homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров

 

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267—1337).

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент. 

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле  Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401—1428).

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

О фреске мастера читайте в статье “Изгнание из Рая” Мазаччо. Почему это шедевр”.

Приглашаю Вас в онлайн-галерею. Я, создатель этого сайта, помогу Вам подобрать картину. Полотна и их описания смотрите по ссылке.

3. Леонардо да Винчи (1452—1519).

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.

Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 15 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.

4. Микеланджело (1475—1564).

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г. 

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века.  Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

О самой известной фреске читайте в статье “Сотворение Адама. Почему это шедевр”.

5. Рафаэль (1483—1520).

Рафаэль. Автопортрет. 1506. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

6. Тициан (1488-1576).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562. Музей Прадо, Мадрид. 

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.

Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Английская версия статьи

Архив статей

Онлайн-курсы

Приобрести картины

работы в Риме и Флоренции > WowItaly

Пошлите друзьям лучик света из солнечной Италии 🙂

Микеланджело Буонаротти (Michelangelo Buonarroti) – один из величайших гениев за всю историю человечества. Этот знаменитый итальянский скульптор, архитектор, живописец и поэт воплотил собой идеал человека эпохи Возрождения – всесторонне и гармонично развитую личность.

Считая себя только скульптором, Микеланджело создал большое количество живописных шедевров и грандиозных архитектурных проектов, среди которых – купол собора Святого Петра, Сикстинская капелла, площадь Кампидольо в Риме, статуя Давида и библиотека Лауренциана во Флоренции. Его произведения обладают такой мощью и достоверностью, которые трудно не просто превзойти, но даже скопировать. 

Микеланджело Буонаротти, Галерея Уффици

Микеланджело родился

6 марта 1475 года в семье обедневшего дворянина Лодовико Буонаротти. Место рождения гения – маленький городок Капрезе  (Caprese) недалеко от Флоренции (провинция Ареццо). Сегодня городок называется Капрезе-Микеланджело (Caprese Michelangelo) в честь своего великого уроженца.
Капрезе-Микеланджело

Поворотным событием в судьбе Микеланджело стала ранняя смерть матери. В возрасте 6 лет ребенка отдали кормилице – жене каменотеса (почти все жители района, где родился Микеланджело, работали на каменных карьерах). Впоследствии Микеланджело придавал большое значение своим первым годам, проведенным среди каменотесов, у которых научился разминать глину и владеть резцом.

В нем рано проявилась склонность к скульптуре и живописи, и, хотя отец был против занятий сына, считая их недостойными древнего рода Буонаротти, в конце концов Микеланджело полностью посвятил себя служению искусству.

Из молока кормилицы извлек я резец и молот, которыми создаю свои статуи

Микеланджело Буонаротти

В отличие от Рафаэля, который умер в самом расцвете зрелости, Микеланджело прожил довольно долгую, даже по современным меркам, жизнь – целых 88 лет. Никто из художников (в широком смысле этого слова) ни до, ни после Микеланджело не проявил себя настолько же властно и мощно в трех пластических искусствах – живописи, скульптуре и архитектуре, и не оставил после себя столь разнообразного и выдающегося наследия.

Портрет Микеланджело, автор Даниэле да Вольтерра

Микеланджело был настоящим трудоголиком. Один из биографов писал, что он не снимал сапог, когда ложился спать, чтобы не тратить время на одевание и раздевание. Художник был равнодушен к материальным благам, вел почти пуританский образ жизни, хотя и считался богатым человеком. Его обед мог состоять из куска хлеба, который он жевал, чтобы не отвлекаться от работы. При этом Микеланджело очень гордился своим благородным происхождением, чем могли похвастать очень немногие представители его профессии.

Работы Микеланджело во Флоренции: 

1. Церковь Святого духа (деревянное распятие, одно из самых ранних произведений)
2. Casa Buonarotti (дом-музей семьи Буонаротти)
3. Музей Барджелло (статуя Вакха)
4. Галерея Академии (статуя Давида)
5. Семейная усыпальница Медичи
6. Библиотека Лауренциана
7. Музей палаццо Веккьо (статуя Дух победы)
8. Музей Опера-дель-Дуомо (флорентийская Пьета)
9. Галерея Уффици (единственная картина Микеланджело во Флоренции)
10. Церковь Санта-Кроче во Флоренции (усыпальница Микеланджело)

Работы Микеланджело в Риме: 

1. Сикстинская капелла
2. Капелла Паолина (Апостольский дворец)
3. Собор Святого Петра (архитектурный проект)
4. Cобор Святого Петра (Пьета)
5. Площадь Кампидольо (проект)
6. Усыпальница Юлия II
7. Базилика Санта-Мария-сопра-Минерва (статуя Христа с крестом)
8. Церковь Санта-Мария-дельи-Анджели-и-деи-Мартири (проект)

Где посмотреть работы Микеланджело Буонаротти во Флоренции

В 1488 году в возрасте 13 лет Микеланджело переезжает во Флоренцию и поступает в мастерскую Доменико Гирландайо, одного из ведущих флорентийских художников своего времени, где обучается основам фресковой живописи и проходит хорошую школу рисунка.

Учеба у Гирландайо была недолгой. Уже в 1489 Микеланджело был приглашен в художественную Академию, основанную правителем Флоренции Лоренцо Медичи (известного в истории под прозвищем Великолепный). Лоренцо Великолепный был так поражен талантами Микеланджело, что позволил ему жить во дворце Медичи на правах сына. 

Посмертный портрет Лоренцо Великолепного, автор Джорджо Вазари

В течение своей долгой жизни Микеланджело то покидал, то снова возвращался во Флоренцию, периодически раздираемую политическими беспорядками. За это время он успел создать множество произведений, которые сегодня находятся в различных музеях столицы региона Тоскана. 

✅Церковь Святого Духа, распятие / Basilica di Santa Maria del Santo Spirito

Внутри базилики Санто-Спирито можно увидеть одно из самых ранних произведений Микеланджело, которое он создал в возрасте всего 17 лет. После смерти своего покровителя Лоренцо Великолепного Микеланджело переезжает в монастырь Санта-Мария-дель-Санто-Спирито, где занимается анатомическим исследованием трупов, поступающих из больницы монастыря.

 

Чтобы выразить свою признательность за разрешение на анатомические исследования, важные для творчества скульптора и художника, Микеланджело вырезает распятие для алтаря церкви Санто-Спирито. Интересно, что Христос на распятии изображен хрупким подростком (в более поздних произведениях Микеланджело он гораздо более мускулистый) и без одежды. 

Деревянное распятие в церкви Санто-Спирито, 1492 г.

✅Casa Buonarotti

Casa Bouonarotti – музей во Флоренции, расположенный в доме XVI в., принадлежавшем Микеланджело и представителям его семьи. Сам художник в доме не жил, но здесь можно увидеть две его ранние работы – барельефы, выполненные из мрамора: Madonna della Scala («Мадонна у лестницы») и «Битва кентавров

». Также в музее находится коллекция предметов искусства (скульптуры, картины, археологические находки), рисунки и эскизы Микеланджело.
Casa Buonarotti

✅Музей Барджелло / Museo nazionale del Bargello

Барджелло – художественный музей во Флоренции, находящийся в здании XIII века, которое ранее служило резиденцией подеста (главы администрации в средневековых итальянских городах), а впоследствии тюрьмой и казармой. В музее представлены четыре работы Микеланджело. 

Национальный музей Барджелло
• Статуя Вакха (изображает бога вина Вакха (Бахуса) в человеческий рост). Дебютным произведением Микеланджело в Риме, куда он уезжал на время политических беспорядков во Флоренции, стало мраморное изваяние Вакха в человеческий рост. Сделанная по заказу кардинала Рафаэля Риарио, статуя впоследствии была приобретена банкиром Якопо Далли, который установил ее своем саду рядом с античными скульптурами. В 1572 году статую приобрели Медичи и перевезли во Флоренцию.
Вакх, 1497 г.
• Мраморный бюст Брута, убийцы Юлия Цезаря. По мнению некоторых исследователей, этот бюст отражал республиканские и антитиранические взгляды Микеланджело. 
• Круглый мраморный барельеф (тондо) с Девой Марией, младенцем Иисусом и маленьким Иоанном Крестителем, созданный для семейства Питти
• Давид-Аполлон (двойное название статуи связано с тем, что автор изменил сюжет в процессе работы)

✅Галерея Академии / Galleria dell’Accademia


Галерея Академии – художественный музей, где представлена одна из самых известных скульптур Микеланджело «Давид» и другие его работы, а также произведения флорентийских художников XIV-XVII вв.

Это второй по посещаемости художественный музей Италии после Уффици. 
• Статуя Давида. На время политических беспорядков во Флоренции Микеланджело уезжал то в Венецию, то в Болонью, то в Рим. Но в 1501 году он вернулся в родной город, где ему поручают изваять статую Давида. Когда в 1504 г. Микеланджело закончил свою работу, слава его гремела по всей Флоренции еще больше, чем после создании «Пьеты» в Риме. Первоначально статуя предназначалась для украшения флорентийского собора, но специально созванная комиссия решила поставить ее в самом сердце города, на площади Синьории, перед палаццо Веккьо, где находилось правительство. Это должно было символизировать свободу и независимость Республики. 
Давид, Галерея Академии, 1501-1504 гг. Статуя высотой 4,3 м изваяна из монолита чистейшего белого мрамора из Каррары

С 1873 году оригинальная скульптура Давида была перемещена с площади Синьории и находится в Галерее Академии. Причины перемещения были: необходимость сохранить одну из самых ценных скульптур в мире и решение создать отдельный музей с работами и рисунками Микеланджело к 400-летию со дня рождения художника.

Копия статуи Давида на площади Синьории перед палаццо ВеккьоБронзовая копия статуи Давида на площади Микеланджело
• Четыре незавершенные («non-finito») статуи «Рабы», предназначавшиеся для усыпальницы папы Юлия II
• Скульптурная группа «Пьета» (около 1560 г.), обнаруженная в часовне Барберини в Палестрине (некоторые эксперты сомневаются, что данную скульптурную группу создал именно Микеланджело, а не его помощник или ученик)

✅Базилика Сан-Лоренцо (Святого Лаврентия), семейная усыпальница Медичи / Basilica di San Lorenzo

После смерти папы Юлия II в 1513 году на Святом престоле оказался Лев X из семейства Медичи. Он поручил Микеланджело спроектировать фасад церкви Сан-Лоренцо во Флоренции. Микеланджело долго трудился над проектом, но в итоге реализовать его не удалось по причине дороговизны и последующей смерти папы-заказчика.

Кардинал Джулио Медичи (будущий Климент VII), желающий в том числе сохранить лояльность художника к своему семейству, поручил ему другую работу – проект семейной капеллы Медичи (Новой сакристии) при церкви Сан-Лоренцо, в котором Микеланджело выступал как скульптор и архитектор.

Гробница Джулиано Медичи (младшего сына Лоренцо Великолепного и брата Льва X) с аллегорическими скульптурами «День» и «Ночь»

Эта работа Микеланджело тоже заняла очень много времени и, в итоге  осталась незавершенной. В ходе восстания во Флоренции Микеланджело поддержал повстанцев, из-за чего его отношения с семьей Медичи сильно испортились. Когда в 1530 году Медичи овладели городом, Микеланджело бежал, опасаясь за свою жизнь. В итоге часть скульптур для сакристии завершали его ученики. 

