Рисунки в стиле рококо: D1 81 d1 82 d0 b8 d0 bb d1 8c d1 80 d0 be d0 ba d0 be d0 ba d0 be: скачать картинки, стоковые фото D1 81 d1 82 d0 b8 d0 bb d1 8c d1 80 d0 be d0 ba d0 be d0 ba d0 be в хорошем качестве

Содержание

Стили живописи: Рисунок, Рококо, Романский стиль

Рисунок, как вид изобразительного искусства

Рисунок – это изображение, сделанное художником от руки. Рисунок выполняется при использовании различных графических средств: линия, силуэт, штрих, точка, пятно и др. рисунки также бывают черно–белыми и цветными. Чёрно-белый рисунок может быть контурным т.е. без использования светотени, такой способ рисунка называется графическим. Выразительный способ или манера рисования подразумевает использование светотени и других способов изображения.

Рисунок выполняется при помощи таких средств, как: карандаш, уголь, мел, перо, графит, тушь, чернила, сепия. Рисунок выполняется на различном материале. В древности и античности для этого применяли пергамент и папирус, в настоящее время художники применяют бумагу и холсты. Рисунок может быть не только самодостаточным произведением, но и быть основой для последующей живописи, гравюры, рельефа и др.


Стиль Рококо в живописи

Рококо (Rococo), стиль в искусстве, появившийся во Франции в начале 18 века. Отличается от других стилей необычайной грациозностью и одновременно с этим легкостью. Рококо пришел на замену тяжеловесному барокко и стал его антиподом. Тогда как барокко стремится к монументальности, задачей рококо является изящество и легкость. Здесь превалируют розовые, голубые, зеленые оттенки, белоснежные составляющие части.

Название рококо произошло от двух слов: барокко и рокайль. Орнаменты, узоры, украшаются отделкой камушками и ракушками. Первым мастером живописи в стиле рококо стал Ватто. Но в основном этот стиль применяется в скульптуре и архитектуре.


Романский стиль в искусстве

Романский стиль – стиль искусства в западной Европе 10–12 веков. Данный стиль впитал в себя некоторые позднеантичные составляющие и элементы меровингского искусства. Романский стиль — это искусство феодальных отношений и идеология церкви.

В романском стиле особую роль занимала настенная живопись, так называемый храмовый декор. Кроме того, процветала букинистическая миниатюра и декоративно прикладное искусство, в которое входило чеканка, резьба по кости, художественное ткачество, ювелирное искусство и др.

 В романском жанре главное место занимает образ всемогущего бога и его строгие деяния, как то – страшный суд и т.п. библейские и евангельские сюжеты. Человек в этом искусстве изображается либо преувеличенно экспрессивным, либо вовсе в виде узора или схематично. Это представление о рыцарском мире, что дало толчок к развитию готики.

Стиль рококо в интерьере

Стиль рококо в интерьере


Рококо – сочетание красоты, изящества и изысканности. Интерьеры, созданные в этом стиле, обладают изяществом, легкостью и замысловатостью.
Несмотря на то, что для него характерно изобилие декоративных элементов, дизайн интерьера всегда будет выглядеть стильно и элегантно. 


 

История


Рококо – это стиль в искусстве, который возник во Франции в начале XVIII века. Он считается продолжением барокко, большей частью проявился в дизайне интерьеров. Название рококо пошло от французского термина «рокайль», что означает асимметричные узоры, которые изображают завитки на деревьях, морских раковинах, цветах. 

Изначально этот стиль использовался только во дворцах королей. Но сегодня каждый может себе позволить подобную роскошь. Некоторые дизайнеры в традиционный стиль вносят нотку современности, чтобы придать ему индивидуальность. 

 

Особенности


Современный интерьер в стиле рококо отличается от того, который господствовал в XVIII веке в дворцовых залах и будуарах аристократов. Но основные элементы сохранились до сегодняшнего дня.

Главные особенности стиля рококо: 
 

  •     светлые тона в оформлении интерьера;
  •     множество лепки на стенах и потолке; 
  •     оформление всех поверхностей; 
  •     красивый текстиль, шикарные рисунки на тканях; 
  •     много декоративных элементов; 
  •     резная мебель с позолотой; 
  •     глянцевый пол. 

Большое количество позолоты, аксессуаров, изысканной мебели, зеркальных панелей и многие другие элементы придают интерьеру невероятный шарм и очарование. 
 

Характерные цвета


Современный стиль рококо не такой яркий, как в XVIII веке, он стал более нежным и приглушенным. В большинстве помещений используются пастельные тона. В основном применяются такие сочетания оттенков: 

•    белоснежный с золотым; 

•    светло-зеленый в сочетании с розовым; 

•    голубой с белым; 

•    сочетание голубого, розового и зеленого; 

•    кремовый с золотым. 

Такие сочетания использовались в интерьере три века назад и сегодня не теряют своей популярности. Фишкой рококо является сочетание разных пастельных оттенков с вкраплениями золота. Светлая пастельная палитра любую комнату может сделать уютной и визуально более просторной. 

При воплощении любого стиля желательно его использовать во всем доме. Но можно его применять и в отдельных помещениях, наиболее подходящими из которых являются гостиная и спальня.

Для правильного оформления комнаты необходимо руководствоваться некоторыми моментами: 
 

  •  Пол. Должен быть паркетный или мраморный. Паркетную доску светлых пород деревьев необходимо покрывать прозрачным лаком. Пол может иметь узорчатый рисунок, но на нем не должно быть резких цветовых контрастов. Можно его украсить небольшим ковром. 
 
  • Стены. Окрашиваются в пастельные тона или на них клеятся качественные обои, имитирующие ткань. Необходимо использовать лепнину с позолотой, которая выделяет рококо из других стилей. 
 
  •  Потолки. Обычно выполнены в светлых оттенках, украшены сложной лепниной и позолотой. Вместо фресок могут быть использованы фотообои. Угол между плоскостью стены и потолком обязательно скрывается лепниной, чтобы не было резкого перехода. 
 
  •  Окна. Оформляются шелком, бархатом, рюшами, лентами, ламбрекенами, драпировками и другими элементами. Основной деталью является золотая вышивка.

Стиль интерьера рококо можно использовать в любом помещении, даже в кухне, но необходимо учитывать особенности комнаты, чтобы предметы интерьера не мешали в быту. 

Мебель в рококо – это не массовое производство, только ручная работа может передать все изящество и утонченность стиля. Изогнутые линии, плавные формы, оригинальные переплетения, характерные стилю рококо. В такой мебели нет места прямым линиям, ее контуры плавно переходят один в другой. Предметы мебели оформлены золотыми узорами и гравировками в виде растений, цветов, кружев. Часто в оформлении используется мотив виноградной лозы.

Предметы мебели, характерные стилю рококо:

•    декоративные столики,
•    комоды и секретеры,
•    бержеры (кресла на изогнутых ножках),
•    канапе (диванчики вытянутой формы с высокой спинкой).

При взгляде на небольшую, изящную и роскошную мебель становится понятно, почему стиль рококо называют женским. Контуры мебели мягкие и волнистые, ножки имеют большой изгиб. Детали мебели настолько плавные, что выглядят, как пластичная масса. 

 

Декоративные элементы


Что касается декоративных элементов, то в интерьере должны присутствовать такие предметы: 

•    бронзовые и фарфоровые статуэтки, 
•    подсвечники,
•    вазы с крупным узором,
•    столовая посуда,
•    шкатулки и сундучки.

Стиль рококо допускает большое количество декоративных элементов, которые размещаются на небольших столиках, каминах, секретерах и комодах.

На окнах необходимо размещать шторки с ламбрекенами и кисточками, над постелью можно повесить балдахин.

В интерьере особое место занимает посуда. Фарфор и керамика с тонкими ручками и оригинальным узором создают королевскую атмосферу.
 

Декорирование современного дома в стиле рококо


Для создания изысканной обстановки необходимо придерживаться некоторых рекомендаций:
 
  •     Использовать в интерьере лепнину и завитушки;
  •     Подбирать мебель с античным рисунком и позолотой;
  •     Использовать в помещении настенные светильники с оригинальными формами. Желательно их размещать над зеркальными панелями;
  •     В отделке стен, потолка и пола необходимо использовать приглушенную гамму;
  •     Для украшения стен желательно выбирать обои с изогнутыми линиями;
  •     Интерьер можно украсить множеством картин, вазочек, канделябров;
  •     В комнате можно поставить растения и цветочные композиции.

Оформление помещения в стиле рококо предполагает большие финансовые вложения и наличие багажа знаний, именно поэтому желательно воспользоваться помощью профессионалов. Но можно и самому попытаться создать интерьер помещения в этом изящном стиле, который никогда не теряет своей актуальности. 
 

Интерьеры в стиле рококо, дизайн и интерьер квартир на фото рококо

«О вкусе к неуловимым цветовым нюансам свидетельствует сам лексикон рококо,...и вместо простых цветообозначений в языке появляются изощренно-сложные: цвет бедра испуганной нимфы,...цвет опаловая безнадежность и брюшко блохи в приступе молочной лихорадки...» (С. Даниэль, «Рококо. От Ватто до Фрагонара»)

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века. Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Рококо по правилам. Законы стиля от дизайнеров:

Закон 1.

Архитектура и дизайн рококо отличается легкими и воздушными формами, игривыми и изящными орнаментами на фоне некоторой асимметричности. Архитектурный образ должен исключать все мысли о земном и увлекать в заманчивый мир грез и иллюзий.

Закон 2.

Единство архитектурного стиля и элементов внутреннего декора является новшеством и отличительной чертой стиля рококо, интерьер перестает быть скоплением разрозненных частей и обретает целостность. Элементы декора составляют единую композицию, изящные лепные орнаменты плафонов и стен, обрамленные гирляндами из цветов и стеблей, в едином порыве пускаются в пляс, подчиняясь легким, беззаботным и вместе с тем витиеватым и капризным ритмам.

Закон 3.

Мягкие и грациозные линии обретают свободу и создают иллюзию движения. Плавные полукруглые переходы (падуги) сглаживают прямые углы между стеной и потолком, создавая конусообразный или овальный свод, украшенный более легким и тонким рельефным орнаментом. Окна составляют практически единую плоскость со стеной.

Закон 4.

Свободная, подчиняющаяся лишь законам симметрии и фантазии художника игра прямых и изогнутых линий является отличительной чертой декора рококо.

Закон 5.

Увлечение зеркалами и настенной живописью органично вплетается в архитектурное убранство комнат. Следуя вдоль стен, можно было наблюдать за развитием сюжетных линий, которые получали свое продолжение в росписи потолков.

Базилика четырнадцати святых помощников (Basilika Vierzehnheiligen) — выдающийся памятник баварского рококо (фото см. ниже), расположенный в окрестностях города Бад-Штаффельштайн под Бамбергом. В интерьере храма господствует пышный алтарь, изваянный Михаэлем Фейхтмайером. Он представляет статуи святых угодников, затейливо распределённые по трём ярусам сооружения.

СТИЛЬ РОКОКО У ВАС В ДОМЕ

1. Интерьер целого дома в стиле рококо допускает легкую пестроту, не обязательно выдерживать пространство в единой цветовой гамме. Она придаст игривость всей композиции. Однако, даже контрастные детали должны иметь  приглушённую окраску, которая будет гармонировать со светлыми пастельными тонами фона - зелёными, голубыми, розовыми, кремовыми и цветом слоновой кости.

2. Позаботьтесь о том, чтобы стены вашего дома были обтянуты шёлком, который бы сочетался по фактуре с занавесями на окнах и портьерами на дверях. Сейчас шёлковые ткани для обивки стен легко имитируются велюровыми обоями. В качестве декора стен, а также дверных и оконных проёмов используются овальные медальоны с гирляндами и бантами, различные орнаменты из листьев, плодов, свитков.

3. Силами дизайнера, а технически с помощью панелей из гипсокартона и пенополиуретановой отделки сделайте пространство комнат овальным или круглым по форме, соблюдения этого стандарта требует рококо.

Стиль рококо - утонченный стиль восемнадцатого века

Рококо − это уникальный по утонченности стиль восемнадцатого века.

Его характерными чертами являются нагрузка интерьера декоративными элементами, а также лепниной. Стиль изобилует сюжетами, взятыми из греческой мифологии и сказок. Рококо очень требователен к комфорту- он отличается огромным количеством мебели, кроме нам привычных дивана, кресла, в помещении в стиле рококо может стоять кушетка, софа, пуфик, комод.Лучшими цветовыми сочетаниями для рококо считаются сочетания нежных пастельных оттенков с белым- персиковый, бирюза, лазурный-все они идеально вписываются в классический интерьер. Дополняет гамму золото и серебро, которое встречается в рококо в изобилии.
Для стен в стиле Рококо характерна изысканность и вычурность рисунка. Для их украшения отлично подойдет орнамент «дамаск» или «рокайль. Также стены пресловутого стиля могут украшать изображения голов амура, морские ракушки, замысловатые завитки.В качестве обоев лучше использовать шелкографические. Можно также придать помещению шарма с помощью украшения обивки стен тканью.

Лепнина играет важную роль в декорировании потолка, поэтому он обязан быть ею украшен, но допускаются также и другими декоративными элементами. При желании элементы позолачиваются или же окрашиваются в белый цвет- все делается по выбору хозяев. В рококо потолок является "пятой стеной", продолжая узоры на них и дополняя их лепнинной композицией. При помощи такого украшения как падуга можно зрительно убрать переход между стеной и потолком.

Это направление непритязательно к материалу напольного покрытия. Пол может быть керамическим, деревянным, паркетным. Узор, цвет, орнамент и фактура не столь важны в данном случае. Главное, чтобы покрытие вписывалось в общий интерьер. Отличным решением будет положить глянцевый паркет, который усилит сияние пола и придаст ему старинность. Кроме того, в стиле рококо иногда используются ковры, занимающие не более половины площади помещения.
Мебель этого направления являет само изящество - небольшая, но удобная и изысканная. Чаще других используются уютные кресла, шезлонги, мягкие стулья. Именно во времена рококо появились маленькие скамеечки, на которых удобно сидеть и наслаждаться жизнью. Появляются также комфортные бержери - двойные диваны. Общий дизайн мебели выполнен в романтическом стиле: различные завитки всех форм и размеров, орнамент - цветы, ангелы, феи и иные выдуманные существа, трогательные герои басен-пастух и пастушка. Мебель в ту пору делалась из достаточно легких материалов- липа, ольха, которые также просто поддавались тонкой резьбе. Помните, что мебель в эпоху рококо становится не столь практичной, сколь красивой, поэтому появляются такие предметы обстановки как секретер- ящичек для бумажных принадлежностей, ломберные столики, тумбы, предназначенные для хранения какой-то одной вещицы или вазы.

Фарфор, золото, керамика-все эти материалы просто созданы для рококо. Если вы планируете создавать у себя дома интерьер в подобном стиле, то вам не обойтись без огромных позолоченных дедушкиных часов с маятником, а также без коллекции фарфоровых статуэток под старину или же искусно сделанных канделябров. Канделябрами, кстати, можно заменить бра на стене или подобрать люстру в такого же типа. Можно сказать, что рококо не ограничивает дизайнеров в потоке фантазий и идей - можно комбинировать различные старинные вещи без упрека за вычурность. Интересно, что даже привычный нам аквариум-это отличительная деталь рококо, которая проявилась именно в этом направлении.
Одно из направлений рококо − это шинуазри, что дословно означает «китайщина» в переводе с французского. Шинуазри выражалось в увлечении богатой знати предметами с Востока и Поднебесной. Именно в эту пору в моду входит тонкостенный китайский фарфор, который мгновенно захватывает лидерские позиции на рынке посуды для богачей. Кроме посуды, большую известность приобрели вазы и статуэтки. Известность также приобретают и другие ныне популярные товары из Китая - шелк, чай, одежда. Кстати, именно с появлением чая возникла культура чаепития в европейских странах.

Советы профессионалов дизайна интерьера по созданию помещения в стиле рококо:

  1. Не нужно пытаться сконцентрировать в обстановке много старинных деталей, иначе это покажется неуместным. Пусть лучше лишь некоторые детали стиля будут присутствовать в вашем интерьере, например, лепнина или завитки у мебели.
  2. Интерьер в стиле рококо легко создать в любом помещении. Его атрибуты легко впишутся даже в небольшую комнатку. Декорировать в подобном стиле можно любое помещение, будь то библиотека, кабинет, детская, столовая или даже ванная. Главное − это с умом использовать пропорции помещения, к примеру, в небольшой гостиной не стоит располагать мебель вдоль стен − это не создает ощущение уюта, а также заметно уменьшает пространство.
  3. Стоит также всегда помнить про освещение вашей комнаты. Отлично, если вы найдете несколько канделябров той эпохи, но пользоваться свечками-довольно утомительно занятие, и, к тому же свечи плохо освещают помещение. Подберите более современный вариант- люстру с лампочками в виде свечей. Внешний вид люстры тоже должен отвечать стилю того времени- хрустальные подвески, бусы и прочие украшения, мягко рассеивающие свет. Кроме канделябров, рекомендуется присмотреть и бра в виде ракушек или торшеры с бахромой.
  4. Не забудьте про камин. Обычно его делают невысоким, покрытым мраморной плитой- белой или кремовой. Немаловажно и украшение камина- хорошо, если вы украсите его милыми фарфоровыми статуэтками и иными безделушками. Также стоит повесить над ним большое овальное зеркало, а по бокам поставить канделябры-это подчеркнет настроение и стиль интерьера.
  5. Планируя создание в своей квартире интерьера в духе рококо, помните, что вам потребуется много копий полотен 18 века. Картины императриц и их фаворитов- неизменные гости этой обстановки. Полотна можно приобрести на блошином рынке или же заказать через интернет-компанию, которая распечатает вам понравившуюся картинку за небольшую цену.
  6. В вашем интерьере обязательно должна присутствовать лепнина. Она может быть где угодно- в оформлении камина, украшении потолка, стен или дверей, может также встречаться в отделке мебели и зеркал. Самое поразительное, что разновидности лепнины не ограничиваются одними лишь завитушками различных форм − это могут быть и искусно вылепленные ракушки, лепестки цветов, маски и многое другое.
  7. Кроме лепнины, обратите внимание на присутствие фарфоровых изделий в интерьере. Обилие фарфоровых безделушек объясняется революцией на производстве того времени.
  8. Для обстановки в духе рококо стоит подобрать несколько милых вещиц, которые подчеркнут изысканность помещения и создадут настроение того времени.

Историческая справка стиля рококо:

Рококо, что означает "декоративная ракушка"- направление в живописи,дизайне, архитектуре, музыке возникшее в 18 веке. Рококо появился благодаря коренным изменениям в умах знати и придворных, изменениям также подверглись внешний вид богачей, их взгляды, быт и культура. Пик развития стиля наблюдался в Германии, в начале 18 в.
Стиль рококо появился во времена фаворитизма, в начале 18 века, и достиг наивысшей популярности при Людовике XV. Данный стиль является преображением «холодного, тяжелого и скучного» барокко. Его конструктивным отличием была легкость,игривость, ощущение «вечного праздника». Архитектура и убранство интерьеров того времени требует раскрепощения и освобождения от вечных пропорций и правильных форм. В отделке начинает присутствовать лепнина и картуши, изготовленные из нее, если посмотреть на внешний вид фасадов того времени то можно увидеть, как богато и вычурно украшены дома богатых дворян извилистыми рокайлями. У людей словно появляется потребность в красоте- они начинают украшать скучные правильные здания шутливыми завитками, изящными пилястрами , теперь каждый фасад дома являет собой настоящее произведение искусства.
Основные отличительные черты стиля-это рокайль и картель. Рокайль-это декоративный элемент, исполненный в виде завитка, а картель- композиция из рокайлей.

Как сделать стиль рококо современным и приближенным к 21 веку?

При создании интерьера, необходимо учитывать собственные потребности и возможности помещения. Как известно, рококо не имеет ограничений по габаритам, поэтому воссоздать обстановку 18 века по силам любому человеку. В современных условиях завитки и рокайли этого стиля были слегка упразднены и в конечном итоге остались лишь на мебели, аксессуарах и зеркалах. Нынешнюю эволюцию данного стиля можно смело называть минималистичной версией, но скудность украшений отнюдь не правило, а скорее дань моде на урбанистическую обстановку. Тем не менее, создавая обстановку в духе рококо помните, что данный стиль можно комбинировать с другим классическим, например, французским, дабы использовать интересные стороны обоих. В современной обстановке вы уже не найдете той нежной палитры пастельных оттенков, приятно гармонирующих с золотом и серебром – нынешние интерьерные решения предлагают отказаться от устаревшей гаммы и сделать более яркие стены, так броско контрастирующие со светлой мебелью. Напольное покрытие, а именно старый паркет планируется заменить чем-то более прочным вроде ламината или плитки ( если вы обустраиваете ванную или кухню), в сочетании с древесным покрытием ламината особенно хорошо смотрятся шкуры животных и небольшие мягкие ковры. Обязательные атрибуты интерьера- торшер с хрустальными подвесками и зеркала, если вы планируете изменить рококо на современный лад, то можно обойтись и без фарфора, однако в таком случае вам необходимы другие аксессуары, выгодно подчеркивающие настроение той эпохи, например, канделябры.

Графика - Центр Михаила Шемякина

Рисунки в стиле “Дзен”

Соединение противоположностей яв­ляется одним из главных принципов шемякинской эстетики, которую художник обозначает как метафизический синтетизм, предполагающий в художнике способ­ность соединять различные – и нередко на внешнем плане взаимоисключаю­щие – формы и стили в новое целое. В искусстве Шемякина всегда присутствуют даже иногда борются друг с другом – две тенденции. Одна из них ведет к повышенно пластическо-объемной трактовке образа, очерченного ясными и твердыми линиями. Другая стремится к тому что еще Кандинский называл “раз­мытостями”. Композиция складывается из пятен, лишенных четких контуров. Штрихи приобретают легкий, неуловимо динамичный – “танцевальный” – ха­рактер, когда в быстром движении они сливаются друг с другом, образуя сетку пересечений, немыслимых по своей сложности. В 1960-е годы преобладала первая – пластическая – тенденция, нашедшая свою завершенную форму в иллюстрациях к Гофману и Достоевскому. Вторая же инспирировала стилисти­ческие упражнения в овладении приёмами европейской графики XVIII века с ее ритмической легкостью и музыкальностью в стиле рококо. Со временем “размытости” – в немалой степени под влиянием древнекитайского и японского искусства – стали приобретать для Шемякина все большее значение, и к началу 2000-х годов “дзенский” стиль выступил в его графике как внутренне необходи­мый противовес работе над рядом монументов с их гипертрофированной пластичностью.

Библейская сцена. Тушь, бумага . 2004.

Изучая китайскую и японскую живопись, а также керамику с ее умышленными подтеками, изгибами и трещинами, М. Шемякин находил сходные приемы у ря­да западноевропейских мастеров. В отличие от искусства Дальнего Востока в Европе вплоть до импрессионистов, переоценивших традиционную систему эстетических ценностей, придавали чрезмерное значение отделке и выписанности произведений. Художникам приходилось считаться с тре­бованиями своих заказчиков, но для себя – в тиши мастерских – они рисовали в манере, во многом удивительно близкой к дзенской графике. Рембрандт погру­жался в тайны света и тени. Гойя внес в эту технику элемент гротеска. Шемякинская серия остается пронизанной не столько буддистским, сколько фаустовским ду­хом. По словам самого художника, все его рисунки “дзенского стиля” “подчи­нены идее пути”. С художественно-технической стороны это находит свое вы­ражение в гармонических соотношениях между светом и тенью, преодолении принципа “сделанности” в пользу “разорванности”, “обозначении необозначенности”, любовании подтеками и размытостями. В результате возникает “пятно, заключенное в форму”. При таком спонтанном рисовании в сознании Шемякина с огромной скоростью проносятся сотни образов, которые он затем уплотняет в одном рисунке.

Многие произведения абстрактны и безсюжетны, тем не менее можно в рамках данной серии выделить несколько тематических групп, хотя граница между ними достаточно расплывчата. Их с некоторыми исключениями отличает запечатленность гофманианскими настроениями.

Эрнст Теодор Амадей Гофман занимает совершенно особое, точнее говоря, цен­тральное место в жизни и творчестве М. Шемякина. Гофман создавал романтически-гротескные образы, через которые просвечивают “иные миры”, что всегда привлекало к нему Шемя­кина. Наиболее соответствует гофмановской концепции двоемирия группа ри­сунков под общим заглавием “Фантомы”. Выполненные в спонтанно-дзенской манере они по своему композиционному построению в то же время близки к ви­зионерской графике Гойи. Оба художника гротескно развивали мотив вторже­ния в земной мир потустронних, призрачных сил. На одном листе нарисована огромная крыса (вряд ли стоит снова подчеркивать, что опознаваемость образа вторична по отношению к первично возникшим комбинациям пятен, размы­тостей и штрихов). Вдали виднеются человеческие фигурки. За холмом в небе показались лики трех бредово ухмыляющихся фантомов. На другом рисунке доминирует изображение огромного черепа, перед которым теснятся испуган­ные люди. В такого рода произведениях Шемякин обращается к фаустовской теме размышления о смерти как переходе в другой мир. Художник показывает всю тщетность усилий устраниться от этой тайны. Она способна возникнуть пе­ред каждым человеком подобно галлюцинативному черепу на шемякинском ри­сунке и ужаснуть сознание, неподготовленное к “встрече” со смертью, хотя, неве­домо для самого себя, несущее ее силы в собственных глубинах. В более духов­ные эпохи напоминание “memento mori” (“помни о смерти”) пробуждало не чув­ство безысходности и ужаса, а стремление жить в гармонии с божественными законами. Для Шемякина размышление о смерти стимулирует творческое вооб­ражение и является испытанным средством возвыситься над нуждами и забота­ми повседневности.

Театральная сцена. Тушь, бумага . 2004.

Другой лейтмотив серии отмечен печатью театральности. Рисунки изображают сцены из спектакля, автором которого является сама жизнь. Сравнение жизни с театром было распространено в искусстве барокко. В обновленном варианте оно возродилось у романтиков начала XIX века. Платон был убежден в том, что чувственные впечатления заслоняют от нас мир идей. Шопенгауэр признавал иллюзорно- сновидческий характер обыденного сознания. На одном из шемякинских рисун­ков сделана надпись: “Мы – отражение в водоеме Времени. Сон – отражение жизни. Жизнь – отражение сна”. Такое воззрение усматривает истоки реаль­ности в метафизическом измерении: в мире архетипов, проекцией которого предстает все многообразие форм земной истории. У романтиков чувство кон­траста между идеалом и бытом всегда вызывало чувство иронии и вело в искусстве к повышенной восприимчивости к гротескным фантазиям, маскара­дам, юмористическим превращениям, словом, ко всему тому, что Михаил Бахтин называл “карнавальным мироощущением”. Оно присутствовало во все периоды шемякинского творчества, поэтому и в дзенских рисунках из комбинации “размытых” пятен художник “вычитывал” театральные образы и сценки.

Галантная сцена. Тушь, бумага . 2004.

Третья тематическая группа также не является принципиально новой для худож­ника. Еще в 1960-е годы художник обращался к изображению “галантных сцен”. Этот жанр возник в эпоху рококо во Франции. В XX веке подобные картины предоставляли обильный материал для их пародийной интерпретации, за которой нередко скрывалось ностальгическое чувство утраты красоты и стремление, хотя бы при помощи иронии, вернуться в “парадиз”.

В петербургский период Шемякин часто изучал произведения XVIII столетия для своих экспериментов с формами исчезнувших стилей. В “дзенских” рисунках художник уже не прибегает к таким образцам. Мастер внимательно всматривается в то, что говорят ему спонтанно возникшие композиции. Иначе предрасположенная душа увидела бы, вероятно, совсем иное. Созерцая такие рисунки, зритель вступает в воображаемое пространство, предоставляющее полную свободу для развития собственной фантазии. Дзенская манера рисования стала путем внутреннего совершенствования.

Метафизические головы

Серия «Метафизические головы» начата Шемякиным в конце 1990-х годов и еще никогда не демонстрировалась, кроме как время от времени в узком кругу друзей и домочадцев. Многие годы Шемякин предпочитал вынашивать эти эсте­тические интуиции в одиночестве и долгое время колебался, следует ли вообще когда-нибудь выставлять плоды уединенных медитаций. В них запечатлелась во­ля к созданию метафизически структурированных форм. Шемякин наделяет многомерное и для многих спорное, а в последнее время нередко подверга­ющееся злоупотреблению понятие метафизики однозначным и ясным смыслом. Оно указывает на мир, находящийся за пределами повседневного сознания, в котором обретаются архетипы всего сущего, в том числе и произведений искус­ства. На этом уровне можно производить синтезы внешне противоположных стилистических принципов. Метафизический синтетизм как метод вносит един­ство в неисчерпаемую множественность шемякинских серий.

Метафизическая голова. Смешанная техника. 1979.

Одна из них связана с изучением ритуальных масок Африки и Океании. Они ис­пользовались с целью сделать невидимое видимым, привлечь благие и отпугнуть злые силы сверхчувственного мира. Мастера прибегали к магическим приемам отстранения, своей смелостью предвосхищавшим стилистические открытия авангардистов XX века. Для Пикассо и Брака африканские маски послужили стимулом для поисков, приведших в Европе к радикальной переоценке эсте­тических ценностей. Но для кубистов дело сводилось к игровым экспериментам. Учились деформировать человеческий образ, но не задавались вопросом о ду­ховном смысле масок. Для Шемякина, напротив, они стали школой трансцендирования, в которой художник учится созданию знаков “иного” мира, хотя вкладывает в них содержание собственного опыта.

Работа над “Метафизическими головами” началась еще в 1960-е годы. Первые произведения, посвященные этой теме, отличаются монументальной простотой. Наряду с африканским искусством чувствуется влияние средневековой иконо­писи. Художник использовал локальные цвета, окрашивая ими широкие плос­кости, четко обведенные музыкально-ритмическими линиями. Трактовка обра­зов носила гротескно-иронический характер. Шемякин понимал беспер­спективность попыток возродить сакральное искусство при помощи имитации его формальных приемов. Шемякин не хотел быть стилизатором, закрывающим глаза на действительное положение дел. Следовало учиться языку забытых иератичес­ких стилей, но изученное подлежало дальнейшей духовной метаморфозе. В 1990-е годы художник провел ряд мастер-классов в американских университетах на тему: “Метафизи­ческая голова. Деформация и метаморфоза”, а в 1994 году под тем же заглавием опубликовал книгу, обобщающую результаты десятилетних исследований. Одно­временно художник приступил к серии работ, в которых отразилось его новое понима­ние задачи изображения человека с метафизической точки зрения. Существенно изменился стиль и колористический строй произведений, выполненных но пре­имуществу пастелью и цветными карандашами на черной бумаге. Если “лики” 1960-х годов нарисованы фронтально, как это было принято в средневековой иконописи для общения и молитвенного диалога с архетипом, то теперь пре­обладают антропоморфные образы, данные в профиль. С эпохи Ренессанса счи­талось, что профиль наиболее ясно выражает человеческий характер. Изобра­жения такого рода создают ощущение дистанции, выделенности, отстранен­ности от окружающего, замкнутости в себе портретируемого лица. Шемякин пи­шет не портреты конкретных людей, а лики, открывающиеся ему во внутреннем пространстве творческого сознания, устремленного к трансцендированию. Про­фили метафизических существ усиливают у зрителя чувство того, что ему откры­вается “иное” измерение, к которому художник еще не имеет непосредст­венного доступа, будучи отделенным от него невидимым Порогом. Черный фон рисунков порождает ощущение бездны космического Ничто, пронизанной не­зримыми силами (энергиями). Если графика 1960-х годов дает ряд условных зна­ков метафизического мира, то в конце 1990-х завеса поднимается и мастер запе­чатлевает открывшиеся ему картины.

В сложно дифференцированных ритмах улавливается отклик с магической орнаментикой искусства аборигенов Австралии. Однако не­которые элементы рисунков происходят из других, более современных источ­ников. Часто летая на самолетах с континента на континент, Шемякин присталь­но вглядывается в открывающиеся с головокружительной высоты пейзажи, усма­тривая в них знаковые формы и структуры, стимулирующие фантазию. Давно в свои исследовательские коллажи, сопоставляя произведения искусства самых различных эпох с целью выявить их скрытые закономерности, художник включает ста­ринные карты, из которых при помощи нескольких штрихов-акцентов неожи­данно вырисовываются “маски” загадочных существ. Тот же принцип идентич­ности аэропейзажа и “лика” положен Шемякиным в основу работы над серией “Метафизических голов”. Данный пример показывает, как художник реализует свою врожденную способность находить аналогии между самыми внешне не­сочетаемыми явлениями. Объективный смысл аналогий основан на духовном единстве универсума. Занимаясь исследованием проблемы изображения чело­века в искусстве, мастеру открываются таинственные взаимосвязи между макро- и микрокосмосом. В духе герметической традиции, Шемякин убежден, что Вселенная во всех своих частях и силах находит свое выражение в человечес­ком образе.

Мир, скрытый в каплях воды

Мир детских сказок, населенный веселыми и добродушными существами: гно­мами, ундинами, рыбокотами, которыбами и прочими фантастическими созда­ниями. Они возникли в воображении художника при созерцании капелек воды в умывальной раковине. Как-то раз Шемякин заметил, что, если всмотреться в причуд­ливые формы водных брызг, то при небольшом усилии они способны превра­титься в сказочных персонажей. С тех пор Шемякин брал с собой в ванную ком­нату альбом и зарисовывал возникающие композиции. За десяток лет подобных наблюдений возникла огромная серия “Капли”, насчитывающая тысячу листов, на которых запечатлено около двадцати тысяч занимательных персонажей. По­добным занятиям предавались ранее такие мастера как Леонардо да Винчи и Козимо Тура, удивлявший своих современников способностью проводить долгое время в созерцании пятен на стене или даже плевков, открывая в них самые неожиданные формы, стимулирующие воображение. Сделанные наблюдения от­ражались на творчестве. “Линия Туры, – писал Павел Муратов, – запутанная, сложная, вьющаяся, разбивающая все плоскости на отдельные узоры”. Соответ­ственно душевному складу мастера и пейзажные фоны на его картинах приобре­тали фантастический характер: “Среди винтообразных скал и диких, похожих на сахарную голову гор, излюбленных Турой, могут жить разве только волшебники и драконы” (П. Муратов). Любимый писатель Шемякина Гофман был наделен сходным даром. В одном из своих произведений “Повелитель блох” он повест­вует о “солнечном микроскопе” Левенгука, благодаря которому “черные переч­ные зерна и фруктовые семечки” казались сонмом монстров: “и из всех проме­жутков глазели инфузории с искаженными человечьими лицами”. Шемякинский мир капель населен, однако, более миролюбивыми существами. Они обитают на земле, плавают в водных глубинах, парят в воздухе, сливаются друг с другом, образуя самые немыслимые сочетания. При всем богатстве персонажей их мож­но классифицировать по тематическим группам, модифицирующим архетипические образцы, характерные для европейских сказок: гном, русалка, кот, за­яц и т.п. Особое место занимает символика башмака, туфли, сапога. Шемякин хочет даже написать “Сказку о жадном башмачнике и его жене” по мотивам своих “капельных” рисунков. В сказочном мире сапогам часто приписываются вол­шебные свойства (семимильные сапоги, сапоги-скороходы, “Кот в сапогах”). Примечательно, что великий немецкий мистик Яков Беме по профессии был сапожником.

Шутейные сцены, рожденные из капель воды. тушь,акварель, бумага. 2004.

Помимо литературных ассоциаций, пробуждаемых наблюдениями над водными брызгами, еще большее значение для Шемякина имеет проблема возникновения жизненной формы. Художник не приемлет течения в современном искусстве, лишенные восприимчивости к органическим закономерностям в искусстве. “Черный квадрат” Малевича знаменовал отказ от принципа “жизненности” в пользу мертвенной геометричности. Другой крайностью является ничем не огра­ниченный субъективизм, ведущий к произвольным, насильственным дефор­мациям. Шемякин, напротив, придерживается взгляда на единство духовных сил в природе и человеческом творчестве. Наблюдение над каплями ведет к обра­зам, в которых, – как говорит сам художник, – “все строится на форме, и поэтому все живет невыдуманной жизнью и даже самые фантастические сочетания ка­жутся абсолютно естественными”. У каплей Шемякин учится создавать новые формы жестов и поз. Они помогали ему в работе над балетами “Щелкунчик” и “Волшебный орех”. Их гротескная хореография во многом является отражени­ем “танцев” водяных капель. “Фокусируя” их, Шемякин открывает скрытые воз­можности человеческого движения.

Источник:// В.Иванов.  Шемякин.Театр и метафизика.
Новосибирск: Сибирский Антрацит. 2008г. 287 с.

Искусство, рождённое под ногами

Находиться в постоянном поиске — отличительная черта каждого Настоящего Ху­дожника. Примером тому творческие изыскания Михаила Шемякина: живопись, графи­ка, скульптура, ювелирное дело, а также десяток других направлений, в которых он оста­вил свой уникальный и неповторимый след.>

Летом 2008 года, в связи с изданием двухтомного альбома его работ, я посетил Михаи­ла в его французском замке Шамуссо (Chamousseau), где стал очевидцем рождения ново­го направления современного искусства.

Искалеченный. Рисунок по фотографии. 2007г.

Взгляд художника может «выхватить» из окружающей нас обыденности то, мимо че­го мы ежедневно проходим и что, видя, не замечаем, оставляем без внимания…

Уличная актриса. Рисунок по фотографии. 2007г.

Только настоящий Мастер может увидеть в заплеванной, грязной мостовой вдохно­вение для своего Искусства: в подтеках мочи и воды — гротескные фигуры, в скомканных ненужных бумажках – сказочные персонажи. Даже брошенный окурок под взглядом ху­дожника превращается в бредущего на костылях человека.

Михаил Шемякин взял за основу своей уникальной серии тротуары и мостовые Па­рижа и Венеции, долго и скрупулезно собирая и изучая материал «отбросов человечес­кой жизнедеятельности» с тем, чтобы превратить их в шедевры утонченного современ­ного искусства.

Я стал свидетелем чуда: под рукой мастера из мусора рождались шедевры, достойные занять место в коллекции любого, даже самого взыскательного музея.

В альбом, который вы сейчас держите в руках, включены несколько первых работ из этой серии, названной Михаилом Шемякиным «Тротуары Парижа».

Надеюсь, что в недалеком будущем Михаил Шемякин сделает большой подарок всем знатокам и любителям искусства, опубликовав полностью этот исключительно уникаль­ный цикл, выполненный в новой технике, ранее никогда и никем не использовавшейся.

Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма

Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.

Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.

Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.

С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.

Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.

И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.

А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.

Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.

Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.

Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.

Почему стиль ренессанс возник

В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.

Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.

Время расцвета стиля

Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Характерные черты стиля ренессанс

На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.

Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, Париж

Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.

Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция

Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.

Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан

Яркий пример стиля ренессанс

Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.

Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, Австрия

В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.

Художники стиля ренессанс

Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.

Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.

Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.

О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.

Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).

А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.

Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф

Почему стиль барокко возник

Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.

Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж

Время существования барокко

Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.

Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, США

Характерные черты барокко

Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен

Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.

Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Яркий пример стиля барокко

Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.

Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.

А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».

Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека Ватикана

Главные художники стиля барокко

Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.

Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.

Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.

Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Почему возник стиль рококо

Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.

Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург

А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.

Период расцвета рококо

Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен

Характерные черты стиля рококо

Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж

Яркий пример стиля рококо

Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.

Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон

Главные художники стиля рококо

Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.

Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.

Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.

Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, Париж

Почему стиль классицизм возник

Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж

Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.

Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.

Характерные черты

Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.

Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж

Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.

Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.

Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж

Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.

Период расцвета классицизма

Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.

Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене

Яркий пример классицизма

За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.

Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.

Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.

Главные художники

Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.

Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.

В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.

Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.

Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.

Почему стиль импрессионизм возник

В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.

Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.

Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.

Характерные черты

Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Время расцвета импрессионизма

Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет. 

Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо. 

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.

Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек. 

Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).

Яркий пример импрессионизма

Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.

Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж

Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.

Главные художники

Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.

Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»

Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».

Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.

Почему экспрессионизм возник

Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.

Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.

Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.

Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.

Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция

Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.

Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.

Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген

У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.

Время расцвета стиля

Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны. 

Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.

Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru

Основные черты экспрессионизма

Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.

Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.

Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена

А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.

Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва

Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.

Яркий пример стиля экспрессионизм

Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка

Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.

Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.

Главные художники экспрессионизма

Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.

Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.

И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.

Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.

Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.

Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели». 

Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать». 

Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).

Почему возник абстракционизм

Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело. 

Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене. 

Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф

Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.

Время расцвета стиля

Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!

При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.

Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.

Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.

Главные черты абстракционизма

Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.

А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.

А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана. 

Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.

В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.

Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.

Яркий пример абстракционизма

В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его  «Чёрным квадратом». 

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».

Главные художники абстракционизма

Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.

А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.

Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.

И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.

Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».

Проверьте себя

Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.

Какая из этих картин написана в стиле рококо?

Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?

Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?

Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.

В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).

Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).

В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.

На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

Стиль рококо - 70 фото идей необычного оформления в интерьере

Оказавшись в комнате, оформленной в стиле рококо, Вы непременно прочувствуете то очарование, которое он несет.

Если Вы творческая, тонко чувствующая натура, предпочитающая получать максимум удовольствия и позитива от жизни – стиль рококо точно для Вас!

Стиль рококо пришел в страны Европы из Франции. Период правления Людовика XV совпал с апогеем развития этого направления в оформлении интерьера.

Вплоть до последних годов XVIII, века данный стиль украшал королевские покои, его использовали для отделки комнат в знатных домах, мебель в стиле рококо пользовалась наибольшей популярностью.

 Стиль рококо возник в качестве своеобразного протеста против чрезмерной пышности стиля барокко, который встречался на каждом шагу. «Аристократичный», «изысканный», «утонченный» — именно эти слова точно характеризуют, стремительно ворвавшийся в ту историческую эпоху стиль, который быстро покорил сотни тысяч сердец французов.

Элегантный стиль рококо с момента своего создания подразумевал под собой оформление интимных, домашних интерьеров и не был ориентирован на внешнюю архитектуру.

Создатели, вдохновленные произведениями Жана-Луи-Эрнеста Месонье́, отражали в дизайне в стиле рококо асимметрические необычные формы, которые тот упоминал в своих книгах. Кстати, название стиля переводится с французского как «декоративная раковина» — «rocaille».

Мода на китайское искусство

Ориентировочно в тот же период в моду вошло необычное ответвление стиля рококо – шинуазери, что дословно переводится как «китайщина». Европейская знать украшала свои дома, используя мотивы китайского средневековья.

Один из наиболее популярных приемов – ширмы, выполненные в китайском стиле. Их можно было легко передвигать из одной части комнаты в другую, тем самым преображая и освежая интерьер.

Мебель в стиле рококо, изготовленная умелыми руками китайских мастеров, считалась не только предметом для обстановки комнаты, но и представляла эстетическую ценность.

Лакированные поверхности обеденных столов, сервированные фарфоровыми китайскими сервизами оказывались в центре любого торжества. В минуты же отдыха и умиротворения, хозяева созерцали золотых аквариумных рыбок и живописные орхидеи, которые служили элементом декора в помещении.

Еще одна модная тенденция тех времен – наличие в доме шелковых или шерстяных гобеленов – красивейших декоративных тканей, на которые наносились различные китайские сюжеты и мотивы в качестве рисунка.

Китайские священные сооружения, императоры и воины, орнаменты из цветов – все это присутствовало на гобеленах. Выполнялись они предпочтительно в спокойных пастельных тонах.

Современный дизайн в стиле рококо – какой он?

Бесспорно, интерьер в стиле рококо ассоциируется, в первую очередь, с роскошью и стариной. Вряд ли он впишется в стандартную квартиру многоэтажного дома, а вот в обстановку загородной виллы с высокими потолками и огромными окнами – в самый раз.

Для того, чтобы понять, придется ли Вам по душе дизайн такой направленности, предлагаем ознакомиться с характерными чертами стиля рококо:

Элегантность стиля рококо не терпит острых углов и резких переходов – помните об этом при оформлении гостиной или большой залы. Обычно, стенам и потолочным карнизам стараются придать округлую форму, а после украшают их текстильными материалами (в идеале – шелком).

Дополнительно можно использовать орнаменты с имитацией золота, декоративные панели. Большое количество зеркал в комнате – еще одна особенность стиля рококо. К тому же, такой прием позволяет зрительно увеличить пространство.

Для отделки полов в комнатах чаще всего используют дерево, но подойдет также керамическое и мраморное покрытие. Плинтуса могут быть какой угодно высоты, изогнутые по всей длине.

Еще один немаловажный момент – предметы освещения в комнате. Стиль рококо славится большими изящными люстрами, на которых крепятся десятки свечей. В современной жизни их вполне можно заменить характерной формы лампочками. Тематические же бра в форме морской раковины отлично дополнят интерьер.

Если Вы когда-нибудь натыкались на фото стиля рококо в интерьере, то непременно обратили внимание на шикарный камин в гостиной, покрытый мраморной плиткой. На нем чинно располагаются разветвленные бронзовые подсвечники, статуэтки из фарфора и старинные часы. Очень часто над камином вешают большое зеркало в массивной оправе из золота или бронзы.

Будуар (женская комната) – место довольно-таки интимное, поэтому лучше всего подойдет комната небольших размеров, отделанная в спокойных нежных тонах. В интерьере будуара хорошо будут сочетаться следующие цвета: белый и нежно-розовый, голубой и светло-зеленый, кремовый и цвет морской волны. Не забудьте использовать золото во время отделки – именно оно придает изюминку помещению и руководит всем стилем.

Выбираем мебель в стиле рококо

Чтобы не ошибиться при покупке или заказе мебели для какого-либо из помещений, будь-то спальня в стиле рококо, туалетная комната или гостиная, запомните главное правило – никаких строгих линий в интерьере. Центральной идеей данного стиля является расположение в помещении большого количества разных предметов, которые чудесным образом объединяются в цельную картину.

Отделка мебели не происходит без применения бронзовых накладок на ровные блестящие поверхности. Сначала мебель обрабатывают лаками определенных цветов, после чего приступают к украшению. Это могут быть как знаменитые накладки, так и резьба по дереву с добавлением позолоты.

Важной деталью современного стиля рококо являются секретеры – комбинация комода и письменного стола с большим количеством маленьких ящичков. Рококо-интерьер в женских комнатах представляют дамские столики с зеркальцем, декоративные пуфы, тумбочки на высоких изящных ножках.

Перед тем как воссоздать интерьер рококо в своем доме, запомните, что основа всему – это комфорт. Сам стиль направлен на то, чтобы сделать жизнь хозяев лучше, наполнить ее приятными мелочами и вещами для услады глаз. Мебель должна не просто соответствовать своей эпохе внешне, но и быть приятной телу, помочь человеку расслабиться и отдохнуть.

Фото дизайна в стиле рококо

Разгадывая и понимая стиль искусства рококо

Известный беззаботностью своего изобразительного и декоративного искусства, стиль рококо процветал во Франции 18 века. Художники, работающие в этой легкомысленной эстетике, опирались на пышность периода барокко, адаптируя его впечатляющую эстетику для создания столь же экстравагантных, но отчетливо игривых произведений искусства.

Движение рококо преимущественно связано с двумя видами искусства: живописью и декоративными произведениями.Здесь мы раскрываем этот уникальный стиль, чтобы понять его значение в истории искусства.

Каким был период рококо?

Стиль рококо был модным с 1730 по 1770 год. Хотя он зародился во Франции, со временем он распространился на другие части Европы, включая Великобританию, Австрию, Германию, Баварию и Россию.

Термин Rococo происходит от rocaille , - особого метода украшения фонтанов и гротов, восходящего к итальянскому ренессансу.Используя эту технику, ремесленники смешивали морские ракушки, гальку и другие органические материалы с цементом, получая кульминацию в натуралистической, вдохновленной подводным миром среде.

Вход в грот Буонталенти в садах Боболи Фото: DinoPh через Shutterstock Stock photo

Художники, работающие в стиле рококо, разделяли это увлечение водой эпохи Возрождения, что проявляется как в плавности форм, так и в использовании морских мотивов в их работах.

Рококо Арт

Живопись

Причудливая природа рокайль повлияла на живопись того периода, проявляясь в легкомысленной иконографии, внимании к декоративным деталям и обилие пастельных тонов.

Игровая тема

Многие картины в стиле рококо имеют изысканный, но веселый сюжет - подход, который популяризировал французский художник Антуан Ватто . Как отец fête galante - жанр живописи, который предпочитает садовые вечеринки, фестивали и другие мероприятия на открытом воздухе в качестве тематики - Ватто создавал причудливые сцены общения людей в пасторальных пейзажах.Эти изображения, в которых часто изображены развевающиеся купидоны, греческие богини и другие мифологические персонажи, сочетают фантазию с реальностью.

Антуан Ватто, «Посадка на Киферу» (1717 г.) (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

В дополнение к этим декорациям под открытым небом, многие картины в стиле рококо размещены в роскошных интерьерах. Как и картины fête galante , в этих произведениях часто присутствует забавная иконография и мифологические мотивы.

Внимание к деталям

Картины в стиле рококо демонстрируют изысканное внимание к деталям.Французский художник Франсуа Буше , вдохновленный художниками эпохи Возрождения, известен своим интересом к подчеркиванию замысловатости сцены. Его детально-ориентированный подход к живописи воплощается в невероятно богато украшенных костюмах и «искусно декоративных» небесах (Музей Гетти).

Франсуа Буше, «Ринальдо и Армида» (1734 г.) (Фото: Джоконде через Wikimedia Commons Public Domain)

Палитра пастельных цветов

В то время как картины в стиле барокко ассоциируются с глубокими цветами и эмоциональными тенями, произведения рококо характеризуются воздушной пастельной палитрой. Жан-Оноре Фрагонар запечатлел манящую беззаботность этой цветовой схемы в своей самой известной картине « Качели ». В обрамлении светло-зеленой листвы The Swing изображена женщина в бледно-розовом платье, играющая на качелях и кокетливо сбрасывающая обувь.

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели» (1767-1768) Фото: произведение искусства только через Wikimedia Commons Public Domain)

Декоративно-прикладное искусство в стиле рококо

Помимо живописи, художники также создавали предметы декоративно-прикладного искусства в стиле рококо.Эти произведения демонстрируют интерес к асимметрии и театральному подходу к изображению природы.

Асимметричные кривые

Декоративное искусство рококо часто включает в себя замысловатые асимметричные формы. Эти змеевидные силуэты по своей сути натуралистичны, но, несомненно, преувеличены и встречаются в целом ряде предметов, включая замысловатые столы и привлекательные канделябры.

Фрагмент гравюры Габриэля Юкье (Фото: Купер Хьюитт через Wikimedia Commons Public Domain)

Природные мотивы

Большинство этих органических, но богато украшенных дизайнов вдохновлены природой - особенно морскими ракушками, волнами и другими морскими мотивами.В дополнение к этому фокусу рокайль , однако, многие художники рококо также использовали мотивы листьев в своих работах, в том числе позолоченные, похожие на виноградную лозу украшения стен и потолка, а также орнаменты со стилизованными акантами ветвями .

Интерьер салона принцессы в Hôtel de Soubise, Париж (Фото: NonOmnisMoriar через Wikimedia Commons CC BY-SA 3.0)

Наследие

Наряду с импрессионизмом рококо считается одним из самых влиятельных французских течений в искусстве.Он известен как своими легкими и воздушными картинами, так и причудливым декоративным искусством, которые вместе демонстрируют элегантный, но кипучий вкус Франции 18-го века.

Статьи по теме:

Интервью: Сюрреалистические картины женщин, исследующих районы, затронутые изменением климата

9 известных французских художников, которых вы должны знать

Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

Что мы можем узнать из изысканной истории и изысканной эстетики готической архитектуры

Краткая история искусства рококо

Картина в стиле рококо, зародившаяся в Париже в начале 18 века, отличается мягкими цветами и пышными линиями и изображает сцены любви, природы, любовных встреч, беззаботных развлечений и молодости.Слово «рококо» происходит от слова rocaille , что по-французски означает «щебень» или «камень». Rocaille относится к ракушкам в садовых гротах и ​​используется как описательное слово для змеевидных узоров, замеченных в декоративном искусстве периода рококо.

Пара стульев Людовика XV, проданная на аукционе Koller Auktionen Zürich в четверг, 21 марта 2013 г.

После смерти Людовика XIV французский двор переехал из Версаля обратно в свои старые парижские особняки, обновив их дома, используя более мягкий дизайн и более скромные материалы, чем в стиле великого барокко короля.Вместо того чтобы окружать себя драгоценными металлами и яркими красками, французская аристократия теперь жила в интимных интерьерах с лепными украшениями, буазери и зеркальным стеклом. Этот новый стиль характеризуется асимметрией, изящными изгибами, элегантностью и восхитительными новыми картинами повседневной жизни и придворной любви, которые украшали стены в этих помещениях.

Жан-Антуан Ватто, «Сюрприз» - пара, обнимающаяся, а фигура Меццетена, настраивающая гитару, продана на Christie’s в Лондоне во вторник, 8 июля 2008 г.

Отцом живописи в стиле рококо был Жан Антуан Ватто (француз, 1684–1721), который изобрел новый жанр, получивший название fêtes galantes , который представлял собой сцены ухаживания.Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием жанровых сцен повседневной жизни, которые были довольно популярны во Фландрии и Нидерландах. Он наиболее известен своими изображениями элегантно одетых фигур, собравшихся на открытом воздухе, обменивающихся любезностями и наслаждающихся музыкой.

Хотя образованная мысль культивировалась на протяжении всего 18 века, начал развиваться новый вид интеллектуального обмена, который стал известен как Просвещение. В результате этого нового культурного движения изменились представления об искусстве, а идеалы легкомыслия и элегантного эротизма в стиле рококо становились все менее актуальными.Искусствоведы, такие как Дидро, стремились к «более благородному искусству», а просвещенные философы, такие как Вольтер, критиковали его тривиальность. В то время как некоторые художники рококо продолжали рисовать в своем собственном провокационном стиле, другие разработали новый вид искусства, известный как неоклассицизм, который понравился художественным критикам того времени.

Жан Оноре Фрагонар, La coquette fixée (Очарованная кокетка), продано на Christie’s в Нью-Йорке в четверг, 6 апреля 2006 г.

Жан Оноре Фрагонар (француз, 1732–1806) был одним из таких художников, который пытался адаптировать свой стиль к художественным изменениям того периода; В отличие от Ватто, мастерство Фрагонара не было признано до его смерти.Сегодня Фрагонар наиболее известен своими картинами в стиле рококо, такими как La coquette fixée (Очарованная кокетка), на которых изображена любовная встреча между женщиной и двумя мужчинами. Похотливые мужские взгляды делают женскую фигуру центром картины. В произведении беззаботного развлечения нет сложного смысла или истории. Это яркая, веселая сцена, предназначенная для развлечения и восторга.

Эрика Трапассо - старший редактор базы данных цен artnet .


Следите за новостями Artnet в Facebook:

Хотите опередить мир искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, откровенные интервью и острые критические моменты, которые продвигают разговор.

Руководство по искусству рококо для начинающих - Smarthistory

Начало рококо

Гиацинт Риго, Людовик XIV , 1701, холст, масло, 114 x 62 5/8 дюйма (Музей Дж. Поля Гетти)

В первые годы 1700-х годов, в конце правления Людовика XIV (который умирает в 1715 году), произошел отход от классицизма и «великих манер» (основанных на искусстве Пуссена), которые управляли искусство предыдущих 50 лет во Франции, к новому стилю, который мы называем рококо.Версальский дворец (королевский замок, который был центром политической власти) был оставлен аристократией, которая снова поселилась в Париже. Сдвиг от монархии к аристократии характеризует искусство этого периода.

Какой образ жизни вела аристократия? Помните, что аристократия обладала огромной политической властью, а также огромным богатством. Многие выбрали досуг как занятие и увлеклись романтическими интригами. Действительно, они создали культуру роскоши и излишеств, которая резко контрастировала с жизнью большинства людей во Франции.Аристократия - лишь небольшой процент населения Франции - владела более чем 90% ее богатства. Небольшой, но растущий средний класс не будет долго сидеть сложа руки (вспомните Французскую революцию 1789 года).

Fragonard’s

The Swing

Жан-Оноре Фрагонар, Качели , 1767, холст, масло, 81 x 64,2 см (Коллекция Уоллеса, Лондон, фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)

Как и большинство картин в стиле рококо, сюжет «Качели» Фрагонара не очень сложен.Двое любовников сговорились заставить старшего парня подтолкнуть девушку на качелях, пока ее возлюбленный прячется в кустах. Их идея состоит в том, что когда она поднимается на качелях, она может раздвинуть ноги, и ее любовник может увидеть дразнящий вид на ее юбке.

Женская фигура (деталь), Жан-Оноре Фрагонар, Качели , 1767, холст, масло, 81 x 64,2 см (Коллекция Уоллеса, Лондон; фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)

Фигуры окружены пышным заросшим садом.Скульптурная фигура слева прижимает пальцы ко рту, как бы говоря «тише», в то время как другая скульптура на заднем плане изображает две прижатые друг к другу фигуры купидона. Цвета пастельные, бледно-розовые и зеленые, и, хотя у нас есть ощущение движения и заметная диагональная линия, картине не хватает серьезности барокко.

Если вы присмотритесь, то увидите свободные мазки на розовом шелковом платье - и когда она раздвинет ноги, мы увидим ее чулки и пояс с подвязками.Именно такую ​​живопись вскоре осудили философы Просвещения. Они требовали нового стиля в искусстве, показывающего пример нравственного поведения людей в их самом благородном виде.


Дополнительные ресурсы:

Качели в коллекции Уоллеса

Фрагонар на временной шкале истории искусства в Хайльбрунне Метрополитен-музея

Европейское платье XVIII века на хронологии истории искусств в Хайльбрунне Метрополитен-музея


10 самых известных картин в стиле рококо

Движение рококо возникло из-за изменения социального климата во Франции в начале 18 века после смерти короля Людовика XIV в 1715 году.

Многие семьи и члены правящего класса и социальной элиты переехали из королевского дворца в Версале после смерти короля в окрестности Парижа.

Художники в то время стали менее заинтересованы в продолжении академического стиля периода барокко и начали исследовать новые пути выражения, которые привели их к тому, что мы теперь знаем как движение рококо.

Стиль рококо можно охарактеризовать его тенденцией к элегантно одетым фигурам, плавным мотивам, пастельным тонам и отсутствию заботы о симметрии.Движение началось во Франции и позже распространилось на другие части Европы, как и многие другие стили искусства на протяжении всей истории.

Те, кто работал в стиле рококо, обладали особым чутьем на изобилие и часто изображали свои картины с чувством необузданной природной красоты.

Хотя некоторые из громких имен той эпохи не так примечательны, как искусные художники других периодов, некоторые из самых известных картин движения рококо также являются одними из самых известных произведений, вышедших из Европы со времен Эпоха Возрождения.

Картины в стиле рококо

1.

The Embarkation for Cythera - Жан-Антуан Ватто

Немногие художники рококо более известны в этом движении, чем Жан-Антуан Ватто. Он известен как художник, положивший начало стилю рококо во Франции в начале 1700-х годов.

Ватто имел фламандское происхождение в то время, когда Франция только что аннексировала территорию при короле Людовике XIV.

По мнению искусствоведов, Ватто сочетал в себе фламандский стиль живописи с живописными техниками венецианского Возрождения совершенно уникальным образом.

Его самая известная работа, несомненно, «Посадка на Киферу», которую он писал в течение пяти лет, закончившись в 1717 году.

На картине изображена группа пар, которые, похоже, отправляются в путешествие на Киферу, остров в море недалеко от Греции, которое было известно как место рождения богини Афродиты.

Ватто нарисовал каждую из трех пар способами, которые, кажется, находятся в разной степени ухаживания, с летающими амурами, парящими над их головами, что, кажется, указывает на цель путешествия.

2.

The Swing - Жан-Оноре Фрагонар

Жан-Оноре Фрагонар был известен как один из самых известных представителей движения рококо. За свою карьеру он написал несколько мастерских работ для французской королевской семьи, охватившей вторую половину движения рококо 18 века. Он наиболее известен своей работой под названием «Качели», написанной в 1767 году.

На этой конкретной работе изображена молодая женщина, игриво раскачивающаяся с ветки дерева, а молодой человек смотрит на нее из кустов под ней.

Угол зрения мужчины таков, что он мог бы видеть из-под платья молодой женщины, что предполагает чувство гедонизма, которое так часто сопровождало многие картины Фрагонара. В тени позади женщины можно увидеть еще одного мужчину, который тянет качели на веревках.

Это произведение было несколько спорным в то время, когда его создал Фрагонар, поскольку во Франции XVIII века оно считалось слишком легкомысленным для социальных стандартов.

3.

Триумф Венеры - Франсуа Буше

Франсуа Буше, пожалуй, самое известное имя эпохи рококо. На его картинах часто изображались мифологические фигуры или декорации, а его стиль живописи действительно изменил французское искусство при его жизни.

Его техника была особенно отличной, поскольку большинство фигур в его работах были сладострастными по своей природе и часто изображались на открытом воздухе.

Буше создал множество работ, которые были одними из самых известных картин эпохи рококо, но его «Триумф Венеры», пожалуй, самый известный среди искусствоведов и критиков.

Картина была написана в 1740 году и изображает богиню Венеру вскоре после рождения на море. Ее сопровождает множество нимф, херувимов и тритонов, которые часто использовались в картинах в стиле рококо.

Картина иллюстрирует асимметричный характер произведений искусства в стиле рококо и установила сродство среди других художников к использованию мифологических фигур в своих произведениях.

4.

Вход в Гранд-канал - Каналетто

Ни один художник в истории не был так известен своими итальянскими городскими пейзажами, как Канал Джованни Антонио.

Он был известен как Каналетто, имя, которое он получил в честь своего отца, который был довольно заметной фигурой в мире венецианского искусства.

За свою карьеру он путешествовал по большей части Европы, рисуя множество различных сцен из определенных эстетически приятных мест во многих городах.

Его самая известная работа - «Вход в Гранд-канал», картина, на которой изображен водный путь, ведущий в итальянский город Венецию, который в то время в 1730 году был рассадником художественного чутья.

Картина отличается такой же асимметричной природой, как и другие работы в стиле рококо, и считается одной из самых известных картин, созданных за пределами Франции в 18 веке.

5.

Портрет мадам де Помпадур - Франсуа Буше

Франсуа Буше был известен во всей Франции своим умением воплощать в жизнь некоторые мифологические сцены из древнегреческой культуры столетиями ранее.

Он также был провозглашен одним из самых известных портретистов периода рококо.Эта работа была последней из семи различных картин с изображением мадам де Помпадур.

Работа была завершена в 1759 году. Из нее открывается вид на мадам, который носит несколько игривый характер, что было обычным явлением для многих произведений в стиле рококо середины 18 века.

Ее можно увидеть прислоненной к основанию большой статуи и одетой в характерные струящиеся платья, которые в то время были так обычны для элитных членов французского общества.

6.

Встреча (из «Любви пастухов») - Жан-Оноре Фрагонар

Жан-Оноре Фрагонар был известен в эпоху рококо тем, что рисовал сцены, изображающие несколько игривую гедонистскую обстановку.

Он написал множество сцен, в которых молодые влюбленные были вовлечены в романтические обстоятельства, которые в то время иногда считались табу во французском обществе. Так было в его самом известном произведении «Встреча» (из романа «Любовь пастырей»).

Эта картина была создана в 1772 году. На ней изображены молодые мужчина и женщина, явно участвующие в встрече, которую они пытаются сохранить в тайне.

Видно, как мужчина кричит через стену, в то время как молодая женщина смотрит через ее плечо, словно желая убедиться, что их не увидят во время вечеринки.

7.

Пьеро - Жан-Антуан Ватто

Карьера Жан-Антуана Ватто была недолгой: он трагически погиб в возрасте 36 лет от туберкулеза.Однако перед смертью он, как известно, создал некоторые из самых влиятельных произведений движения рококо.

Его стиль был одним из самых ярких во всей французской эпохе 18 века.

Его работа 1719 года под названием «Пьеро» - одна из его самых известных картин, поскольку на ней изображено несколько актеров, окружающих длинную фигуру, стоящую на вершине какого-то типа платформы.

Работа имеет своеобразный характер, но в ней присутствуют многие из наиболее распространенных элементов периода рококо.

8.

Аллегория планет и континентов - Джованни Баттиста Тьеполо

Джованни Баттиста Тьеполо известен с эпохи рококо как один из наиболее известных художников Италии.

Его венецианское воспитание сильно повлияло на его собственный художественный стиль, многие черты которого восходят к Высокому Возрождению.

Одной из его самых известных картин была работа 1752 года «Аллегория планет и континентов».

На этой конкретной картине представлен обильный ассортимент небесных фигур, которые представляют множество различных планет, а также континенты Земли.

Картина окружена рамкой, состоящей из множества фигур, которые можно увидеть в развевающихся одеждах и указывающих внутрь, как если бы это свидетельствовало о чувстве божественности в центре картины. Некоторые фигуры на картине представляют людей из Европы, Африки, Америки и Азии.

9.

Мыльные пузыри - Жан-Батист-Симеон Шарден

Жан-Батист-Симеон Шарден имел особый способ рисовать сцены в довольно простой перспективе, несмотря на то, что он был частью движения рококо, которое так часто было известно экстравагантные фигуры и большие открытые сцены.

Он был одним из первых художников, которые положили начало движению рококо вскоре после того, как стиль барокко почти вымер во Франции и Европе в целом.

Многие из его самых известных работ посвящены игровой природе детей, в первую очередь его картина 1734 года под названием «Мыльные пузыри». На картине изображен ребенок, который надувает пузырь, а его друг наблюдает за ним из-за выступа.

По мнению многих искусствоведов и критиков, картина, похоже, не несет в себе какой-либо важной символики или послания, а скорее представляет собой прямолинейное произведение, подчеркивающее невинную природу детства и легкость, с которой дети так часто забавляются.

10.

The Bathers - Жан-Оноре Фрагонар

Жан-Оноре Фрагонар начал развивать стиль, который сам по себе был уникальным во время движения рококо.

Молодой художник был известен тем, что использовал более яркие цвета, чем его коллеги, и часто создавал работы, которые явно отличались от картин в стиле рококо начала 18 века.

Он известен своей картиной 1765 года «Купальщицы», на которой изображена группа из восьми женщин, которые беззаботно принимают ванну под полуденным солнцем.

Деревья и кусты, окружающие женщин, создают ощущение границы, в то время как все тела расположены в разных позах, каждое со своими уникальными характеристиками и индивидуальностью.

Сцены купания, подобные этой, были обычным явлением в картинах в стиле рококо, и был ряд других, которые создавали сцены, в которых обнаженные фигуры были замечены купающимися в открытом бассейне или текущей реке.

Это была одна из последних картин Фрагонара, которая была выставлена ​​на всеобщее обозрение, поскольку он начал производить работы исключительно для частных клиентов в 1767 году, вскоре после того, как эта картина была закончена.

Рококо - главное искусство | TheArtStory

c. 1770

Синий мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа в правой руке шляпу с перьями, а другую руку на бедре, он выражает одновременно уверенность в себе и легкую чванливость. Сложенный слоями резких и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий становится великолепным, почти электрическим на фоне бурного и каменистого ландшафта.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттол, сын богатого торговца, но современные исследования определили, что модель, скорее всего, была ассистентом художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, эта работа «является своего рода косплеем времен Гражданской войны в Англии, популярным для маскарадных балов в 18 веке», изображая мальчика в костюме кавалера, который носили аристократические роялисты 1630-х годов. Его осанка и выражение лица также играют роль, ведь кавалеров определяла не только их стильная одежда, но и их беззаботная и беззаботная манера поведения.Таким образом, самая популярная работа Гейнсборо - tour de force , сочетающая мастерскую портретную живопись с этюдом костюмов и его художественный ответ на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые поддержали ему. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для элементов фона, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим предположениям.

Работа несет традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил инновационные элементы реализма, как видно из кнопок, плотно скрепляющих дублет, и прообраз романтизма, изобразив одинокую фигуру, очерченную на фоне бурного неба.Гейнсборо стал примером британского рококо, создав светские портреты своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и настолько отождествилась с британской культурной идентичностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, это вызвало скандал. Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922).Поп-художник Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Вили были вдохновлены этой работой, и художник Алекс Израэль упомянул ее в своем автопортрете (Доджерс) (2014–2015). Показанная в Хантингтонском музее вместе с портретом девушки в розовом, Pinkie (1794) Томаса Лоуренса, эта работа приобрела дальнейшую культурную значимость, поскольку обе картины использовались в телевизионном пилотном фильме Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций в эпизодах сериала Оставь это Бобру (1957-1963).

Холст, масло - Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

Обзор движения рококо | TheArtStory

Посадка на Киферу (1717)

Художник: Жан-Антуан Ватто

На этой картине изображены влюбленные пары в элегантных аристократических платьях в идеализированной пасторальной обстановке на Кифере, мифическом острове, где Венера, богиня любви. , рожденный от моря. Жесты и язык тела вызывают воспоминания, поскольку мужчина, стоящий ниже центра, обхватив рукой талию женщины рядом с ним, кажется, искренне умоляет ее, в то время как она поворачивается, чтобы с тоской смотреть на другие пары.Обнаженная статуя богини возвышается с пьедестала, украшенного гирляндами цветов справа, как бы руководя праздником. Слева она дважды изображена в золотой статуе, которая помещает ее на носу лодки. Обнаженные путти появляются на протяжении всей сцены, парят в небе слева или появляются между парами и подталкивают их вперед, а природа - вялое, но плодотворное присутствие. В целом картина воспевает путешествие любви. Как писал современный критик Джеб Перл, «влюбленные Ватто, замкнутые в своей мучительной, восхитительной нерешительности, являются символами постоянно приближающейся и постоянно исчезающей возможности любви.«

Как писала искусствовед Холли Брубах,« образы Ватто идеально подвешены между моментом непосредственно перед и моментом после… люди, которых он изображает, заняты разыгрыванием не одного, а нескольких возможных сценариев ». Его фигуры не так легко узнаваемы. люди, как аристократические типы, с гладкими напудренными лицами, которые вместе создают своего рода хореографию цвета и удовольствия. движение рококо.Как писал Джонатан Джонс: «В туманных, тающих пейзажах картин ... он недвусмысленно связывает пейзаж и желание: если искусство Ватто обращается к придворным любителям средневековья, оно начинает современную историю чувственности во французском искусстве».

Художники по направлению: рококо

Художественное движение

Рококо наполнил мир искусства и дизайна интерьеров аристократическим идеализмом, который отдавал предпочтение сложному орнаменту и замысловатым деталям.Картины, ставшие визитной карточкой той эпохи, были созданы в честь грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, развившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый, чрезмерный союз декоративного и изящного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

В живописи рококо в первую очередь испытала влияние венецианской школы на использование цвета, эротических предметов. Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащемся цвете. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя сейчас считается одним из ранних работ Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто. Его «приемная» для Королевской академии пейнтюра и скульптуры, Посадка на Киферу (1717), по сути, положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Изображение аристократов, одетых как для бала или в костюмах, которые винят, обедают и занимаются любовными развлечениями в садах и парках Аркадии, стало чрезвычайно популярной темой.Он не только понравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, включая мифологические сюжеты, к высшей категории.

В начале своей творческой карьеры Ватто присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим украшением commedia dell'arte , или комикса. театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубенса «Житие Марии Медичи » (), которые выставлялись на выставке. дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс был пионером в технике использования трех мелков, что означает использование красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Под влиянием Рубенса и Ватто Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей живописью, в которой аристократическая элегантность сочетается с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он был одинаково влиятельным в декоративном искусстве, театральной обстановке и дизайне гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств.

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай.Она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником короля до самой своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа. Среди других известных художников французского рококо были Жан-Батист ван Лоо и Франсуа Лемойн. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, как видно из его Апофеоза Геракла (1733-1736), написанного на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как Ван Лоос, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Живопись лидирует в итальянском рококо , примером чему служат работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с квадратурами или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо было также известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы», особенно Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как его Венеция: Санта-Мария-делла-Салюте (ок. 1740 г.), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто были проданы английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, как миниатюрные, так и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, ранее использовавшейся только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее портрет Людовика XV как дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркивая визуальную привлекательность и декоративный эффект.

Английский рококо , который называли «французским стилем», был более сдержанным, так как излишества стиля были встречены мрачным протестантизмом. Это прослеживается в творчестве британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей книге Анализ красоты (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным художественным критиком, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, в том числе философ Вольтер, художественный критик Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жак-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались и в 20 веке, как видно из описания в словаре 1902 года« Следовательно, рококо используется ... для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ».

Дизайн и живопись в стиле рококо будут отклоняться в сторону расходящихся путей , поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал пользоваться популярностью во французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное «вторым рококо», стало популярным и распространилось в Великобритании и Бавария.В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, в 20 веке был назван «Le gout Ritz». Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупного художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара в L'Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге. Также заново открытая братьями де Гонкур, сюжет комедии дель арте Ватто оказал влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20-го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст. для искусства, выражающего те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что можно увидеть в логотипе Ай Вэйвэя (2017), где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек. , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки - животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

См. Также Рококо (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *