Что особенного в искусстве Возрождения и как отличить его от других похожих течений — Нож
Когда мы говорим об итальянском Возрождении, то перед глазами встают растиражированные образы: «Рождение Венеры», псевдоантичные статуи и легион однотипных Мадонн. Но если проанализировать очень разное творчество художников XV века, времени, называемого Возрождением, то очевидно, что работ, которые можно назвать произведениями нового, ренессансного искусства, — очень мало, и формируются они вокруг идеи рационального подхода в искусстве.
Творцы «научного» Возрождения пытались отразить в своих работах фейерверк новых открытий, доступ к античным знаниям и торжество гуманизма, им было важно показать разнообразие реального мира, а не просто красиво изобразить узоры и вензеля или вылить на картину полведра золотой краски.
Мы попробуем провести границу между картинами, похожими на возрождение, и тем Возрождением, в котором наука и искусство действительно стали единым целым.
***
Точкой отсчета Возрождения можно считать начало XV века, когда итальянские художники открыли для себя центр перспективы и впервые попытались изобразить пространство таким образом, чтобы у него была единая точка схождения на линии горизонта, а предметы уменьшались по мере удаления от переднего плана.
Сначала очень немногие мастера разглядели потенциал в работе с центром перспективы, но затем поняли его главное преимущество: он прямо сообщался с миром зрителя, который теперь мог воспринимать картину как часть реального мира.Так произведения приобретали трехмерность, а задний фон переставал напоминать декорацию.
Но даже после этого открытия многие художники не стали применять его на практике, предпочитая старые методы. Частично в этом была виновата обычная консервативность, но главной причиной были заказчики.
Клиентам из знатных семей была ближе привычная и понятная готика с золотыми красками, помпезностью и таинственностью, они ценили сложный символизм и богатые рамы.
Такая клиентура не давала художникам с новаторскими идеями развернуться в полную силу. Именно поэтому рациональные принципы не применялись повсеместно, а сосуществовали со старой доброй готикой, лишь вобрав в себя новый репертуар модных сюжетов.
Как отличить ВозрождениеПериод того, что принято считать Ренессансом, растянулся почти на два века, поэтому работы и стили художников были более чем разнообразными. Но мы попробуем составить небольшую шпаргалку в стиле «Моне — пятна, Мане — люди» и выделить основные признаки художников рационального искусства.
Перспектива и естественное освещение✅
Да, это ВозрождениеРеволюцию в живописи начал флорентиец Томмазо Мазаччо на заре XV века. Он одним из первых внимательно подошел к изучению перспективы и расположению фигур на картине.
Мазаччо стал активно использовать точку перспективы и таким образом радикально поменял восприятие картины зрителем. На его полотнах задний фон становится трехмерным, а свет идет из одного источника, что подчеркивает естественность происходящего.
Несомненным авторитетом и экспериментатором периода Возрождения был Леонардо да Винчи. Его «Мадонну в скалах» можно считать вершиной применения научного метода в искусстве. Уникальная работа с источниками света выделяет руки и лица персонажей на фоне сумрачных скал. Центром перспективы здесь становится голова Мадонны.
«Мадонна в скалах», 1483–1486. ИсточникВ отличие от многочисленных предшественников художник старается сделать фон максимально интересным для изучения, взгляд зрителя не перестает блуждать между очертаниями отвесных скал и разнообразием флоры. Благодаря особой технике сфумато, которая позволила изобразить воздух вокруг фигур, пейзаж кажется одновременно фантазийным и реалистичным.
В других своих работах Леонардо демонстрирует результаты бесконечных упражнений в области изучения законов движения, атмосферы, поведения дыма и гидравлики.
❌
Нет, это не ВозрождениеЕще одним мастером эпохи Возрождения по умолчанию считается Сандро Боттичелли.
В «Благовещении Честелло» художник работает с перспективой, но линии не сходятся в одну точку. Боттичелли не интересует игра света и тени, поэтому пейзаж за стеной не уходит в глубину картины, а смахивает на нарисованный гобелен.
«Благовещение Честелло», 1489. ИсточникТо же самое происходит на одной из самых известных его картин «Весна». Хотя фон на полотне вполне реалистичен, у него нет глубины и перспективы, а фигуры как бы приподняты над землей. Схожесть с гобеленом отсылает нас к готической традиции.
«Весна», 1482. ИсточникПоложение фигур в пространстве и пропорции✅
Да, это ВозрождениеИногда рациональное искусство выдают пропорции персонажей картины и их положение в пространстве.
В отличие от царившей в то время готики фигуры на полотнах Мазаччо приобретали характер, выражения их лиц резко отличались друг от друга, а пропорции соответствовали человеческим.
Кстати говоря, Мазаччо впервые придумал изображать персонажей твердо стоящими на земле; у его предшественников они обычно стояли на цыпочках или висели в пространстве.
«Святая Троица», около 1426. ИсточникРафаэль проанализировал накопленные знания предшественников и использовал их в своей работе «Мадонна в зелени», задействуя солнечный свет, природные цвета, правильные пропорции и ясность изображения. Его персонажи крепко стоят на ногах, а цвета картины яркие и насыщенные. Кроме того, в фигурах прослеживается тщательная работа с анатомией, которая позволяет персонажам картины выглядеть естественно.
«Мадонна в зелени» , 1506. Источник❌
Нет, это не ВозрождениеЕсли снова говорить о Боттичелли, то персонажи на его полотнах выписаны скорее в средневековой традиции. В «Мистическом Рождестве», как и в средневековых картинах, пространство поделено на зоны, в каждой из которых разворачивается определенный сюжет. Верхняя часть канонично написана на золотом фоне.
Положение фигур в пространстве нечетко, некоторые из них как будто висят в воздухе, хотя по идее должны крепко стоять на земле (обратите внимание на лошадь). Пропорции фигур тоже пострадали: Мадонна кажется гораздо выше остальных героев картины.
«Мистическое Рождество», 1500–1501. ИсточникГлавная героиня «Аллегории силы» тоже далека от реализма. Ее тело удлинено, маленькая голова резко контрастирует с огромными ступнями, а сама она изображена перед троном, причем довольно трудно сказать, сидит она или стоит.
«Аллегория силы», 1470. ИсточникПодобно Боттичелли, многие художники того периода знали о рациональном течении в искусстве и достижениях своих коллег, но не проявляли к ним никакого интереса. Они скорее обращались к прошлому, продолжая традиции Средневековья и ностальгируя по прежним техникам. Некоторые из них изобретали собственные методы, но основные элементы всё равно брались из готики.
Яркими чертами таких полотен был золотой фон, неопределенное положение фигур в пространстве, их структурная непроработанность и «уровневая» система элементов картины, когда один сюжет располагался над другим.
Иногда художники проявляли необычайную изобретательность, которая, однако, шла вразрез с убеждениями основоположников рационального Возрождения. На картине «Св. Иоанн Креститель в пустыне» мы видим проработанный пейзаж, но он явно фантазийный, не имеющий связи с реальностью. Кроме того, он выписан неестественно вертикально, а фигура святого представлена дважды — так средневековые живописцы показывали движение персонажа.
Джованни ди Паоло, «Св. Иоанн Креститель в пустыне», 1454. ИсточникГеометрия✅
Да, это ВозрождениеОдним из важнейших принципов рационального Возрождения стал принцип геометрии, который был взят из архитектуры и применялся во всех видах искусства.
Заядлым любителем геометрии и светотени был Пьеро делла Франческа, знаменитый экспериментатор и новатор эпохи Возрождения (кстати, его работами можно вживую насладиться в Эрмитаже до 10 марта 2019 года).
Его интерес к геометрии не случаен — он увлекался математикой в целом и даже написал два трактата.
В своей поздней работе «Алтарь Монтефельтро» он первым решился изобразить Мадонну в интерьере церкви, запечатлев современную ему архитектуру. Элементы интерьера выписаны с особой тщательностью, контраст света и тени выделяет изящность деталей и симметричность помещения.
Любопытно изображение мужчины в доспехах — это непосредственный заказчик картины, герцог де Монтефельтро. Хотя он и преклоняется перед Мадонной, его фигура искусственно не уменьшена, как это бывало в готике, и не менее материальна, чем фигуры святых.
Вся композиция заключена в полукруг, подчеркивая интимность и исключительность происходящего. Особенное восхищение вызывает яйцо под потолком, поскольку оно расположено аккурат над спящим младенцем. Подобная точность потребовала немалых ухищрений и геометрических вычислений.
«Алтарь Монтефельтро», 1472. ИсточникДругим знаменитым поклонником геометрии в живописи был Леонардо да Винчи. В своей незавершенной работе «Поклонение волхвов» он применяет принцип геометрической расстановки персонажей.
Даже в незавершенном виде у каждого персонажа есть своя эмоция и выражение лица, что резко контрастирует с привычными готическими правилами. Наконец, каждая фигура запечатлена в определенной позе — Леонардо кропотливо изучал анатомию, поэтому смог добиться редкой в то время точности позиций человеческого тела в пространстве.
«Поклонение волхвов», 1481. Источник❌
Нет, это не ВозрождениеДля контраста можно взглянуть на работы современника Леонардо — Нероччо де Ланди. К примеру, картина «Мадонна с младенцем и двумя святыми» разительно расходится с работами Да Винчи и Микеланджело, особенно в области геометричности.
Художник даже не пытается создать видимость перспективы, поэтому пол на картине резко переходит в золотой фон. Хотя эта работа написана около 1490 года, по технике исполнения и замыслу она отстает от своих современников на целое столетие.
«Мадонна с младенцем и двумя святыми», ок. 1490. Источник***
Расцвет Возрождения пришелся на конец XV века, и именно в это время создавались самые известные произведения этого периода, хотя продлился он всего около сорока лет. Признанными мастерами Ренессанса стали Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти и Микеланджело Буонарроти.
Леонардо стремился создавать изображения без искажения пространства, задействуя знания в области оптики и аналитические наблюдения. Микеланджело сконцентрировался на особенностях анатомического строения и геометрии, а Рафаэль стал экспертом в области цвета.
Все трое стремились к простоте, к отсутствию дополнительных украшений. Период их творчества стал апогеем Возрождения, его высшей точкой, когда художники старались максимально отойти от предшествующей готики и связать искусство с наукой. Кроме того, искусства впервые начали взаимодействовать между собой: художники задействовали в своих картинах архитектурные и скульптурные приемы (идеи пространства, структуры и геометрических форм).
Как случился кризис РенессансаК 1509 году Леонардо, Рафаэль и Микеланджело покинули Флоренцию, оставив после себя целый пласт нового направления, которому рвались подражать художники двух школ. Главой первой школы был Фра Бартоломео, талантливый живописец. Будучи монахом, он выбирал для своих картин религиозные сюжеты, но не забывал о принципах Леонардо и Рафаэля: геометрическом расположении фигур, естественных источниках света и оптических эффектах.
Он не стремился имитировать стиль мастеров, но демонстрировал глубокое понимание принципов их работы.
Его произведения отличались аккуратностью и яркими цветами. В 1510 году Фра Бартоломео пишет «Мадонну с младенцем и Святого Иоанна», где чувствуется его крепкая связь с принципами натурализма. Он смешивает техники Рафаэля и Леонардо, но основной особенностью становятся цвета, одновременно бледные и яркие, которые как бы подсвечивают не только фигуры, но и окружающий их пейзаж. Действующие лица образуют геометрическую композицию, они прописаны уверенно и четко. Граница неба очень естественно теряется на горизонте, движения главных героев плавны, а дерево на заднем плане представляет собой удачный композиционный элемент.
Эта работу можно считать гармоничным представителем позднего Ренессанса.
«Мадонна с младенцем и Святой Иоанн», 1510. ИсточникГлава другой мастерской, Андреа дель Сарто, живо интересовался техниками цветопередачи. В своей работе «Мадонна с гарпиями» он демонстрирует детальную работу с цветом и светом, благодаря которой фигуры как бы сливаются с интерьером и неразделимы визуально.
Но эта картина уже напоминает бронзовый идеал, она уже не дышит и не способна вдохновлять других.
К 1517 году Высокое Возрождение исчерпало себя и довольно быстро угасло в тех же мастерских, где оно предположительно должно было найти своих последователей.
Высокое Возрождение идеализировали, вознесли на пьедестал и стали бездумно копировать, позабыв о первоначальных принципах. Картины превратились в образцы, и места для дальнейшего развития не предвиделось.Следующее поколение художников качнуло маятник в обратную сторону: их привлекал принцип преувеличения и дисгармонии.
Что такое маньеризмСтоит только взглянуть на работу Россо Фьорентино «Святое семейство», которая была написана в 1520 году, чтобы понять, что время Ренессанса закончилось. Приверженность к золотым краскам, диспропорциональности персонажей и отсутствию внятного заднего фона явно напоминают о готическом каноне, но в то же время становятся элементами нового течения.
Молодые художники перешли от изучения природных явлений к намеренной искусственности. Пейзажи свелись к минимуму, фигуры вновь начали удлиняться и терять пропорции, а центр перспективы и архитектурное понятие пространства были выброшены на свалку.
Мастера, которые продвигали новое течение — маньеризм, — предлагали свой вариант развития искусства. Полотна перестали перекликаться с реальностью; зрителю предлагали разгадывать символы, а не наслаждаться правильностью геометрии или проработанностью перспективы.Непропорциональные фигуры на картинах никак не соотносились друг с другом, свет вновь начал исходить из разных точек.
Рациональный Ренессанс — это не отдельный период, а скорее маленькая группа художников, предлагающая новый подход в искусстве, авангардисты XV века.
Новое движение требовало от художников не только таланта, но и рационального подхода и упорства, знания текущего интеллектуального дискурса и подготовки в математике и геометрии.
Вместо того чтобы бесконечно подражать картинам с яркими рамами, золотыми красками, нимбами, символами и непропорциональными фигурами, мастера принялись изучать законы природы, анатомии и пропорций, а вместо тускло освещенных помещений художники обратились к естественному свету.
Результатом их трудов стало тесное взаимодействие искусства и навыков наблюдения, восприятия, измерения, описания и оптики и в конечном счете новое рациональное и научное искусство, которое в полном смысле можно назвать искусством Ренессанса.
Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма
Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.
Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.
Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.
С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.
Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.
И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.
А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.
Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.
Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.
Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.
Почему стиль ренессанс возник
В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.
Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, ФлоренцияЖелание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков.
Художники эти пожелания услышали.
Время расцвета стиля
Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.
Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.Характерные черты стиля ренессанс
На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.
Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, ПарижЕсли это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.
Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, ФлоренцияЛицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой.
Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.
Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.
Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, ВатиканЯркий пример стиля ренессанс
Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.
Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, АвстрияВ ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.
Художники стиля ренессанс
Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.
Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана.
Его черты вобрал каждый последующий стиль.
Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.
О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.
Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).
А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.
Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, ДюссельдорфПочему стиль барокко возник
Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.
Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск.
Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.
Время существования барокко
Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.
Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, СШАХарактерные черты барокко
Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, МюнхенЕщё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.
Яркий пример стиля барокко
Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.
Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».
Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека ВатиканаГлавные художники стиля барокко
Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.
Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.
Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.
Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие.
Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.
Почему возник стиль рококо
Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.
Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-ПетербургА если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.
Период расцвета рококо
Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.
Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, МюнхенХарактерные черты стиля рококо
Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров.
Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.
Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.
Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, ПарижЯркий пример стиля рококо
Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.
Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, ЛондонГлавные художники стиля рококо
Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.
Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.
Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.
Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, ПарижПочему стиль классицизм возник
Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.
Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, ПарижБолее же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.
Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.
Характерные черты
Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.
Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г.
Лувр, ПарижКлассицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.
Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.
Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, ПарижПоэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.
Период расцвета классицизма
Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.
Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в ВенеЯркий пример классицизма
За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.
Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. МоскваНа картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично.
Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.
Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.
Главные художники
Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.
Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.
В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.
Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.
Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.Почему стиль импрессионизм возник
В 19 веке изобрели фотографию.
Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.
Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.
Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.Характерные черты
Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.
Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, МоскваТакже импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари.
1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. МоскваВремя расцвета импрессионизма
Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет.
Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо.
Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек.
Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).
Яркий пример импрессионизма
Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.
Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.
Главные художники
Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.
Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»
Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».
Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.
Почему экспрессионизм возник
Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.
Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.
Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.
Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.
Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекцияЛицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.
Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.
Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, БергенУ Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.
Время расцвета стиля
Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны.
Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.
Основные черты экспрессионизма
Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.
Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.
Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, ВенаА в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.
Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), МоскваЕщё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.
Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.Яркий пример стиля экспрессионизм
Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка.
Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.
Главные художники экспрессионизма
Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.
Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.
Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.
Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.
Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели».
Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать».
Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).
Почему возник абстракционизм
Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело.
Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене.
Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, ДюссельдорфТак великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.
Время расцвета стиля
Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать.
И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!
При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.
Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.
Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.Главные черты абстракционизма
Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.
А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм.
Как у Кандинского и Моро.
А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана.
Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.
Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.Яркий пример абстракционизма
В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его «Чёрным квадратом».
Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».
Главные художники абстракционизма
Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.
А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.
Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.comМногие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.
Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.
И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.
Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».
Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.
Какая из этих картин написана в стиле рококо?
Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?
Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?
Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.
В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).
Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).
В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.
На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»
Искусство эпохи Возрождения | Определение, характеристики, стиль, примеры и факты
Джотто: Плач
Смотреть все СМИ
- Ключевые люди:
- Франсуа Клуэ Чарльз Бордес Мастер Флемаль Джейкоб Буркхардт Джорджо Вазари
- Похожие темы:
Просмотреть весь связанный контент →
Популярные вопросы
Каковы характеристики искусства эпохи Возрождения и чем оно отличается от искусства Средневековья?
Искусство эпохи Возрождения характеризуется постепенным переходом от абстрактных форм средневековья к изобразительным формам 15 века.
Сюжеты выросли в основном из библейских сцен и теперь включают портреты, эпизоды из классической религии и события из современной жизни. Человеческие фигуры часто изображаются в динамических позах, демонстрируя выражение лица, используя жесты и взаимодействуя друг с другом. Они не плоские, а предполагают массу, и они часто занимают реалистичный пейзаж, а не стоят на золотом фоне, как это делают некоторые фигуры в искусстве Средневековья. Искусство эпохи Возрождения из Северной Европы подчеркивало точность деталей как средство достижения реалистичности работы.
Средневековье
Узнайте больше о Средневековье, эпохе, предшествовавшей Ренессансу.Когда и где началось и закончилось искусство эпохи Возрождения?
Характерные черты искусства эпохи Возрождения, особенно натурализма, можно найти в европейском искусстве 13-го века, но они не доминировали до 15-го века. Кульминацией Возрождения ученые традиционно называют рубеж 16 в., когда, прежде всего в Италии, такие художники, как Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рафаэль, создавали не только реалистическое, но и сложное искусство.
Около 1520 года Ренессанс уступил место маньеризму, в котором чувство драмы пронизывало реалистическое искусство.
Маньеризм
Узнайте больше о маньеризме, художественном движении, последовавшем за Высоким Возрождением.Как гуманизм и религия повлияли на искусство эпохи Возрождения?
Интерес к гуманизму, философии, подчеркивающей индивидуальность и человеческую способность к самореализации через разум, превратил художника эпохи Возрождения из анонимного мастера в личность, занимающуюся интеллектуальным поиском. Художники вводили в свои работы новые сюжеты, отражающие растущее внимание к личности, включая портреты, сцены современной жизни и исторические повествования. Хотя культура эпохи Возрождения становилась все более светской, религия по-прежнему играла важную роль в повседневной жизни, особенно в Италии, где находилась резиденция католицизма. Большая часть искусства эпохи Возрождения изображала сцены из Библии или была заказана церковью.%20%D0%A0%D0%B0%D1%84%D0%B0%D1%8D%D0%BB%D1%8C%20%D0%A1%D0%B0%D0%BD%D1%82%D0%B8.%20%C2%AB%D0%90%D1%84%D0%B8%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B0%D1%8F%20%D1%88%D0%BA%D0%BE%D0%BB%D0%B0%C2%BB.jpg)
гуманизм
Узнайте больше о гуманизме, учении, повлиявшем на культуру эпохи Возрождения.Что сделало ренессансное искусство революционным?
События эпохи Возрождения изменили ход искусства, и это продолжает находить отклик. Интерес к гуманизму превратил художника из анонимного мастера в человека, занимающегося интеллектуальным поиском, что позволило некоторым из них стать первыми художниками-знаменитостями. Растущий коммерческий класс предлагал художникам новых покровителей, которым требовались новые сюжеты, особенно портреты и сцены из современной жизни. Более того, научные наблюдения и классические исследования способствовали созданию некоторых из самых реалистичных изображений человеческой фигуры в истории искусства. Фигуры имеют точную анатомию, естественны благодаря классической схеме контрапоста и имеют ощущение массы, достижение, которое стало легче благодаря гибкости масляной краски, среды, которая набирала популярность.
Ренессанс
Узнайте больше о научных и художественных достижениях эпохи Возрождения.Какие известные произведения искусства эпохи Возрождения вам известны?
Два самых известных произведения искусства в истории были написаны в эпоху Возрождения: Мона Лиза (ок. 1503–1519) и Тайная вечеря (ок. 1495–1498), оба выполнены Леонардо да Винчи, которые проявляют интерес не только к реалистичному изображению человеческой фигуры, но и к приданию ей характера посредством выражения, жеста и позы. Другие известные произведения искусства включают скульптуру Микеланджело из Давид (1501–04) и его картины для Сикстинской капеллы (потолок, 1508–1512; Страшный суд , 1536–41), в которых художник довел точное изображение анатомии человека до крайности с помощью сложных элегантных поз.
. Афинская школа Рафаэля (ок. 1508–1511 гг.) прославляет интеллектуалов, заполняя глубокий зал, искусно выполненный с использованием недавно систематизированной линейной перспективы, известными западными мыслителями.
10 известных произведений Леонардо да Винчи
Узнайте больше о самых известных произведениях Леонардо да Винчи. Искусство эпохи Возрождения , живопись, скульптура, архитектура, музыка и литература, созданные в 14, 15 и 16 веках в Европе под совместным влиянием повышенного понимания природы, возрождения классического обучения и более индивидуалистического взгляда человека.
В Италии собственно Ренессансу предшествовал важный «проторенессанс» в конце 13 и начале 14 веков, который черпал вдохновение во францисканском радикализме. Святой Франциск отверг формальную схоластику преобладающего христианского богословия и пошел среди бедняков, восхваляя красоту и духовную ценность природы. Его пример вдохновлял итальянских художников и поэтов радоваться окружающему миру. Самый известный художник периода проторенессанса Джотто ди Бондоне (1266/67 или 1276–1337) открывает новый живописный стиль, основанный на ясной, простой структуре и большой психологической проницательности, а не на плоской, линейной декоративности и иерархичности.
Подробнее по этой теме
Ренессанс: Художественное развитие и возникновение Флоренции
… что дух Ренессанса достиг своего наиболее острого оформления.
Искусство стало рассматриваться как отрасль знаний, ценная сама по себе…
В 1401 году во Флоренции был проведен конкурс на получение награды за бронзовые двери для баптистерия Сан-Джованни. Потерпев поражение от ювелира и художника Лоренцо Гиберти, Филиппо Брунеллески и Донателло уехали в Рим, где погрузились в изучение античной архитектуры и скульптуры. Когда они вернулись во Флоренцию и начали применять свои знания на практике, рационализированное искусство древнего мира возродилось. Основоположником живописи эпохи Возрождения был Мазаччо (1404–1428). Интеллектуальность его концепций, монументальность его композиций и высокая степень натурализма в его произведениях делают Мазаччо центральной фигурой в живописи эпохи Возрождения. Последующее поколение художников — Пьеро делла Франческа, Поллайуоло и Андреа дель Верроккьо — продолжили исследования линейной и воздушной перспективы и анатомии, развивая стиль научного натурализма.
Ситуация во Флоренции была исключительно благоприятной для искусства.
Гражданская гордость флорентийцев нашла выражение в статуях святых покровителей, заказанных Гиберти и Донателло для ниш в ратуше зернового рынка, известной как Ор-Сан-Микеле, и в самом большом куполе, построенном со времен античности, воздвигнутом Брунеллески на Флорентийском соборе. Затраты на строительство и отделку дворцов, церквей и монастырей брали на себя богатые купеческие семьи.
Главными среди них были Медичи, правившие Флоренцией с 1434 г., когда было избрано первое правительство Медичи, до 149 г.2, когда умер Лоренцо Медичи. Во время своего господства Медичи субсидировали практически весь спектр гуманистической и художественной деятельности, связанной с эпохой Возрождения. Козимо (1389–1464), разбогатевший на доходах от торговли в качестве папского банкира, был ученым, который основал неоплатоническую академию и собрал обширную библиотеку. Он собрал вокруг себя выдающихся писателей и ученых-классиков своего времени, в том числе Марсилио Фичино, неоплатоника, наставника Лоренцо Медичи, внука Козимо.
Лоренцо (1449 г.–92) стал центром группы художников, поэтов, ученых и музыкантов, веривших в неоплатонический идеал мистического единения с Богом через созерцание красоты. Менее натуралистичная и более изысканная, чем преобладающий дух первой половины кватроченто, эта эстетическая философия была разъяснена Джованни Пико делла Мирандола, воплощена в живописи Сандро Боттичелли и выражена в поэзии самим Лоренцо. Лоренцо также сотрудничал с органистом и хормейстером Флорентийского собора Генрихом Исааком в сочинении живой светской хоровой музыки, которая предвосхитила мадригал, характерную форму Высокого Возрождения.
Медичи торговали во всех крупных городах Европы, а один из самых известных шедевров искусства Северного Возрождения, Алтарь Портинари работы Гуго ван дер Гуса ( ок. 1476; Уффици, Флоренция) был заказан их агент Томмазо Портинари. Вместо того, чтобы рисовать обычной темперой того периода, работа написана полупрозрачной масляной глазурью, которая дает блестящий цвет, похожий на драгоценный камень, и глянцевую поверхность.
Художники раннего Северного Возрождения были больше озабочены подробным воспроизведением предметов и их символическим значением, чем изучением научной перспективы и анатомии даже после того, как эти достижения стали широко известны. С другой стороны, художники Центральной Италии начали использовать технику масляной живописи вскоре после того, как алтарь Портинари был привезен во Флоренцию в 1476 году.0003
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подписаться сейчас
Искусство Высокого Возрождения, процветавшее около 35 лет, с начала 1490-х до 1527 года, когда Рим был разграблен имперскими войсками, вращается вокруг трех выдающихся личностей: Леонардо да Винчи (1452–1519), Микеланджело (1475–1564). ) и Рафаэль (1483–1520). Каждый из трех олицетворяет важный аспект того периода: Леонардо был высшим человеком эпохи Возрождения, одиноким гением, которому не была чужда ни одна область знаний; Микеланджело излучал творческую силу, задумывая обширные проекты, которые черпали вдохновение в человеческом теле как в окончательном средстве эмоционального выражения; Рафаэль создавал произведения, в совершенстве выражавшие дух классики — гармоничные, красивые и безмятежные.
Хотя в свое время Леонардо был признан великим художником, его неустанные исследования анатомии, природы полета и структуры растительного и животного мира оставляли ему мало времени для рисования. Его слава основана в основном на нескольких завершенных картинах; среди них Мона Лиза (1503–05, Лувр), Богородица в скалах (1483–86, Лувр) и сильно обветшавшая фреска Тайная вечеря (1495–98; восстановлена в 1978–99). ; Санта-Мария-делле-Грацие, Милан).
Ранние скульптуры Микеланджело, такие как Pietà (1499; Собор Святого Петра, Рим) и Давид (1501–04; Академия, Флоренция), раскрывают захватывающую дух технику в сочетании со склонностью нарушать правила анатомия и пропорции на службе большей выразительной силы. Хотя Микеланджело сначала считал себя скульптором, его самой известной работой является гигантская потолочная фреска Сикстинской капеллы в Ватикане, Рим. Он был завершен за четыре года, с 1508 по 1512 год, и представляет собой невероятно сложную, но философски единую композицию, в которой традиционное христианское богословие сочетается с неоплатонической мыслью.
Величайшая работа Рафаэля, Афинская школа (1508–1511 гг.), была написана в Ватикане в то же время, когда Микеланджело работал над Сикстинской капеллой. В этой большой фреске Рафаэль объединяет представителей аристотелевской и платоновской школ мысли. Вместо плотной, бурлящей поверхности шедевра Микеланджело Рафаэль помещает свои группы спокойно беседующих философов и художников в обширный двор с уходящим вдаль сводом. Первоначально Рафаэль находился под влиянием Леонардо, и он включил пирамидальную композицию и прекрасно смоделированные лица Дева в скалах во многих его собственных картинах Мадонны. Однако он отличался от Леонардо своей потрясающей продуктивностью, уравновешенным темпераментом и предпочтением классической гармонии и ясности.
Создателем архитектуры Высокого Возрождения был Донато Браманте (1444–1514), который приехал в Рим в 1499 году, когда ему было 55 лет. Его первый римский шедевр, Темпьетто (1502 г.) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, представляет собой централизованное купольное сооружение.
что напоминает классическую храмовую архитектуру. Папа Юлий II (годы правления 1503–1513 гг.) выбрал Браманте папским архитектором, и вместе они разработали план замены старого собора Святого Петра IV века новой церковью гигантских размеров. Однако проект не был завершен до тех пор, пока не умер Браманте.
Гуманистические исследования продолжались при могущественных папах Высокого Возрождения Юлии II и Льве X, равно как и развитие полифонической музыки. Сикстинский хор, выступавший на богослужениях во время богослужений Папы, собирал музыкантов и певцов со всей Италии и Северной Европы. Среди самых известных композиторов, которые стали членами, были Жоскен де Пре ( ок. 1450–1521) и Джованни Пьерлуиджи да Палестрина ( ок. 1525–94).
Ренессанс как единый исторический период закончился с падением Рима в 1527 году. Напряжение между христианской верой и классическим гуманизмом привело к маньеризму во второй половине 16 века. Однако великие произведения искусства, вдохновленные духом Возрождения, продолжали создаваться в северной Италии и в северной Европе.
По-видимому, не затронутые кризисом маньеризма, северные итальянские художники, такие как Корреджо (1494–1534) и Тициан (1488/90–1576), продолжали прославлять Венеру и Деву Марию без явного конфликта. Масляная среда, введенная в северную Италию Антонелло да Мессиной и быстро принятая венецианскими художниками, которые не могли использовать фреску из-за влажного климата, казалась особенно подходящей для сангвинической, любящей удовольствия культуры Венеции. Череда блестящих художников — Джованни Беллини, Джорджоне, Тициана, Тинторетто и Паоло Веронезе — разработали лирический венецианский стиль живописи, в котором сочетались языческие сюжеты, чувственное обращение с цветом и поверхностью краски и любовь к экстравагантным декорациям. Ближе по духу к более интеллектуальным флорентийцам кватроченто был немецкий художник Альбрехт Дюрер (1471–1528), экспериментировавший с оптикой, усердно изучавший природу и распространивший свой мощный синтез ренессанса и северной готики в западном мире посредством его гравюры и ксилографии.
Редакторы Британской энциклопедии Эта статья была недавно отредактирована и дополнена Адамом Августином.
Коллекция произведений искусства| Britannica
- Ключевые люди:
- Роджер Браун Кристина Кэтрин Драйер Жюльен Леви Белль да Коста Грин
- Похожие темы:
- античный искусство сбор антиквариат
Просмотреть весь связанный контент →
Сводка
Прочтите краткий обзор этой темы
коллекция произведений искусства , собрание произведений искусства частным лицом или государственным учреждением. Коллекционирование произведений искусства имеет долгую историю, и большинство художественных музеев мира выросло из больших частных коллекций, созданных членами королевской семьи, аристократией или богатыми людьми.
Форма коллекционирования произведений искусства существовала в самых ранних цивилизациях — Египте, Вавилонии, Китае и Индии — в виде массивов драгоценных предметов и произведений искусства, хранившихся в храмах, гробницах и святилищах, а также во дворцах и сокровищницах королей.
Такие коллекции часто демонстрировали добычу, захваченную у покоренных народов, и служили для прославления власти и славы царя или жреческой касты, а не для демонстрации предметов искусства в силу их внутренней значимости. Вкус к коллекционированию произведений искусства как таковой впервые возник на Западе у греков в эллинистическую эпоху (IV–I вв. до н.э.), поскольку они стали ценить искусство предыдущих стилистических периодов само по себе, а не за его религиозное или гражданское значение. Однако только с возвышением Рима коллекционирование произведений искусства стало самостоятельным. Начиная с конца 3 века до н.э., по мере того как римляне расширялись на восток и юг, они грабили греческие города со своими произведениями искусства и отправляли эти трофеи обратно в Рим, тем самым стимулируя растущее понимание и признание греческого искусства. Состоятельные римляне собирали коллекции греческих скульптур и картин и заказывали копии, если оригиналы были им недоступны. Возникла объемная торговля копиями и подделками, чтобы удовлетворить ненасытный спрос на греческое искусство.
Гай Веррес, Лукулл, Помпей и Юлий Цезарь были одними из самых важных римских коллекционеров, как и императоры Нерон и Адриан.
Дополнительная информация по этой теме
Музей: Коллекция
Относительно небольшое количество музеев было создано с конкретной целью формирования коллекции; вместо этого большинство из них были созданы, чтобы получать…
Интерес европейцев к искусству угас в средние века, и монастыри стали главными хранилищами культурных ценностей. Но повторное открытие итальянскими гуманистами классического греко-римского культурного наследия в эпоху Возрождения возродило интерес к античному искусству и его коллекционированию. Семья Медичи во Флоренции, Гонзага из Мантуи, Монтефельтрос из Урбино и Эстес из Феррары собрали коллекции античной скульптуры в дополнение к произведениям современного искусства великих художников того времени. За этими княжескими итальянскими коллекционерами в 17 веке последовали Жан-Батист Кольбер (министр финансов при короле Людовике XIV) и кардиналы Ришелье и Мазарини Франции; Эрцгерцог Леопольд Вильгельм и короли Испании Филипп III и IV; герцог Бекингемский, граф Арундел и английский король Карл I; и королева Швеции Кристина.
Одна из самых важных продаж произведений искусства в истории состоялась в 1627 году, когда король Англии Карл I купил (за 80 000 фунтов стерлингов) художественные владения, накопленные герцогами Мантуи (хотя эта коллекция впоследствии была рассеяна во время Гражданских войн в Англии). Кольбер потратил огромные суммы денег на создание королевской коллекции произведений искусства в Лувре (открыт в 1681 году).
В течение 18-го века неаристократические коллекционеры, такие как Пьер Кроза, Гораций Уолпол и семья банкиров Фуггеров, смогли сформировать важные коллекции. Между тем, большие частные коллекции королевской семьи Европы стали открываться для всеобщего обозрения, и в конечном итоге монархи и аристократы начали передавать свои владения публике. Первым заметным примером этого была Мария Людовика, великая герцогиня Тосканская и последняя из Медичи, которая в 1737 году завещала обширные художественные владения своей семьи государству Тоскана; теперь они составляют ядро Галереи Уффици, Дворца Питти и Лаврентьевской библиотеки во Флоренции.
За Марией Людовикой последовали многие другие монархи и аристократические коллекционеры, а также великие художественные музеи, открывшиеся по всей Европе в конце 18 и 19 вв.века основывались на коллекциях, переданных их владельцами государству. С тех пор перемещение произведений искусства из частных коллекций в музеи стало доминирующей чертой коллекционирования произведений искусства.
Состоятельные промышленники пришли на смену аристократам как выдающимся коллекционерам в 19 веке, и американцы взяли на себя особенно заметную роль в этом отношении. Дж. П. Морган, Генри Клэй Фрик и Эндрю Меллон были среди тех американцев, которые сочетали большое богатство с художественной проницательностью. 19го и начала 20 века были отмечены беспрецедентным потоком шедевров искусства из Европы в Соединенные Штаты, где они оказались в крупнейших художественных музеях этой страны. Другие важные коллекционеры в 19-м и 20-м веках зависели от проницательного и дальновидного художественного суждения, а не от огромных финансовых ресурсов.
Среди таких провидцев были Виктор Шоке (мелкий французский правительственный чиновник, который был важным покровителем импрессионистов) в конце 19 века и торговцы-коллекционеры Поль Дюран-Рюэль, Амбруаз Воллар и Даниэль-Кенри Канвейлер в начале 20 века. Объем и масштабы коллекционирования произведений искусства продолжали расти в последующие десятилетия, что привело к постоянному росту цен на произведения искусства.
Коллекционирование произведений искусства в незападных странах в основном было прерогативой членов королевской семьи, знати и религиозных учреждений. Например, некоторые китайские императоры накопили огромное количество произведений искусства, и хотя эти коллекции имели тенденцию рассеиваться или даже уничтожаться после свержения сменявших друг друга династий, коллекция, созданная Цянь-луном (годы правления 1735–1796 гг.) Цинские императоры сформировали ядро двух великих художественных музеев: Национального дворцового музея на Тайване и Дворцового музея в Пекине.