✅Библиотека Лауренциана / Biblioteca Medicea Laurenziana

А второй важный архитектурный проект Микеланджело во Флоренции – библиотека Лауренциана, задуманная как хранилище для книг и рукописей, принадлежавших семейству Медичи. Этот проект тоже остался незавершенным по тем же причинам – из-за политических разногласий с семьей Медичи, которых Микеланджело не поддержал во время восстания в городе. Строительство началось в 1525 году, а сама библиотека была открыта только в 1571.

Читальный зал библиотеки Лауренциана

Отдельного внимания заслуживает вестибюль библиотеки и лестница, ведущая к читальному залу. По замыслу Микеланджело, лестница должна была символизировать свободный и мощный поток мыслей.

Лестница, библиотека Лауренциана

✅Музей палаццо Веккьо / Museo di Palazzo Vecchio

В музее палаццо Веккьо находится скульптурная группа «Дух победы», которую Микеланджело создал для усыпальницы Юлия II. Статуя так и не была использована для усыпальницы папы (проект претерпел существенные изменения) и долгое время хранилась во флорентийской мастерской Микеланджело. Затем, по предложению Даниэле да Вольтерра, ее хотели установить на гробнице Микеланджело в церкви Санта-Кроче, но Джорджо Вазари, по проекту которого создавалась усыпальница художника, был против. В итоге статую передали герцогу Козимо I Медичи.

Дух победы, 1532—1534 гг.

✅Музей Опера-дель-Дуомо / Museo dell Opera del Duomo

В музее при соборе Санта-Мария-дель-Фьоре находится «флорентийская Пьета» – одна из поздних работ Микеланджело, в которой он снова возвращается к теме оплакивания Христа. Эту Пьету скульптор начинает создавать в пожилом возрасте, под впечатлением от смерти своего духовного друга и поэтессы Виттории Колонны. Некоторые исследователи считают, что в фигуре Никодима, несущего безжизненное тело Христа, Микеланджело изобразил самого себя. 

Пьета (Положение во гроб), 1547-1555

✅Галерея Уффици / Gallerie degli Uffizi

В начале 1500-х гг., находясь во Флоренции, помимо Давида Микеланджело создает еще один шедевр – тондо Дони. Это единственная картина Микеланджело во Флоренции, и находится она в галерее Уффици. Свое название тондо получило от имени богатого суконщика, заказавшего картину по случаю своего бракосочетания с Маддаленой Строцци, дочерью банкира. Сохранившуюся оригинальную раму украшают головы Христа и пророков, а также герб семьи Строцци. Это единственное произведение, написанное по дереву и бесспорно приписываемое Микеланджело.

Тондо Дони (по центру), ок. 1503-1504 гг.

Где посмотреть работы Микеланджело в Риме

После смерти Лоренцо Великолепного из-за постоянных политических беспорядков и отсутствия заказов во Флоренции  Микеланджело переезжает в Рим в 1496 году. Самым крупным меценатом и покровителем творчества Микеланджело был папа римский Юлий II, который сделал очень многое как для упрочнения позиций папского государства, так и для расцвета архитектуры и искусства в Вечном городе.

После смерти Юлия II заказчиками Микеланджело выступали папы из рода Медичи – Лев X и Климент VII, а также Павел III из рода Фарнезе. В 1534 году Микеланджело окончательно перебирается в Рим и больше уже не возвращается во Флоренцию. 

✅Музеи Ватикана. Сикстинская капелла

Папа Юлий II – самый крупный меценат и покровитель творчества Микеланджело в первые его годы в Риме. Именно он в 1508 году поручает Микеланджело роспись потолка Сикстинской капеллы, иллюстрирующую 9 сюжетов из Книги Бытия (первой книги Ветхого Завета). Именно это произведение Микеланджело считается величайшим примером искусства эпохи Возрождения. 

Сикстинская капелла

В промежутке между распалубками свода Сикстинской капеллы Микеланджело изобразил пророков и сивилл, которые давно предсказывали появление Мессии для народа Израиля, или Спасителя для мира язычников. Каждый персонаж сидит на троне. Сивилла из древнегреческого города Дельфы была написана первой и является одной из самых прекрасных фигур в росписи Сикстинской капеллы.

В своем прославленном полуобороте Дельфийская сивилла обращает свой взор нас… ее волосы и мантию развевает ветер, получивший название «Духовного дуновения»… Ее мощная левая рука и мускулистая спина ее помощника считаются самыми прекрасными фрагментами живописи на всем плафоне

Фредерик Харт, американский скульптор

Дельфийская сивилла (Сикстинская капелла), 1509 г.

Среди всех гениальных фресок Сикстинской капеллы есть одна, которая выделяется даже на этом исключительном фоне. «Сотворение Адама» – шедевр среди шедевров, наивысший образец вдохновения Микеланджело, после которого трудно было представить по-другому библейский сюжет сотворения человека.

По мнению Джорджо Вазари, Адам Микеланджело написан «таким прекрасным, в таком положении, с такими очертаниями, что кажется, будто он действительно сотворен Создателем, а не кистью по замыслу человека». К первому человеку через бесконечное пространство Вселенной летит Бог в окружении сонма ангелов. Левая рука Адама робко тянется навстречу правой деснице Создателя. Их руки не соприкасаются, но именно в этом небольшом пространстве между их пальцами сосредоточен смысловой центр фрески: кажется, что сейчас произойдет разряд божественной энергии, дарующей жизнь первому человеку. 

Сотворение Адама, 1511 г.

