Читать онлайн «Современное искусство и как перестать его бояться», Сергей Гущин – Литрес
© С. Гущин, А. Щуренков, текст, 2018
© ООО «Издательство АСТ», 2018
* * *
Авторами книги стали два профессионала из мира искусства.
Сергей Гущин – коллекционер и основатель галереи современного искусства Fragment, получившей признание в России и за рубежом. В своем инстаграме @guschin – самом популярном блоге про современное искусство в рунете, где уже больше 400 тысяч подписчиков – он ежедневно рассказывает про искусство, бизнес, будни галериста и художников. Сергей также является автором онлайн-курсов про современное искусство.
Александр Щуренков – художник и журналист с более чем 12-летним опытом, основатель проекта ArtFragment (одноименный канал в Telegram, YandexZen и паблик в VK, с суммарной ежемесячной аудиторией в 200 тыс. уникальных пользователей), в котором публикуются все основные новости из мира искусства, с главных российских и мировых выставок, а также материалы о художниках.
В книге использована информация из инстаграма @guschin, а также канала ArtFragment. Авторы выражают благодарность Анастасии Новиковой за помошь в подготовке книги
Введение
Почему люди боятся современного искусства? Да и с чего мы вдруг взяли, что оно может вызывать страх? Об этом говорят личный опыт и опросы в инстаграме @guschin, которые как раз посвящены обстоятельному разговору об искусстве. Размер его аудитории сопоставим с количеством жителей Сочи, Иваново, Брянска, Белгорода, Сургута, Владимира или Нижнего Тагила, и большая часть подписчиков считает современное искусство пугающим и непонятным. При этом самое большое отторжение вызывает абстрактная живопись, минимализм, реди-мейды (подробнее о том, что это и зачем нужно, мы расскажем позже) и даже хорошо всем известный «Черный квадрат» Малевича. Последний многие вообще воспринимают как шутку, а не шедевр авангарда. Всему виной страх, который возникает от незнания, неуверенности и непонимания. Когда мы чего-то не знаем или не понимаем, то часто просто боимся, к примеру, находясь в музее, спросить у смотрителя: «А что значит эта картина или инсталляция?» или, даже проще, «Что же хотел сказать художник?» Другая проблема состоит в том, что работники музеев часто не могут ответить на этот вопрос, и сами не любят то искусство, рядом с которым по долгу службы им приходится находиться.
Ответ на вопрос не получен и настроение испорчено. Отсюда возникает простое человеческое желание сразу бросить все, забраться в уютный кокон работ «старых мастеров», такого понятного и родного реалистического искусства, не выяснять ничего больше, а жить спокойно дальше, продолжая ругать все современное и непонятное. Эта книга как раз призвана побороть этот страх и неприятие, рассказать, что современное искусство может быть понятным, интересным, вызывать яркие эмоции, помочь расширить кругозор. Оно в действительности дает возможность взглянуть на многие вещи под другим углом. Надеемся, к концу этой книги вы будете уверены в том, что современное искусство – огромный увлекательный мир, дверь в который мы и предлагаем вам открыть.
Сергей Гущин
Александр Щуренков
I. Что такое современное искусство и зачем его понимать
В последнее время все больше людей посещают музеи и вроде бы интересуются искусством. При этом современное искусство находится в какой-то обособленной среде и мало кто готов его воспринимать.
Многие остановились на классическом искусстве или в лучшем случае импрессионизме, а то, что происходило за последний век, будто и не существует.
Многие считают, что к современному искусству относится все созданное за, условно, последнее столетие или же проще – все, что не выглядит как скопированная с помощью красок фотография, либо не напоминает красивую греческую или римскую статую, созданную по всем канонам классического искусства. Тут сразу стоит обратиться к терминологии, которую активно используют в своей практике уважаемые музейные сообщества и аукционные дома. К искусству модернизма относятся художественные работы, созданные от эпохи импрессионистов до 1945 года. Дальше идет послевоенное искусство – над ним художники трудились с 1945 года до 1970-х годов. И только потом на сцене истории искусств появляется современное искусство. Оно существует с 1970-х годов по наши дни. В последнее время в особенно прогрессивных музеях принято не рассказывать об истории искусства и не вести зрителя через галерею, созданную в хронологическом порядке, а смешивать произведения и жанры разных эпох.
Так в музее современного искусства могут легко оказаться классические работы, а там, где мы привыкли видеть «старых мастеров» и импрессионистов, уже сейчас выстраивается диалог между классическим и современным искусством. Такие инициативы, к примеру, Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина или даже Третьяковской галереи, чрезвычайно важны. Они показывают, что очевидная связь между современностью и классикой есть, и там ее можно увидеть.
Давайте начнем с простого. Современное искусство – это искусство, которое имеет отношение к современности. Конечно, есть и более узкое определение, но суть остается прежней – современные художники используют актуальные изобразительные материалы и поднимают важные для своего времени темы, и они сильно отличаются от той палитры проблем, которую могли использовать классические мастера. Сейчас художники имеют большую свободу, и их работа не ограничивается использованием красок, холста, глины или бронзы. Они могут создавать инсталляции, сложные объекты, снимать видеоарт, экспериментировать со звуком или участвовать в перформансах, чем-то напоминающих театрализованные действия.
И эти формы приходят на смену обычным картинам в золоченых рамах, мраморным скульптурам.
Надо понимать и помнить важную вещь: любое классическое искусство когда-то было современным. К примеру, картины Караваджо или «Ночной дозор» Рембрандта в первые минуты вызывали шок у современников, которые не принимали нового взгляда этих художников на исполнение сюжета, те знаки и символы, которые они туда вкладывали, манеру передачи образов. Подобная ситуация повторялась бесчисленное количество раз, а когда в 1865 году на Парижском салоне была выставлена картина Мане «Олимпия», которая сегодня также считается шедевром, рядом с ней даже пришлось поставить полицейского, чтобы охранять ее от плевков и уколов зонтиками. Источником вдохновения для художника стал шедевр прошлого – «Венера Урбинская» Тициана. Тело Венеры Мане далеко от античных пропорций, но это не самый страшный грех художника. В качестве модели он привлек Викторину Меран, именно она заставляла возмущаться посетителей салона, позиционировавших себя исключительно как верных супругов и добропорядочных аскетов.
Кроме того, Венера Мане «сменила» имя на Олимпию, что вызывало у современников прямые ассоциации с куртизанкой из романа Дюма «Дама с камелиями». В глазах «благонамеренной» буржуазной публики и критиков искусство Мане стало синонимом безобразного, а самого художника называли «сумасшедшим, который пишет картину, трясясь в белой горячке». В итоге картину перевесили в самый дальний угол помещения на такую высоту, что ее было почти не видно.
Или как вам тот факт, что Эрмитаж был задуман как музей современного искусства. Во время его создания в коллекцию отбирали актуальные на тот момент работы голландских художников, а сейчас мы воспринимаем этот музей исключительно как классический, и все попытки добавить к привычной экспозиции современных художников большинством воспринимаются в штыки. Так, выставка «Ян Фабр: рыцарь отчаяния – воин красоты» 2016 года создала вокруг себя много шума. В своих работах художник помимо прочего использовал чучела животных, правда, он находил сбитых зверей, а не убивал их, и этим пытался привлечь внимание к проблеме брошенных домашних животных.
Но об этом многие зрители даже не потрудились узнать, и вместо того, чтобы лучше разобраться в творчестве художника, начали писать петиции и устраивать скандалы. Но сейчас не об этом, а о важных выводах, которые можно сделать при сравнении современного и классического. Создавая упомянутую выше выставку, кураторы Эрмитажа задействовали множество интересных задумок, которые должны были повлиять на восприятие зрителей. К примеру, разместили рядом с работами мастера фламандского барокко XVII–XVIII веков Франса Снейдерса, который писал масштабные и на современный вкус несколько мрачноватые натюрморты, работу Фабра – череп, обклеенный чешуйками жуков, который держит в зубах зайца. И у большинства такое соседство непременно вызывало шок, а на него как раз кураторы и рассчитывали. Почему? Фактически мы видим два натюрморта, современный и классический, а их соседство заставляет остановить свой взгляд, подумать и посмотреть на классику по-другому. Тут она раскрывает потенциал современного искусства, а современное позволяет понять актуальность классического, о котором мы начинаем забывать, ведь зачастую зрители быстро пробегают залы с бесконечными натюрмортами в любом музее, не останавливаясь.
Задумывались ли вы, почему некоторые негативно воспринимают современное искусство? Достаточно часто можно услышать вопросы из серии: «Ну и зачем оно нужно? Классики же вполне достаточно!» У психологов даже есть понятие «неофобия» – боязнь нового. Мы привыкаем к определенному образу жизни и мыслей и не хотим ничего менять, не хотим новых потрясений, не хотим выходить из зоны комфорта. Мы боимся перемен, а все, что с ними связано, воспринимаем в штыки. Так и с искусством – новое раздражает. С другой стороны, получается интересный парадокс: люди активно используют в жизни новейшие технологии, оснащают дома бытовыми приборами и роботами, ездят на электрокарах, слушают актуальную музыку. Мы с удовольствием пользуемся смартфонами и что-то не стремимся вернуться в эру дисковых телефонов, а на дискотеках танцуем далеко не под вальсы Штрауса. Но когда дело касается современного искусства, то тут сразу выстраивается стена непонимания.
Увы, «клиповое мышление», влияющее на восприятие и ритм жизни людей, дает о себе знать.
Многие ищут готовых и понятных решений. Человек не хочет остановиться и подумать над смыслом, который вложен художником. Кроме того, современное искусство обросло предрассудками и стереотипами: «все делают только ради денег», «современные художники – аферисты» или «такое искусство отвратительно и неприятно чуть ли не на физиологическом уровне». Для понимания современного искусства важен контекст. В противном случае мы будем воспринимать произведения лишь на уровне узнаваемой по силуэту картинки, а в современном искусстве первого уровня зачастую просто нет. Поэтому так часто можно слышать, что современные картины это «мазня ни о чем», хотя на самом деле люди просто не научились читать работу на том языке, на котором она написана.
Начать изучать современное искусство лучше с классики. Можно даже не заходить слишком далеко и обратиться к импрессионистам, потому что именно они начали изображать мир не таким, каким его видят все остальные. Работы импрессионистов, которые мы сейчас уже считаем классическими, любим и понимаем, у их современников вызывали, конечно, шквал негативных эмоций.
Существует несколько причин, почему импрессионисты начали работать в таком необычном стиле. Первая – изобретение переносных красок. Благодаря этому появилась возможность не ограничиваться лишь студией и мастерской, стало возможным работать на пленэре в любое время суток и года, экспериментировать со светом. Импрессионисты невольно ввели в свои произведения четвертое измерение – время, которое угадывалось как раз по оттенкам, которые давали, к примеру, утреннее или предзакатное солнце. Они часто писали одни и те же пейзажи в разное время года или дня, чтобы зафиксировать эти световые изменения. Второе – изобретение фотографии. До этого момента главной целью многих художников было достижение максимальной схожести изображения с реальностью, а также «придворное» документирование персонажей и событий. По факту изобретение фотографии заставило художников перестать копировать и начать искать новый способ самовыражения. Так же, как и изобретение кино дало возможность появлению авангардного театра, который не стремился к реализму и повторению уже существующего.
Художник Эдгар Дега в основном не работал с натурой, но при этом увлекался фотографией. Его работа «Голубые танцовщицы» 1897 года написана по мотивам его же фотографии, запечатлевшей танцующую девушку. Таким образом он писал многие работы, а также использовал их для изучения движения. Третье – возможность путешествовать. Так художники открыли для себя Японию и Африку, а также национальное искусство этих стран и континентов, которое имело сильное влияние на их творчество.
Первые шаги художников начала XIX века на пути к так называемому «современному искусству» сложно переоценить. В погоне за новым стилем художественного языка они наделили свои работы не просто красивым изображением, но и новым смыслом, и дали возможность развитию новых направлений в искусстве.
Известный сюрреалист Рене Магритт в работе «Вероломство образов» (1928-29) изобразил курительную трубку, а также добавил к ней надпись: «Это не трубка». Такое смелое заявление вызвало тут же закономерную реакцию у публики: как это может быть не трубкой, если на картине очевидно она? Обладая изрядной долей чувства юмора Магритт отвечал им, что трубка лежит у него дома, а это – лишь ее изображение.
В этой работе искусство как раз работает с образом, изучает наше восприятие и ассоциации. Зачем нужен этот пример? Потому что разговаривать с любым искусством на одном языке сложно без понимания контекста. Давайте теперь перенесемся в 1960-е, когда концептуализм стал править умами самых прогрессивных художников. Джозеф Кошут создал инсталляцию «Стул и три стула» в 1965-м: она состояла из реального стула, фотографии этого же стула с одной стороны и словарной статьи с определением слова «стул», которое было перенесено на лист бумаги и размещено по другую сторону. Перед нами один стул, два или три? Физически – один. А вообще – три. Но эта своеобразная игра заставляет нас думать в совершенно другом направлении, будто мы получили какую-то задачу или головоломку.
Нам, возможно, хотелось бы думать иначе, но смотреть искусство в музее – это не развлечение вроде похода в кино на голливудский блокбастер. Искусство не должно быть эстетически красивым, оно не должно быть понятным, не должно восхищать, радовать или быть доступным и легким.
Оно вообще никому и ничего не должно, и это тоже важно помнить. Основная цель искусства – это рефлексия. Она дает человеку возможность задуматься, а может даже попытаться понять то, что происходит с ним лично и с обществом, нашим миром в целом. Правда, думать любят немногие. Мы не делим сейчас всех людей на категории, а просто обозначаем всем хорошо известный факт: наш мозг устроен так, что лениться всегда проще и приятнее. Легче не слушать лекции, не ходить в музей, не читать, не думать. А когда мы вдруг сталкиваемся с современным искусством лоб в лоб, то оно нам такой возможности не дает. Оно провоцирует, оно дает вызов, оно вызывает недоумение, задает неудобные вопросы. В конце концов, вызывает негативные эмоции тоже и, следует признать, чаще всего от непонимания и незнания. И отсюда возникает тот самый страх, о котором мы так много здесь говорим. Хотя его как раз стоит гнать от себя самыми простыми способами – узнать чуть больше о том, на что смотрим, и что вызывает такие эмоции. Лучше попробовать узнать неизвестное, чем жить в неведении, фактически обкрадывая самих себя.
Нужно набраться смелости и дать себе шанс.
Когда хочется что-то осудить, то первое, что стоит сделать, так это глубоко вдохнуть и выдохнуть. Любое искусство отражает настроение, дух времени. Жизнь сегодня и жизнь сто или тысячу лет назад – это совсем разные истории, другой ритм, ценности и идеалы. Когда мы не признаем кого-то и судим то или иное произведение достаточно категорично, нужно выдохнуть (пусть даже в метафорическом смысле) и перестать отрицать. Задача здесь предельно проста: нужно понять, что вот это, нечто непонятное и отталкивающее, тоже имеет право на жизнь, может существовать и в музейном, и галерейном, и городском, да, в конце концов, личном, квартирном пространстве. Искусство дает нам возможность расширить границы своего познания мира, задуматься, даже посмотреть на себя со стороны. Иногда поход в музей может стать куда более действенным средством, чем сеанс у дорогостоящего психоаналитика. Все еще не верите в это? Не спешите отрицать. Как смотреть на произведения современного искусства, что в них видеть и даже получать, если не эстетическое, то моральное удовлетворение, мы достаточно подробно расскажем в следующих главах.
Как понимать современное искусство и перестать его бояться читать онлайн Александр Щуренков, Сергей Гущин
Сергей Гущин, Александр Щуренков
Как понимать современное искусство и перестать его бояться
Авторами книги стали два профессионала из мира искусства.
Сергей Гущин — коллекционер и основатель галереи современного искусства Fragment, получившей признание в России и за рубежом. В своем инстаграме @guschin — самом популярном блоге про современное искусство в рунете — он ежедневно рассказывает про искусство, бизнес, будни галеристов и художников. Сергей также является автором онлайн-курсов про современное искусство.
Александр Щуренков — художник и журналист с более чем 12-летним опытом, основатель проекта ArtFragment (одноименный канал в Telegram, YandexZen и паблик в VK), в котором публикуются все основные новости из мира искусства, с главных российских и мировых выставок, а также материалы о художниках.
В книге использована информация из инстаграма @guschin
а также канала ArtFragment.
Авторы выражают благодарность
Анастасии Новиковой за помощь в подготовке книги
и Екатерине Литвиновой за дизайн обложки
Введение
Почему люди боятся современного искусства? Да и с чего мы вдруг взяли, что оно может вызывать страх? Об этом говорят личный опыт и опросы в инстаграме @guschin, которые как раз посвящены обстоятельному разговору об искусстве. Размер его аудитории сопоставим с количеством жителей Сочи, Иваново, Брянска, Белгорода, Сургута, Владимира или Нижнего Тагила, и большая часть подписчиков считает современное искусство пугающим и непонятным. При этом самое большое отторжение вызывает абстрактная живопись, минимализм, реди-мейды (подробнее о том, что это и зачем нужно, мы расскажем позже) и даже хорошо всем известный «Черный квадрат» Малевича. Последний многие вообще воспринимают как шутку, а не шедевр авангарда. Всему виной страх, который возникает от незнания, неуверенности и непонимания. Когда мы чего-то не знаем или не понимаем, то часто просто боимся, к примеру, находясь в музее, спросить у смотрителя: «А что значит эта картина или инсталляция?», или даже проще: «Что же хотел сказать художник?» Другая проблема состоит в том, что работники музеев часто не могут ответить на этот вопрос, и сами не любят то искусство, рядом с которым по долгу службы им приходится находиться.
Ответ на вопрос не получен и настроение испорчено. Отсюда возникает простое человеческое желание сразу бросить все, забраться в уютный кокон работ «старых мастеров», такого понятного и родного реалистического искусства, не выяснять ничего больше, а жить спокойно дальше, продолжая ругать все современное и непонятное. Эта книга как раз призвана побороть этот страх и неприятие, рассказать, что современное искусство может быть понятным, интересным, вызывать яркие эмоции, помочь расширить кругозор. Она в действительности дает возможность взглянуть на многие вещи под другим углом. Надеемся, к концу этой книги вы будете уверены в том, что современное искусство — огромный увлекательный мир, дверь в который мы и предлагаем вам открыть.
…
Сергей Гущин Александр Щуренков
I. Что такое современное искусство и зачем его понимать
В последнее время все больше людей посещают музеи и вроде бы интересуются искусством.
При этом современное искусство находится в какой-то обособленной среде, и мало кто готов его воспринимать. Многие остановились на классическом или, в лучшем случае, импрессионизме, а то, что происходило за последний век, будто и не существует.
Многие считают, что к современному искусству относится все созданное за последнее столетие или же проще — все, что не выглядит как скопированная с помощью красок фотография, либо не напоминает красивую греческую или римскую статую, созданную по всем канонам классического искусства. Тут сразу стоит обратиться к терминологии, которую активно используют в своей практике уважаемые музейные сообщества и аукционные дома. К искусству модернизма относятся художественные работы, созданные от эпохи импрессионистов до 1945 года. Дальше идет послевоенное искусство — над ним художники трудились с 1945 года до 1970-х годов. И только потом на сцене истории искусств появляется современное искусство. Оно существует с 1970-х годов по наши дни. С таким разделением, конечно, можно поспорить: кто-то считает, что отсчет в мировой истории стоит вести с того момента, как Поллок начал разбрызгивать краску на холст и стал одним из родоначальников абстрактного экспрессионизма, то есть с середины 1940-х годов.
Но оставим эти споры ученым, а сами попробуем разобраться в том, почему знать о современном искусстве так же важно, как и понимать классическое. В последнее время в особенно прогрессивных музеях принято не рассказывать об истории искусства и не вести зрителя через галерею, созданную в хронологическом порядке, а смешивать произведения и стили разных эпох.
Давайте начнем с простого. Современное искусство — это искусство, которое имеет отношение к современности. Конечно, есть и более узкое определение, но суть остается прежней — современные художники используют актуальные изобразительные материалы и поднимают важные для своего времени темы, и они сильно отличаются от той палитры проблем, которую могли использовать классические мастера. Сейчас художники имеют большую свободу, и их работа не ограничивается использованием красок, холста, глины или бронзы. Они могут создавать инсталляции, сложные объекты, снимать видеоарт, экспериментировать со звуком или участвовать в перформансах, чем-то напоминающих театрализованные действия.
Надо понимать и помнить важную вещь: любое классическое искусство когда-то было современным. К примеру, картины Караваджо или «Ночной дозор» Рембрандта в первые минуты вызывали шок у современников, которые не принимали нового взгляда этих художников на исполнение сюжета, те знаки и символы, которые они туда вкладывали, манеру передачи образов. Подобная ситуация повторялась бесчисленное количество раз, а когда в 1865 году в Парижском салоне была выставлена картина Мане «Олимпия», которая сегодня также считается шедевром, рядом с ней даже пришлось поставить полицейского, чтобы охранять ее от плевков и уколов зонтиками. Источником вдохновения для художника стал шедевр прошлого — «Венера Урбинская» Тициана. Тело Венеры Мане далеко от античных пропорций, но это не самый страшный грех художника. В качестве модели он привлек Викторину Меран, именно она заставляла возмущаться посетителей салона, позиционировавших себя исключительно как верных супругов и добропорядочных аскетов.
Или как вам тот факт, что Эрмитаж был задуман как музей современного искусства? Во время его создания в коллекцию отбирали актуальные на тот момент работы голландских художников, а сейчас мы воспринимаем этот музей исключительно как классический, и все попытки добавить к привычной экспозиции современных художников большинством воспринимаются в штыки. Так, выставка «Ян Фабр: рыцарь отчаяния — воин красоты» 2016 года создала вокруг себя много шума. В своих работах художник помимо прочего использовал чучела животных, правда, он находил сбитых зверей, а не убивал их, и этим пытался привлечь внимание к проблеме брошенных домашних животных.
Но об этом многие зрители даже не потрудились узнать, и вместо того, чтобы лучше разобраться в творчестве художника, начали писать петиции и устраивать скандалы. Но сейчас не об этом, а о важных выводах, которые можно сделать при сравнении современного и классического. Создавая упомянутую выше выставку, кураторы Эрмитажа задействовали множество интересных задумок, которые должны были повлиять на восприятие зрителей. К примеру, разместили рядом с работами мастера фламандского барокко XVII–XVIII веков Франса Снейдерса, который писал масштабные и на современный вкус несколько мрачноватые натюрморты, работу Фабра — череп, обклеенный чешуйками жуков, который держит в зубах зайца. И у большинства такое соседство непременно вызывало шок, а на него как раз кураторы и рассчитывали. Почему? Фактически мы видим два натюрморта, современный и классический, а их соседство заставляет остановить свой взгляд, подумать и посмотреть на классику по-другому. Тут она раскрывает потенциал современного искусства, а современное позволяет понять актуальность классического, о котором мы начинаем забывать, ведь зачастую зрители быстро пробегают залы с бесконечными натюрмортами в любом музее, не останавливаясь.
Преодоление страха неизвестного художника — ARTDEX
«Что может быть печальнее незавершенной работы? Да, работа так и не началась. — Кристина Россетти
Целый ряд удивительных талантов, создающих захватывающее искусство, предпочитают оставаться скрытыми в уединении своих рабочих мест из-за калечащих страхов и сомнений, которые они создали вокруг своих работ. Страх — тоже увлекательная категория; в большинстве случаев это может быть спасительным фактором, который удерживает нас от опасных и вредных ситуаций. Но когда дело доходит до создания и представления искусства, страх — один из злейших врагов художников, который мешает им полностью раскрыть свой потенциал.
Начинающие художники разрываются между невыносимым желанием воплотить свое творческое видение и поделиться им с миром и парализующим страхом неудачи. От предоставления себе разрешения следовать своему сердцу до того, как строить отношения в художественном сообществе или с потенциальным клиентом, творческие художники сталкиваются со многими проблемами.
Однако не позволяйте этому беспокойству остановить вас; Страх говорит вашему внутреннему художнику выйти и бороться, чтобы показать миру, что вы можете сделать.
Актуальный вопрос, как помочь молодым творческим людям обрести уверенность в своей работе, необходимую для преодоления многочисленных страхов и сомнений. В этой статье основное внимание будет уделено преодолению страха и расширению возможностей начинающих художников для борьбы с наиболее распространенными препятствиями, которые могут помешать им построить успешную художественную карьеру. Здесь вы узнаете, что среди начинающих художников есть три наиболее распространенных опасения:
- Страх неудачи
- Страх критики
- Страх неизвестности
достаточно ценным, чтобы быть представленным широкой аудитории. Вы должны знать, что вы не единственный, кто борется с этими препятствиями. Многие успешные художники сомневаются в важности и ценности своего искусства.
Поэтому мы собрали несколько наиболее важных советов, которые молодые художники могут использовать, чтобы освободиться от всего негатива и начать строить соответствующую художественную карьеру.
Страх неудачи
Каждый, кто когда-либо занимался творческим процессом, испытывал этот страх. Когда вы воплощаете все свои основные мысли, чувства и идеи в художественную форму, вы хотите получить положительный отклик. Мысль о том, что ваша работа не будет понята и не принята публикой или художественным истеблишментом, может быть разрушительной.
Понимание того, что карьера в искусстве похожа на катание на американских горках, необходимо для выживания в конкурентной среде искусства. Вы также должны понимать, что неудача неизбежна. Ваши первые попытки выйти на арт-сцену могут потерпеть неудачу, потому что ваша эстетика не соответствует текущим тенденциям в искусстве. Или аудитория может сначала не понять ваше исходное сообщение.
Вы должны попытаться извлечь максимальную пользу из этого негативного опыта. Подумайте о том, чтобы обратиться к коллегам-художникам, которые попали в такую же ситуацию, и попросить совета.
Еще одна вещь, которая может помочь вам преодолеть страх неудачи, — это определение вашей целевой аудитории. Подумайте о людях, которым посвящено ваше уникальное художественное послание. Кого вы хотите привлечь своим искусством? Ориентируясь на конкретную аудиторию, вы скоро получите много людей, которые оценят ваше искусство и разделят ваше видение. Это не обязательно должна быть широкая аудитория. Вы никогда не должны стремиться угодить всем, потому что это может легко привести к посредственности. Поэтому очень важно сосредоточиться на своей аудитории. Знание того, что кто-то любит и понимает то, что вы делаете, повысит вашу уверенность и избавит вас от страха неудачи.
Страх творческого кризиса тесно связан со страхом неудачи. Тот момент, когда вы думаете, что больше никогда не сможете написать ни слова или создать осмысленную картину, может быть пугающим.
Полезные ответы о том, как бороться с этим страхом иссякшего вдохновения, вы можете найти в книге Стивена Прессфилда « Война искусства ». Этот автор бестселлеров представляет всю борьбу, с которой сталкиваются художники при построении художественной карьеры, как войну с творческими страхами и препятствиями. Эта книга полна полезных советов, которые «герои» могут использовать, чтобы преодолеть многочисленные трудности и победить в этой войне для достижения своих карьерных целей. Прессфилд считает, что страх и сопротивление всегда будут частью творческого процесса.
Поэтому не стоит игнорировать этот страх. Вы должны признать это и продолжать делать то, что нужно делать. Другими словами, вам нужно столкнуться с этим препятствием, но не позволить ему сломить вас. Вместо этого вам нужно попытаться победить это сопротивление, продолжая свою работу. Даже когда вы не чувствуете вдохновения, последовательная творческая работа докажет, что вы сильнее этого страха, а это мощное понятие.
Еще один полезный совет от этого успешного автора: никогда не сосредотачивайтесь на результате, а на творческом процессе. Все, что вам нужно сделать, это регулярно заниматься творчеством. Работайте настойчиво, не думая о результатах. Таким образом, результаты будут побочными продуктами, которые будут говорить сами за себя. И эти результаты покажут, сколько времени и усилий вы вкладываете в свое искусство.
Страх перед критикой
Помимо страха неудачи, страх быть отвергнутым или критикой является самым большим препятствием, которое должны преодолеть начинающие художники, чтобы сделать успешную художественную карьеру. Во-первых, выставление вашей работы на всеобщее обозрение вызовет критику. Понимание того, что отрицательные отзывы являются одной из составляющих артистической карьеры и жизни, необходимо для вас, чтобы принять их. Нужно знать разницу между конструктивной критикой и мелкой, подрывающей.
Люди, которые уважают ваши усилия и хотят, чтобы вы процветали, будут предлагать творческую и конструктивную критику, указывая на то, что вы можете улучшить.
Эти люди также будут поощрять вас продолжать работать и помогать вам расти как художнику. Поэтому вы должны принять конструктивную критику как средство улучшения. С другой стороны, будут люди, которые будут сосредотачиваться на негативах и пытаться унизить вас, потому что они несправедливо предвзяты или просто не любят вашу работу. Если критика предназначена только для того, чтобы подорвать ваши творческие усилия, вы должны игнорировать ее, потому что вы ничему из нее не научитесь. Также помните, что вы никогда не сможете угодить всему миру.
Вот что сказала о критике Мария Попова, известный автор блога и основатель великолепного сайта Brainpickings: «Когда люди говорят вам, кто они, верьте им. Когда они попытаются сказать тебе, кто ты, не верь им». Вы единственный владелец своей целостности. Когда критики делают ложные предположения, потому что не понимают вас или ваши художественные принципы, они многое говорят о себе и ничего о вас.
Фото Жаклин Дэй @jacday_alabaster на UnsplashСтрах перед неизвестным
Это одна из самых распространенных неуверенностей и страхов среди художников, которые хотят превратить свое искусство в прибыльный бизнес.
Большинство творческих людей могут не обладать развитыми навыками ведения бизнеса. Таким образом, это серьезный шаг из их зоны комфорта. Вы будете бороться с этим страхом перед неизвестным, потратив значительное время и усилия на то, чтобы узнать все об успешном ведении арт-бизнеса.
Поначалу это будет непростой задачей, потому что вам нужно ознакомиться с различными методами ведения бизнеса. Это будет включать в себя создание клиентской базы, управление продажами и процессом доставки, решение различных налогов и так далее.
К счастью, со всем этим можно успешно справиться, если проявить дисциплину и организованность. Изучение всего об арт-бизнесе является необходимым условием для создания успешного арт-бренда. Создание надежного и осуществимого бизнес-плана является важным шагом в этом процессе. Как только вы установите свои бизнес-цели, вы будете полностью готовы к ведению своего арт-бизнеса.
Заключение
В этой статье были рассмотрены самые пугающие страхи, которые мешают начинающим художникам выставить свои работы и начать художественную карьеру.
Мы постарались показать, что все эти страхи — всего лишь негативные понятия, которые можно легко преодолеть. Сначала вы должны столкнуться со своими страхами, а затем бороться с ними. Вы будете бороться с уверенностью, непрерывно работать, укреплять свою честность и продолжать учиться. Во-вторых, всегда верьте в свой артистический голос и оставайтесь ему верны. Все это поможет вам получить желаемое признание и достичь карьерных целей.
Как преодолеть страх перед искусством — Адель Сипестейн
Глубоко внутри вас существует конфликт, который только вы можете видеть. Ваше внутреннее несогласие разрывается между вашим желанием и страхом сделать то же самое — дать волю своему внутреннему художнику.
Ваше желание создать что-то художественное сильно. Вы вынуждены выражать себя, воссоздавая красоту, которую видели на протяжении жизни. Или, возможно, вас тянет родить нестандартное творение, которое никто, кроме вас, не увидит.
К сожалению, вы парализованы внутренним страхом перед неудачей.
Вы боитесь показаться глупым в глазах других или испытать отвержение.
Ваши опасения затмевают желание творить. Вам трудно выразить свой страх перед неизвестным.
Вы позволили этому внутреннему конфликту заблокировать любую уверенность, которой вы могли бы обладать, что подрывает вашу способность действовать. Как ваша собственная худшая критика, вы знаете, что вам нужно научиться принимать то, что вы создаете, как достойное и преодолевать страх создавать искусство.
Вероятно, вы чувствуете, что ваше внутреннее несогласие уникально для вас и что выхода нет.
Хорошие новости! Вы не одиноки. Страх — самая большая проблема, с которой сталкивается каждый творец. Страх может помешать вам преследовать свои цели и мечты. Все чего-то боятся, но творческий страх обычно связан с уверенностью в себе.
Это может показаться сложным, но на самом деле это довольно просто. Вы можете преодолеть свой страх перед творчеством, создав безопасную среду, в которой вы позволите себе доверять своим инстинктам.
Вот несколько простых, безопасных упражнений, разработанных для того, чтобы помочь вам чувствовать себя комфортно, уверенно раскрывая свою интуицию и скрытые художественные желания.
Рисование под музыку. Вам понадобится ваша любимая музыка, таймер, немного бумаги и кисть, карандаш или маркер. (Если вы используете кисть, вам также понадобится краска хотя бы одного цвета.)
Включите музыку. Установите таймер на три минуты и дайте волю своим мыслям. Просто каракули, рисуйте или рисуйте все, что вы чувствуете. Делайте это с открытыми или закрытыми глазами. Главное делать то, что вам удобно. Результат не должен быть похож ни на что. Это ваше творение. Когда таймер останавливается, вы останавливаетесь. Выключите музыку и наслаждайтесь искусством, которое вы создали.
Это было не так уж сложно, не так ли? Вы можете повторять это трехминутное упражнение столько раз, сколько захотите, чтобы помочь себе понять, что создание искусства — это безопасное упражнение, которое позволяет вашему внутреннему ребенку — тому, который сидел в углу, потерянный в раскрашивании и рисовании, — всплыть на поверхность.
Изучение форм и цветов. Вам снова понадобится таймер, ножницы и плотная бумага. Если вы хотите создать настроение, снова включите музыку.
Установите таймер на 10 минут. Используйте как можно больше разных цветов цветной бумаги. Начните случайным образом вырезать различные фигуры разных цветов. Правил нет. Это ваше упражнение. Когда таймер сработает, рассортируйте свои творения по цвету и форме. Сделайте мысленную пометку о том, что вам нравится и не нравится. Вы заметите различные атрибуты, которые вам нравятся. К тому времени, когда вы закончите, у вас должно быть хорошее представление о типах цветов и геометрических фигур, которые вы предпочитаете.
Это вернуло вас к урокам рисования в детстве? Помните, как тогда было нормально исследовать и играть с формами и цветами? Ну, это нормально делать то же самое сейчас, будучи взрослым. Чем больше вы будете повторять это упражнение, особенно ту его часть, где вы действительно сосредотачиваетесь на том, что вам нравится и не нравится, тем легче вам будет создавать то, что вам нравится в будущем.
Поищите в журналах или Pinterest, чтобы найти как можно больше картин и изображений, которые вам нравятся. Вы захотите выделить страницу или сохранить изображение, чтобы вернуться к нему позже. Когда вы закончите, проверьте, что вы выбрали. Вырвите его, если он в журнале. Распечатайте его, если он есть в сети. Найдите минутку, чтобы очертить фигуры в вашем выборе. Проследите не менее трех различных изображений. Вы начнете замечать появление шаблона, когда будете подсознательно тяготеть к стилям и цветам, которые вам нравятся. Сохраните свой выбор, чтобы вы могли обратиться к нему снова. Эти предметы — начало вашей доски вдохновения.
Выполняя каждое из этих упражнений, вы должны начать замечать, как свободное исследование помогает вам без осуждения определить, что вам нравится. Если никто не наблюдает за вами и не оценивает то, что вы делаете, скрытый страх перед созданием искусства должен раствориться.
Похлопайте себя по спине. Вы сделали большой шаг вперед, начав прислушиваться к своему внутреннему голосу и доверять своей интуиции.