Popart: Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

Содержание

Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт  (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.

Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого  глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.

История развития Поп-арта

Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта «Независимая группа», которой руководили художники Э. Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов — эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.

Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это — завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.

Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков — одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.

Художники

Самые известные мастера поп-арта:

Кит Харинг — американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур. C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.

 

 

 

Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.

 

 

 

Джаспер Джонс — американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.

 

 

Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.

 

 

 

Уэйн Тибо — американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.

 

 

Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.

 

 

 

Присущие особенности стилю поп-арт

В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.

Критика и значение стиля в искусстве

Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.

К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.

Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.

Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.

В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художнки использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков

Что такое pop art и как его распознать

Поп-арт (англ. Pop art) означает популярное и доступное искусство. Оно понятно большинству людей, его легко узнать и объяснить. Это одно их крупнейших движений в искусстве ХХ века. Поп-арт зародился в Великобритании и СШАв 1950-е годы. Поп-арт появился на свет как реакция на совершенно другое направление современного искусства – абстрактный экспрессионизм.

Чтобы понять, что такое поп арт, нужно начать с другого направления в искусстве — абстрактный экспрессионизм. В нем художник освобождает разум от законов логики и выражает свой внутренний мир на холсте, как он “видит” и “чувствует”. Брррр, звучит непросто! А на деле все еще сложнее. К примеру сможете ли вы понять что нарисовано на картине лидера абстрактных экспрессионистов Джексона Поллока? Картина называется «Ключ», не огорчайтесь если вы ничего в ней не поняли, вспомните, что художник абстракционист выражает свои чувства. И неподготовленный человек не поймёт, где тут ключ, а где замок, а если и поймёт, то только с подсказками опытного искусствоведа.

Такая же проблема возникла в 50-х годах ХХ века, несмотря на огромную популярность, не все понимали работы художников абстрактных экспрессионистов. Чтобы оценить их по достоинству, человек долженуже разбираться в искусстве. Что сделало это направление искусства доступным не для всех, а для «избранных». Поп-арт стал своего рода реакцией, противопоставлением абстрактному экспрессионизму. Его девизом стала идея: возвращение к реальности, а не фантазия художника. Источником вдохновения стали реклама, журналы, упаковки продуктов питания, фотография, телевидение, кумиры, стереотипы, кино, супермаркеты, комиксы – в общем всё, что встречается в повседневной жизни большинства обычных людей.

Вот несколько представителей поп-арт-культуры и их работы.

Рой Лихтенштейн «Смотри, Микки», 1961 г.

Рой Лихтенштейн «Спящая девушка», 1964 г.

Художник взял за основу кадр из серии романтических комиксов № 105, опубликованных DC comics в 1964 годов.

Энди Уорхол «Банка с супом Кэмпбелл», 1962 г.

«Я его [суп «Кэмпбелл»] просто пил. Каждый день я ел на обед одно и то же, лет двадцать, наверное, одно и то же, каждый божий день» Энди Уорхол

Джаспер Джонс «Флаг» 1954-1955 г.

Наиболее известная работа художника, которую он нарисовал после сна об американском флаге.

арт — история возникновения стиля, особенности, фотографии, примеры проектов с фото

Popular art – в переводе с английского «популярное искусство», а слово pop означает ещё и «резкий хлопок». Поэтому термин «поп-арт» имеет двойное значение: «искусство в массы» и нечто шокирующее. Такое сочетание было вполне в духе своего времени – как стиль, поп-арт оформился в Америке в 50-60-е годы XX-го века.

Поп-арт – это своеобразный протест против абстрактного искусства, безликого минимализма, пресного конструктивизма, ставших популярными ранее. Прародителями поп-арта стали художники-иллюстраторы, комиксисты, мультипликаторы, фотографы и рекламщики. Сменился контекст, масштабы изображений, цвет и способы отображения. Производственные дефекты: неравномерное распределение красок, типографское зерно, ошибки цвета при печати стали непременным атрибутом нового стиля. На первый план вышла техника отображения, смысл отошёл на второй.

Поп-арт поменял местами внешнее и внутреннее.

Энди Уорхол

Стиль поп-арт не содержит заумных концептуальных идей, он адресован к обывателю, к народным массам в той же степени, как адресованы к ним средства массовой информации. Недаром расцвет поп-арта совпал с повсеместным распространением телевидения, глянцевых журналов и началом эпохи массового потребления. Глянцевость и гламур – ещё одна неотъемлемая черта этого стиля. Часто в интерьерах поп-арт используются гладкие глянцевые поверхности.

Узнаваемые картинки с обложек периодических изданий, фото знаковых мировых событий и звёзд экрана, популярные герои кино, мультфильмов и телешоу – всё это образы поп-арта. При этом они как будто воспроизводятся на печатном станке или сходят с конвейера – картинки тиражируются и располагаются в один ряд, детали орнамента образуют полотно из разноцветных повторяющихся элементов. Эти рисунки и элементы орнамента часто расположены на плитке, крепящейся на стену. Конечно же, используются большие постеры и картины.

Классическим произведением, «иконой» поп-арта является шелкография Энди Уорхола «Диптих Мэрилин», включающая 50 изображений Мэрилин Монро со знаменитой фотографии актрисы 1953 года.

Элементы этой и других работ художника часто встречаются в интерьерах поп-арт.

Материалы, используемые в поп-арте – крашеный металл, стекло, текстиль, дерматин и, конечно же, разноцветный пластик – получивший широкое распространение именно в 60-е годы. Массовое производство из пластмассы, как нового материала, пресса, телевидение, американские небоскрёбы в сочетании с неоновыми огнями реклам, противостояние мировых держав и, конечно же, покорение космоса и научная фантастика – вот что вдохновляло первопроходцев этого стиля! Неудивительно, что деревянная мебель в поп-арте встречается редко. Пластик, стекло, гладкие обтекаемые формы, минимум деталей, максимум цвета – вот что такое настоящий поп-арт.

Поп-арт невероятно пёстр и ярок, умудряется сочетать несочетаемое и часто балансирует на грани безвкусицы и вульгарности, но никогда эту грань не переступает. В самой противоречивости поп-арта есть изюминка, она всегда неожиданно уместна. Поп-арт – стиль, который способен удивлять. Он моментально захватывает зрителя, цепляет его внимание. Знакомые образы притягивают взгляд, приводят в лёгкое замешательство, завораживают. Насыщенные цвета и необычные формы наполняют пространство энергией, а повторяющиеся элементы дизайна задают ритм современной жизни.

Однако не следует думать, что поп-арт – это непременно что-то «кричащее», навязчивое и раздражающее, вроде пресловутой «попсы» или рекламы по телевизору. Интерьер поп-арт может быть выполнен в достаточно спокойных, пастельных тонах, при этом нисколько не изменяя традициям стиля.

Поп-арт позволяет дать волю воображению, непрерывно экспериментируя. Каждый интерьер в стиле поп-арт – неповторимая авторская работа. Поп-арт – стиль демократичный, в нём светильники в стиле минимализм или хай-тек могут соседствовать с мебелью в стиле арт-нуво или арт-деко. И наоборот. Но, поскольку решающее значение имеют цвет и форма, дизайнеру необходимо позаботиться о правильном их сочетании.

———————-

Если вы профессионально занимаетесь дизайном интерьера, читайте также:

Как правильно построить отношения с клиентом

28 способов найти заказчика

Как составить договор на дизайн-проект интерьера

Самопрезентация дизайнера

Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.

org

направление

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ. Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Поп-арт

Поп-арт | Культурный обозреватель

Поп-арт (англ. pop-art, или popular art) – стиль в изобразительном искусстве, высмеивающий культуру общества потребления. Это направление искусства возникло как реакция на абстрактный экспрессионизм в 1950-1960-е годы. Его характеризует легкая ирония, насмешка над тем, что люди привыкли считать красивым и художественным. В поп-арте активно используются стереотипы и символы. Например, такие товары как Levi’s джинсы и Coca cola, являющиеся в Америке атрибутом успеха и благосостояния в послевоенное время и поэтому часто изображаемые на картинах и коллажах сделанных в стиле поп-арт.

Термин «поп-арт» употребил впервые в своей статье критик Лоуренс Эллоуэй. Впоследствии, в 1966 году он поведал всем, что не вкладывал в данное понятие столько смысла, сколько оно стало выражать позже. «Я просто применил это слово вместе с термином «поп-культура», для описания продуктов массовой информации, а не как название произведений искусства» – говорил он. Но как бы там ни было, понятие стремительно вошло в обиход между 1955 и 1957-м годами, несмотря на критику противников стиля.

Первые работы в стиле поп-арт были созданы тремя молодыми художниками, которые учились в то время в Королевском художественном колледже Лондона. Это были Джо Тилсон, Питер Блек и Ричард Смит. Но творением, которое стало иконой поп-арта, является коллаж Ричарда Хамилтона, созданный в 1956-м году.

Поп-арт заменил абстрактный экспрессионизм, делая ставку на новый образ, созданный тогда средствами массовой информации. Благодаря поп-арту появились такие новые направления как кинетическое и ситуативное искусство, а также оп-арт.

По сути, поп-арт подвел итоги и довел до логического завершения традиционные виды изобразительного искусства. Благодаря чему открылся путь совершенно новым видам художественных практик. Например, поп-арт подготовил путь для постмодернизма и концептуализма. А уже в 80-е годы XX столетия как итог возник новый тип искусства – нео-поп-арт.

Данное направление в изобразительном искусстве передало вкус и настроение того времени. Сексуальность, молодость, мимолетность, мечтательность и даже некоторая наивность в картинах стиля поп-арт считается отражением настоящей американской мечты. В России о ней заговорили лишь десятилетия спустя после первого появления поп-арта в Америке.

Кстати, в наше время поп-арт опять в моде, как в живописи, так и в других видах искусства. И благо, современных мастеров, работающих в этом направлении сейчас предостаточно.

Яркими представителями поп-арта являются Ричард Гамильтон, Роберт Индиана, Том Вессельман, Энди Уорхол и другие…

История поп-арта в предметах и продуктах • Arzamas

Искусство, История

Зачем Энди Уорхол рисовал банки с супом Campbell, а Роберт Раушенберг — кока-колу? В издательстве Ad Marginem в серии «Основы искусства» вышла книга Флавии Фриджери «Поп-арт». Arzamas публикует главу «Поп-арт и рынок»

«Устав от аскетичности абстрактного экспрессионизма, молодые художники обратились к таким приземленным вещам, как кока-кола, мороженое, гамбургеры, супермаркеты, вывески „ЕДА“. Их глаза изголодались, они жаждали эмоций…»

 

Роберт Индиана. 1963 год

Джаспер Джонс. Окрашенная бронза. 1960 год © Jasper Johns / Museum Ludwig, Köln

Центральное место в сюжетном репертуаре поп-арта принадлежит всевозмож­ным продуктам и товарам — от кусков торта до сломанных игрушек. Размыш­ляя над пестрым изобилием упаковок и над экономическими стратегиями, стоящими за их разработкой, поп-артисты заостряли внимание как на неотра­зимом очаровании дизайна товаров, так и на темных сторонах потребления. Джаспер Джонс одним из первых использовал готовый товар в качестве пред­мета художественного копирования, создав «Окрашенную бронзу» (1960) — аккуратную бронзовую репродукцию двух банок пива Ballantine. Эта работа обязана своим появлением реплике другого художника, Виллема де Кунинга, в адрес Джонса. Говоря о Джонсе и его влиятельном дилере Лео Кастелли, де Кунинг однажды бросил: «Если сунуть этому сукину сыну пару банок из-под пива, он и их продаст». Джонс, узнав об этих словах, решил отнестись к ним серьезно и отлил в бронзе две пивные банки, которые Кастелли действительно с успехом продал. По этому эпизоду можно судить не только о соперничестве между находившимся на закате славы абстрактным экспрессионизмом и зарождавшимся поп-артом, к которому имел отношение Джонс, но и о воз­раставшем интересе художников к коммерческой культуре.

Уорхол считал кока-колу эталоном общедоступного товара в поп-мире и эмблемой потребления:

«Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают, в принципе, то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу и, представь себе, ты тоже можешь пить кока-колу».

Главное в этих словах — указание на демократичность кока-колы, одной и той же для любого потребителя, независимо от его расы, пола и социального стату­са. Другие товары, рассматриваемые в этой главе, тоже банальны настолько, что кажутся не заслуживающими интереса, и в то же время самой своей повсе­местностью интересны для художников, которые отозвались на них множест­вом восхищенных или вдумчиво-критичных реплик.

Суп Campbell: день за днем двадцать лет

Энди Уорхол. Банки супа Campbell. 1962 год © Andy Warhol / MoMA

Одной из эмблем творчества Уорхола стала банка супа Campbell — товар, кото­рый имеется в каждом доме и в любом супермаркете, а потому, как и кока-кола, уравнивает друг с другом всех своих потребителей. Свой интерес к этому сюжету Уорхол объяснял обыкновенной привычкой: «Просто одно время я ел суп Campbell постоянно. У меня в течение, наверное, лет двадцати каждый день был один и тот же ланч: день за днем одно и то же». Многократные повторы, которым он подверг суповую банку, кажутся под стать этой двадцатилетней череде одинаковых ланчей.

Первыми в его большой серии двумерных реплик ходовых консервов стали «Банки супа Campbell» (1962) — тридцать два небольших холста, первоначально выставленные в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Демонстрация откровенно рутинной магазинной продукции в качестве искусства вызвала полярные реакции — от заинтригованного замешательства до возмущения и насмешек. Одна из соседних галерей сочла остроумным выставить в своей витрине банки настоящего супа Campbell с ценниками в 60 центов. Картины Уорхола поку­пались неохотно, и его галерист в конце концов решил продать их все сразу со скидкой. Так они и стали единым и неделимым произведением, ныне находящимся в собрании нью-йоркского Музея современного искусства.

Кока-колонизация

1 / 2

Роберт Раушенберг. Кока-кола: план. 1958 год© Robert Rauschenberg / MoCA

2 / 2

Юсио Синохара. Кока-кола: план. 1964 год© 篠原有司男 / 富山県立近代美術館

Для Уорхола кока-кола была товаром, символизирующим всеобщее равенство в потребительском мире. Однако многие другие художники усматривали в ней характерное проявление капиталистического империализма. Красная этикетка, распространенная рынком по всей планете, стала визуальной неизбежностью, и это не могло не навести поп-артистов на мысль о скрывающейся за ней претензии на мировое господство.

Роберт Раушенберг, один из признанных родоначальников поп-арта, представил знаменитый бренд как культурную и социальную икону Америки в работе «Кока-кола: план» (1958). Победоносная роль товара, поставляемого всюду, выражена здесь крыльями, прикрепленными к конструкции с тремя бутылками кока-колы. Явно отсылающие к прославленной греческой статуе Нике Самофракийской (около 200–190 до н. э.), эти крылья с изрядной долей иронии затмевают исторический памятник «светочем современности».

Если Раушенберг, пусть иронически, прославлял кока-колу, а следовательно, и Америку, то японский художник Юсио Синохара едко посмеялся над ними обеими, создав свой «Кока-кола: план» (1964). Он познакомился с американ­ским поп-артом по публикации в журнале Art International за январь 1963 года и немедленно решил создать новое направление, названное им «имитативным искусством». Уже в сентябре того же года в токийской галерее Naiqua были выставлены его пародии на знаменитые поп-произведения, в том числе размноженные реплики работы Раушенберга. Синохара предпринял остроум­ную попытку развенчать американский поп-арт его же средствами — показать, что произведения поп-артистов, особенно тех из них, которые охотно исполь­зуют репродукцию и тиражирование, не застрахованы от выхода в тираж и сами. Взяв на вооружение подход американских художников к коммерческим продуктам вроде кока-колы, японский художник ощутимо пошатнул ориги­нальность произведений Раушенберга и, шире, всего поп-арта в целом. Его имитация искусства, и так уже имитативного в силу своих сюжетов, предста­вила кока-колу — «триумфальное знамя» Америки — как обычный одноразо­вый и легко воспроизводимый товар.

Иcтория игрушек

1 / 3

Криста Дихганс. Рождество — Нью-Йорк. 1967 год© Christa Dichgans / Contemporary Fine Arts, Berlin

2 / 3

Эрро. Продовольственный пейзаж. 1964 год© Erró / Moderna Museet

3 / 3

Дерек Бошьер. Особая К. 1961 год© Derek Boshier / The Mayor Gallery

Немецкая художница Криста Дихганс, увлеченная потребительскими товарами не столько как образами, сколько как особого рода вещами, создала ряд инте­ресных произведений на тему игрушек — в частности, «Рождество — Нью-Йорк» (1967). Поселившись в начале 1960-х годов в Нью-Йорке, Дихганс испы­тала большое впечатление от «гор старых игрушек», увиденных ею в центрах Армии спасения  Армия спасения — международная благотворительная организация, основанная в 1865 году в Великобритании для оказания помощи нуждающимся.. Поскольку у нее самой был маленький сын, она имела и непосредственный опыт разбора игрушек, сваленных в беспорядке. В картине «Рождество — Нью-Йорк», входящей в серию, которую Дихганс посвятила этой теме, речь идет о рождественской лихорадке подарков, но вместо новых игру­шек, ожидающих распаковки, мы видим кучу потрепанных медведей, кукол, лошадок на колесах и т. п. Возможно, когда-то они были желанными подарка­ми, но теперь явно утратили весь свой коммерческий и эмоциональный престиж.

Исландский художник Эрро (Гудмундер Гудмундсон), с конца 1950-х годов живущий и работающий в Париже, критиковал потребительские привычки, связанные с американским образом жизни и символизируемые изобилием супермаркетов. Во Франции Эрро быстро вошел в контакт с местными худож­никами, которые стремились придать новую актуальность фигуративной живо­писи, обращаясь в поиске сюжетов к повседневности и, в частности, к обществу потребления. В полотне Эрро «Продовольственный пейзаж» (1964), с которого на зрителя обрушивается пестрая лавина всевозможных пищевых продуктов, читается откровенный сарказм в адрес мании приобретательства, порождаемой американской идеологией консюмеризма. В этом море еды потребителю пред­ла­гается и навязывается всё — от щедрых сырных тарелок до плиток шоколада и тортов, нарезанных на куски.

Обнажая логику потребления, заставляющую людей покупать уже не в силу необходимости, а во власти неотразимого соблазна рекламы, такие картины, как «Продовольственный пейзаж» и почти современная ему «Особая К» английского художника Дерека Бошьера (1961), указывали на неуклонно растущую мощь экономико-политического влияния США. Бошьер, заимство­вав культовую красную букву «К» из фирменного стиля бренда сухих завтраков Kellogg’s, представил ее в виде космической ракеты, несущейся вверх. В резуль­тате буква стала намеком на соперничество США и СССР за контроль над кос­мосом и символом ненасытной власти, жаждущей подчинить себе всё — как на Земле, так и за ее пределами. В одном из первых обзоров творчества Бошьера Ричард Смит писал:

«Некоторые его сквозные темы подпадают под рубрику американизма. В этикетку спичек „Слава Англии“ или в кубинский флаг вторгаются звезды и полосы, рядом с английским „Юнион Джеком“ стоят две бутылки пепси-колы. Приветствуется ли этот американизм, осуждается или просто принимается как данность, неясно, как неясно и значение космических сюжетов, появляющихся у Бошьера. По-видимому, он не склонен прославлять современную технику. Возможно, речь даже не идет о космическом соперничестве: космонавты явно важны, но и другие герои приобретают в космосе Бошьера не меньшее значение».

Если Уорхол с воодушевлением изображал самые популярные американские товары вроде супа Campbell, то европейские художники — Дихганс, Эрро, Бошьер и другие — относились к обществу потребления гораздо более критично. Промежуточное положение между двумя этими позициями занимает имеющий ныне культовый статус «Магазин» Класа Олденбурга.

Как в настоящем магазине

Клас Олденбург. Магазин: витрина с пирожными. 1962 год © Claes Oldenburg / MoMA; The Sidney and Harriet Janis Collection

Олденбург открыл свой «Магазин» 1 декабря 1961 года в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка. Описывая основные характеристики этого проекта в тексте, который читается и как художественный манифест, и как обычная программа действий, он писал:

«„Магазин“, или „Мой магазин“, или Ray-Gun Mfg. Co., находящийся в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка, имеет 80 футов в высоту и около 10 футов в ширину. В переднем помещении я планирую создать обстановку типичного магазина, нарисовав и разместив (развесив, поставив, положив) там предметы, имеющие форму и вид популярных товаров, как это делается в настоящих магазинах, в их оконных витри­нах и рекламах на близлежащей территории».

Вскоре «Магазин» стал центром деятельности Олденбурга: он работал не толь­ко как пункт продажи предметов, созданных художником, но и как мастерская, где производились эти «как бы товары». Блюда с едой, торты, предметы одеж­ды… — при всем своем разнообразии все они размывали границу между банальными повседневными вещами и ценными произве­дениями искусства. В «тортах» и других работах Олденбурга чувствуется рука скульптора и живо­писца, не позволяющая усомниться в их художественном статусе: сделанный из пропитанного гипсом холста, каждый предмет после просушки раскраши­вался в раскованной манере, не лишенной сходства как с любительскими натюрмортами, так и с жестуальной эстетикой абстрактного экспрессионизма.

Олденбург подчеркивал антимузейный, а значит, хотя прямо он об этом и не говорил, подрывной характер «Магазина», который в конечном счете лишь инсценировал магазинную торговлю, а на самом деле обнажал истинную суть музея. Там можно было что-то купить, но цены были абсурдными. Хлеб, ветчина, сласти и другие «продукты» стоили намного дороже их реальных аналогов и тем самым позволяли наивным покупателям почувствовать, что они приобретают произведения искусства. Имитируя общераспространенную еду, Олденбург, таким образом, направлял критику в направлении, противопо­лож­ном тому, которому следовал Эрро, рисуя пестрые горы продуктов, — не на об­щество потребления, а на систему искусства. Но обоим художникам еда служи­ла способом выявления и подрыва потребительских привычек.

Торт, торт, торт

Уэйн Тибо. Торты. 1963 год © Wayne Thiebaud / National Gallery of Art

Калифорнийский живописец Уэйн Тибо, тоже любивший изображать пищевые продукты, смотрел на них — например, в картине «Торты» (1963) — глазами счастливого потребителя. Простые по композиции и обыденные по сюжету, его натюрморты представляют товары во всей их соблазнительной красоте. В отли­чие от грубых изделий Олденбурга, торты Тибо желанны. Их яркие пастозные краски не менее аппетитны для глаз зрителя, чем воздушное тесто и густой крем реальных кондитерских изделий. Говоря о своем увлечении темой еды, Тибо признавался:

«У еды есть один аспект, который мне особенно интересен. Еда — это своего рода ритуальное подношение в том смысле, что ее готовят так, как будто бы речь идет о чем-то большем, чем просто еда: украшают ее, пытаются придать ей необычный вид. В этом есть связь с нашим жела­нием получить больше, чем у нас есть. Или узнать больше, чем мы зна­ем».

Внимание к ритуальному значению, которое придается еде, позво­лило Тибо проницательно взглянуть на потребление и на стратегии соблазна, используе­мые для продвижения продукции коммерческими дизайнерами. Он сам, поддаваясь этому соблазну, восхищался «велико­лепными, прекрасными, как игрушки» тортами, по-детски радовался краскам и формам продуктов, являя собой образ типичного американца. Помимо тортов, он посвятил множество картин хот-догам, сэндвичам и мороженому. Его картины 1960–1962 годов достаточно полно зафик­сировали тогдашний ассортимент общественного питания США. В 1961 году Тибо привез несколько своих работ в Нью-Йорк, а год спустя пред­ставил их на обозрение публики. Красота живописи не поме­шала искушенным зрителям усмотреть в них социальный критицизм, и Тибо вскоре был признан основателем «школы тортов» и одним из ведущих представителей поп-арта.

Жизнь с поп-культурой

1 / 2

На выставке Герхарда Рихтера и Конрада Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капиталистического реализма». 1963 годeiskellerberg.tv

2 / 2

К. П. Бремер. «Девушка 25. Чувство между пальцами…». 1968 год© K. P. Brehmer / Walker Art Center

Самопровозглашенными лидерами немецкого поп-арта стали в начале 1960-х годов Герхард Рихтер, Конрад Люг и Зигмар Польке. «Поп-арт не является американским изобретением, — заявляли они. — Мы не должны видеть в нем импортный товар. <…> Это искусство способно дать в нашей стране органичные и самостоятельные всходы». Подобно многим художникам, работавшим в поп-стилистике за пределами Америки, Рихтер, Люг и Польке стремились утвер­дить свою независимость от властных заокеанских авторитетов. И все же выставка Рихтера и Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капита­листического реализма» (1963) имела много общего с «Магазином» Олден­бурга.

Расположившись на территории мебельного магазина в Дюссельдорфе, художники концептуально переосмыслили его пространство и устроили в нем свои пародийные гостиные и спальни. В центре экспозиции сами Рихтер и Люг, одетые в безупречные костюмы, сидели, соответственно, на диване и в кресле, а эти предметы мебели были установлены на белых пьедесталах, как подобает скульптурам. Перед этими живыми статуями стоял телевизор, по которому шли новости об отставке канцлера ФРГ Конрада Аденауэра. На «экономическое чудо», свершившееся в Германии при Аденауэре, и направлялась критика Рихтера и Люга. Подрыв потребительских норм, приличествующих мебель­ному магазину, привел к принудительному закрытию выставки через два часа после ее начала, и тем не менее она ознаменовала зарождение «капиталисти­ческого реализма» — немецкого варианта поп-арта, занявшего четкую позицию в отношении общества, экономики и политики.

Куратор и дилер Рене Блок, взявшийся за продвижение нового направления, в 1964 году открыл в Западном Берлине свою галерею и наряду с проведением выставок начал выпуск эстампов представляемых им художников. Один из них, дипломированный гравер и графический дизайнер К. П. Бремер, направил свой опыт на сатирическое обыгрывание стратегий рекламы, примером которого служит его работа «Девушка 25. Чувство между пальцами…», включенная в изданное галереей Рене Блока портфолио «Графика капиталистического реализма» (1968). В верхней части листа девушка в чувственной позе курит сигару, имеющую откровенно фаллический подтекст, а внизу к бумаге прикле­ены четыре пакетика с семенами цветов и овощей. Неестественные цвета, в которые окрашена фотография девушки, обращают внимание на то, насколь­ко обманчив привлекательный вид лука, моркови, огурцов и хризантем, изображенных на пакетиках: они слишком яркие, чтобы быть реальными, и их истинная функция — обещание чудес на домашней грядке. Как и многие другие представители поп-арта, Бремер указал на стремительно растущую власть рекламы — одну из определяющих тенденций 1960-х годов.

Культ чистоты

Томас Байрле. Аякс. 1966 год © Thomas Bayrle / Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main

Еще один немецкий художник — Томас Байрле, не связанный с движением капиталистического реализма — в 1966 году создал конструкцию под назва­нием «Аякс», тоже вступившую в критически ориентированный диалог с рек­ламой. Отсылающая к упаковке одноименного чистящего порошка, эта работа саркастически отразила двойственную одержимость чистотой, которая охва­тила послевоенную Германию: культ чистого дома совпал со стремлением очиститься от нацистского прошлого. Обе эти тенденции в нерасторжимом единстве воплощают бесчисленные хозяйки, заполняющие поверхность «Аякса» Байрле.

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

Поп-арт портрет по фото на заказ

Поп-арт портрет, автор: Лилия. По заказу Кати Гершуни — эксперта по стилю, Первый канал

Потяните за вертикальную линию, чтобы сравнить «До» и «После»

Создайте портрет в стиле поп-арт, дайте волю своей творческой фантазии, проявите свой яркий характер или просто сделайте подарок своему близкому человеку, коллеги в котором по вашему мнению есть «изюминка».

Muse (греч. Μούσα) Муза — это вдохновение


О стиле поп-арт

«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» — называлась 1-ая картина в стиле, который мир впоследствии узнал под именем поп-арт.

У каждого, конечно, свой ответ на этот вопрос. Но если вам близки такие прилагательные как — популярный, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный, дерзкий – то этот портрет для вас.

Стиль «Че»

Портрет Че Гевары был создан в 1968 году. Его авторство иногда приписывают Уорхолу, но в реальности его нарисовал Джим Фитцпатрик по фотографии 1960 года кубинца Альберто Корды. Фитцпатрик прикрепил фото к стеклу, наложил на него белый лист бумаги и обвел черным карандашом контуры. Затем он просто сделал копию, но уже на красной бумаге и в итоге получил портрет, который знаком людям во всех уголках Земли. Ни Корда, ни Фитцпатрик сначала не зарабатывали деньги на своих безумно популярных изображениях. Только после использования образа Че в рекламе водки они закрепили за собой авторство, выиграв в суде у производителя Smirnoff. Причем Корда на полученные деньги построил больницу в Гаване и сказал, что так бы сделал Че.

Стиль «Монро»

Одним из самых знаменитых портретов Энди Уорхола стал портрет Мэрилин Монро. Впервые он написал его в 1962 году. Закрасил холст золотой краской и в центре через трафарет напечатал лицо кинозвезды по мотивам ее рекламной фотографии к фильму «Ниагара». Позже появилось множество вариаций этой картины. Одна из них «Бирюзовая Мэрилин» была продана за 80 млн. долларов в 2007 году.
Уорхол также создал множество портретов и других известных людей: Брижит Бордо, Элизабет Тейлор, Жаклин Кеннеди, Елизаветы II, Мао Цзэдуна, Ленина и Элвиса Пресли.
Многие называют Уорхола королем поп-арта. Мама называла его Андрей. Он был четвертым ребенком русинской семьи эмигрантов из Словакии.

Cтиль «Уорхол»

Cтиль «Уорхол» – это композиция. Квадратное полотно, которое разделено на четыре равные части.Каждая из таких частей представляет из себя квадрат, залитый своим цветом. На его фоне размещается поп-арт портрет в любом стиле (Че, Монро или из Интернета). На каждом из маленьких квадратов может быть одинаковый портрет, только с измененной под фон тональностью; могут быть четыре разных портрета; может быть два и два одинаковых по диагонали портрета. В итоге получается квадратная картина, составленная из четырех маленьких квадратных картин.

Поп-арт — Art Term

Рой Лихтенштейн
Вау! 1963 г.
Галерея Тейт
© Поместье Роя Лихтенштейна

Возникнув в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в Америке, поп-арт достиг своего пика в 1960-х годах.Это началось как восстание против доминирующих подходов к искусству и культуре и традиционных взглядов на то, каким должно быть искусство. Молодые художники чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и то, что они видели в музеях, не имело ничего общего с их жизнью или тем, что они видели вокруг себя каждый день. Вместо этого они обратились к таким источникам, как голливудские фильмы, реклама, упаковка продуктов, поп-музыка и комиксы для своих изображений.

В 1957 году поп-художник Ричард Гамильтон перечислил «характеристики поп-арта» в письме к своим друзьям, архитекторам Питеру и Элисон Смитсон:

Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение). ), Расходный (легко забывается), низкая стоимость, массовое производство, молодой (нацелен на молодежь), остроумный, сексуальный, трюк, гламурный, большой бизнес материи и их явно некритичным обращением с ней.Фактически, поп не только открыл искусство в новых предметных областях, но и разработал новые способы его представления в искусстве, и его можно рассматривать как одно из первых проявлений постмодернизма.

Американская поп-музыка против британской поп-музыки

Хотя они были вдохновлены схожей тематикой, британская поп-музыка часто отличается от американской поп-музыки.

Ранний поп-арт в Британии подпитывался американской популярной культурой, рассматриваемой на расстоянии, в то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели и пережили, живя в этой культуре.

В Соединенных Штатах поп-стиль был возвращением к изобразительному искусству (искусство, которое изображало визуальный мир узнаваемым образом) и использованием резких граней и различных форм после живописной раскованности абстрактного экспрессионизма. Используя безличные, приземленные образы, поп-артисты также хотели уйти от акцента на личных чувствах и личном символизме, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм.

В Британии движение было более академичным по своему подходу.Используя иронию и пародию, он больше сосредоточился на том, что представляют собой популярные американские образы, и на их способности манипулировать образом жизни людей. Художественная группа 1950-х годов The Independent Group (IG) считается предшественницей британского движения поп-арта.

Поп-арт | Фото на холсте

История поп-арта

Поп-арт — это движение, возникшее в конце 1950-х годов в Англии и США как реакция на искусство абстрактного экспрессионизма, которое они считали пустым и элитарным.Общим элементом в движении поп-арта является не похожий стиль или техника в композиции произведения искусства, а общая тема для всех произведений, созданных в эту эпоху.

Общая тема — массовый потребительский рынок и мир коммерции. Поп-арт использует знакомые изображения в другом смысле, чтобы достичь с ними эстетической позы или выразить социальную критику. Как следует из названия, «Популярное искусство» следует интересам и темам людей.

В то время как художники вроде Роя Лихтенштейна думали о поп-арте как о чем-то, что отражает серийность и неперсонализированность искусства, AllPopArt.com с момента своего скромного зарождения в 2004 году, пытается обновить историю этого художественного движения и вернуть его людям. Цитата из движения поп-арта Энди Уорхола, 1968:

«В будущем все будут всемирно известны по 15 минут». -AllPopArt.com делает вас и ваших близких предметом живописи.

Вот уже почти десять лет мы делаем из ваших фотографий потрясающие произведения искусства. Такое ощущение, что вчера мы впервые попробовали наш популярный сейчас стиль поп-арта Уорхола; За эти годы вы делились своими бесценными семейными воспоминаниями с нами историями счастья, достижений, любви, а иногда и потерь.

Когда мы получаем ваши фотографии, мы знаем, что за ними стоит какая-то история и что они значат для вас что-то особенное. Внимательно изучив ваш заказ, мы приступаем к работе, создавая уникальное произведение искусства специально для вас.

Мы ищем лучшие отделочные материалы, экологически чистые и устойчивые. Мы вручную изготавливаем каждый принт и каждую рамку в нашем магазине нестандартных рам, чтобы вы могли наслаждаться своим искусством в любой комнате вашего дома на долгие годы.

Итак, начните бесплатную консультацию по фотографии, наши арт-консультанты всегда готовы поговорить с вами в рабочее время.И, если по какой-либо причине вы не любите свое персонализированное искусство, верните его для возврата денег или замены. Это так просто.

Обзор движения в стиле поп-арт

| TheArtStory

Краткое содержание поп-арта

Поп-арт начался с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, каждый из которых опирался на популярные образы и фактически был частью международного явления. После популярности абстрактных экспрессионистов, повторное введение Попом идентифицируемых образов (взятых из средств массовой информации и массовой культуры) стало серьезным сдвигом в направлении модернизма.Тематика стала далека от традиционных тем «высокого искусства» морали, мифологии и классической истории; скорее, поп-художники прославляли обычные предметы и людей повседневной жизни, таким образом стремясь поднять массовую культуру на уровень изящного искусства. Возможно, благодаря использованию коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Ключевые идеи и достижения

  • Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арта стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой.Представление об отсутствии иерархии культур и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.
  • Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как художники поп-музыки искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, возможно, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что нет прямого доступа к чему-либо, будь то душа, мир природы или искусственная среда.Поп-художники считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях искусства.
  • Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая его часть в некоторой степени эмоционально удалена. В отличие от предшествовавшего «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт обычно «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокирующий отказ от него, было предметом многочисленных споров.
  • Поп-артисты, казалось, приняли послевоенный производственный и медиа-бум. Некоторые критики назвали выбор изображений поп-артом восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-артистами повседневного искусства к высокому: привязка статуса товара товаров, представленных статусом самого арт-объекта, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.
  • Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным иллюстратором журналов и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника для рекламных щитов.Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и поп-культуры.

Обзор поп-арта

От первых изобретателей в Лондоне до более поздней деконструкции американских образов, таких как Уорхол, Лихтенштейн, Розенквист, — движение поп-арта стало одним из самых востребованных художественных направлений.

Поп-арт | Характеристики, факты и художники

Поп-арт , искусство, в котором обычные предметы (такие как комиксы, консервные банки, дорожные знаки и гамбургеры) использовались в качестве предметов и часто были физически включены в работу.

Британская викторина

Викторина по художественным стилям и техникам

Вы знаете, как работает травление? Что использовалось в древнем Китае для рисования и надписей? Узнайте об этом и многом другом в этой викторине о художественных стилях и техниках.

Движение поп-арта было в значительной степени британским и американским культурным феноменом конца 1950-х и 1960-х годов и было названо искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем в связи с прозаической иконографией его живописи и скульптуры.Работы таких поп-исполнителей, как американцы Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Клас Ольденбург, Том Вессельман, Джеймс Розенквист и Роберт Индиана, а также британцы Дэвид Хокни и Питер Блейк, среди прочих, характеризовались изображением всех без исключения аспектов популярного искусства. культура, оказавшая мощное влияние на современную жизнь. Их иконография — взятая из телевидения, комиксов, киножурналов и всех форм рекламы — была представлена ​​решительно и объективно, без похвалы или осуждения, но с подавляющей непосредственностью и с помощью точных коммерческих методов, используемых средствами массовой информации, из которых иконография сам был заимствован.Поп-арт представлял собой попытку вернуться к более объективной, универсально приемлемой форме искусства после доминирования как в Соединенных Штатах, так и в Европе сугубо личного абстрактного экспрессионизма. Он также был иконоборцем, отвергая как превосходство «высокого искусства» прошлого, так и претензии другого современного авангардного искусства. Поп-арт стал культурным событием из-за того, что он точно отражает определенную социальную ситуацию, а также потому, что его легко воспринимаемые образы немедленно использовались средствами массовой информации.Хотя критики поп-арта называли его вульгарным, сенсационным, неэстетичным и шуткой, его сторонники (меньшинство в мире искусства) считали его искусством, которое было демократичным и недискриминационным, объединяющим как знатоков, так и неподготовленных зрителей.

Поп-арт был потомком дадаизма, нигилистического движения, существовавшего в 1920-х годах, которое высмеивало серьезность современного парижского искусства и, в более широком смысле, политическую и культурную ситуацию, которая привела к войне в Европе. Марсель Дюшан, поборник дадаизма в США, который пытался сократить расстояние между искусством и жизнью, прославляя объекты массового производства своего времени, был самой влиятельной фигурой в эволюции поп-арта.Другими художниками 20-го века, оказавшими влияние на поп-арт, были Стюарт Дэвис, Жерар Мерфи и Фернан Леже, все из которых изображали в своих картинах точность, массовое производство и коммерческие материалы машинно-индустриальной эпохи. Непосредственными предшественниками художников-поп-художников были Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 1950-х годах рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, хотя и с живописной выразительной техникой.

Одними из наиболее ярких форм, которые принял поп-арт, были стилизованные репродукции комиксов Роя Лихтенштейна с использованием цветных точек и плоских тонов коммерческой печати; Скрупулезные буквальные рисунки Энди Уорхола и шелкотрафаретные отпечатки этикеток для банок, мыльных коробок и рядов бутылок с прохладительными напитками; Мягкие пластмассовые скульптуры Класа Ольденбурга таких предметов, как сантехника, пишущие машинки и гигантские гамбургеры; «Великие американские обнаженные девушки» Тома Вессельмана, плоские прямые изображения безликих секс-символов; а также построенные картины Джорджа Сигала с гипсовыми фигурами в натуральную величину, помещенными в реальную среду (например,г., обеденные стойки и автобусы) извлечены со свалок.

Рой Лихтенштейн: Вау!

Whaam! , акрил и масло на двух холстовых панно, Рой Лихтенштейн, 1963; в галерее Тейт Модерн, Лондон. 174 × 408 см.

Предоставлено попечителями галереи Тейт, Лондон Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Большинство художников поп-музыки стремились к безличному, вежливому отношению в своих работах. Некоторые примеры поп-арта, однако, тонко выражали социальную критику — например, поникшие предметы Ольденбурга и монотонное повторение одного и того же банального образа Уорхолом, несомненно, вызывают тревогу, — а некоторые, такие как таинственные, одинокие картины Сигала, являются откровенно экспрессионистскими. .

Джордж Сигал

Джордж Сигал с одной из своих работ, фотография Арнольда Ньюмана, 1964.

© Арнольд Ньюман

Американский поп-арт имел тенденцию быть символичным, анонимным и агрессивным; Английский поп, более субъективный и референциальный, выражал несколько романтический взгляд на поп-культуру, которому способствовала относительная удаленность Англии от нее. Английские исполнители поп-музыки имели тенденцию иметь дело с технологиями и популярной культурой в первую очередь как с темами, даже как с метафорами; некоторые американские исполнители поп-музыки, казалось, действительно жили этими идеями.Девиз Уорхола, например, был: «Я думаю, что каждый должен быть машиной», и он пытался в своем искусстве создавать произведения, которые могла бы создать машина.

Поп-арт получил признание критиков как вид искусства, подходящий для высокотехнологичного, ориентированного на СМИ общества западных стран. Хотя поначалу публика не воспринимала его всерьез, к концу 20 века он стал одним из самых признанных течений в искусстве.

Что такое поп-арт? Техники, художники и примеры, сформировавшие движение

Возможно, самое известное художественное развитие 20-го века, поп-арт, возник как реакция на потребительство, средства массовой информации и массовую культуру.Это движение появилось в 1950-х годах и набрало обороты в шестидесятые. Поп-арт отошел от теории и методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, ведущем движении, которое ему предшествовало. Вместо этого он использовал предметы повседневного обихода и средства массовой информации, такие как газеты, комиксы, журналы и другие обыденные предметы, для создания ярких композиций, сделав движение краеугольным камнем современного искусства.

Это введение идентифицируемых образов было серьезным отклонением от направления модернизма, который поп-артисты считали пустым и элитарным.Многие художники, связанные с этим движением, в первую очередь Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, достигли беспрецедентной славы и статуса, опыт, который приблизил практикующих к мейнстриму знаменитостей. Сегодня поп-арт — один из самых узнаваемых видов искусства.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — это движение, возникшее в середине 20-го века, когда художники включали в свои работы обычные предметы — комиксы, консервные банки, газеты и многое другое. Движение поп-арт было направлено на укрепление идеи о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.

Краткая история поп-арта

Антонио Каро, «Колумбия», 1977 г. Продано за 10 000 долларов через Phillips (май 2014 г.).

Поп-арт зародился в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием «Независимая группа». Вскоре он распространился в Соединенных Штатах. Большая часть корней движения возникла в результате культурной революции, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом. Движение быстро распространилось, и многие считают, что У.Коллаж , пионера поп-музыки Ричарда Гамильтона 1956 года. Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? стал официальным началом культурного феномена после того, как он появился в лондонской галерее Уайтчепел.

Гамильтон описал характеристики движения, написав: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый, массовый, молодой (ориентированный на молодежь) , Сексуальный, бесподобный, гламурный, крупный бизнес.«После того, как движение ворвалось на сцену в Соединенных Штатах, оно быстро распространилось по всему миру и продолжает оказывать влияние на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

Характеристики поп-арта

Кусама Яёи, «Шляпа», 1929 г. Продано за 100 000 йен на аукционе Est-Ouest Auctions Co., Ltd (июль 2009 г.).

Поп-арт легко узнаваем благодаря его яркости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих самых знаковых произведениях этого движения. Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

  • Узнаваемые образы: В поп-арт использовались изображения и значки из популярных СМИ и товаров.Сюда входили коммерческие товары, такие как консервные банки, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты и другие товары, популярные в коммерческом мире. Были включены даже торговые марки и логотипы.
  • Яркие цвета: Поп-арт отличается яркими яркими красками. Основные цвета — красный, желтый и синий — были заметными пигментами, которые использовались во многих известных работах, особенно в работе Роя Лихтенштейна.
  • Ирония и сатира: Юмор был одной из основных составляющих поп-арта.Художники используют предмет, чтобы заявить о текущих событиях, высмеять причуды и бросить вызов статус-кво.
  • Инновационные методы: Многие художники поп-музыки занимались гравюрой, что позволяло им быстро воспроизводить изображения в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, посредством которого чернила переносятся на бумагу или холст через сетку с трафаретом. Рой Лихтенштейн использовал литографию или печать с металлической пластины или камня, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля.Поп-художники часто брали образы из других областей основной культуры и включали их в свои произведения искусства в измененном или исходном виде. Этот тип искусства присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высоким и низким искусством, которое отделяло рекламу и медиа от изобразительного искусства.
  • Смешанная техника и коллаж: Поп-художники часто смешивали материалы и использовали различные типы средств массовой информации. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили движение поп-арта, художники Том Вессельманн и Ричард Гамильтон объединили, казалось бы, разрозненные образы в одно полотно, чтобы создать совершенно современную форму повествования.Точно так же Марисоль известен скульптурами, в которых для изображения фигур используются самые разные материалы.

Поп-исполнители, определившие движение

Энди Уорхол

Энди Уорхол. Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Имя Энди Уорхола стало синонимом американского поп-арта. Работы Уорхола олицетворяют многие аспекты движения, такие как одержимость знаменитостями, повторение изображений и использование рекламы в качестве темы.Его самые известные серии включают «Банки с супом Кэмпбелла», изображения Жаклин Кеннеди Онассис и «Смерть и катастрофа». Уорхол сотрудничал с такими артистами, как Жан-Мишель Баския, и коммерческими брендами, такими как Perrier. В конце концов он открыл студию художника под названием «Фабрика», которая служила мастерской для творчества Уорхола, а также местом встречи богемы.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, «Нога и рука» (1964). Продана за 14000 долларов на аукционе Dane Fine Art Auctions (август 2018 г.).

Другой культовый американский поп-исполнитель — Рой Лихтенштейн. Характерный стиль Лихтенштейна, известного своим использованием основных цветов и смелых очертаний, отсылает к комиксам, из которых он заимствовал большую часть своих ранних исходных материалов. Даже в более поздних сериях работ Лихтенштейн использовал точки Бен-Дея, чтобы вызвать комический стиль в своих полотнах и скульптурах. Подобно Уорхолу и Лихтенштейну, Эд Руша и Джеймс Розенквист взяли темы из печатных СМИ, чтобы создать риффы на вывесках, которые олицетворяли дух культурного времени.

Роберт Раушенберг

Раушенберг радикально смешал материалы и методы для создания замечательных коллажей в стиле поп-арт, в которых были использованы популярные образы того периода времени, в который он существовал. Одна из его самых заметных работ, Retroactive II , созданная в 1964 году, представляла собой изображение на шелкографии, на котором был изображен портрет Джона Ф. Кеннеди и астронавта НАСА среди других изображений, смешанных и смешанных интересным образом.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни стал пионером британского поп-арта в 1960-х годах, создавая полуабстрактные картины и экспериментируя с широким спектром средств массовой информации.Его работа 1967 года « A Bigger Splash » была одной из множества картин в стиле поп-арт, сосредоточенных вокруг бассейнов, очарование, которое возросло после того, как он переехал в Калифорнию и признал непринужденный, чувственный образ жизни жителей этого района.

Женщины-поп-исполнители

Эвелин Аксель, «La directrice aux fruit», 1972 г. Продано за 50 000 евро через Cornette de Saint-Cyr-Bruxelles (декабрь 2016 г.).

Женщины-поп-исполнители часто исключаются из традиционного повествования движения, но многие из них играли ключевую роль на протяжении всей своей карьеры.Драматург и авангардистка Розалин Дрекслер, концептуалист и поп-художник Марисоль и бельгийская художница Эвелин Акселл внесли свой вклад в успех поп-движения. Сегодня все больше женщин-поп-исполнителей участвуют в музейных выставках и аукционах благодаря этим первопроходцам.

Факты о поп-арте

  • Первое произведение поп-арта было создано шотландским художником Эдуардо Паолоцци в 1952 году. Это был коллаж из журналов под названием «Я был игрушкой для богатых» .
  • Поп-арт изначально назывался пропагандистским искусством.
  • Энди Уорхол разработал культовую обложку для дебютного альбома The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.
  • The Souper Dress, одноразовая одежда, вдохновленная серией Уорхола Campbell’s Soup Can , была произведена Campbell Soup Company в 1966–67.
  • Использование найденных предметов и изображений в поп-арте восходит к движению Дада в начале 1900-х годов.
  • Художники, такие как Джефф Кунс и Клас Ольденбург, высмеивали повседневные предметы, изображая их в монументальных пропорциях.Знаменитые предметы Ольденбурга включают гигантские шарики для мороженого, ложки, прищепки и многое другое.
  • Самым дорогим из когда-либо проданных Уорхолом был Silver Car Crash (Double Disaster) , созданный им в 1963 году. В 2013 году он был продан за 105 миллионов долларов.

Поп-арт распространился практически по всем слоям общества, сначала благодаря сотрудничеству художников в области дизайна и музыки, а затем, когда новые поколения художников были вдохновлены стилем середины века. В 80-е годы некоторые художники-постмодернисты работали под лозунгом «Нео-поп.Эти художники, в том числе Джефф Кунс, продолжали брать предметы из повседневной жизни и включать их в свои произведения искусства.

Сегодня мантию поп-арта подхватывают такие художники, как японский феномен Такаши Мураками. Мураками придумал термин «суперплоскость» для описания своего искусства, которое относится к его графическому характеру, вдохновленному аниме, поп-культурой и потреблением. Кроме того, уличные художники, такие как Бэнкси, испытали влияние наследия поп-арта, используя трафареты и графический дизайн для достижения аналогичной эстетики в своих работах.

Поскольку поп-арт почти идеально имитирует те аспекты общества, на которые он реагирует, его влияние на культуру в Соединенных Штатах и ​​за их пределами на данный момент неизмеримо.

Источники : Художественная история | Тейт | Моя современная встреча | МоМа | Британская энциклопедия | Искусство сердечное

Поп-арт. TASCHEN Книги

Сюжеты Pop Art лежат в банальных и обыденных предметах , которые нас окружают; суповые банки и комиксы, кинозвезды и заправочные станции.Охватывая период с середины 1950-х годов и продолжающийся до наших дней, движение поп-арта бросило вызов самим основам изящного и «высокого» искусства. Созданные из «поп-музыки» в массовой культуре, произведения искусства этой эпохи использовали массовую культуру в качестве материала, ставили под сомнение роль художника и применяли методы, связанные с методами механического воспроизведения.

Поп-арт возник как реакция на идеи абстрактного экспрессионизма, которые отдавали предпочтение субъективному опыту и подчеркивали уникальный подход отдельного художника.Вместо этого поп-художники создавали произведения, которые отрицали возможность оригинальности, и во многих случаях были копиями или сериями повторов, например шелкография Энди Уорхола с изображением Мэрилин Монро или Плачущая девушка Роя Лихтенштейна, симулякра иллюстрации из комиксов . . В произведениях искусства использовались реклама, журналы, знаменитости, маркировка, логотипы, найденные изображения и объекты, а также типографика коммерческого графического дизайна. Поп-арт также можно идентифицировать по характеристикам иронии, китч и стилизации, что делает его отчетливо выраженным постмодернистским движением .

Будь то глянцевые копии или фрагментарные повествования, поп-артисты, такие как Кейт Харинг, Джефф Кунс, Ричард Гамильтон, Клас Ольденбург, Эд Руша, Роберт Индиана, Джаспер Джонс и Билли Эппл, создали самые разные работы. TASCHEN отражает широту популярности в книгах , адресованных группе в целом, а также в книгах серии Basic Art Series о выдающихся художниках. Многие из книг TASCHEN связаны с наследием поп-арта, как, например, обложка Аллена Джонса для монографии Наоми Кэмпбелл или книга Дэвида Хокни SUMO.Отмечая середину искусства XX века , Pop продолжает помогать нам понять мир, в котором мы живем — мир, в котором границы искусства и жизни продолжают стираться.

Художники по направлению: Поп-арт

Художественное движение

Поп-арт начался с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, каждый из которых опирался на популярные образы и фактически был частью международного явления.После популярности абстрактных экспрессионистов, повторное введение Попом идентифицируемых образов (взятых из средств массовой информации и массовой культуры) стало серьезным сдвигом в направлении модернизма. Тематика стала далека от традиционных тем «высокого искусства» морали, мифологии и классической истории; скорее, поп-художники прославляли обычные предметы и людей повседневной жизни, таким образом стремясь поднять массовую культуру на уровень изящного искусства. Возможно, благодаря использованию коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

История поп-арта уходит корнями в Великобританию. В 1952 году собрание художников в Лондоне, называющих себя Независимой группой, начало регулярно встречаться для обсуждения таких тем, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, найденный объект, а также наука и технологии. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Аллоуэй и Рейнер Бэнхэм. Британия в начале 1950-х годов все еще выходила из аскетизма послевоенных лет, и ее граждане неоднозначно относились к американской поп-культуре.Хотя группа с подозрением относилась к ее коммерческому характеру, они с энтузиазмом относились к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, обещала будущее. Образы, которые они подробно обсуждали, включали изображения из западных фильмов, научной фантастики, комиксов, рекламных щитов, автомобильного дизайна и рок-н-ролла.

Фактический термин «поп-арт» имеет несколько возможных источников: первое письменное использование этого термина было приписано как Лоуренсу Аллоуэй, так и Элисон и Питеру Смитсону, а также Ричарду Гамильтону, который дал определение попу в письме, в то время как Первое произведение искусства со словом «поп» было создано Паолоцци.Его коллаж I Was a Rich Man’s Plaything (1947) содержал нарезанные изображения девушки-кинозвезды, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, бомбардировщика времен Второй мировой войны и руки человека, держащей пистолет, из которого вырвался мир. «ПОП!» в пухлом белом облаке.

К середине 1950-х художники, работающие в Нью-Йорке, столкнулись с критическим моментом в современном искусстве: следовать за абстрактными экспрессионистами или восстать против строгого формализма, отстаиваемого многими школами модернизма. К этому времени Джаспер Джонс уже нарушал условности абстрактных картин, которые включали отсылки к «вещам, которые уже знает разум» — мишеням, флажкам, отпечаткам ладоней, буквам и цифрам.Между тем, Роберт Раушенберг «сочетает» найденные объекты и изображения с более традиционными материалами, такими как масляная краска. Точно так же «Happenings» Аллана Капроу и группа Fluxus решили включить аспекты из окружающего мира в свое искусство. Эти художники, наряду с другими, позже объединились в движение, известное как Неодада. Классическое ныне нью-йоркское поп-искусство Роя Лихтенштейна, Класа Ольденбурга, Джеймса Розенквиста и Энди Уорхола возникло в 1960 году по стопам неодадаистов.

Когда был завершен переход от конструкций найденных объектов художников-неодада к поп-движению, со стороны художников появился широкий интерес к включению поп-культуры в свои работы. Хотя художники из Independent Group в Лондоне инициировали использование слова «поп» по отношению к искусству, американские художники вскоре последовали их примеру и включили поп-культуру в свои произведения искусства. Хотя отдельные стили широко различаются, все художники сохраняют общность в выборе изображений популярной культуры в качестве основного предмета.Вскоре после того, как американский поп-арт появился на мировой арене искусства, его разновидности из материковой Европы получили развитие в группе капиталистического реализма в Германии и в движении нуво-реализм во Франции.

В отличие от Нью-Йорка, художественный мир Лос-Анджелеса был гораздо менее жестким, в нем не было установленных галерей, критики и иерархии восточного побережья; эта открытость отражается в стилях художников, которые здесь жили и работали. Первый музейный обзор поп-арта, New Painting of Common Objects , был проведен в Художественном музее Пасадены в 1962 году и продемонстрировал Уорхола и Лихтенштейна, а также многих художников, живущих в Лос-Анджелесе, включая Эда Руша, Джо Гуда, Филиппа Хеффертона, Уэйн Тибо и Роберт Дауд.Другие художники из Лос-Анджелеса, такие как Билли Аль Бенгстон, включили другой вид эстетики в свою версию поп-музыки, используя новые материалы, такие как автомобильная краска, и ссылаясь на серфинг и мотоциклы в своих работах, которые делают знакомое странным за счет новых и неожиданных комбинаций изображений и мультимедиа. . Смещая акцент с конкретных потребительских товаров, эти художники позволили поп-арту выйти за рамки репликации, чтобы включить опыт и вызвать определенное чувство, отношение или идею, одновременно раздвинув границы между высоким искусством и популярной культурой.

Поп-арт будет продолжать влиять на искусство и в последующие десятилетия, а такие художники, как Уорхол, сохраняли свое грандиозное присутствие в мире искусства Нью-Йорка до 1980-х годов. Поп потерял популярность в 1970-х, когда мир искусства сместил акцент с арт-объектов на инсталляции, перформансы и другие, менее осязаемые формы искусства.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *