homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Первым образцом барокко можно считать церковь Иль-Джезу (купольная базилика), возведенную к 1575 году архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола (1507 – 1573) и Джакомо делла Порта (около 1537 – 1602) для монашеского ордена иезуитов.

Очень торжественно выглядит интерьер храма, оформленный мощными колоннами и пилястрами, многочисленными скульптурными украшениями. Обилие деталей притягивает к себе внимание вошедшего в церковь, как бы намеренно затрудняя движение к области купола, где его ждёт пространственный прорыв вверх. Всё это напоминает духовный путь человека к общению с Богом – через преодоление страстей и пороков.

Интересна композиция фасада Иль-Джезу, выполненного Джакомо делла Порта. Мастер разделил огромную плоскость стены на два яруса, оформив каждый из них ордером. Более узкий верхний ярус обрамлён по краям спиралевидными деталями – волютами (итал.voluta– «завиток») и словно перетекает вниз. Это придаёт фасаду сложный, выразительный

облик. Впоследствии такое оформление стало типичным для многих соборов и церквей в стиле барокко (появился даже термин «иезуитский стиль», относящийся к этим постройкам).

Влияние композиции Иль-Джезу испытал Карло Мадерна (1556 – 1629), внёсший огромный вклад в создание церковной архитектуры барокко (напр. его церковь Св. Сусанны в Риме (1596 – 1603) (Рис. 2.1)). Главным делом жизни Мадерны была перестройка собора Святого Петра (1607 – 1617 гг.) (Рис. 2.5). К основному зданию, возведённому ещё в эпоху Возрождения Микеланджело, он прибавил большой притвор, превратив весь собор из центрического в вытянутый базиликальный. Помещение храма получило стремительное движение к подкупольному пространству

Рис. 2.1

Стремление барокко к взаимодействию с пространством отразилось в перепланировке городов. Первым по этому пути пошел Рим. Его перепланировка была осуществлена главным образом в период понтификата Сикста V(1585 – 1590), под руководством архитектора Доменико Фонтана (1543 – 1607). Проект предусматривал строительство прямых магистралей, соединяющих семь основных римских базилик, в том числе находящихся на окраинах города. Преследовались две цели: экономическая – развитие удаленных от центра районов, и символическая – создание единого священного города. Принцип Фонтана имел огромное значение для всего последующего европейского градостроительства.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. В архитектуре вилл развивались те же принципы осевого построения, что и в градостроительстве: центральная подъездная дорога, парадный зал виллы и главная аллея парка по другую сторону фасада проходят по одной оси. Гроты, балюстрады, скульптуры, фонтаны обильно украшают парк. Декоративный эффект ещё больше усиливается расположением всего ансамбля террасами на крутом рельефе местности. Одним из самых замечательных садово-парковых произведений XVIвека явилась вилла д`Эсте (Рис.2.3), начатая в 1549 году неаполитанским архитектором, художником и антикваром Пирро Лигорио, а также вилла Альдобрандини во Фраскати (1598 – 1603 гг.) архитектора Джакомо делла Порта (Рис. 2.2).

Рис. 2.2

Рис. 2.3

Эволюция форм в архитектуре барокко. Овальная планировка -1. Поздний ренессанс и раннее барокко: tito0107 — LiveJournal

Рис. из Британской Энциклопедии, 1911 г.

Овальную форму имеет и арка моста Вздохов в Венеции (ок. 1600 г.) – сооружения уже типично барочного:

Использование овалов и эллипсов в планировке церквей связано в первую очередь с именем Джакомо Бароцци да Виньолы(1507-1573). В середине 16 века он строит ц. Сант Андреа на Фламиниевой дороге в Риме. (Закончена в 1554 г.)

Церковь имела прямоугольную форму, и Виньола решил увенчать ее не круглым куполом, а овальным.

Снаружи, особенно со стороны фасада, облик церкви еще типично ренессансный, но именно она стала предтечей многих барочных храмов и не только храмов.

Другая церковь Виньолы – Санта Анна делла Палафреньери в Ватикане.

Вид церкви изнутри.

План.
Здесь идея овальных форм распространяется не только на купол, но и на планировку в целом, причем овал здесь уже очень близок к эллипсу. Церковь начала строиться в 1572 г. и была завершена только почти полвека спустя сыном Виньолы Джачинто Бароцци.

Вид церкви Санта Анна на плане 1615 г. Видно, что купол еще не начал строиться
Примечательно, что архитектор, которого зачастую противопоставляют Виньоле, Андреа Палладио (1508-1580), также использовал эллиптическую планировку, только не в церкви, а в театре Олимпико в Виченце. 

Театр Олимпико. План.
Там зрительные места расположены в форме полуэллипса, а не полукруга, как в античных театрах.
Овалы используются не только в планировке зданий, но и в планировке садов. Например, Бартоломео Аманати планирует овальные боскеты в садах Боболи, а Пирро Лигорио – овальный фонтан в парке виллы д’Эсте.

План садов Боболи. Кон. 18-нач. 19 в.

Вилла д’Эсте. Овальный фонтан. 1567, арх. Пирро Лигорио.

Идея овальной планировки церквей не получила серьезного развития в эпоху раннего барокко, но в середине 17 столетия, когда возможности развития других барочных элементов были исчерпаны она пережила возрождение. Но об этом – в следующем посте.

Раннее барокко в Италии — Студопедия

В Италии главным заказчиком архитектурных сооружений стала церковь, прежде всего в связи с необходимостью строительства новых храмов. Здесь прослеживаются три основные причины: во-первых, после Тридентского Собора церковь стала ратовать за возврат к базиликальной схеме, более отвечающей потребностям богослужения и новой идеологии, нежели принятая в эпоху Возрождения центрическая конструкция. Во-вторых, архитектура барокко выполняла пропагандистские функции, объединяя народ с церковью и являясь оружием контрреформации. В-третьих, сама конструкция культового здания должна была организовывать и направлять внимание посетителей.

Первым образцом барокко можно считать церковь Иль-Джезу (купольная базилика), возведенную к 1575 году архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола (1507 – 1573) и Джакомо делла Порта (около 1537 – 1602) для монашеского ордена иезуитов.

Очень торжественно выглядит интерьер храма, оформленный мощными колоннами и пилястрами, многочисленными скульптурными украшениями. Обилие деталей притягивает к себе внимание вошедшего в церковь, как бы намеренно затрудняя движение к области купола, где его ждёт пространственный прорыв вверх. Всё это напоминает духовный путь человека к общению с Богом – через преодоление страстей и пороков.

Интересна композиция фасада Иль-Джезу, выполненного Джакомо делла Порта. Мастер разделил огромную плоскость стены на два яруса, оформив каждый из них ордером. Более узкий верхний ярус обрамлён по краям спиралевидными деталями – волютами (

облик. Впоследствии такое оформление стало типичным для многих соборов и церквей в стиле барокко (появился даже термин «иезуитский стиль», относящийся к этим постройкам).

Влияние композиции Иль-Джезу испытал Карло Мадерна (1556 – 1629), внёсший огромный вклад в создание церковной архитектуры барокко (напр. его церковь Св. Сусанны в Риме (1596 – 1603) (Рис. 2.1)). Главным делом жизни Мадерны была перестройка собора Святого Петра (1607 – 1617 гг.) (Рис. 2.5). К основному зданию, возведённому ещё в эпоху Возрождения Микеланджело, он прибавил большой притвор, превратив весь собор из центрического в вытянутый базиликальный. Помещение храма получило стремительное движение к подкупольному пространству

Рис. 2.1

Стремление барокко к взаимодействию с пространством отразилось в перепланировке городов. Первым по этому пути пошел Рим. Его перепланировка была осуществлена главным образом в период понтификата Сикста V (1585 – 1590), под руководством архитектора Доменико Фонтана (1543 – 1607). Проект предусматривал строительство прямых магистралей, соединяющих семь основных римских базилик, в том числе находящихся на окраинах города. Преследовались две цели: экономическая – развитие удаленных от центра районов, и символическая – создание единого священного города. Принцип Фонтана имел огромное значение для всего последующего европейского градостроительства.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. В архитектуре вилл развивались те же принципы осевого построения, что и в градостроительстве: центральная подъездная дорога, парадный зал виллы и главная аллея парка по другую сторону фасада проходят по одной оси. Гроты, балюстрады, скульптуры, фонтаны обильно украшают парк. Декоративный эффект ещё больше усиливается расположением всего ансамбля террасами на крутом рельефе местности. Одним из самых замечательных садово-парковых произведений XVI века явилась вилла д`Эсте (Рис.2.3), начатая в 1549 году неаполитанским архитектором, художником и антикваром Пирро Лигорио, а также вилла Альдобрандини во Фраскати (1598 – 1603 гг.) архитектора Джакомо делла Порта (Рис. 2.2).

Рис. 2.2

Рис. 2.3

Архитектурный стиль барокко

Римская церковь ордена иезуитов Иль-Джезу — Во имя Христа.

Первым сооружением в стиле барокко считается римская церковь ордена иезуитов Иль-Джезу — Во имя Христа. Композиция сооружения стала завершающим этапом в эволюции архитектуры храмовых сооружений эпохи Возрождения.

Барокко – стиль в архитектуре 16- 18 вв. Появился барокко в Италии как результат развития стиля Ренессанс, а также благодаря ослаблению влияния церкви и усилению новой светской философии. Архитектурный стиль барокко отличается монументальностью, динамичностью, оригинальностью решений.

Для того, чтобы создать эффект неожиданности, зодчие нередко пренебрегали традиционно принятыми правилами построений планов своих сооружений, внедряли нарочитое несоответствие между разными частями зданий, создавали необычные пластичные фасады, использовали крупный декор, игру света и тени.

Впечатление от строений иногда создает ощущение, что конструкция является вторичной по отношению к внешнему пластическому оформлению. Это достигалось декоративными объемными фасадами, которые вуалировали конструкцию строения. Барокко – стиль, для которого характерны сложные формы, переплетения, плавный переход из одной плоскости в другую, преобладание криволейных поверхностей и линий.

Чередование выпуклых и вогнутых поверхностей создают ощущение более глубоких объемов, рождают пространственные иллюзии. Одним из важных составляющих стиля барокко является архитектурный ордер. Ордер в классической архитектуре является базовым модулем, который может неоднократно повторяться, отделяя друг от друга этажи, пролеты, определяя структуру здания. Изменения какой-либо из частей или нарушение пропорций может разрушить целостность восприятия сооружения. Но именно это явление стимулировало зодчих стиля барокко вмешиваться в пропорции и вносить изменения в элементы ордера.

Архитекторы в архитектуре в стиле барокко использовали разные ордера: от строгого дорического до пышного коринфского. Элементы ордера растягивали, скручивали, накладывали друг на друга. Пропорции и ритм расположения элементов тоже претерпевал изменения по отношению к традиционным классическим.

Чем больше изменений производились зодчими в отношении ордера, тем менее значимым казался сам ордер. В декоре барокко активно участвуют фронтоны, волюты, колонны, объемный крупный рельеф. Большое значение в архитектуре стиля барокко приобретает монументальная скульптура, которую широко используют в декоре зданий. Многоплановые скульптурные композиции обычно имеют выраженную динамику: скульптуры, изображающие людей, выражают состояние напряжения, драматизма, экзальтации.

В строениях барокко скульптура и лепные орнаменты нередко спорят с конструкцией, ордером и оттягивают внимание на себя. Изобилие лепнины, прерывистый характер антаблеметов, крупные скульптурные композиции, иногда производили эффект распада ордера, как, например, в сооружении Цвингер с его рельефными фасадами и воротами, богато декорированными скульптурой и орнаментом, контрастами между низкими аркадами и высокими павильонами.

Цвингер. Дрезден. Сооружение проектировалось и строилось Маттеусом Даниелем Пеппельманом по заказу Фридриха Августа I. В 1733 г. строительство было заброшено, и только в 1855 г. строительство было завершено при участии архитектора Готфрида Земпера.

Примеры сооружений в раннем барокко стиле

Палаццо Кариньяно. Построено архитектором Гварино Гварини в 1679 г.

Гварино Гварини (1624—1683), известный также под именем Камилло Гуарини — итальянский архитектор, математик и теолог, работал преимущественно в Турине. По его проектам и книгам по архитектуре учились архитекторы позднего барокко в Северной Италии и Центральной Европе.

Общая структура здания напоминает палаццо эпохи Возрождения (призматический объем, замкнутый двор), однако в эту традиционную схему внесен элемент «неожиданности»: центральная часть главного корпуса напоминает вставку в основной объем.

Плаццо Кариньяно. Арх. Г. Гварини. 1679 г.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме (1638-1667 гг.) Архитектор Франческо Борромини(1599—1667 гг.) – настоящее имя Франческо Кастелли.

Борромини – современник и соперник Беррини. Его работы отличались модульными конструкциями.

Церковь расположена на перекрестке улиц, что побудило зодчего использовать в конструкции три модуля, которые могли бы использоваться в разных зданиях.

Первый модуль: волнообразная нижняя часть строения. Второй модуль, в середине церкви, создан по традиционному плану греческого креста, третий, верхний модуль – овальный купол. Фасад дополняется сложными переплетенными рельефами, благодаря которым создается ощущение наложенной на стену декоративной аппликации, что делает здание очень живописным.

Фасад делится на ярусы, каждый из которых наделен ордером. Карниз церкви имеет изогнутую волнообразную форму. На фасаде отсутствуют гладкие поверхности. В пространстве между колоннами находятся скульптурные группы с фонтанчиками.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме (1638-1667). Арх. Борромини.

Фрагмент фасада церкви Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме (1638-1667). Арх. Борромини.

Церковь Сант Андреа в Риме на улице Квиринале — одно из сооружений в стиле барокко. Архитектура церкви создает ощущение плавного движения.

Джованни Лоренцо Бернини (1598—1680) — архитектор, скульптор, художник, драматург, работал при восьми папах. Его произведениям были свойственны пластичность, динамизм и экспрессивность. В 1629 г. Бернини был назначен главным архитектором собора Св. Петра

Фасад церкви Caнт Андреа ин Квиринале Бернини сделал двойным: к основной массивной части, созданной при помощи ордера в два этажа с треугольным фронтоном наверху, примыкает изящный портик с колоннами.

Полукруглые ступени ведут к двухколонному портику, поддерживающий полукруглый антамблент. Малый портик вписан в большой портик с коринфскими пилястрами и треугольным фронтоном.

Церковь Сант Андреа ин Квиринале (Church of Saint Andrew’s at the Quirinal), Рим. Лоренцо Бернини 1653 г.

Преемственность барокко и рококо

Стиль барокко и рококо считаются родственными, хотя, кроме общего: криволинейности поверхностей, парадности и роскоши, имеются и значительные отличия: рококо стал первым безордерным стилем, массивность барокко сменились легкостью и изяществом. Рококо возникло, когда ушла мода на грандиозные дворцовые комплексы.

В этом стиле строили, в основном, частные особняки и загородные резиденции. Весь период рококо приходится на 20-е — 40-е годы 18 века, за короткое время распространившись в странах Европы.

В стиле рококо творили архитекторы Г. Кнобельсдорф (Knobeisdorff), И. Нёйман (Neumann), М. Пёппельман (Matthäus Daniel Pöppelmann), Ринальди (Rinaldi).

Сан-Суси в Потсдаме. Стиль рококо. 1745-1747 гг. Арх. Г. Кнобельсдорф (Knobeisdorff) (1699—1753гг.) Дворец, построенный по проекту Фридриха Великого в Потсдаме.

Архитектурные стили барокко и рококо отвечали образу жизни и философии представителей европейской аристократии. С появлением нового класса буржуа, а также поднятием революционных настроений в обществе эти стили сменились классицизмом, однако, элементы этих роскошных стилей послужили основой для создания новых стилевых направлений в конце 19 – начале 20 веков.

автор: Марина Калабухова

История музыки барокко и ее истоки

Музыка барокко

Музыка барокко — это стиль западной художественной музыки, сочиненный примерно с 1600 по 1750 год. Эта эпоха последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, последовала эпоха классицизма. Слово «барокко» происходит от португальского слова barroco, означающего деформированную жемчужину, что является негативным описанием богато украшенной и богато украшенной музыки этого периода.Позже это название стало применяться и к архитектуре того же периода.

Музыка барокко составляет основную часть канона «классической музыки», она широко изучается, исполняется и слушается. Среди композиторов эпохи барокко — Иоганн Себастьян Бах, Джордж Фридрих Гендель, Алессандро Скарлатти, Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Арканджело Корелли, Томазо Альбинони, Франсуа Куперин, Денис Гаултиерди Генрих Шютц, Жан-Филипп Рамо, Ян Дисмас Зеленка и Иоганн Пахельбель.

В эпоху барокко возникла тональность. В этот период композиторы и исполнители использовали более сложные музыкальные орнаменты, внесли изменения в нотную запись и разработали новые приемы инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также утвердила оперу, кантату, ораторию, концерт и сонату как музыкальные жанры. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

Этимология

История европейского музыкального искусства

Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого диапазона стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданных за период примерно 150 лет.

Хотя долгое время считалось, что это слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 г. Рамо Hippolyte et Aricie, напечатано. в Mercure de France в мае 1734 г.Критик намекал, что новинка этой оперы — «дю барок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода произошло сравнительно недавно. В 1919 году Курт Закс стал первым, кто систематически применил к музыке пять характеристик теории барокко Генриха Вельфлина.Критики поспешили поставить под сомнение попытку перенести категории Вёльфлина в музыку, и во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофцером (в Германии, а после иммиграции в Америке) и Сюзанной Клеркс-Лежен. (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластических искусствах и литературе, к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям относительно временных границ периода, особенно относительно того, когда он начался.В английском языке этот термин приобрел популярность только в 1940-х годах в трудах Букофцера и Пола Генри Лэнга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Баха под единой рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и использоваться для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить барокко как от предшествующего (Возрождения), так и от последующих (классических) периодов музыкальной истории.

История

Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Хотя они частично совпадают по времени, их условно датируют периодом с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Музыка раннего барокко (1580–1630)

Florentine Camerata — это группа гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов во Флоренции позднего Возрождения, которые собрались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направить тенденции в искусстве, особенно в музыке и драме.Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, в которой ценились дискурс и ораторское искусство. Таким образом, они отвергли использование современниками полифонии и инструментальной музыки и обсуждали такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, которая состояла из сольного пения в сопровождении кифары. Ранние воплощения этих идей, в том числе Dafne Якопо Пери и L’Euridice , положили начало опере, которая, в свою очередь, стала катализатором для музыки барокко.

Что касается теории музыки, более широкое использование фигурного баса (также известного как тщательный бас ) представляет растущее значение гармонии как линейной основы полифонии. Гармония — это конечный результат контрапункта, а фигурный бас — визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. Композиторы начали заниматься гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса.Инвестиции в гармонию существовали также среди некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно Карло Джезуальдо; Однако использование гармонии, направленной на тональность, а не на модальность, знаменует переход от эпохи Возрождения к периоду барокко. Это привело к идее, что аккорды, а не ноты могут обеспечить ощущение завершения — одна из фундаментальных идей, которая стала известна как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от стиля музыки эпохи Возрождения к стилю эпохи барокко.Он разработал два индивидуальных стиля композиции — наследие ренессансной полифонии (prima pratica) и новую технику бассо континуо барокко (seconda pratica). Написав среди прочего оперы L’Orfeo и L’incoronazione di Poppea , Монтеверди привлек значительное внимание к новому жанру оперы.

Музыка среднего барокко (1630–1680)

Возникновение централизованного двора — одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют Эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции.Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которые он воспитал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.

Период среднего барокко в Италии определяется появлением в 1630-х годах стиля бельканто в кантате, оратории и опере. Этот стиль, один из самых важных вкладов в развитие барокко, а также более позднего классического стиля, был порожден новой концепцией мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше имели считался выдающимся.Цветочная монодия колоратуры раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю, обычно в тройном ритме. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных узорах, взятых из сарабанды или куранте. Гармонии также были проще, чем в монодии раннего барокко, и сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктную эквивалентность частей, что позже привело к устройству первоначального басового предвкушения мелодии арии.Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному способу разграничения речитатива и арии. Самыми важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в основном композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важные практики этого стиля включают Антонио Чести, Джованни Легренци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело абсолютно никакого отношения к теоретическим работам Иоганна Фукса, систематизировавшего строгий контрапункт, характерный для более ранних эпох, в его Gradus ad Paranassum (1725).

Ярким примером композитора придворного стиля является Жан-Батист Люлли. Он купил у монархии патенты, чтобы быть единственным композитором опер для короля и не позволять другим ставить оперы. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незаконченным Achille et Polyxène .

В музыкальном плане он не установил для оркестров нормы струнного доминирования, унаследованной от итальянской оперы, и типично французской пятичастной диспозиции (скрипки, альты — в размерах hautes-contre, tailles и quintes — и басовые скрипки). использовался в балете со времен Людовика XIII.Однако он ввел этот ансамбль в лирический театр, где верхние партии часто дублировались флейтами, флейтами и гобоями, а бас — фаготами. В героических сценах часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли известен как влиятельный благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники — в качестве скрипача, который организовал скрипичную технику и педагогику, — и в чисто инструментальной музыке, в частности, за его пропаганду и развитие концертного гроссо.В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, концертный гроссо построен на сильных контрастах: части чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а вместо этого был церковным музыкантом, занимая должности органиста и Werkmeister в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности как Werkmeister входило выполнение функций секретаря, казначея и бизнес-менеджера церкви, в то время как его должность органиста включала исполнение всех основных служб, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь.Совершенно вне своих официальных церковных обязанностей он организовал и направил серию концертов, известную как TheAbendmusiken, в которую вошли исполнения священных драматических произведений, которые его современники считали эквивалентом опер.

Музыка позднего барокко (1680–1730)

Благодаря работам Иоганна Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения композиции.

Непрерывный рабочий, Гендель заимствовал у других и часто перерабатывал собственный материал. Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый Messiah , премьера которого состоялась в 1742 году, для доступных певцов и музыкантов.

Хронология композиторов эпохи барокко

Инструменты барокко

Клавесин с двойным ручным управлением по Жан-Клоду Гужону ​​(1749)

Струны

• Пикколо для скрипки
• Скрипка
• Виол
• Альт
• Виола д’амур
• Помпа для альта
• Тенор скрипка
• Виолончель
• Контрабас
• Лютня
• Теорбо
• Archlute
• Анжелик
• Мандолина
• Гитара
• Арфа
• Шарманка

Деревянные духовые

• Барочная флейта
• Chalumeau
• Кортол (также известный как Кортолт, Кертолл, семья гобоев)
• Дульсиан
• Musette de Cour
• Гобой в стиле барокко
• Ракетт
• Регистратор
• Фагот
• Кларнет

Латунь

• Корнет
• Натуральный рог
• Труба в стиле барокко
• Tromba da tirarsi (также называемый tromba spezzata )
• Флэтт труба
• Змей
• Sackbut (английское название 16-го и начала 17-го века для FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: тромбон ; MHG: busaun , busîne , DE) (с начала 17 века) Posaune )
• Тромбон (английское название того же инструмента, с начала 18 века)

Клавиатуры

• Клавикорд
• Tangent фортепиано
• Фортепьяно — ранняя версия фортепиано
• Клавесин
• Орган

Ударные

• литавры в стиле барокко
• Деревянный малый барабан
• Теноровый барабан
• Бубен
• Кастаньеты

Стили и формы

Барочная сюита

Сюита в стиле барокко часто состоит из следующих частей:

• Увертюра — Сюита в стиле барокко часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» по-французски), за которой следовала череда танцев разных типов, в основном следующих четырех:
• Allemande — Аллеманда, часто первый танец инструментальной сюиты, был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения, когда его чаще называли almain. ^{[ необходима ссылка ]} Аллеманда игралась в умеренном темпе и могла начинаться с любой доли такта.
• Courante — Второй танец — куранте, живой французский танец в тройном метре. Итальянский вариант называется корренте.
• Сарабанда — Сарабанда, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм сарабанды.
• Gigue — Жига — это приподнятый и живой танец в стиле барокко в сложном метре, как правило, заключительная часть инструментальной сюиты и четвертый из ее основных танцевальных типов. Жига может начинаться с любой доли такта и легко узнаваема по ее ритмичному ощущению. Жига возникла на Британских островах. Его аналог в народной музыке — джиг.

Эти четыре типа танца (аллеманда, курант, сарабанда и жига) составляют большинство сюит 17-го века; более поздние сюиты включают один или несколько дополнительных танцев между сарабандой и жигой:

• Gavotte — Гавот можно отличить по множеству признаков; это время 4/4 и всегда начинается с третьей доли такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, так как первая и третья доли являются сильными долями в четверной доле.На гавоте играют в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях на нем можно играть и быстрее.
• Bourrée — Бурре похоже на гавот, поскольку он находится в 2/2 времени, хотя он начинается во второй половине последней доли такта, создавая иное ощущение танца. Бурре обычно играет в умеренном темпе, хотя некоторые композиторы, такие как Гендель, могут играть в гораздо более быстром темпе.
• Менуэт — Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев в стиле барокко в тройном метре.Он может начинаться с любой доли такта. В некоторых сюитах могут последовательно исполняться менуэт I и II с повторением первого менуэта.
• Passepied — Passepied — это быстрый танец в двоичной форме и тройном метре, который возник как придворный танец в Бретани. Примеры можно найти в более поздних наборах, таких как Баха и Генделя.
• Ригодон — Ригодон — это живой французский танец в два метра, похожий на бурре, но ритмически более простой. Он возник как семейство тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваваре, Лангедок, Дофине и Прованс.

Прочие особенности

• Бассо континуо — вид непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, как правило, для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента.
• Концерт и концерт Гроссо
• Monody — продолжение песни
• Гомофония — музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной для эпохи Возрождения фактурой, полифонией)
• Драматические музыкальные формы, такие как опера, драматических произведений на музыку
• Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
• Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
• Ария да капо «наслаждалась уверенностью».
• The ritornello aria — многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей.
• Концертатный стиль — контраст звучания между группами инструментов.
• Обширный орнамент

Жанры

Вокал

• Опера
  • Сарсуэла
  • Opera серия
  • Комическая опера
  • Опера-балет
• Маска
• Оратория
• Passion (музыка)
• Кантата
• Месса (музыка)
• Гимн
• Monody
• Хорал

Инструментальная

• Хоральное произведение
• Концерт гроссо
• Фуга
• Люкс
  • Allemande
  • Courante
  • Сарабанда
  • Gigue
  • Гавот
  • Менуэт
• Соната
  • Соната для камеры
  • Соната да кьеза
  • Трио-соната
• Партита
• Канцона
• Sinfonia
• Фантазия
• Ricercar
• Токката
• Прелюдия
• Чакона
• Пассакалия
• Хоральная прелюдия
• Stylus фантастический

Дополнительная литература

• Кристенсен, Томас-стрит и Питер Дежанс. К тональным аспектам теории музыки барокко . Лёвен: Издательство Лёвенского университета, 2007. ISBN 978-90-5867-587-3
• Сир, Мэри. Очерки исполнения оперной и камерной музыки в стиле барокко во Франции и Англии . Серия исследований, собранных Variorum, 899. Олдершот, Хантс, Англия: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
• Бригадир, Эдвард. Метод бельканто, или Как правильно петь итальянскую музыку барокко на основе первоисточников .Шедевры двадцатого века по пению, т. 12. Миннеаполис, штат Миннесота: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
• Хебсон, Одри (2012). «Танец и его значение в сюитах Баха для виолончели соло», Музыкальные предложения: Vol. 1: № 2, статья 2. Доступно на http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
• Хоффер, Брэнди (2012). «Духовная немецкая музыка в тридцатилетней войне», Музыкальные предложения: Vol. 3: № 1, статья 1. Доступно на http://digitalcommons.com.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
• Шуберт, Питер и Кристоф Нейдхёфер. Барочный контрапункт . Верхняя река Сэдл, Нью-Джерси: Пирсон Прентис-Холл, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
• Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко . Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
• Штауфер, Джордж Б. Мир музыки барокко Новые перспективы . Блумингтон: Издательство Индианского университета, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
• Странк, Оливер. Источники чтения по истории музыки. От античности до эпохи романтики . Лондон: Faber & Faber, 1952,
.

Внешние ссылки

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

От Хилтона, Дж. Б. (1995) Комплексное образование в области хоровой музыки, Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Prentice-Hall, Inc., 171-176.

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

Переход от ренессанса к музыкальному стилю барокко начался в конце шестнадцатого века.Полихоральные мотеты венецианской школы с двумя или более независимыми хорами, сопоставленными друг с другом, чтобы использовать полученный цветовой контраст, послужили почвой для барочного представления о конфликте. Композиторы венецианской школы также использовали в своей музыке большие исполнители, в том числе хоры инструменталистов. Это привело к развитию стиля концертато, в котором игра солиста или небольшой группы игроков контрастировала с игрой всего ансамбля. Этот стиль композиции привел к развитию концерта.Концерт, конечно же, является инструментальной формой, и в эпоху барокко инструментальная музыка приобрела гораздо большее значение, чем раньше.

Изучение мадригалов Монтеверди, написанных за пятидесятилетний период, выявляет многие стилистические изменения, которые ознаменовали переход от Возрождения к барокко. Ранние мадригалы Монтеверди (написанные в 1587–1603 гг.) Были составлены в стиле высокого Возрождения. Сходные по характеру с работами Маренцио в использовании хроматизма, они, тем не менее, начинают отход от идеала равенства голосов и движутся в сторону барочного представления о полярности сопрано-баса.Напротив, его последние четыре книги мадригалов (написанные в 1605–1638 годах) включают независимые инструментальные секции, контрастирующие с хоровыми интермедиями (стиль концертато) и все более широкое использование фигурного баса.

Несколько пар контрастирующих терминов были применены к «старому стилю» музыки эпохи Возрождения и «новому стилю» барокко. Stile Antico и Stile Moderno — одна из таких пар. Другой, использованный Монтеверди, был prima prattica и seconda prattica. В первой половине семнадцатого века эти два стиля сосуществовали, причем более ранний стиль чаще всего использовался в духовной музыке, в то время как новый стиль был очевиден в светской музыке, особенно в операх раннего барокко.

Текст имел огромное значение для композиторов эпохи Возрождения и барокко. Однако подходы к нему заметно различались. Идеалом эпохи Возрождения было несколько независимых вокальных линий, каждая со своими интонациями и акцентом. В период с начала до середины семнадцатого века тенденция отклонялась от этого полифонического идеала, в сторону сопрано-басовой полярности, в которой пела единственная мелодия и играла фигурная басовая партия с помощью аккомпанирующего инструмента или инструментов.К эпохе позднего барокко, в первой половине восемнадцатого века, популярность полифонии вернулась. Многоголосие позднего барокко отличалось от полифонии Возрождения: оно было основано на тональной гармонии и характеризовалось энергичным, метрически продуманным, движущим ритмом.

Традиция полного участия исполнителя в решениях, касающихся темпа, артикуляции, орнамента и других вопросов, продолжалась с эпохи Возрождения до эпохи барокко. Ожидалось, что клавишники, представленные фигурной басовой партией, «осознают» это, заполняя аккорды, добавляя орнаменты и иным образом украшая свою игру.Ожидалось, что певцы, особенно солисты, импровизируют украшение и проработку мелодии, найденной в партитуре.

Хотя все стилистические изменения, упомянутые здесь, произошли в течение десятилетий, 1600 год широко принят как удобная, хотя и в некоторой степени условная дата, чтобы отметить конец Возрождения и начало барокко. Также следует отметить, что многие, если не все эти изменения взаимосвязаны. Например, переход от полифонической текстуры к сопровождаемой мелодии был тесно связан с переходом от модальности к системе тональности мажор-минор и использованию фигурного баса.Возрастающее значение новых инструментальных форм росло за счет использования зависимых инструментальных партий, в отличие от хоровых. Суммарное влияние всех этих изменений, вместе взятых, продвинуло музыку вперед в новую эру.