В 1534 году Микеланджело получает новый заказ – на этот раз на роспись алтарной стены Сикстинской капеллы, куда он возвращается спустя 25 лет после росписи плафона. Папа Павел III заказал ему огромную фреску на тему Страшного суда, над которой художник трудился в течение 6 лет (если включить срок для подготовки стены алтаря). Фреска изображает Второе пришествие Иисуса Христа и божественный суд над человечеством. 

Роспись поразила и удивила… весь Рим, более того – весь мир

Джорджо Вазари

Всего на фреске насчитывается более 300 фигур, причем почти все мужчины и ангелы первоначально были обнаженными. В XVI в. это стало причиной большого скандала. Особо консервативные священнослужители видели только «стену обнаженных тел», а не «заключительный момент мировой истории, предшествующий обновлению мира и окончательному воссоединению человека с Богом».

За несколько недель до смерти Микеланджело было принято решение прикрыть драпировками чресла обнаженных фигур. Эта неблагодарная задача была поручена художнику Даниэле да Вольтерра (который был большим поклонником Микеланджело). За это его в насмешку прозвали Il Braghettone («штанописец», «исподнишник»).

Страшный суд, 1536-1541 гг.

✅Капелла Паолина, Апостольский дворец (Ватикан)

Последние годы жизни Микеланджело довольно много работает для папского двора. Для капеллы Паолина, возведенной по указанию Павла III, мастер создал две фрески – «Обращение Савла» и «Распятие апостола Петра» (1542-1550). Темы фресок были выбраны самим Папой в честь апостолов Петра и Павла, святых покровителей Рима. 

Обращение Савла, 1542-1545 гг.

✅Собор Святого Петра

С 1546 году Микеланджело занимался проектом собора Святого Петра, одного из самых важных и крупных храмов христианского мира. Строительство началось еще в 1506-м, но постоянно стопорилось из-за многочисленных изменений, вносимых в проект. Микеланджело вернулся к идее центральнокупольного сооружения, предложенной когда-то Донато Браманте. Над постройкой должен был возвышаться мощный центральный купол по примеру древнеримского Пантеона.

Микеланджело рассматривал свою работу над куполом собора Святого Петра как одну из величайших в своей жизни, которая дарует ему спасение на небесах. Однако при жизни Микеланджело возвели только центральный барабан купола, а само строительство собора было завершено только в 1626 году.

Собор Святого Петра в ВатиканеКупол собора Святого Петра

✅Собор Святого Петра, скульптурная группа «Пьета»

В период между 1498 и 1499 гг. по заказу кардинала Жана Билэра де Лягрола Микеланджело изваял великолепную скульптурную группу «Пьета» (оплакивание Христа Марией). Она упрочила славу Микеланджело как выдающегося скульптора. Практически сразу «Пьета» была признана шедевром, вызывающим безмерное восхищение всех, кто ее видел.

Когда Микеланджело ее изваял, ему не было и 25 лет, и, конечно же, нашлись те, кто усомнился в его авторстве. Как писал биограф Микеланджело Джорджо Вазари, некие миланцы даже утверждали, что это работа их земляка. Тогда Микеланджело, вооружившись светильником и резцом, пробрался ночью к скульптуре и вырезал свое имя на ленте, опоясывающей грудь Мадонны: «Michael Angelus Bonarotus Fiorent(inus) Faciebat» («Сделано Микеланджело Буонаротти, флорентийцем»). Это единственная работа Микеланджело, которую он подписал.

Пьета, 1499 г.

✅Площадь Кампидольо / Piazza del Campidoglio


Площадь Кампидольо (Капитолийская площадь) расположена на вершине Капитолийского холма, где во времена Древнего Рима находился табуларий (государственный архив). В Средние века, однако, это место пришло в запустение, и его даже использовали в качестве пастбища для коз.

Папа Павел III был недоволен тем, во что превратилась площадь в самом сердце Рима. Также ему хотелось впечатлить императора Карла V, поэтому разработку проекта площади и зданий на Капитолийском холме он поручил самому талантливому на тот момент архитектору – Микеланджело. 

Микеланджело придал площади трапециевидную форму и изменил ее ориентацию с Римского форума (символа античного языческого Рима) на базилику Святого Петра, то есть папский Рим и христианство. В центр была помещена конная статуя Марка Аврелия, для которой Микеланджело создал постамент. Это единственная дошедшая до наших дней конная статуя римского императора (она сохранилась благодаря тому, что человека на коне приняли за первого христианского императора Константина Великого).

Также Микеланджело разработал новый фасад для обветшалого Палаццо-деи-Консерватори (Palazzo dei Conservatori), и создал проект Палаццо Нуово (Palazzo Nuovo) как его зеркальное отражение, тем самым обеспечив баланс и симметричность зданий. Сегодня в обоих палаццо размещаются экспозиции Капитолийских музеев.

Капитолийская площадь

Микеланджело спроектировал не только саму площадь, но и широкую и пологую, напоминающую пандус, лестницу Кордоната (Cordonata), ведущую на нее.

Лестница Кордоната

Хотя на момент смерти Микеланджело работа по переустройству площади не была завершена, в течение следующих 100 лет его рисунки использовались для придания ей окончательного облика.  

✅Церковь Сан-Пьетро-ин-Винколи, усыпальница Папы Юлия II

В начале XVI в. папа Юлий II выступал заказчиком многих работ в Ватикане и Риме, приглашая лучших архитекторов, скульпторов и живописцев. К созданию собственной усыпальницы он решил привлечь лучшего из лучших – Микеланджело, поручив ему реализовать грандиозный проект. Усыпальница Юлия II в первоначальном варианте своими размерами и богатствами могла бы затмить все остальные гробницы мира. Она должна была иметь 9 метров в ширину и 6 в длину и три яруса, украшенных 40 статуями размерами выше человеческого роста.

Строительство планировалось завершить через 5 лет, но даже гению Микеланджело такая задача оказалась не под силу. В 1506 году Юлий II задумал перестроить собор Святого Петра, и новый проект отвлек его от мыслей об усыпальнице. А в 1513 году папа умер, и Микеланджело пришлось годами судиться с наследниками, прежде чем была достигнута договоренность о строительстве более скромной гробницы.

Я потратил свою молодость, будучи прикован к этой гробнице.

Микеланджело Буонаротти

В итоге работы по созданию усыпальницы для папы были завершены только спустя 40 лет с момента заказа. От первоначального замысла, который оказался слишком дорогостоящим, практически полностью пришлось отказаться. Микеланджело успел создать лишь статую Моисея (также ведутся споры об авторстве женских фигур Лии и Рахили в нижнем ярусе), остальные были выполнены его помощниками.

Усыпальница Юлия II, церковь Сан-Петро-ин-Винколи, 1545 г.Статуя Моисея работы Микеланджело

✅Санта-Мария-сопра-Минерва / Santa Maria sopra Minerva

Церковь Санта-Мария-сопра-Минерва (входит в маршрут нашего обзорного квеста по Риму) – единственная оригинальная готическая церковь Рима. Здесь, слева от алтаря, находится  одна из наименее известных работ мастера – мраморная статуя «Христос с крестом». Изначально статуя изображала Христа полностью обнаженным, драпировка была добавлена позднее – в XVII в.

Христос с крестом, 1519—1521

✅Церковь Санта-Мария-дельи-Анджели-и-деи-Мартири / Basilica di Santa Maria degli Angeli e dei Martiri

Базилика Санта-Мария-дельи-Анджели-и-деи-Мартири перестроена из руин терм императора Диоклетиана (эти термы были самыми большими в Риме). Довольно сложный проект по перестройке был доверен Микеланджело, и эта церковь – его последняя работа перед смертью.

Где похоронен Микеланджело Буонаротти?

Церковь Санта-Кроче во Флоренции

18 февраля 1564 года, совсем немного не дожив до 89 лет, Микеланджело скончался в Риме. Художник выразил желание быть похороненным в родной Флоренции, поэтому его останки были перевезены во флорентийскую церковь Санта-Кроче. Надгробие со скорбящими фигурами, воплощающими живопись, ваяние и зодчество, было сделано по эскизу его друга и биографа Джорджо Вазари.

Гробница Микеланджело в церкви Санта-Кроче

Квесты в Италии

Экскурсии в Италии

Мастер-классы с итальянцами

Трансферы в Италии

Больше интересных статей об Италии:




Пошлите друзьям лучик света из солнечной Италии 🙂

Кто самый великий Микеланджело? 10 самых знаковых работ Титана эпохи Возрождения, занимающие

—

места Когда дело доходит до Высокого Возрождения, Микеланджело Буонаротти (1475–1564) занимает самое высокое место. Бесподобный скульптор, искусный рисовальщик и неохотный, но опытный художник, он был не только одним из самых известных художников своего времени, но, вероятно, остается одним из самых известных художников всех времен.

Он мог быть немного вспыльчивым: его соперничество с Леонардо да Винчи и Рафаэлем хорошо задокументировано, и он не раз в гневе выбегал из Сикстинской капеллы. Но он был так хорош, что даже эта репутация не могла сломить его. Современники называли его Il Divino  («божественный»), потому что считали его мастерство непревзойденным среди простых смертных. Это прозвище вдохновило название обширной выставки Метрополитена, посвященной художнику, «Микеланджело: божественный рисовальщик и дизайнер», которая откроется 13 ноября.0003

Чтобы воздать должное, мы изучили 10 его самых популярных работ (на основе поиска картинок в Google). Здесь мы ранжируем их в соответствии с тем, где, по нашему мнению, они стоят критически, как представление того, что делает Микеланджело удивительным.

Микеланджело, Сан-Спирито Распятие (1492). Собрание Санта-Мария-дель-Санто-Спирито-ди-Фиренце, Флоренция.

10. Распятие Сан-Спирито (1492)

Микеланджело сделал это обнаженное распятие, когда ему было всего 18 лет. Это была благодарность августинским монахам в Сан-Спирито, которые позволили подростку заниматься серфингом на диване после того, как его покровитель, Лоренцо Медичи, умер в 149 году.2, оставив художника без крова. Согласно рассказу Джорджо Вазари о жизни художника в его знаменитом томе « Жизнеописания художников» , именно в Сан-Спирито Микеланджело начал препарировать мертвые тела, «чтобы изучить детали анатомии, и начал совершенствовать великое мастерство. в дизайне, которым он впоследствии обладал».

Несмотря на то, что это искусно сделанное распятие было взято из жизни (или смерти, если можно так выразиться), оно не придало карьере Микеланджело особого импульса — на самом деле, большинство забыло, что он вообще его создал. После столетий, считавшихся потерянными, в 1962 буря в СМИ поднялась вокруг него после того, как распятие было вновь обнаружено в монастыре, покрытое сотнями лет плохой покраски. Ранее в этом году он снова попал в заголовки газет, когда его, наконец, вернули в его первоначальный дом во Флоренции, что, вероятно, объясняет его дурную славу среди публики.

Однако распятие относится к юношеским, поэтому оно занимает последнее место в нашем списке. Фигура Христа не имеет той мускулатуры, которой славился Микеланджело. На самом деле кажется, что здесь он мог просто копировать изображения предыдущих художников. Историк искусства Маргрит Лиснер приписывает стройность формы Иисуса желаниям покровителей, а также художнику, который был еще зеленым, что побудило его искать вдохновение в более ранних примерах других художников.

 

Микеланджело, Мадонна Брюгге (1501–04). Собрание Onze Lieve Vrouwekerk, Брюгге. Фото Эльке Ветциг, Creative Commons Attribution-Share Alike 3. 0 Unported license, GNU Free Documentation License.

9. Мадонна Брюгге (1504)

Историк искусства Эрвин Панофски, когда писал о Мадонне Микеланджело Брюгге , приписал художнику слова о том, что идеальная скульптура — это та, которую можно скатить вниз холм без повреждений . По этим стандартам эта скульптура была бы близка к совершенству: прочная сидящая композиция Марии и Младенца Христа напоминает размер и компактную массу оригинального каменного блока, из которого были вырезаны фигуры.

Это был образ, к которому стремился Микеланджело, и в то время он был довольно инновационным. Немногие скульпторы пытались создать проект такой сложности в таком масштабе, с изображением, высеченным из цельной мраморной плиты и высотой шесть с половиной футов.

Несмотря на мастерство, продемонстрированное в Мадонне Брюгге , и статус единственной работы художника, покинувшей Италию при жизни, скульптура обязана своим статусом иконы в основном тому факту, что она была разграблена нацистами в 1945. Действительно, историк искусства Уильям Э. Уоллес отмечает, что этой работе уделялось столь мало внимания, что даже тогдашние авторитеты Микеланджело мало знали о ней: «О ней было так мало известно, что его биографы Джорджио Вазари и Асканио Кондиви ошибочно полагали, что она была отлита бронза. И Воскресший Христос , и Брюггская Мадонна мало способствовали флорентийской репутации Микеланджело».

Очевидно, что это была не самая запоминающаяся работа художника — ни тогда, ни сейчас — и по этой причине мы ставим ее на девятое место, вне зависимости от способности катиться под гору или нет.

 

Микеланджело, Бахус (1497). Собрание Национального музея Барджелло, Флоренция.

8. Бахус (1497)

Заказ кардинала Риарио, Бахус был первым набегом Микеланджело на крупномасштабную скульптуру и является одной из немногих работ, которые он когда-либо делал, не на христианскую тему. Слегка нарушая равновесие фигуры, нарушая присущую классическому контрапосту видимость стабильности, художник заставляет Вакха — римского бога вина — казаться соответственно подвыпившим. Этот уровень реализма был беспрецедентным в изображениях любящего вечеринки Бахуса до этого времени, раскрывая Микеланджело как виртуозного перфекциониста, которым он стал известен.

В сообщениях указывается, что кардинал Риарио, возможно, отверг готовую скульптуру, предполагая, что он не думал, что работа Микеланджело еще не совсем готова. Историк Ральф Либерман объясняет, что отвращение к кардиналу разделяли и другие, и он, вероятно, согласился бы с тем, что мы поместили его на низкое место в нашем рейтинге: «Причины, по которым Риарио отверг Бахуса, вполне могли быть теми же, что и многие более поздние комментаторы фигуре это не понравилось: неуклюжая поза, несколько вульгарное лицо и мягко женоподобное тело».

Микеланджело, Умирающий раб (ок. 1513–1516). Собрание Лувра, Париж.

7. Dying Slave  (1513–16)

Dying Slave предназначался для сопровождения другой работы, Rebellious Slave , на сторона Моисей , в гробнице Папы Юлия II. Пытаясь выбрать идеальный мрамор для места последнего упокоения папы, Микеланджело отправился в карьеры Каррары, чтобы вручную выбрать каменные плиты. Вернувшись, он принялся высекать совершенный образец человека в томной агонии смерти. Тогда Юлий передумал и отменил комиссию.

Действительно, Умирающий раб — одна из шести фигурок рабов, созданных Микеланджело за несколько лет для папы; Юлий фактически опустошил папскую казну, пытаясь создать для него идеальное место, чтобы начать свою загробную жизнь. Но проект так и не был полностью реализован, к большому огорчению художника, особенно после того, как он потратил почти год на поиски карьера.

Мог ли «Умирающий раб » стать лучшим примером стремления Микеланджело к совершенству, если бы ему не помешала непостоянство Юлия? Сложно сказать. Как отмечает Ричард Флай, сама фигура раба кажется разочарованной собственными обстоятельствами, как будто предлагая борьбу фигуры со смертью как метафору борьбы художника с материалом:

Однако даже Микеланджело не может поддерживать божественное превосходство над своим материалом, и в нескольких провокационных работах он, кажется, признает, что невидимость косной материи может почти нейтрализовать даже его творческие силы. Его статуя Умирающего раба…  наводит на мысль о том моменте, когда жизнь капитулировала перед неумолимой силой мертвой материи… Возможно, даже намек на что-то демоническое и отрицающее в способности медиума искажать, сводить на нет и ослаблять творческие усилия художника. : намек на надвигающийся хаос.

 

Микеланджело, Ангел (1494–95). Ангел Арка ди Сан Доменико в базилике Сан Доменико в Болонье. Фото Джеймса Стейкли (2008 г.), Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Неперенесенная лицензия.

6. Ангел (1495)

Этот коленопреклоненный ангел с подсвечником высотой около полутора футов является одной из самых ранних работ Микеланджело. Он был создан для Арки Сан-Доменико в Болонье в качестве дополнения к существовавшему ранее ангелу художника Никколо дель Арка, интегрированному в схему дизайна здания. Это исторически важно, поскольку именно с этой работы Микеланджело начал демонстрировать свой фирменный стиль: в то время как ангел дель Арка мягок и женственен, скромен в любовных объятиях своего подсвечника, Микеланджело изображает сильного юношу с четкой мускулатурой и орлиными крыльями. .

Несмотря на свой небольшой размер, Ангел показывает, что художник рано овладел своим медиумом, и, как и должно быть появление любого доброго ангела, является предзнаменованием грядущих благословений. Историк искусства Эллен Лонгсворт утверждает, что он служит чем-то вроде развлечения для более известной работы художника:

Даже на расстоянии очевидна выразительная цельность маленького святого Микеланджело. Основные контуры передают энергию и решимость, а силуэт прекрасно читается на фоне богато украшенного алтаря. Только после заказа Микеланджело Дэвид столкнется ли он с подобным вызовом. В общих чертах более простая фигура, чем Святой Прокул, Давида была разработана для чтения на фоне неба и верхней части одной из трибун флорентийского Дуомо. Уверенная поза фигуры и настороженный поворот головы, сразу понятные издалека, присутствуют и в маленьком святом Микеланджело.

 

Микеланджело, Моисей (ок. 1513–1515 гг.), для гробницы Юлия II. Собрание Сан-Пьетро-ин-Винколи, Рим.

5. Моисей (1513-15)

Моисей Микеланджело последовал по пятам за его Давидом , публичный успех которого привлек к нему внимание Папы Юлия. Работа, заказанная папой в 1505 году для его гробницы, представляет собой определенный момент из библейской истории о Моисее, когда он видит, что его народ начал поклоняться языческой иконе — Золотому тельцу — сразу после того, как он спустился с горы Синай. с тяжелыми каменными плитами с Десятью Заповедями. Излишне говорить, что Моисей был в ярости, и именно этот гнев Микеланджело умело воплощает в своей восьмифутовой сидячей скульптуре. Однако Моисей не просто сидит. Его левая нога и бедра смещаются влево, а его мускулистое туловище обращено вправо, наполняя фигуру напряжением и силой; хотя он смотрит влево, его борода хлещет вправо, указывая на быстрое движение.

Моисей находится в середине этого списка, потому что изображение этого библейского персонажа так хорошо. Это может быть даже слишком хорошо, по словам Фрейда, который язвительно заметил, что это исполнение «превосходит исторический или традиционный Моисей», добавив, что, по его мнению, скульптура имеет скорее светское, чем святое значение, как символ человека, подавляющего «внутреннее сознание». страсть» в погоне за высшей целью.

 

Микеланджело, Пьета (1498–99). Собрание Музеев Ватикана, Собор Святого Петра.

4. Pietà (1498-99)

В 15 веке тема Марии, баюкающей Иисуса после того, как его сняли с креста, также известная как pietà , обычно изображалась на Северном Европейское искусство, но в меньшей степени итальянское. Поэтому, когда французский кардинал обратился к 23-летнему Микеланджело с просьбой вылепить один для его надгробного памятника, художник с радостью принял вызов, зная, что может оставить свой след. Именно Pietà заставил людей запомнить имя Микеланджело — буквально, как описывает Вазари:

…по правде говоря, совершенно удивительно, что рука художника смогла должным образом создать нечто столь возвышенное и восхитительное за короткое время, и ясно, что это чудо, что камень, изначально бесформенный, мог когда-либо быть доведены до состояния совершенства, которое природа обычно стремится создать во плоти. Микеланджело вложил столько любви и труда в эту работу, что на ней (чего он не делал ни в одной другой работе) он оставил свое имя, написанное на кушаке, который опоясывает грудь Богоматери.

 

Микеланджело, Страшный суд (1536–41). Собрание музеев Ватикана, Сикстинская капелла.

3. Страшный суд (1536–1541)

«Поворот в глубину, борьба за бегство от здесь и сейчас картинной плоскости, которая всегда отличала Микеланджело от греков, стала доминирующей ритм его более поздних работ», — написал однажды Кеннет Кларк. «Этот колоссальный кошмар, Страшный суд состоит из такой борьбы. Это самое непреодолимое скопление во всем искусстве тел в насильственном движении».

Даже это может быть преуменьшением. Страшный суд , который дугой над алтарем Сикстинской капеллы, драматично изображает второе пришествие Христа и окончательный суд над всем человечеством. Микеланджело втиснул в обширную сцену 300 мускулистых фигур, некоторые из которых представляли выдающихся святых, другие были простыми смертными, восходящими на небеса или спускающимися в ад. Сцена интенсивного действия, страха, трепета и обильной наготы, Страшный суд сам по себе подвергался многочисленным осуждениям, часто подвергался критике за свою занятость и иногда скрывался папскими цензорами.

Но именно это чувство турбулентности может быть тем, что заставляет эту работу резонировать сегодня. Его буйные тела, остановившиеся в мучительном движении, — именно то, что делает его недвусмысленно Микеланджело, даже несмотря на то, что его более поздние работы уходят от божественной гармонии Высокого Возрождения к чему-то более маньеристскому и современному.

Микеланджело Буонарроти, Сотворение Адама в Сикстинской капелле музеев Ватикана, Рим.

2. Сотворение Адама (1508-12)

Папа Юлий II приостановил долгую работу Микеланджело над папской гробницей, чтобы расписать потолок Сикстинской капеллы. Художник не был заинтересован в принятии заказа — в конце концов, он был скульптором, а не художником, — но его заставили. Так случилось, что Микеланджело, величайший скульптор, создал то, что, вероятно, является одним из самых священных образов в истории западного искусства.

В основе эпического произведения лежит Сотворение: Бог протягивает палец к руке новоиспеченного человека, Адама, готового вдохнуть в него жизнь (Ева наблюдает со сгиба руки Бога). Немногие художники когда-либо изображали эту сцену так драматично, как Микеланджело, и даже в наш секулярный век это сделало ее практически метонимической для всей истории Бытия в современной культуре. На него так часто ссылаются, цитируют или ругают из-за его религиозного значения, что на самом деле можно забыть, какой это потрясающий акт художественного театра.

Вот что предлагает Пол Барольский в своем страстном эссе «Гений сотворения Адама Микеланджело и слепота истории искусства»:

Что делает фреску Микеланджело такой захватывающей, так это ее напряжение — ощущение события, которое только завершится. когда палец Бога касается пальца Адама. Бог на фреске Микеланджело, можно сказать, навсегда остановлен в незавершенном акте наполнения Адама духом. Это предельный божественный non finito… В нашем постхристианском мире современные исследователи не очень озабочены пространственным значением фрески, и это понятно. Но игнорировать то, как Микеланджело сделал видимым свой смысл, значит быть слепым к поразительному проявлению художественного гения или поэтического воображения.

Если бы это был другой художник, это невероятно творческое изображение Творения возглавило бы любой список. За исключением того, что это не какой-либо другой художник, что приводит меня к…

 

Микеланджело, Давид (1501–04). Собрание Галереи Академии, Флоренция.

1. Дэвид (1501-04)

Должно быть Дэвид , верно?

Художнику было всего 26 лет, когда он создал Давида . Уже в свое время она привела его к вершинам художественной славы за свою чистую бравурность. Работа высотой более 13 футов была вылеплена из куска мрамора, который другой художник начал вырезать для другого проекта, но затем отказался от него, потому что камень был структурно скомпрометирован. Однако это не остановило Микеланджело, который знал, что у него есть навыки, чтобы заставить мрамор работать на него.

«Конечно, любой, кто увидит эту статую, не должен беспокоиться о том, чтобы увидеть какую-либо другую скульптуру, созданную в наше время или в любой другой период любым другим художником», — написал Вазари в Жизнеописаниях художников , делая Микеланджело — центральный персонаж его книги по истории искусства, самая хваленая фигура эпохи Возрождения.

Дэвид отличается от любой скульптуры, которая была до него. Он взят из известной библейской истории о мальчике, сражающемся с великаном Голиафом. Но в то время как другие предпочитали подчеркивать его малость, Микеланджело Дэвид сам по себе гигант: мускулистый, уверенный в себе мужчина, готовый к бою. Удивительная вещь, тогда и сейчас, о Давиде Микеланджело, заключается в том, что работа является одновременно и буквально изображением огромного героя, и типичным изображением отважного маленького парня.

Следите за новостями Artnet на Facebook:
Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.

Три самых знаковых скульптуры Микеланджело – журнал Artsper

Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони, более известный как Микеланджело, был разносторонним и талантливым художником. В первую очередь как скульптор, но также и как опытный архитектор, художник и поэт, Микеланджело произвел революцию в мире искусства. Наряду с Леонардо да Винчи и Рафаэлем он был и остается иконой Высокого Возрождения. Мы в восторге от невероятного потолка Сикстинской капеллы со знаменитой фреской Сотворение Адама. Как известно, это дизайн купола базилики Святого Петра в Риме, Италия, а также скульптур внутри. Но как скульптура Микеланджело оставляет такое неизгладимое впечатление на протяжении веков? Чтобы узнать это, откройте для себя эти 3 символические скульптуры Микеланджело.

Давид, самая известная скульптура Микеланджело

Давид Микеланджело, Галерея Академии, Флоренция

Давид , безусловно, самая известная из скульптур Микеланджело, если не одна из самых известных в мире. Он был вылеплен из мрамора, который современники Микеланджело считали «необрабатываемым». Это был технический подвиг, запечатлевший гений скульптора. Но если этот шедевр (результат трех лет работы) так символичен, то и по другим причинам. Он впервые представляет Давида перед его битвой с Голиафом, одновременно бесстрастного и настороженного. Библейская фигура Давида высотой 5,17 метра впечатляет!

Вся работа выражает стальную решимость: напряженные и совершенные мышцы, уверенный взгляд, бесстрашная осанка. Кроме того, Микеланджело намеренно сделал непропорциональными некоторые части тела Давида. Его руки, голова и туловище больше, чем обычно. Причины такого выбора до сих пор неясны. Для специалистов Микеланджело наиболее вероятным объяснением является то, что он хотел подчеркнуть существенные элементы работы.

Пьета, безошибочный символ католической преданности

Микеланджело Пьета , 1497, Базилика Святого Петра

Пьета особенно символична, потому что это ключевая работа в карьере Микеланджело. Его феноменальный успех обеспечил скульптору всемирную известность. Основная библейская сцена, Pietà , изображает Деву Марию, держащую мертвое тело Христа сразу после его распятия. Помимо технического совершенства, это изображение Богородицы отличается особенно юными и безмятежными чертами. Сильный символ католической преданности, эта скульптура Микеланджело до сих пор ежедневно привлекает сотни поклонников. Это единственная работа, официально подписанная Микеланджело. Сегодня он занимает почетное место в базилике Святого Петра в Ватикане.

Вакх, скульптура Микеланджело с неожиданной темой

Вакх работы Микеланджело, 1497, Музей дель Барджелло, Флоренция

В отличие от большинства других работ Микеланджело, эта работа посвящена довольно легкому сюжету. Действительно, это скульптура Вакха, римского бога вина, пьянства, излишеств и природы. Здесь на Бахусе только корона из виноградных листьев, гроздь винограда и бокал с вином. Он смотрит на последнего пустыми глазами и разочарованным взглядом, его тело заметно качается под действием алкоголя. Позади него стоит маленький сатир, связанный с Вакхом гроздью винограда, которую они оба держат. Хотя эта скульптура Микеланджело сейчас известна во всем мире, она не соблазнила своего покровителя, кардинала Раффаэле Риарио. Позже он был продан Якопо Галли, банкиру и другу Микеланджело, а затем, наконец, семье Медичи. Сейчас он находится в Национальном музее Барджелло во Флоренции, Италия.