Раннее барокко: Ренессанс и барокко — отличие двух стилей

Содержание

Ренессанс и барокко - отличие двух стилей

Ренессанс - воспеваемый и восхищающий своей красотой стиль архитектуры, дизайна интерьеров, изобразительного и декоративного искусства, процветающий до сменившей его эпохи Барокко.


Античное искусство, воплощенное в строгую, утонченную, закономерную и четко очерченную, симметричную форму, коим был Ренессанс (Возрождение), являлось наивысшим достижением человечества, без чего не состоялась бы современная цивилизация.

Ренессанс отображал в точности величие и глубинный смысл подлинного, чему нужно поклоняться и заложило основы гуманизма - уважения и свободы личности, раннее барокко же создало живописную иллюзию того, чем может быть искусство, воплощая движение в эмоциональные сложные композиции.


Время царствования ренессанса определяют с 1300 года до конца 16 века, а по мнению искусствоведа Генриха Вёльфлина - до 1630 года. Превращение ренессанса в живописное и легкое барокко началось непосредственно в Риме, после перешло на север Италии, и не поколебав венецианский ренессанс, переместилось дальше в другие страны средневековой Европы.

 Galleria Specchi

Villa Farmesina

Высокий Ренессанс отменили в новом своеобразном (Capriccioso-итал.) стиле работы Браманте, который изначально был мастером ренессанса, но начал возводить здание Ватикана с характерными чертами барочного стиля, а Микеланджело это продолжил, что можно наблюдать в его созданных работах - Собор Святого Петра, Капитолий, церковь Санта Мария дельи Анжели в Риме, а также Сан Лоренцо, капелла Медичи во Флоренции. Рафаэль и Бернини принадлежат золотому веку ренессанса, но в их произведениях проявляется новое чувство формы барокко.

Castello di San Giorgio, Mantua
Различия ренессанса от барокко в дизайне
1. Прежде всего различия в эскизах. Любой интерьер изначально определяется эскизом дизайна, и если в эскизах ренессанса четко очерчивали формы карандашом или пером, эскизы же в барокко начали рисовали углем, небрежно, со штрихами и растушевкой. Контраст превратился в пластическое пространство, в то же время живописность барокко за счет "живого впечатления" сформировало множество оттенков, выпуклостей углубленных предметов, а также игру света с тенями.


2. Ренессанс монументальный и грациозный. Именно Вазари дал название целой эпохе - Возрождение, описывая «maniera grande», что значит благородная манера, величественная. Барокко упрощает это величие, при этом укрупняет, увеличивает пропорции форм, пытаясь это преувеличение преподнести как большее достижение и богатство. Лестницы начинают проектироваться повыше, колоны - потолще, а лепнина - массивнее и безвкуснее. Такая гигантомания - признак начала потери чувства меры и тонкости восприятия, что и определило крах барокко в дальнейшем.


3. Закономерный и строгий ренессанс упорядочивает каждую вещь в интерьере, объясняя ее присутствие, сохраняет единство и соотношения всех деталей. Барокко же нарочито создает "живописный беспорядок", предметы можно добавлять неограниченно в произвольной порядке, при этом главным условием является - подчеркнуть роскошь.


4. Подлинно римскую черту - прямоугольность и остроту линий сменяет плавность и круглость пышных барочных форм. Появляются также узоры в виде круглых спиралей, круглые ленты, круглые раковины и цветы, обилие золота.


5. Особую важность в период Возрождения играло образование, ученость и красноречие, именно в это время наличие библиотеки становится неотъемлемой частью интерьера. Также и галереи античного искусства - скульптурам и картинам отводилось главные роли в интерьере, что подчеркивало важность и величие достояния искусств.

В искусстве барокко начинает прослеживаться гротеск и сарказм, мрачность композиций, на полотнах размытые и вытянутые формы, карикатуры, сводящие на нет искренность душевных порывов. В скульптурах и фресковых ансамблях барокко допускается изображать пытки инквизиции, бандитов, раненных солдат, разрушение, к примеру пейзаж Дж. Паннини «Развалины со сценой проповеди апостола Павла». Скульптура стиля барокко живая, в движении и полна эмоций, пример - "Орфей" Антонио Канова (1757- 1822).

Подытожив, можно сказать, что Ренессанс излучает спокойное и равномерное чувство благополучия и власти, свободу от переживаний и грациозную легкость.

Раннее Барокко же передает буйство эмоций, драматизм красок, пленяет своей сиюминутной страстью и, разделяя чувства с размышлениями, после оставляет наедине самим с собой. Спустя два века можно увидеть как Барокко утеряет свою манерность и полноту излишеств и сформируется как чувственный стиль позднего Барокко, впитавший в себя черты величия великого Ренессанса и динамичности раннего Барокко.

Автор статьи – главный редактор интернет-издания о дизайне «4ROOM.UA» Алёна Булат

Раннее барокко (1703–1740-е гг.). Повести каменных горожан [Очерки о декоративной скульптуре Санкт-Петербурга]

Читайте также

Раннее возрождение. Жан Фуке

Раннее возрождение. Жан Фуке С именем этого художника связано начало ренессансного искусства во Франции. Жан Фуке жил и работал при дворе двух королей, Карла VII и Людовика XI, и создал прекрасную галерею портретов, ряд чудеснейших иллюминированных рукописей, алтарные

Венское барокко

Венское барокко После осады 1683 года некогда прекрасная Вена представляла собой огромную груду камней в окружении сгоревших предместий. Зиявшая дырами крепостная стена, обугленные деревья, развалившиеся дома, целые кварталы, уничтоженные огнем и турецкими снарядами, не

Франсуа Буше (1703–1770)

Франсуа Буше (1703–1770) Туалет Венеры 1751. Метрополитен-музей, Нью-ЙоркБуше, крупнейший мастер искусства рококо, «первый художник короля», одаренный всеми титулами, которыми Академия изящных искусств жаловала своих членов, любимый художник фаворитки короля Людовика XV

Китайское барокко

Китайское барокко …Колонки, несущие крыши шатер, Планочки, папки резные, с пестрой их позолотой — Вот дело тончайшего вкуса и радость для знатока! И. В. Гёте Древняя китайская архитектура характеризуется простотой, монументальностью и господством конструктивных форм.

Пышное (высокое) барокко (1740–1750-е гг.)

Пышное (высокое) барокко (1740–1750-е гг.) Русские вариации на тему католического (южно-европейского) барокко. Огромных размеров здания, пучки колонн, каждый фасад на свой лад, в декоре интерьеров — зеркала, резьба, позолота. Церквям возвращено традиционное пятиглавие. Главные

Дворцы и особняки «второго барокко»

Дворцы и особняки «второго барокко» Особняки, строившиеся в Петербурге в середине XIX века, — отличались очень большим разнообразием размеров, планировок и художественных решений фасадов. Их архитектурная композиция и отделка зависели от социального положения

Незнакомое барокко (Юлия Морозова)

Незнакомое барокко (Юлия Морозова) Пышность и великолепие дворцов. Изобилие архитектурных форм. Завитушки, золото, фейерверки, немыслимые карнавалы и развлечения. Кринолины, кружева, банты, веера, изысканные позы менуэта. Такой мы представляем эпоху барокко.Но почему же в

в архитектуре, искусстве, живописи, музыке, литературе

В конце XVI века в Риме (Roma) начинается новая культурная эпоха, которую часто ограничивают понятием «художественный стиль». Сменив Поздний Ренессанс, Барокко (barocco) в Италии охватывает период конца XVI − начала XVIII века.

Разнообразие жанров, региональных школ, объединений художников мешают искусствоведам правильно оценить эпоху. Сторонники стиля считают, что грандиозная пластика стремится к красоте, продолжает традиции Возрождения и маньеризма.

Противники уверены, что барокко − безвкусица, кризисная стадия развития художественного творчества. Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) знал подход к решению проблемы. Итальянский философ XVII века утверждал: чтобы понять искусство барокко требуется «острый ум», особый способ мышления: способность воспринимать метафоры и аллегорию, умение быстро проникать в суть идей Мастера.

Значение термина

Ни одно происхождение названия стилей в истории искусства не вызывает столько споров, сколько «барокко». Впервые термин употребили в XVIII веке Иоганн Иоахим Викельман (Johann Joachim Winckelmann) и Франческо Милициа (Francesco Milicia). Историки искусства вкладывали в эпитет «барочный» негативный смысл и применяли к творчеству, противоречащему правилам эстетики классицизма.

В списке представлены примеры толкований термина:

  • Название относится к фигуральному искусству
  • Язвительная насмешка, негативный смысл: нелепый, странный, «с причудой»
  • Barroco (французский язык) – дурной, вычурный, неестественный вкус
  • Perola barroca (португальский) – нестандартная жемчужина без оси вращения (термин ювелиров)
  • Barocco (итальянский) – приём софистики; форма логики, приводящая к абсурду
  • Bis-roca (латынь) – камень скрученной формы. Драгоценный минерал, но с дефектом. Имитация красоты
  • Barocco (итальянский) – термин связан с именем крупнейшего художника раннего барокко
  • Федерико Бароччи (Federico Barocci) – крупнейший итальянский художник и график эпохи позднего маньеризма и раннего барокко.
  • Заимствование из архитектуры центрально-азиатских турок (сельджуков)

Рим – родина барокко

Центром развития нового стиля искусства был Рим. Столица католического мира не утратила опыта Ренессанса. «Отцом» итальянского барокко называют Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Lodovico Buonarroti). Крупнейший мастер Возрождения разработал новые композиционные формы для библиотеки папы Климента VII (1523 − 1534) – архитектурное сооружение считается первообразом всех зданий стиля барокко.

В 1593 году в Риме начинает творческую деятельность реформатор живописи Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). Изменившиеся политические условия диктуют новые правила поведения. Церковь и аристократия нуждаются в демонстрации могущества. Барокко − стиль, который может их возвысить.

Роль церкви. Контрреформация

Историк классического искусствоведения Джулио Карло Арган (Италия) назвал время итальянского барокко «культурной революцией во славу идеологии католицизма». В ответ на протестантскую Реформацию католики начинают церковно-политическое движение − Контрреформацию.

Главная задача реформы заключалась в обновлении Римско-католической церкви, восстановлении её престижа.

Визуально представить власть и могущество могло только искусство, с помощью которого можно ошеломить, привлечь внимание, заинтересовать. Простым церквям протестантов противопоставляют католические храмы, украшенные богатой позолотой, орнаментом, величественными лестницами. Собор святого Петра (Basilica Sancti Petri) в Ватикане − образец нового стиля. Прототипом для церквей итальянского барокко считают римскую церковь Иль-Джезу (Chiesa del Sacro Nome di Gesu), построенную по дизайну Джакомо да Виньола (Il Vignola).

История развития стиля

Мастера барокко отходят от художественных традиций Ренессанса. Развитие искусства происходит в два периода:

  1. Раннее барокко. Временные рамки: конец XVI − начало XVII века.
  2. Зрелое барокко: 30-е годы XVII − начало XVIII века.

Раннее барокко развивалось неравномерно и зависело от местных особенностей. Черты стиля вырабатываются в архитектуре и живописи. Колыбель Ренессанса − Флоренция (Firenze) − остаётся равнодушной к особенностям нового искусства. Рим (Roma) не жалеет средств на реконструкцию города.

Венеция (Venezia), Турин (Torino), Генуя (Genova) придают архитектурным сооружениям утончённый и праздничный вид. Признанные представители раннего барокко: Джакомо Бароцци да Виньола (Il Vignola, 1507 − 1573), Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta, 1533 − 1602), Доменико Фонтана (Domenico Fontana, 1543 − 1607), Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio,1571 − 1610).

Зрелое барокко начинается после 1630 года. Доминирующим видом искусства становится скульптура. Период характеризуется усилением пышности архитектуры. Появляются новые формы: украшенные скульптурой фонтаны, гроты, балюстрады. Культовое зодчество позднего барокко представляют опытные мастера: Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini, 1598 − 1680), Гварино Гварини (Guarino Guarini, 1624 − 1683), Карло Райнальди (Carlo Rainaldi, 1611 − 1691).

Особенности стиля

Появление нового художественного стиля нельзя объяснять только влиянием католической церкви. Культурная эпоха связана с крушением идеалов гуманизма, новым пониманием природы Человека, изменением «картины мира» (рубеж XVI-XVII веков). От Ренессанса искусство Барокко унаследовало пышность и основательность, от маньеризма − глубокую эмоциональность и динамичность.
Характерные черты стиля в архитектуре:

  • монументальность;
  • пространственный размах;
  • сложный криволинейный план;
  • использование светотени, колоннад, куполов;
  • массивные парадные лестницы;
  • подчёркнутое величие церкви;
  • великолепие.

Итальянская барочная скульптура

Новые элементы зодчества появляются после слияния архитектуры и скульптуры: статуя атланта (теламон), колонна в виде фигуры женщины (кариатида), скульптурное украшение маскарон, обелиск. Самый известный скульптор периода — Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini). Лучшая работа — скульптурная группа «Экстаз Святой Терезы» (Estasi di santa Teresa d’Avila).
Характерные черты стиля:

  • театральность;
  • изображение группы человеческих фигур в энергичном движении;
  • использование белого мрамора;
  • возможность осматривать статуи с нескольких углов обзора;
  • слияние скульптуры с живописью и архитектурой;
  • изобилие скульптурных фигур на фасадах, в парковых зонах дворцов.

Живопись

Итальянская живопись XVII столетия начинает терять исключительное положение в Европе.
Передовым для эпохи остаётся художественное творчество в архитектуре. Искусствоведы разделяют барочную живопись на три типа: церковную, придворную, буржуазную. Новые жанры используют не только мифологические и религиозные темы. Внимание художников фокусируется на реальной жизни.
Особенности барочной живописи:

  • динамизм композиций;
  • незаурядность сюжетов;
  • драматический конфликт;
  • использование аллегории;
  • контраст цвета, тени, масштабов;
  • парадные портреты, создающие иллюзию эмоционального контакта;
  • пышность форм.

Человек эпохи

Мировосприятие в период барокко меняет ренессансное представление о человеке. Итальянская культура нового времени представляет человека песчинкой в мире великой природы. Бог − это Великий Архитектор. Люди должны учиться у высшего разума.

Барокко в искусстве

Современное искусствоведение рассматривает итальянское барокко как художественную эпоху, начавшую движение западной цивилизации к триумфу.

Архитектура

Первыми, кто представил художественный стиль в начале XVII столетия, были архитекторы. Радикальный представитель итальянского барокко Франческо Борромини (Francesco Borromini) закладывает основы для последующего развития европейской архитектуры. Благодаря Борромини Италию называют родиной архитектурного барокко.

Франческо Борромини (1599 − 1667)

Совместно с Лоренцо Бернини архитектор работал над проектом 29-ти метрового балдахина в соборе святого Петра (Basilica di San Pietro) в Ватикане (Stato della Citta del Vaticano). Витые колонны украшены ветвями лавра. Четыре статуи отцов церкви поддерживают кресло святого Петра. Киворий покрыт бронзой, взятой из Пантеона. Имя резкого, неистового Франческо осталось в тени. Слава досталась его сопернику Лоренцо Бернини.

В историю собора вошла высокая решётка из бронзы для капеллы святого Причастия, выполненная по эскизам Борромини в 1630 году.

Выдающийся архитектор принимал участие в реконструкции кафедрального римского собора Святого Иоанна Крестителя на Латеранском холме (Basilica di San Giovanni in Laterano).

За четыре года работы (1646 − 1650) он обогатил базилику элементами барочной архитектуры, спроектировал ниши главного нефа, сделал эскизы статуй святых и пророков. Автор проектов величественных дворцов руководил строительством палаццо Барберини (Palazzo Barberini, 1629 − 1633) в Риме.

Винтовая лестница в виде улитки, двойные колонны, причудливые детали восхваляли могущество Маффео Барберини (Maffeo Barberini), избранного в 1623 году папой Римским (Урбан VIII).

Филиппо Юварра (1678 − 1736).

Римский зодчий, яркий представитель позднего барокко, Филиппо Юварра (Filippo Juvarra) строил в Италии церкви, палаццо герцогов, проектировал королевский дворец в Испании (Palacio Real de Madrid).

Барочные находки Франческо Борромини вдохновили архитектора на создание в 1732 году купола церкви Сант-Андреа в Мантуе (Basilica di Sant’Andrea). В Турине сооружены дворцовый комплекс палаццо Мадама (Palazzo Madama, 1721), загородная резиденция монархов Савойской династии − стильный охотничий замок Ступиниджи (Palazzina di caccia di Stupinigi). Важнейшие постройки − собор Суперга (Basilica di Superga) и палаццо Бираго ди Боргаро (Palazzo Birago di Borgaro).

Собор Суперга

Строительство пышной католической базилики Суперга началось в 1717 году.

Архитектор барочного стиля Филиппо Юварра воздвиг храм, ставший «соперником колоссального собора святого Петра и Павла в Риме» (М.Н. Загоскин).

Палаццо Бираго ди Боргаро

В 1716 году граф Ренато Аугусто Боргаро (Augusto Renato Birago di Borgaro) поручил архитектору построить дворец в Турине. Особенности сооружения: величественная лестница, многочисленные колонны, украшенный статуями главный зал для торжественных приёмов и балов, чередование изогнутых и треугольных фронтонов на окнах.

Пирро Лигорио

Художник итальянского барокко, антиквар, инженер Пирро Лигорио (Pirro Ligorio) был архитектором папского двора Пия IV (1559 − 1565). После критики проекта Микеланджело Буонарроти по сооружению собора Святого Петра, Пирро Лигорио теряет престижную должность и возвращается на службу к Ипполито II д’Эсте (Ippolito II d’Este).

В 1567 году по заказу кардинала архитектор приступает к проектированию фонтанов и парка виллы в Тиволи. Мастер строит сад в соответствии с символикой династии д’Эсте, связанной с прародителем рода − Гераклом. Сорок два водоёма, окружающие виллу, создают «Кипящую лестницу».

Грандиозное сооружение «Дорога ста фонтанов» построено в соответствии с сюжетом «Метаморфоз» Овидия. Знакомство с «Фонтаном Органа» вызвало восторг современников. При попадании воды в сводчатую ёмкость, воздух проникал в органные трубочки и вызывал звуки музыки. После масштабной реставрации ландшафтной архитектуры, созданной Пирро Лигорио, объект назван самым красивым парком Европы (2007).

Скульптура

В эпоху барокко скульптура тесно связана с живописью и архитектурой. Меняется техника ваяния. Скульпторы отказываются от понятия пластического покоя. Наиболее знаменитым скульптором итальянского барокко признан Лоренцо Бернини, которого искусствоведы назвали «Микеланджело XVII столетия».

Джованни Лоренцо Бернини

Основатель барочного стиля в скульптуре осуществлял масштабные проекты. Джованни Лоренцо Бернини посвятил 50 лет творческой жизни украшению Собора Святого Петра в Ватикане.

Работая над статуями религиозных сюжетов, скульптор и главный архитектор Базилики (1629) использует белый мрамор, скрытый свет для усиления эффекта богослужения.

В руках мастера твёрдый блестящий камень становился послушным и пластичным. Скульптуры «оживали», передавая изгибы и теплоту человеческого тела.

Классический пример − работа «Экстаз святой Терезы» (1645 − 1652).

Историк искусства Эрнст Гомбрих (1909 − 2001) дал оценку произведению мастера, написанному для римской церкви Санта Мария делла Витториа (Santa Maria della Vittoria): «Барочный скульптор довёл религиозное чувство до исступления. Лоренцо Бернини нагнетает эмоции до предельного накала и не опасается преступить грань дозволенного. Подобного образа ещё не было в истории искусства».

Давид

Скульптор обращается к античным сюжетам, но создаёт образы в свойственной ему манере. «Давид» Бернини (1623) не похож на героя произведений Микеланджело Буонарроти и Донателло (Donatello).

Автора интересует правдоподобный показ убийства Голиафа. Тонкие губы юного Давида упрямо сжаты, маленькие глаза наполнены злостью, гримаса на лице выдаёт явные намерения. Динамичная фигура заставляет зрителя представить траекторию броска камня.

Римские фонтаны

Творения Бернини − шедевры аллегории и зрелищности. Величественные фонтаны с сюжетной линией выполнены в Риме по заказу папы Урбана VIII.

Фонтан Тритона

Лоренцо Бернини завершает строительство фонтана Тритона (Fontana del Tritone) в 1642 году.

Постамент, выполненный из травертина, образуют скульптуры четырёх дельфинов, между которыми находится герб папы Римского. В огромной раковине, установленной на хвостах морских животных, помещена статуя Тритона. Сын Посейдона выдувает из раковины струю воды.

Фонтан пчёл

В 1644 году архитектор по приказу великого понтифика устанавливает фонтан пчёл (Fontana delle Api), предназначенный для нужд горожан.

По створкам раскрытой раковины к воде спускаются три пчелы − символ династии Барберини.

Фонтан четырёх рек

Период строительства фонтана четырёх рек (Fontana dei Quattro Fiumi): 1648-1651 годы.

Расположенный в середине фонтана обелиск, демонтированный из древнего храма Исиды, окружают скульптуры мифологических богов. Фигуры символизируют главные реки четырёх частей света: Нил, Ганг, Дунай, Ла-Плата. Композиционное расположение духов, их одеяния, динамичные движения аллегорично представляют истории из древних мифов.

Барокко в живописи

В XVI − XVII столетиях в Италии формируются два главных направления в живописи:

  1. «Болонский академизм», созданный братьями Карраччи.
  2. Творчество Караваджо, самого крупного художника стиля барокко.

Микеланджело Меризи да Караваджо

Именем самого значительного художника, работающего в стиле барокко, названо реалистическое течение в искусстве западной Европы (караваджизм). Микеланджело Меризи был противником «болонского академизма» и считался бунтарём.

Он уделял внимание необычным персонажам: картёжникам, авантюристам, шулерам. Картины мастера открыли новый жанр в искусстве − реалистический бытовой портрет («Игроки», 1594 − 1595; «Лютнист», 1595). Увлечённость натурализмом в изображении людей и событий находит отражение в картине «Обращение Савла» (1601).

Религиозный сюжет использовали живописцы до Караваджо. На картинах художников главное внимание уделялось библейским персонажам. Барочный мастер новаторски смело рисует мощный круп лошади на всей верхней части полотна, реалистично изображает сморщенный лоб, натруженные ноги, редкие волосы конюха.

Революционный для того времени прием используется в картине «Успение Марии» (1606). Натуралистическая трактовка образа не понравилась заказчикам. Монахи не приняли картину мастера.

Поиски новых приёмов в творчестве не заслоняют основные достоинства произведений − пластичность, драматизм, эмоциональную выразительность. Лучшие картины: «Положение во гроб» (1602 − 1604), «Распятие Святого Петра» (1601).

Трое палачей прикладывают большие усилия, чтобы перевернуть тяжёлый крест с распятым апостолом. Ответственность за преступление лежит на тех, кто совершает казнь Святого Петра.

Советую почитать:

Фрески семьи Карраччи

Против Караваджо выступили Аннибале, Агостино, Лодовико, Антонио Карраччи (Annibale, Lodovico, Agostino, Antonio Carracci). Братья противопоставили караваджизму «болонский академизм». Семья художников создала в Болонье «Академию»» (1585).

Специальная программа была предназначена «вступившим на истинный путь» живописцам. Принципы болонской школы стали прообразом всех будущих европейских академий.

Братьев признали мастерами монументально-декоративной живописи. По поручению кардинала Одоардо Фарнезе (Odoardo Farnese) Карраччи работают над фресками и галереей (1595-1604) в римском палаццо Фарнезе (Palazzo Farnese).

Совместная работа представляет 13 главных картин: любовные приключения греческих богов, триумфальное шествие Вакха и его свиты, супружеский союз членов династии, другие классические сюжеты. Цельная работа является образцом величайшего произведения раннего барокко.

Литература

Стихотворное творчество первым воспринимает идеи новой эпохи. Поэты считают реальный мир иллюзией. Произведения наполнены метафорами, символами, аллегориями. Исследователи литературы выделяют две стилевые линии в творчестве итальянских писателей конца XVI − начала XVIII веков:
• Аристократическое, элитарное барокко.
• «Низовое» демократическое направление с низменными сюжетами и пародиями.

Джамбаттиста Марино

Родоначальником барочной поэзии был Джамбаттиста Марино (Giambattista Marino, 1569-1625). Поэт находился под покровительством кардинала Пьетро Альдобрандини (Pietro Aldobrandini) и герцога Савойи Карла Эммануила Великого (Carolus Emmanuel Magnus).

Сборники стихов «Лира» (La Lira, 1608 − 1614), «Эпиталамы» (Epitalami, 1616) являются образцом придворной поэзии. Лирические сонеты написаны в привычных формах Ренессанса, но наполнены новым содержанием. Характерный приём − использование метафор, словесная игра сочетаний с противоположным значением («учёный невежда», «богатый нищий»), пасторальные мифологические сюжеты.

Поэт отходит от ренессансного понятия универсальной гармонии и утверждает: миром правит дисгармония. Автор произведения «Слово о музыке» представляет Бога дирижёром хоровой капеллы, распределившим роли между людьми и животными, белыми и чёрными клавишами. Люцифер был первым музыкантом, поддавшимся «диссонансу ада» и сбившимся с нот.

Разгневанный маэстро бросил партитуру на землю, которая стала домом для людей. Творчество придворного поэта легло в основу маринизма − литературного направления эпохи барокко в Италии.

Эмануэле Тезауро

Теорию литературы нового стиля сформулировал итальянский историк, писатель Эмануэле Тезауро (Emanuele Tesauro) в трактате «Подзорная труба Аристотеля» (Il cannochiale aristotelico), опубликованном в 1654 году. Автор назвал произведение главной своей работой, над которой трудился 40 лет.

Теоретик искусства утверждал: литература живёт по своим законам, не связанным с логикой и рациональным мышлением. Новое искусство «быстрого разума» напоминает фокусника, умело использующего Метафору − «Мать поэзии и Остроумия». «Подзорная труба…» следит за всеми удивительными и неожиданными открытиями. Философ восторгается победой человеческой мысли, проникшей с помощью телескопа в загадки Вселенной. Определив критерии прекрасного и отвратительного, Эммануэле Тезауро сформулировал понятие идеала в искусстве своего времени.

Музыка

Период 1630-1750 гг. называют «музыкой барокко». Термин, указывающий на конкретный жанр музыкального искусства, стали применять только в начале XX века. Барочный стиль отличает грандиозность, патетическая приподнятость, театральность, синтез искусств.

Ведущие жанры −опера, оратория, кантата.

Музыкальные инструменты: клавишные (орган, клавесин), струнные смычковые (скрипка, виола, контрабас, виолончель), струнные щипковые (лютня, мандолина, барочная гитара) медные и деревянные духовые, ударные (литавры).
Основными направлениями творчества остаются духовная и светская музыка.

Грегорио Аллегри

Композитор Грегорио Аллегри (Gregorio Allegri, 1582 -1652) был священником, пел в хоре Сикстинской Капеллы (Cappella Sistina) в Ватикане. В 1630 году Аллегри первым написал музыку к тексту знаменитой «Мизерере» (Miserere). Папские певчие долгое время держали ноты в секрете. По легенде через сто лет (в 1770 году) 14-летний Вольфганг Амадей Моцарт (нем. Wolfgang Amadeus Mozart) по памяти записал услышанную мелодию и раскрыл секрет церковников.

В настоящее время Псалом 50 (покаянный) постоянно исполняют в богослужениях католической церкви. Незабываемую барочную музыку можно услышать в видео

Сальватор Роза

Художник, поэт, гравёр, музыкант Сальватор Роза (Salvator Rosa, 1615-1673) был противоречивой знаменитостью Италии. Картина «Титий» (1639) принесла славу живописцу на римской выставке конгрегации «Виртуозы Пантеона».

Но за скандальное полотно «Фортуна» (1658 − 1659) инквизиция пыталась привлечь художника к суду. Разносторонне одарённый человек был отличным музыкантом: играл на арфе, лютне, флейте, гитаре.

Сальватор Роза написал несколько серенад − донцелл, которые пользовались огромной популярностью в Неаполе (Napoli). Вечерние песни трубадуров горожане каждый день распевали под окнами возлюбленных. Незаурядный представитель эпохи итальянского барокко вызвал большой интерес у композиторов XIX века. Ференц Лист написал фортепианную пьесу, которую назвал «Канцонетте Сальваторе Розы» (1849). Бразильский дирижёр и композитор Гомис Антониу Карлус посвятил художнику и музыканту оперу «Сальваторе Розе» (1874).

Мода

В отличие от универсального искусства, Италия эпохи барокко не была законодательницей европейской моды. Человек, подчинённый тяготам земной жизни, перестал быть центром мира.

Модной становится скромность, бледность кожи, украшенная лентами и шнурами одежда. Мужчины носили панталоны с завязками под коленями, короткие куртки с широкими рукавами. Женщины одевали корсеты и неширокие юбки. Яркими остаются итальянские шерстяные и шёлковые ткани. В XVII веке начинается рост производства атласа, бархата, муара. Увеличивается спрос на венецианские кружева, появившиеся в Италии ещё в XV столетии.

Художники декоративно-прикладного искусства Niccolo Zoppino (1527), Bugato (1527) разработали неповторимые узоры и орнаменты для создания кружев, которые превращаются в надёжную валюту и подчёркивают статус в обществе.

Венецианские кружева заказывают для коронованных особ и придворных Англии и Франции. В XVI веке в Италии рождается знаменитое кружево «Ретичелла» (reticello), ставшее позже разновидностью техники Ришелье.

Изменения в обществе наметились в первой половине XVII века. К 60-ым годам все итальянцы стали одеваться по французской моде. Идеальным образом мужчины становится нежный, пахнущий духами синьор в напудренном парике. Женщина с вычурной причёской носит корсет и туфли на каблуках. Отличительная особенность костюма − контрастные цветовые сочетания, вышивки, кружева. До XIX века итальянцы носили парики, уложенные по версальской моде.

Заключение

Италия внесла в мировую культуру вклад исключительной важности. Эпоха конца XVI − начала XVIII века сформировала новое искусство, которое стало универсальным. Стиль барокко медленно вызревал, чтобы взорваться именами великих творцов, изменивших ход развития западноевропейского искусства.

2. Архитектура барокко в Италии

Характерные черты архитектуры барокко:

- стремление к величию и пышности;

- усложнённость планов;

- стремление к созданию ансамбля, где пейзаж привлекается в качестве

основного композиционного приёма;

- преобладание пластики над тектоникой: ордер становится менее

функциональным, чем в эпоху Возрождения, на первый план выходит

декоративность;

- чрезвычайная объёмная пластичность, выразительность, эффектное

выделение порталов;

- обилие криволинейных поверхностей;

- богатство и роскошь интерьеров, широкое использование живописи,

зеркал и скульптуры.

В развитии стиля барокко выделяют периоды:

Раннее барокко конецXVIи первая третьXVIIвека.

Зрелое барокко с 30-х годовXVIIвека до концаXVIIIвека.

Раннее барокко в Италии

В Италии главным заказчиком архитектурных сооружений стала церковь, прежде всего в связи с необходимостью строительства новых храмов. Здесь прослеживаются три основные причины: во-первых, после Тридентского Собора церковь стала ратовать за возврат к базиликальной схеме, более отвечающей потребностям богослужения и новой идеологии, нежели принятая в эпоху Возрождения центрическая конструкция. Во-вторых, архитектура барокко выполняла пропагандистские функции, объединяя народ с церковью и являясь оружием контрреформации. В-третьих, сама конструкция культового здания должна была организовывать и направлять внимание посетителей.

Первым образцом барокко можно считать церковь Иль-Джезу (купольная базилика), возведенную к 1575 году архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола (1507 – 1573) и Джакомо делла Порта (около 1537 – 1602) для монашеского ордена иезуитов.

Очень торжественно выглядит интерьер храма, оформленный мощными колоннами и пилястрами, многочисленными скульптурными украшениями. Обилие деталей притягивает к себе внимание вошедшего в церковь, как бы намеренно затрудняя движение к области купола, где его ждёт пространственный прорыв вверх. Всё это напоминает духовный путь человека к общению с Богом – через преодоление страстей и пороков.

Интересна композиция фасада Иль-Джезу, выполненного Джакомо делла Порта. Мастер разделил огромную плоскость стены на два яруса, оформив каждый из них ордером. Более узкий верхний ярус обрамлён по краям спиралевидными деталями – волютами (итал.voluta– «завиток») и словно перетекает вниз. Это придаёт фасаду сложный, выразительный

облик. Впоследствии такое оформление стало типичным для многих соборов и церквей в стиле барокко (появился даже термин «иезуитский стиль», относящийся к этим постройкам).

Влияние композиции Иль-Джезу испытал Карло Мадерна (1556 – 1629), внёсший огромный вклад в создание церковной архитектуры барокко (напр. его церковь Св. Сусанны в Риме (1596 – 1603) (Рис. 2.1)). Главным делом жизни Мадерны была перестройка собора Святого Петра (1607 – 1617 гг.) (Рис. 2.5). К основному зданию, возведённому ещё в эпоху Возрождения Микеланджело, он прибавил большой притвор, превратив весь собор из центрического в вытянутый базиликальный. Помещение храма получило стремительное движение к подкупольному пространству

Рис. 2.1

Стремление барокко к взаимодействию с пространством отразилось в перепланировке городов. Первым по этому пути пошел Рим. Его перепланировка была осуществлена главным образом в период понтификата Сикста V(1585 – 1590), под руководством архитектора Доменико Фонтана (1543 – 1607). Проект предусматривал строительство прямых магистралей, соединяющих семь основных римских базилик, в том числе находящихся на окраинах города. Преследовались две цели: экономическая – развитие удаленных от центра районов, и символическая – создание единого священного города. Принцип Фонтана имел огромное значение для всего последующего европейского градостроительства.

В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. В архитектуре вилл развивались те же принципы осевого построения, что и в градостроительстве: центральная подъездная дорога, парадный зал виллы и главная аллея парка по другую сторону фасада проходят по одной оси. Гроты, балюстрады, скульптуры, фонтаны обильно украшают парк. Декоративный эффект ещё больше усиливается расположением всего ансамбля террасами на крутом рельефе местности. Одним из самых замечательных садово-парковых произведений XVIвека явилась вилла д`Эсте (Рис.2.3), начатая в 1549 году неаполитанским архитектором, художником и антикваром Пирро Лигорио, а также вилла Альдобрандини во Фраскати (1598 – 1603 гг.) архитектора Джакомо делла Порта (Рис. 2.2).

Рис. 2.2

Рис. 2.3

Эволюция форм в архитектуре барокко. Овальная планировка -1. Поздний ренессанс и раннее барокко: tito0107 — LiveJournal

На мой взгляд, одно из принципиальных отличий ренессанса и барокко заключается в том, что первый стиль предпочитает круг, а второй – овал, или эллипс, как частный случай. Это различие очень существенно, почти так же, как существенно различие между полуциркульными арками романского стиля и стрельчатыми арками готики.
Замечу, что идея эллипсов на рубеже ренессанса и барокко распростарнятется не только в архитектуре и изобразительном искусстве вообще. Кеплер открывает, что орбиты планет имеют эллиптическую форму. Тут бы можно было порассуждать о крахе ренессансной гармонии и о смене круга эллипсом, как символическом выражении оного краха, но я пердпочитаю говорить о вещах более конкретных. 
Раз уж разговор зашел об арках, то нельзя не упомянуть в этой связи эллиптические и овальные арки мостов.
Вот проект моста с овальными арками Дж. Виньолы (ок. 1547 г.):

Однако, проект так и не был осуществлен.
Первым примером моста с эллиптическими арками является мост Св. Троицы  во Флоренции, построенный Бартоломео Аманати в 1569 г.:


Рис. из Британской Энциклопедии, 1911 г.

Овальную форму имеет и арка моста Вздохов в Венеции (ок. 1600 г.) – сооружения уже типично барочного:

Использование овалов и эллипсов в планировке церквей связано в первую очередь с именем Джакомо Бароцци да Виньолы(1507-1573). В середине 16 века он строит ц. Сант Андреа на Фламиниевой дороге в Риме. (Закончена в 1554 г.)


Церковь имела прямоугольную форму, и Виньола решил увенчать ее не круглым куполом, а овальным.


Снаружи, особенно со стороны фасада, облик церкви еще типично ренессансный, но именно она стала предтечей многих барочных храмов и не только храмов.

Другая церковь Виньолы – Санта Анна делла Палафреньери в Ватикане.


Вид церкви изнутри.


План.
Здесь идея овальных форм распространяется не только на купол, но и на планировку в целом, причем овал здесь уже очень близок к эллипсу. Церковь начала строиться в 1572 г. и была завершена только почти полвека спустя сыном Виньолы Джачинто Бароцци.


Вид церкви Санта Анна на плане 1615 г. Видно, что купол еще не начал строиться
Примечательно, что архитектор, которого зачастую противопоставляют Виньоле, Андреа Палладио (1508-1580), также использовал эллиптическую планировку, только не в церкви, а в театре Олимпико в Виченце. 


Театр Олимпико. План.
Там зрительные места расположены в форме полуэллипса, а не полукруга, как в античных театрах.
Овалы используются не только в планировке зданий, но и в планировке садов. Например, Бартоломео Аманати планирует овальные боскеты в садах Боболи, а Пирро Лигорио – овальный фонтан в парке виллы д’Эсте.


План садов Боболи. Кон. 18-нач. 19 в.


Вилла д'Эсте. Овальный фонтан. 1567, арх. Пирро Лигорио.

Идея овальной планировки церквей не получила серьезного развития в эпоху раннего барокко, но в середине 17 столетия, когда возможности развития других барочных элементов были исчерпаны она пережила возрождение. Но об этом – в следующем посте.

Раннее барокко в Италии — Студопедия

В Италии главным заказчиком архитектурных сооружений стала церковь, прежде всего в связи с необходимостью строительства новых храмов. Здесь прослеживаются три основные причины: во-первых, после Тридентского Собора церковь стала ратовать за возврат к базиликальной схеме, более отвечающей потребностям богослужения и новой идеологии, нежели принятая в эпоху Возрождения центрическая конструкция. Во-вторых, архитектура барокко выполняла пропагандистские функции, объединяя народ с церковью и являясь оружием контрреформации. В-третьих, сама конструкция культового здания должна была организовывать и направлять внимание посетителей.

Первым образцом барокко можно считать церковь Иль-Джезу (купольная базилика), возведенную к 1575 году архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола (1507 – 1573) и Джакомо делла Порта (около 1537 – 1602) для монашеского ордена иезуитов.

Очень торжественно выглядит интерьер храма, оформленный мощными колоннами и пилястрами, многочисленными скульптурными украшениями. Обилие деталей притягивает к себе внимание вошедшего в церковь, как бы намеренно затрудняя движение к области купола, где его ждёт пространственный прорыв вверх. Всё это напоминает духовный путь человека к общению с Богом – через преодоление страстей и пороков.


Интересна композиция фасада Иль-Джезу, выполненного Джакомо делла Порта. Мастер разделил огромную плоскость стены на два яруса, оформив каждый из них ордером. Более узкий верхний ярус обрамлён по краям спиралевидными деталями – волютами (итал. voluta – «завиток») и словно перетекает вниз. Это придаёт фасаду сложный, выразительный

облик. Впоследствии такое оформление стало типичным для многих соборов и церквей в стиле барокко (появился даже термин «иезуитский стиль», относящийся к этим постройкам).

Влияние композиции Иль-Джезу испытал Карло Мадерна (1556 – 1629), внёсший огромный вклад в создание церковной архитектуры барокко (напр. его церковь Св. Сусанны в Риме (1596 – 1603) (Рис. 2.1)). Главным делом жизни Мадерны была перестройка собора Святого Петра (1607 – 1617 гг.) (Рис. 2.5). К основному зданию, возведённому ещё в эпоху Возрождения Микеланджело, он прибавил большой притвор, превратив весь собор из центрического в вытянутый базиликальный. Помещение храма получило стремительное движение к подкупольному пространству

Рис. 2.1

Стремление барокко к взаимодействию с пространством отразилось в перепланировке городов. Первым по этому пути пошел Рим. Его перепланировка была осуществлена главным образом в период понтификата Сикста V (1585 – 1590), под руководством архитектора Доменико Фонтана (1543 – 1607). Проект предусматривал строительство прямых магистралей, соединяющих семь основных римских базилик, в том числе находящихся на окраинах города. Преследовались две цели: экономическая – развитие удаленных от центра районов, и символическая – создание единого священного города. Принцип Фонтана имел огромное значение для всего последующего европейского градостроительства.


В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду. В архитектуре вилл развивались те же принципы осевого построения, что и в градостроительстве: центральная подъездная дорога, парадный зал виллы и главная аллея парка по другую сторону фасада проходят по одной оси. Гроты, балюстрады, скульптуры, фонтаны обильно украшают парк. Декоративный эффект ещё больше усиливается расположением всего ансамбля террасами на крутом рельефе местности. Одним из самых замечательных садово-парковых произведений XVI века явилась вилла д`Эсте (Рис.2.3), начатая в 1549 году неаполитанским архитектором, художником и антикваром Пирро Лигорио, а также вилла Альдобрандини во Фраскати (1598 – 1603 гг.) архитектора Джакомо делла Порта (Рис. 2.2).

 
 

Рис. 2.2

Рис. 2.3

Архитектурный стиль барокко

Римская церковь ордена иезуитов Иль-Джезу - Во имя Христа.

Первым сооружением в стиле барокко считается римская церковь ордена иезуитов Иль-Джезу - Во имя Христа. Композиция сооружения стала завершающим этапом в эволюции архитектуры храмовых сооружений эпохи Возрождения.

Барокко – стиль в архитектуре 16- 18 вв. Появился барокко в Италии как результат развития стиля Ренессанс, а также благодаря ослаблению влияния церкви и усилению новой светской философии. Архитектурный стиль барокко отличается монументальностью, динамичностью, оригинальностью решений.

Для того, чтобы создать эффект неожиданности, зодчие нередко пренебрегали традиционно принятыми правилами построений планов своих сооружений, внедряли нарочитое несоответствие между разными частями зданий, создавали необычные пластичные фасады, использовали крупный декор, игру света и тени.

Впечатление от строений иногда создает ощущение, что конструкция является вторичной по отношению к внешнему пластическому оформлению. Это достигалось декоративными объемными фасадами, которые вуалировали конструкцию строения. Барокко – стиль, для которого характерны сложные формы, переплетения, плавный переход из одной плоскости в другую, преобладание криволейных поверхностей и линий.

Чередование выпуклых и вогнутых поверхностей создают ощущение более глубоких объемов, рождают пространственные иллюзии. Одним из важных составляющих стиля барокко является архитектурный ордер. Ордер в классической архитектуре является базовым модулем, который может неоднократно повторяться, отделяя друг от друга этажи, пролеты, определяя структуру здания. Изменения какой-либо из частей или нарушение пропорций может разрушить целостность восприятия сооружения. Но именно это явление стимулировало зодчих стиля барокко вмешиваться в пропорции и вносить изменения в элементы ордера.

Архитекторы в архитектуре в стиле барокко использовали разные ордера: от строгого дорического до пышного коринфского. Элементы ордера растягивали, скручивали, накладывали друг на друга. Пропорции и ритм расположения элементов тоже претерпевал изменения по отношению к традиционным классическим.

Чем больше изменений производились зодчими в отношении ордера, тем менее значимым казался сам ордер. В декоре барокко активно участвуют фронтоны, волюты, колонны, объемный крупный рельеф. Большое значение в архитектуре стиля барокко приобретает монументальная скульптура, которую широко используют в декоре зданий. Многоплановые скульптурные композиции обычно имеют выраженную динамику: скульптуры, изображающие людей, выражают состояние напряжения, драматизма, экзальтации.

В строениях барокко скульптура и лепные орнаменты нередко спорят с конструкцией, ордером и оттягивают внимание на себя. Изобилие лепнины, прерывистый характер антаблеметов, крупные скульптурные композиции, иногда производили эффект распада ордера, как, например, в сооружении Цвингер с его рельефными фасадами и воротами, богато декорированными скульптурой и орнаментом, контрастами между низкими аркадами и высокими павильонами.

Цвингер. Дрезден. Сооружение проектировалось и строилось Маттеусом Даниелем Пеппельманом по заказу Фридриха Августа I. В 1733 г. строительство было заброшено, и только в 1855 г. строительство было завершено при участии архитектора Готфрида Земпера.

Примеры сооружений в раннем барокко стиле

Палаццо Кариньяно. Построено архитектором Гварино Гварини в 1679 г.

Гварино Гварини (1624—1683), известный также под именем Камилло Гуарини - итальянский архитектор, математик и теолог, работал преимущественно в Турине. По его проектам и книгам по архитектуре учились архитекторы позднего барокко в Северной Италии и Центральной Европе.

Общая структура здания напоминает палаццо эпохи Возрождения (призматический объем, замкнутый двор), однако в эту традиционную схему внесен элемент «неожиданности»: центральная часть главного корпуса напоминает вставку в основной объем.

Плаццо Кариньяно. Арх. Г. Гварини. 1679 г.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме (1638-1667 гг.) Архитектор Франческо Борромини(1599—1667 гг.) – настоящее имя Франческо Кастелли.

Борромини – современник и соперник Беррини. Его работы отличались модульными конструкциями.

Церковь расположена на перекрестке улиц, что побудило зодчего использовать в конструкции три модуля, которые могли бы использоваться в разных зданиях.

Первый модуль: волнообразная нижняя часть строения. Второй модуль, в середине церкви, создан по традиционному плану греческого креста, третий, верхний модуль – овальный купол. Фасад дополняется сложными переплетенными рельефами, благодаря которым создается ощущение наложенной на стену декоративной аппликации, что делает здание очень живописным.

Фасад делится на ярусы, каждый из которых наделен ордером. Карниз церкви имеет изогнутую волнообразную форму. На фасаде отсутствуют гладкие поверхности. В пространстве между колоннами находятся скульптурные группы с фонтанчиками.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме (1638-1667). Арх. Борромини.

Фрагмент фасада церкви Сан-Карло алле Куатро Фонтане в Риме (1638-1667). Арх. Борромини.

Церковь Сант Андреа в Риме на улице Квиринале - одно из сооружений в стиле барокко. Архитектура церкви создает ощущение плавного движения.

Джованни Лоренцо Бернини (1598—1680) - архитектор, скульптор, художник, драматург, работал при восьми папах. Его произведениям были свойственны пластичность, динамизм и экспрессивность. В 1629 г. Бернини был назначен главным архитектором собора Св. Петра

Фасад церкви Caнт Андреа ин Квиринале Бернини сделал двойным: к основной массивной части, созданной при помощи ордера в два этажа с треугольным фронтоном наверху, примыкает изящный портик с колоннами.

Полукруглые ступени ведут к двухколонному портику, поддерживающий полукруглый антамблент. Малый портик вписан в большой портик с коринфскими пилястрами и треугольным фронтоном.

Церковь Сант Андреа ин Квиринале (Church of Saint Andrew's at the Quirinal), Рим. Лоренцо Бернини 1653 г.

Преемственность барокко и рококо

Стиль барокко и рококо считаются родственными, хотя, кроме общего: криволинейности поверхностей, парадности и роскоши, имеются и значительные отличия: рококо стал первым безордерным стилем, массивность барокко сменились легкостью и изяществом. Рококо возникло, когда ушла мода на грандиозные дворцовые комплексы.

В этом стиле строили, в основном, частные особняки и загородные резиденции. Весь период рококо приходится на 20-е - 40-е годы 18 века, за короткое время распространившись в странах Европы.

В стиле рококо творили архитекторы Г. Кнобельсдорф (Knobeisdorff), И. Нёйман (Neumann), М. Пёппельман (Matthäus Daniel Pöppelmann), Ринальди (Rinaldi).

Сан-Суси в Потсдаме. Стиль рококо. 1745-1747 гг. Арх. Г. Кнобельсдорф (Knobeisdorff) (1699—1753гг.) Дворец, построенный по проекту Фридриха Великого в Потсдаме.

Архитектурные стили барокко и рококо отвечали образу жизни и философии представителей европейской аристократии. С появлением нового класса буржуа, а также поднятием революционных настроений в обществе эти стили сменились классицизмом, однако, элементы этих роскошных стилей послужили основой для создания новых стилевых направлений в конце 19 – начале 20 веков.

автор: Марина Калабухова

История музыки барокко и ее истоки

Театр в стиле барокко в Чески Крумлов

Театро Аргентина (Панини, 1747, Лувр)

Музыка барокко

Музыка барокко - это стиль западной художественной музыки, сочиненный примерно с 1600 по 1750 год. Эта эпоха последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, последовала эпоха классицизма. Слово «барокко» происходит от португальского слова barroco, означающего деформированную жемчужину, что является негативным описанием богато украшенной и богато украшенной музыки этого периода.Позже это название стало применяться и к архитектуре того же периода.

Музыка барокко составляет основную часть канона «классической музыки», она широко изучается, исполняется и слушается. Среди композиторов эпохи барокко - Иоганн Себастьян Бах, Джордж Фридрих Гендель, Алессандро Скарлатти, Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Генри Перселл, Георг Филипп Телеманн, Жан-Батист Люлли, Арканджело Корелли, Томазо Альбинони, Франсуа Куперин, Денис Гаултиерди Генрих Шютц, Жан-Филипп Рамо, Ян Дисмас Зеленка и Иоганн Пахельбель.

В эпоху барокко возникла тональность. В этот период композиторы и исполнители использовали более сложные музыкальные орнаменты, внесли изменения в нотную запись и разработали новые приемы инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также утвердила оперу, кантату, ораторию, концерт и сонату как музыкальные жанры. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

Этимология

Периоды
Западной классической музыки

Ранний

Средневековье г.500–1400
Возрождение г. 1400–1600
Общая практика
Барокко г. 1600–1760
Классический г. 1730–1820
Романтика г. 1815–1910
Современное и современное
Современное г. 1890–1930
20 век 1901–2000
Современный г.1975– настоящее время
21 век 2001– настоящее время

История европейского музыкального искусства

Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого диапазона стилей из обширного географического региона, в основном в Европе, созданных за период примерно 150 лет.

Хотя долгое время считалось, что это слово как критический термин впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше в отношении музыки, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 г. Рамо Hippolyte et Aricie, напечатано. в Mercure de France в мае 1734 г.Критик намекал, что новинка этой оперы - «дю барок», жалуясь на то, что в музыке отсутствует связная мелодия, она наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода произошло сравнительно недавно. В 1919 году Курт Закс стал первым, кто систематически применил к музыке пять характеристик теории барокко Генриха Вельфлина.Критики поспешили поставить под сомнение попытку перенести категории Вёльфлина в музыку, и во второй четверти 20-го века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофцером (в Германии, а после иммиграции в Америке) и Сюзанной Клеркс-Лежен. (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластических искусствах и литературе, к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям относительно временных границ периода, особенно относительно того, когда он начался.В английском языке этот термин приобрел популярность только в 1940-х годах в трудах Букофцера и Пола Генри Лэнга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл объединять музыку столь же разнообразную, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж. Баха под единой рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и использоваться для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличить барокко как от предшествующего (Возрождения), так и от последующих (классических) периодов музыкальной истории.

История

Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Хотя они частично совпадают по времени, их условно датируют периодом с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год.

Музыка раннего барокко (1580–1630)

Клаудио Монтеверди в 1640 году

Florentine Camerata - это группа гуманистов, музыкантов, поэтов и интеллектуалов во Флоренции позднего Возрождения, которые собрались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсудить и направить тенденции в искусстве, особенно в музыке и драме.Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, в которой ценились дискурс и ораторское искусство. Таким образом, они отвергли использование современниками полифонии и инструментальной музыки и обсуждали такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, которая состояла из сольного пения в сопровождении кифары. Ранние воплощения этих идей, в том числе Dafne Якопо Пери и L’Euridice , положили начало опере, которая, в свою очередь, стала катализатором для музыки барокко.

Что касается теории музыки, более широкое использование фигурного баса (также известного как тщательный бас ) представляет растущее значение гармонии как линейной основы полифонии. Гармония - это конечный результат контрапункта, а фигурный бас - визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. Композиторы начали заниматься гармоническими прогрессиями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса.Инвестиции в гармонию существовали также среди некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно Карло Джезуальдо; Однако использование гармонии, направленной на тональность, а не на модальность, знаменует переход от эпохи Возрождения к периоду барокко. Это привело к идее, что аккорды, а не ноты могут обеспечить ощущение завершения - одна из фундаментальных идей, которая стала известна как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от стиля музыки эпохи Возрождения к стилю эпохи барокко.Он разработал два индивидуальных стиля композиции - наследие ренессансной полифонии (prima pratica) и новую технику бассо континуо барокко (seconda pratica). Написав среди прочего оперы L’Orfeo и L’incoronazione di Poppea , Монтеверди привлек значительное внимание к новому жанру оперы.

Музыка среднего барокко (1630–1680)

Возникновение централизованного двора - одна из экономических и политических особенностей того, что часто называют Эпохой абсолютизма, олицетворяемой Людовиком XIV из Франции.Стиль дворца и придворная система нравов и искусств, которые он воспитал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного патронажа создали спрос на организованную общественную музыку, поскольку растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.

Жан-Батист Люлли

Период среднего барокко в Италии определяется появлением в 1630-х годах стиля бельканто в кантате, оратории и опере. Этот стиль, один из самых важных вкладов в развитие барокко, а также более позднего классического стиля, был порожден новой концепцией мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше имели считался выдающимся.Цветочная монодия колоратуры раннего барокко уступила место более простому, более отполированному мелодическому стилю, обычно в тройном ритме. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально ограниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных узорах, взятых из сарабанды или куранте. Гармонии также были проще, чем в монодии раннего барокко, и сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, создавая контрапунктную эквивалентность частей, что позже привело к устройству первоначального басового предвкушения мелодии арии.Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному способу разграничения речитатива и арии. Самыми важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в основном композиторами кантат и ораторий соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был главным оперным композитором. Позже важные практики этого стиля включают Антонио Чести, Джованни Легренци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело абсолютно никакого отношения к теоретическим работам Иоганна Фукса, систематизировавшего строгий контрапункт, характерный для более ранних эпох, в его Gradus ad Paranassum (1725).

Ярким примером композитора придворного стиля является Жан-Батист Люлли. Он купил у монархии патенты, чтобы быть единственным композитором опер для короля и не позволять другим ставить оперы. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незаконченным Achille et Polyxène .

В музыкальном плане он не установил для оркестров нормы струнного доминирования, унаследованной от итальянской оперы, и типично французской пятичастной диспозиции (скрипки, альты - в размерах hautes-contre, tailles и quintes - и басовые скрипки). использовался в балете со времен Людовика XIII.Однако он ввел этот ансамбль в лирический театр, где верхние партии часто дублировались флейтами, флейтами и гобоями, а бас - фаготами. В героических сценах часто добавлялись трубы и литавры.

Арканджело Корелли известен как влиятельный благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники - в качестве скрипача, который организовал скрипичную технику и педагогику, - и в чисто инструментальной музыке, в частности, за его пропаганду и развитие концертного гроссо.В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковались и исполняли свою музыку по всей Европе. Как и в случае стилизации и организации оперы Люлли, концертный гроссо построен на сильных контрастах: части чередуются между тем, что играет весь оркестр, и тем, что играет меньшая группа. Динамика была «террасированной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые и медленные участки накладывались друг на друга.Среди его учеников значится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а вместо этого был церковным музыкантом, занимая должности органиста и Werkmeister в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности как Werkmeister входило выполнение функций секретаря, казначея и бизнес-менеджера церкви, в то время как его должность органиста включала исполнение всех основных служб, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь.Совершенно вне своих официальных церковных обязанностей он организовал и направил серию концертов, известную как TheAbendmusiken, в которую вошли исполнения священных драматических произведений, которые его современники считали эквивалентом опер.

Музыка позднего барокко (1680–1730)

Джордж Фридрих Гендель

Иоганн Себастьян Бах, 1748

Благодаря работам Иоганна Фукса, стиль полифонии эпохи Возрождения стал основой для изучения композиции.

Непрерывный рабочий, Гендель заимствовал у других и часто перерабатывал собственный материал. Он также был известен переработкой таких произведений, как знаменитый Messiah , премьера которого состоялась в 1742 году, для доступных певцов и музыкантов.

Хронология композиторов эпохи барокко

Инструменты барокко

инструментов в стиле барокко, включая шарманку, клавесин, бас-виолу, лютню, скрипку и гитару

Клавесин с двойным ручным управлением по Жан-Клоду Гужону ​​(1749)

Струны

  • Пикколо для скрипки
  • Скрипка
  • Виол
  • Альт
  • Виола д'амур
  • Помпа для альта
  • Тенор скрипка
  • Виолончель
  • Контрабас
  • Лютня
  • Теорбо
  • Archlute
  • Анжелик
  • Мандолина
  • Гитара
  • Арфа
  • Шарманка

Деревянные духовые

  • Барочная флейта
  • Chalumeau
  • Кортол (также известный как Кортолт, Кертолл, семья гобоев)
  • Дульсиан
  • Musette de Cour
  • Гобой в стиле барокко
  • Ракетт
  • Регистратор
  • Фагот
  • Кларнет

Латунь

  • Корнет
  • Натуральный рог
  • Труба в стиле барокко
  • Tromba da tirarsi (также называемый tromba spezzata )
  • Флэтт труба
  • Змей
  • Sackbut (английское название 16-го и начала 17-го века для FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: тромбон ; MHG: busaun , busîne , DE) (с начала 17 века) Posaune )
  • Тромбон (английское название того же инструмента, с начала 18 века)

Клавиатуры

  • Клавикорд
  • Tangent фортепиано
  • Фортепьяно - ранняя версия фортепиано
  • Клавесин
  • Орган

Ударные

  • литавры в стиле барокко
  • Деревянный малый барабан
  • Теноровый барабан
  • Бубен
  • Кастаньеты

Стили и формы

Барочная сюита

Сюита в стиле барокко часто состоит из следующих частей:

  • Увертюра - Сюита в стиле барокко часто начиналась с французской увертюры («Увертюра» по-французски), за которой следовала череда танцев разных типов, в основном следующих четырех:
  • Allemande - Аллеманда, часто первый танец инструментальной сюиты, был очень популярным танцем, возникшим в эпоху немецкого Возрождения, когда его чаще называли almain. [ необходима ссылка ] Аллеманда игралась в умеренном темпе и могла начинаться с любой доли такта.
  • Courante - Второй танец - куранте, живой французский танец в тройном метре. Итальянский вариант называется корренте.
  • Сарабанда - Сарабанда, испанский танец, является третьим из четырех основных танцев и одним из самых медленных танцев в стиле барокко. Он также трехметровый и может начинаться с любой доли такта, хотя акцент делается на второй доле, создавая характерный «остановочный» или ямбический ритм сарабанды.
  • Gigue - Жига - это приподнятый и живой танец в стиле барокко в сложном метре, как правило, заключительная часть инструментальной сюиты и четвертый из ее основных танцевальных типов. Жига может начинаться с любой доли такта и легко узнаваема по ее ритмичному ощущению. Жига возникла на Британских островах. Его аналог в народной музыке - джиг.

Эти четыре типа танца (аллеманда, курант, сарабанда и жига) составляют большинство сюит 17-го века; более поздние сюиты включают один или несколько дополнительных танцев между сарабандой и жигой:

  • Gavotte - Гавот можно отличить по множеству признаков; это время 4/4 и всегда начинается с третьей доли такта, хотя в некоторых случаях это может звучать как первая доля, так как первая и третья доли являются сильными долями в четверной доле.На гавоте играют в умеренном темпе, хотя в некоторых случаях на нем можно играть и быстрее.
  • Bourrée - Бурре похоже на гавот, поскольку он находится в 2/2 времени, хотя он начинается во второй половине последней доли такта, создавая иное ощущение танца. Бурре обычно играет в умеренном темпе, хотя некоторые композиторы, такие как Гендель, могут играть в гораздо более быстром темпе.
  • Менуэт - Менуэт, пожалуй, самый известный из танцев в стиле барокко в тройном метре.Он может начинаться с любой доли такта. В некоторых сюитах могут последовательно исполняться менуэт I и II с повторением первого менуэта.
  • Passepied - Passepied - это быстрый танец в двоичной форме и тройном метре, который возник как придворный танец в Бретани. Примеры можно найти в более поздних наборах, таких как Баха и Генделя.
  • Ригодон - Ригодон - это живой французский танец в два метра, похожий на бурре, но ритмически более простой. Он возник как семейство тесно связанных южно-французских народных танцев, традиционно связанных с провинциями Ваваре, Лангедок, Дофине и Прованс.

Прочие особенности

  • Бассо континуо - вид непрерывного аккомпанемента с нотами новой системы нотной записи, фигурный бас, как правило, для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента.
  • Концерт и концерт Гроссо
  • Monody - продолжение песни
  • Гомофония - музыка с одним мелодичным голосом и ритмически подобным аккомпанементом (это и монодия контрастируют с типичной для эпохи Возрождения фактурой, полифонией)
  • Драматические музыкальные формы, такие как опера, драматических произведений на музыку
  • Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
  • Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
  • Ария да капо «наслаждалась уверенностью».
  • The ritornello aria - многократные короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей.
  • Концертатный стиль - контраст звучания между группами инструментов.
  • Обширный орнамент

Жанры

Вокал

  • Опера
    • Сарсуэла
    • Opera серия
    • Комическая опера
    • Опера-балет
  • Маска
  • Оратория
  • Passion (музыка)
  • Кантата
  • Месса (музыка)
  • Гимн
  • Monody
  • Хорал

Инструментальная

  • Хоральное произведение
  • Концерт гроссо
  • Фуга
  • Люкс
    • Allemande
    • Courante
    • Сарабанда
    • Gigue
    • Гавот
    • Менуэт
  • Соната
    • Соната для камеры
    • Соната да кьеза
    • Трио-соната
  • Партита
  • Канцона
  • Sinfonia
  • Фантазия
  • Ricercar
  • Токката
  • Прелюдия
  • Чакона
  • Пассакалия
  • Хоральная прелюдия
  • Stylus фантастический

Дополнительная литература

  • Кристенсен, Томас-стрит и Питер Дежанс. К тональным аспектам теории музыки барокко . Лёвен: Издательство Лёвенского университета, 2007. ISBN 978-90-5867-587-3
  • Сир, Мэри. Очерки исполнения оперной и камерной музыки в стиле барокко во Франции и Англии . Серия исследований, собранных Variorum, 899. Олдершот, Хантс, Англия: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
  • Бригадир, Эдвард. Метод бельканто, или Как правильно петь итальянскую музыку барокко на основе первоисточников .Шедевры двадцатого века по пению, т. 12. Миннеаполис, штат Миннесота: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
  • Хебсон, Одри (2012). «Танец и его значение в сюитах Баха для виолончели соло», Музыкальные предложения: Vol. 1: № 2, статья 2. Доступно на http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
  • Хоффер, Брэнди (2012). «Духовная немецкая музыка в тридцатилетней войне», Музыкальные предложения: Vol. 3: № 1, статья 1. Доступно на http://digitalcommons.com.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Шуберт, Питер и Кристоф Нейдхёфер. Барочный контрапункт . Верхняя река Сэдл, Нью-Джерси: Пирсон Прентис-Холл, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
  • Шуленберг, Дэвид. Музыка барокко . Нью-Йорк: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
  • Штауфер, Джордж Б. Мир музыки барокко Новые перспективы . Блумингтон: Издательство Индианского университета, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
  • Странк, Оливер. Источники чтения по истории музыки. От античности до эпохи романтики . Лондон: Faber & Faber, 1952,
  • .

Внешние ссылки

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

От Хилтона, Дж. Б. (1995) Комплексное образование в области хоровой музыки, Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Prentice-Hall, Inc., 171-176.

ПЕРИОД БАРОККИ (1600-1750)

Переход от ренессанса к музыкальному стилю барокко начался в конце шестнадцатого века.Полихоральные мотеты венецианской школы с двумя или более независимыми хорами, сопоставленными друг с другом, чтобы использовать полученный цветовой контраст, послужили почвой для барочного представления о конфликте. Композиторы венецианской школы также использовали в своей музыке большие исполнители, в том числе хоры инструменталистов. Это привело к развитию стиля концертато, в котором игра солиста или небольшой группы игроков контрастировала с игрой всего ансамбля. Этот стиль композиции привел к развитию концерта.Концерт, конечно же, является инструментальной формой, и в эпоху барокко инструментальная музыка приобрела гораздо большее значение, чем раньше.

Изучение мадригалов Монтеверди, написанных за пятидесятилетний период, выявляет многие стилистические изменения, которые ознаменовали переход от Возрождения к барокко. Ранние мадригалы Монтеверди (написанные в 1587–1603 гг.) Были составлены в стиле высокого Возрождения. Сходные по характеру с работами Маренцио в использовании хроматизма, они, тем не менее, начинают отход от идеала равенства голосов и движутся в сторону барочного представления о полярности сопрано-баса.Напротив, его последние четыре книги мадригалов (написанные в 1605–1638 годах) включают независимые инструментальные секции, контрастирующие с хоровыми интермедиями (стиль концертато) и все более широкое использование фигурного баса.

Несколько пар контрастирующих терминов были применены к «старому стилю» музыки эпохи Возрождения и «новому стилю» барокко. Stile Antico и Stile Moderno - одна из таких пар. Другой, использованный Монтеверди, был prima prattica и seconda prattica. В первой половине семнадцатого века эти два стиля сосуществовали, причем более ранний стиль чаще всего использовался в духовной музыке, в то время как новый стиль был очевиден в светской музыке, особенно в операх раннего барокко.

Текст имел огромное значение для композиторов эпохи Возрождения и барокко. Однако подходы к нему заметно различались. Идеалом эпохи Возрождения было несколько независимых вокальных линий, каждая со своими интонациями и акцентом. В период с начала до середины семнадцатого века тенденция отклонялась от этого полифонического идеала, в сторону сопрано-басовой полярности, в которой пела единственная мелодия и играла фигурная басовая партия с помощью аккомпанирующего инструмента или инструментов.К эпохе позднего барокко, в первой половине восемнадцатого века, популярность полифонии вернулась. Многоголосие позднего барокко отличалось от полифонии Возрождения: оно было основано на тональной гармонии и характеризовалось энергичным, метрически продуманным, движущим ритмом.

Традиция полного участия исполнителя в решениях, касающихся темпа, артикуляции, орнамента и других вопросов, продолжалась с эпохи Возрождения до эпохи барокко. Ожидалось, что клавишники, представленные фигурной басовой партией, «осознают» это, заполняя аккорды, добавляя орнаменты и иным образом украшая свою игру.Ожидалось, что певцы, особенно солисты, импровизируют украшение и проработку мелодии, найденной в партитуре.

Хотя все стилистические изменения, упомянутые здесь, произошли в течение десятилетий, 1600 год широко принят как удобная, хотя и в некоторой степени условная дата, чтобы отметить конец Возрождения и начало барокко. Также следует отметить, что многие, если не все эти изменения взаимосвязаны. Например, переход от полифонической текстуры к сопровождаемой мелодии был тесно связан с переходом от модальности к системе тональности мажор-минор и использованию фигурного баса.Возрастающее значение новых инструментальных форм росло за счет использования зависимых инструментальных партий, в отличие от хоровых. Суммарное влияние всех этих изменений, вместе взятых, продвинуло музыку вперед в новую эру.

Важные формы

В период барокко некоторые важные хоровые формы, такие как осел и мотет представляют собой продолжение развития идей эпохи Возрождения. Другие, такие как кантата и оратория, были созданы заново или приобрели новую форму. важность с точки зрения стилистического развития.Некоторые формы пересекли границы священного и светского. Кантаты Баха, например, включали обе классификации. Для целей данного обсуждения опера не считается. Краткое определение каждого важного хорала в стиле барокко формы представлены здесь.

Гимн.

Традиция исполнения гимна, начатая в елизаветинской Англии Гиббонсом, Берд, Таллис и другие продолжили барокко, достигнув его высшей точки в гимны Перселла и Генделя. Гимн барокко был сложнее, чем эпохи Возрождения, использующей речитативы, инструментальные аккомпанементы с континуо, независимые инструментальные части и интерлюдии, а также сложное соло отрывки.

Кантата.

Произведено от итальянского слова cantare, означающего «чтобы петь ", кантата возникла в семнадцатом веке как расширенная пьеса сопровождал светскую музыку речитативами и ариями. В Германии лютеранская хорал послужил основой для расширенной обработки в "хоральной кантате", священное произведение, написанное для солистов, хора и оркестра, и доведенное до его высшая разработка J.S. Бах.

Мадригал.

В эпоху барокко мадригал продолжал оставаться популярным и стал воплощением «нового стиля» в форме мадригала континуо, разработанного Монтеверди, использующий фигурный бас и включающий секции для соло, дуэта или трио с континуо и контрастными секциями для инструментов с секциями для хор.

Magnificat.

Музыкальное оформление песнопения Девы Марии из первой главы Евангелия от Луки. Полифонические настройки были написаны еще в четырнадцатом веке. Магнификат является частью католической службы вечерни и англиканской службы вечерни. Монтеверди, Хасслер, Перселл и, самое главное, Бах написали важные настройки этого текста.

Массачусетс

В период раннего барокко месса имела тенденцию быть консервативной музыкальной формой, похожей по стилю на франко-фламандскую мессу шестнадцатого века.По мере развития семнадцатого века массы начали использовать стиль концертато и инструментальное сопровождение. Эти разработки привели к тому, что пять масс И.С. Баха, чья месса си минор является одним из выдающихся памятников западной музыки. В отличие от других его мессов, месса си минор длится два часа и делит обычное на двадцать пять отдельных частей, характеризующихся широким спектром выразительных и музыкальных приемов.

Motet.

Мотеты венецианской школы написаны в стиле концертато с использованием цветов контрастирующих хоровых и инструментальных сил.Шютц, Монтеверди и Люлли написали песнопения, в которых были задействованы самые разные силы, текстуры и эмоции. Это привело к появлению многочастичного мотива позднего барокко, примером которого являются произведения Баха и Букстехуде.

Оратория.

Обстановка священного или героического текста для хора, солистов и оркестра. Детали рассказа переданы через речитатив. По характеру похожая на оперу, оратория не ставится, и певцы не одеваются в костюмы. Первым крупным композитором оратории был Кариссими.Наивысшего расцвета барочная оратория достигла в творчестве Генделя.

Страсть.

«Страсть» - это музыкальное оформление событий конца жизни Христа, от Тайной вечери до Распятия. Рассказ ведется речитативами в исполнении евангелиста. Другие солисты исполняют речитативы и арии, а роль хора варьируется от пения хоралов, более сложных созерцательных хоровых секций и секций турбы, в которых хор принимает на себя идентичность толпы.

Te Deum.

Первые слова этого текста, «Te deum laudamus», означают «Мы славим Тебя, Бог». Его поют в католическом офисе утрени, на англиканской утренней молитве и в других праздничных священных и светских случаях. Перселл и Гендель написали важные музыкальные настройки Te Deum.

Вечерня.

Вечернее богослужение по римско-католическому обряду. Вечерня включает в себя серию псалмов, гимн и магнификат. Вечерня Монтеверди 1610 года с участием хора и инструменталистов была написана в стиле концертато.Это самый важный образец формы в стиле барокко.

Композиторы

В первой половине периода барокко преобладали два композитора. В их музыке воплощены многие элементы перехода от стиля ренессанс к стилю барокко. Этими двумя композиторами были Клаудио Монтеверди (1567–1643) и Генрих Шютц (1585–1672).

Родившийся в Кремоне, Италия, Монтеверди написал восемь книг мадригалов, три мессы, вечерни, магнификаты и мотели. Он написал не менее двенадцати опер, три из которых сохранились.Как упоминалось ранее, музыка Монтеверди иллюстрирует переход от prima prattica к seconda prattica, от полифонии эпохи Возрождения к гомофонии барокко.

Шютц был величайшим немецким композитором семнадцатого века. Он родился в Саксонии, учился у Габриэли в Венеции. Музыка Шютца разнообразна, что отражает его долгую жизнь и разнообразные условия, в которых он работал. Его первыми опубликованными сочинениями были итальянские мадригалы. Он был лютеранином, и его священные сочинения были написаны для лютеранской церкви.Шютц написал несколько разнообразных сборников песнопений, а также ораторий и страстей.

Другими важными композиторами раннего барокко являются Жан-Батист Люлли (1632–1687), Ян Питерсоон Свелинк (1591–1652), Иоганн Герман Шейн (1586–1630) и Чакомо Кариссими (1605–1674). Особое значение имеют пятнадцать ораторий Кариссими. Они содержат речитативы, арии, хоровые части и инструментальные интермедии с использованием разнообразных текстур.

В период позднего барокко преобладали произведения Баха и Генделя, которые составляют важную часть хорового репертуара, исполняемого сегодня.Среди других крупных композиторов этого периода - Дитрих Букстехуде (1637-1701), Марк-Антуан Шарпантье (1634-1704), Генри Перселл (1659-1695), Георг Филипп Телеман (1681-1767) и Антонио Вивальди (1675-1741). .

Музыка Иоганна Себастьяна Баха (1685-1750) представляет собой кульминацию двух веков музыкального развития, предшествовавших ей. Хоровая, оркестровая и клавишная музыка Баха демонстрирует удивительное разнообразие выразительности, техники и организации. Его хоровое произведение включает шесть мотетов, магнификат, пять месс, триста кантат и две полные страсти.

Хотя все хоровые произведения Баха составляют важную часть репертуара, два произведения являются хоровыми памятниками: месса си минор и страсти по Матфею. Кроме того, сотни кантат Баха включают в себя широкий спектр уровней сложности, и некоторые из них могут исполняться хорами с ограниченным опытом и ресурсами. Относительно скромные ресурсы, необходимые для исполнения многих кантат Баха, вполне объяснимы, поскольку он написал большинство из них для исполнения своим церковным хором в Лейпциге и был ограничен доступными финансами и персоналом.Хотя его певцы регулярно находились под его руководством, инструменталисты, составлявшие оркестр, набирались на разовой основе и фактически, вероятно, читали музыку во время выступления.

Георг Фридрих Гендель (1685-1759) родился в Галле, Германия. Гендель был космополитом, путешествовал в Италию на три года в 1707 году и жил в Лондоне с 1711 года до своей смерти. Его хоровое выступление включало двадцать одну ораторию, три Te Deums, четырнадцать гимнов и две страсти.Его оратории были предназначены для концертных выступлений, а не для использования в церкви. Это были музыкальные повествования о жизни героев из Библии и мифологии. Самая известная оратория Генделя, «Мессия», нетипична остальным в том, что она представляет собой серию размышлений о жизни Христа и ее значении, а не драматическое повествование о последовательности событий.

Стиль барокко

Исполнение хоровой музыки в стиле барокко требует жизни и энергии.Это музыка, полная эмоций. В музыке барокко существует тенденция к единству эмоций в рамках данного раздела композиции. Это происходит из идеи барокко о том, что человек находится под контролем одного аффекта или эмоции в любой момент времени. Но это не значит, что музыка должна быть безэмоциональной. В хоровом произведении в стиле барокко может быть выражено больше явных эмоций, чем в музыке эпохи Возрождения. Контраст эмоций должен достигаться по мере того, как одна часть заканчивается, а другая начинается в новом темпе и с новой динамикой.

Террасная динамика, при которой динамические изменения происходят между частями музыки (в отличие от длинных крещендо и декрещендо внутри частей), является типичной музыкальной характеристикой барокко. Точно так же темп барочной композиции должен быть постоянным в каждой части произведения. Между секциями возникают резкие контрасты темпа.

Тон, который будет использоваться в мессе в стиле барокко, больше и драматичнее, чем тот, который был бы уместен для настройки того же текста шестнадцатого века.Более свободный подход к вибрато наряду с более широким динамическим диапазоном помогает различать два стиля.

Использование оркестра для сопровождения хоровой музыки в стиле барокко добавляет разнообразия имеющейся цветовой гаммы и подчеркивает потребность хора в пении с теплотой и проекцией. Как и в эпоху Возрождения, это было довольно распространено и было принято дублировать вокальные партии в композиции с инструментами. В период барокко, помимо инструментального дублирования, композиции также обычно содержали независимое оркестровое сопровождение, часто требующее струнных, труб, гобоев и клавишного инструмента (клавесина или органа), обеспечивающего континуо.

Некоторая хоровая музыка в стиле барокко имеет тенденцию быть "инструментальной" по замыслу. Такая музыка характеризуется драйвовыми точечными ритмами, и она должна быть наполнена жизнью, энергией и чувством движения. Более медленные участки должны быть отчетливо контрастными.

Глава 9: Вокальная музыка раннего барокко и изобретение оперы

Глава 9

Оглавление

Prelude.(CHWM 182–83)

Около 1600 года, в начале так называемого периода барокко, итальянские музыканты создали новые музыкальные идиомы, стили и жанры в светской и духовной вокальной и инструментальной музыке. Они считали, что музыка должна волновать слушателя. Итальянские тенденции продолжали доминировать в музыкальной моде.

I. Общие характеристики музыки барокко (CHWM 183–88, NAWM 66)

Композиторы эпохи барокко стремились писать музыку, которая выражала бы чувства.

  1. Вторая практика
    Клаудио Монтеверди использовал разительные диссонансы и сознательно нарушал правила контрапункта, чтобы драматизировать поэтические тексты. Музыка: NAWM 66
  2. Споры между Артузи и Монтеверди
    Когда его раскритиковал Джованни Мария Артузи, Монтеверди защитился, проведя различие между первой практикой контрапункта шестнадцатого века и второй практикой, в которой выражение текста более важно, чем следование традиционным правилам контрапункта.
  3. Ритм и текстура
    Два типа ритма, очень гибкий и очень метрический, часто использовались последовательно для обеспечения контраста. В этом веке барные линии впервые стали обычным явлением. Музыка семнадцатого века обычно подчеркивает гомофонию с заметными басовыми и высокими линиями.
  4. Бассо континуо
    В системе обозначений, называемой бассо континуо, или , бас, были записаны мелодия (или мелодии) и басовая линия, но гармония была заполнена исполнителями, игравшими на одном или нескольких инструментах континуо , таких как клавесин или теорбо .Композиторы указали соответствующие гармонии с фигурным басом . Реализация баса варьировалась в зависимости от типа пьесы, навыков и вкусов музыканта. Не во всех произведениях использовался бассо континуо.
  5. Концертная среда
    Композиторы семнадцатого века часто использовали среду концерта , , сочетающую голоса с инструментами, для создания музыкального концерта , , такого как концертный мадригал или священный концерт.

    В исполнении: реализация бассо континуо
    Партия бассо континуо может быть реализована исполнителями по-разному, от простых аккордов до сложных импровизаций. Музыканты на континуо должны были учитывать стиль солиста, и были изданы руководства, наставляющие музыкантов на создание соответствующих реализаций. Хотя стиль импровизации менялся в зависимости от времени и географического региона, в центре внимания находились исполнитель и исполнение, а не композитор и произведение.

  1. Аккорды и диссонанс
    Музыканты стали считать вертикальные звучания аккордами, а диссонансы - неаккордовыми тонами.
  2. Цветность
    Хроматизм использовался, чтобы выразить сильные эмоции, предложить гармоническое исследование и создать отличительные предметы для имитационного контрапункта.
  3. Cantus mollis и durus
    В начале семнадцатого века музыканты все еще создавали свою музыку в системе церковных ладов, но считали, что каждый лад принадлежит одной из двух аффективных областей: cantus mollis или cantus durus. К последней трети семнадцатого века композиторы писали тональных нот, в системе мажорных и минорных тональностей.
  4. Тональность
    Переход от модальности к тональности был постепенным. Последовательное использование определенных композиционных приемов в конечном итоге привело к набору общих процедур.

II. Ранняя опера (CHWM 188–96, NAWM 67–69)

Опера - постановочная драма, составленная по либретто и спетая на непрерывную (или почти непрерывную) музыку.

  1. Предшественники
    Опера была вдохновлена ​​древнегреческой трагедией и находилась под влиянием существующих музыкальных жанров.
    1. Флорентийский промежуточный
      Промежуточный, музыкальных перерывов между актами пьесы, были, пожалуй, самым прямым источником для оперы. В них использовались диалоги, различные виды вокальной и инструментальной музыки, танцы, костюмы, декорации и сценические эффекты.
    2. Пасторальная драма
      Самые ранние оперные композиторы опирались на сюжет, стиль, мифологических персонажей и использование музыки и танца в пасторальных драмах .
    3. Греческая трагедия как модель
      Создатели оперы стремились воссоздать эмоциональную мощь древнегреческих трагедий.
    4. Джироламо Мей
      Джироламо Мей (1519–1594), флорентийский ученый, исследовал древнегреческие трактаты о музыке и пришел к выводу, что греческая музыка состоит из одной мелодической линии, исполняемой солистом или хором с аккомпанементом или без него.
    5. Флорентийская камера
      Группа, позже известная как Camerata , собралась в доме Джованни де Барди (1534–1612) во Флоренции и обсудила различные темы, в том числе идеи Мэй о греческой музыке.Другими важными членами были Винченцо Галилей (ок. 1520–1591) и Джулио Каччини (1551–1618).
    6. Винченцо Галилей
      В своем Dialogo della musica antica et della moderna (Диалог о старинной и современной музыке, 1581) Галилей утверждал, что монодия, древний стиль сольного пения, может лучше выразить эмоции текста, чем полифония.
    7. Древнее против современности
      Поколение Галилея и Барди предпочитало «древний» стиль сольного пения «современному» стилю полифонии.Для следующего поколения термин «модерн» был переопределен, чтобы включить в себя вторую практику и новые стили составленной монодии.
    8. Caccini’s New Music
      Джулио Каччини написал два типа монодии в Le nuove musiche (Новая музыка, 1602): арий (арии) и сольных мадригалов (сквозные песни). В предисловии Каччини описал различные вокальные орнаменты, объясняя, как их использовать, и написал украшения, которые певцы обычно добавляли в музыку при исполнении. Музыка: NAWM 67
  2. Первые оперы
    1. Академия Корси
      Камерата переехала в Рим и продолжала работать под патронажем Якопо Корси (1561–1602). В 1598 году два участника академии, поэт Оттавиано Ринуччини (1562–1621) и композитор Якопо Пери (1561–1633) создали Дафне, первую оперу по образцу греческих пьес.

      Более детальный взгляд: Речитатив Пери
      Комбинация речи и песни Пери обеспечивает впечатляющую передачу текста. Музыка: NAWM 68b

    1. L’Euridice
      Первой из сохранившихся опер была драма Ринуччини L’Euridice (легенда об Орфее и Эвридике) Пери. В первом исполнении часть музыки из конкурирующего с Каччини либретто была заменена на музыку Пери. История оперы демонстрирует способность музыки вызывать эмоции. Сеттинг Каччини был более лирическим, а Пери - более драматичным и разнообразным.
    2. Имитация речи
      Имитация речи в музыке была важна для Пери и Ринуччини, потому что, как и другие гуманисты, они оба считали, что манера речи раскрывает эмоции.
    3. Речитатив
      Новый стиль вокальной музыки Пери, вскоре названный речитативом, имитировал речь, поддерживая устойчивые или ударные слоги согласными гармониями и свободно используя согласные и диссонансы для слогов, которые были безударными или быстро пропускались в речи.
    4. Monteverdi’s Orfeo
      Опера Монтеверди Орфей (1607) была самой ранней оперой, занявшей постоянное место в репертуаре.В этой работе Монтеверди использовал разные музыкальные стили и использовал различные вокальные и инструментальные ресурсы. Хотя тема была такая же, как у Пери L’Euridice , пропорции оперы Монтеверди были значительно расширены, и самый современный стиль использовался для драматических диалогов и страстных речей.

      Биография: Клаудио Монтеверди
      Монтеверди писал только вокальные произведения, а его музыка всегда подходила к тексту. Он родился и вырос в Кремоне, был нанят герцогом Мантуи, позже получил звание мастера музыки в герцогской капелле и написал свои первые оперы ( L’Orfeo и L’Arianna ) для герцогского двора.Недовольный своим положением, Монтеверди стал маэстро ди капелла на Сан-Марко в Венеции, где он оставался до своей смерти. За свою карьеру он написал не менее 250 мадригалов и помог трансформировать жанр.

    1. Франческа Каччини
      Еще несколько опер были поставлены во Флоренции в 1620-х годах. Суд предпочитал балеты и промежуточные звенья, такие как La liberazione di Ruggiero (1625), оперная смесь балета и интермедиа Франчески Каччини (1587 – ок.1640). Она была певицей, педагогом и одним из самых плодовитых композиторов драматической музыки своего времени.
  3. Опера в Риме и Венеции (CHWM 196–99, NAWM 70–71)
    1. Рим
      В 1620-х годах Рим был центром новых разработок в опере, тематика которой была расширена за счет включения религиозных и комических тем. В римской опере было два типа сольного пения: речитатив и ария.
    2. Castrati
      Castrati исполняли женские роли в римской опере, потому что женщинам не разрешалось петь на сцене.
    3. Венецианская опера
      Театр Сан-Кассиано, первый публичный оперный театр, открылся для платной публики в Венеции в 1637 году. Венеция была идеальной для публичной оперы, потому что в сезон карнавала у нее было много посетителей, богатые банкиры и постоянная публика.
    4. Monteverdi’s L’incoronazione di Poppea
      Монтеверди написал три оперы для Венеции, две из которых сохранились: Il ritorno d’Ulisse (Возвращение Улисса, 1640) и L’incoronazione di Poppea (Коронация Поппеи, 1642).В Poppea, Monteverdi часто менял стили, чтобы отразить персонажей и их чувства, используя речитатив, арию и ариозо . Музыка: NAWM 70
    5. Пьер Франческо Кавалли
      Пьер Франческо Кавалли (1602–1676) был ведущим оперным композитором Венеции, и его произведения включают традиции того периода.
    6. Антонио Чести
      Антонио Чести (1623–1669) был еще одним важным оперным композитором того времени, который большую часть своей карьеры провел за границей и написал оперу Orontea (1656), одну из наиболее часто исполняемых опер семнадцатого века. Музыка: NAWM 71b
    7. Итальянская опера середины века
      К середине семнадцатого века итальянская опера сосредоточилась на сольном пении, разделила речитатив и арию и использовала различные стили для арий. В отличие от флорентийских изобретателей оперы, венецианские оперные композиторы и их подражатели поставили музыку выше поэзии и драмы.

Музыка раннего барокко - HiSoUR - Hi So You Are

🔊 Аудиочтение

Барокко в европейской музыке имеет историческое значение в период с 1600 по 1750 год.С самого начала музыка в стиле барокко отвернулась от музыки эпохи Возрождения. Путем замены полифонии (несколько мелодий одновременно) в песне на омофонию (основной вокал), чтобы позволить тексту доминировать, создавая оперы, оратории, кантаты и монодии, вокальная музыка резко развивалась. В начале барокко модальные гаммы в основном ассоциировались с церковной музыкой, которой обменивались тональной музыкой. Это сильно изменило как звук, так и способность сочинять более сложные произведения.

Инструментальные пьесы не духовенства были нововведением в стиле барокко.Между ними было большое разнообразие: от токкаты, суставов, прелюдии, ричеркара и каприччо до канцонаэра, сюиты, сонаты и концертов. Оркестр значительно развился в стиле барокко, и по мере того, как инструменты становились все лучше, их становилось все больше и больше. Инструменты, которые поражают барокко, включают скрипку, виолончель, кросспи, кларнет, фагот, гобо, английский рожок и ранние версии рожков, труб и тромбона. Новые лодки в вокальной и инструментальной музыке были развитием общего баса, одним из первых примеров передачи удержания ритма на инструмент.Там, где вокальная музыка была веселой, инструментальная музыка оставалась полифонической и часто использовалась контрапункт.

Изначально в музыке барокко преобладали итальянские композиторы; Клаудио Монтеверди был одним из самых известных из них. Постепенно голландские, немецкие, французские и английские композиторы придумали больше. Музыкальная культура в каждой стране время от времени менялась - от использования итальянской музыки, вдохновленной ею до создания или ухода за собственной музыкой. Опера, например, была впервые исполнена в Германии в виде певческих игр до того, как итальянская опера взяла верх.Английская опера представляла собой смесь итальянской оперы и маскарада, а французская опера характеризовалась большим количеством балета и собственной техникой, долгое время полностью управляемой Жан-Батистом Люлли. Однако итальянская опера стала более популярной и дружественной публике благодаря развитию в Венеции и Неаполе.

По-разному развивалась и инструментальная музыка. В Италии скрипка стала очень популярной, и соната была тщательно изобретена, чтобы продемонстрировать характеристики инструмента. Арканджело Корелли сыграл решающую роль в успехе сонаты.Во Франции такие композиторы, как Марк-Антуан Шарпантье, создавали французские ярмарки и оратории, в то время как чудо-дитя Элизабет Жаке де ла Герр писало сложные камбалостики. В Германии Генрих Шютц и Иоганн Герман Шайн представили ряд новых музыкальных стилей. Самуэль Шайдт, а затем Иоганн Пахельбель и Дитрих Букстехуде имели большой успех в органной музыке, как в геологических ярмарках, так и в мирской токкате и фантазиях.

В позднем баре произошло огромное развитие специальной инструментальной музыки.При Иоганне Себастьяне Бахе токката, сустав и, отчасти, воображение получили значительное развитие и популярность. Георг Фридрих Гендель разработал особенно оперу и оратории, Георг Филипп Телеман разработал концерты, комическую оперу и ряд других тем, Антонио Вивальди и Томазо Альбинони сыграли решающую роль в дальнейшем развитии сонаты и сольного концерта, Жан-Филипп Рамо разработал музыку. Опера во Франции и Италии, Доменико Скарлатти и Франсуа Куперен вместе с Телеманом заложили основу стиля галант, который последовал за барокко.Галантный стиль и классицизм восстали против сложного стиля барокко и хотели веселой музыки с простой ходьбой на басах и более мирской направленностью.

Музыка раннего барокко (1600-1630)
Раннее барокко претерпело ряд музыкальных изменений. Переход от эпохи Возрождения произошел быстро, с упором на гомофонический стиль песни, в котором можно было легко услышать тексты. Это было также, когда была создана опера, таким образом, пение и театр впервые были связаны вместе. В этот период опера предназначалась в основном для знати, тогда как в следующий период барокко она исполнялась все чаще и чаще для большинства людей.Вскоре после оперы появилась оратория. Это было похоже на оперу, но с гораздо меньшим количеством театральных особенностей. Третьим песенным стилем была кантата, также в значительной степени созданная в стиле барокко. Первоначально он не содержал пьес, но представлял собой хор с солистами и некоторыми пояснениями между пьесами.

Еще одно важное различие между ранними бараками и ренессансом заключалось в том, что барокко положило начало возникновению инструментальной музыки и увеличению числа музыкантов в музыкальном ансамбле.Это снова вызвало серьезные изменения в музыке, включая создание общего баса, импровизированного басового зала с определенными аккордами в определенных местах и ​​переход от модальной музыки к тональной. Органная музыка в Нидерландах и Германии также явно выросла из эпохи Возрождения. Таким образом, музыка барокко предъявляла большие требования к инструментам, музыкантам и оркестрам. Кроме того, она была более продвинутой, чем предыдущая музыка, в отношении хроматики, гармоник, контрапункта и множества техник, отличных от музыки эпохи Возрождения.

Инструменты в основном были похожи на инструменты эпохи Возрождения, но некоторые из них, например скрипка, стали более важными. Также было учтено отличительное звучание инструментов, поэтому вы хотели бы писать мелодии на основе того, как звучал инструмент, и использовать отличительный звук инструмента для изображения настроений или событий. Вдобавок музыка все чаще писалась в ритмах с тактиками и рядами, так что становилось более предсказуемым.

Ранние инструменты
Хотя скрипка существовала уже давно, именно в начале 1600-х годов она использовалась в «серьезной» музыке, например, в операх и балетах.Вот как он конкурировал с игрой, которую до сих пор предпочитали. Игра принадлежала семье, в которую также входили бас-скрипка и контрабас. Последние два, возможно, были предшественниками сегодняшнего контрабаса. Другие инструменты в строгом семействе включали французскую сумочку, своего рода «карманную беллетристику» без форм и dreielire, которая использовалась вначале.

Было несколько струнных инструментов, обычно в вариациях, таких как арфа, лютня, мандолина и цистерна.В выдувных инструментах широко использовался предшественник тромбона Сакбут. Лютта была в основном предназначена для французской музыки, тогда как теория имела больше места в Италии.

Skalmeien, который разрабатывался с момента его появления в Европе в 700-х годах, в течение следующих девятисот лет получил полностью теноровую и басовую версию. Skalmeien был инструментом с двумя лезвиями и, таким образом, больше относился к гобо, чем к кларнету. Это было отправной точкой для создания барочного боба, появившегося в середине 1600-х годов.Кроме того, использовались как рог для крошки, так и цинк, поперечный поток и блочная канавка. Также использовались ударные инструменты, такие как пауке и табу. Одним из наиболее часто используемых инструментов, особенно для басового голоса, были подсказки для маленьких комнат и цимбало для комнат средних размеров. Большие помещения были в основном церквями, в которых использовались трубопроводы.

Музыкальное развитие
Переход от музыки эпохи Возрождения к музыке барокко был одним из главных нарушений западной музыки. Традиционный стиль песни, prima pratica, был вокальной полифонией эпохи Возрождения (много мелодий одновременно) с переплетенными мелодическими линиями.Новый стиль, seconda pratica, подчеркивает солизм, ясный текст, различие между мелодией и басовой линией и интерес к выразительной гармонии. Однако переход от полифонии к омофонии произошел в основном в песнях, но не в инструментальной музыке, где полифония играла важную роль на протяжении всего барокко.

Различие между первой и второй практиками было определено Клаудио Монтеверди и его братом Джулио Чезаре между 1605 и 1607 годами в ответ на критику Джованни Мария Артузи с 1600 года по поводу «ненужного» нарушения Монтеверди правила созвучия и диссонанса.Ответ Монтеверди заключался в том, что в первом стиле в тексте преобладала музыка, а в другом - наоборот. Монтеверди знал, что вторая практика не заменяет первую, а является альтернативой.

Одним из самых важных вступлений в раннем барокко был общий бас. Общий бас был басовым голосом, часто играемым двумя инструментами, такими как цимбало и виолончель. Список для общего баса ограничивался аккордами, которые можно было играть время от времени, но между аккордами была свободная мелодическая импровизация.Благодаря тому, что общий бас оставался на месте, это также обеспечивало большую импровизацию для мелодических инструментов.

Тональность также была важна. Ренессанс в основном использовался в модальной гамме, основанной на средневековой церковной музыке. Однако развитие барокко в музыке стало настолько требовательным, что сама по себе модальная гамма оказалась недостаточной. Вскоре после 1600 года произошел переход к тональной музыке, которая открыла большую мелодическую свободу, включая диссонанс.

Еще одним музыкальным достижением раннего барокко была аффективная теория, идея о том, что музыка может воссоздавать эмоции.Здесь некоторые привязанности были стилизованы, так что смелость, высокий тон и высокий темп символизировали радость, в то время как печаль была глубокой. Медленный темп и вялость, часто с диссонансами и другими эмоциями, символизировались комбинациями мелодии, темпа, инструментовки и тона. Именно Монтеверди развил это в своих операх и мадригах.

Уже в середине 16-го века романтика широко использовалась в Венеции, но именно в начале барокко, с Джованни Габриэли с некоторыми, он действительно начал развиваться.Габриэли написал особые сонаты и был первым, кто постоянно использовал этот термин для обозначения музыкальных произведений без песни. Единственные сонаты были далеко не так развиты, как в классицизме, они открывались для того, чтобы композитор мог определить степень силы инструментов. Габриэли особенно экспериментировал с инструментами, играющими в диалоге друг с другом, обе группы инструментов друг против друга, например, струны против духовых инструментов, и внутренние группы струн против друг друга.

Развитие оперы
Опера была открыта в начале барокко, но, возможно, была вдохновлена ​​пасторальдрамами, мадригалами и интермедиатами, все три смесь драмы и музыки. Кроме того, гуманисты, такие как Джироламо Мей, понимали, что греческие пьесы исполняются целиком, что важно для идеи, лежащей в основе оперы. Идеи Мейсе обсуждались в кругу академически заинтересованных людей, окружавших графа Барди, под названием Camerata Fiorentina.

Речь шла о том, как мелодично исполнять стихи, пьесы и пьесы.В эпоху Возрождения Мадригалы упоминались ранее, но эти песни были полифоническими, и слушателям было сложно следить за действием. В Camerata Fiorentina монодии, песни были написаны для певческого голоса с единым аккомпанементом, часто на сцене, создавалась гитара, цимбало или орган. С одной песней стало легче следить за действием. Кроме того, фраза должна соответствовать содержанию текста, чтобы короткие ноты и высокие тона характеризовали откровение, а длинные тона и низкое голосовое руководство - более спокойное настроение.Во-первых, именно Винченцо Галилей и Джулио Каччини писали монодии, и последний в значительной степени их развил. Моноды исчезли в конце периода раннего барокко, но затем распространились во многие другие европейские страны и вдохновили их на создание подобных песен.

Однако моно были певцами-одиночками, и флорентийцы, заинтересованные в музыке, обсуждали возможность завершения целой серии последовательных монодий. Даже после того, как Барди переехал в Рим, дискуссия продолжалась.Якопо Пери написал первые попытки оперы с Дафной (не сохранилась) в 1598 году и Л'Эуридикой в ​​1600 году. Пери также изобрел упорное пение слов, которые рассказывали историю и связывали воедино монодии (в конечном итоге «арианцы»). Фоном для сопротивлений была широко принятая теория, согласно которой древние греки исполняли свои стихи наполовину пением.

Опера началась экспериментально, но именно с Клаудио Монтеверди опера нашла свое место. В своей опере «Орфей» Монтеверди понимает баланс между текстом и музыкой в ​​двух практиках, представленных в опере.Он разместил музыкантов как за сценой, так и перед ней, а также на странице. Помимо такого большого оркестра, насчитывающего до 40 музыкантов, музыка отчасти характеризовалась диссонансом, неожиданными аккордами и сознательным использованием звуковых цветов. Монтеверди использовал тромбоны, что было необычно для мирской музыки того времени, чтобы создать ощущение андеграунда, в то время как флейты создавали более пасторальную тему. Оркестр также играл более активную роль во время реставраций, где аккомпанировал всему оркестру, часто драматично, чтобы усилить эмоции.

Монтеверди написал несколько опер. Уже на следующий год приехала Л’Арианна, которая почти не сохранилась. Тогда нет известных опер от него до Il ritorno d’Ulisse в 1640 году. Во Флоренции также не было опер в стиле раннего барокко, хотя некоторые пьесы играли в спектакле. Франческа Каччинис Освобождение Roggiero dall’isola d’Alcina в 1625 году имело ряд музыкальных характеристик оперы Монтеверди и его современников, включая арии, реставрации, хор и вступительную инфонию, но назывался балетом.Чуть позже столицей оперы стал Рим, где сольные концерты стали менее мелодичными, а Овен сохранил свой мелодичный стиль. Также в Риме кастраторы пели женские песни. В Риме, среди прочего, Стефано Ланди был активным оперным композитором. Он написал обе оперы на религиозную и комическую тему, обычно в одно и то же время, как в Il Sant ‘Alessio, или на пасторальные и греческие мифологические темы, как на La Morte d’Orfeo.

Ближе к концу периода в Германии была также разновидность оперы.Так же, как и в Италии, первая опера «Дафне» (1627), но, возможно, это была мирская кантата. Считается, что он был написан Генрихом Шютцем, но позаботился только о либретто.

Оратории и кантаты
Сразу после того, как опера начала распространяться, стали распространяться и ориентировщики. Оратории были вдохновлены религиозными мадригалами и религиозными текстами лаудитов на повседневном языке. Оратория (= молитвенный дом) представляла собой представление христианского текста или послания, чаще всего напоминавшего оперу тем, что в нем были резистивы, кресты и танцы, но в нем также был рассказчик, который читал библейские тексты, на которых было основано действие.Оратории, однако, находились под влиянием мирской музыки, и, поскольку оперы также имели религиозные темы, разница иногда заключалась в том, что у ораторов не было сценографии. Эмилио де Кавальери, также активно участвовавший в становлении оперы, написал то, что считается первой ораторией La rappresentazione di anima e di corpo («Подготовка души и тела»). Как и в случае с оперой, в Германии появились варианты ораторий. И снова Генрих Шютц написал первое немецкое дело «Историю воскресения» в 1623 году.В Германии в отношении музыкальной формы использовалось понятие «история», а термин «оратория» не использовался до 1640 года.

Кантаты тоже пришли рано. В основном это были преступления, основанные либо на светских, либо на религиозных текстах. Мирские кантаты произошли от религиозных. Религия содержала инструментальное вступление, отдельные арии и реститативные, коралловые части и части, в которых прихожане участвовали в песне. Этот кантат впоследствии поразил таких немецких композиторов, как Иоганн Себастьян Бах.

Другая церковная музыка
Помимо кантатов, мадригалов и ораторий, существовали и другие религиозные мелодические жанры. Одним из них были французские коллеги. Мотеты были счастливы поделиться prima pratica и, таким образом, были вдохновлены эпохой Возрождения, в первую очередь Джованни Пьерлуиджи да Палестрина, Жоскена де Пре и Орландо ди Лассо. Поэтому у них музыка была доминирующей в тексте. Алессандро Гранди использовал противоположности, вдохновленные монодиями, и, таким образом, мотеты стали ближе к secondo prattico, поскольку мелодия стала менее доминирующей, а голос стал более фронтальным.Этот микс особенно хорошо проявил Гранди, когда он был вдохновлен сольными бунтами, мятежными и лирическими ариями.

Джироламо Фрескобальди доминировал в инструментальной музыке. В 25 лет он стал органистом в церкви Святого Петра и создал ряд произведений для фортепианных инструментов, предпочтительно органа. Он написал toccataer, capricioer и ricercaros для цимбало и органа, чаще всего в церковном контексте. Фрескобальди был наиболее известен своим языком тонов, который характеризовался напряжением между модальностью и преобладающими мажорными / минорными тонами.Это означало, среди прочего, что он много играл в хроматике, но он также был озабочен гармоничными инструментами.

Также в Германии было музыкальное развитие, и, среди прочего, Майкл Преториус определил музыкальный переход с помощью своих кораллов и особенно своей теоретико-музыкальной Syntagma Musicum. В частности, было трое его потомков, Генрих Шютце, Иоганн Герман Шайн и Самуэль Шайдт, которые в значительной степени представили музыку барокко в Германии. Эти трое, часто называемые «тремя эрами», известны друг другу и преторию.

Из них именно Самуэль Шейдт написал органную музыку. Шайдт изучал органные технологии у признанного чемпиона по органам Яна Питерсоона Свелинка. Scheidts Tabulatura nova 1624 года считается первой важной немецкой коллекцией органов. Шейдт использовал общий бас и развитие звука, и, кроме того, он писал контрастные мелодии. Шейдт был особенно активен в фантазиях, и его органная музыка имела большое значение для развития органной музыки Северной Германии в то время.

Иоганну Герману Шайну удалось совместить современное и итальянское с немецкими коралловыми традициями. Среди прочего, он добавил декоративную песню к певческим голосам и разделил фразы на разные голоса, так что развивалась лютеранская церковная музыка. В более поздних работах он также добавил сольные инструменты и противопоставил сольные партии и партии всем i. Эти произведения, оба названные Opella nova, долгое время устанавливали стандарт церковной музыки среди протестантских композиторов.

Генрих Шютц, вероятно, был самым влиятельным из трех.Будучи учеником Джованни Габриэли и посещая Монтеверди, он многое узнал об использовании звука и голоса для передачи наилучшего сообщения. Он позаимствовал основные аранжировки Габриэли, например, в причастии Псалма Давида и Кантиона, религиозных песен на немецком и латинском языках соответственно. Шютц также писал оперы и оратории, но держался подальше от чистой инструментальной музыки. Шютц продолжал развивать церковную музыку и после этого периода. Шютц стал особенно известен своей способностью использовать несколько коров, как это сделал Габриелли, и настраивать коров друг против друга или солистов против хора.Это означало, что он создал драматические опыты, чтобы выделить текст. Таким образом, Шютца можно смело поместить во вторую практику.

Источник из Википедии

барокко | Университет антикварных ювелирных изделий

Нельзя говорить об эпохе барокко, не помещая ее в религиозный контекст, поскольку она оказала такое большое влияние на столетия после Реформации. В эпоху Возрождения и позднего средневековья образ мышления изменился от принятия религиозных доктрин к доверию собственным наблюдениям (гуманизм).В начале 16 века Мартин Лютер пытался реформировать католическую церковь изнутри в знак протеста против непомерного образа жизни многих священнослужителей. В то время эти люди Церкви были сильно увлечены пороками, с которыми мы не стали бы связывать их в наши дни. Лютер сильно протестовал против продажи так называемых индульгенций для прощения грешников и роли Папы в богословии, поскольку он обнаружил, что саму Библию следует воспринимать как истинное слово Бога, а не слово Церкви.Римско-католической церкви было бы что терять, если бы они отказались от своей абсолютной власти, и вскоре последовала реакция. Хотя в намерения Лютера не входило отделение от католической церкви, вовлеченные стороны вскоре разделились на два основных лагеря; протестанты и католики. Другие протестантские реформаторы также начали формировать собственные доктрины с различными толкованиями Писания. В частности, Цвингли и Кальвин имели очень твердые взгляды на идолопоклонство, и их иконоборческие взгляды оказали сильное влияние на искусство.Это можно увидеть в различиях между южным и северным европейским барокко. Контрреформация католической церкви в Риме продвигала идолопоклонство как средство поклонения.

Не только католическая церковь разделилась, но и европейские правители по разным причинам встали на сторону в этом вопросе. Европа разделилась на страны, в основном католические, и на те, где протестантизм прочно утвердился в конце 16 века. Между двумя лагерями велись длительные войны.Король Испании Филипп II был сувереном большинства низких стран, и как преданный католик он не терпел протестантских общин, обосновавшихся на его земле, и не испытывал большого сострадания к мятежным дворянам, которые призывали к большей религиозной и государственной автономии. . Когда многие религиозные статуи были разрушены после того, как кальвинистские проповедники призвали к уничтожению всего идолопоклонства, Филипп послал армию в низкие страны, что привело к 80-летней войне между Испанией и 17 провинциями .

Тем временем во Франции и Священной Римской империи (которая состояла из фрагментированных центральноевропейских государств, в основном нынешних Германии, Австрии и Венгрии) правители приняли решение о некоторой религиозной свободе через Аугсбургский мир в Священной Римской Империи и Нантский эдикт во Франции (отмена последнего сыграла еще одну решающую роль в развитии барокко). Хотя в то время существовала некоторая религиозная терпимость, между различными сектантскими государствами все еще существовала напряженность, которая также подпитывалась династической борьбой за власть.В конце концов, вся эта напряженность накапливалась в 30-летней войне , в которой участвовало большинство европейских стран.

30-летние и 80-летние войны закончились Мюнстерским миром в 1648 году, и были установлены новые границы, изменившие карту Европы. Филипп потерял большинство низких стран в пользу протестантской голландской республики. Южная часть бывших 17 провинций осталась под властью испанских Габсбургов и стала известна как Испанские Нидерланды, остававшиеся в основном католическими.Хотя южная и северная части были воссоединены позже, сегодня все еще можно почувствовать основные различия в мировоззрении этих двух частей. Сильнее всего вышли две партии - французская и голландская. Голландцам было суждено править морями в 17 веке, а Франция стала центром искусства.

В Англии протестантизм возник в результате образования англиканской церкви после того, как папа Климент VII отказался аннулировать брак Генриха VIII с Екатериной Арагонской.

Музыка раннего барокко - Оценка за исполнение

Этого предмета временно нет на складе Хэла Леонарда, но его можно купить в вашем любимом местном музыкальном магазине или у интернет-магазина.

Ряд: Schott Издатель: Schott Аранжировщик: Хельмут Мёнкемейер

2 сопрано и 1 высокочастотный рекордер или 3 других мелодических инструмента (скрипки, виели, альты да гамба, гитары).

Приборы
  • Регистратор
  • Ансамбль записывающих устройств

17 долларов.99 (НАС) Инвентарный номер HL 472 UPC: 073999548280 Код издателя: ED4676 Ширина: 9,0 " Длина: 12,0 " 28 страниц

Цены и наличие могут быть изменены без предварительного уведомления.

Краткое знакомство с оперой в стиле барокко

Краткое знакомство с оперой в стиле барокко

История оперы в стиле барокко - это история роскошного великолепия, экзотики и зрелищности, чудесности, певцов-суперзвезд с эгоизмом и доходами суперзвезд, интриг и изворотливых деловых отношений и ... одной из самых возвышенных музыкальных произведений, когда-либо написанных .

Он начинается как история эпохи Возрождения во Флоренции в начале 1570-х годов с группы дворян, ученых и художников, которые называли себя Камерата.Они проводили собрания, на которых размышляли о способах исполнения древнегреческой драмы и ее музыки. Неправильное прочтение источников означало, что они потерпели неудачу, но их эксперименты привели к созданию нового вида музыки, основанной на речевых ритмах. Названный речитативом, он вскоре был воспринят композиторами Камераты, среди которых были Джулио Каччини и Якопо Пери. Поначалу использовавшийся в зрелищных придворных празднествах, которые включали в себя развлечения, называемые промежуточными, вскоре был принят речитатив, который лег в основу нового вида драмы - оперы.Соответственно (и для историков удобно) рождение оперы пришло с наступлением нового века. В 1600 году появились две настройки текста (или либретто) Оттавио Ринуччини, другого члена камеры, в новом стиле на музыку Джулио Каччини и Якопо Пери. Вокруг этого знаменательного события много споров, но кажется, что выступление, данное во Палаццо Барди во Флоренции 6 октября, было составной версией, включающей музыку обоих композиторов. Сюжетом этих первых опер была басня об Орфее, хотя название L’Euridice было названо в честь жены Орфео, которая, как известно, пыталась вернуть из подземного мира.

Opera родилась, но для того, чтобы довести ее до зрелости, нужен был великий композитор. Ожидание было недолгим. В 1607 году опера Клаудио Монтеверди «Орфей» была представлена ​​при дворе Мантуи, где тогда работал ее композитор. Как следует из названия, темой снова стала история Орфея и Эвридики, но «Орфей» Монтеверди сильно отличается от ранних опер Каччини и Пери. Более гибкий и, критически, более драматичный, в дополнение к речитативу, который продвигает историю вперед, он включает отрывки лирического созерцания, развитие, которое все больше ведет к окончательному разделению этих черт.Но это впереди. А пока повествование приостанавливается, хотя в скобках можно отметить, что в 1608 году в Мантуе была поставлена ​​утерянная опера Монтеверди «Арианна». С этого момента опера быстро распространилась своими щупальцами по всей Италии, достигнув, среди прочего, Рима в 1620-х годах и Венеции в 1630-х годах.

Теперь история движется в Венецию. Репутация республики сделала его идеальным местом для оперы, чтобы сделать важный шаг вперед - превратиться из простого придворного зрелища в общественное развлечение.Этому способствовал ряд существующих небольших театров, принадлежащих семьям аристократов Венеции, в которых всегда популярные спектакли комедии дель арте устраивались для социально разнородной аудитории. Так в 1637 году была поставлена ​​первая публичная опера, ныне утерянная Андромеда ныне забытого Франческо Манелли. Шлюзы открылись. Театры были расширены, чтобы удовлетворить потребности оперы, или даже построены заново, чтобы приспособить их. Даже престарелый Монтеверди, который переехал в Венецию в качестве директора собора Святого Марка в 1613 году, был призван ставить оперы, сочиняя прощальные шедевры Il ritorno d'Ulisse in patria, поставленные в 1640 году, и L'incoronazione di Poppea (1643). вместе с потерянным Le nozze d'Enea в Лавинии.Поппея Монтеверди была первой крупной оперой, в которой сюжетом рассматривалась история, а не мифология, в то время как обе дошедшие до нас поздние оперы включали комические сцены в весьма серьезных произведениях, что стало характерной чертой венецианской оперы до конца века .

Около двух десятилетий в Венеции была лихорадочная оперная деятельность. Импресарио появлялись и разорялись, постановки становились все более экстравагантными, дома открывались и закрывались, но даже в этих хаотических условиях было поставлено ошеломляющее количество опер.Главной фигурой в эти годы был Франческо Кавалли, ученик Монтеверди, который как импресарио и композитор поставил более 30 опер между 1640 и 1673 годами, в том числе такие знаменитые шедевры, как «Ксерсес» (1654). Последняя четверть века стала свидетелем похолодания оперного рвения в Венеции, что позволило нам перейти не только от «Серениссимы», но и за пределы Италии, к рождению оперы во Франции - истории, в которой также фигурирует Кавалли.

К середине 1650-х годов опера начала свое мировое завоевание.Во Франции, где роскошные зрелища не были новостью при дворе Людовика XIV, они стали импортированными из Италии, в частности, благодаря постановкам «Ксерсеса» Кавалли в 1660 году и, в исключительных случаях, «Эрколе аманте» того же композитора, великолепно поставленным в Тюильри в 1662 году. это поразило всех в течение шестичасового выступления. Но Ercole amante более века доказывал, что это лебединая песня итальянской оперы во Франции. В соответствии с традициями французского двора, в его огромную длину входили балеты, в которых участвовал сам король.Основным композитором этих балетов был композитор инструментальной музыки Луи Жан-Батист Люлли. Именно Люлли суждено было стать основателем французской оперы, что парадоксально, учитывая, что он был флорентийцем по имени Джованни Баттиста Лулли. Но приемный француз Люлли приступил к поиску отличительного стиля, мало похожего на итальянскую оперу, его наблюдение за ритмами французского языка привело его к созданию новой формы лирического речитатива. Манипулятивный и беспринципный, Люлли занял влиятельное положение как при дворе, так и в недавно созданной Парижской Опере, что позволило ему доминировать в опере, исключая других композиторов.Между 1673 и 1686 годами Люлли сочинил 14 опер или музыкальных трагедий, в основном ставившихся как при дворе, так и в Парижской опере. К моменту его смерти в 1687 году господство Люлли во французской опере было настолько полным, что прошло 40 лет, прежде чем его гегемония была оспорена.

Но мы должны вернуться в Италию. Незадолго до конца века ученые и литераторы начали оспаривать то, что они считали фривольностью комических сцен в венецианской опере. Они отметили возвышенную серьезность французской оперы с использованием либретто таких выдающихся поэтов, как Кино и Корнель.В 1690 году в Риме образовалась Аркадская академия, объединение ученых и художников, которые стремились реформировать оперу, изгнав фривольную комедию и сосредоточившись на возвышенных мирах героических исторических фигур и идеализированных пасторальных темах. Поэт, который вывел итальянскую оперу в новом направлении, был Апостоло Зенон, за которым позже последовал один из величайших поэтов 18 века Пьетро Метастазио. Среди композиторов выдающейся фигурой в переходный период между Венецианской оперой 17 века и тем, что стало известно как dramma per musica или opera seria, был Алессандро Скарлатти, в чьих операх мы также можем найти окончательное утверждение da capo aria, музыкальной формы, которая доминируют в итальянской опере на протяжении большей части следующего столетия.Постепенное отделение речитатива от более лирических частей непрерывной партитуры, наблюдаемое в операх Кавалли и его современников, таких как Чести, в конечном итоге привело к тому, что они стали отдельными сущностями. Большое количество опер Скарлатти, составленных между 1679 и 1721 годами, представляет собой идеальную платформу для изучения перехода от венецианской оперы 17 века к опере сериа. Скарлатти также знакомит нас с новым крупным центром итальянской оперы - Неаполем. На самом деле оперу давали в Неаполе, тогда крупнейшем городе Италии, с середины 1600-х годов, но именно Скарлатти установил то, что стало известно как «неаполитанский стиль», который доминировал в итальянской опере в первой половине следующего столетия.

Одним из композиторов, которому был полезен прямой контакт со Скарлатти, был молодой немец Георг Фредерик Гендель, который прибыл в Италию в конце 1706 года. 21-летний Гендель работал в Гамбурге, ведущем оперном центре Германии, где он был поставлен в театре Gänsemarkt, первом публичном оперном театре за пределами Венеции, с 1678 года. Опера в Германии на этом этапе была либо итальянской, либо гибридной, представившей популярную немецкую песню, что не было редкостью в операх Телемана и его гамбургских коллег. чтобы оба языка использовались в одной опере.Пребывание Генделя в Италии, где он посетил Флоренцию, Венецию (где его Агриппина была подарена в 1709 году), Рим и Неаполь, оказало глубокое влияние на развитие его стиля. В конце 1710 года Гендель, ныне практически полноценный итальянский оперный композитор, прибыл в Лондон, где общественный спрос на развлечения и финансовое вознаграждение, которое они могли обеспечить, были уникальной привлекательностью для европейских артистов-исполнителей на протяжении всего столетия. Опера так и не смогла утвердиться в Англии, где преобладало предпочтение устной драмы, несмотря на движение гибридной формы, известной как `` полуопера '', особенно связанной с Генри Перселлом, роль которого в создании английской оперы могла не ограничиваться «Дидона» и «Эней» и такие полуоперы, как «Королева фей» и «Король Артур», если бы не его преждевременная смерть.Поскольку это было, теперь была подготовлена ​​почва для Генделя - теперь британского гражданина - для установления господства итальянской оперы в Лондоне, где между 1711 и 1741 годами было поставлено около 40 его опер в дополнение к операм других ведущих итальянских композиторов, таких как Никола. Porpora.

Мы видели, как реформа итальянской оперы привела к исключению комических эпизодов, которые стали неотъемлемой частью венецианской оперы 17 века. Точно так же, как основной акцент теперь переключается на Неаполь и его влияние, также сосредотачивается внимание на сериях опер таких композиторов, как Леонардо Винчи, Порпора, Перголези и Хассе, таких как Гендель, итальянизированный немец.В Венеции, которая сама поддалась неаполитанскому стилю, среди настоящих венецианских композиторов только Антонио Вивальди может претендовать на известность сегодня, хотя важность Антонио Лотти и Леонардо Лео в этой области еще предстоит полностью раскрыть. Если драма per musica с ее щедрыми монархами, героическими принцами и обиженными, хотя часто и дерзкими героинями занимала возвышенные позиции великолепия и морального примера, комедия вот-вот нанесет ответный удар. Перед концом первого десятилетия нового века первые интермеццо, или короткие комические оперы, вставлялись в интервалы серьезных опер как в Неаполе, так и в Венеции.В отличие от сериала, в этих комических интермедиях был характерен повседневный характер, которого публика находила на улице после выхода из театра, часто высмеивая свои слабости в общих диалогах, часто используя местный диалект. В Неаполе появление полнометражных комических опер произошло почти одновременно, что послужило основой для оперы-буффа, которой во второй половине века было суждено отомстить Opera seria, достигнув популярности, которая превзошла ее великое отношение. это завершится бессмертными комедиями Моцарта.

К середине 18 века европейское господство итальянской оперы было окончательно. За исключением одной страны. Во Франции наследие Люлли, итальянца, ставшего французом, продолжало господствовать до прибытия Жана-Филиппа Рамо, который в зрелом возрасте обратился к tragédie en musique, чтобы бросить вызов наследию Луллистов, которое жестоко разделило как ученых, так и общественность.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *