Скульптура эпохи Ренессанса
Скульптура, как один из самых древнейших видов искусства, меняется вместе с людьми и временем. И скульптуры эпохи Ренессанса не исключение. Что нам известно об эпохе Ренессанса или, в переводе с латинского, Возрождения?
Это целый культурный пласт, который пришел на смену аскетичным средним векам и принес с собой возрождение античности, расцвет культуры, гуманизм, установление личности человека как высшей ценности.
Италия тринадцатого века считается колыбелью Ренессанса и продлилась эта эпоха до 16 века, когда начали появляться новые направления и стили в искусстве. Скульптура, которая ранее лишь украшала рельефами архитектурные сооружения, в период Возрождения постепенно приобретает самостоятельность. И к концу 16-го века, это уже отдельный вид искусства.
Проторенессанс появился в позднем средневековье и ярким его представителем был скульптор и архитектор Арнольфо ди Камбио. Он автор главного собора во Флоренции, статуи короля Карла I в Риме, фонтана в Перудже с многочисленными скульптурами.
Раннее Возрождение охватывает весь 15 век. Скульптура как искусство начинает отделяться от религиозных средневековых канонов. Имя Донателло ди Никколо ди Бетто Барди самое знаменитое в тот период. Он первым «отлепил» от стены рельеф — изображения скульптур углубляются, индивидуализируются. Первым создал обнаженную натуру. А также работая над конной статуей кондотьера Гаттамелаты, первого памятника в бронзе, он нашел необычное для того времени решение по расположению скульптуры относительно стен здания. Благодаря этому, весь контур всадника и коня прекрасно смотрится с любой стороны, не сливается с фасадом церкви и от этого кажется более значительным и монументальным, несмотря на небольшие размеры.
Высокое Возрождение — это расцвет и пик эпохи Ренессанса. Длится он с конца 15 века до 20-х годов 16. Немалую роль сыграл в этом и вступивший на папский престол папа Юлий II. Он известен как меценат искусства. При нем творили свои шедевры такие таланты как Леонардо да Винчи, Рафаэль и великий Микеланджело. Микеланджело Буонаротти, прожив почти 90 лет, сделал множество работ. Но его всемирно известный Давид, это вершина эпохи Ренессанса и человеческого гения. Его скульптуры мощны и объемны, но в то же время завораживают гибкостью и реальностью объекта. Скульптура периода Высокого Возрождения вышла из тени архитектуры окончательно, она независима от религии, у мастеров ваяния появляются заказчики. Скульптура становится классической, достойной своих античных греко-римских предков.
К Позднему Возрождению условно относят вторую половину 16 века. Здесь уже трудно назвать момент, когда появляется кризис и упадок эпохи Возрождения и начинается новый этап в искусстве – маньеризм, он переходный перед следующим стилем в скульптуре и архитектуре – барокко.
Настолько разнообразны в своих проявлениях работы мастеров ваяния и художников. Слишком свободным становится отношение авторов к принципам и формам античного искусства. Большое влияние в этом периоде имеет итальянский скульптор, живописец и ювелир Бенвенуто Челлини. Его известный рельеф Нимфа Фонтенбло сделана в бронзе для короля Франции Франциска первого. Знатоки искусства относят это произведение к раннему маньеризму. Также последняя скульптурная группа Пьета, в исполнении Микеланджело, как бы завершает не только его творческий путь, но и эпоху Возрождения.
Влияние эпохи Ренессанса имеет огромное значение для понимания и изучения человека, природы в целом, для возрождения античной культуры, в частности. Скульптура, благодаря Возрождению, стала более понятна и доступна обычным людям, разбудила в них потребность в красоте и эстетике. Эпоха Возрождения породила множество гениальных творцов, чьи шедевры до сих пор не перестают восхищать и поражать своим великолепием.
Конспект по МХК на тему: «Скульптура раннего Ренессанса»
Скульптура,
как одна из древнейших форм искусства, меняется вместе с людьми и временем.
И
скульптуры эпохи Возрождения не являются исключением. Что мы знаем о Ренессансе
или, по-латыни, о Ренессансе?
Это целый культурный пласт, пришедший на смену аскетическому Средневековью и принесший с собой возрождение античности, расцвет культуры, гуманизм, утверждение человеческой личности как высшей ценности.
Италия XIII века считается колыбелью Возрождения, и эта эпоха продолжалась до XVI века, когда стали появляться новые направления и стили в искусстве. Скульптура, которая раньше только украшала архитектурные сооружения рельефами, постепенно обретает независимость в эпоху Возрождения. А к концу 16 века это уже был отдельный вид искусства.
Искусствоведы делят Ренессанс на четыре этапа.
Прото-ренессанс
возник в позднем Средневековье, и его самым выдающимся представителем был
скульптор и архитектор Арнольфо ди Камбио. Он является автором главного собора
Флоренции, статуи короля Карла I в Риме, фонтана в Перудже с многочисленными
скульптурами. Произведения Арнольфо ди Кампио находятся под влиянием
античности, они спокойны и выдержаны, проникнуты греческим духом.
Под рукой
мастера они становятся более наглядными, выразительными в исполнении,
пластичными, близкими к реальности. Это подтверждается его скульптурой
«Траур Иоанна по Марии».
Ранний Ренессанс охватывает весь 15 век. Скульптура как искусство начинает отделяться от религиозных канонов средневековья. Имя Донателло ди Никколо ди Бетто Барди является самым известным в тот период. Он первым «снял» рельеф со стены — изображения скульптур углубились, индивидуализировались. Он был первым, кто создал обнаженную натуру. А также работая над конной статуей кондотьера Гаттамелата, первым памятником из бронзы, он нашел необычное для того времени решение расположения скульптуры относительно стен здания. Благодаря этому весь контур всадника и лошади отлично смотрится с любой стороны, не сливается с фасадом церкви и от этого кажется более значительным и монументальным, несмотря на свои небольшие размеры.
Высокий Ренессанс
— это расцвет и пик Ренессанса. Он длится с конца 15 — го века по 20-й.
Значительную роль в этом сыграл папа Юлий II, взошедший на папский престол. Он
известен как покровитель искусств. Под его руководством такие таланты, как
Леонардо да Винчи, Рафаэль и великий Микеланджело, создавали свои шедевры.
Микеланджело Буонаротти, проживший почти 90 лет, проделал большую работу. Но
его всемирно известный Давид-вершина Ренессанса и человеческого гения. Его
скульптуры мощны и объемны, но в то же время они завораживают гибкостью и
реальностью объекта. Скульптура Высокого Возрождения наконец-то вышла из тени
архитектуры, она независима от религии, у мастеров скульптуры есть заказчики.
Скульптура становится классикой, достойной своих древних греко-римских предков.
Вторую половину
XVI века условно относят к позднему Ренессансу. Здесь трудно назвать момент,
когда наступает кризис и упадок Ренессанса и начинается новый этап в
искусстве-маньеризм, переходный перед следующим стилем в скульптуре и
архитектуре-барокко. Работы скульпторов и художников так разнообразны в своих
проявлениях.
Влияние эпохи Возрождения имеет огромное значение для понимания и изучения человека, природы в целом и для возрождения античной культуры в частности. Скульптура, благодаря эпохе Возрождения, стала более понятной и доступной простым людям, пробудила в них потребность в красоте и эстетике. Ренессанс породил множество блестящих творцов, чьи шедевры до сих пор не перестают восхищать и поражать своим великолепием.
В зданиях этого времени вновь подчеркивается плоскостность
стены, ее материальность, четко ограничено внутреннее пространство, которое
приобретает единство. Также достигается пропорциональность пропорций опорной и
зажимной частей, устанавливается баланс горизонталей и вертикалей в ритмическом
разделении здания.Основоположником
архитектуры эпохи Возрождения был Филиппе Брунеллески (1377-1446), уроженец
Флоренции. После ученичества в ювелирном магазине Брунеллески начал свою
художественную карьеру в качестве скульптора, приняв участие в конкурсе на
создание рельефа для бронзовых дверей флорентийского баптистерия. Разносторонне
одаренный человек, сочетавший интерес к искусству со знаниями инженера, умом
изобретателя и математика, он вскоре полностью посвятил себя архитектуре. Его
первой крупной работой стал грандиозный восьмиугольный купол (1420-1436),
возведенный над собором Санта-Мария-дель-Фьоре в XIV веке. Удлиненный купол
диаметром 42 м у основания покрывает алтарную часть массивной базилики.
Одной
из важнейших проблем итальянской архитектуры XV века была разработка основных
принципов строительства палаццо (городского дворца), послужившего прототипом
общественных зданий более позднего времени.
В это время создается тип
величественного здания, прямоугольного в плане, с единым замкнутым объемом, со
множеством комнат, расположенных вокруг внутреннего двора. Название Брунеллески
связано со строительством центральной части Палаццо Питти (начатой в 1440 году)
во Флоренции, выложенной из огромных, грубо обтесанных каменных блоков
(каменные блоки назывались ржавыми). Шероховатость текстуры камня усиливает
мощь архитектурных форм. Горизонтальные тяговые ремни подчеркивают разделение
здания на три этажа. Огромные восьмиметровые окна-порталы дополняют впечатление
гордой строгой мощи, производимой этим дворцом. Зарождение и развитие принципов
архитектуры Высокого Ренессанса происходит в Риме, где на основе поисков
предыдущего периода формируется единый национальный стиль. Полный величия,
монументальности и благородной сдержанности, он основан на более смелом и
свободном использовании классических порядков античности. В Риме завершается
архитектурный образ здания с центрально-осевой симметричной композицией, с
замкнутым и всесторонне развитым пространством, этот образ воплощает идеи
героизма и величия страны.
Основателем нового стиля и его крупнейшим представителем в начале 16 века был Донато д’Анджело Браманте (1444-1514). Он начал свою творческую деятельность в Милане, но только после переезда в Рим, после знакомства с памятниками античности, ему удалось придать своим зданиям тот величественный и монументальный вид, который характеризовал новые принципы в архитектуре. Эти принципы были четко изложены в первой римской работе Браманте — небольшом храме под названием Темпьетто, построенном в 1502 году во дворе монастыря Сан-Пьетро-ин-Монторио. Это круглая купольная конструкция небольшого размера, с гармонично развитым объемом, с мягко закругленным куполом. Три широкие ступени служат фундаментом храма. Окруженный колоннадой римско-дорического ордера, поддерживающей антаблемент, Темпьетто производит впечатление монументального величественного здания строгих пропорций и полнокровных форм.
Став
главным архитектором папы Юлия II, Браманте проводит огромную работу по
реконструкции Ватикана, объединяя отдельные разрозненные здания старого
Ватикана и виллы Бельведер в монументальный единый комплекс.
По его проекту
строятся длинные галереи, которые закрывают два больших парадных двора,
расположенных на разных уровнях, украшенных нишами-экседрами и соединенных
открытыми лестницами.
Главным
творением Браманте является проект базилики Святого Петра в Риме (1506), в
котором воплотилась идея идеального центрального купольного здания с
симметричной композицией. И хотя собор, построенный по этому проекту, позже был
перестроен другими строителями, его идеи получили распространение в зданиях
многих итальянских архитекторов. План собора представляет собой сочетание
квадрата с греческим равноконечным крестом. Большой купол, венчающий здание,
вырастает из массы меньших объемов, образующих пирамидальную композицию. Каждая
его часть имеет самостоятельное значение и в то же время подчинена целому.
Браманте сыграл заметную роль в развитии архитектуры палаццо. Он заканчивал
строительство Палаццо Канчоллерия, которое было основано в 1485 году до
прибытия Браманте в Рим архитектором Брено. Главную роль в этом палаццо играли
стены, облицованные плоской рустовкой, прорезанной в двух верхних этажах
парными пилястрами.
Тонко отделанные горизонтальные пояса и карниз подчеркивают
монументальное величие здания.
Базилика
Святого Петра-это первое, что привлекает в Рим не только паломников, но и
каждого путешественника. Огромный купол этого храма виден отовсюду, но исчезает
по мере приближения к нему. Если вы свернете со ступеней, ведущих в притвор, то
увидите все великолепие площади, которая сама по себе служит своего рода
порогом в храм. В середине его, между двумя прекрасными фонтанами, стоит
обелиск из цельного гранита. Он имеет форму высокой, стройной колонны к
вершине, но не круглой, а шестиугольной. Обелиск производит впечатление легкого
солнечного луча. Раньше этот обелиск стоял в цирке Нерона, но в XVI веке папа
перенес его на эту площадь и поместил на его вершине крест с частицей Древа
Животворящего Креста Господня. Своим строительством собор обязан святому
апостолу Петру, который проповедовал учение Христа сначала в Иудее, затем в
Антиохии, в Вифании, по всей Италии и в самом Риме. Во время гонений на
христиан во времена Нерона он был распят в Риме вверх ногами.
Первый
христианский император Константин приказал построить над его могилой базилику в
память о святом апостоле, которая была лучшей из всех римских базилик. Он
простоял на этом месте более 1000 лет, но в XV веке они начали опасаться за
прочность базилики, и папа Юлий II осмелился опрокинуть часть многовековой
святыни, чтобы заложить первый камень нового грандиозного собора на этом месте.
Это произошло в 1506 году, и в общей сложности храм строился в течение 100 лет.
Его первым архитектором был великий Донато Браманте. Он составил план собора по
образцу греческого равностороннего креста. Но семь лет спустя Браманте умер, и
великий Рафаэль продолжил начатую им работу. В письме к своему дяде Рафаэль
писал: «Я не могу жить нигде, кроме Рима, — и это из-за моей любви к
храму, который я строю… Где во всем мире есть место более достойное, чем Рим,
и есть ли более благородное предприятие, чем строительство собора Святого
Николая? Питер!». Однако строительство храма было надолго прервано
страшной эпохой разорения Рима, и после смерти великого Рафаэля Микеланджело
был вызван из Флоренции.
Он сохранил план греческого креста, но использовал
план Пантеона для купола базилики.
У
человека, стоящего у подножия королевской лестницы, создается впечатление, что
она ведет прямо на небеса. Этот удивительный эффект достигается благодаря
гениальному расчету архитекторов. Длина каждой из последующих ступеней лестницы
постепенно уменьшается. От этого незначительно меняется размер, и возникает
ощущение стремления вверх. Точно такое же впечатление глубины, которое
возникает от площади перед собором Святого Петра, связано не только с
грандиозностью ее размеров, но и с гениальными архитектурными приемами. Две
колоннады, раскинутые, как руки для объятия, с коридорами, ведущими к базилике,
состоят из нескольких рядов колонн, которые постепенно немного уменьшаются в
высоту и отходят немного дальше от центра площади. Кроме того, если смотреть на
колоннаду с определенных точек, то вместо четырех рядов колонн наблюдатель
видит только один ряд, а остальные как бы исчезают. У входа в базилику можно
увидеть бесконечную нижнюю ветвь ее креста длиной почти в 100 саженей.
Его
пересекает гигантский купол главного алтаря, купающийся в потоках света,
струящихся из-под купола. В самом конце храма Святой Дух в виде голубя, словно
из глубины неба, осеняет молящихся.
В
соборе Святого Петра за главным троном находится большое пространство, в конце
которого стоит золоченое кресло апостола. Четыре огромные колонны поддерживают
среднюю арку свода. В нишах между колоннами стоят четыре статуи-апостола
Андрея, Святой Вероники, Святой царицы Елены и сотника Лонгина. Есть также
четыре святыни, связанные с историей этого народа: голова апостола Андрея,
плита Вероники, часть Животворящего Креста Господня, меч сотника Лонгина. В
Страстную пятницу эти святыни показываются людям для поклонения. Бесчисленные
лампы освещают спуск в подземелье. Этот спуск окружен мраморной решеткой, но он
всегда закрыт: богомол может только преклонить перед ним колени. Сквозь щели в
решетке он видит бронзовую дверь подземного святилища, а перед ней великолепную
статую коленопреклоненного папы Пия VI.
Сами святые мощи апостола Петра скрыты
от посторонних глаз. Подземелье, в которое ведет бронзовая дверь, является
реликвией древней базилики Константина: там находится мраморный трон, под
которым хранятся мощи Верховного Апостола.
Над
алтарем подземной церкви изображена мученическая смерть обоих апостолов (Петра
и Павла), а на самом алтаре-их древняя икона в серебряной раме. Опрокинутый
крест и меч отмечают их страдания. Эта подземная церковь, низкая и тесная,
также построена в форме креста и окружена подземными часовнями и галереями. В
это подземелье трудно попасть, и поэтому там царит глубокая тишина. Помимо мощей
Верховного Апостола, в соборе Святого Петра есть и другие святыни. В одном из
боковых приделов верхней церкви находятся мощи святого Иоанна Златоуста, в
другом-мощи святого Григория Богослова, которые были перенесены в Рим из
Византии во время крестовых походов. Здесь также покоятся мощи папы Григория
Великого, хотя в Риме есть церковь, названная в его честь. По обе стороны от
главной ветви креста в соборе находятся богатые часовни, украшенные мрамором,
мозаикой и бронзой.
Между ними находятся гробницы пап.
И люди идут в собор Святого Петра, чтобы молча постоять перед могучим «Моисеем» — статуей над могилой папы Юлия II. В правой части часовни можно увидеть «Пьету» — мать с телом своего мертвого сына на коленях. «Пьета «теперь отделена от посетителей защитным стеклом. Эта предосторожность не лишняя, так как уже в наше время скульптура пострадала от маньяка. Гармония и пропорциональность отдельных частей собора таковы, что его грандиозность не сразу бросается в глаза. И только после тщательного осмотра вы поражаетесь необъятности его размеров.
Маньеризм: искусство позднего Возрождения (AP Euro Lecture Notes)
Нажмите здесь , чтобы просмотреть и распечатать эти конспекты лекций в формате PDF.
Шел 1527 год, и Папа Климент VII совершил большую ошибку. Он сформировал Коньячную лигу, объединившись с Францией в надежде изгнать Карла V, императора Священной Римской империи, из Северной Италии. Его авантюра не окупилась, и войска Священной Римской империи взобрались на стены Рима.
После решительной победы над французами плохо оплачиваемые имперские войска подняли мятеж и потребовали похода на Рим, где им можно было заплатить грабежом. И грабили они. Оказавшись внутри города, имперские войска отказались от всякой дисциплины и убили тысячи. Многие из выживших бежали из города, а Климент выжил только благодаря героической стойкости его швейцарских гвардейцев. Рим, в котором раньше проживало более 50 000 жителей, сократился до 10 000 жителей к тому времени, когда имперские войска, наконец, насытились и покинули город восемь месяцев спустя.
Разграбление Рима преподало Папе Клименту ценный урок о последствиях вызова самого могущественного человека в Европе, но за его глупость пришлось заплатить высокую цену. Папство никогда не вернет себе славу и престиж, которыми оно когда-то обладало. В разгар Ренессанса Рим был центром культурных достижений. Уже нет. Шел 1527 год, и эпоха Высокого Возрождения закончилась.
Когда Рим был разграблен, художественное движение уже развивалось, бросая вызов условностям искусства эпохи Возрождения с его упором на идеальную симметрию, пропорции, изящество и стабильность.
Мастера Высокого Возрождения создали произведения, настолько совершенствовавшие этот идеал, что не осталось ничего, что могло бы соперничать с их достижениями, играя по тем же правилам. Даже Микеланджело , единственный великий мастер Высокого Возрождения, оставшийся в живых после разграбления Рима, направил свои более поздние работы в другом направлении. Не совсем отличаясь от искусства Высокого Возрождения, в этих произведениях достаточно заметна новая «манера», чтобы дать произведениям «Серебряного века» искусства позднего Возрождения собственное имя. Историки искусства назвали его Маньеризм .
Маньеризм был доминирующей формой искусства во второй половине шестнадцатого века, начиная с 1520-х годов и до тех пор, пока стиль барокко не стал доминирующим в начале семнадцатого века. В отличие от идеализированной природы искусства Высокого Возрождения, художники-маньеристы дополняли естественный мир удлиненными фигурами в асимметричных композициях, которые отражали напряжение и нестабильность. | Скачать PowerPoint В МОЕМ МАГАЗИНЕ |
Получив горькое напоминание о том, что мир далек от совершенства, маньеристы перестали рассматривать изображение идеальной красоты как первостепенную задачу искусства. Стиль маньеризма можно ясно увидеть в поздних работах Микеланджело и в работах художников следующего поколения, в том числе Пармиджанино и Эль Греко. Работы Микеланджело всегда вызывали чувство благоговения. и величие, качество, которое современные итальянские обозреватели называют terribilità ( ужас), но работы, которые он создал на пике своей карьеры, уравновешивали это чувством изящества. Его более поздние работы принесли это terribilità качество на первый план, как это видно в Страшный суд . Глядя на эту картину, не думаешь сначала, что она прекрасна, но внушает благоговение и тревожит.
Сразу же картину раскритиковали за чрезмерно мускулистые фигуры, преобладание наготы сверх того, что считалось со вкусом (особенно для церковного алтаря), и включение языческих тем. Страдания проклятых изображаются с яркими эмоциями, выходящими за рамки приемлемых условностей искусства эпохи Возрождения. Масштабная работа, казалось, утомила художника, так как он решил изобразить себя на картине в виде освежеванного святого Варфоломея.
Последние картины Микеланджело, «Обращение Савла» и «Распятие святого Петра» выбрасывают из окна изящество и симметрию, чтобы полностью запечатлеть яркие эмоциональные и напряженные сцены из христианской истории. Его изображение Иисуса в «Обращение Саула » выглядит в силе, как персонаж современной видеоигры, нападающий, противостоящий Саулу с гневом в сцене чистого хаоса. Эти последние работы не получили в то время большой похвалы и редко упоминаются сегодня в обсуждении работ Микеланджело. Микеланджело запомнился в первую очередь работами, которые он создал в молодые годы как мастер Высокого Возрождения.
Поскольку Микеланджело в последние годы своей жизни отказывался от условностей эпохи Возрождения, молодые художники также предпочитали экспериментировать с новыми техниками, а не пытаться конкурировать с такими, как Рафаэль и да Винчи. Один из этих молодых художников, Джироламо Франческо Мария Маццола, более известный как Parmigianino (Малыш из Пармы), рано проявил интерес к использованию искусства для изображения дополненной реальности. Еще до разграбления Рима он экспериментировал с новыми подходами. В молодости он рисовал в 9 лет.0039 Автопортрет в выпуклом зеркале , нестандартная идея в то время, когда художники были одержимы идеализированными реалистичными пропорциями. Работа Пармиджанино «Обращение святого Павла », завершенная более чем за десять лет до картины Микеланджело на тот же предмет, показывает Павла неуравновешенным и находящимся в состоянии ужасающего благоговения. В Видение святого Иеронима центральная фигура Иоанна Крестителя демонстрирует разительный контраст с фигурой да Винчи.
В то время как Иоанн Креститель да Винчи идеализирован, с гладкой кожей и прямым пальцем, Пармиджанино представляет Крестителя удлиненным, с пятнами на коже и удлиненным кривым пальцем, указывающим на Младенца Христа.
Картина Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей» , пожалуй, самая знаковая картина маньеризма, бросающая вызов традиционным условностям эпохи Возрождения, но не отказывающаяся от стиля в целом. Шея Мадонны вытянута, чтобы придать ей лебединую элегантность, в то время как младенец Христос, также удлиненный, ненадежно покоится у нее на коленях, как будто Он может упасть в любой момент. Мало того, что младенец Христос неуравновешен, но и все восхищенные ангелы стоят по одну сторону от Мадонны в отказе от ренессансной симметрии. Нога Мадонны неуклюже стоит на подушке и выступает наружу, словно выступая из холста. В этой серии тонких вызовов строгим художественным стандартам эпохи Возрождения Пармиджанино и другие художники-маньеристы зарекомендовали себя как «первые« современные »художники», по словам Э.
Х. Гомбрих, автор История искусства .
Поздний маньеризм наиболее заметен в картинах Доменикоса Теотокопулоса, более известного как Эль Греко (Греческий). Эль Греко родился на Крите и проявил себя как художник в Западной Европе, сначала в Риме, а затем в Испании, где он создал свои самые известные работы. Как и Пармиджанино, он предпочитал удлиненные фигуры, как это видно на его картине Св. Андрей и Св. Франциск , но его работы демонстрируют еще большую независимость от традиционного стиля Возрождения. Его картина Лаокоон с его вытянутыми и уязвимыми фигурами, в страхе поддающимися змеям, посланным богами, сильно контрастирует с греко-римской скульптурой того же события, которая отличается более мощными и идеализированными формами. Самая известная картина Эль Греко, Погребение графа Оргаса , является чем-то вроде предзнаменования стиля барокко, проецируя величие католической веры в его изображении легендарного рассказа о графе Оргасе, который был похоронен лично святым , Стефан и святой Августин.
В отличие от Микеланджело Страшный суд , картина верна католическому учению и лишена языческих элементов. Картина также показывает византийские влияния, которые присутствовали в работах Эль Греко, показывая как небесный, так и земной план, подобный традиционным византийским иконам Успения Божией Матери.
Произведения Эль Греко широко известны за их оригинальность, поскольку они опережают свое время. Его более поздние работы, такие как Вид на Толедо и Открытие пятой печати , случайный наблюдатель легко может принять за произведение искусства ХХ века. Считается, что его работы оказали сильное влияние на нескольких современных художников. Маньеристы, в своей готовности бросить вызов преобладающим художественным условностям, всегда будут служить примером для всех, кто стремится создать что-то новое и оригинальное.
Маньеризм упоминается в AP European History Key Concept 1.1, в котором говорится: «Художники-маньеристы и барокко использовали искажения, драматизм и иллюзию в своих работах.
Монархии, города-государства и церковь заказывали эти работы как средство продвижения их собственный рост и власть». Эль Греко упоминается в качестве иллюстративного примера, но учащиеся могут использовать примеры Микеланджело, Пармиджанино и других художников-маньеристов при представлении оригинальных доказательств для бесплатных ответов.
Покровители и художники во Флоренции конца 15-го века
Обзор
В конце 15-го века во Флоренции было больше резчиков по дереву, чем мясников, что позволяет предположить, что искусство, даже больше, чем мясо, было необходимостью жизни. Это касалось не только богатых, но и людей с более скромным достатком. В 1472 г. в городе было 54 мастерские по обработке мрамора и камня; в нем работало 44 мастера по золоту и серебру и не менее тридцати мастеров-живописцев. Положение Флоренции в шерстяной и шелковой промышленности зависело от ее репутации в отношении качества — традиции мастерства, которая делала проницательных покровителей ее торговцев и финансистов.
Большинство заказов приходилось на религиозные работы. Многие банкирские семьи, например, рассматривали финансирование алтарей и часовен как своего рода покаяние за ростовщичество (ростовщичество под проценты), которое осуждалось церковью, но было свойственно их профессии. Однако по мере развития 1400-х годов покровители все больше интересовались личной славой и мирским престижем. Щедрые, даже показные, публичные демонстрации стали более обычным явлением, даже когда состояние города пришло в упадок. Новые предметы из мифологии нашли нетерпеливую аудиторию впечатленной такими свидетельствами обучения. А к концу века — впервые со времен античности — какое-то искусство создавалось просто «для искусства».
Среди величайших покровителей Флоренции 15-го века были члены могущественной семьи Медичи, правившие как князья, хотя формально город был республикой. Работы в этом туре датируются временем Лоренцо Медичи Великолепного, которого Макиавелли называл «величайшим покровителем литературы и искусства, каким когда-либо был какой-либо государь».
Хотя сам Лоренцо заказал относительно немного крупных работ, он был важным арбитром вкуса. Заядлый коллекционер греческих и римских древностей, он помог флорентийскому Возрождению запечатлеть гуманизм древнего мира.
Одним из художников, нанятых Медичи, был Боттичелли, член кружка поэтов и ученых Лоренцо. Лирические картины Боттичелли соответствовали интеллектуальной утонченности флорентийских гуманистов, особенно философов-неоплатоников, которые видели в красоте способ приблизиться к пониманию божественного. Эфирные фигуры Боттичелли, определяемые линиями, а не моделируемые светом и тенью, кажутся парящими, а их драпировка вздымается изящными узорами. Его сюжеты, как мифологические, так и религиозные, проникнуты лиризмом и таинственностью.
Несмотря на свое восхищение языческими темами, большинство флорентийских гуманистов оставались глубоко набожными. В 1480-х и 1490-х годах доминиканский монах Савонарола произносил страстные проповеди, осуждая роскошь и аморальность древних богов.