Ренессанс стиль: Ренессанс в интерьере. Классические стили

Содержание

Ренессанс в интерьере. Классические стили

Движение Ренессанс (итал. возрождение) берет свое начало в Италии (1400 – 1700 гг. В его основе — возрождение интереса в классическом искусстве, архитектуре и дизайне к древнему Риму, проявление античных мотивов сквозь призму средневекового интерьера. Стиль в дизайне заимствовал исторические концепции и детали, используя их для создания нового.


Стиль ренессанс в интерьере – это принцип пропорциональности и глубокой перспективы, гармония форм и плавных линий. Эстетика Ренессанса узнаваема по организации жизненного пространства: сводчатые потолки, округлые ниши, рациональность форм. Это большие помещения с округлыми арками, отделка резным деревом, самоценность и относительная независимость каждой отдельной детали, из которых набирается целое.

Богатство цветов и симметрия — ключевые черты стиля. Колонны, пилястры, антаблементы отличались геометрической симметрией. Шахты лестниц больших размеров. Декоративные молдинги, двери, и дверные коробки в домах. Стены были украшены паттернами и фресками, инкрустированы деревянными панелями, раскрашены в яркие цвета и декорированы пилястрами. Большое внимание уделялось росписям на стенах и потолках. Влияние Рима нашло отражение в колоннадах, колоннах, ломаных фронтонах, открытых арках и глиняных плитках кровли.


В качестве напольных покрытий использовался кирпич, плитка, мрамор; укладка выполнялась с геометрическим рисунком. В богатых домах плитка и бетон «терраццо» (венецианская мозаика) были выложены в огромные узоры. Ковры были редкостью и никогда не стелись на пол, иногда ими покрывали столы. Мебель демонстрировала роскошные вкусы владельцев дома. Изготавливалась из дуба или грецкого ореха с резными спиралями, бриллиантами, звездами или мотивами картуши – орнаментальных завитков (на капители), свитков. В обиход вошли сундук-кассоне («cassone»), скамьи «cassapanca», жертвенники, стулья «savanarola» и «sgabello». Стулья начали заменять табуреты и скамьи в качестве обычной мебели для сидения. Диванные подушки добавлялись для комфорта и были богато украшены. Кровати устанавливали на подиумы и имели подголовники, изножья и столбы, которые поддерживали балдахины и занавеси.



Совет руководителя студии

Создайте интерьер своей мечты с дизайнерами нашей студии

Каждый наш проект отражает потребности, вкус и образ жизни нашего клиента

Рассчитать стоимость

Аксессуары. В интерьере большая роль отводилась картинам. Небольшие картины имели множество рам (часто позолоченных), как в венецианских зеркалах. Часы были новым изобретением для того времени и вызывали интерес, поэтому стали любимым аксессуаром во многих домах. Любовь итальянцев к музыке нашла отражение в том, что в домах присутствовали музыкальные инструменты. Для освещения использовали свечи с подсвечниками. Позднее появились близкие им по стилю дневные «торшерные» лампы.

В качестве текстильного декора использовался вельвет, дамастная ткань или камчатное полотно, парча (для скатертей), шелк с крупным рисунком и ярких цветов.


Итальянский ренессанс оказал влияние на Францию спустя 100 лет (1500 – 1700 гг). Для стиля характерна симметрия двойных спиралевидных лестниц с геометрически спланированными элементами. Мебель украшали резьбой и инкрустацией (техника «маркетри»), облицовывали эбеновым деревом, скрывали стыки, обивали тканью.


Стиль ренессанс в интерьере, архитектуре и искусстве в каждой стране имел свою историю становления и характерные черты. Испанский ренессанс (1475 – 1780 годы) был уникальным соединением итальянских и французских влияний и существующих традиций Испании (европейская готика и мавританский стили). Мавританские дизайны были основаны на Исламе. Они использовали сплошную поверхность, декоративно составленную из каллиграфии, растительных паттернов и геометрических орнаментов. В результате стиль был оформлен в дизайнерский стиль ренессанса, полностью отличавшийся от того же стиля, который развивался в других странах. Безусловно, стиль ренессанс в интерьере и архитектуре Испании имеет яркий самобытный национальный колорит. Термин «mude’jar» использовался для описания смеси мавританского и христианского стилей в течение позднего Средневековья и раннего периода ренессанса (приблизительно 1200 – 1700). Стиль mude’jar характеризуется сильно выраженным присутствием геометрического орнамента в дереве, штукатурке и плитке, а также использованием ярких красных, зеленых, синих и белых цветов.


Более ранние этапы испанского ренессанса (1475 – 1550 столетия) обычно связывают с «plateresque». Этот период получил такое название после того, как ювелиры начали использовать тщательно разработанные орнаменты в своей работе. Эти орнаментации были смесью деталей итальянского ренессанса и деталями мавританского стиля. Чуть позже, примерно в 1550 году, начал развиваться стиль «desornamentado» (неорнаментированный).

Неорнаментированный стиль был очень простой, почти полностью исключавший орнамент и декорирование. Стены из камня или штукатурки были украшены одеждой или свисающей кожей животных. Новые веяния внесли перемены в стиль ренессанс в интерьере и мебели, теперь мебель использовалась скупо, была украшена минимальным количеством орнамента и несла скорее функциональную, чем эстетическую, нагрузку.


Вскоре после того, как неорнаментированный стиль «desornamentado» сошел со сцены, стала развиваться другая фаза испанского ренессанса – «griggugueresco». Это был наиболее узнаваемый период дизайна в стиле ренессанс в Испании, он продолжался примерно в 1650 – 1780 гг. Говоря о стиле сriggugueresco, можно провести параллели с барокко и рококо других стран, этот стиль был формой реакции против радикально простого стиля «desornamentado». В этот период стиль ренессанс в интерьере приветствовал орнаментацию в поверхности предметов, которая была чрезвычайно щедрой и живо расцвеченной. Поскольку многие домов в Испании были построены без использования даже штукатурки, они использовали мозаичные плитки при постройке стен как декорации.

Выделенные железом орнаменты, особенно подсвечники и медники, жаровни использовались для держания горящих карандашей для обогрева. Потолки с деревянными панелями были также типичными для этого периода. Массивные деревянные двери устанавливались в ниши, подобные оконным. Окна закрывали деревянными ставнями, с железной решеткой или занавесками. Ковры, покрывающие пол и изготовленные вручную элементы из кожи, украшали стены.


На изготовление мебели шло ореховое дерево, дуб, сосна и кедр. Появились стулья из кожи, процарапанной спереди и сзади, расположенной на петлях, чтобы стулья могли складываться и легко перемещаться, «монашеские» стулья, покрытые тисненой кожей. Кордовская цветная дублёная кожа, козлиная или конская, стала ведущим предметом экспорта Испании, с широким спектром финишных отделок, тиснений, рельефов, украшений и цветов.

Знаковым элементом мебели стал письменный стол «vargueno», состоящий из выдвижных ящиков с петлеобразным покрытием спереди и выдвигающейся письменной поверхностью. Внутри было много места для хранения персональных вещей и ценностей. Ткацкий процесс изготовления шелка стал обычным явлением в период criggugueresco, это был шелк с яркими цветными узорами, с вышивкой золотом или серебром. Дамасткая ткань или камчатное полотно для скатертей, парча и вельвет также использовались для оформления интерьеров.

Во времена Ренессанса жилые помещения стали разделять на зоны. Кухня отделяется от столовой, появляется комната для приема гостей, которая отделена от приватной зоны – спальни и кабинета.


описание и 50 + фото

Стиль ренессанс гармонично сочетает элементы роскоши и строгость форм, четкость линий и великолепие отделки.

История зарождения стиля

В начале 14 века в Италии берет начало эпоха Возрождения — от французского «renaissance». Имелось ввиду возрождение античной культуры и интерес людей к творчеству. Архитекторы и живописцы стремились отойти от канонов прошлого и создать нечто новое — революционное.

В основе архитектуры эпохи Возрождения лежат античные формы, идеи древности — Греции и Рима — пропорциональность, симметричность. Все это сменило величественную, но несколько угрюмую и строгую готику. Условно ренессанс делят на три этапа:

  • Раннему ренессансу близок переход от строения крепостей и храмов к строению дворцов с арками, колоннами, ордерами.
  • Высокий ренессанс называют отправной точкой для развития всего стиля. В это время направление расширяется, встраивается в архитектуру и искусство других стран. Великолепные картины и фрески, величественные здания эпохи Возрождения стали шедеврами. Многие сохранились до нашего времени.
  • Поздний ренессанс стал толчком стилей рококо и барокко. Этому периоду характерно обилие античных форм, вычурных элементов, роскоши как в экстерьерах так и в интерьерах построек. Витиеватые узоры, колонны, арки, пилястры, затейливая лепнина на потолках.

Эпоха Возрождения продлилась до конца 16 века и повлияла на архитектуру, искусство, моду, литературу.

Характерные особенности стиля

Важным отличием эпохи ренессанса стало то, что теперь архитекторы и авторы стали не анонимны. В отличие от Средневековья человек перестал быть «орудием Бога» и начал подписывать свои работы. Архитектуру ренессанса отличает монументальность, античные формы, крыши с двумя скатами, симметрия и массивные основания зданий с лестничными пролетами.

Для ренессанса в интерьере характерна та же монументальность, что и для внешнего вида построек. Стиль требует широких площадей, чтобы развернуться в полной мере. Дверные проемы заменяют арками и колоннами.

В комнатах важна симметрия предметов, соблюдение пропорций, дворцовая пышность оформления, мотивы античности. Мебель массивная в спокойных тонах при этом обязательно сохранять свободное пространство и воздушность.

Очень важно обилие дневного и мягкого искусственного света в комнатах. Правильное освещение поможет выделить каждый элемент интерьера и создать необходимое настроение.

Декор

Интерьер ренессанса не обойдется без аксессуаров. Они позволяют создать атмосферу богатства, великолепия и закончить композицию. Но каждый аксессуар следует внимательно подбирать.

Стены украшают пилястрами и репродукциями полотен эпохи Возрождения. Для окон подбирают кованые карнизы и вешают тяжелые гардины в пол, декорируя подхватами с кистями. Ткань выбирают блестящую с вышитым узорами и блестящей нитью.

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю прихожую

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю прихожую

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю прихожую

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю прихожую

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю прихожую

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю прихожую

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю прихожую

    Общие размеры

Всевозможные ниши оформляют фресками, а внутрь устанавливают статуэтки из бронзы. Осветительные приборы — кованые люстры, канделябры, подсвечники и торшеры — выполняют еще и декоративную функцию. Размещенные локально они привлекают внимание необычными формами.

Оформление разных комнат в стиле ренессанс

Гостиная

Просторная комната в светлых оттенках не требует большого количества мебели. Композицию можно выстроить вокруг настоящего или искусственного камина, расставив только самое необходимое. Диван, стулья, кофейный столик, секретер или сервант со стеклянными дверцами. На полки ставят фарфоровую или керамическую посуду в нежных оттенках.

Если позволяет идея и площадь в гостиной размещают пианино. Потолок оформляют изящной лепниной, вешают стилизованную под старину люстру и настенные светильники. Окна занавешивают легкими шторами, подбирая оттенок гармонирующий с интерьером. Разбавить строгость помогут живые растения в кадках.

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    35 070 ₽ 50 100 ₽

    -30%

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    38 847 ₽ 55 496 ₽

    -30%

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

  • Хит

    Быстрый просмотр

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

  • Быстрый просмотр

    Цена за всю кухню

    Общие размеры

Кухня и столовая

Стены отделывают «под мрамор». Кухонный гарнитур можно выбрать островного типа и выстроить композицию вокруг него или взять за основу обеденный стол. Оформляют кухню в нежных тонах: кремовый, бежевый, молочный с золотыми элементами. Мебель выбирают гармонирующую с оттенками потолка и стен. Интересно, что в отличие от других комнат кухню не украшают лепниной.

Из осветительных приборов обязательна шикарная люстра, а во время романтических ужинов зажигают свечи в металлических канделябрах.

Спальня

Центр комнаты отдыха — роскошная кровать. Помимо нее в спальне присутствует комод, туалетный стол, иногда с зеркалом, платяной шкаф для белья или книг. Над кроватью вешают небольшую люстру. На прикроватных тумбах размещают светильники с абажурами без вышивки.

Потолки стараются не украшать лепниной. Подходят глянцевые натяжные варианты или гипсокартон. Переход между потолком и стеной можно оформить резным карнизом. Полы в интерьере ренессанса не бросаются в глаза. Подходит паркет в коричневых тонах.

В качестве декора выступает резьба с позолотой, витиеватые линии и узоры на комодах и кровати. На стены вешают картины в стиле эпохи Возрождения или репродукции шедевров великих художников. На туалетном столике размещают вазу с живыми срезанными цветами, а по углам — растения в кадках.

Ванная комната

Просторная ванная предполагает минимум предметов. Ванная или душевая система, раковина, тумба на резных ножка с зеркалом и подвесной унитаз, если комната совмещена с санузлом. Вся сантехника в белом, кремовых или молочных тонах. Стены и пол отделывают керамической плиткой. В качестве декора выступают настенные панно и бра.

Интерьер в стиле ренессанс — это величие и роскошь, добиться которых можно внимательно следуя принципам стиля, продумывая композицию и любые мелочи.

Среди декоративных элементов выделяются старинные картины, кованая мебель, сундуки и канделябры. Главной особенностью ренессанса является шик и королевское достоинство. С помощью старинных аксессуаров можно создать уникальный дизайн частного дома или апартаментов. Этот стиль выдержан только в светлых и темных оттенках, поэтому можно легко экспериментировать с цветовой палитрой.

Rating: 5.0. From 1 vote.

Please wait…

19.08.2016

Просмотров: 256

Комментариев: 0

Ренессанс — История искусства — Zen Designer

Ренессанс — термин, означающий перерождение, возрождение; историческая эпоха преобразований в искусстве и культуре Италии 1400-1600 гг., основывавшаяся на новом понимании античного, преимущественно древнего греко-римского искусства и архитектуры, литературы и науки. Изучение древних текстов явилось основой для развития гуманитарных наук: истории, поэзии, философии. Исследование природного мира положило начало глубоким изменениям в искусстве и науке, что привело к преобразованию общества, к рождению современной Европы.

Произведения искусства, созданные в Эпоху Возрождения, в подавляющем большинстве принадлежат художникам Северной и Центральной Италии. Центрами культуры Возрождения являются Венеция, Флоренция, Милан, Бергамо, Падуя, Феррара и Сиена. Большинство произведений сделано по заказу церкви и частных меценатов.

Если немногим ранее католическая церковь была монопольным покровителем искусств Западной Европы, то в эпоху Возрождения появилось и резко расширилось частное меценатство, например Медичи во Флоренции и Сфорца в Милане.

Два века итальянского искусства стали основой традиции европейской живописи.

Готический ренессанс

Возрождению предшествовал Международный готический стиль, так называемая Интернациональная Готика, возникшая и существовавшая первые десятилетия 15 века. Характеризовалась статичными фигурами, нехваткой глубины, объема и живописного реализма. Художники отдавали предпочтение фонам из сусального золота, украшавшего образы, но подчеркивавшего его плоскостность. Вместе с тем фигуры становятся трехмерными, движения плавными и естественными; пейзажи становятся более подробными и демонстрируют развитие теории перспективы. Художники сосредотачиваются на человеке, делают человека центром своего творчества, вследствие чего священные образы — Иисус, Мария и святые — перестают быть исключительным предметом для творчества.

Ознакомиться подробнее — Интернациональная Готика

Мадонна с младенцем

Наиболее устойчивый образ Западного искусства, не менявшийся на протяжении более 1000 лет, — Мария с младенцем Иисусом. Культ Девы Марии достиг апогея в 12-13 веках. Дева Мария представлялась королевой небес, олицетворением церкви, невестой Христа. В эпоху Возрождения подобные иератические изображения заменяются менее формальными, образы Мадонны с младенцем становятся убедительными изображениями матери и ребенка. Художники сосредотачиваются на отношениях между двумя людьми, подчеркиваются прикосновения и ласковые взгляды.

Мадонна с младенцем обычно изображаются в архитектурной среде, часто с пейзажем позади, иногда сопровождаются предметами быта. Фигуры всегда помещаются на первый план, физически ближе к зрителю, чтобы вызывать повышенный эмоциональный отклик.

Джованни Беллини, Мадонна с младенцем, 1488, масло на дереве, 86 x 63 см.

Среди многих картин Беллини эта картина признана как произведение исключительного качества. Нежно держащая на руках младенца, Мадонна восседает перед полоской бархатной занавеси, позади которой пейзаж с двумя городами прописан в мельчайших деталях.

Тициан, Мадонна с младенцем на фоне пейзажа, 1507, масло на дереве, 39 x 48 см.

Среди изысканных образов Мадонны картина Тициана чувственна в своей визуализации людей из плоти и крови. Отсутствуют драпировки, однако на заднем плане мы видим загородную местность близ Венеции. Количество розоватого оттенка в пейзаже дает основание предположить, что действие сцены происходит в вечерних сумерках. Натурализм сцены подчеркивается теплыми отношениями матери и ребенка, полностью поглощенными общением друг с другом: пухленький младенец играет с волосами своей матери.

Подобные изображения местных пейзажей положили начало пейзажной живописи.

Алтарные картины

Полиптих — мультипанельная алтарная композиция, обычно сосредоточенная на ключевых образах в центральной панели и сценах из жизни на боковых или в нижнем регистре. Ключевыми образами могли быть Мадонна с младенцем или распятие, вторичными композициями могли быть сцены из жизни отдельных святых. Диптихи и триптихи также придерживались установленного формата, но в меньших масштабах. Панели ранних готических алтарей были чисто декоративными, имели множество декоративных элементов. Панели Возрождения становятся менее сложными, складными, удобными для транспортировки и частного пользования.

Портрет

Жанр портрета как дискретного образа до эпохи Возрождения был довольно редким. Во времена позднего средневековья портреты резервировались исключительно для королевских особ и исторических личностей. В эпоху Возрождения фокусом картин становятся люди. Ранние портреты Ренессанса представляют портреты только в профиль, подобно Римским монетам или медальонам. Позже жанр портрета постепенно развивается, принимая все более широкий диапазон композиций. Сначала появляются головы и плечи, потом изображение поворачивается на три четверти, появляется поясной портрет, со временем переходящий в полноформатное изображение и во весь рост.

Джованни Батиста Морони, Девочка из семьи Редетти, 1566–70, масло на холсте, 43 x 33 см.

По картине Мороне легко представить эпоху, ведь это парадный портрет. Смотрите, девочка одета в свою лучшую одежду, носит свои лучшие украшения. Она перебирает пальчиками жемчужное ожерелье, а на запястье надет коралловый браслет — защита здоровья, как считалось тогда. Художнику удалось даже запечатлеть терпение маленькой девочки, усталость от длительного неподвижного позирования.

Судя по некоторым признакам, девочке должно быть 4-5 лет, хотя платье и поза делают ее старше. О возрасте говорит то, что щеки девочки все еще пухленькие, а на руках между пястных костей еще нет ямочек. Положение левой руки, точнее угол наклона, свидетельствует о том, что она, скорее всего, стояла на стуле во время позирования, опираясь левой рукой за спинку.

Джованни Батиста Морони, в отличие от большинства своих современников, никогда не занимался рисованием королей, придворных или военных героев. Он никогда не был в Риме или Флоренции, и, вероятно, не был даже в Венеции. Живя в Бергамо, Морони изображал людей из Бергамо (местную аристократию, юристов, учителей, портных), а также окрестности. Портреты Морони считаются лучшими за их прямоту и натурализм.

Высокое Возрождение

Период с конца 1490 до 1520 годов известен как Высокое Возрождение и считается одним из величайших в истории искусства. Именно в этот период эксперименты и инновации раннего Возрождения, особенно во Флоренции, Венеции и Риме, достигли вершины. Визуальное искусство было доведено до совершенства, особенно с точки зрения гармонии и пропорций, как идеальных ценностей. Больший упор делался на реализм, расширение диапазона выражений, жестов, поз. Развились и сильно усложнились жанры пейзажа и исторических сцен.

Технология живописи тоже изменилась благодаря широкому использованию масляных красок, хотя некоторые художники консервативно предпочитали яичную темперу. Деревянные панели активно заменялись холстами на подрамниках, поскольку были легче, дешевле, податливее.

Сандро Ботичелли, Христос-Искупитель благословляет, ок. 1500-1515, темпера по дереву.

Христос представлен с поднятой в [византийском] жесте благословения правой рукой. Фигуру обрамляет черный фон, на котором золотые лучи света образуют ореол позади головы. Он богато одет: алое одеяние, украшенное множеством золотых крестов, синий плащ усыпан звездами, узорная кайма из стилизованного растительного орнамента. На ладонях стигматы и, кроме того, левой рукой Христос указывает на рану в груди. Там, где шипы тернового венца вонзаются в кожу, показаны капли крови. Христос смотрит в упор на зрителя, со слезами, катящимися из его правого глаза.

Позднее Возрождение

Период характеризуется огромным количеством разработанных техник и направлений. Основной тон задавал натурализм и гармоничный идеализм трех мастеров живописи — Рафаэля, Леонардо да Винчи, Микеланджело. В технологическом аспекте доминирует масляная краска по холсту, использование сильных оттенков и лессировок для построения форм.

Для усиления эффекта многие художники используют драматическое, театральное освещение, часто иррациональное с точки зрения логики. Портретное искусство становится подчеркнуто эмоциональными, сосредотачиваются на личности.

Тэг: Живопись

как сделать в своем интерьере

Ренессанс с английского — «renaissance» — значит «возрождение», или «оживление». Это слово как нельзя лучше характеризует стиль эпохи Возрождения в архитектуре и дизайне интерьера. Ренессанс – это новый взгляд на старое. Поэтому в этом стиле переплетаются элементы дизайна, присущие античности, средневековью и нашему времени.

Особенности дизайна 

Для Ренессанса характерно наложение друг на друга горизонтальных линий. В архитектуре это проявляется налепленными друг на друга этажами, которые придают сооружению статичность и устойчивость, приземистость.

Основными элементами стиля являются пилястра, колонна, пилон, архивольт и архитрав. Ордерная система стиля эпохи Возрождения удачно сочетает различные комбинации, составленные из этих элементов. Ордера обычно выстроены в ряд в классической соподчиненности. Дорический тяжелый ордер располагают снизу, а самый легкий коринфский – сверху. При этом стены вновь приобретают тектоническое значение.

Стиль эпохи Возрождения меняет характер пространства. В отличие от готического направления Ренессансу присущи рациональность и четкие границы. Нет больше ломаных линий. Линии становятся строгими и, как правило, прямоугольными. Ренессанс приветствует простые геометрические формы: шар, куб, прямоугольник и квадрат.

Готическое усложнение стен в Ренессансе отсутствует: эпоха Возрождения вернулась к массивности и визуально устойчивым элементам. Стены снаружи украшены античными орнаментами и различными ризалитами.

В нашей статье вы можете узнать о том, как обустроить кладовку и сделать ее удобной и практичной.

Дизайн маленькой гостиной требует еще более тщательного подхода. Что необходимо учесть при этом, вы можете узнать здесь.

Кухня-гостиная — оригинальное решение для небольшой квартиры. Мы поможем вам правильно организовать дизайн гостиных, совмещенных с кухней.

Так как стиль Ренессанс зародился в Италии, в Средневековье для строительства садов, дворцов и прочих сооружений приглашали архитекторов, воспитанных на итальянских образцах. Архитекторы эпохи возрождения умели создавать ту среду, которая удовлетворяла знатных людей возможность заниматься искусством, музыкой и литературой.

История развития стиля 

Стиль Ренессанс возник в 13-14 веках, когда Северная Италия стала местом с активной морской торговлей. При этом Византия потеряла роль посредника между Востоком и Европой. При накоплении денежного капитала развивалось капиталистическое производство. Это способствовало формированию буржуазных отношений, для которых феодализм являлся помехой. При этом образовалась буржуазная культура, избравшая античный стиль, идеалы которого получили новую жизнь, отчего социальное движение и получило название «Ренессанс».

Две комнаты — пространство, которое можно обустроить самым разным образом. Узнайте, в каких случаях нужна перепланировка двухкомнатной хрущевки.

Как сделать интерьер спальни в классическом стиле — узнайте в этой статье.

У вас небольшая квартира? Посмотрите, насколько выигрышно выглядит интерьер кухни студии в хрущевке.

В эпоху Возрождения поколебалась власть римского папы, что является идеологическим последствием перелома в науке. В средневековье было совершено множество открытий, которые заставляли формироваться новым национальным государствам.

[adsright] Буржуазия скопила в своих руках основную часть капитала, крестьянство обнищало. А владельцы земель принимали участье в кровожадных войнах.

В эпоху Возрождения ведущее место отводится архитектуре. Именно в этот период возводятся здания, и человек становится их масштабной мерой.

Новые формы Ренессанса развиваются вширь, а не ввысь, как это было прежде. Архитектура отличается простотой и спокойностью форм, объемов и ритма.

Полы 

Для дизайна интерьера в стиле Ренессанс полы должны быть выполнены из натурального камня или дерева. Вместо натурального камня сегодня рационально использовать керамогранит или керамическую плитку, имитирующую мрамор или другой природный камень.

Деревянный пол предпочтительно выкладывать из массивной доски, изготовленной из ценных пород дерева: дуба, ореха или иных экзотических пород.

Паркет для Ренессанса подходит менее, но и он иногда встречается. Для того чтобы смягчить интерьер, полы устилают коврами.

Потолок в стиле Ренессанс

Потолки высокие, выполнены в виде сводов. Для дизайна интерьера в стиле эпохи Возрождения отлично подходят многоуровневые потолки с картиной или орнаментом в центре, выполненным в духе античности.

Допускается устройство деревянного потолка. Его принято покрывать лаком для сохранения естественного рисунка и фактуры поверхности или красить декоративной краской.

Стены 

Стены в стиле Ренессанс – это гладкий природный камень, мрамор, песчаник и штукатурка. Именно в эпоху Возрождения начала активно использоваться для украшения стен декоративная штукатурка, которой покрывали обычно только одну из стен. Сегодня удобно использовать керамическую плитку или современную штукатурку, имитирующую поверхность мрамора.

В оформлении стен могут использоваться любые ценные породы дерева, главное, чтобы все линии были плавными и выразительными.

Для стен в стиле Ренессанс характерно наличие ниш, украшенных росписью или фреской. В таких нишах эффектно смотрятся статуэтки из бронзы.

Мебель 

Мебель эпохи Возрождения – это ясность конструкции и четкие линии. Среди традиционной мебели – секретер, письменный стол, буфет и кассоне – хозяйственный ларец. Мебель выполняется из дерева или из металла. Популярно золочение. Шкафы и поверхности прочей мебели декорируются рельефным узором в античном духе.

Среди материалов, которыми обтягивают мебель, можно выделить яркую парчу, натуральную кожу или бархат. В этот период были изобретены складные столы и кресла с ножками крест-накрест.

Стиль эпохи Возрождения: декор

Для создания интерьера в духе Ренессанса необходимо использовать в качестве декора состаренную мебель, украшенную резьбой или ручной росписью. Стены украшаются картинами эпохи Возрождения. Если картина не соответствует этому периоду времени, интерьер получается размытым, теряется основная тема.

В качестве декора можно использовать канделябры и подсвечники, фарфоровые и керамические вазы с соответствующей росписью.

Советы и рекомендации

Для Ренессанса характерна симметричность. В качестве точки отправления обычно выбирают камин, лестницу или стол. Чтобы дизайн выдерживал свой стиль эпохи Возрождения, необходимо:

  • Уделять внимание мелочам. Каждая деталь и любой элемент должны быть выполнены в стиле Ренессанс, в противном случае общая гармония будет нарушена;
  • Подчеркнуть стиль можно с помощью таких элементов интерьера, как гротески, пилястры, колонны с орнаментами. Дизайн подчеркивается также львиными головами, Купидонами и грифонами, фестонами, плетенками и арабесками;

  • Для помещений, выполненных в стиле Ренессанс, не возбраняется использовать растительные композиции с плетистыми, подобно винограду, растениями. Виноградные лозы, венки и листья характерны для дизайна жилищ древних римлян;
  • Окна драпируются ламбрекенами, выполненными из очень гладкой ткани. В качестве украшения используют также аппликации и вышивки шелком, крученые шнуры;

  • Майолика – это керамические изделия, выполненные в технике, характерной для эпохи Возрождения. Поэтому для декора эффектно использовать не только майоликовую посуду, но и геральдические знаки, медальоны с портретами и прочие элементы;
  • Венецианское стекло станет самым главным штрихом при оформлении интерьера в стиле Ренессанс.

Итог

Сегодня чистый стиль Ренессанс встречается очень редко, так как дизайн в этом стиле требует наличие пространства как вширь, так и в высоту. Владельцы современных квартир редко могут позволить себе такую роскошь. Для квартиры, выполненной в духе эпохи Возрождения, необходима покупка дорогостоящих материалов и элементов декора. Поэтому Ренессанс чаще всего встречается в общественных зданиях.

Ренессанс до сих пор поражает нас пространственными эффектами, каменными элементами дизайна, росписями на стенах и отсутствием контраста, дарящим гармонию и спокойствие.

Смотрите фото, как может быть устроен интерьер с элементами Ренессанса:

Узнайте, как создать спальню в стиле Ренессанс (видео):

Здесь вы увидите процесс создания спальни эпохи Возрождения

Стиль Возрождения (Ренессанс) — Компания Яркий дом, отделочные материалы в Туле: плитка, обои, напольные покрытия, сантехника

Главная » Статьи » Лепнина интерьерная » Стили лепного декора » Стиль Возрождения (Ренессанс)
  • Преобладающие и модные цвета: пурпурный, синий, желтый, коричневый;

  • Линии: полуциркульные линии, геометрический рисунок (круг, квадрат, крест, восьмиугольник), преимущественно горизонтальное членение интерьера;

  • Форма стиля ренессанс: крутая или пологая крыша с башенными надстройками, арочные галереи, колоннады, круглые ребристые купола, высокие и просторные залы, эркеры;

  • Характерные элементы интерьера: кессонный потолок; античные скульптуры; лиственный орнамент; роспись стен и потолка;

  • Конструкции: массивные и визуально устойчивые; бриллиантовый руст по фасаду;

  • Окна стиля ренессанс: полуциркульные и прямоугольные с тяжелым карнизом и фризом в сочетании с круглыми; иногда полуциркульные арочные, часто спаренные и даже строенные;

  • Двери стиля ренессанс: устройство порталов с тяжелым карнизом, фризом и колоннами; прямоугольный и полуциркульный арочный вход.

Возникновение стиля ренессанс

В начале XV в. в Италии (в Тоскане), где наследие античности никогда полностью не исчезало, возникает новое явление в искусстве — ренессанс, в более узком смысле слова — возрождение античного искусства. В XV в. ренессанс постепенно распространяется по всей Италии. Для него характерно наличие местных различий, поэтому во Франции он иной, чем в Венеции или в Риме. Еще в большей степени местные отличительные черты проявляются в XVI в., когда ренессанс распространяется по всей Европе.

Историческая характеристика стиля ренессанс

В XIII — XIV вв. города Северной Италии становятся воротами оживленной морской торговли, отняв у Византии роль посредника между Европой и экзотичным Востоком.

Накопление денежного капитала и развитие капиталистического производства способствуют быстрому формированию буржуазных отношении, которым уже тесно в рамках феодализма. Создается новая, буржуазная культура, избравшая своей моделью античную культуру; ее идеалы получают новую жизнь, что и дало название этому мощному социальному движению — Ренессанс, т. е. Возрождение.

Опираясь на новые открытия и изобретения, государственные силы вступили во владение наследием средневековья, начали образовываться национальные государства. Одно из идеологических последствий этого перелома — церковные реформы в различных странах Европы, поколебавшие власть римского папы.

История начала этого периода характеризуется ростом богатства буржуазии и обнищанием крестьянства. Владевшие землей князья приняли участие в многочисленных и беспощадных войнах.

Архитектура занимает ведущее место в ренессансном художественном творчестве. В этот период возводятся сооружения, масштабной мерой которых становится человек. Существенно изменяется характер монументальной архитектуры, и в отличие от вертикализма пространств, соответствовавшего мировоззрению средневековья, новые формы развиваются в ширину. Архитектура характеризуется простотой и спокойствием объемов, форм и ритма.

Всю историю развития нового стиля в течение XV — XVI вв. можно разделить на три основных периода.

1420 — 1500 гг. — это период раннего Ренессанса. Ведущим архитектором этого периода был Ф. Брунеллески (1377 — 1446), а основным центром — Флоренция.

Далее следует период расцвета Ренессанса (начиная с 1500 г.) Ведущим архитектором становится Д. Браманте (1444 — 1514), а центр перемещается в Рим.

Последний и по времени относительно короткий период относится к позднему Ренессансу (1540 — 1580). Ведущим архитектором этого времени стал великий скульптор и живописец Микеланджело Буонаротти (1475 — 1564).

Строительные особенности стиля ренессанс

Кроме традиционных строительных материалов в период Ренессанса используются и некоторые новые. Традиционный камень в основном в ранний период применяется в виде каменных блоков, обработанных различными способами. Он используется и в конструкциях, и в элементах оформления. Все более важным материалом становятся строительные растворы. Практически Ренессанс — период наступления штукатурки в архитектуре. Раствор используется не только в кладке, но и в виде гладкой штукатурки, сграффито, руста и для создания некоторых других архитектурных элементов. Кирпич по — прежнему остается привычным материалом, конструктивным и декоративным. Ренессанс характерен чередованием материалов и цвета, широко используются цветные материалы: терракота, майолика и глазурованный кирпич. Изделиям из этих материалов легко придать различную форму, что позволяло создавать различные элементы и детали архитектурного оформления сериями.

В XVI в. чаще, чем настенная живопись, в убранстве интерьеров используются лепные украшения, вначале белые, а впоследствии тонированные и золотые. В значительном количестве применяется железо, особенно в качестве конструктивных деталей, обеспечивающих жесткость с помощью тяг и затяжек.

Медь, олово и бронза используются в декоративных целях. Из дерева конструируются стропила, карнизы и потолки, которые имеют кессоны сложной формы. В некоторых случаях из дерева выполняются и своды, например, цилиндрические с люнетами.

Конструктивное решение сводов и куполов остается основной технической н художественной задачей. Популярны глухие своды и купола, оставляющие много места для росписей. При возведении сводов использовался как античный, так и средневековый опыт. Образцом для подражания считался римский Пантеон. При этом ренессанс старается преодолеть массивность и простое нагромождение объемов, и для облегчения конструкции в системе сводов применяются различные дополнительные элементы, которые оставляются открытыми и иногда трактуются как детали художественного решения (например, затяжки). Часто используется купол на парусах, известный уже раньше (например, храм св. Софии), однако новым становится включение в систему высокого барабана, промежуточного цилиндрического элемента, вставляемого между парусами и куполом.

К наиболее типичным для ренессанса сводам относятся: цилиндрический с люнетами, сомкнутый, лотковидный, «зеркальный». Для коридоров и арочных галерей применялся крестовый свод без ребер.

Характерно, что первым ренессансным произведением была не церковная, а гражданская постройка. Это здание флорентийского Воспитательного дома, спроектированное Ф. Брунеллески в 1421 г. По своей архитектуре оно полностью отличается от предшествующих готических построек. Здание имеет горизонтальную композицию, с легкой аркадой на колоннах, которая с тех пор становится наиболее популярным архитектурным приемом.

Характерные черты стиля ренессанс

Ренессансные постройки вызывают ощущение статичности за счет наслоения друг на друга горизонтальных этажей. Из античной архитектуры ренессанс перенимает ордерную систему. Колонна, пилон, пилястра, архитрав, архивольт и свод являются основными элементами, которые ренессанс свободно использует, создавая их различные комбинации. Используются различные ордера, которые чаще всего выстраиваются в ряд в соответствии с так называемой классической соподчиненностью — от самого тяжелого дорического в нижней части к наиболее субтильному коринфскому наверху. Стена опять приобретает свое первоначальное тектоническое значение.

Очень важным является и изменение характера пространства. Вместо вдохновенного готического пространства появляется рациональное с визуально четкими границами. Вместо напряженности готических ломаных линий используются строгие, в большинстве случаев прямоугольные, формы. Основные геометрические фигуры и тела в ренессансной архитектуре — квадрат, прямоугольник, куб и шар.

С самого начала и через весь период Ренессанса проходит принцип художественного индивидуализма, свободного обращения к античным формам.

В противоположность готическому усложнению стены вплоть до вертикально подчеркнутого скелета с застекленными внешними поверхностями ренессанс вновь обратился к массивным и визуально устойчивым архитектурным объектам, наружные стены которых украшали орнаменты в подражание античным формам и разнообразные по форме и размерам ризалиты. Как и в готический период строительство было сконцентрировано в городах. Однако в это время наряду с городскими жилыми и общественными зданиями возникали великолепные замки в великокняжеских резиденциях, как правило на местах бывших укрепленных замков.

Над созданием дворцов, садов и укреплений работали архитекторы, воспитанные на итальянских образцах. Они создали материальную среду, которая благоприятствовала светской жизни, занятиям искусствами, литературой, музыкой. Строительство культовых зданий вследствие Реформации потеряло свое превалирующее значение.

Типы сооружений стиля ренессанс

В развитии ренессансной архитектуры первоочередной задачей является строительство дворцов для старой и новой торговой аристократии.

Городские дворцы вначале имели вид крепостей, так как выполняли и оборонительные функции. Их общим признаком была простота композиции, мощный руст стен, последовательное разделение этажей карнизами. По существу, можно говорить о едином блоке, имеющем горизонтальное членение. Верхняя часть завершалась особенно сильным карнизом, иногда значительно выступающим (палаццо Питти во Флоренции, 1458 г.; палаццо Строцци, 1489 г.; палаццо Гонди, 1490 г.). К раннему периоду относится и палаццо Кводани во Флоренции, последний из ренессансных дворцов, несущий следы готики.

Существовавшее в начале преобладание горизонтальных членений позже уравновешивается вертикальными вставками на фасаде в виде пилястр (скорее образ пилонов или колонн), как в палаццо Ручеллаи. В дальнейшем происходит все большее пластическое обогащение фасадов.


Период расцвета и поздний Ренессанс. Папа Юлий II пригласил в Рим лучших художников Италии. Ведущее место среди них в этот период занимал Д. Браманте (1444 — 1514). Свою деятельность он начал небольшим центричным в плане храмом Темпьетто во дворе церкви Сан Пьетро ин Монторио в Риме (1502), с которого открывается новый период развития Ренессанса. Самой большой задачей, которую ему пришлось решать, стал проект собора св. Петра в Риме, который должен был быть возведен на месте старохристианской базилики. Основу предложенной Браманте композиции составлял равносторонний крест с огромными апсидами на концах.

Между образующими крест пространствами размещались центричные в плане меньшие пространства. Снаружи здание выглядело как куб с выступающими ризалитами апсид.

Период позднего итальянского Ренессанса заложил основы для совершенно нового направления в искусстве — стиля барокко в обоих его проявлениях — как динамическом ( Микеланджело ), так и классическом ( Виньола ).

Поздний ренессанс — Архитектурные стили — Дизайн и архитектура растут здесь

Микеланджело

Микеланджело Буонарроти (1475-1564), один из величайших художников Возрождения, внес много нового в искусство Ренессанса. Художники-маньеристы во многом ориентировались на его творчество.

Во дворце Фарнезе над главным входом Микеланджело устроил мраморную лоджию и надстроил третий этаж во внутреннем дворе. В церкви Сан-Лоренцо во Флоренции к Старой сакристии Брунеллески была добавлена Новая сакристия, спроектированная Микеланджело, строительство которой началось в 1519 г. Она представляет собой квадрат в плане со скарселлой и куполом на парусах, как и капелла Брунеллески. Но интерьер имеет напряженный, драматичный характер, в отличие от классического, спокойного интерьера сакристии Брунеллески. Пилястры и фризы из темно-серого камня выделяются на фоне белых стен. Двери и ложные окна втиснуты между пилястрами, над ними расположен верхний ярус арок, пилястр и окон. Вдоль стен установлены гробницы герцогов Медичи работы Микеланджело, давшие сакристии название Капелла Медичи. Экспрессивная, полная жизни скульптура гробниц усиливает впечатление.

В Сан-Лоренцо в 1524 г. Микеланджело проектирует библиотеку в крытой галерее второго этажа, надстроенного над первым. Снаружи новый объем почти незаметен. Читальный зал — это длинное помещение, в котором темные пилястры задают четкий ритм. Столы для чтения расположены под окнами по обе стороны зала. Расположение кессонов совпадает с расположением окон, рисунок пола повторяет рисунок потолка. Все детали — пилястры, оконные рамы, отделка пола и потолка — отличаются изяществом. С читальным залом контрастирует предваряющий его вестибюль. Площадь вестибюля — 10 квадратных метров, пол расположен на уровне нижнего этажа, высота потолка — 14 м. Попасть в вестибюль можно через маленькие двери, расположенные в углах, — входящий оказывается сбоку от лестницы, занимающей почти все свободное пространство. Классические элементы втиснуты в пространство вестибюля, которое едва их вмещает. Парные колонны разделяют каждую стену на три части. Базы колонн находятся на том уровне, где заканчивается лестница. Под каждой колонной находится консоль, колонны не выделяются из сетны, а наоборот, утоплены а нее. На первый взгляд кажется, что Микеланджело использует колонны тосканского ордера, но если присмотреться внимательнее, оказывается, что это оригинальная трактовка классического ордера. На каждом отрезке стены помещается глухое окно с сандриком. Настоящие окна расположены высоко под потолком. Парные пилястры и окна находятся на одной оси с колоннами и ложными окнами. Все архитектурные детали выполнены из темно-серого мрамора. Вестбюль производит драматическое впечатление.

Джулио Романо

Если архитектура Микеланджело отличается глубоким трагизмом, то творения Джулио Романо (ок. 1499-1546) вызывают ассоциации с театром. Палаццо дель Тэ в Мантуе (начато в 1525) — самое значимое его творение. Это загородная вилла, одноэтажное здание с внутренним двором в центре. Четыре фасада, выходящие во двор, выполнены в классическом ренессансном стиле, но архитектор отходит от строгой симметрии, ритм нарушен, умышленные «ошибки» удивляют, озадачивают и сбивают зрителя с толку. Замковые камни над фронтонами окон как будто соскальзывают вниз. Кое-где триглифы «падают». Фрески в комнатах дворца иллюстрируют необычные или странные сюжеты. В Большом зале в верхней части стен нарисованы фрески с лошадьми в неприличных позах (вероятно, намек на страсть герцога Федерико Гонзага к его кобыле). Открытая галерея выходит в большой сад загородного палаццо. Джулио Романо, вероятно, стремился воссоздать облик римской виллы, в частности Золотого дома Нерона. Фрески на сводах рассказывают миф о Давиде и являются творением художников из мастерской Караваджо. Потолок и стены в комнате меньших размеров без окон, в Зале Гигантов, заняты росписями, изображающими титанов, восставших против богов и разрушающих грандиозное здание, возможно этот дворец. Искажение классических формул и драматизм очень характерны для маньеризма.

Палладио

Андреа Палладио (1508-1580), один из самых знаменитых архитекторов Ренессанса, но его вряд ли можно отнести к маньеристам. Палладио был уроженцем северной Италии и работал в своем родном городе Виченца, а также в Венеции и в области Венето. В 1549 г. он восстанавливал средневековую ратушу в Виченце, которая обрушилась. Палладио окружил здание, получившее название «Базилика», с трех сторон двухэтажной лоджией, выполняющей роль дополнительной опоры и имеющей вид двухъярусной ордерной аркады. Внизу использован дорический ордер, наверху — ионический. Арки опираются на колонны, отстоящие на некоторое расстояние от полуколонн, в результате между ними образуются прямоугольные проемы. Соседство арочных и прямоугольных проемов получило название «мотив Палладио» (хотя этот прием был известен и раньше). Базилика вызывает интерес у архитекторов всех последующих поколений. Авторитет Палладио укрепился, когда в 1570 г. вышла его книга «I Quattro Libri dell’ Architettura» («Четыре книги об архитектуре»). Этот труд посвящен классической архитектуре, в него вошли переводы из Витрувия и ксилографии с изображениями античных памятников и творений Палладио. Этот трактат стал одним из самых популярных произведений в эпоху Ренессанса, его изучали и использовали архитекторы всей Европы, особенно в Англии (книга была переведена на английский язык в 1676), затем и в Америке.

Палладио спроектировал целый ряд городских домов и вилл в Виченце и окрестностях. Вилла Барбаро в Мазере (начата ок. 1550) — это похожее на храм здание с боковыми крыльями, где размещались хозяйственные службы. Внутренняя планировка главного здания — типично палладианская, греческий крест в плане. Архитектурное решение интерьеров очень простое, росписи Паоло Веронезе (1528-1588) изображают архитектурные детали, открытые двери, балконы, пейзажи, людей и животных — свешивающихся с балкона слуг, заглядывающего в дверь пажа, сидящего на перилах балкона попугая. 

Вилла Капра (или Ротонда) прямо за стенами Виченцы не предназначалась для постоянного проживания, а была скорее увеселительным дворцом на холме, откуда открывается вид на город. Квадратное в плане сооружение перекрыто куполом — это одно из самых известных сооружений Ренессанса. Каждый из четырех фасадов украшен ионическим шестиколонным портиком с фронтоном, к которому ведет широкая лестница. План Палладио, симметричный относительно двух главных осей, — образец модульной планировки. Составленная из квадратов сетка может быть наложена на план, демонстрируя математически выверенные пропорции. Балкон украшен пышной лепниной.

Вилла Фоскари (часто называемая Мальконтента, начата ок. 1558) в Мире, недалеко от Венеции, имеет портик только с одной стороны, портик поднят на высокое основание с лестницами по бокам. План вписан в характерную для построек Палладио сетку с простыми отношениями, например 2:3 или 3:5. Британский критик Колин Роуэ обращает внимание на то, что в основе плана виллы в Гарше (1927) Ле Корбюзье лежит та же самая сетка. Работы Палладио вызвали всеобщее восхищение и были описаны в его сочинениях, снабженных иллюстрациями, творчество этого архитектора стало источником вдохновения и путеводной нитью для английского Ренессанса. Замок Колина Кэмпбелла (1723) или вилла лорда Берлингтона в Чизвике (1725), несомненно, ориентируются на постройки Палладио. Даже в поместье Томаса Джефферсона Монтичелло близ Шарлоттсвилля, штат Вирджиния (начато в 1770), просматривается влияние творчества Палладио.

Великолепные церкви, сооруженные Палладио в Венеции, Сан Джорджо Маджоре (1565) и Иль Реденторе (1576-1577), построены с использованием ордера, центральный неф с окнами наверху перекрыт цилиндрическими сводами, над средокрестием возвышается купол. По обе стороны от центрального нефа расположены капеллы в Иль Реденторе и боковые нефы в Сан Джордже. В Иль Реденторе по обе стороны от средокрестия находятся апсиды. В обеих церквях ордерные элементы из темного камня контрастируют с белоснежными сводами и стенами. Интерьеры светлые, воздушные, свободные.

В театре Олимпико в Виченце (1580) Палладио попытался воссоздать античный театр в уменьшенном виде. Зрительские ряды полукругом поднимаются к колоннаде. Сменные декорации не предусмотрены, поэтому на сцене возводится стена с нишами, окнами и скульптурой. Три больших проема, через которые видна улица в перспективе, поэтому кажется, что за ними скрывается значительное пространство. На самом деле это нет так, настоящая глубина проемов невелика. 

Искусство и архитектура раннего Возрождения — История

Начало раннего Возрождения

Прото-ренессанс 1300-х

Термин «проторенессанс» относится к художникам 14 -го -го века, которые разработали натуралистический подход, который реализовался в Раннее Возрождение. Ранний историк искусства и художник Джорджо Вазари чувствовал, что в средние века художники Чимабуэ и Джотто поддерживали эстетические принципы классического искусства своими произведениями, которые заложили основу для следующего Возрождения.

Как и большинство художников своего времени, Ченна ди Пеппи, известный как Чимабуэ, создавал преимущественно религиозные произведения. Византийская иконография и стилизация доминировали в эпоху, изображая человеческие фигуры в двухмерной форме на плоских живописных плоскостях. И все же, напротив, в работах Чимабуэ подчеркиваются натуралистические элементы, как, например, в его Распятии Санта-Кроче (1287–1288). Работа, все еще находящаяся в византийской иконографии, новаторски опиралась на анатомические наблюдения, чтобы создать ощущение физических и эмоциональных страданий Христа.

Художники этого периода получали образование в мастерской, а самым известным помощником Чимабуэ был Джотто де Бендоне, известный просто как Джотто. Популярный анекдот повествует о том, как Чимабуэ обнаружил Джотто в детстве, когда он рисовал овец своей семьи и наблюдал за ними.

Джотто был пионером, его важность была подтверждена тем, что в 1334 году он был назван Магнусом Магистром (Великим магистром) Флоренции. Отбросив византийскую стилизацию, Джотто Фрески капеллы Скровеньи (ок.1303-10) в Падуе были новаторскими благодаря их скульптурной фигуративной обработке. Изображенные натуралистически, его фигуры начали приобретать трехмерность, населяя реальное пространство и передавая настоящие эмоции. Это был радикальный отход от византийских стилей, которые все еще практиковались многими его современниками, и он оказал исключительное влияние не только на его современников, таких как Таддео Гадди, Бернардо Дадди и знаменитый Масолино, но и на художников раннего Возрождения, в том числе Фра. Анджелико, Пьеро делла Франческа и Мазаччо.

Определение термина: Возрождение

Джорджи Вазари в своей книге Жизни художников (1550) впервые ввел термин rinascita , что означает возрождение. Тем не менее, полученный из Франции термин «Ренессанс» стал широко использоваться для обозначения исторического периода только позже, в середине 19-го -го -го века, после работы историка Жюля Мишле « Histoire de France » (1855). Впоследствии модель периода Якоба Буркхардта, начиная с Джотто и заканчивая Микеланджело, определенная в его Цивилизация Возрождения в Италии (1860), получила широкое распространение.

Современная наука пересмотрела эти определения, так как в 1980-х историк Рэндольф Старн описал общее Возрождение как «… сеть разнообразных, иногда сходящихся, иногда конфликтующих культур, а не единую, привязанную ко времени культуру» и Стивен Гринблатт определил его как «ранний современный», описывая период как переход от средневековья.

Раннее Возрождение, основанное на гуманизме и классическом римском и греческом искусстве и архитектуре, возглавлялось Брунеллески, чьи работы в архитектуре и открытие линейной перспективы повлияли на эпоху, а также новаторские работы Донателло в скульптуре и Мазаччо в живописи. .Вместе эти трое были названы «триумвиратом раннего Возрождения» с центром во Флорентийской республике, поскольку растущая мощь Флоренции и покровительство богатых семей, таких как Медичи, создали благоприятную среду для движения.

Республика Флоренция и Медичи

Раннее Возрождение процветало в Республике Флоренция, которая назвала себя «Новые Афины», что указывает на то, что город-государство считал себя наследником классической традиции.Городом правили купцы и знатные семьи, в первую очередь семья Медичи, которая должна была стать правящей династией, просуществовавшей до 1737 года. Семья Медичи сколотила свое состояние в основном на текстильной торговле, управляемой Арте делла Лана, гильдией шерсти. во Флоренции, а в 1377 году Джованни ди Биччи ди Медичи основал банк Медичи во Флоренции. Его сын, Козимо ди Медичи, никогда не занимал эту должность, но использовал свое богатство и политические союзы, чтобы фактически стать правителем Флоренции. Он был исключительным покровителем искусства, тратя значительную часть своего состояния на заказ произведений искусства, сбор классических текстов и поддержку культурных проектов, таких как основание первой публичной библиотеки.Как он сказал: «Все эти вещи доставили мне величайшее удовлетворение и удовлетворение, потому что они предназначены не только для прославления Бога, но также и для моей собственной памяти. В течение пятидесяти лет я ничего не делал, кроме как зарабатывал деньги и тратил деньги; и стало ясно, что трата денег доставляет мне большее удовольствие, чем их зарабатывание ». Впоследствии частное покровительство богатых семей стало важным двигателем художественного творчества, позволившим предметы и методы лечения, которые были запрещены для религиозных и гражданских комиссий.

Конкурс баптистерий

Утверждалось, что раннее Возрождение началось в 1401 году с конкурса, проведенного городом Флоренция на присуждение комиссии за новые бронзовые двери для баптистерия Святого Иоанна, и последствиями вражды, которая последовал. Двери будут содержать панели, представляющие сцены из Ветхого Завета, и семь скульпторов были выбраны для создания единой панели, изображающей жертвоприношение Исаака для конкурса. Сохранились только работы Лоренцо Гиберти и Филиппо Брунеллески, и обе работы отражают гуманистический и натуралистический стиль эпохи Возрождения.Восхищаясь обеими работами, судьи признали связь между Гиберти и Брунеллески и предложили двум художникам сотрудничать над проектом. Однако, уязвленный потерей, Брунеллески отказался, и Гиберти в одиночку взялся за проект, который сделал его знаменитым. Тем не менее, именно последующие работы Брунеллески стали основой раннего Возрождения, поскольку, горько разочаровавшись, когда его дизайн не выиграл конкурс, он отказался от скульптуры и обратил свое внимание на архитектуру.

Филиппо Брунеллески

Путь, который привел к открытию Брунеллески линейной перспективы, в которой относительный размер, форма и положение объектов определяются нарисованными или воображаемыми линиями, сходящимися в точке на горизонте, начался после его сокрушительного поражения для проект Баптистерий и радикально изменит искусство и архитектуру.Он продал свою небольшую семейную ферму и на вырученные деньги отправился в добровольное изгнание в Рим в сопровождении своего друга, художника Донателло. В течение нескольких лет, часто разбивая палатки в руинах, пока местные жители не приняли их за охотников за сокровищами, два художника измеряли здания, делали подробные записи и исследовали принципы классического дизайна. Отказавшись от скульптуры для архитектуры, Брунеллески разработал теорию и практику перспективы и математические принципы дизайна.

По возвращении во Флоренцию он принял участие в конкурсе 1418 года, организованном гильдией торговцев шерстью, на строительство купола для собора.Над собором работали несколько предыдущих архитекторов, в том числе Джотто, который спроектировал колокольню в 1330-х годах, и к 1418 году здание было почти завершено, за исключением зияющей дыры, ожидавшей купола, которую никто не знал, как построить. И снова основным конкурентом Брунеллески был Гиберти, который, будучи ведущим художником того времени, имел небольшой архитектурный опыт. Конкурс требовал, чтобы каждый архитектор попытался поставить яйцо вертикально на мраморную поверхность.

Решение Брунеллески стало легендарным, как писал Вазари, «ударив одним концом по плоскому куску мрамора, [он] заставил его встать вертикально… Архитекторы возразили, что они могли поступить так же; но Филиппо, смеясь, ответил, что они могли бы сделать купол, если бы увидели его дизайн. «На самом деле, Брунеллески уже создал технически совершенную модель купола. Чтобы создать свой дизайн, он провел дальнейшие эксперименты в перспективе. и создал несколько устройств с использованием зеркал и раскрашенных панелей. Он поделился своими открытиями только с такими друзьями, как Донателло и Мазаччо, поскольку, по его мнению, «раскрывать слишком много своих намерений и достижений — значит.… отказаться от плодов своей изобретательности ». Соответственно, именно Леон Баттиста Альберти написал первые окончательные работы о перспективе и технике, хотя он признал лидерство Брунеллески во всех искусствах, посвятив ему On Painting (1435).

Донателло

Донато ди Никколо ди Бетто Барди, известный просто как Донателло, также участвовал в конкурсе на открытие дверей баптистерия, хотя в то время ему было всего 15 лет, и он тренировался в мастерской Гиберти. Его тесная дружба с Брунеллески началась примерно в то же время.У них было много общего: оба скульптора сначала прошли обучение на ювелиров, и они должны были оставаться близкими на протяжении всей своей жизни, которую современники описывали как «неразлучные». В Риме Донателло изучал римскую скульптуру и процесс литья по выплавляемым моделям, который использовался для создания классической бронзы. Вернувшись во Флоренцию, его работы стали первыми произведениями искусства, в которых использовалась линейная перспектива, как это видно на его мраморе «Святой Георгий и Дракон» (ок. 1416 г.), где он использовал перспективу и впервые применил relie schiacciato , новый стиль мелкой резьбы, чтобы создать атмосферный эффект.Его бронзовый рельеф Пир Ирода (1423-1427) сочетал в себе эмоциональную выразительность и классическую форму с системой перспективы, основанной на ортогональных диагоналях и трансверсалиях, чтобы привлечь внимание зрителя к пустому пространству между двумя группами на обоих концах стола. создавая таким образом чувство напряжения.

Мазаччо

Мазаччо, художник, чья карьера длилась всего семь лет, потому что он умер от чумы в возрасте 27 лет, также был назван «отцом Возрождения».«В его работах использовалась линейная перспектива и натуралистические образные трактовки новым способом, который произвел революцию в живописи. Мало что известно о его жизни и его художественном образовании, хотя к 1426 году он дружил с Донателло и Брунеллески. Работа Брунеллески над перспективой повлияла на Мазаччо, поскольку он консультировался более старый художник на его Святая Троица (1427-1428), который считается одним из самых ранних примеров перспективы в живописи. Нововведения Мазаччо в живописи включали использование одноточечной перспективы, подход trompe l’oeil , натуралистический моделирование человеческой фигуры и единый постоянный источник света, отбрасывающий точные тени.Он также первым использовал светотень , создавая таким образом иллюзию глубины и изображая свои фигуры с эмоциональной выразительностью, передавая их индивидуальность. Как писал историк искусства Марк Майкл Астарита Мазаччо, «отличительная черта oeuvre d’art олицетворяла отход от унылой готики … и постепенный переход к картинам, которые олицетворяли возрождение или ренессанс классического искусства и архитектуры».

Леон Баттиста Альберти

Леон Баттиста Альберти был самым важным интеллектуальным теоретиком раннего Возрождения благодаря своим трём томам: De Statua ( On Sculpture ) (1435), Della Pittura ( On Painting ) (1435) и De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) (1452).Скульптура На скульптуре впервые использовала термины аддитивная скульптура, в которой материал добавляется для создания произведения, и субтрактивная скульптура, в которой материал вырезается или удаляется, чтобы показать произведение, при этом подчеркивая натуралистичность и классические пропорции.

Его О живописи , состоящий из трех томов, описывал живопись «как проекцию линий и цветов на поверхность». Он систематизировал одноточечную линейную перспективу Брунеллески, а также концепции композиции, пропорции и использования design or line и colorito , раскраски для создания живописной гармонии.Он опирался на современные практики таких художников, как Донателло, Гиберти, Лука делла Роббиа и Мазаччо, но помещал их в теоретическую основу, опирающуюся на гуманистическую литературу и классические произведения римлян и греков.

Раннее Возрождение: концепции, стили и тенденции

Гуманизм эпохи Возрождения

Философским движением эпохи Возрождения был гуманизм, убеждение, которое поместило человеческую жизнь в центр вселенной. Широко распространенное культурное движение, начавшееся в 14 веках, Италия выступало за изучение и изучение гуманитарных наук, как это видно в произведениях классического Рима и Греции.Многие гуманисты были священниками или церковными руководителями, которые чувствовали, что энтузиазм по отношению к науке и ее рациональным открытиям, интерес к геометрии и математике, понимание классической этики и логики и эстетическая оценка искусства и архитектуры классического периода обогатят христианское понимание. . В результате возникнет новое сложное общество, обширное по масштабам и знаниям.

Ранним лидером гуманизма был великий поэт 14 века Франческо Петрарка, которого по-английски называли Петраркой, которого называли «основателем гуманизма», а также «основателем эпохи Возрождения».»Известный ученый и собиратель классических текстов, он заново открыл для себя произведения классических авторов, таких как римский Цицерон. Его поэзия была революционной в том смысле, что он писал на итальянском, а не на латыни средневековой Европы, период, для которого он придумал термин «темные века». Возрождение классических текстов стало ключом к гуманистической мысли. Поджио Браччолини, чьи открытия включали повторное открытие книги Лукреция De rerum natura ( О природе вещей ) в 1417 году, был папским советником, работавшим под руководством семь пап в его жизни.Во Флоренции Никколо де Никколи стал лидером гуманистической мысли, прежде всего благодаря своей обширной библиотеке латинских и греческих классических текстов, которые стали заметной пищей для флорентийской интеллектуальной жизни. Он был тесно связан с Козимо ди Медичи.

Архитектура

Здания и конструкции Брунеллески широко использовались более поздними архитекторами. Его нововведения включали использование круглых колонн с классическими капителями, круговых арок и сегментированных куполов, построенных с помощью математических соотношений.Его ранняя Ospedale degli Innocenti (1419–1427), или «Больница невинных», отличалась декоративным мотивом, сочетающим белые каменные стены с серыми архитектурными элементами, ставшие известными как стиль « pietra serena », или «безмятежный камень». Его проекты для флорентийских церквей Сан-Лоренцо (ок. 1425 г.) и Санто-Спирито (ок. 1428 г.) положили начало использованию модульной конструкции и церкви в форме латинского креста. Для Санта-Мария-дельи-Анджели (1434 г.) он первым спроектировал централизованно планируемую церковь, получившую широкое распространение в эпоху Возрождения.

Другими известными архитекторами были Леон Баттиста Альберти и Микелоццо ди Бартоломео Микелоцци. Козимо ди Медичи поручил Микелоцци спроектировать свой дворец, Палаццо Медичи (1444–1484) во Флоренции. Микелоцци использовал трехстороннее разделение, чтобы придать массивному зданию вертикальный лифт и отразить классическое чувство гармонии и порядка. Получившийся в результате стиль стал известен как стиль палаццо и продолжал быть популярным в 19 и 20 веках.

В 1440-х годах Альберти начал активно заниматься архитектурой.Его De Re Aedificatoria ( Об архитектуре ) был получен от Брунеллески и De Architectura римского архитектора Витрувия, которые выступали за пропорциональную гармонию, основанную на золотой середине. В 1450 году он предпринял свой первый архитектурный проект, перепроектировав церковь Сан-Франческо в Римини, а затем получил заказ на разработку и завершение фасада Санта-Мария-Новелла (1456-1470) во Флоренции. Как архитектора Альберти называют «архитектором-призраком», предпочитающим сосредоточиться на дизайне и редко занимающимся практическими вопросами строительства.Два из его самых известных мест, церковь Сан-Себастьяно в Мантуе и церковь Санта-Андреа во Флоренции, были завершены после его смерти, и его проекты, и особенно его письмо, повлияли на последующую архитектуру.

Живопись

Многие великие произведения Раннего Возрождения были религиозными фресками, начиная с фресок Мазаччо в капелле Бранкаччи, которые изучались последующими мастерами эпохи Возрождения. Многие из известных мастеров фрески, в том числе Фра Липпи, Фра Анджелико, Пьерро делла Франческа, Алессандро Боттичелли и Андреа Мантенья, сосредоточились на религиозной тематике, используя при этом новые техники перспективы, ракурса, флорентийский акцент на плавной линии, натуралистический и анатомическая деталь, и trompe l’oeil .

Также была представлена ​​масляная живопись, как видно из картины Антонелло да Мессины « Sibiu Crucifixion » (1454–1455). Другие художники, такие как Пьерро делла Франческа в его «Бичевание Христа » (ок. 1455), экспериментально сочетали масло с темперой на панелях. Некоторые художники привнесли новаторский акцент на цвет и текстуру в темперную живопись, что видно в пастельно-розовой и зеленой палитре картины Доменико Венециано «Алтарь Святой Люси» (1445–1447), созданной под влиянием Венецианской школы.

Также была представлена ​​новая тематика. На заказанной Андреа дель Кастаньо фреске «Цикл знаменитых мужчин и женщин » (около 1449–51) изображены портреты трех тосканских поэтов, трех известных женщин античности и трех военачальников из Флоренции. Его обращение также было новым, поскольку он рисовал их в архитектурных нишах, чтобы создать иллюзию скульптуры. Портреты знатных семей пользовались большим спросом, как видно из « портретов герцога и герцогини Урбино» Пьеро делла Франческа (1465–1472), в то время как Доменико Гирландайо первым создал портрет, сфокусировавшись на глубоко индивидуализированных, но обычных людях, как видно из его портрета . старика с внуком (1490).

Художник Паоло Уччелло стал пионером батальной живописи в своей знаменитой картине « Битва при Романо » (1435–1460), изображающей битву 1432 года между Флоренцией и Сиеной. Уччелло был известным математиком, создавшим своеобразный стиль, сочетающий новаторское использование перспективы с элементами поздней готики. Его погребальный памятник (или Конный памятник ) сэру Джону Хоквуду (1436 г.), как и многие другие работы, представлял собой фреску, которая казалась почти скульптурной.

Скульптура

Самыми известными скульпторами раннего Возрождения были Донателло, Гиберти, а позднее Андреа дель Верроккьо. Натурализм и классические пропорции римской и греческой скульптуры вдохновили их работы, хотя и интерпретировались через акцент эпохи на индивидуальности и гуманизме. Самые известные скульптуры этого периода были созданы с использованием процесса утраченного воска, также возрожденного с римской эпохи.

Гиберти должен был спроектировать два набора дверей для баптистерия во Флоренции, из которых второй, изображающий десять панелей со сценами из Ветхого Завета, завершенный в 1452 году, стал самым известным.В них Гиберти усовершенствовал использование перспективы и фигуративного моделирования, чтобы создать работы, которые восхищали как своей классической красотой, так и эмоциональной индивидуальностью. Микеланджело назвал их «Вратами рая», и с тех пор так называются двери высотой 17 футов, позолоченные золотом.

Донателло Gattamelata (1453), произведение реалистичного величия, вдохновлено бронзовой конной статуей Марка Аврелия (ок. 173–1776 гг.). Однако версия Донателло оживила этот предмет, подчеркнув индивидуальность Аврелия, анатомическую мускулатуру лошади и включив такие символические элементы, как копыто лошади, опирающееся на ядро.Вызывая военную мощь Венеции, он стал характерным отражением эпохи Возрождения.

Донателло считался величайшим скульптором раннего Возрождения, отчасти из-за его разнообразия сюжетов и его способности к индивидуальному выражению каждого из них. Это можно увидеть в его новаторски эротизированной статуе Давида или в его мощно выразительной более поздней работе Кающаяся Магдалина (1453-1455). Андреа дель Верроккьо находился под сильным влиянием работ Донателло, как видно из его собственной бронзы Давида ( 1473-1475) и его Конная статуя Бартоломео Коллеони (1480-1488).

Более поздние разработки — после раннего Возрождения

Влияние раннего Возрождения невозможно переоценить, поскольку его инновации не закончились в конце 1400-х годов, а распространились из Флоренции по Италии и Европе. Работы художников раннего Возрождения легли в основу последующих периодов Высокого Возрождения, Североевропейского Возрождения, Маньеризма и Барокко. Сама Флоренция продолжала оставаться вдохновляющей художественной средой для следующего поколения, поскольку там жили и учились Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль.На Микеланджело особенно повлияли Мазаччо, его учитель Гирландайо и его обучение в мастерских семьи Медичи. Леонардо да Винчи обучал Андреа дель Верроккьо. Фреска Мазаччо « Изгнание из Эдемского сада , 1426–1427» оказала на него влияние, а его исследования « О живописи » (1435) Альберти, а также исследование перспективы Пьерро дель Франческа повлияли на его мысли и работу.

Рисунки Альберти, Микелоцци, Брунеллески и росписи потолка trompe l’oeil Мантенья должны были сообщить различные архитектурные стили и дизайн 19-го и 20-го -го веков.Картины Боттичелли, вновь открытые в 19 -м веке, оказали заметное влияние на Братство прерафаэлитов и впоследствии стали одними из самых популярных и художественно переосмысленных произведений 20 -го века.

Концепция гуманизма, которая так сильно определила период раннего Возрождения, остается важной моделью для процветающего сообщества и вневременным уроком о преимуществах интеллектуальных и творческих занятий, основанных на глубоких знаниях в области искусства и науки в конкретном обществе.

Стиль итальянского Возрождения 1890-1930

История

Стиль итальянского Возрождения возник в самом конце викторианского периода архитектуры. Подобно романским стилям и другим более поздним классическим стилям, стиль итальянского Возрождения возрождения обращался к Италии и древнему миру за вдохновением. Этот стиль развивался в прямом контрасте со средневековой формой и внешним видом других популярных стилей того времени, стилей готического возрождения, королевы Анны и гальки.Этот стиль и более ранний итальянский стиль были созданы по образцу зданий 16-го века итальянского Возрождения. Однако здания в стиле итальянского Возрождения гораздо ближе стилистически к первоначальной форме, чем в итальянском стиле. Эта дополнительная аутентичность была связана с более близким знакомством с оригинальными зданиями — по фотографиям, а не по образцам — и достижениями в технике облицовки каменной кладкой, которые развились в начале 20-го века.

Наиболее характерной чертой этого стиля является его внушительный масштаб и формальный дизайн, включающий такие классические детали, как колонны, круглые арки и балюстрады.Этот стиль может принимать несколько различных форм, но все вариации почти всегда представляют собой каменную кладку (обычно каменную). Одна из версий стиля представляет собой большое прямоугольное здание, обычно трех и более этажей в высоту, увенчанное плоской крышей с венчающей балюстрадой. Еще одна общая черта этой версии с плоской крышей в стиле итальянского Возрождения — первый этаж из рустованного камня с гладкой отделкой верхних этажей. В этой версии часто встречаются аркады и портики крыльца.Другой наиболее распространенной формой этого стиля является шатровая крыша, часто из глиняной черепицы, с широко нависающими карнизами в скобках. Этот вариант имеет некоторое сходство со стилем испанского колониального возрождения (также известным как стиль миссии), который был популярен в тот же период. Имея аналогичную форму и черепичную крышу, в стиле испанского колониального возрождения отсутствуют классические детали, такие как колонны, пилястры и окна с фронтонами.

Стиль итальянского Возрождения был впервые популяризирован на Восточном побережье такими архитекторами, как McKim, Mead & White, еще в 1880-х годах.Этот элегантный стиль чаще всего встречается в крупных зданиях, спроектированных архитектором, таких как особняки или общественные здания. Хотя многие примеры этого стиля можно найти в Пенсильвании, он наиболее распространен в городских условиях. Комплекс государственного офиса 1920-х годов (северное и южное офисные здания, финансовое здание и здание Форума), примыкающий к зданию Капитолия штата изящных искусств в Гаррисберге, принадлежит к этому стилю.

Общие типы зданий

  • домов
  • общественные здания
  • школ
  • государственные учреждения
  • церквей

Идентифицируемые признаки

  1. Низкоскатная шатровая или плоская крыша
  2. Симметричный фасад
  3. Кладка
  4. Впечатляющий размер и масштаб
  5. Круглый арочный вход и окна
  6. Классические детали: колонны, пилястры
  7. Парапет или балюстрада линии крыши
  8. Уровень земли с арками и рустиками

Фото

Щелкните эскизы, чтобы увеличить изображения.

Руководство по стилю

: Возрождение — Музей Виктории и Альберта

Кресло, производитель неизвестен, ок. 1540. № музея. W.59-1950

Стиль эпохи Возрождения был вдохновлен искусством и архитектурой Древнего Рима. Он возник в Италии в 14 веке и постепенно распространился по всей Европе.Новые стили оформления пришли в Англию в 16 веке. Гравированные книги с мотивами эпохи Возрождения стали важным источником для английских дизайнеров. Иностранные художники и ремесленники, работавшие в Лондоне, также оказали влияние на внедрение этого стиля.

Характеристики


Гротеск

Гротеск — это стиль украшения, основанный на древнеримских настенных росписях, обнаруженных в Италии в конце 15 века. В нем было сочетание растений, фигур, фантастических существ, масок и ваз.

Ремешок

Ремешок напоминает плоские полоски кожи, изогнутые для создания смелых трехмерных форм. Он часто появлялся в английском дизайне в 16 веке. Ремешок часто использовался для обрамления других мотивов или архитектурных элементов.

Moresque

Moresque был типом украшения, связанным с маврами Северной Африки и Испании. Узоры переплетения стеблей, листьев и усиков были общей характеристикой дизайна эпохи Возрождения.

Фигуры в кругляшках

Бюсты мужчин и женщин, изображенные в круге, известные как кругленькие, были популярной чертой стиля Возрождения.Их часто показывали в профиль. Этот декоративный мотив зародился на древнеримских монетах.

Мифологические рассказы

Прибытие в Англию культуры эпохи Возрождения вызвало новый интерес к историям и персонажам классической мифологии. Они часто изображались в гравюрах и картинах и использовались в качестве мотивов на предметах.

Люди


Генрих VIII (1491 — 1547)

Генрих VIII стал королем в 1509 году. Он был великим покровителем искусств, и его двор был одним из самых богатых и величественных в Европе, соперничая с дворцами других монархов. .Многие предметы роскоши, созданные для Генриха и его двора, демонстрируют влияние новых идей из Европы эпохи Возрождения. Король также нанял многих иностранных художников для строительства и украшения более 50 королевских дворцов. Генрих VIII использовал великолепие своего двора, чтобы продемонстрировать свою власть.

Себастано Серлио (1475 — 1554)

Себастьяно Серлио был итальянским архитектором, художником и теоретиком. Он написал одну из самых влиятельных серий архитектурных книг эпохи Возрождения. В книгах, изданных с 1537 года, описываются здания античности и пропагандируется классический стиль экстерьера и внутренних элементов, таких как потолки и камины.Смелые иллюстрации означали, что тома Серлио могли легко использоваться в качестве сборников образцов ремесленниками, работающими по всей Европе. В Англии они оказали огромное влияние на широкий круг архитекторов и дизайнеров.

Ян Вредеман де Врис (1527–1604)

Ян Вредеман де Фрис был фламандским дизайнером, архитектором и художником. Его работы стали широко известны в Европе благодаря опубликованным гравюрам. Его архитектурные проекты оказали большое влияние на здания и городское планирование Северной Европы.Он также создал множество ярких дизайнов орнаментов в стиле эпохи Возрождения. Они предоставили обширный репертуар мотивов дизайнерам, работающим во многих СМИ. В Англии конструкции ремешка Вредемана де Вриса использовались для дверных проемов, декоративных панелей, мантий и фронтонов.

Buildings and Interiors


Hampton Court Palace, Surrey

Хэмптон-корт был одним из любимых дворцов Генриха VIII, и он потратил на это много денег. Дворец был построен в традиционном стиле, но многие детали раскрывают влияние орнамента нового ренессанса.Большой зал, одно из великолепных общественных залов, которые все еще существуют, имеет великолепный потолок из деревянных балок, на котором изображены королевские гербы с богатым гротескным декором.
www.hrp.org.uk/HamptonCourtPalace

Кирби-холл, Нортгемптоншир

Кирби-холл был построен между 1570 и 1575 годами для сэра Хамфри Стаффорда. Он был довольно незначительной фигурой при дворе королевы Елизаветы I, но его дом был очень велик. Это было одно из первых зданий в Англии, в котором использовались принципы классической архитектуры эпохи Возрождения.Это видно по симметрии плана и отделке. Богато украшенное крыльцо представлено двумя классическими орденами: ионическим с его характерными капителями на первом этаже и тщательно продуманным коринфским орденом наверху. Кирби Холл был изменен и расширен в 17 веке.
www.english-heritage.org.uk/daysout/properties/kirby-hall

Wollaton Hall, Nottinghamshire

Wollaton Hall, спроектированный Робертом Смитсоном, является одним из великих домов елизаветинской Англии.Он был построен в 1580-х годах для сэра Фрэнсиса Уиллоуби, заработавшего свои деньги на угле. И экстерьер, и интерьер дома богато украшены мотивами эпохи Возрождения. План с центральным залом и помещением наверху был взят из одной из книг Серлио по архитектуре. К этому Смитсон добавил массу других деталей. Многие из них, например фронтоны с ремешками, вдохновлены работами Вредемана де Вриза.


Родственные стили


Неоклассицизм 1760 — 1790

Ренессансный дизайн был одним из истоков неоклассицизма 18 века.В 16 веке гравированные книги с декоративными мотивами вдохновляли британских художников и дизайнеров, но в 18 веке они смогли посетить Италию и своими глазами увидеть памятники классики и эпохи Возрождения. Новые археологические открытия также предоставили важные источники для стиля.

Подробнее о неоклассицизме

Возрождение классики и Возрождения 1850 — 1915 гг.

Во второй половине XIX века наблюдалось большое возрождение интереса к искусству и дизайну эпохи Возрождения, а также к классическим формам и мотивам, которые вдохновляли Это.К этому времени знания о классическом мире резко расширились благодаря различным археологическим открытиям в Италии и Греции.

Подробнее о Возрождении классицизма и ренессанса

Рождение стиля Возрождения

Окружающая среда.

Развитие уникального стиля эпохи Возрождения во Флоренции, которую часто называют «колыбелью Возрождения». Хотя жители Флоренции не в одиночку создали возрождение культуры и обучения, которое произошло в Европе в тот период, они, тем не менее, стали пионерами новых архитектурных стилей, имитируемых сначала в Италии, а затем за рубежом.Это возрождение было очевидно для посетителей города в пятнадцатом веке, поскольку они увидели, как городская ткань преобразуется за счет строительства множества новых архитектурных памятников, большинство из которых созданы в стиле, имитирующем здания античности. В этот период строительство Флоренции эпохи Возрождения было важной отраслью промышленности, основание которой можно проследить до специфических обстоятельств истории города в период позднего средневековья и раннего Возрождения.

Население.

В течение тринадцатого и начала четырнадцатого веков население Флоренции росло быстро, быстрее, чем в большинстве европейских городов того времени. Например, около 1200 года город был меньше, чем близлежащая Пиза. Чуть более века спустя, во времена Данте и Джотто, их число увеличилось как минимум в четыре раза. Население города тогда составляло около 90 000 человек. Несмотря на небольшие размеры по современным меркам, город считался одним из крупнейших в Европе. Это грандиозное расширение вызвало строительный бум, начавшийся с возведения новых стен для защиты города.В конце XII века вокруг Флоренции была построена новая система укреплений, но столетие спустя уже понадобилась другая. Эти новые стены, возведенные около 1284 года, были построены только в середине четырнадцатого века. По завершении они увеличили в пять раз площадь, заключенную внутри городских укреплений. Однако в таких амбициозных планах не было необходимости. Между 1347 и 1351 годами Черная смерть сильно поразила Флоренцию, как и другие европейские города того времени; Население Флоренции резко сократилось, поскольку болезнь быстро распространилась по густонаселенным улицам и переполненным жилищам.Население Флоренции, возможно, сократилось наполовину после Черной смерти, а численность города оставалась низкой по сравнению с уровнем до чумы в конце четырнадцатого и начале пятнадцатого веков, отчасти из-за возобновившихся вспышек болезни.

Капитализм.

Хотя «Черная смерть» вызвала внезапные экономические потрясения в городах и сельской местности Европы, сделать общие выводы о долгосрочных экономических последствиях эпидемии труднее. Убыль населения по-разному отразилась на различных отраслях промышленности Европы.Например, деятельность, требующая большого количества труда, как правило, вызвала рост реальной заработной платы их рабочих, поскольку рабочих было меньше, чем до Черной смерти. Во многих частях Европы дворяне и крестьяне использовали свои земли для пастбищных целей, выращивая овец и других животных, для чего требовалось меньше рабочей силы, чем для других видов земледелия. Увеличение производства шерсти в результате этой трансформации предоставило производителям в таких городах, как Флоренция, постоянный источник дешевого сырья для переработки в готовую ткань.В то время как многие богатые семьи вымерли во время эпидемий четырнадцатого века, те, кто выжил, теперь оказались в идеальных условиях, чтобы укрепить свой контроль над местной экономикой. К 1400 году все данные свидетельствуют о том, что в руках богатых купцов, банкиров и промышленных производителей Флоренции накопилось огромное количество богатства. В последующие годы большая часть этого богатства была профинансирована на строительство зданий, призванных прославить и увековечить самые известные семьи города.В результате строительные торги стали свидетелями беспрецедентное расширение, поскольку города по всей Италии — но особенно во Флоренции — вкладывали значительные капитальные ресурсы в строительство.

Приманка старины.

Флоренция, как и многие итальянские города в начале пятнадцатого века, была республикой, в которой долгое время доминировала олигархия, состоящая из известных семей. В пятнадцатом веке семья Медичи, в частности, усилила свой контроль над политической структурой Флоренции, одновременно поддерживая претензии Флоренции на республику.Власть города распространилась на окружающую сельскую местность, и в течение пятнадцатого века Флоренция продолжала завоевывать многие соседние города в Тоскане, передавая их под свой контроль. Эти завоевания, которые происходили в течение многих лет, теперь становились все более необходимыми для защиты города от угрозы вторжения извне. Около 1400 года Флоренция едва не предотвратила серьезную угрозу своей независимости от Миланского герцогства, когда внезапная вспышка чумы поразила вражеские армии. Десять лет спустя нависла еще одна угроза, на этот раз со стороны Неаполитанского королевства на юге.Болезнь снова помешала завоеванию города. В этой ситуации постоянной опасности образ города как Давида, восставшего против великих голиафов Италии, стал мощным символом в мифологии города. В то же время городские философы-гуманисты, художники и архитекторы изучали античные миры Рима и Греции, находя родство с урбанистической изысканностью и республиканскими ценностями греческой, этрусской и раннеримской цивилизаций. В течение десятилетий после 1400 года богатые семьи Флоренции окружили себя атрибутами античности не только в своей интеллектуальной культуре, но и в искусстве и архитектуре.Хотя это пристрастие к античности, безусловно, было отличительной чертой эпохи Возрождения Флоренции, в то время оно также становилось общим явлением по всей Италии. Даже в городах, где правили деспотические князья, правители и правители приходили к более глубокому пониманию и оценке древнего мира. Однако во Флоренции возрожденный классицизм архитектуры эпохи Возрождения сыграл жизненно важную роль в выражении ценностей независимости, гражданской активности и местной идентичности.

Средневековые проекты.

Несмотря на сокращение численности населения Флоренции в результате Черной смерти, многие проекты общественных зданий продолжались в четырнадцатом веке. Некоторые из этих проектов все еще находились в стадии строительства, хотя новая архитектура эпохи Возрождения преобразила городской пейзаж. Около 1300 года городское правительство начало строительство новой ратуши. Сегодня известное как Палаццо Веккьо (или Старый дворец, чтобы отличить его от другого гражданского комплекса XVI века), здание было построено в средневековом стиле с сильно рустованными стенами и зубчатой ​​башней.К концу четырнадцатого века город также открыл новую площадь за пределами ратуши, разрушив средневековые дома, стоявшие на этом месте. Правительственная площадь Флоренции была известна своими размерами и привлекательной формой, и хотя она была средневековой по своему происхождению, на площади выставлялись скульптурные работы самых выдающихся художников города в эпоху Возрождения, практика, которая сохраняется и по сей день. Второй крупный проект четырнадцатого века, городской зерновой рынок, начался в 1336 году.По завершении строительства крытый рынок Орсанмикеле стал самым развитым в Европе. Построенное из камня, здание было более 120 футов в высоту и имело два этажа со сводчатым потолком для купцов. Еще до завершения строительства отцы города Флоренции переоборудовали здание, позволив его братствам и гильдиям города использовать в качестве центра для их благотворительной деятельности и религиозных обрядов. Украшение нового религиозного комплекса потребовало энергии многих флорентийских художников и скульпторов в период раннего Возрождения.Хотя их дизайн все еще носил средневековый характер, масштабы Орсанмикеле и Палаццо Веккьо выходили далеко за рамки других проектов, построенных во Флоренции в предыдущие века. Их, в свою очередь, вскоре должно было затмить строительство городского собора — крупнейшего проекта, когда-либо проводившегося в городе, и все еще одной из крупнейших церквей в мире.

Собор.

Хотя работы над флорентийским собором начались в 1296 году, на создание гигантского сооружения ушло более полутора веков.С самого начала создатели собора задумывали его как общественный памятник, а не церковный проект. Городское правительство и местные гильдии, например, профинансировали строительство церкви, а архиепископы Флоренции мало влияли на то, как это сооружение было построено. Со временем самая могущественная гильдия города, Arte de Lana или «гильдия производителей шерсти», контролировала строительство собора, создав специальный Совет по делам собора, которому было поручено контролировать все вопросы, касающиеся строительства.Этот совет назначил многих известных художников и скульпторов города для украшения проекта, в том числе Джотто Бондоне (ок. 1277–1337), которому уже давно приписывают создание изящной колокольни или колокольни собора, в качестве руководителя работ. в последние годы его жизни. Большинство европейских городов с аналогичными проектами, реализуемыми во время Черной смерти, отказались или радикально урезали свои планы в годы, последовавшие за эпидемией. Это не было случай во Флоренции, где строительство собора продолжалось, несмотря на сокращение населения города после Черной смерти.В течение 1350-х годов строители завершили строительство колокольни, а вскоре после того, как флорентийцы заложили опоры массивного перехода церкви, пространство между нефом и хором. Огромные размеры этих опор заставили Флоренцию построить поистине огромное здание. В течение многих лет проект продолжался, хотя никто не имел ни малейшего представления о том, как перекрыть переход сооружения шириной более 130 футов в диаметре.

ОСУЩЕСТВЛЕНИЕ ДРЕВНЕЙ СТРОИТЕЛЬНОЙ ПРАКТИКИ

Введение: Флорентийский ученый Антонио Манетти (1423–1491) первым написал о жизни великого архитектора раннего Возрождения Филиппо Брунеллески.В нем он хвалит Брунеллески за его новаторство. Следующий отрывок из этой биографии описывает способ, которым архитектор овладел процессом строительства, исследуя структуры Древнего Рима.

Осознав большие и сложные проблемы, которые были решены в римских зданиях, он был полон немалого желания понять методы, которые они использовали, и с какими инструментами [они работали]. В прошлом для своего удовольствия он делал часы и будильники с пружинами разных типов, собранными из множества различных приспособлений.Все или большинство из этих источников и приспособлений он видел; что очень помогло ему в представлении различных машин, используемых для переноски, подъема и тяги, в зависимости от тех случаев, когда он видел, что они были необходимы. Делал он записи или нет, в зависимости от того, что считал нужным. Он увидел одни руины, некоторые все еще стояли вертикально, а другие были разрушены по разным причинам. Он изучал методы центрирования сводов и других строительных лесов, а также то, где можно было бы обойтись без них, чтобы сэкономить деньги и силы, и какой метод нужно было бы использовать.Точно так же [он рассмотрел] случаи, когда строительные леса нельзя использовать, потому что хранилище слишком велико и по ряду других причин. Он видел и рассматривал множество прекрасных вещей, которые с тех античных времен, когда жили добрые мастера, до сих пор, насколько нам известно, не использовались другими. Благодаря своему гению, экспериментируя и знакомясь с этими методами, он тайно и с большими усилиями, временем и усердными мыслями, под предлогом того, что делал что-то иное, чем он делал, достиг полного владения ими, как он впоследствии доказал в нашем городе и в другом месте…

В этот период в Риме он почти постоянно был со скульптором Донателло.С самого начала они были согласны в вопросах скульптуры, в частности… [но] Донателло никогда не открывал глаз на архитектуру. Филиппо никогда не рассказывал ему о своем интересе либо потому, что не видел в Донателло никаких способностей, либо, возможно, потому, что сам не был уверен в своих способностях и с каждым мгновением все отчетливее видел свои трудности. Тем не менее, вместе они сделали грубые чертежи почти всех зданий в Риме и во многих местах в окрестностях, с размерами ширины, длины и высоты, насколько они могли установить их путем суждения.Во многих местах они проводили раскопки, чтобы увидеть соединения частей зданий и их характер, а также были ли эти части квадратными, многоугольными или идеально круглыми, круглыми или овальными или какой-то другой формы … Причина, по которой никто не понял Причина, по которой они это сделали, заключалась в том, что в то время никто не думал о древнем способе строительства и не думал о нем в течение сотен лет.

источник: Антонио Манетти, Жизнь Филиппо ди сер Брунеллеско , в Документальная история искусства .Vol. I. Ed. Элизабет Г. Холт (Нью-Йорк: Doubleday Anchor, 1957): 177–178.

Купол Брунеллески.

После 1400 года архитектор Брунеллески работал над решением этой загадки. Первоначально получивший образование в качестве скульптора, Брунеллески был финалистом конкурса на создание новых дверей для баптистерия собора Флоренции в 1401 году. Судьи не смогли сделать выбор между работами Брунеллески и его конкурентом Лоренцо Гиберти и присудили комиссию, которую разделяли оба.Брунеллески, согласно давней легенде, отказался принять этот план, и с этого момента он отказался от скульптуры, чтобы посвятить себя архитектуре. Он отправился в Рим, где изучал постройки древнего мира, измеряя их пропорции и анализируя их структурные элементы. К 1420 году он усовершенствовал свои навыки архитектора. Его проекты купола для завершения городского собора были приняты, и началась работа над его новой концепцией. Существующая структура, собор в готическом стиле, сформировала планы Брунеллески для этой работы, и, за исключением фонаря, который находится на вершине структуры, в куполе архитектора мало классических влияний.Гениальные решения, которые Брунеллески разработал для покрытия этого огромного пространства, указывают на его огромные навыки инженера, которые он позже применил в ряде церквей, часовен и общественных зданий, которые он спроектировал во Флоренции. Брунеллески руководил собором проект в течение ряда лет, курируя рабочие бригады и ежедневно решая сложные вопросы проектирования и строительства. Его решения практических задач строительства демонстрируют сильное изобретательское напряжение его ума.Одной из проблем при возведении купола такого масштаба оказался вопрос строительных лесов. Было подсчитано, что он мог использовать древесину из нескольких лесов, чтобы построить достаточно большие леса, чтобы построить купол сооружения. Вместо этого Брунеллески разработал инновационную систему, в которой строительные леса, расположенные в верхней части барабана купола, можно было перемещать вверх по мере завершения строительства новых секций конструкции. Он также создал устройство, с помощью которого строительные материалы можно было поднимать на эти леса по мере необходимости, изобретение, которое уменьшило количество рабочих, необходимых для перевозки материалов.Конструктивные элементы купола состояли из восьми ребер, которые поддерживали как внешнюю, так и внутреннюю обшивку. Узорчатая кирпичная кладка между ребрами укрепляла структуру, позволяя двум элементам — каменным ребрам и кирпичной кладке — поддерживать внутреннюю обшивку купола. Ряд контрфорсов, расположенных вокруг основания или барабана купола, также оказал дополнительную поддержку всей массе проекта. Это решение позволило строению с внушающей простотой возвыситься почти на 40 этажей над горизонтом Флоренции.С момента завершения строительства в 1436 году купол Брунеллески стал самым известным и легко узнаваемым символом города.

Прочие проекты.

Когда строительство купола Брунеллески было завершено, во Флоренции начался строительный бум беспрецедентных масштабов. Для архитектора Брунеллески управление проектом собора было постоянной работой, которая требовала его ежедневного присутствия. Несмотря на то, что требования к этой работе были значительными, Брунеллески все же нашел время, чтобы спроектировать ряд структур в другом месте города.Эти проекты помогли создать отличительный архитектурный стиль эпохи Возрождения, которому подражали более поздние архитекторы. В этих проектах Брунеллески еще больше использовал классический язык, который он изучил в ходе изучения древней архитектуры в Риме. В планах архитектора для Ospedale degli Innocenti отражены первые попытки художника разработать законченный стиль, основанный на классических пропорциях и элементах дизайна. Больница, основанная в 1410 году, была приютом для подкидышей — одним из первых европейских учреждений, занимающихся проблемой брошенных детей.Дизайн, который Брунеллески разработал для детского дома, был столь же инновационным. В нем он создал аркаду из одиннадцати тонких колонн, поддерживающих закругленные римские арки. Одной из самых значительных особенностей архитектуры, созданной здесь художником, было использование геометрически правильной системы пропорций. Каждая колонна, например, была такой же высоты, как ширина арки, которую она поддерживала, и равнялась также расстоянию между внешней колоннадой и внутренней стеной. Брунеллески использовал одинаковые пропорции во всех своих планах, создав таким образом работу, которая была простой, элегантной и визуально сбалансированной.Единственными декоративными элементами, которые он включил в свои первоначальные планы, были коринфские капители с листьями аканта, венчающие колонны колоннады. Таким образом, в отличие от сложности готической архитектуры, строившейся в то время в большей части Европы, его проекты для больницы были образцом сдержанности, ясности и простоты. Ключевой особенностью брунеллешианской архитектуры было использование числовых соотношений. На фасаде здания пропорции, на которые он опирался, использовали отношения один к двум, один к пяти и два к пяти.Брунеллески повторил те же числовые соотношения в интерьере здания. Эти числа были выбраны не случайно, но имели религиозное значение: одно было числом, связанным с Богом Отцом, два — с Иисусом Христом, а пять — с числом ран, полученных Спасителем во время распятия. Кроме того, кратное двум и пяти равняется десяти, количеству Заповедей, которые были важным набором ограничений, используемых при воспитании детей из приюта. Таким образом, математические соотношения Брунеллески, которые были легко понятны проницательному наблюдателю пятнадцатого века, выражали определенные основные религиозные идеалы, черту его архитектуры, которая стала одной из отличительных черт дизайна эпохи Возрождения.И в пятнадцатом, и в шестнадцатом веках архитекторы использовали числовые отношения, пропорции и формы не только для создания гармоничного дизайна, но и для выражения основных философских и религиозных истин.

Церкви.

В серии церквей и часовен, спроектированных по всей Флоренции, архитектор усовершенствовал свой новый классический стиль. Работа над планами Брунеллески для церкви Сан-Лоренцо началась в 1421 году. Семья Медичи, которая в то время становилась известной, финансировала большую часть строительства этого проекта, и их связи с церковью оставались сильными на протяжении пятнадцатого и шестнадцатого веков. .В своих проектах для Сан-Лоренцо Брунеллески впервые применил архитектурную систему одноточечной перспективы. Если смотреть вниз на церковь от главного алтаря до конца нефа, линии и колонны церкви спроектированы так, что они уменьшаются и сходятся в одной точке в задней части конструкции. Вместо загадки готической церкви Брунеллески здесь выразил архитектурную систему, в которой взаимодействие света на простых изысканных поверхностях напоминало величественные внутренние пространства Древнего Рима.Вместо традиционного латинского креста обычно полагались в западной церковной архитектуре архитектор заменил Т-образную форму древнеримской базилики. По обе стороны от нефа колоннада из коринфских колонн, поддерживающих римские арки, отделяет боковые проходы, в которых часовни церкви снова утоплены в римские арки. Над этими арками круглые окна, известные как oculi , пропускают свет в пространство. Во всем здании Брунеллески ограничил использование материалов серым камнем, известным в Италии как pietra serena , и белой штукатуркой.Хотя полученный эффект серьезен, он также рациональный, гармоничный и в целом привлекательный. Использование двухцветной палитры серого и белого, найденной в самых ранних творениях Брунеллески, стало давней чертой тосканского дизайна, сохранившейся до девятнадцатого века. Архитектор усовершенствовал этот новый классический стиль церковной архитектуры в своих планах новой церкви Санто-Спирито, здания, которое в конечном итоге заменило старую средневековую структуру на месте. Здесь Брунеллески полагался на другой набор пропорций, чтобы создать структуру, которая кажется более массивной и внушительной, чем более легкий и элегантный Сан-Лоренцо.Что касается обеих церквей, Брунеллески планировал разместить постройки на впечатляющих площадях, которые будут служить средоточием общественной жизни. К сожалению, ни один из них не был реализован так, как хотел художник, хотя позже архитекторы изучили его планы. Таким образом, они оказали косвенное влияние на развитие идей городского дизайна в эпоху Возрождения. Для церкви Санта-Кроче во Флоренции Брунеллески спроектировал третий архитектурный шедевр — небольшую капеллу Пацци, которая представляет собой отдельно стоящее строение на территории церкви.В этом здании контраст между архитектурным миром позднего средневековья и развивающимся ренессансом становится еще более очевидным. В отличие от сложности и загадочности готических пространств, планы Брунеллески относительно часовни одновременно ясны, изящны и гармоничны. Они также выражают развивающуюся чувствительность гуманистического движения с его акцентом на представлениях о вселенной, наполненной божественно вдохновленными гармониями и пропорциями, которые могут быть поняты человеческим разумом.В капелле Пацци художник снова использовал цветовую схему, которую он выбрал для Санто-Спирито и Сан-Лоренцо: холодный серый и белый. Тем не менее, в этом пространстве оттенки синего — от терракотовых медальонов, разработанных для часовни скульптором Лукой делла Роббиа — снимают строгость, присущую более ранним строениям. Вдобавок Брунеллески изменил свои пропорции, уменьшив масштаб каждого из трех этажей часовни. В результате коринфские пилястры, служащие декоративным элементом на стенах часовни, приобретают еще большее визуальное значение.

Микелоццо.

Все завершенные здания Брунеллески во Флоренции носили общественный характер. В то же время в отечественной архитектуре происходила революция, которую возглавил младший конкурент архитектора Микелоццо ди Бартоломео (1396–1472). Микелоццо и его студия спроектировали многочисленные часовни, церкви и монастырские здания во Флоренции и ее окрестностях, а также городские палаццо (дворцы) и загородные виллы. Качество внутренней архитектуры средневековой Флоренции было низким, она состояла в основном из средневековых многоквартирных домов, заполненных многолюдными жилищами в стиле квартир.Даже самые богатые семьи в городе долгое время цеплялись за дома, похожие на крепости, которые в ненадежном и небезопасном мире средневековья часто располагались вокруг массивной оборонительной башни. В 1440-х годах Козимо Медичи, глава богатой банковской семьи и бэкдор-манипулятор политики Флоренции, поручил архитектору Микелоццо спроектировать новый семейный дворец или палаццо. В то время, как и сейчас, слово «палаццо» по-итальянски относилось ко всем видам крупных городских построек.Дворец Медичи, спроектированный Микелоццо, стал нервным центром банковского дела и бизнеса Медичи, а также домашней резиденцией семьи. В то время Медичи были семьей сравнительно нового богатства, не имевшей дворянского титула. Поэтому Козимо Медичи хотел использовать свое новое палаццо для создания правильного образа. Мы знаем, например, что первоначально он обратился к Брунеллески с просьбой спроектировать здание, но он отверг планы архитектора, потому что считал их слишком показными и замысловатыми.Поскольку Флоренция была республикой (хотя, по всей видимости, она в значительной степени контролировалась Козимо), он хотел дворец, который поддерживал бы имидж его семьи как культурных и солидных частных жителей города. Выбранный им дизайн Michelozzo несколько изменился на протяжении веков. Он состоял из трех этажей. Первый этаж, который был центром Банк Медичи в эпоху Возрождения изначально имел большие арки в римском стиле, которые были открыты для улицы, чтобы торговцы и бизнесмены могли получить свободный доступ к структуре.Наружные стены этого этажа отделаны деревенскими каменными блоками, а на втором и третьем этажах кладка становится все более изысканной. Наверху здание венчает классический карниз. Хотя дворец Медичи имеет высоту более 70 футов, в целом создается впечатление не величия, а приземистости. Внутренний двор наполняет строение светом и снимает внешний вид крепости. Колоннада, которая окружает этот двор, показывает влияние проектов Брунеллески для больницы, хотя Микелоццо использовал колонны, которые были короче и массивнее, чтобы выдержать тяжелый вес этажей выше.Современному человеку внешний вид дворца Медичи кажется далеким от уюта, поскольку его высокие потолки и неприветливый рустикальный экстерьер, кажется, больше ассоциируются с общественным, чем с домашним пространством. Однако такие различия сыграли небольшую роль в перегретом коммерческом мире пятнадцатого века. Флоренция, как и большинство семей, жили и работали в одном месте. Дворец Медичи, напротив, предлагал семье большую степень уединения и комфорта, чем это обычно было в темных и сырых домах, в которых жили даже многие из самых богатых горожан.Ржавый внешний вид здания также копировал сохранившиеся памятники Древнего Рима, а не средневековые модели, чтобы придать семье Медичи некоторую степень респектабельности. Для наблюдателя пятнадцатого века внешний вид дворца, вероятно, производил впечатление величия и солидности. Если смотреть с этого направления, нетрудно понять, почему дворец оказал влияние на строительство многих подобных сооружений для знатных семей Италии.

Альберти.

Леон Баттиста Альберти (1404–1472) был лучшим архитектором пятнадцатого века, последовавшим за Брунеллески во Флоренции.Один из великих «универсальных людей» Возрождения, Альберти был гуманистом по образованию и работал во Флоренции в середине 1430-х годов. Хотя он был членом одной из самых выдающихся семей города, молодой Альберти родился незаконнорожденным и вырос в Венеции в один из периодов изгнания его отца из города. Его отец умер в студенческие годы Альберти, в конечном итоге оставив молодого ученого без достаточных ресурсов, чтобы содержать себя. Таким образом, Альберти искал покровителей в богатых, культурных семьях Италии, среди которых были выдающиеся сторонники Эсте из Феррары, Гонзага из Мантуи, по крайней мере, двух пап и семья Ручеллаи во Флоренции.Он спроектировал ряд сооружений для этих покровителей, и в 1450 году он закончил свою работу « Десять книг по архитектуре », которая возродила идеи древнеримского ученого Витрувия об архитектурных пропорциях. Хотя его архитектурные идеи не пользовались большим влиянием среди флорентийских строителей пятнадцатого века, архитекторы в других частях Италии подражали его принципам дизайна.

КРАСОТА В ЗДАНИИ

введение: Работа Леона Баттисты Альберти «« Об искусстве строительства », разработанная Леонардо Баттиста Альберти, тесно связана с идеями древнеримского дизайнера Витрувия.Более поздние архитекторы и покровители читали трактат Альберти, и многие идеи Альберти должны были сформировать эстетические ценности позднего Высокого Возрождения. Определение красоты, данное ученым, часто повторялось в эволюции мысли эпохи Возрождения.

Поэтому, чтобы быть как можно более кратким, я определю Красоту как гармонию всех частей, в каком бы предмете она ни появлялась, соединенная вместе с такой пропорцией и связью, что ничего нельзя было добавить, уменьшить или изменить. но к худшему.Качество настолько благородное и божественное, что вся сила остроумия и искусства была потрачена на то, чтобы добиться его; и очень редко даровано кому-либо или даже самой природе производить что-либо во всех отношениях совершенным и законченным. Как необычно (говорит человек, представленный в Талли) красивый Афинский юноша! Этот Критик Красоты обнаружил, что в людях, которые ему не нравились, было что-то недостаточное или лишнее, что было несовместимо с совершенством красоты, которое, как я полагаю, могло быть достигнуто с помощью Орнамента, раскрашивая и скрывая все, что было деформировано, обрезая и полировка того, что было красивым; так что некрасивые части могли причинить меньше обид, а более прекрасные — больше удовольствия.Если это будет предоставлено, мы можем определить Орнамент как добавление дополнительной яркости и улучшения Красоты. Итак, тогда Красота в некотором роде прекрасна, что является свойственным и врожденным, и распространяется по всему телу, а Орнамент несколько добавлен или закреплен, а не собственно и врожденно. Поэтому вернуться туда, где мы остановились. Кто бы вы ни строили так, чтобы его здание было одобрено, чего желал бы каждый разумный человек, должен строить в соответствии с принципом справедливости или пропорции, и эта справедливость пропорций должна быть обязана ст.Итак, кто будет утверждать, что красивое и справедливое строение можно вырастить иначе, как с помощью искусства? и, следовательно, эта часть строительства, которая связана с красотой и орнаментом, будучи главной из всех остальных, должна, без сомнения, управляться некоторыми твердыми правилами искусства и пропорции, которые всякий, пренебрегая которыми, сделает себя смешным. Но есть такие, кто ни в коем случае не допустит этого и скажет, что люди руководствуются множеством мнений в своих суждениях о красоте и зданиях и что формы построек должны варьироваться в зависимости от конкретного вкуса и фантазии каждого человека. и не быть привязанным к каким-либо правилам ст.Обычное дело для несведущих — презирать то, чего они не понимают!

источник: Леон Баттиста Альберти, Об искусстве строительства , в Документальная история искусства . Vol. I. Ed. Элизабет Г. Холт (Нью-Йорк: Doubleday Anchor, 1957): 230–231.

Конструкций.

По приглашению Папы Николая V (1459–1557), ученого папы, с которым Альберти познакомился в студенческие годы, архитектор завершил первые планы восстановления церкви Св.Базилика Петра в Риме. Хотя этот проект застопорился еще почти на полвека, Браманте, Рафаэль и Микеланджело — главные строители Ватикана шестнадцатого века — все изучали его планы. Идеи Альберти об архитектуре утверждали, что красота — это правда, и что здания должны проектироваться рационально, чтобы предоставить людям пространство, которое было бы гармоничным и красивым. В то же время он осознавал функциональность создаваемых им пространств, настаивая на том, что здания должны служить практическим целям и, следовательно, проектироваться для их обитателей.Теории Альберти об архитектурной красоте очевидны во дворце, который он спроектировал для семьи Ручеллаи в середине 1440-х годов. Архитектор отказался от тяжелого крепостного стиля немного более раннего дворца Медичи Микелоццо и вместо этого создал более изысканный фасад. В отличие от Брунеллески, который использовал колонны для поддержки своих изящных колоннад и арок, Альберти освободил колонну и пилястру, превратив их в простые декоративные элементы. Сама арка, как он утверждал, была проемом в стене, и большинство его конструкций сохранили свою сущность.Альберти, например, не создавал колоннады из колонн, поддерживающих римские арки, как это делал Брунеллески до него. Он развил эти идеи в ряде заказов, которые он выполнил для итальянских принцев, составив отличительный список творений, которые повлияли на развитие позднего стиля Высокого Возрождения. Одно из самых необычных зданий, которое он спроектировал, было для печально известного деспота Сигизмондо Малатеста, в то время лорда Римини. Альберти тогда работал в папском доме, а также был членом религиозного ордена, но это не помешало ему помочь Малатесте в его планах по строительству храма, прославляющего языческие знания и ученых-гуманистов.Первоначально Малатеста планировал перестроить местную церковь, чтобы удовлетворить свои амбиции по созданию языческого святилища. Однако по наущению Альберти тиран начал полностью заключать бывшую церковь в совершенно новую мраморную шкуру. К сожалению, судьба Малатесты изменилась до завершения строительства святилища, и работы над сооружением прекратились. Однако внешний вид этой структуры показывает успешное усвоение Альберти классических элементов дизайна, ассимиляцию, которая также нашла отражение в планах архитектора церкви Сант-Андреа в Мантуе.Архитектор закончил проектирование этого проекта в 1470 году, незадолго до своей смерти, и большая часть его строительства была построена после его смерти. Здесь он опирался на традиционную латинскую схему креста для конструкции, хотя в своих трудах он выступал за использование центрального стиля, в котором ни одно из расходящихся крыльев церкви не было больше другого. Вместо рядов колонн, которые Брунеллески и другие архитекторы пятнадцатого века использовали для поддержки своих сводчатых потолков, Альберти создал однонефную церковь с боковыми часовнями, утопленными в стены в гигантских римских стенах. арки.Кроме того, он спроектировал потолок этой церкви в виде единого круглого цилиндрического свода, который движется к перекрестку и встречает аналогичные цилиндрические своды в трансептах и ​​хоре. Общий эффект созданного дизайна одновременно гармонично пропорционален и величественно красив. Поэтому неудивительно, что элементы стиля Сант-Андреа со сводчатым сводом имели множество подражателей, в первую очередь как в планах Браманте относительно новой базилики Святого Петра, так и в иезуитской церкви Иль Джезу, важных проектах шестнадцатого века в городе. Рима.

По Альберти.

Влияние гармоничных творений Альберти вдохновляло многих дизайнеров второй половины пятнадцатого века. В Риме работа Альберти для Папы Николая V создала новый городской дизайн для города, сосредоточенный на соборе Святого Петра и Ватикане. На ряд зданий, построенных после 1450 года, похоже, повлияли его идеи и проекты, хотя их архитекторы неизвестны. Эти безымянные фигуры скопировали планы Альберти для фасада Санта-Мария-Новелла во Флоренции в нескольких римских церквях в 1470-х и 1480-х годах.Кроме того, архитектурные идеи Альберти очевидны во внутреннем дворе, построенном для Палаццо Венеция в Рим где-то после 1455 года. Хотя влияние архитектора на последующих дизайнеров было глубоким, новаторы также продолжали появляться на итальянской сцене. Один из них, Джулиано да Сангалло, был первым из выдающейся семьи архитекторов. Подобно Брунеллески и Альберти, Сангалло изучал здания Древнего Рима, записав ряд зданий, которые с тех пор исчезли. В Прато, пригороде Флоренции, он спроектировал церковь Санта-Мария-делл-Карчери, творчески опираясь на элементы Альберти, а также на планы Брунеллески для капеллы Пацци.В этой конструкции он поместил ребристый купол, подобный тем, которые Брунеллески спроектировал во Флоренции. Сангалло спроектировал церковь в центральном стиле, в отличие от традиционного латинского креста, который использовался на протяжении большей части средневековья. В теоретических трудах Альберти по архитектуре подчеркивалось, что центральный стиль, в котором расходящиеся трансепты здания были одинакового размера, был более гармоничным и красивым. Интеграция Сангалло альбертианского и брунеллескианского стилей продолжалась во всем интерьере и экстерьере здания.Внутри он украсил структуру палитрой pietra serena и белой штукатуркой, типичной для Брунеллески. Однако на внешней стороне церкви архитектор использовал блестящие белые и зеленые мраморы, похожие на фасады, которые Альберти создал для своих построек. Сангалло основал популярную дизайнерскую практику во Флоренции, и в конце пятнадцатого века он разработал планы ряда очаровательных построек, включая новую загородную виллу для Медичи в Поджо-а-Кайано.

Дворцовый дом.

В период между 1450 и 1500 годами наблюдался бум строительства городских дворцов для богатых купцов и знати итальянских городов. Во Флоренции класс патрициев поспешил подражать Медичи и другим семьям, которые уже построили домашние дворцы в первой половине XIX века. Пятнадцатый век. Фасады этих построек были либо построены из рустованного камня, либо отделаны грубой штукатуркой, известной как intonaco. В некоторых случаях оба материала были объединены на одном фасаде.Как и дворец Медичи, большинство флорентийских дворцов производили впечатление на улицу не из-за роскоши или величия, хотя такие здания выделялись бы на городском пейзаже, заполненном однообразными и непримечательными средневековыми домами. Однако внутри интерьеры были залиты светом из стильных дворов, которые обычно служили центральным элементом здания. Контраст между темными помещениями, типичными для средневековых домов и домов эпохи Возрождения, вероятно, поразил наблюдателей пятнадцатого века.Со временем палаццо становилось больше и сложнее, поскольку семьи соревновались, чтобы превзойти друг друга. Например, в 1490-х годах видная семья Строцци начала строительство дворца, который, как они надеялись, затмит все остальные в городе. Не завершенный до 1507 года, Палаццо Строцци, как и многие из этих дворцовых проектов, был ранним этапом городского обновления, который потребовал сноса многих ранее существовавших построек. Семья снесла огромный городской квартал, в котором была огромная средневековая башня, принадлежавшая знатному графу, несколько магазинов и по крайней мере четыре других дома, чтобы построить свой новый дом.В то время как интерьеры этих жилищ предлагали определенные улучшения по комфорту по сравнению с большинством средневековых построек, стены дворца часто были простыми и неукрашенными. Накопление коллекций произведений искусства, обычай, который в то время становился все более популярным, во многом уменьшил однообразие новых внутренних пространств Флоренции. Однако даже с этими великолепными коллекциями дворец не был уютным строением в современном смысле этого слова.

Последствия.

Строительство стольких великих сооружений за такое короткое время изменило флорентийский городской пейзаж.Строительство дворца заставило огромное количество людей покинуть свои дома, поскольку богатые семьи скупали большие участки земли в городе и сносили бывшие многоквартирные дома. По мере того как бедные жители расселились по другим районам города, возникли модные и немодные кварталы. Самые богатые семьи города стекались в определенные районы и даже на определенные улицы, в то время как бедные искали жилье на границах развитых районов города. В результате различия между богатыми и бедными в городе стали более заметными.Примерно в 1470 году один видный флорентинец заметил, что при его жизни было построено тридцать величественных городских дворцов. Полвека спустя другой наблюдатель заметил еще двадцать построек, которые были добавлены к городу, но он также заметил, что любому, кто захочет перечислить все главные дворцы города, действительно будет трудная работа. Строительство такого большого количества внушительных сооружений требовало не менее большого количества дизайнеров и мастеров. Среди архитекторов, которые часто проектировали и контролировали строительство этих зданий, были Джулиано да Сангалло, его брат Антонио и их племянник Антонио.Сангалло поддерживал популярный и прибыльный бизнес по строительству внутренних дворцов. Но Флоренция также произвела в то время ряд компетентных дизайнеров, мужчин, которые отвечали требованиям богатых горожан в отношении нового жилья. Большинство из этих деятелей выросли в своих гильдиях — ювелирных, плотницких и камнерезных — и приобрели значительный опыт в строительном искусстве. Около 1500 года художники тоже входили в число тех, кто проектировал городские здания, и длинный список художников шестнадцатого века, проектировавших такие здания, включал Рафаэля Санцио, Микеланджело и Джорджо Вазари.Но в большинстве случаев архитектура не была самостоятельной профессией, как в современном мире. Большинство дизайнеров занимались другими ремеслами помимо проектирования зданий, а многие просто проектировали одну или две конструкции по просьбе своих покровителей.

Со времен Брунеллески архитекторы часто представляли себе площади и площади, окружающие строения, которые они построили; но, как и часто незавершенные фасады церквей эпохи Возрождения, немногие из этих планов когда-либо реализовывались в течение пятнадцатого века.Опыт наблюдения за римским форумом, даже в его полуразрушенном и разрушенном состоянии, напомнил ученым, архитекторам и художникам эпохи Возрождения общественную жизнеспособность древней жизни. В попытке восстановить такое использование городского пространства архитекторы в пятнадцатом веке все чаще обращались к изучению античного дизайнера Витрувия, а также работ Полибия. Они часто представляли себе совершенно новые города, спланированные по принципам, предложенным этими античными писателями. Хотя они редко давали результаты, у этих планов были заядлые ученики художников и дизайнеров, которые пришли позже.Однако пятнадцатый век действительно произвел на свет один прекрасный пример спланированного города. В 1460-х годах папа Пий II приказал перестроить свою родную деревню к югу от Сиены в соответствии с принципами, предложенными современными архитекторами эпохи Возрождения. В конце концов, названный в его честь Пиенца, город имел план, в котором улицы и вспомогательные площади расходились от центральной площади. В Пиенце различные архитектурные пропорции устанавливали видимую иерархию между различными структурами города. Архитекторы и художники восхищались такой централизованной рациональной планировкой.Придворный художник Урбино Лучано Лаурана разработал один из самых известных планов идеального города такого рода. На плане примерно 1475 года архитектор сгруппировал все постройки в большом городе. вокруг центральной площади, на которой он разместил круглый «храм» в классическом стиле, вдохновленный архитектурными произведениями Альберти. Центральный итальянский художник Пьеро делла Франческа увековечил привлекательные визуальные планы Лаураны на знаменитом панно « Видение идеального города ». Большинству архитекторов пятнадцатого века, в том числе Лорана, приходилось довольствоваться гораздо более ограниченными успехами, такими как дизайн небольших площадей, окружавших их архитектурные творения.

Теория.

Пятнадцатый век также стал свидетелем возрождения интереса к теории архитектуры. Брунеллески и другие архитекторы изучали здания Древнего Рима, измеряя их пропорции и анализируя их структурные и дизайнерские элементы. Этот первоначальный интерес вызвал повышенный интерес к теории архитектуры. Ученый-гуманист и художник Альберти одним из первых прочесал страницы архитектурных работ древнего строителя Витрувия.В своей книге «Об искусстве строительства », завершенной около 1450 г., он систематизировал представления древних об декоре и пропорциях в свод архитектурных «законов». Витрувий настаивал на том, что человеческое тело было основной моделью архитектурного дизайна, и он основывал построение своих структур на пропорциях и элементах дизайна, взятых из тела. Альберти также утверждал, что красивые здания возникли на основе принципов, аналогичных принципам конструкции человеческого тела. По словам Альберти, красота возникла из взаимодействия элементов дизайна внутри здания, так что, как и человеческое тело, ни одна часть не может быть удалена без уменьшения эффекта целого.Однако трактат Альберти был прежде всего литературным произведением. Другими словами, он не привел никаких иллюстраций, чтобы прояснить, как именно могут выглядеть здания, спроектированные с использованием этих принципов. В поисках ключей к применению его идей его более поздние ученики изучили многие из них, которые он планировал, по всей Италии.

Филарете и ди Джорджо.

Вскоре после завершения работы над трактатом Альберти Об искусстве строительства флорентийский скульптор и архитектор Антонио Аверлино (1400–1469), широко известный как Филарете, завершил аналогичную теоретическую работу.Однако, в отличие от работы Альберти, Филарет иллюстрировал свой «Трактат об архитектуре » с примерами построенных им зданий. Архитектор написал произведение для герцога Миланского, и, хотя оно не было напечатано в следующих поколениях, оно было широко распространено в виде рукописи. Филарет писал свою теорию евангельским тоном, пытаясь обратить своих читателей на флорентийский способ построения. Он праздновал возрождение античности, которое недавно произошло в его родном городе, и пытался убедить своих читателей в превосходстве античных стилей строительства.По пути он консультировал по темам об орнаменте, декоре, пропорциях и городском дизайне. Однако он писал свои работы не для дизайнеров, поскольку адресовал свои комментарии не архитекторам и художникам, а князьям и дворянам. Он надеялся вдохновить этих деятелей покровительствовать новой архитектуре. Он использовал сложный и надуманный стиль на протяжении всей работы, который включал повествовательный сюжет, в котором придворный архитектор обучает молодого принца строительному искусству. Напротив, Франческо ди Джорджо (1439–1501), сиенский художник, скульптор и архитектор, был более систематизирован в своем «Трактате о гражданской и военной архитектуре », который он, вероятно, написал где-то в 1480-х годах и позже переработал в совершенно новую рукопись. версия.Как художник, ди Джорджио уделял большое внимание как изобретательности, так и навыкам рисования, которые были необходимы тем, кто надеялся заниматься архитектурой. Как и Филарете, ди Джорджо иллюстрировал свою работу, но делал это более систематично, чем предыдущий теоретик. Другими словами, его иллюстрации раскрывают вопросы, которые он обсуждал в тексте, даже если они передают дополнительную техническую информацию, необходимую практикующему врачу. Это техническое напряжение повторяется и в тексте, поскольку Ди Джорджио включил много практической информации о методах измерения высоты и глубины, военной технике и гидравлике.Как и многие художники того времени, ди Джорджо также хотел поднять практику своей дисциплины и продвигать ее как стремление, равное по интенсивности и серьезности гуманитарным наукам. В его трактате восхвалялись навыки, необходимые архитектору, в том числе изысканность в геометрии и арифметике. Он отмечал это как знак благородства своего призвания. Вместе с работами Филарета и Альберти трактаты ди Джорджо помогли создать корпус архитектурной теории, изучаемой практиками позднего шестнадцатого века в Италии и по всей Европе.

Достижение.

Итальянские архитекторы эпохи Возрождения XV века имели множество достижений. В начале века Филиппо Брунеллески совершил паломничество в Рим, чтобы изучить структурные элементы античных зданий и измерить их пропорции. Вернувшись в родную Флоренцию, он использовал полученные там знания, а также свои навыки скульптора и резчика по камню, чтобы создать купол потрясающей красоты для городского собора. В работах, проводимых по всему городу, он также полагался на свои новые знания классической античности для проектирования зданий, отличающихся изящной гармонией и пропорциями.Успех его первоначальных построек вдохновил других деятелей на создание памятников, в которых использовался визуальный язык классических зданий. Эти архитекторы, поначалу привлеченные в основном из гильдий каменотесов, ювелиров и плотников, создавали работы для все усиливающегося строительного бума, который произошел в Флоренция в конце пятнадцатого века. В результате этого роста строительства в городе появились новые облицованные мрамором церкви, внутренние дворцы и общественные здания, отличающиеся своими размерами и элегантностью.Другими словами, Флоренция превратилась из средневекового города, заполненного однообразными зданиями, похожими на крепости, в город, усеянный большими площадями, внушительными церквями и роскошными резиденциями. Эти события не остались незамеченными в других регионах Италии. Во всех городах центральной и северной Италии архитекторы наблюдали за элементами флорентийского дизайна и имитировали некоторые его нововведения. Хотя влияние города было огромным, дизайнеры из других городов, такие как Лучано Лаурана и Франческо ди Джорджо, указывают на растущую жизнеспособность и оригинальность центров за пределами Флоренции.К концу пятнадцатого века эта продуктивность подготовила почву для еще большей эпохи архитектурных достижений, которая развернулась в следующем столетии.

источника

Р. Голдтуэйт, Здание эпохи Возрождения Флоренция (Балтимор: издательство Университета Джона Хопкинса, 1980).

Ф. Хартт и Д. Уилкинс, ред., История итальянского искусства эпохи Возрождения: живопись, скульптура и архитектура. 4-е изд. (Нью-Йорк: Абрамс, 1994).

р.King, Купол Брунеллески (Лондон, Англия: Chatto and Windus, 2000).

Дж. Т. Паолетти и Гэри М. Радке, Искусство в Италии эпохи Возрождения (Нью-Йорк: Х. Н. Абрамс, 1997).

Р. Тавернор, Об Альберти и искусстве строительства (Нью-Хейвен, Коннектикут: Издательство Йельского университета, 1998).

П. Уокер, Вражда, которая вызвала Возрождение: как Брунеллески и Гиберти изменили мир искусства (Нью-Йорк: Харпер Коллинз, 2002).

см. Также Изобразительное искусство: Раннее Возрождение в Италии

Искусство и архитектура раннего Возрождения

Купол Cattedrale di Santa Maria del Fiore (Флорентийский собор) (1420-36)

Художник: Филиппо Брунеллески

На этой фотографии изображен знаменитый восьмиугольный купол Брунеллески, венчающий собор Флоренции.Его красный камень, символизирующий флорентийскую любовь к каменной кладке и красный цвет Медичи, возвышается над горизонтом с одним из самых узнаваемых и знаковых видов в мире. Состоящий из более чем четырех миллионов кирпичей, он остается крупнейшим каменным куполом в мире.

Архитектурный гений Брунеллески можно увидеть в ощущении плавучести конструкции с ее белыми ребрами, подчеркивающими вертикальный подъем и крутой сужающийся кверху изгиб. Брунеллески также спроектировал белый фонарь на его кончике, хотя его друг, архитектор Микелоцци, завершил его в 1461 году, через пятнадцать лет после смерти Брунеллески.Купол стал визуальным символом «Новых Афин», как называла себя Флоренция, поскольку он вызывал чувство классической сдержанности и пропорции, повторяя восьмиугольную форму собора внизу и тянущего его к небу.

Купол был революционным шедевром, поскольку архитектор отказался от внутренних строительных лесов и внешних опор (например, контрфорсов), которые ранее считались необходимыми. Вместо этого он создал купол внутри купола, таким образом, изобрел новую систему поддержки, в которой кирпичи лежат в перевернутой арке рисунка «елочкой», направленной наружу, а не вниз.Он также произвел технологию, необходимую для реализации своего проекта, в том числе первую механическую лебедку, а затем и castello , или горизонтальный кран. Другие структурные инновации включали использование цепной арки, типа заостренной арки, для поддержки и внутренних деревянных, каменных и железных цепей, сформированных в восьмиугольниках, которые работали как обручи ствола, чтобы удерживать купол вместе.

Эта работа основана на тщательном изучении Брунеллески Пантеона (113–125) и других древнеримских построек.Однако, как обычно, архитектор держал свои открытия при себе, работая без заметок и планов. Как он позже сказал, когда он подал заявку и получил первый современный патент на водный транспорт, «мы не должны раскрывать всем и каждому секреты вод, текущих в океане и реках, или устройств, которые работают на них. эти воды. Пусть будет созван совет экспертов и мастеров механического искусства, чтобы обсудить, что необходимо для создания и создания этих произведений ». Из-за его загадочной рабочей моды многие критики поначалу сочли его проекты невозможными.Он должен был доказать, что они неправы. Как писал историк Пауло Галлузи о соборе: «Это одно из самых красивых, технически смелых зданий, когда-либо построенных. В нем удивительно элегантно сочетаются технологии и эстетика. Он идеально символизирует союз науки и искусства».

Все архитекторы следующего поколения находились под влиянием творчества Брунеллески, а Леонардо да Винчи был очарован как его архитектурой, так и изобретенными им технологиями.

Как носить Renaissance Trend

Тенденция Возрождения усилилась этой осенью благодаря силуэтам, принтам и деталям, вдохновленным этой эпохой 14 века.В истории Возрождение ознаменовало собой период перехода от средневековой эпохи к современности. С огромным переходом в искусстве, культуре, моде, политике и науке неудивительно, почему этот период соответствует тому, с чем сегодня сталкивается наше общество, и почему эта ностальгическая модная тенденция стала такой популярной.

Эта тенденция ориентирована на определенный период времени, поэтому она может очень быстро стать костюмной, если вы не объедините некоторые предметы в стиле Ренессанс или не выберете более современные версии силуэтов эпохи Возрождения.

Чтобы помочь вам стилизовать эту тенденцию, я собрал несколько своих советов ниже:

Топ для доярки — ваш лучший друг.

Этот фасон топа сгибается под линией бюста для создания супер-лестной формы. Этот топ очень универсален, и вы можете сочетать его с макси-юбкой, джинсами, брюками, шортами или любым другим низом!

Играйте с деталями и преувеличивайте.

Мы знаем, что массивные повязки на голову и эффектные рукава уже давно в моде, поэтому освежите их стилями с элементами эпохи Возрождения, такими как жемчуг, декоративное кружево, оборки, принты и позолоченные штрихи.

Затяните корсет, девочка !

Хорошо, корсеты в наши дни определенно НЕ такие, какими они были в эпоху Возрождения. Многие топы имеют лифы в стиле корсета, но на самом деле это не настоящий корсет, привет, комфорт ! Мне нравится хороший корсетный кроп-топ поверх белой рубашки или платья-рубашки, но вы также можете найти топы в стиле корсета, которые вы можете носить сами по себе, суперсовременные, шикарные и не похожие на нижнее белье

Если сомневаетесь, надевайте затяжной рукав.

Я королева пышных рукавов. С тех пор, как появилась эта тенденция, все топы и платья в моем шкафу быстро переняли этот силуэт. Рукава-буфы — одновременно ностальгические и современные, они могут быть всех форм, размеров и форм. Мне нравятся вещи в этом стиле как с длинными, так и с короткими рукавами, и у меня есть много платьев и топов, которые я регулярно ношу и постоянно получаю комплименты!

МАГАЗИН ТРЕНД:

5 зданий, демонстрирующих красоту архитектуры эпохи Возрождения

Слева направо: ул.Петра, Деталь базилики Св. Петра, Сикстинская капелла, Палаццо Фарнезе, Интерьер Палаццо Фарнезе, Палаццо Медичи Риккарди, Замок Шамбор, Деталь Замка Шамбор

Ренессанс известен как период художественного возрождения и творчества, который длился с начала 14 века до начала 16 века. Это «возрождение» было радикальным периодом, изменившим культуру, искусство, ремесло, скульптуру и, конечно же, архитектуру. Эстетически он часто был сосредоточен на возвращении к упорядоченным элементам древнегреческой и римской архитектуры.

Хотя искусство и архитектура эпохи Возрождения быстро распространились по Европе, они начались во Флоренции, Италия, с нескольких избранных проектов, которые усовершенствовали идеи симметрии, пропорций и красоты. Поскольку Ренессанс предшествовал декадентскому периоду барокко, некоторые из произведений эпохи Возрождения в этом списке представляют собой переходы от одного стиля к другому. Другие представляют собой переход от архитектуры эпохи Возрождения к более готическим стилям дизайна.

В этой статье мы разберем общие характеристики, которые определяют архитектуру эпохи Возрождения, и познакомим вас с пятью нашими любимыми зданиями, спроектированными в стиле эпохи Возрождения.Вы можете просто найти следующий пункт назначения в своем списке путешествий!

В этой статье мы разберем характеристики архитектуры эпохи Возрождения и некоторые из лучших примеров этого стиля.

Характеристики архитектуры эпохи Возрождения

Базилика Святого Петра в Ватикане (Фото: Stock Photos from silverfox999 / Shutterstock)

Архитектура эпохи Возрождения, как и другие произведения искусства эпохи Возрождения, ориентирована на создание совершенной красоты.Это часто принимает форму симметрии, акцента на пропорции и подхода к основам классических греческих и римских орденов.

Этюд пропорций — Идеи о естественной красоте уходят корнями в изучение масштаба и пропорций. Архитектурные элементы были разработаны с учетом человеческой формы. Это привело к идее математического процесса, который привел к совершенной архитектурной работе.

Элементы классической архитектуры — Архитектура эпохи Возрождения стала поистине «возрождением».«Частью возрождения было возвращение к тому, что некоторые считали вершиной архитектуры и искусства. В произведениях эпохи Возрождения часто использовались классические элементы, включая купола, арки, перемычки и колонны. Некоторые проекты также включают Классические ордена: дорических , ионных , коринфских и композитных орденов.

Прямоугольные симметричные планы — Поскольку дизайн архитектуры эпохи Возрождения был в значительной степени ориентирован на порядок и совершенство естественной красоты, здания обычно были симметричными в плане, прямолинейными или квадратными.

Примеры архитектуры эпохи Возрождения

Базилика Святого Петра

Базилика Святого Петра в Ватикане (Фото: Стоковые фотографии Владимира Сазонова / Shutterstock)

Базилика Святого Петра иногда называют величайшей из христианских церквей и одним из лучших образцов архитектуры эпохи Возрождения. Он также включает в себя множество элементов дизайна в стиле барокко. Хотя работа велась в течение длительного периода времени, большая часть дизайна была создана широко известными архитекторами и мастерами, включая Донато Браманте , Микеланджело , Карло Мадерно и Джан Лоренцо Бернини .

Вы также можете найти базилику Святого Петра в нашем списке зданий в стиле барокко, которые прославляют экстравагантность архитектурного движения.

Базилика Святого Петра в Ватикане (Фото: Stock Photos from Mahara / Shutterstock)

Сикстинская капелла

Систенская капелла в Ватикане (Фото: стоковые фотографии Анны Тарасенко / Shutterstock)

Сикстинская капелла — известная часовня в Апостольском дворце Ватикана.Он наиболее известен своими знаменитыми фресками эпохи Возрождения Микеланджело , а именно на потолке. Хотя внешний вид часовни очень прост, повышенный интерьер украшен невероятными фресками некоторых из лучших художников и мастеров того времени.

Чтобы узнать больше, прочитайте нашу статью об истории создания потолка Сикстинской капеллы.

Часовня Систене в Ватикане (Фото: Stock Photos from Krikkiat / Shutterstock)

Палаццо Фарнезе

Палаццо Фарнезе в Риме, Италия (Фото: Stock Photos from Baloncici / Shutterstock)

Палаццо Фарнезе , спроектированный для семьи Фарнезе в 1517 году, иногда называют образцом архитектуры Высокого Возрождения или, по крайней мере, палаццо эпохи Возрождения.

Первоначально он был спроектирован Антонио да Сангалло Младшим, но был продолжен многими из самых влиятельных архитекторов эпохи Возрождения, включая Якопо Бороцци да Виньола, Джакомо делла Порта и Микеланджело.

Хотя Палаццо Фарнезе является прекрасным примером итальянского искусства и архитектуры, в настоящее время он действует как посольство Франции.

Палаццо Фарнезе в Риме, Италия (Фото: Фотографии Массимо Санти / Shutterstock)

Палаццо Медичи Риккарди

Палаццо Медичи Риккарди во Флоренции, Италия (Фото: Stock Photos from JJFarq / Shutterstock)

Palazzo Medici Riccardi — важный образец архитектуры эпохи Возрождения во Флоренции, Италия, спроектированный для знаменитой семьи Медичи .Он описывается как дом эпохи Возрождения, «где все началось», поскольку он позволял работать таким художникам, как Микеланджело , Донателло , Беноццо Гоццоли и Боттичелли .

Палаццо Медичи Риккарди был спроектирован Микелоццо ди Бартоломео и был завершен в 1484 году. Дизайн дворца является прекрасным примером трехчастной схемы или трех отдельных вертикальных возвышений. Эта обработка фасада была очень популярна в эпоху Возрождения, потому что она символизировала акцент на влиянии человеческого масштаба на архитектуру.

Палаццо Медичи Риккарди во Флоренции, Италия (Фото: стоковые фотографии Федерико Магонио / Shutterstock)

Замок Шамбор

Замок Шамбор в Шамбор, Центр-Валь-де-Луар, Франция (Фото: Stock Photos from Tsomchat / Shutterstock)

Château de Chambord — образец архитектуры французского ренессанса , хотя он имеет многие черты французских средневековых замков. Замок изначально был построен как охотничий домик для короля Франциска I, правившего с 1515 по 1547 год.Хотя план проекта, вероятно, был разработан Доменико да Кортона, потенциально с большим влиянием от Леонардо да Винчи , окончательный дизайн был значительно изменен во время строительства.

Один из ярких архитектурных элементов, вдохновленных творчеством Да Винчи, — это культовая центральная лестница. Его двойная спираль, или лестница ДНК, — это хорошо известная дизайнерская идея, которая имеет значение за пределами замка Шамбор.

Хотя этот проект хорошо известен своей экстравагантностью — включая тщательно ухоженные территории, превышающие весь интерьер Парижа, — его не всегда было легко поддерживать.Многие из оригинальных предметов мебели и декора были проданы во время и после Французской революции, а работы из Лувра и Шато-де-Компьень заменили утерянные работы.

Замок Шамбор в Шамборе, Центр-Валь-де-Луар, Франция (Фото: стоковые фотографии с сайта saiko3p / Shutterstock)

Статьи по теме:

5 зданий в стиле модерн, воплощающих элегантность архитектурного стиля
5 постмодернистских зданий, отражающих игровую сторону движения
5 зданий в стиле ар-деко, воплощающих винтажный гламур этого архитектурного стиля
5 зданий в стиле барокко, которые прославляют экстравагантность архитектурного движения
5 впечатляющих готических соборов, прославляющих яркий архитектурный стиль
.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *