем знакомые предметы и образы в новой яркой разноцветной стилистике, преследуя эпатажную задачу вернуть искусство «обычному человеку».
До этого в искусстве преобладал декоративный и изысканный символизм модерна. Но новая экономика – «экономика изобилия» – стала почвой для взращивания культуры поп-арта, культивирующей продукты массового потребления. Девиз культуры потребления «Я потребляю, следовательно, я существую» [1, C. 154] прочувствовал стоящий у истоков поп-арта французский художник Марсель Дюшан (Marcel Duchamp), переселившийся в силу обстоятельств на Американскую землю.
В Америке середины 50-х продукты массового потребления были больше, чем продукты. Они являлись демонстрацией силы национальной экономики и социальной справедливости, способом справедливого уравнивания социальных слоев населения сфокусированного на теме потребления. Марсель Дюшан уловил основную предпосылку для появления нового дыхания в искусстве: «Искусство – все, на что указывает художник» [2]. В искусстве действует основной принцип отстранения: любая вещь, перемещенная из функциональной среды в музейную экспозицию, перестает быть предметом и становится артефактом.
Эстетические идеалы поп-арта были заимствованы из массовой культуры – это были культовые личности, нарисованные персонажи, девизы и слоганы. Но самым массовым образом поп-арта была и остается еда. Трудно представить себе что-то более массовое в эпоху 60-х ХХ столетия.
В 1960 году Энди Уорхол – важнейшая персона в истории коммерческого поп-арт движения и современного искусства в целом – разработал дизайн для банок Coca-cola. (Рис.1) Это принесло ему широкую известность. В период с 1960-1962 он создал цикл картин с изображением банок супа Campbell’s. В 1962 году он создал картины с бутылками Coca-cola в ярких тонах. (Рис.2)
Рис. 1 – Энди Уорхол «Coca-Cola», 1960
Рис. 2 – Энди Уорхол «Coca-Cola», 1960
Большую роль для развития и продвижения поп-арта стал метод трафаретной печати и шелкографии для массового репродуцирования и тиражирования художественных произведений. Позже многократное повторение объектов, выполненное в подобной стилистике стало типичным не только для художественного почерка Энди Уорхола, но и стало ассоциироваться со всем поп-артом.
(Рис.3) Произведения искусства, печатающиеся со скоростью 80 отпечатков в день (несколько тысяч в год), безусловно, сделали изображения продуктов в стиле поп-арт языком массовой коммуникации.
Рис. 3 – 32 холста «Банки супа Campbell’s», Энди Уорхол, 1962. Музей современного искусства, Нью-Йорк
Суп Campbell’s, Coca-cola становятся объектами нового искусства, отражая основные тенденции американского социума 60-х годов прошлого века: искусственность, прагматизм, утилитарность и независимость от банковского счета нового общества. Еда и раньше была объектом изображения для художников. В частности, голландцы в XVII веке изображали натюрморты, отражая повседневную жизнь бюргеров и тщательно фиксируя их предметный мир. Импрессионисты стремились передать через натюрморты свои свежие впечатления. Но поп-арт приносит в искусство продукты потребления не в сыром виде, как это было ранее, но в готовом.
Но если предыдущие стили искусства с визуализацией еды работали на подчеркивание социальной разницы общества, разделяя потребителей на классы, то поп-арт начинает движение в сторону потребительского равенства.
Энди Уорхол констатировал: «Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что Президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумай – ты тоже можешь пить кока-колу. Кока-кола есть кока-кола, и ни за какие деньги ты не купишь кока-колы лучше, чем та, что пьет бродяга на углу» [3]. Многократно повторенная во всей своей натуральной достоверности, консервная банка с супом создала новую философию надежды для любого амбициозного потребителя: каждый употребляющий суп из банок мог идентифицировать себя с президентом или звездой. Консьюмеризм становился национальной идеей, а поп-арт – тем стилем искусства, который обслуживает эту идею. Увидеть эстетическую ценность обыденного предмета и привлечь к ней общественное внимание – вот художественная задача поп-арта как стиля (рис.4).
Рис.4 – Мини-платье «Souper dress», 1966 г.
Сам термин – поп-арт – вырос из названия коллажа Эдуардо Паолоцци (Eduardo Luigi Paolozzi), который вошел в искусствоведческий лексикон благодаря английскому критику Лоуренсу Эллоуэйему (Lawrence Alloway), тому самому, что впоследствии покровительствовал музею Гуггенхейма в Нью-Йорке.
Изначально термин характеризовал продукты средства массовой информации, а не произведения искусства. Но постепенно он стал употребляться в общем контексте с терминами «поп-музыка» или «поп-культура». Порожденной долгим господством абстракционизма и неоабстракционизма в западном искусстве, поп-арт возник как реакция на беспредметное искусство и стихийно и массово стал удовлетворять тоску потребителя «по предметности»: «в определенном контексте каждый предмет теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства» [4, C. 366].
Современный Энди Уорхолл в искусстве создания одежды Джереми Скотт (Jeremy Scott) всегда демонстрировал свое пристрастие к поп-арту. Его эстетическая позиция сформулирована в интервью: «Мы живем в поп-мире, а я в нем поп-дизайнер, так же, как мой кумир Энди Уорхол был поп-артистом. Это правила игры, и они меня устраивают» [5].
Одна из ранних коллекций бренда Jeremy Scott осень-зима 2006/07 вышла под названием «Fast Food» «Фастфуд», отражала потребительское настроение первого десятилетия двухтысячных и вся была посвящена готовым продуктам потребления: платья имитировали форму мороженого, торта, принты напоминали обертку шоколадного батончика Snickers, на юбках и джемперах были узоры в виде чизбургера (рис.
5).
Рис.5 – Jeremy Scott «Fastfood» осень-зима 2006/07
Спустя семь лет, дизайнер отточил собственное гротескное восприятие современного мира и снова вернулся к теме фаст-фуда в искусстве, но уже в дебютной коллекции для Moschino в год тридцатилетия бренда, известного своим глубоким ироничным отношением к современному миру потребления. В портфолио бренда тема быстрых продуктов ранее уже затрагивалась, но в аксессуарах: колье в виде круассана, серьги в форме макарон.
Коллекция Moschino осень-зима 2014/15 играет на поле потребителя junk food. Выполненные с элементами деконструктивизма, платья будто сделаны из оберток шоколада, супов, печенья, чипсов, поп-корна и даже меню стали манифестом новейшего поп-арта (рис.6).
Рис.6 – Jeremy Scott для Moschino осень-зима 2014/15
Если поп-арт 50-60-х XX века отражал психологию и философию «общества потребления», фокусируя взгляд на массовой культуре, то новейший поп-арт превращает продукт массовой культуры в элитарный объект искусства.
Сам Энди Уорхол создал платье The Souper Dress, представив его на аукционе лондонского салона The Grosvenor House Art and Antiques Fair. Но Джереми Скотт развил идею Энди Уорхола, использовав основную идею жанра – эклектику. С легкостью Энди Уорхола, превратившего банку супа или бутылку напитка в объект искусства, Джереми Скотт превращает обертки от продуктов массового потребления в вечернюю одежду. Но теперь одежда, вдохновленная недорогой и быстрой едой, получает совсем недемократичный ценник. А общество, привыкшее к снекам по демократичным ценам, получает очередную пощечину от поп-арта: демократичная идея искусства поп-арта становится элитарной из-за стоимости изделий. И шокирующие смелые прямые цитаты современного объекта искусства – формы сотрудников Макдональдса, балансирующие на грани искусства и пародии, заставляют современных критиков искусства снова «поперхнуться», подвергнув критике новый поп-арт захвативший территорию искусства одежды.
В принципе, поп-арт всегда подвергался критике.
За что его только не обвиняли? За временность и однодневность, за банальность и безвкусицу, за слишком коммерческую составляющую, за рекламность и пропаганду, даже за отсутствие «ценности произведения в век его технической воспроизводимости». Его даже называли «антиискусством» с подачи К. Гринберга (Clement Greenberg) [6, C. 43].
Однако, пока критики пренебрежительно аргументировали свою позицию, влиятельные коллекционеры покупали произведения поп-арта, стремясь скорее выставить их в музеях перед ошеломленной публикой, до того, пока необычные эпатажные работы разойдутся по художественным галереям всей страны.
За десять лет существования, к 1966 году поп-арт перерос пространства крохотных выставок в художественных вузах и небольших частных галереях и вышел на просторы мирового современного искусства. Р. Раушенберг (Robert Milton Ernest Rauschenberg) – выдающийся представитель поп-арта получил на Венецианском фестивале в 1964 г. Гран-При. В 1968 г. выставка под названием Documenta 4 в Касселе по популярности превзошла все венецианские проекты и стала престижным форумом современного искусства, подарив художественное признание и авторам, и их творениям.
В условиях постмодернистского общества, когда деструкция охватывает все аспекты культуры, человек под давлением мира становится постчеловеком, а поп-арт становится стилем-победителем в условиях нового витка экономики потребления. Свобода от всех канонов демонстрирует новую философию – вечерние платья, выполненные в технике ручной наколки на манекене, имитирующие обертки от шоколадок, попкорна и чипсов становятся новым объектом искусства, за которым выстраивается очередь, как за самими источниками вдохновения в супермаркете. Современное общество потребления готово эстетизировать продукты питания с помощью новых форм. Потому что в условиях нового мира поп-арт перестает быть только академическим стилем искусства, но становится языком массовой коммуникации. Языком ярким, стихийным, отражающим особым светом все проявления повседневной жизни, вызывающим сильную ответную реакцию аудитории, претендующей на собственное место в системе современного искусства. И это невозможно игнорировать.
Список литературы / References
- Геташвили Н. В. Англия. Новые идеи. Поп-арт. Современная Европа, 2007. – №2. – С. 138-146.
- Пронин В. Энди Уорхол: поп-арт и реклама / В.Пронин // Высшее образование в России. – – С. 158-162.
- Уорхол Э. Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот) // Изд-во Ад Маргинем, 2016. – 268 с.
- Борев Ю. Б. Эстетика. – М.: Издательство политической литературы, 1981. – 400 с.
- Сидельникова М. Высокий блондин и желтые ботинки [Электронный ресурс] / URL: www.vogue.ru/magazine/articles/Vysokiy_blondin_i_zheltye_botinki (дата обращения – 25.09.2017):
- Клаус Х. Поп-арт. – М.: Арт-Родник, 2005. – 172 с.
- Турчин В. С. Образ двадцатого. – М.: Прогресс, 2003. – 648 с.
- Альманах ДАДА // Пер. с нем. и франц., под ред. М. А. Изюмской. – М.: Гилея, 2000. – 208 с.
- Каррьеро К. Потребление и поп-арт. – М.: Искусство XXI век, 2010. – 320 с.
- Морозова М.
А. Влияние художественного поп-арта на дизайн-проектирование второй половины XX века // Известия РГПУ им. А. И. Герцена. – 2008. – №67. – С. 177-184. - Бычков В. В. Лексикон нонклассики. Художественно-эстетическая культура XX века. – М.: РОССМЭН, 2003. – 607 с.
- Бодрийяр Ж. Общество потребления. Его мифы и структуры // пер. с фр., послесл. и примеч. Е. А. Самарской. – М. : Республика, 2006. – 269 с.
- Юн Н. Е.. Популярное искусство, как направление в современном мире / Юн Н. Е., Баклыская Л. Е. // Новые идеи нового века, 2014. – №13. – С. 212-213.
- Кейдж Д. Композиция как процесс. – М. : Арт-эксперимент, 2015. – 8 с.
А. Влияние художественного поп-арта на дизайн-проектирование второй половины XX века // Известия РГПУ им. А. И. Герцена. – 2008. – №67. – С. 177-184.Список литературы на английском / References in English
- Getashvili N. V. Angliya. Novye idei. Pop-art. [New ideas. Pop Art. Modern Europe] Sovremennaya Evropa, 2007. – No.2. – P. 138-146. [in Russian]
- Pronin V. Endi Uorhol: pop-art i reklama. [Andy Warhol: Pop Art and Advertising] Vysshee obrazovanie v Rossii 2007. – P. 158-162. [in Russian]
- Warhol Filosofiya Endi Uorhola (Ot A k B i naoborot) [Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Vice Versa)] // Publishing House Ad Marginem, 2016. – 268 p. [in Russian]
- Borev Yu. B. Estetika. [Aesthetics] – M.: Publishing House of Political Literature, 1981. – 400 p. [in Russian]
- Sidelnikova M. Vysokii blondin i zheltye botinki. [A Tall Blond and Yellow Shoes.] [Electronic resource] // URL: vogue.ru/magazine/articles/Vysokiy_blondin_i_zheltye_botinki (access date – 09/25/2017) [in Russian]
- Klaus Kh. Pop-art. [ Pop Art.] – M.: Art-Rodnik, 2005. – 172 p. [in Russian]
- Turchin V. S. Obraz dvadtsatogo. [Image of the Twentieth] – M.: Progress, 2003. – 648 p.
- Almanakh DADA [DADA Almanac] // Trans. from German and French edited by M. A. Izyumskaya. – M.: Gilea, 2000. – 208 p. [in Russian]
- Karriero K. Potreblenie i pop-art. [Consumption and Pop Art] – M.: Art of the XXI century, 2010. – 320 p. [in Russian]
- Morozova M. A. Vliyanie khudozhestvennogo pop-arta na dizain-proektirovanie vtoroi poloviny XX veka [Influence of Art Pop Art on Design of the Second Half of the XX Century] // News of the RSPU named after A.I. Herzen, 2008. – №. 67. – P. 177-184. [in Russian]
- Bychkov V. V. Leksikon nonklassiki. Khudozhestvenno-esteticheskaya kultura XX veka. [Lexicon of Non-Classics. Artistic and Aesthetic Culture of the XX Century.] – M.: ROSSPEN, 2003. – 607 p. [in Russian]
- Baudrillard J. Obshhestvo potrebleniya. Ego mify i struktury [Consumer Society. Its Myths and Structures] // Trans. from French, Afterword and Notes bz E. A. Samarskaya. – M.: Respublika, 2006. – 269 p. [in Russian]
- Yun N. E. Populiarnoe iskusstvo, kak napravlenie v sovremennom mire [Popular Art as a Direction in Modern World] / Yun N. E., Baklyskaya L. E // New Ideas of the New Century, 2014. – No. 13. – P. 212-213. [in Russian]
- Keidzh D. Kompozitsiya kak process. [Composition as a Process] – M. : Art Experiment, 2015. – 8 p. [in Russian]
– P. 158-162. [in Russian]
A. Vliyanie khudozhestvennogo pop-arta na dizain-proektirovanie vtoroi poloviny XX veka [Influence of Art Pop Art on Design of the Second Half of the XX Century] // News of the RSPU named after A.I. Herzen, 2008. – №. 67. – P. 177-184. [in Russian]
– 8 p. [in Russian]Ресторан в стиле поп-арт Double Dutch, кафе с завтраками Breakfast, еще один замороженный йогурт Heavenly Yogurt – Архив
- Фотография: Ксения Колесникова
1/14
- Фотография: Ксения Колесникова
2/14
- Фотография: Ксения Колесникова
3/14
- Фотография: Ксения Колесникова
4/14
- Фотография: Ксения Колесникова
5/14
- Фотография: Ксения Колесникова
6/14
- Фотография: Ксения Колесникова
7/14
- Фотография: Ксения Колесникова
8/14
- Фотография: Ксения Колесникова
9/14
- Фотография: Ксения Колесникова
10/14
- Фотография: Ксения Колесникова
11/14
Портобелло гриль с сыром бри и зеленью, 380 р.
Фотография: Ксения Колесникова ,12/14
Хрустящая лепешка с козьим кремом и артишоками гриль, 340 р.
Фотография: Ксения Колесникова13/14
Медовик, 220 р.
Фотография: Ксения Колесникова14/14
,На месте Roomcafe на 1-й Тверской-Ямской открылся Doubledutch, совместный проект ресторатора Александра Оганезова (Roomcafe — тоже его проект), шеф-повара Вилльяма Ламберти и холдинга Ginza Project. Ресторан занимает два этажа, стены на втором довольно симпатичными рожами расписал Гоша Острецов. Дизайн выдержан в стиле поп-арт раушенберговского извода, но разбавлен веселой московской неразберихой типа шкафчиков с Бали.
Еда преимущественно понятная, при этом выглядит всегда очень нарядно. Меню представляет собой интернациональный вариант итальянской кухни со всеми необходимыми в московском ресторане позициями от пасты до бургеров — примерно в том же стиле, что и в кафе Uilliam’s (что не может не радовать, а то в Uilliam’s сидеть уже негде).
1-я Тверская-Ямская, 7, м. «Маяковская», (495) 916 85 55
- Фотография: Ксения Колесникова
1/13
- Фотография: Ксения Колесникова
2/13
- Фотография: Ксения Колесникова
3/13
- Фотография: Ксения Колесникова
4/13
- Фотография: Ксения Колесникова
5/13
- Фотография: Ксения Колесникова
6/13
- Фотография: Ксения Колесникова
7/13
- Фотография: Ксения Колесникова
8/13
Завтрак «Алабама»: картофельный решти, слабосоленый лосось, яйцо пашот, сметана, 360 р.
Фотография: Ксения Колесникова9/13
Салат «Локал» с авокадо, шпинатом, пармской ветчиной, яйцом пашот и пармезаном, 430 р.
Фотография: Ксения Колесникова10/13
Черничные панкейки, 320 р.
Фотография: Ксения Колесникова11/13
Завтрак «Нью-Йорк»: классический бейгл с сыром «Филадельфия», лососем и красной икрой, 390 р.
Фотография: Ксения Колесникова12/13
Лимонад Sunrise, 360 р.
Фотография: Ксения Колесникова13/13
Новое кафе Павла Костеренко и Нины Гудковой заработало в начале Малой Никитской улицы, буквально через бульвар от их предыдущего проекта Conversation. Идея кухни проста и обаятельна: завтраки, то есть омлеты, каши, блинчики и так далее, но с утра до ночи. Кроме того, в меню представлены салаты, супы и десерты. Цена «завтрака» в среднем — около 400 р. Ни крепкий алкоголь, ни пиво в кафе не подают.
М.Никитская, 2/1, м. «Тверская», «Арбатская», «Пушкинская», 8 916 640 86 36, breakfastcafe.ru
- Фотография: Марк Боярский
1/12
- Фотография: Марк Боярский
2/12
- Фотография: Марк Боярский
3/12
- Фотография: Марк Боярский
4/12
- Фотография: Марк Боярский
5/12
- Фотография: Марк Боярский
6/12
- Фотография: Марк Боярский
7/12
Гёзлеме, 150 р.
Фотография: Марк Боярский и 100 р.8/12
Турецкий чай, 100 р.
Фотография: Марк Боярский9/12
- Фотография: Марк Боярский
10/12
Кофе на песке, 150 р.
Фотография: Марк Боярский11/12
Айран, 100 р., лимонад лимонный и апельсиновый, 100 р.
Фотография: Марк Боярский12/12
и 100 р.На ВДНХ между фонтаном «Дружба народов» и 12-м павильоном открылось кафе турецкой еды «Гезлеме», и сделали его те же люди, что и ресторан «Бардак» на «Китай-городе».
Слово «гёзлеме» означает тонкую лепешку с начинкой — каждый, кому приходилось жить в турецком отеле, видел прилежных тетушек, целый день раскатывающих эти самые лепешки. Меню только из гёзлеме и состоит: со шпинатом, свежим сыром, с клубникой и с черной смородиной стоят 150 р., с бараниной и говядиной — 200 р. Кроме того, здесь есть лимонад, кофе по-турецки, чай (если надо, то добавят чабрец или мяту), а главное — турецкий айран (100 р.). Кафе будет работать до октября, а потом по праздникам.
просп. Мира, 119, ВВЦ, два киоска — перед фонтаном «Дружба народов» и за ним, м. «ВДНХ»
- Фотография: Марк Боярский
1/14
- Фотография: Марк Боярский
2/14
- Фотография: Марк Боярский
3/14
- Фотография: Марк Боярский
4/14
- Фотография: Марк Боярский
5/14
- Фотография: Марк Боярский
6/14
- Фотография: Марк Боярский
7/14
- Фотография: Марк Боярский
8/14
- Фотография: Марк Боярский
9/14
- Фотография: Марк Боярский
10/14
- Фотография: Марк Боярский
11/14
Йогурт, 200 р.
Фотография: Марк Боярский12/14
Йогурт, 200 р.
Фотография: Марк Боярский13/14
Чай тапиока, 200 р.
Фотография: Марк Боярский14/14
Все новаторские для России фастфудные концепции открываются первым делом почему-то в пустынном «Афимолле». Вот и еще одно кафе, торгующее замороженным йогуртом и холодным чаем с шариками тапиоки, заработало там же. Помимо хай-тек-десертов в продаже имеется также и абсолютная классика, от морковного торта и яблочного пирога до яблок в карамели и шоколаде. Есть также и бутерброды, и без «Цезаря» не обошлось.
Пресненская наб.
, 2, ТРЦ «Афимолл Сити», м. «Выставочная», 8 905 762 42 92
- Фотография: Ксения Колесникова
1/13
- Фотография: Ксения Колесникова
2/13
- Фотография: Ксения Колесникова
3/13
- Фотография: Ксения Колесникова
4/13
- Фотография: Ксения Колесникова
5/13
- Фотография: Ксения Колесникова
6/13
- Фотография: Ксения Колесникова
7/13
- Фотография: Ксения Колесникова
8/13
- Фотография: Ксения Колесникова
9/13
Большой вок: яичная лапша с морепродуктами, 209 р.
Фотография: Ксения Колесникова10/13
Овощи вок, 149 р.
Фотография: Ксения Колесникова11/13
Горячий ролл с креветкой, 169 р.
Фотография: Ксения Колесникова12/13
Вок-говядина с овощами, 149 р.
Фотография: Ксения Колесникова13/13
Открывшаяся в здании «Известий» у самого выхода из метро «Пушкинская» закусочная предлагает разную паназиатскую еду по более чем разумным ценам. В частности, овощи в воке стоят 149 р.
, говядина с овощами — столько же. Непременный конструктор «лапша + еще что-нибудь» готовится в двух форматах, маленькая порция стоит те же 149 р., большая (причем очень даже большая) — 209 р. Кроме того, имеются салаты, супы и — куда же без них — суши-роллы, в том числе поджаренные.
Пушкинская пл., 1, м. «Тверская», «Пушкинская», «Чеховская», 8 926 026 26 36
Что такое pop art и как его распознать
Поп-арт (англ. Pop art) означает популярное и доступное искусство. Оно понятно большинству людей, его легко узнать и объяснить. Это одно их крупнейших движений в искусстве ХХ века. Поп-арт зародился в Великобритании и СШАв 1950-е годы. Поп-арт появился на свет как реакция на совершенно другое направление современного искусства – абстрактный экспрессионизм.
Чтобы понять, что такое поп арт, нужно начать с другого направления в искусстве — абстрактный экспрессионизм. В нем художник освобождает разум от законов логики и выражает свой внутренний мир на холсте, как он “видит” и “чувствует”.
Брррр, звучит непросто! А на деле все еще сложнее. К примеру сможете ли вы понять что нарисовано на картине лидера абстрактных экспрессионистов Джексона Поллока? Картина называется «Ключ», не огорчайтесь если вы ничего в ней не поняли, вспомните, что художник абстракционист выражает свои чувства. И неподготовленный человек не поймёт, где тут ключ, а где замок, а если и поймёт, то только с подсказками опытного искусствоведа.
Такая же проблема возникла в 50-х годах ХХ века, несмотря на огромную популярность, не все понимали работы художников абстрактных экспрессионистов. Чтобы оценить их по достоинству, человек долженуже разбираться в искусстве. Что сделало это направление искусства доступным не для всех, а для «избранных». Поп-арт стал своего рода реакцией, противопоставлением абстрактному экспрессионизму. Его девизом стала идея: возвращение к реальности, а не фантазия художника. Источником вдохновения стали реклама, журналы, упаковки продуктов питания, фотография, телевидение, кумиры, стереотипы, кино, супермаркеты, комиксы – в общем всё, что встречается в повседневной жизни большинства обычных людей.
Вот несколько представителей поп-арт-культуры и их работы.
Рой Лихтенштейн «Смотри, Микки», 1961 г.
Рой Лихтенштейн «Спящая девушка», 1964 г.
Художник взял за основу кадр из серии романтических комиксов № 105, опубликованных DC comics в 1964 годов.
Энди Уорхол «Банка с супом Кэмпбелл», 1962 г.
«Я его [суп «Кэмпбелл»] просто пил. Каждый день я ел на обед одно и то же, лет двадцать, наверное, одно и то же, каждый божий день» Энди Уорхол
Джаспер Джонс «Флаг» 1954-1955 г.
Наиболее известная работа художника, которую он нарисовал после сна об американском флаге.
Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве
Просмотры: 9 687
История
Джаспер Джонс. Paскрaшeннaя бpoнза. 1960. Paскpaшеннaя бpoнза. Bысoтa 34 см, диaметp 20 смХотя поп-арт начался в начале 1950-х годов, в Америке он получил большой импульс в 1960-х годах.
Термин «поп-арт» был официально введен в декабре 1962 года. Поводом стал «Симпозиум по поп-арту», организованный Музеем современного искусства. К этому времени американская реклама приняла много элементов и изгибов современного искусства и функционировала на очень сложном уровне. Следовательно, американские художники должны были искать более глубокие драматические стили, которые дистанцировали бы искусство от хорошо разработанных и умных коммерческих материалов. Поскольку британцы рассматривали образы американской популярной культуры с несколько отдаленной точки зрения, их взгляды часто были наполнены романтическими, сентиментальными и юмористическими нотами. Американские художники, напротив, каждый день подвергались бомбардировке разнообразием произведений массового производства, создавая более смелые и агрессивные работы.
Двумя важными художниками в создании американского поп-арта были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг. В то время как картины Раушенберга имеют отношение к более ранним работам Курта Швиттерса и других художников Дада, его заботой были социальные проблемы.
Его подход заключался в создании искусства из эфемерных материалов. Используя актуальные события в повседневной жизни Америки, он придал своей работе уникальное качество. Работы Джонса и Раушенберга 1950-х годов классифицируются как нео-дада и
визуально отличаются от прототипа американского поп-арта, взорвавшегося в начале 1960-х годов.
В произведениях американских поп-артистов (исключение составляет ранний Ольденбург) мир и искусство, зритель и художник впервые предстают как две анонимные, зеркально отражающие друг друга, разобщенные и одинаково дереализованные данности. Знаменитый в ближайшем будущем поп-артист Джеймс Розенквист в 1963 году сказал: «Анонимность новейшей истории поражает меня». Анонимный — безымянный, не имеющий устойчивого личного образа, возможно, безобразный. Слово «образ», связанное с традиционной эстетикой, пора менять на слово «имидж», более летучее, нестойкое, конвенциональное, внеистинное образование.
Поп-арт демонстрирует обращенный к каждому соблазн прекрасного нового мира и одновременно указывает на то, что это — соблазн упаковки, бликующей поверхности, соблазн телеэкрана, транслирующего обществу мечты о процветании, урбанистическом рае для всех вперемешку с мелькающими катастрофами и политикой, фокусы которой показывают быстро сменяющие друг друга персонажи. Все образы поп-арта пропущены сквозь адаптивные машины масс-медиа, которые и делают любое явление несубстанциальным, подобным пустой оболочке самого себя.
Выставки
Джордж Сегал. Пopтрет Cиднея Джениса с кaртинoй. Moндpианa. 1967. Смешанная техника. 177 x 143 х 69 см. Hью.Йopк, Мyзeй сoвpемeннoгo искyсствa, Koллекция Сиднея и Хаppиет ДжeнисoвВ апреле 1963 года поп-арт окончательно получает свое имя по названию выставок «Популярный образ» в Вашингтонской галерее современного искусства и «Популярное искусство: Художественные проекции общеамериканских символов» в галерее Нельсона и музее Аткинса в Канзас-Сити.
Тогдашняя художественная общественность в массе своей негативно воспринимала поп-арт как популистскую критику абстракционизма, только что утвердившегося в качестве высокого американского модернизма. Действительно, в 1964 году Лихтенштейн делает работу «Композиции», иронически представляя сходство между живописью абстрактного экспрессионизма и обложкой для учебной тетради. Позднее аналогичную картину об абстракционизме как об условном знаке творческой спонтанности показывает создатель немецкого поп-арта, или капиталистического реализма, Зигмар Польке. То, что поп-арт диагностирует одинаковую стандартизацию в области производства и распространения вещей и в сфере создания произведений искусства, показывает унификацию сознания современного человека, многим не нравилось. И в 1964 году на авансцене американского искусства появляется другая версия того, каким должно быть актуальное творчество: главное теперь — очищение стандартной формы от каких бы то ни было ассоциаций с конкретными вещами.
Поп-арт подвергается не только внешнему, но и внутреннему давлению. К середине 1960-х годов поп-артисты становятся звездами, а их произведения — таким же рыночным искусством, как и абстрактная живопись. Критика общества потребления служит топливом для разжигания художественного рынка. Артур Данто считал, что поп-арт искупает массовую культуру, исправляет судьбу вещей, которые дороги миллионам. Автор статьи «Shop After Pop» («Магазин после попа») Том Вандербильт отмечает, что в середине 1960-х двусмысленность этой искупительной жертвы с неизбежностью выходит на первый план: «Клэе Ольденбург однажды назвал это сущим
барышничеством, вспоминая телевизионное шоу, в котором „продавец поп-арта …продает поп-арт, чтобы добыть денег на покупку Пикассо». Неомодернизм переосмысливает стандартизацию и ведет поиск модульной первичной формы современного искусства и реальности.
Ведь современность должна быть универсальной как формула, а не как моющее средство.
У Класа Олденбурга, Джима Дайна и Тома Вессельмана были первые показы в галерее Джадсона в 1959 и 1960 годах, а затем в 1960–1964 годах вместе с Джеймсом Розенквистом, Джорджем Сигалом и другими в Зеленой галерее на 57-й улице Манхэттена. В 1960 году Марта Джексон показала инсталляции и сборки в New Media — были представлены Ганс Арп, Курт Швиттерс, Джаспер Джонс, Клас Олденбург, Роберт Раушенберг, Джим Дайн и Мэй Уилсон. 1961 год был годом весеннего шоу Марты Джексон «Окружающая среда, ситуации, пространства». Энди Уорхол провел свою первую персональную выставку в Лос-Анджелесе в июле 1962 года в галерее Ferus Ирвинга Блума, где он показал 32 картины банок для супа Кампелла, по одной на любой вкус. Уорхол продал набор картин Блюму за 1000 долларов; в 1996 году, когда его приобрел Музей современного искусства, набор был оценен в 15 миллионов долларов.
Джордж Сегал. Mяснaя лaвкa. 1965. Гипс, дepeвo, метaлл, винил, opгстеклo.
238 х 252 х 123 cм. Topoнтo, Хyдoжeствeннaя гaлepeя ОнтаpиoДональд Фактор, сын Макса Фактора-младшего, коллекционер и соредактор авангардного литературного журнала Nomad, написал эссе в последнем номере журнала Nomad / New York. Эссе было одним из первых о том, что станет известным как поп-арт, хотя Фактор не использовал этот термин. Эссе «Четыре художника» было посвящено Рою Лихтенштейну, Джеймсу Розенквисту, Джиму Дайну и Класу Ольденбургу.
В 1960-х годах Ольденбург, который стал связанным с движением поп-арта, создал много перформансов, которые были производством того времени, связанным с перформанс-искусством. Название, которое он дал своим собственным постановкам, было «Театр Рэй Ган». Актеры-коллеги, принявшие участие в выступлениях: артист Лукас Самарас, Вессельман, Кароль Шиманн, Фальстрёй и Ричард Артшвагер; дилер Аннина Носей; искусствовед Барбара Роуз и сценарист Руди Вурлицер. Его первая жена была постоянной исполнительницей в его перформансах. Этот дерзкий, часто юмористический подход к искусству в значительной степени расходился с преобладающей позицией, что по своей природе искусство имеет дело с «глубокими» выражениями или идеями.
В декабре 1961 года он арендовал магазин в Нижнем Ист-Сайде на Манхэттене, чтобы разместить «Магазин» — месячную инсталляцию, которую он впервые представил в галерее Марты Джексон в Нью-Йорке, со скульптурами, примерно в виде товаров народного потребления.
Открывшийся в 1962 году нью-йоркский арт-дилерский магазин Виллема де Кунинга, Sidney Janis Gallery,
Роберт Индиана. Большая восьмерка. 1968. Холст, акриловые краски. 220 х 220 см. Кёльн, музей Людвигаорганизовал новаторскую Международную выставку новых реалистов, обзор нового американского реализма в Америке, Франции, Швейцарии, Италии и Британский поп-арт. Среди 54 представленных художников были Ричард Линднер, Уэйн Тибо, Рой Лихтенштейн (и его картина Блам), Энди Уорхол, Клас Олденбург, Джеймс Розенквист, Джим Дайн, Роберт Индиана, Том Вессельманн, Джордж Сигал, Питер Филлипс, Питер Блейк, Ив Кляйн, Арман, Даниэль Споерри, Кристо и Миммо Ротелла. Шоу увидели в Нью-Йорке европейцы Мартиал Рейссе, Ники де Сен-Фалль и Жан Тингели, которые были ошеломлены размером и внешним видом американского искусства.
Магазин потерял некоторых из своих художников-экспрессионистов, когда Марк Ротко, Роберт Мазервелл, Адольф Готтлиб и Филипп Густон вышли из галереи, но получил Дайна, Ольденбурга, Сигала и Вессельманна. На вечере премьеры, организованном коллекционером Бертоном Тремейном, появился Виллем де Кунинг, от которого Тремейн отвернулся, владея несколькими работами де Кунинга. Розенквист вспоминал: «В тот момент я думал, что что-то в мире искусства определенно изменилось». Отказ от уважаемого абстрактного художника доказал, что уже в 1962 году движение поп-арта стало доминировать в художественной культуре Нью-Йорка.
Чуть раньше на Западном побережье Рой Лихтенштейн, Джим Дайн и Энди Уорхол из Нью-Йорка, Филипп Хеффертон и Роберт Дауд из Детройта, Эдвард Руша и Джо Гуд из Оклахома-Сити и Уэйн Тибо из Калифорнии был включен в шоу «Новая картина общих объектов» .
Эта первая выставка музея поп-арта в Америке курировалась Уолтером Хоппсом в Художественном музее Пасадены. Поп-арт был готов изменить мир искусства. Нью-Йорк последовал за Пасаденой в 1963 году, когда в музее Гуггенхайма были представлены шесть художников — Джим Дайн, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Роберт Раушенберг, Джеймс Розенквист и Энди Уорхол. Еще одной ключевой ранней выставкой был Американский супермаркет, организованный Галереей Бьянкини в 1964 году. Шоу было представлено как типичная среда небольшого супермаркета, за исключением того, что все в нем — продукты,
консервы, мясо, плакаты на стене и т. д. — было создано поп-артистами того времени, в том числе Эппл, Уорхолом, Лихтенштейном, Вессельманом, Ольденбургом и Джонсом. Этот проект был воссоздан в 2002 году как часть Tate Gallery «Shopping: Век искусства и потребительской культуры».
К 1962 году поп-артисты начали выставляться в коммерческих галереях в Нью-Йорке и Лос-Анджелесе; для некоторых это было их первое коммерческое шоу.
Галерея Ferus представила Энди Уорхола в Лос-Анджелесе (и Эда Руша в 1963 году). В Нью-Йорке в Зеленой галерее были представлены Розенквист, Сигал, Ольденбург и Вессельманн. Stable Gallery показал Р. Индиану и Уорхола (в его первой выставке в Нью-Йорке). Галерея Лео Кастелли представила Раушенберга, Джона и Лихтенштейна. Марта Джексон показала Джима Дайна, а Аллен Стоун показал Уэйна Тибо. К 1966 году, после закрытия Зеленой галереи и галереи Феруса, Галерея Лео Кастелли представляла Розенквиста, Уорхола, Раушенберга, Джона, Лихтенштейна и Руша. Галерея Сидни Дженис представляла Ольденбурга, Сигала, Дайна, Вессельманна и Марисоль, в то время как Аллен Стоун продолжал представлять Тибо, а Марта Джексон продолжала представлять Роберта Индиана.
В 1968 году на выставке Сан-Паулу «Окружающая среда США: 1957–1967» была представлена выставка «Кто есть кто» в поп-арте. Рассматриваемая как суммирование классической фазы американского периода поп-арта, выставка курировалась Уильямом Сейцем.
Художниками были Эдвард Хоппер, Джеймс Гилл, Роберт Индиана, Джаспер Джонс, Рой Лихтенштейн, Клас Олденбург, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол и Том Вессельманн.
Ольденбург
Клас Ольденбург. Мягкая печатная машинка. 1963. Хoлст, aкpилoвыe кpаски, хлопкoвoe вoлoкнo, деревянные oснова и детали, шпагaт. 23х66х70см. Частная кoллeкцияВ 1961 году Клас Ольденбург, сын европейского дипломата и нью-йоркский художник, арендовал помещение небольшого магазинчика в Нижнем Манхэттене и превратил его в действовавший около года инвайронмент — окружающую среду из своих произведений, которые продавались всем желающим. Произведения были созданы из разрисованного гипса, объединяла их не только технология — разбрызгивание краски по поверхностям, но и тема: это были имитации вещей и продуктов, обычно продающихся в дешевых магазинах. Как Джаспер Джонс, «Новые реалисты» и духовные отцы всех евро-американских работников с предметом сюрреалисты, Ольденбург выбрал источником своего вдохновения муляжи в витринах магазинов.
В отличие от «Новых реалистов», которые занимались аранжировкой подлинных вещей, эстетизируя рэди-мэйд, Ольденбург творчески интерпретирует своих непосредственных предшественников в Нью-Йорке, прежде всего Джаспера Джонса, создавая рукотворный
«готовый объект», то есть извращая рэди-мэйд. Как и упомянутые выше художники, Ольденбург делает ценными, перенося в пространство искусства, неказистые реплики расхожих, поношенных, бывалых спутников человеческой жизни, имитации надкушенных лакомств, иногда просто мусор. Однако его «Чизбургеры со всякой всячиной» или «Гигантское мороженое», названное в 1962 году после выставки в галерее Green напольной скульптурой, разительно отличались от продукции как Джонса, так и Армана или Споерри своей очевидной антитрадиционностью, новым пониманием того, как надо делать современное искусство. Если Джонс формовал электрическую лампочку в мастерской скульптора, а «Новые реалисты» создавали из бедных предметов красивые дизайнерские композиции для музеев актуального искусства и новейших интерьеров, то Ольденбург нашел способ так «портретировать» вещи, что антиэстетическая суггестия образов выводила за собой искусство обратно на улицы.
Ольденбург перешифровал ритм реальности без потерь, многократно его усилив и драматизировав.
Ольденбург говорил о том, что хочет творить, как природа, и ему реально удались новые объекты с такой мощной энергетикой, которая позволила исследователю творчества художника Дж. Челанту назвать их «живорожденными» (ready-born), а не «сделанными» (ready-made). К этому результату Ольденбург приходит благодаря двум гениальным решениям. Во-первых, он переносит глубоко личную жестовость абстрактно-экспрессионистической фактуры из общественной сферы музейной живописи, где спонтанное и искреннее высказывание уже находится под подозрением, в среду обыкновенных предметов, где нет необходимости притворяться. Таким образом, Ольденбург спасает живописность и инвестирует художественную энергию Поллока в новую сферу. Ольденбург в этом отношении выполнил программу другого американского художника, Алана Кэпроу, который в статье 1958 года для журнала «Art News» так оценил перспективы поллоковской традиции: «Поллок… оставляет нас там, где мы оказываемся
Клас Ольденбург.
Сладости 1. 1961-1962во власти или даже в ослеплении от предметов повседневной жизни, собственного тела, одежды, комнат или, если потребуется, пространства 42-й улицы. Не будучи удовлетворенными тем, как краска выражает другие наши чувства, мы используем особенную субстанциальность зрения, слуха, движений, людей, запахов, касаний. Предметы любого сорта — материалы нового искусства: краски, стулья, еда, электрические и неоновые лампы, дым, вода, старые носки, собака, кино, тысячи других вещей, которые еще откроет настоящее поколение художников. Эти смелые творцы не только покажут нам, словно впервые, мир вокруг нас, который мы не замечаем, они откроют совершенно неслыханные явления (хэппенинги) и события в мусорных бочках, полицейских файлах, вестибюлях отелей… Все станет материалом для нового конкретного искусства». (В 1961 году Кэпроу превратил задний двор галереи Марты Джексон в абстрактный инвайронмент по Поллоку, хаотично завалив его автомобильными покрышками, кое-где тронутыми краской.
) Во-вторых, Ольденбург последователен в подходе к фактуре: живопись жеста ложится не на музейную бронзу, как в скульптуре Джаспера Джонса, представляющей памятник двум банкам пива, а на родные улице по смыслу, по судьбе гипс, мешковину и упаковочный картон. Причем эти дешевые материалы художник показывает героическими, максимально «накачав» объем и площадь фактуры, сделав поверхность мороженого из разрисованного холста, набитого поролоном и картонными коробками, огромной и драматической. И любой зритель, попавший в «Магазин» или на выставку объектов Ольденбурга, обнаруживал себя в окружении монументальных образов из собственной повседневной жизни.
В «живорожденных» муляжах Ольденбурга, кажется еще искаженных родовой судорогой, образ современности становится суггестивно авторским, уникальным, биографическим, апеллируя вместе с тем к универсальному опыту большинства обитателей мегаполиса, тех, кто никогда не был в художественном музее и знаком лишь с низовыми уровнями городской жизни.
Ольденбург сумел придумать и реализовать такую новую скульптурную форму, которая, будучи монументальной и мемориальной, сохранила себя живой, незапакованной, открытой взгляду и ждущей прикосновения, как готовая к использованию функциональная вещь, но и при этом была эстетически взрывной, поскольку чего- чего, а привлекательности в объектах Ольденбурга не было вовсе, скорее, всем своим видом они предупреждали о стрессе городской жизни, как предупреждают о возможности наткнуться на оголенный электропровод. Между «Магазином» и улицей установилась энергетическая связь, совершенно необходимая для более пристального и глубокого понимания необратимых перемен, изменяющих все в мире.
Отправившись в путешествие по цветущей Калифорнии в 1963 году, Ольденбург неожиданно меняет жизнеутверждающую тональность своего раннего творчества. Его новое произведение под названием «Спальня» входит в историю как памятник серийной энтропии. Это повторение настоящего гостиничного интерьера, в котором фактуры панельных покрытий, покрывал, абажуров, мебельных тканей передает один материал — резина с модными узорами под зебру или леопарда в синтетических голубой или розовой гаммах. Подлинность жизни неказистых ранних произведений здесь начинает вытеснять анилиновая раскраска. Холодный ровный блеск резиновых поверхностей напоминает о стандартных морозильных камерах морга.
Уорхол
Энди Уорхол. Большая банка супа Тома Кэмпбелла (oвoщнoe pary). 1962. Xoлст, маслo. 274 х 152 cм. Чaстнaя кoллекцияГлавным действующим лицом в новой истории американского искусства по праву считается Энди Уорхол.
Энди Уорхол, наверное, самая известная фигура в поп-арте. Фактически, искусствовед Артур Данто однажды назвал Уорхола «самым близким к философскому гению, которого породила история искусства». Уорхол пытался превратить поп-арт за пределы художественного стиля в стиль жизни, и его работа часто демонстрирует отсутствие человеческого влияния, которое обходится без иронии и пародии на многих его сверстников.
Вскоре после 1960 года он становится лидером так называемого поп-арта. Для Уорхола такой ход был более органичен, чем для других, поскольку он по образованию и призванию был не художником-живописцем, а дизайнером (в смысле fashion designer) и специалистом по моде и рекламе.
Использование рекламного дизайна как месторождения ресурсов для современной живописи начинает в Нью-Йорке в 1961-1962 годах Энди Уорхол, который уже лет десять как был признанным профессионалом в рекламной графике и мог на свои гонорары покупать дорогое актуальное искусство, например Джаспера Джонса. В 1962 году на выставке в Лос-Анджелесе он показывает 32 картины одного формата, размещенные четырьмя рядами по восемь штук в каждом с равными интервалами. На каждом холсте вручную изображена банка консервированного супа фирмы «Кэмпбелл», точнее, одна из серии банок, поскольку содержание
Энди Уорхол. 80 двухдолларовых банкнот. 1962супа, указанное на этикетке, всякий раз новое: куриный с лапшой, луковый, мясной, томатный, овощной с индейкой и т. д. Примечательно, что под рядами картин прибиты длинные полки, словно бы картины стоят на них, как продукты в супермаркете. Этот последний штрих, этот прием инсталлирования также был нов. Сама идея перерисовать разрекламированный продукт уже была освоена Фернаном Леже, Стюартом Дэвисом и Джеральдом Мёрфи в 1920-е годы. В предмете изображения, то есть банке супа, не было ничего нового: наоборот, это был классический, старинный бренд. По сведениям Кирка Варнедо, в 1961 году фирма отметила, что цена такой банки неизменна уже тридцать девять лет, а упаковка и этикетка были созданы еще в 1912 году и с тех пор тоже не менялись. Таким образом, Уорхол использовал в качестве прототипа, в сущности, академический образ. Но представление этого образа было новым: в пространстве галереи картины были показаны как серия товара одного наименования в супермаркете.
Поп-арт — это движение, направленное против картины, против музея, против эстетизма. Техника в поп-арте не важна: можно использовать фотографию и печатную графику, шелкографию или живопись.
Энди Уорхол. 129 пoгибших в реактивном самолете. 1962Дело не в средствах, так что специальной оппозиции против живописи тут не было. Можно и кистью писать, а можно и не писать. Средства (медии) художника не ограничены. Главное — произведение должно вводить нас в средоточие потребительского общества с его вещами и массовыми коммуникациями. Уорхол изображает товары массового спроса и долларовые банкноты, звезд кино, физиономии сенсационных личностей разного рода, аварии на дорогах, бутылки кока-колы и другие сюжеты, демонстративно принадлежащие к сфере самой пахучей массовой культуры. Живописание в обычном смысле (как эстетический, освященный музейной мифологией акт) здесь, разумеется, отсутствует. Умелое и основательное выделывание живописной фактуры, которое увлекало Джаспера Джонса, даром не нужно Уорхолу. Чаще всего берется фотография и посредством каких-либо технических приемов воспроизводится множество раз либо увеличивается до огромных размеров. Если изображение пишется кистью, то это полугладкая условная скоропись, как в рекламных щитах. Принцип тиражирования (один из принципов массовой культуры) строго соблюдается, и довольно часто применяется техника шелкографии.
Характерным образом Уорхол объявляет, что хотел бы сделаться машиной и видеть вокруг себя также машины, и чтобы все люди думали и чувствовали бы одинаково, и всем были бы приятны вещи вокруг них. Уорхол предлагает искусству не играть в героизм, не противостоять данному типу цивилизации, не приставать к современному человеку с напоминаниями о «вечных ценностях» и «великих истинах». Они, быть может, даром не нужны этому самому человеку. Лучше подружиться с ним, но не настырно и
Энди Уорхол. Золотая Мэрилин Монро. 1962истерично, как идеологи (любовь которых к людям столь же отвратительна, как и ненависть). Художнику и интеллектуалу надлежит быть отстраненным, ироничным, прохладным и благодушно безразличным. To be cool — вот выход из положения.
В 1964 году в Нью-Йорке в галерее «Bianchini» Уорхол участвует в выставке, которая прямо названа «Американский супермаркет», где художники показывают и продают имитации товаров. Он предлагает вниманию зрителей деревянные кубы, имитирующие упаковки кетчупа «Хайнц». Уорхол первым поднял тему, очень модную в начале XXI века благодаря тому, как ее в 1998 году емко сформулировал Мишель Уэльбек: мир как супермаркет.
На это подлинно философское открытие Уорхола нашлось множество критиков, которые хотели видеть мир принципиально другим. Так, уничижительному разбору художник подвергся в работе советского эстетика Михаила Лифшица под названием «Феноменология консервной банки» (1968), подразумевающим свысока, что изображение консервной банки никак не может быть художественным феноменом, вместилищем онтологического смысла. Лифшиц стремился продемонстрировать, насколько ничтожным является конец западного искусства и философии, одним из лозунгов которой был призыв основателя феноменологии Эдмунда Гуссерля «Назад, к самим предметам!», нацеленный на спонтанное выявление сферы чистого сознания, смысловой сферы восприятия, где интерферируют пространства сознания и предмета. Из текста Лифшица следовало, что художник показывает полную девальвацию культурного сознания западного общества, посвятившего себя бессмыслице и банальщине. Лифшиц как опытный пропагандист соцреализма делал неявными два важных обстоятельства. Во-первых, он намеренно не замечал, насколько глубоко серийность проникла во все циклы современного художественного производства, в том числе и соцреалистического; во-вторых, он предпочитал умалчивать о том, что поп-арту принципиально чужд феноменологический подход, которому следовали как раз художники-модернисты 1950-х годов. Уорхол предложил иной способ понимания мира, антипатичный модернистским живописцам: сознание индивида не обволакивает уникальный предмет, но через серийный предмет адаптируется к имперсональной реальности машинной цивилизации. Уорхол был первым, кто представил необратимость положения вещей, кто констатировал глобальное проникновение усредняющих признаков современной цивилизации в жизнь каждого человека. И более того, он предложил по крайней мере два способа отношения к этим фатальным изменениям культуры и общества. Первый способ заключался в том, что можно любить и разделять с другими мир, в котором живешь. Уорхол неоднократно заявлял, что изображает деньги, Элвиса и суп «Кэмпбелл» именно потому, что все это ему очень нравится, составляет его жизнь точно так же, как и жизнь множества его сограждан, вне зависимости от их социального положения. Художник, навигатор в мире уже готовых поп- образов, мимикрирует под анонимного производителя массовой культуры, предлагая зрителю разделить процесс коллективной социальной динамики образа.
Однако, иронично демонстрируя общедоступность искусства, провоцируя зрителя думать, что художником легко может быть каждый, Уорхол в тиражных повторениях банок супа, долларов, цветов, газетных фотографий Джекки Кеннеди и Мэрилин Монро «отправлял» образ в жизнь с непременным авторским вмешательством. Свидетельства этому очевидны: и ранние тщательные изображения банок, любовно пройденные кисточкой, и долларовые банкноты, в набросках проработанные карандашом, и светские портреты таких поп-звезд, как коллега Рой Лихтенштейн или певец Мик Джаггер, в каждом из которых по основе из фотоснимка, переведенного в большой формат и растиражированного шелкографским способом, Уорхол сделал финальную композицию линиями акриловой краски, типически выделяя характер и значение личности портретируемого. Так, в портрете Лихтенштейна Уорхол голубым контуром акцентирует глаза и брови, очертания лица, никак не дифференцируя обширные телесные поверхности лба, щек и
Энди Уорхол. Консервная банка от кэмпбелловского супа. 1968подбородка и словно бы выводя изображение в сферу пространственной пустоты, кругл ости, где остается один внеличностный взгляд, сканирующий всю эту сферу с постоянной пристальностью. Трудно представить себе более адекватный портрет художника, который к 1962 году изобрел увеличенные и тем самым пространственно опустошенные и очищенные для медитативного смотрения имперсональные паттерны поп-культурного трэша.
В 1963 году Уорхол повторяет прием многократного тиражирования образа, воспроизводя, опять-таки маслом на холсте, в черно-белом варианте изображение Джоконды под названием «Мона Лиза (Тридцать лучше, чем одна)». В вертикальный формат вписаны пять рядов по шесть портретов в каждом. Уорхол и здесь делает предметом своего рисования-тиражирования универсально известный образ: портрет Джоконды, должно быть, единственная картина в мире, к которой тянется ежедневная очередь. В качестве предмета потребления образ Джоконды, встречающийся на открытках и значках, не уступает продуктам повседневного спроса, таким как еда и одежда. Уорхол демонстрирует два смысловых аспекта нового массовидного образа реальности: он тиражей, доступен каждому; он пуст и не доступен никому, поскольку глаз не может сфокусироваться, видя множество идентичных объектов, не может идентифицировать оригинал, прообраз. Зоологам известен эффект множества одинаковых особей, которые всей поверхностью стаи как зеркальный экран отражают взгляд хищника. Уорхол предъявляет взгляду образ множества как пустоту, визуальную мантру, повторяя которую человек свободно движется через границы мира-как- супермаркета, поскольку они становятся прозрачными.
Подобно британским поп-артистам и «Новым реалистам», Уорхол практикует экологический подход к
Энди Уорхол. Оpанжевая автoмo6ильнaя aвapия, 10 пoвтopeний. 1963реальности, занимаясь ресайклингом внешности вещей и имиджей поп-культуры. Однако его система имеет одно важное отличие. Если в британском поп-арте медиа-образ подвергается очевидной иронической критике и никогда не воспринимается как нейтральная, «ландшафтная» деталь современного мира, если Арман, Сезар и Споерри с такой же иронией компонуют предметы, выдавая их скопления за произведения авторского искусства, Уорхол демонстрирует парадоксальную позицию. Она равно дистанцирована от любого тиражированного имиджа, взятого на воспроизведение, будь то репортажный снимок расовых волнений, будь то бесконечные ряды бутылок кока-колы; она сохраняет свободу от предмета изображения, и вместе с тем это — метапозиция всеприятия, признающая, следовательно, свободу и за предметом изображения. Если модернистское искусство стремилось изменить мир, в частности, улучшить его или сделать его иным, совершая мысленное и физическое насилие над предметом, Уорхол указывает, что мир — это данность, что взаимодействие с миром должно быть осторожным, «акупунктурным».
Лихтенштейн
Рой Лихтенштейн очень важен для американского поп-арта. Его работа и использование пародии, вероятно, определяет основную предпосылку поп-арта лучше, чем любая другая. Выбрав старомодный комикс в
Рой Лихтенштейн. Такка-Такка. 1962качестве предмета, Лихтенштейн создает четкую композицию с резкими краями, которая документирует и в то же время мягко пародирует. Лихтенштейн использовал масло и краску Magna в своих самых известных работах, таких как «Drowning Girl» (1963, на превью), которая была взята из главной истории в комиксах «Тайные сердца». (Работа входит в коллекцию Музея современного искусства.) Его работы отличают толстые контуры, смелые цвета и точки Бен-Дея для представления определенных цветов, как будто они созданы при фотографическом воспроизведении. Лихтенштейн сказал: «[абстрактные экспрессионисты] положили вещи на холст и отреагировали на то, что они сделали, на цветовые позиции и размеры. Мой стиль выглядит совершенно по-другому, но природа отрисовки линий почти такая же; моя просто не выгляди каллиграфически, как у Поллока или Клайна». Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, добавляя в смесь юмор, иронию и узнаваемые образы / контент.
Рой Лихтенштейн. М — может быть. 1965Изобретение Лихтенштейна, основанное на использовании комиксов, соответствовало второму способу отношения к современности, предложенному Уорхолом специально для тех, кто не может полюбить эту современность. Этот способ заключается в фильтрации или абстрагировании попсового образного смога, каждый день того же самого, с целью достижения прозрачности мира и собственного сознания.
Рой Лихтенштейн. Портрет мадам Сезанн. 1962Лихтенштейн придумал несколько приемов, позволяющих повысить формализацию изображения, нейтрализуя содержание комикса: он превращает в видимую основу растровые точки, за которыми, если перенастроить глаза, раскрывается всегда одна и та же пустота основы; кроме того, он исправляет композиции комиксов, освобождая их от суеты сюжета. Абстрагирование образов, открытых 24 часа и размножающихся в геометрической прогрессии, позволяло вобрать взглядом всю эту урбанистическую мультипликацию реклам, витрин и по-новому освоить «расширенное смотрение», освобождающее сознание от мелких подробностей, открывающее вечность Ничто за кипением симулякров.
Картины Лихтенштейна, как и картины Энди Уорхола, Тома Вессельмана и других, имеют прямую привязанность к общепринятому образу американской массовой культуры, но в то же время относятся к предмету безлично, ясно иллюстрируя идеализацию массового производства.
Розенквист
Американский художник и один из крупнейших представителей поп-арта. Опираясь на его опыт работы в знаковой живописи, произведения Розенквиста часто исследовали на предмет роли рекламы и
Джеймс Розенквист. F lll. 1964-1965. Холст, маслo. 305 x 2621 см. Hью. Йоpк, Мyзей сoвpeменнoгo искyсства. Даp мистеpa Алeксa Л. Хиллмана и миссис Лилли П. Блисспотребительской культуры в искусстве и обществе, используя методы, которые он изучил, делая коммерческое искусство для изображения популярных культурных икон и обыденных предметов. Хотя его работы часто сравнивают с работами других ключевых фигур поп-арта, таких как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, произведения Розенквиста были уникальны тем, что они часто использовали элементы сюрреализма, используя фрагменты рекламы и культурные образы, чтобы подчеркнуть подавляющий характер рекламы.
Розенквист учился в одной школе вместе с Ольденбургом и Робертом Индианой, а затем вместе они посещали уроки рисования. Лишь после этих занятий Розенквист нашел себя в рекламе.
Розенквист не боялся соприкосновения с коммерческим искусством. Он создавал картины, используя техники, изученные им во время работы рекламным художником. Решение увеличивать размер живописной
Джеймс Розенквист. Джоан Кроуфорд.1964поверхности так сильно, чтобы зрителю не удавалось охватить ее одним взглядом, также основывается на хитроумных рекламных стратегиях. Искусственный мир работ Розенквиста не имеет отношения к обычным проявлениям реальности, в том числе к природе, их заменяет искусственная действительность популярной культуры, захватывающая и одновременно угрожающая.
Розенквист крадет у рекламы ее убедительность, содержание и функцию. Неожиданно она превращается в эстетический феномен.
Работы Дж. Розенквиста, как правило, представляют собой соединение разорванных, созданных в различных пропорциях изображений, которые мастер умело комбинирует и противопоставляет, создавая при этом смысловые композиции, зачастую воспринимаемые абстрактным или провоцирующим образом. Кроме произведений живописи, работал в области коллажа, графики и рисунка. Работы Дж. Розенквиста оказали существенное влияние на творчество ряда художников последующих поколений.
Вессельман
Вессельман в начале своей творческой карьеры увлекается экспрессионизмом, затем пишет свои картины в
Том Вессельман. Kvpильщик 1 (Pот №2). 1967. Xoлст. маслo. 2 чacти. 277х216 cм. Hью-Йopк, Myзeй оoвpемeннoгo искyсствa, фoнд Cьюзeн Mopзe Хиллeсстиле поп-арт, став одним из крупнейших представителей этого направления. Мотивацию для своих работ, изображающих в основном обнажённое женское тело в различных сексуальных положениях, Художник подыскивал в рекламных материалах 60-х — 70-х годов XX века — в постерах, проспектах, плакатах, кинематографе. Начиная с 1983 года он работает и по металлу, вырезает свои рисунки на металлических плитах лазерным лучом.
Особенно репрезентативны произведения Тома Вессельмана из серии «Великая американская обнаженная», в которых художник изображает нечто вроде стандартной потребительской корзины популярных имиджей, куда
Том Вессельман. Пейзаж № 2. 1964. Хoлст, фoтoгpaфия, мaслo, плaстик. l93 x 239 см. Kёльн, Мyзей Людвигaвходят символы универсального эротического соблазна, государственной власти и достатка. Причем от 1961 года, когда серия начинается, к середине 1960-х годов репрезентация соблазна современной жизни становится все более плотной и одномерной. Если в ранних картинах художник представляет высшую метафорическую степень власти, оперируя знаками американского флага и высокой культуры (Вессельман стилизует в первых «Обнаженных» натуру Матисса), то в более поздних работах он переходит от живописи к инвайрон- ментам, используя в них реальные предметы, фотообои, в данном случае выполняющие свое второе назначение — служить суррогатным видом из окна. В исполнении Вессельмана мир абсолютно доступен и, со второго взгляда, абсолютно пуст, в смысле неодушевлен. Населенным по-человечески его не делает даже включение живого тела. Будучи поровну разделенным на всех, мир теряет качество воображаемой глубины, внутренней или душевной проекции, интроспекции.
- Андреева Е.Ю. Постмодернизм : искусство второй половины XX — начала XXI века. — СПб., 2007.
- Хонеф К. Поп-арт. — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2005.
- https://en.wikipedia.org/wiki/Pop_art#United_States
Вконтакте
Google+
LiveJournal
Одноклассники
Мой мир
Кухня в стиле поп-арт — 60 фото идей стильного дизайна
Уже на протяжении целого века, огромной популярности набирают такие модные течения, как поп-арт и дизайнерские решения позволяют вполне удачно воплотить данный стиль в интерьере современного дома и/или квартиры.
Стиль поп-арт в интерьере представляет собой различные переходы от абстрактной формы и идеала к конкретному, реальной вещи и продукту массовой необходимости, отличается яркими цветами и не всегда стандартными решениями относительно привычных вещей.
Особенности и практическое применение стиля поп-арт на практике
Помещения, которые выполнены в этом стиле, имеют свои особенные, оригинальные взгляды на обыкновенные вещи, при чем здесь внимание акцентируется на провокациях.
Стоит заметить тот факт, что для выполнения помещений в стиле поп-арт значительно экономят средства и силы владельцам.
Хоть данный стиль возник еще в прошлом столетии, но, тем не менее, он пользуется огромной популярностью и сейчас, набирая еще большей актуальности.
И пользуется огромным спросом у многих людей во всем мире. Многие граждане пользуются этим стилем во многих своих помещениях квартир. К примеру, очень часто в стиле поп-арт выполняется именно кухня.
Возможно ли оформить в стиле поп-арт кухню своего дома (квартиры)?
Именно этот стиль берет свое начало в огромном перенасыщении на информационных фонах, во время рекламного плаката, экрана телевизора, страницы журнала или газеты, красочные картинки актера или певца.
Именно все эти материалы показывают и предоставляют информацию о том, что необходимо кушать, пить.
Интерьер кухни в стиле поп-арт, представляет собой огромное количество красочных элементов, которые дополняют друг друга и тем самым показывают единую картину, которая присутствует в кухне.
Дизайн кухни в стиле поп-арт, имеет свои особенности, к самым распространенным элементам интерьера является расположение банок, коллажи. Именно эти элементы отражают то, что было необходимо потребителям того времени.
В интерьере кухни могут присутствовать различные коллажи и панно в виде гамбургеров или же иной еды, возможно присутствие портретов знаменитостей, которые выполнены в особых графических стилях.
В случаи, если гражданин намерен обустроить свою кухню в данном стиле, он может воспользоваться фото кухни в стиле поп-арт, которые можно отыскать в интернете.
Акценты в процессе оформления кухни в стиле поп-арт
Особенностью кухни в этом стиле являются присутствие акцентов, деталей и аксессуаров. При этом стоит заметить, что поп-арт достаточно дешевый стиль, и не требует огромной траты денег.
Так как для обустраивания кухни в этом стиле используют лишь пластиковые, бумажные, синтетические и стекловые материалы.
Стоит заметить тот факт, что полы, стены и потолки в кухни могут также выполняться в стиле поп-арт. При этом, стоит учитывать то, что использовать необходимые материалы нужно лишь в меру.
Так как переизбыток может привести лишь к нежелательному результату. Именно поэтому для обустраивания кухни можно воспользоваться услугами опытных дизайнеров.
Также рекомендуем:
Дизайнеры за короткий промежуток времени предоставят несколько экземпляров фото интерьера кухни в стиле поп-арт, благодаря которым владелец кухни сможет выбрать для себя подходящий.
Насколько стиль поп-арт хорош для организации интерьера кухни?
Стоит отметить тот факт, что далеко не всем может и приглянется совершенно искренне идея о том, чтобы организовать пространство своей кухни в стиле поп-арт, однако, такие смелые решения потешат тех, кто тяготеет к нестандартным решениям и привык к общей экстравагантности момента.
Фото кухни в стиле поп-арт
Также рекомендуем:
Также рекомендуем:
Food Coursework Guide — Student Resource
Для начала… сфотографируйте людей, которые едят
Еда — такая большая тема. С чего начать? Самое замечательное в искусстве о еде — это то, что она окружает вас повсюду. Источником вдохновения могут быть даже самые скромные закуски или повседневные семейные трапезы.
Эдвард БурраЗакусочная 1930 г.
Тейт
© Поместье Эдварда Бурра, любезно предоставлено Lefevre Fine Art, Лондон
В закусочной , Эдвард Бурра переводит обычную сцену, когда люди едят, в сцену юмористического напряжения, поскольку пара, заправляющая свои закуски, выглядит почти зловеще в резком освещении интерьера кафе.В то время как Джонатан Лирман превращает сцену приготовления семейной еды в хаос и опустошение в своей картине A Jan Steen Kitchen 1995-6. Фотография Уты Барт Untitled представляет гораздо более спокойную картину приема пищи. Неожиданное кадрирование фотографии создает простую, но удивительно мощную композицию, в которой манящий яркий красный цвет вишни, отражающийся в накрашенных ногтях руки, держащей ее, становится предметом работы.
Голодный? Посмотреть все произведения искусства, связанные с едой, в нашей коллекции
Текстуры, цвета и формы
Claes OldenburgПицца Пирог 1964 г.
Галерея Тейт
© Клас Ольденбург
Художник Клас Ольденбург черпал вдохновение в простой пицце, воссоздавшей ее грубую пузырящуюся поверхность в Pizza Pie с несколькими шаткими отметинами и ярко-красным цветом.В Counter and Plates with Potato and Ham он превращает эту скромную трапезу в роскошную абстрактную поверхность — удовольствие от еды, отраженное в его чувственном использовании цвета и текстуры.
Прунелла Клаф вплотную приближается к своему объекту в Pimentoes . Используя простые линии, она исследует формы семян и структуру разрезанного пополам перца, переводя их в почти абстрактный узор форм и линий.Клаф внимательно присматривается — другие художники отступают, чтобы использовать формы, текстуры и цвета фруктов в качестве источника для абстрактных композиций. Используя смелые дополнительные цвета, Мэтью Смит превращает свой фрукт в блюде в мощную гудящую композицию. Кубисты игриво возятся с формами и текстурами еды в своих натюрмортах и коллажах. В картине Пикассо «Ваза с фруктами, скрипка и бутылка 1914» виноград был уменьшен до скопления изогнутых отметин, яблоко — до простой кривой, в то время как другие объекты на картине, кажется, принимают текстуры фруктов — напоминающие неровности и точки. поверхности апельсина.
Давай, поп!
Энди УорхолЧерная фасоль 1968 г.
Tate
© 2021 Фонд Энди Уорхола для визуальных искусств, Inc. / Лицензия DACS, Лондон
Энди Уорхол
Коробка с супом Кэмпбелла 1985 1985 г.
КОМНАТЫ ДЛЯ ХУДОЖНИКОВ Галерея Тейт и Национальные галереи Шотландии
© 2021 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./ Лицензия DACS, Лондон
Поп-артисты также исследовали текстуры и цвета продуктов питания, особенно упаковки для пищевых продуктов. Пожалуй, самым культовым представлением еды в народе являются консервные банки Энди Уорхола, представленные в Black Bean . Британский поп-исполнитель Эдуардо Паолоцци также включил еду в свои коллажи. Газированные напитки и тарелки с едой соседствуют с другими журнальными изображениями идеального образа жизни и блестящих предметов роскоши.
Мишель МайерусФри 2001 г.
Тейт
© Поместье Мишеля Майеруса, любезно предоставлено neugerriemschneider, Берлин
В духе поп-арта художник Мишель Майерус демонстрирует коробку чипсов в Fries 2001 вместе с логотипами и продуктами массового производства … но использует эти образы, чтобы прославить молодые субкультуры, которые используют образы консьюмеризма как символы идентичности, а не подрыв потребительской культуры, как это сделали поп-артисты.Дэмиен Херст также был вдохновлен упаковкой в его серии репродукций о еде «Тайная вечеря». Для них он использовал упаковку, обычно ассоциирующуюся с лекарствами, но заменил название лекарства названием еды, традиционного для британской культуры кафе рабочего класса, например, «солонина», «колбасы» или «бобы» и «чипсы». ‘превращение еды в торговую марку путем добавления знаков отличия ®, TM или декоративной машинописи.
Дэмиен ХерстПельмени 1999 г.
Тейт
© Damien Hirst and Science Ltd.
Дэмиен Херст
Гриб 1999 г.
Тейт
© Damien Hirst and Science Ltd.
Яркие цвета и простые формы поп-арта можно увидеть в картинах и гравюрах Патрика Колфилда, чьи работы, вдохновленные кулинарией, такие как Sweet Bowl и Bananas and Leaves , исследуют декоративные аспекты форм и цвета.
Играйте с едой
Художница YBA Сара Лукас — художница, которая любит играть со своей едой. В Автопортрет с жареными яйцами, , одной из серии, в которой она изображает себя взаимодействующей с едой, она представляет личность, которая бросает вызов стереотипным представлениям о гендере и сексуальности. Представляя себя одновременно жесткой и мужественной, но женственной (с юмором используя яичницу, чтобы подчеркнуть грудь), она создает образ вызывающей женственности.
Художники-сюрреалисты часто использовали знакомые предметы, но представляли их неожиданным образом или помещали их в неожиданную обстановку, чтобы создать тревожные образы. (Психолог Люсьен Фрейд, оказавший огромное влияние на сюрреалистов, назвал это «сверхъестественным»). Марсель Дюшан поместил кубики сахара в клетку, чтобы создать странно поэтическую и странную скульптуру Почему бы не чихать розу Селави? ; В основу своей картины « Swiss Roll » Хамфри Дженнингс положил созданный им коллаж, в котором он наклеил изображение угощения за чашкой чая на картину швейцарской горы Маттерхорн.
В своей серии Curious художник Ричард Дикон изобретает серию комических персонажей на основе деформированных фруктов и овощей, странные формы которых напоминают человеческие черты.
Пища для размышлений
Не только формы, текстуры и цвета — или упаковка — пищевых продуктов были предметом искусства, связанного с пищевыми продуктами. Художники часто используют еду символически, чтобы представить идею.Художник Виктор Гриппо воспевал силу скромного картофеля как основного продукта питания для бедняков мира. В Energy of a Potato он прикрепил электроды к картофелю, чтобы измерить его электрический заряд.
Художник-концептуалист Марсель Бродтаерс использовал мидии как символ своей национальной идентичности (мидии — национальная еда Бельгии). Для Daguerre’s Soup он сфотографировал ингредиенты изобретенного супа, чтобы прославить Луи Дагера, одного из изобретателей фотографии девятнадцатого века.
На фламандских натюрмортах шестнадцатого века еда — особенно фрукты — часто символизировала уходящее время и краткость жизни. Художник Сэм Тейлор-Джонсон обновил эту идею в своей работе Still Life 2001. С помощью покадровой цифровой видеозаписи она показывает традиционную демонстрацию фруктов, превращающихся на наших глазах в свернувшуюся массу гниющего вещества. Отрывок, представленный в виде цикла, представляет собой бесконечное повторение жизни и смерти.
Кейт Арнатт также использовал гниющую пищу в качестве темы своей серии фотографий Картинки с помойки . В своих фотографиях Арнатт часто превращает обычное и уродливое в нечто экстраординарное. Его фотографии разлагающейся пищи удивительно красивы. Цвета, текстуры, тщательно продуманные аранжировки и непостоянство изображений делают их похожими на натюрморты старых мастеров.
Голодный? Изучите искусство, связанное с едой, в нашей коллекции
The Art Of Pop Food
Когда я был маленьким мальчиком в середине семидесятых, я боготворил поп-артиста Энди Уорхола и Питера Макса.Банки с супом Кэмпбелла Уорхола и коробка Brillo, сделавшие его знаменитым, навсегда остались в моей памяти.
Я и не знал, что примерно через 40 лет влюблюсь в «бренд Cento Tomato». Их невероятно ярко-желтая банка San Marzano с красными оттенками лазурно-синего и зеленого взорвалась в сетях супермаркетов по всему миру. Моя семья, итальянка, всегда пользовалась брендом Cento на протяжении десятилетий не из-за их упаковки, а из-за того, что их помидоры Сан-Марцано самые лучшие в мире.У меня не было выбора, кроме как нарисовать одну из их банок в качестве оды Энди.
Взяв огромный холст размером 60/48 дюймов, я полностью запомнил, как изучал графику Cento с их банки. В моем законченном произведении определенно был фактор поп-удара, который я быстро назвал «Уорхол Никогда не делал Ченто!» Затем произошла серия брендовых картин, которые привлекли внимание Ченто в посте в Instagram. Примерно через пять лет я могу назвать семью Ченто своими хорошими друзьями, так как они собрали у меня более 10 оригинальных масел, охватывающих различные великолепные продукты от их легендарного бренда. Подробнее Food Pop ArtЭто подводит меня к большему количеству фуд-поп-арта.
Недавняя кончина невероятного таланта Энтони Бурдена потрясла всех нас. Зависимость трагична, и то, что мы видим снаружи, никогда не бывает правдой внутри. Его будет очень не хватать, и я был тронут и очень вдохновлен нарисовать его!
Затем мне нужно было нарисовать супер шеф-повара Энн Баррелл и ее динамичные волосы. Не обидно и то, что моя невестка так с ней дружит.Так что однажды летом это было несложно представить Энн. Честно говоря, она была очень удивлена.
Кроме того, я нарисовал латинского кулинарного магната Гойю. Я, наверное, ем пять или шесть банок их фасоли в неделю! Паста Barilla также одна из моих любимых, но я выпал из их списка поклонников из-за подстрекательских комментариев их генерального директора к ЛГБТ-сообществу. Это история для другого дня.
Марио Батали и споры вокруг негоТеперь я перейду к спору!
Я лично подарил эту картину Марио Батали импровизированно в его нью-йоркском ресторане PO около пяти лет назад.Он был несколько застигнут врасплох, приняв это, не каждый художник преследует знаменитого шеф-повара по Нью-Йорку утром в погоне за тем, чтобы бросить им в лицо огромную картину маслом в стиле поп! Тем не менее, он был любезен и любезен, приняв это.
Теперь, когда в нашей стране действует движение «Я тоже», и не зря, я спрашиваю мнение зрителей о Batali, есть ли оно у них. Заслуживает ли он своей нынешней участи? Просил ли он прощения и возмещения своих предполагаемых грехов? Дает ли Америка «Молто» второй шанс? Не стесняйтесь выражать и делиться своим мнением.Бесспорно важный разговор.
Что касается меня, да, я чувствую, что Марио совершил несколько больших ошибок, и на данный момент я уверен, что он их понимает. Если закон требует вмешательства, то можно начинать судебное разбирательство. Его огромная популярность дает ему платформу для перемен. Более важный вопрос — готов ли он пойти на этот риск, чтобы принести эту очень болезненную жертву, чтобы подняться на кухню и стать так называемым представителем бурной ресторанной индустрии? Его усилия могут иметь большое значение для исцеления и продвижения вперед платформы для здоровых позитивных изменений.Время покажет.
А вот какое мороженое я могу нарисовать сегодня!
MILOU
Перри Милу из Филадельфии, возможно, является одним из самых выдающихся поп-исполнителей страны, и коллекционеры приветствуют его яркие работы уже более 20 лет. Он известен прежде всего за его современное искусство поп-культуры, которое отдает дань уважения мировым иконам, американцам и знаменитостям. Посетите https://perrymilou.com/perry-milou-paintings/ , чтобы увидеть его уникальные зрелищные работы.
СвязанныеСкульптура еды в стиле поп-арт — Tanque Verde High
POP ART
«Whaam!» Рой Личтенштейн (масло и Magna — (акриловая смола) на холсте, 1963) Галерея Тейт, Лондон
Искусство Народная культура
Поп-арт был популярным искусством. культура. Это было движение изобразительного искусства, которое характеризовало чувство оптимизма. во время послевоенного потребительского бума 1950-х и 1960-х годов. Это совпало с глобализация поп-музыки и молодежной культуры, олицетворяемая Элвисом и Битлз.Поп-арт был дерзким, молодым, веселым и враждебным артистам. учреждение. В него вошли разные стили живописи и скульптуры из разных стран, но то, что их объединяло, было интересом к СМИ, массовое производство и массовая культура.
Уэйн Thiebaud (род. 15 ноября 1920 г.): Neapolitan Meringue , 1986/1999 — бумага, пастель поверх пробной литографии (Смитсоновский институт)
«Уэйн Тибо родился в Месе, штат Аризона. известные в Америке исполнители поп-музыки.Его культовые изображения еды, возможно, остановили с 1939 года как художник-фрилансер. С 1940 по 1941 год он написал карточки для Sears, Roebuck в Лонг-Бич, Калифорния. Во время службы в армии с 1942 по 1945 год, Тибо работал карикатуристом, создавая персонаж, Алек, для комикса «Wingtips».
Также расписывал фрески для офицерского клуба и почты. театр до того, как попасть в первый кинотеатр в Калвер-Сити, Калифорния. В 1946 году, работая карикатуристом, он стал рекламным агентом. художник в Голливуде для Universal Studios.В 1949 г. Тибо поступил в Калифорнийский государственный университет в Сан-Хосе и впоследствии переведенный в университет в Сакраменто, где он получил степень бакалавра искусств. в 1951 г. и степень магистра в 1952 г. С 1950 по 1956 год он работал в комиссиях на ярмарке штата Калифорния и Экспозиция, выступающая в роли консультанта по дизайну и искусству. Тибо преподавал студийное искусство и истории искусств в Городском колледже Сакраменто с 1951 по 1959 год, став председателем кафедры в 1954 г. С 1959 по 1972 г. преподавал в Университете г. Калифорния в Дэвисе.В 1968 году он представлял США в Сан-Паулу. Биеннале в Бразилии. В 1981 году Художественная ассоциация колледжей признала Тибо самым заслуженный учитель студии года. Он был избран в американский Академия художеств и литературы в 1985 году ». — Джоан Мозер Уникальные впечатления: Монотипия в Америке (Вашингтон, округ Колумбия и Лондон: Smithsonian Institution Press для Национального музея американского искусства, 1997)
Клас Ольденбург (1922-) и Кусье ван Брюгген (1942-2009)
«Спунбридж и Вишня», фото: Майк Хикс (алюминий, нержавеющая сталь и краска, 1985-88) Сад скульптур Миннеаполиса
Клас Ольденбург был поп-артистом, который тяготел к скульптуре больше, чем кто-либо из его современников.На старте 1960-х годов он был задействован в различных «Хепенингах»: спонтанных, импровизированных, художественные мероприятия, где опыт участников был важнее чем конечный продукт — своего рода встреча потребительского искусства с культурой потребления.
Ольденбург черпал вдохновение в изображения потребительских товаров В 1961 году он открыл «Магазин», где продавал гипсовые копии продуктов быстрого приготовления и ненужных товаров, грубо окрашенные поверхности были явной пародией на абстрактный экспрессионизм.Он использовал передний магазин «Магазин» как галерею, пока он пополнял свои запасы из своего студия в задней части магазина.
Работа Ольденбурга полна юмора ирония и противоречие: с одной стороны, он делает твердые предметы вроде раковины в ванной. из мягкого обвисшего винила, а с другой он делает мягкие предметы, как чизбургер из твердой крашеной штукатурки. Он также подрывает относительный размер объекты, беря мелкие предметы, такие как ложка и вишня выше, и воссоздавая их в архитектурном масштабе.Он сказал: « Мне нравится брать предмет и полностью лишить его функции. «Подрывая форму, масштаб и функция объекта Ольденбург противоречит его значению и заставляет зритель, чтобы переоценить его присутствие. Когда вы видите его масштабные общественные работы в их окружении они обладают мощным сюрреалистическим качеством, таким как Гулливер в Бробдингнаге.
Claes Oldenburg сотрудничал с Голландский / американский поп-скульптор Кусье ван Брюгген с 1976 года. Они поженились в 1977 г.Кусье ван Брюгген умер в январе 2009 года.
Поп-арт: правда или ложь
• Поп-арт был дерзким, молодым и веселым художественным движением 1960-х годов.
• Элвис и Битлз — самые известные поп-исполнители.
• Поп-арт совпал с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры.
• Поп-арт включал в себя разные стили живописи и скульптуры, но все они имели общий интерес к СМИ, массовому производству и массовой культуре.
• Хотя поп-арт зародился в Великобритании, по сути, это американский движение.
• Уэйн Тибо ЯВЛЯЕТСЯ одним из самые известные исполнители поп-музыки.
• Тибо начал свою карьеру кондитером.
• Клас Ольденбург был величайшим скульптором движения поп-арта, создавая много мелких общественных работ.
• Ольденбург создал скульптуры, такие как большой чизбургер, созданный из гипс, который он продавал в своем магазине быстрого питания.
_____________________________________________________________________________________________________________
Используя любую из изученных вами техник строительства из глины. и демонстрируя правильную конструкцию из глины, создайте:
Глина в стиле поп-арт Скульптура Еда на выбор
Рубрика:
1. Создайте из глины блюдо на свой вкус.
2.Вы должны работать с изображениями своей еды и создавать подробные чертеж вашего плана.
3. Еда не может стоять отдельно. Обязательно должна быть собственная глиняная тарелка или миска.
4. Еда должна быть не меньше реального размера.
5. Еда и блюдо должны быть созданы с использованием бланка и счета. техника и не более ½ дюйма толщиной в любой области.
6. Пищевые скульптуры должны быть максимально реалистичными.
7. Строительство и мастерство очень важны.
8. Должен быть окрашен или покрыт глазурью.
Картина акриловыми красками в стиле поп-арт «Треугольники» на банке
Вывод моей серии о еде в стиле поп-арт на более абстрактный уровень — это холст, на котором изображены три соседних блюда, имеющих одну общую форму — треугольник.
Итак, вы получаете кусок пиццы пепперони, ломтик арбуза и кусок швейцарского сыра, все они подвешены на моем фирменном небесно-голубом фоне и выделены жирными черными линиями.
Конечным результатом является яркое полотно в стиле поп / графика, отражающее цвет и форму еды. Представьте, как это круто будет смотреться на вашей кухне! Или в любой комнате дома, если вы любите приключения.
Он написан акриловыми красками на натянутом хлопковом холсте и подписан на оборотной стороне, как показано на рисунке.Его можно отображать как угодно.
Размер —
11 дюймов x 13,8 дюйма
28 см x 35 см
Приблизительно 0,7 дюйма или 2 см толщиной.
На создание подобных работ меня вдохновили такие классические поп-исполнители, как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Патрик Колфилд.
Почтовая оплата будет первого класса в картонном конверте.
Если у вас есть дополнительные вопросы, не стесняйтесь спрашивать меня. Я также могу сделать картины на заказ — используйте кнопку комиссии, чтобы связаться.
Использованные материалы:
Акриловая краска, Кисть, Ручки Posca
Теги:
# сыр треугольник # картина с сыром #поп-арт # акрил #домашний декор # акриловая живопись # искусство стены #холст #уличное искусство #дом #поп-арт #уникальный #кухня #еда #pop
Поужинайте, как Энди Уорхол, с этим меню в стиле поп-арта в Лондоне.
В лондонской галерее Тейт Модерн появилось привлекательное меню, предлагающее множество красочных сладких и соленых тарелок, вдохновленных Энди Уорхолом.
Желе из кока-колы Джон Аташро на уровне 9 © Tate EatsНа выставке Пикассо это были испанские яичные лепешки с айоли и французское крапио с беконом в меню. Сейчас, когда Tate Modern готовится к предстоящей выставке Энди Уорхола, Tate Eats представила меню «закусок» из сладких и соленых блюд, вдохновленное американским художником. Он состоит из блюд, которые Уорхол, возможно, заказывал, но не обязательно ел, по словам шеф-повара ресторана Level 9 музея Джона Аташру, который пошел ва-банк и провел обширное исследование жизни художника, составляя меню.
Бедствие с тунцом от Джона Аташру на уровне 9 © Tate Eats«Меня особенно интересовало социальное давление, которое испытывал Уорхол, когда он ел вне дома, а также еда как повторяющийся мотив в его работе и жизни», — сказал Аташру. «Мое меню основано на этом и включает в себя ряд кулинарных анекдотов, которые я обнаружил во время своего исследования. Было весело взять идею американской нездоровой пищи 1960-х / 70-х годов и переосмыслить ее с использованием ингредиентов и методов приготовления 2020 года».
Икра с Шахом от Джона Аташру на уровне 9 © Tate EatsМеню, состоящее из двух частей, будет включать четыре несладких и четыре сладких блюда, которые можно разделить и заказать всем за столом.Такие блюда, как «Катастрофа с тунцом» (вдохновленная одноименной картиной Уорхола), стоит рядом с роскошной «Икры с шахом», которая отдает дань уважения модным вечеринкам, на которых присутствовал Уорхол. Сладкая часть меню отдает дань любви Уорхола к пирожным: «Кукурузные хлопья Pannacotta» символизирует его любовь к популярным хлопьям для завтрака, а «Bringing Home the Bacon» — это творческий десерт из мороженого с дымным беконом и сливочного томатного супа.
Приносит домой мороженое с беконом от Джона Аташру на уровне 9 © Tate EatsМеню будет работать до 6 сентября 2020 года на уровне 9.Другие мероприятия Tate Eats будут включать мастер-классы по приготовлению мороженого, а любимый Уорхолом замороженный горячий шоколад будет доступен в кафе Tate Modern. Чтобы узнать больше о совпадающей выставке, см. Здесь.
Паннакота из кукурузных хлопьев от Джона Аташру на уровне 9 © Tate Eats Вам также может понравиться: Ретроспектива Энди Уорхола в Лондоне откроется в галерее Тейт в 2020 году Первый в мире ресторан с конвейерной лентой для сыра приземлился в ЛондонеСоздайте логотип с элементами граффити и поп-арта для бизнеса уличной еды.| Конкурс на дизайн логотипов
Нас интересуют комбинированные логотипы, включающие стилистический шрифт и изображения, а также возможность создания эмблемы. В целом, стиль должен сочетать в себе элементы поп-арта, граффити и комиксов, и мы хотели бы, чтобы дизайнеры исследовали использование пяти ключевых элементов: 1. «Dosa Days» написано печатными буквами в стиле граффити / комиксов. (Все заглавные буквы или их сочетание в зависимости от шрифта / внешнего вида.) Мне очень нравятся стили граффити «блокбастеры», выполненные Mitch 77 и Iz The Wiz.Поиграйте с 3D-эффектами, контурами, цветами (оранжевый / желтый и т. Д.). Должно быть смело и весело! 2. Небо — после небольшого исследования выяснилось, что синий цвет на самом деле не подходит для предприятий пищевой промышленности, но мы стремимся сохранить фон неба из-за образов, созданных «Досами Доса». Нам было бы интересно найти способы уменьшить количество синего с помощью различных рисунков, например, путем включения солнечных лучей и / или большего количества облаков. В качестве альтернативы небо может иметь более теплые оттенки восхода солнца. 3. Солнце (желтое / коричневое / золотое) — оно должно выглядеть / вызывать концентрические кольца или спираль, которые вы видите на доса.Пожалуйста, смотрите прикрепленные изображения. Это солнце могло быть частично видимым, наполовину видимым или полным. Здесь могут быть солнечные лучи, и хотя нам нравится стиль поп-арт (также прилагается), мы не хотим, чтобы он выглядел по-японски и потенциально сбивал клиентов с толку. (Лучи солнца могут быть оранжевыми и зелеными, чтобы вызвать индийский флаг, согласно приложению). 4. Cloud / s (пухлые и пушистые). Солнце может выступать из-за облаков, окружать надпись «Dosa Days», облака могут окружать «эмблему» и т. Д.5. Строка «Уличная еда Южной Индии» (нижний или верхний регистр в зависимости от дизайна шрифта / того, что работает). Это должны быть не печатные буквы, а более мелкие буквы с переходом между стилем «тега» граффити и повествовательным текстом комиксов. (без засечек). См. Прикрепленное изображение «Голос гетто» и отрывок из комикса Дика Трейси. Не желая усложнять задачу, если вы хотите использовать другие цвета, подойдет зеленый. Многие наши клиенты являются веганами и страдают глютеновой болезнью, поэтому мы хотели бы отметить это, если это возможно, даже просто используя акцентный цвет.(См. Прилагаемое изображение зеленого и оранжевого солнечных лучей, а также текстовые контуры и акценты на картинке Iz The Wiz). Пожалуйста, поэкспериментируйте с этими идеями, мы открыты для дизайнеров, привносящих в логотип своего персонажа, и посмотрим, что сработает! Спасибо 🙂
Каждая категория дизайна имеет гибкую ценовую политику для любого бюджета. Дизайн логотипа начинается от 299 долларов.
Полное авторское право на готовые к производству файлы для цифровой печати и / или печати.
Кулинарное искусство: 10 лучших картин с изображением еды в мире
Искусство способно вдохновлять людей.Это может заставить нас думать, мечтать и находить новый смысл в нашей жизни. Это также может сделать нас очень голодными. Картины с едой и изображения съедобных предметов с самого начала были частью известных произведений искусства. От древних египтян, вырезавших изображения сельскохозяйственных культур и хлеба на дощечках, до гиперреалистичных изображений винограда, нарисованных голландскими мастерами, еда и искусство имеют давние и богатые отношения. Вот наши 10 самых известных картин с изображением еды.
1. Насыпь масла Антуана Воллона Курган масла Антуана Воллона, Национальная художественная галерея Где это?
Национальная художественная галерея, Вашингтон Д.C.
Что это?
Гигантская насыпь масла.
Почему это вещь?
В то время как масляные картины могут представлять некоторый нишевый интерес (поздравляем всех, кто погуглил «масляные картины» и оказался здесь), это известное произведение искусства не зря является одним из величайших сокровищ Национальной галереи искусств. В XIX веке изображения еды и даже ее приготовления были очень популярны. В моде были натюрморты и кухонные сцены, и лишь немногие из них делали их лучше, чем Антуан Воллон.Среди поклонников Воллона были такие знаменитости, как французский писатель Александр Дюма, который собрал многие из его картин, а богатая детализация и текстура этого холма масла говорят вам все, что вам нужно знать о том, почему он был так популярен.
Где это?
Музей Ван Гога, Амстердам
Что это?
Картина, которая понравилась самому Ван Гогу, назвав ее « лучшее, что я сделал ».
Почему это вещь?
Вышеупомянутая цитата должна дать вам пример того, как Ван Гог, человек, который был известен своей строгостью к себе, оценил эту конкретную работу. Его целью в картине было изобразить крестьянскую жизнь такой, какой она была на самом деле — а в Нидерландах это означало картошку. Ван Гог, вероятно, был вдохновлен голландским художником Йозефом Исраэлем, чья композиция «Крестьянская семья за столом», несомненно, похожа.
Хотя сама картина выглядит потрясающе, у нее также есть долгая и драматическая история, что делает ее особенной, чтобы увидеть ее лично.Даже с самого начала казалось, что это вызывает некоторые проблемы. После того, как его друг раскритиковал картину, Ван Гог был глубоко ранен и в пламенном письме ответил: « ты… не имел права осуждать мою работу так, как ты сделал ».
К сожалению, на этом споры не закончились. В 1988 году воры украли раннюю версию «Едоков картофеля» из музея Креллер-Мюллер в Оттерло и вернули ее в следующем году. Всего несколько лет спустя, в 1991 году, воры украли окончательную версию картины из музея Ван Гога — до того, как их машина для побега порвала шину, они были вынуждены оставить картины и бежать пешком.
3. Рисунок с мясом Фрэнсиса Бэкона Фигура с мясом. Автор Фрэнсис Бэкон, Институт искусств Чикаго. Где это?
Чикагский институт искусств
Что это?
Определенно не на что смотреть перед сном.
Почему это вещь?
Номинативный детерминизм — это идея о том, что чье-то имя может в конечном итоге повлиять на его выбор карьеры или будущие действия.С такой фамилией, как Бэкон, все могло закончиться только одним способом: рис с мясом. Эта картина произвела фурор в 20-м веке и суммирует непочтительность, противоречивость и менталитет «не бояться оскорбить», которого придерживались современные художники, такие как Бэкон, в то время.
Чтобы понять эту картину, вам сначала нужно вернуться немного глубже в историю искусства — вплоть до 1650 года, когда Диего Веласкес создал свой портрет Папы Иннокентия X. Рядом вы видите, что фигура в знаменитом произведении Бэкона роспись еды имеет довольно странное сходство с религиозным деятелем, изображенным Веласкесом.Основное отличие состоит в том, что версия Бэкона представляет собой не достойный святой человек, а зомбированный труп, держащий свой трон, который, кажется, построен из туши мертвой коровы. Некоторые критики считают, что это современная версия картины vanitas, в которой изображения еды используются для представления смерти и мимолетности существования, в то время как другие считают это критикой религиозного авторитета.
4. Натюрморт с сыром. Флорис Клас. ван Дейк Натюрморт с сыром Флориса Клаэса.ван Дейк, Рейксмузеум Где это?
Рейксмузеум, Амстердам
Что это?
Кошмар для людей с непереносимостью лактозы.
Почему это вещь?
Ни одна поездка в Нидерланды не обходится без двух вещей: сыра и посещения Рейксмузеума. Объединить их в одном произведении искусства? Это просто хороший тайм-менеджмент. Голландские художники 17 века были известны своими натюрмортами, в которых сцены кухни и стола были запечатлены в ярких реалистичных деталях.Немногие из них лучше, чем картина Ван Дейка, который помог создать особый вид росписи еды, известный как « banketje », или небольшой банкет. Это также интересная капсула времени голландской кухни, которая, похоже, практически не изменилась с 1615 года.
Где это?
MoMA, Нью-Йорк
Что это?
Циничный краж или блестящий памятник поп-арта, в зависимости от вашей точки зрения.
Почему это вещь?
Любой респектабельный список известных картин еды должен включать эту культовую серию Уорхола; потенциально одни из самых известных изображений 20-го века. Всего серия состоит из 32 полотен, на всех изображен разный вкус супа Кэмпбелла. Созданные с использованием полуавтоматических методов, работы Уорхола представляют собой драматический поворот от мира изобразительного искусства и концепций «живописности».
Уорхол продолжал повторять этот трюк на протяжении всей своей карьеры, постоянно возвращаясь к банкам с супом, которые вызвали одно из величайших художественных и общественных потрясений 20-го века.Люди по сей день расходятся во мнениях о его мотивах и наследии, но нельзя отрицать, что его техника была эффективной — его неоднозначная работа позволила бы ему стать самым дорогостоящим из ныне живущих американских художников и творческой иконой, покорившей мир искусства.
6. Натюрморт с яблоками Винсента Ван Гога Натюрморт с яблоками Винсента Ван Гога, Музей Ван Гога Где это?
Музей Ван Гога, Амстердам
Что это?
«… взрыв цвета », как описывает сам музей Ван Гога
Почему это вещь?
Здесь в полную силу задействованы многие из самых известных техник и торговых марок Ван Гога.В то время как изображения яблок были основным элементом натюрмортов на протяжении веков, Ван Гог придал вещам свой особый постимпрессионистский подход. Его характерные синие и зеленые цвета доминируют на заднем плане, который столь же красочен и завораживает, как яркие красные яблоки на переднем плане изображения. Это одна из главных достопримечательностей музея Ван Гога и одна из лучших картин с изображением еды.
Какие сорта яблок были бы у них во Франции около 1887 года? Рад, что ты спросил.Есть большая вероятность, что это яблоки Court Pendu Plat ; чрезвычайно старый французский сорт, который был особенно популярен при жизни Ван Гога. Это на следующий вечер викторин.
7. Натюрморт с вишней, клубникой и крыжовником — Луиза Муайон Натюрморт с вишней, клубникой и крыжовником Луизы Муайон, Музей Нортона Саймона Где это?
Музей Нортона Саймона, Калифорния
Что это?
Абсолютно восхитительно.
Почему это вещь?
Если и был приз за «самый восхитительный французский натюрморт XVII века», то, скорее всего, он достался бы Луизе Муайон. Муайон был одним из выдающихся художников-натюрмортов своего времени и специализировался на изображении реалистичных фруктовых тарелок. Современный писатель Жорж де Скудери сравнил Муайон и двух ее сверстников с Микеланджело, Рафаэлем и Тицианом своего времени.
Что делает эту картину еще более особенной, так это то, что это одна из примерно 40 работ, созданных художницей при ее жизни.Родившись в кальвинистской семье, Муайон столкнулся с серьезными преследованиями при режиме, допускавшем только католицизм. Двое из ее детей бежали в Англию, чтобы избежать потенциально фатальных последствий Эдикта Фонтенбло, который вынудил французских граждан обратиться в христианство, и после этого периода она не выпустила никаких известных работ.
8. Натюрморт с ветчиной, омаром и фруктами — Ян Давидс. de Heem Натюрморт с ветчиной, омаром и фруктами — Ян Давидс.де Хем, музей Бойманса ван Бёнингена Где это?
Museum Boijmans Van Beuningen, Роттердам
Что это?
Полная противоположность тому, что рекомендует ваш личный тренер
Почему это вещь?
Де Хим был частью чрезвычайно плодовитой и успешной семьи художников, принадлежавших к разным поколениям, некоторые из которых были известны своими картинами с изображением еды. Другими словами, нелегко выбрать одну картину, чтобы отразить все это наследие.Но если придется, то вот этот.
Ян Давидсун де Хем, также известный как Иоганнес де Хем, создал одно из самых эффектных изображений банкета. Это щедро, экстравагантно и непростительно чрезмерно. Это блюдо, которым пировал бы фантастический император или султан. Если Ван Дейк овладел формой « banketje », Де Хем овладел искусством роскошных банкетов. Эта большая и авторитетная картина будет отлично смотреться в огромной столовой.В наши дни им можно полюбоваться в музее Боймана ван Бёнингена в Роттердаме.
9. Вертумн — Джузеппе Арчимбольдо Вертумнус Джузеппе Арчимбольдо, Замок Скоклостер Где это?
Замок Скоклостер, Стокгольм / Упсала
Что это?
Возможно, самая смелая картина императора из когда-либо созданных.
Почему это вещь?
Арчимбольдо был известен своим чувством юмора и не боялся немного расширять границы.Даже зная это, трудно представить, что кому-то поручили нарисовать портрет самого могущественного человека в Европе и поставить его в виде фруктового голема. Честно говоря, император, вероятно, знал об уникальном и непочтительном стиле Арчимбольдо и ожидал не меньше, чем его лицо, замененное гигантским ананасом. Хотя уникальные кулинарные картины Арчимбольдо, возможно, не так известны, как некоторые из его современников, его работы недавно выставлялись на таких престижных площадках, как Национальная художественная галерея и Лувр.
Где это?
Музей Орсе, Париж
Что это?
Картина очень влиятельного художника, оказавшая огромное влияние.
Почему это вещь?
Когда дело доходит до картин с фруктами известных художников, нет ничего более знакового, чем этот шедевр Поля Сезанна. Композиции натюрморта стали основной частью общей работы Сезанна (очень стараясь не использовать слово oeuvre ) на последних этапах его карьеры, и эта конкретная часть является частью серии из шести, которые он создал в его парижская мастерская.
Сам Музей Орсе называет этот « важнейший натюрморт, созданный художником в конце 1890-х годов », и трудно спорить с одним из ведущих культурных институтов Парижа. В музее хранятся одни из самых известных картин в мире, и это явный признак того, что они так высоко ценят эту картину.