homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Музыка барокко. Интересные факты | Музыкальная школа ArtGrand

 

 

• Барочная музыка –это стиль в западноевропейской музыке, охватывающий эпоху примерно с 1600 по 1750 год. Она последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, последовала классическая эпоха. Период барокко делится на три основных этапа: ранний, средний и поздний. Хотя они частично совпадают по времени, их условно датируют периодом с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год. Слово «барокко» пришло из португальского языка и означает «жемчужина неправильной формы».

• С итальянского языка это слово переводится как «странный, причудливый». Эпоха барокко отвергала естественность, считая ее невежеством. Для этого художественного направления было характерно наличие большого количества украшений, которые порой буквально не давали разглядеть смысл.

 

• Одним из показателей стиля барокко был поиск новых стилей и технологий в музыке. Многие важные формы классической музыки берут свои истоки в этой эпохе – кантата, оратория, концерт, соната, опера. Многие формы, отождествляемые с музыкой барокко, возникли в Италии.

• Основой для первых опер были сюжеты древнегреческой и римской мифологии. Опера планировалась изначально, как возрождение античной трагедии. Инициатором создания стали музыканты, входившие во Флорентийскую камерату. Одним из самых известных представителей камераты стал Якопо Пери, написавший первую дошедшую до нас оперу «Эвридика».

 

• В результате развития оперы в Италии начали возникать различные школы, наиболее яркими из них были римская, флорентийская и неаполитанская, в последней родилось удивительно красивое искусство пения bel canto, которое и по сей день считается эталоном вокального исполнения в музыке.

• В 1600 году в Италии композиторами Кавальери и Монтеверди
  были написаны оперы, сразу получившие признание и вошедшие в моду. Оперы Клаудио Монтеверди сочетали в себе традиции всех трех итальянских школ, он внес в оперу реализм, опередив свое время.

 

• Опера распространилась во Франции и Англии благодаря великим работам композиторов Рамо, Генделя и Перселла. В Германии опера не завоевала такой популярности, как в других странах, немецкие композиторы продолжали писать музыку для церкви.

• В Англии была также развита оратория, которая отличается от оперы отсутствием сценического действия, оратории часто основаны на религиозных текстах и историях. «Мессия» Генделя – показательный пример оратории.

 

• Одним из значимых инструментов эпохи был орган. В Западной Европе он был тесно связан с религией – католическая церковь использует этот музыкальный инструмент во время служб.

• Иоганн Себастьян Бах жил и творил в эпоху барокко. Его подход к музыке открыл безграничные возможности создания произведений.

 

• Инструментальные ансамбли эпохи барокко отличаются своим разнообразием. Но далеко не все музыкальные инструменты тогда имели современный вид, а некоторые и вовсе не существовали. Основным инструментом той эпохи был клавесин – предшественник фортепиано.

 

• Один из самых важных типов инструментальной музыки, который появился в эпоху барокко был концерт. Изначально концерт появился в церковной музыке в конце эпохи Возрождения и, вероятно, это слово имело значение «контрастировать» или «бороться», но в эпоху барокко он утвердил свои позиции и стал самым важным типом инструментальной музыки.

 

• Двумя из самых великих композиторов концертов того времени были Корелли и Вивальди, их творчесво пришлось на конец эпохи барокко и они установили и упрочили концерт как способ продемонстрировать мастерство солиста.

• В 18 веке Телеман, Бах и Гендель написали множество сонат по образцу сонат Корелли. Рост популярности сольных сонат для клавишных инструментов начинается в конце периода барокко, в том числе для органа (Бах) и клавесина (Гендель, Доменико Скарлатти). Среди других известных примеров сольных сонат – сочинения Баха для скрипки и виолончели без аккомпанемента.

 

• В период барокко возникла тональность. В этот период композиторы и исполнители использовали более сложные музыкальные орнаменты, внесли изменения в нотную запись и разработали новые приемы инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

 

Автор: АртГранд

Дата публикации: 27.05.2021

 

Хотите стать учеником Музыкальной школы АртГранд?

Чтобы начать обучение в Музыкальной школе АртГранд, пожалуйста, заполните форму обратной связи:

Как вас зовут

Ваш телефон

Выбираете подарок для близкого человека?

Подарочный сертификат на обучение в Estrada ArtGrand Music School – это подарок, который точно не залежится на полке: в частной музыкальной школе Артема Шаплыко ученики учатся с удовольствием и получают качественное музыкальное образование!

Подробнее по телефонам: +375 29 381 2237,  +375 29 781 2237

 

Ждем Вас по адресу: Минск, ул.

Раковская, 16А

Шедевры живописи эпохи барокко (описание + местонахождение)

Чем знаменита эпоха барокко в искусстве. Яркие представители эпохи 1600-1700 гг. и мировые шедевры живописи в стиле барокко, которые стоит запомнить.

[quads id=4]

В самом конце эпохи Возрождения в Венеции Тициан с его свободной манерой и чувством цвета положил начало новому направлению в живописи — барокко. Начинание Тициана сразу подхватил Тинторетто, о чем свидетельствуют его грандиозные композиции в церквях. Следующим был Эль Греко, которому также присущи черты барокко (точнее, маньеризма) — яркие цвета и эффекты, связанные с размерами. Но это были лишь предпосылки.

Барокко в его классическом понимании развилось в Риме, а затем по всей Италии, Испании, Германии, Австрии и Нидерландах.

Свое название стиль получил, благодаря движению и эмоциональной наполненности. Художники эпохи барокко развили возникший в период Возрождения натуралистический подход и научились создавать иллюзию реальности. Объемные, убедительные человеческие фигуры, будто выходили на сцену, где непременно разыгрывалась драма. В работах эпохи барокко обязаны быть резкие контрасты между светом и тенью, чтобы усилить драматический эффект. Если будет насыщенная палитра и выразительные жесты, это еще лучше!

Яркими представителями разгара эпохи были римский архитектор Бернини, фламандские художники Рубенс и Ван Дейк, а также испанец Веласкес. Эпоха барокко в живописи растянулась на сотню лет, приблизительно с 1600 по 1700 гг.

В рейтинге представлено 10 шедевров в стиле барокко, которые находятся не только в разных странах, но даже в разных частях света. Чтобы увидеть их воочию придется побывать в Лувре, Метрополитен-музее, Королевской галерее Маурицхёйс, Уффици и т. д. Одна из картин попала в коллекцию Лихтенштейнов, а местонахождение другого из полотен нам так и не удалось установить.

1. «Мужчина в платье с синими рукавами», Тициан

Лондонская национальная галерея (около 1510 г. )

Шедевры барокко: «Портрет мужчины в платье с синими рукавами», Тициан

Тициан был самым выдающимся венецианским живописцем XVI в. и одним из величайших художников итальянского Возрождения. В Венеции он получил лучшее для того времени художественное образование, его учителем был Джованни Беллини.

Эта ранняя работа великого Тициана считается портретом итальянского поэта Ариосто, но окончательно изображение так и не было идентифицировано. Картина стала образцом для написания Рембрантом его собственного «Автопортрета в возрасте 34 лет». Обратите внимание, как прорисованы рукава платья!

2. «Свадьба в Кане», Паоло Веронезе

Дворец-музей Лувр в Париже (1563 г.)

Картина «Брак в Кане», Паоло Веронезе

Во второй половине XVI в. в Венеции, помимо Тициана, было еще два крупных художника — это Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе. Второй родился в Вероне, материковом владении Венецианской Республики, занимался в основном декоративной живописью. Его пышный стиль очень импонировал знатным семействам. Он также писал библейские сцены, неуместно используя в качестве фона виды Венеции. Но заказчики были в восторге!

Веронезе привлекало драматическое изображение, он щедро использовал насыщенные оттенки и цвета. Идея «Свадьбы в Кане» (Галилея) такова: на празднике, при большом стечении народа, Христос впервые совершил чудо. В одном из фрагментов, среди группы музыкантов, можно увидеть, что Веронезе изобразил себя и своих друзей: Тициан (в красном) держит контрабас, а сам автор (в белом) играет на виоле.

3. «Мадонна с длинной шеей», Франческо Пармиджанино

Галерея Уффици во Флоренции (1534 г.)

«Мадонна с длинной шеей», Франческо Пармиджанино

Одно из ответвлений барокко — маньеризм. Это стиль, который можно опознать по преувеличенной экспрессии, склонности к гротеску и стремлении выразить «внутреннюю идею». По крайней мере, именно так вам опишут маньеризм искусствоведы. Одним из ярких представителей данного направления был Франческо Пармиджанино из Пармы. Суть его творчества в том, что он искал собственный идеал женской красоты, но в то время его чересчур удлиненные формы (стан, ноги, в данной картине — шея) нравились далеко не всем.

Но в целом «Мадонна с длинной шеей», странная композиция с искаженными пропорциями шеи и плеч, вполне себе воплощала представление о канонах красоты того времени. Есть версия, что художник одним из первых пытался показать, что не только гармония, но и искажение может быть интересно и высокохудожественно.

4. «Туалет Венеры», Питер Пауль Рубенс

Лихтенштейнская картинная галерея (около 1613 г.)

Живопись в стиле барокко: «Туалет Венеры», Питер Пауль Рубенс

На картине изображена завороженная своим отражением Венера, богиня любви. Ее образ в западном искусстве считался эталоном женской красоты и был распространенным персонажем в эпохи Возрождения в Италии и барокко во всей Европе. Есть другая версия, будто Венера Рубенса смотрит не на собственное отражение в зеркале, а на то, какой эффект ее красота оказывает на зрителя. Но нам интереснее, конечно, другое: это легендарные «формы» мастера. Эх, хорошие были времена!

На обложке статьи красуется еще один шедевр барокко кисти Пауля Рубенса — «Похищение дочерей Левкиппа». По легенде девушки Феба и Гилаира были похищены молодыми и горячими Кастором и Поллуксом. Но Рубенс романтизировал момент нарушения УК злодейства, благодаря теплым оттенкам и всеобщему одухотворению.

Чтобы увидеть первую картину, придется ехать в Лихтенштейн — «Туалет Венеры» находится в герцогской коллекции. Второе полотно почти соседствует с первым: насладиться им можно в Старой Пинакотеке Мюнхена.

5. «Автопортрет в стиле станковой живописи», Софонисба Ангвиссола

Друзья, если вам попадалась информация о местонахождении этого автопортрета 1556 г., напишите, пожалуйста, в комментариях.

«Автопортрет», Софонисба Ангвиссола

В эпоху барокко ожидаемо приобретает популярность портретный жанр. В таких странах, как Англия и Нидерланды, правители с удовольствием заказывали свои изображения в качестве утверждения власти. Их примеру следовали знатные господа. Фламандские живописцы Рубенс и Антонис Ван Дейк активно писали портреты всех желающих богатых и влиятельных персон. Примерно в этот период на небосклоне взошла звезда удивительного автора: художницы Софонисбы Ангвиссолы. Да-да, вы не ослышались — это была девушка, что само по себе было чудом в середине XVI века.

[quads id=5]

Софонисба Ангвиссола родилась в Ломбардии, в Италии, но, благодаря таланту и видимо помощи судьбы, была назначена придворным художником короля Филиппа II. При чем тут судьба, спросите вы, если есть дарование и упорство. Ни при чем, конечно, если бы речь шла о мужчине. Но сделать такую карьеру женщине в XVI-XVII вв., невзирая на сопротивление общества (которое само по себе состояло из мужчин), было почти невозможно. Трудно было даже профессионально обучаться искусству живописи — мало кто поддержал бы такую инициативу.

Но Софонисбе удалось многое: она стала выдающимся мастером портретов и автопортретов. Несмотря на ограничения, встречавшиеся на пути, она сумела развить глубочайший стиль портретной живописи. Часто на ее картинах чисто женские объекты представлены на фоне таких «мужских» занятий, как шахматы и живопись.

6. «Старая кухарка», Диего Веласкес

Национальная галерея Эдинбурга (1618 г.)

Шедевры барокко: «Старая кухарка», Диего Веласкес

Диего Веласкес родился в Севилье. Уже в 24 года он был назначен придворным художником короля Испании Филиппа IV (тот был таким же ярым поклонником живописи, как и его предшественники Филипп II и Филипп III). Первые работы Веласкеса были выполнены в жанре бодегонес (с переводе с исп. — «трактир»). Если проще, то это натюрморт в кухонном интерьере. Известным примером стиля как раз и является «Старая кухарка» (иногда картину называют «Кухарка с яичницей»).

Картина может многое рассказать об изображенных на ней людях, а также является свидетельством умения автора воспроизводить на холсте самые обыденные предметы. Контраст между материалами и текстурами, игра тени и света, придают произведению невероятный реализм!

7. «Женщина с кувшином воды», Ян Вермеер

Метрополитен-музей в Нью-Йорке (около 1662 г.)

Картина «Женщина с кувшином воды», Ян Вермеер

Голландия стала родиной целого ряда художников, специализировавшихся в том или ином жанре, но в создании бытовых сцен в интерьере не было никого лучше Яна Вермеера! Творчество этого художника приходится на Золотой век голландской живописи, Вермеер считается одним из величайших мастеров Северной Европы, уступая разве что Рембрандту. Невероятно, на несколько веков его имя оказалось в забвении и было заново открыто французским критиком только в XIX веке. Родился Вермеер в Делфте, прожил там всю жизнь, лишь однажды покинув родной город. Да и то в пределах Нидерландов — ездил в Гаагу.

Примерно на половине его картин изображена одинокая фигура женщины, занятой повседневной домашней работой. Интерьер «Женщины с кувшином воды» замечателен умиротворенностью и мягкими градациями дневного света, падающего через окно на предметы на столе и на саму женщину, в особенности на ее головной убор.

8. Натюрморт «Айва, капуста, дыня и огурец» Хуана Санчеса Котана

Художественный музей в Сан-Диего (1602 г.)

Стиль барокко: натюрморт «Айва, капуста, дыня и огурец»

К середине XVI века в Голландии возник необычный жанр — натюрморт. С утратой влияния церкви детальный реализм натюрморта пришелся по вкусу представителям зарождающегося среднего класса (он постепенно становился главным покровителем искусства в Нидерландах). По традиции, на пустом пространстве картины изображался стол со сверкающими бокалами, золочеными блюдами и остатками пиршества.

Но автор «Айвы, капусты, дыни и огурца» был родом с юга Европы — из Испании, где также появлялись блестящие образцы натюрмортной живописи. Хуан Санчес Котан, будучи монахом и одновременно другом Эль Греко, тоже пробовал себя в новом жанре. Фрукты и овощи в его шедевре расположены очень странным образом, некоторые даже подвешены на нитях. Как бы там ни было, это один из пяти натюрмортов Котанах, приобретенных у художника королем Филиппом III.

9. «Урок анатомии доктора Тульпа», Рембрандт

Королевская галерея Маурицхёйс в Гааге (1632 г.)

Картины эпохи барокко: «Урок анатомии доктора Тульпа»

В то время как во Фландрии творил Рубенс, на протестантском Севере, в Амстердаме, жил и работал крупнейший голландский художник Рембрандт (Харменс ван Рейн). Церкви здесь были лишены католической атрибутики, а потому в живописи пышным цветом развивался натурализм — интерес к обыденным, бытовым вещам. Рембрандт родился в Лейдене, но быстро пришел к мысли, что успеха сможет добиться только в столице Нидерландов. Интуиция его не подвела: едва он перебрался в крупный город, на него посыпались заказы.

Первый парадный портрет, написанный в 1631 г. («Портрет Николаса Рутса»), превратил его в главного портретиста в городе. Сразу же за ним последовал «Урок анатомии доктора Тульпа». Суть одной из самых известных картин Рембрандта такова: доктор Тульп из амстердамской Гильдии хирургов объясняет собравшимся врачам устройство мускулатуры руки человека. Для этой цели препарировали конечность трупа.

Эта тщательно спланированная и продуманная композиция была первой из цикла групповых портретов, которые Рембрандт взялся писать для зала Гильдии хирургов.

10. «Портрет Карла I на охоте», Антонис Ван Дейк

Дворец-музей Лувр в Париже (около 1635 г.)

Фрагмент картины «Портрет Карла I на охоте»

Ван Дейк быстро понял, что в эпоху барокко (а это светская эпоха) портрет может послужить ключом к успеху. Став ближайшим помощником Рубенса, Ван Дейк много путешествовал по Италии, выполняя многочисленные заказы на портреты в Венеции и Риме. Поколесив по Европе, он возвратился сначала в Антверпен, а затем перебрался в Англию. Там Ван Дейк попал в поле зрения королевской особы.

Он уже стал придворным художником (!) английского короля Карла I, когда писал картину «Портрет Карла I на охоте». Монарх даже пожаловал художнику звание рыцаря в 1633 г. Ван Дейк написал несколько портретов короля, включая и этот, в охотничьем костюме. Специалисты полагают, что на полотне он изо всех сил льстит королю, придав ему величественную позу и изобразив в изысканном шелковом платье.

Подробнее о периоде барокко

Вот еще один обзор и резюме периода барокко; однако это чтение содержит больше информации о первых годах барокко. Обратите особое внимание на ссылки на Флорентийскую камеруту, группу ученых-музыкантов во Флоренции, Италия. Их дискуссии оказали особое влияние на развитие нового музыкального стиля, положившего начало барокко.

Временная шкала композитора в конце этой страницы — удобный ресурс. Я хочу, чтобы вы почувствовали, сколько значительных композиторов у нас просто нет времени изучать. Это также удобный указатель композиторов, на которых мы ссылаемся в наших материалах для чтения. Если вас интересуют конкретные композиторы, не стесняйтесь выполнять поиск в Интернете, чтобы найти дополнительную информацию о них.

Существует также список инструментов, распространенных в этот период. Вам не нужно изучать инструменты по отдельности; однако, когда вы столкнетесь со ссылками на различные инструменты в более поздних чтениях (инструментальная музыка становится гораздо более важной в барокко, чем в эпоху Возрождения), у вас будет этот глоссарий, к которому вы сможете обратиться.

Введение

Музыка барокко  – это стиль западной художественной музыки, созданный примерно с 1600 по 1750 год. Эта эпоха последовала за эпохой Возрождения, а за ней, в свою очередь, последовала эпоха классицизма. Слово baroque  происходит от португальского слова barroco , что означает деформированная жемчужина , негативное описание богато украшенной и богато украшенной музыки этого периода. Позже это название стало применяться и к архитектуре того же периода.

Рисунок 1. Барочный театр в Чески-Крумлове

Барочная музыка составляет большую часть канона «классической музыки», ее широко изучают, исполняют и слушают. Композиторы эпохи барокко включают Иоганна Себастьяна Баха, Джорджа Фридриха Генделя, Алессандро Скарлатти, Доменико Скарлатти, Антонио Вивальди, Генри Перселла, Георга Филиппа Телемана, Жана-Батиста Люлли, Арканджело Корелли, Томазо Альбинони, Франсуа Куперена, Дени Готье, Клаудио Монтеверди, Генрих Шютц, Жан-Филипп Рамо, Ян Дисмас Зеленка и Иоганн Пахельбель.

В эпоху барокко возникла тональность. В этот период композиторы и исполнители использовали более сложную музыкальную орнаментику, вносили изменения в нотную запись и разрабатывали новые техники инструментальной игры. Музыка барокко расширила размер, диапазон и сложность инструментального исполнения, а также утвердила оперу, кантату, ораторию, концерт и сонату в качестве музыкальных жанров. Многие музыкальные термины и концепции той эпохи используются до сих пор.

Этимология

History of European Art Music

Термин «барокко» обычно используется историками музыки для описания широкого спектра стилей из обширного географического региона, в основном из Европы, созданных в течение примерно 150 лет.

Хотя долгое время считалось, что это слово в качестве критического термина впервые было применено к архитектуре, на самом деле оно появилось раньше по отношению к музыке, в анонимном сатирическом обзоре премьеры в октябре 1733 года Рамо « Ипполит и Ариси, 9». 0016, напечатанный в Mercure de France в мае 1734 года. Критик намекнул, что новшеством в этой опере было «дю барокко», сетуя на то, что музыке не хватало связной мелодии, она была наполнена непрекращающимися диссонансами, постоянно менялась тональность и метр и быстро пробежался по каждому композиционному приему.

Систематическое применение историками термина «барокко» к музыке этого периода является относительно недавним явлением. В 1919 году Курт Сакс стал первым, кто систематически применил пять характеристик теории барокко Генриха Вельфлина к музыке. Однако критики поспешили подвергнуть сомнению попытку перенести категории Вельфлина на музыку, и во второй четверти 20 века независимые попытки были предприняты Манфредом Букофцером (в Германии и, после его иммиграции, в Америке) и Сюзанной Клеркс-Лежен. (в Бельгии) использовать автономный технический анализ, а не сравнительные абстракции, чтобы избежать адаптации теорий, основанных на пластических искусствах и литературе, к музыке. Все эти усилия привели к заметным разногласиям о временных границах периода, особенно о том, когда он начался. В английском языке этот термин получил распространение только в 19 в.40-х годов, в трудах Букофцера и Пола Генри Ланга.

Еще в 1960 году в академических кругах, особенно во Франции и Великобритании, все еще велись серьезные споры о том, имеет ли смысл смешивать вместе столь разнородную музыку, как музыка Якопо Пери, Доменико Скарлатти и Дж.С. Баха под одной рубрикой. Тем не менее, этот термин стал широко использоваться и приниматься для этого широкого диапазона музыки. Может быть полезно отличать барокко как от предшествующего (ренессансного), так и от последующего (классического) периодов музыкальной истории.

История

Период барокко делится на три основные фазы: раннюю, среднюю и позднюю. Хотя они пересекаются во времени, их условно датируют периодами с 1580 по 1630 год, с 1630 по 1680 год и с 1680 по 1730 год. и интеллектуалы Флоренции позднего Возрождения, которые собирались под патронажем графа Джованни де Барди, чтобы обсуждать и направлять тенденции в искусстве, особенно в музыке и драме. Что касается музыки, они основывали свои идеалы на восприятии классической (особенно древнегреческой) музыкальной драмы, в которой ценились дискурс и речь. Таким образом, они отвергали использование их современниками полифонии и инструментальной музыки и обсуждали такие древнегреческие музыкальные приемы, как монодия, которая состояла из сольного пения в сопровождении кифары. Ранние реализации этих идей, в том числе 9 Якопо Пери0015 Dafne и L’Euridice положили начало опере, которая, в свою очередь, стала своего рода катализатором для музыки барокко.

Что касается теории музыки, более широкое использование фигурного баса (также известного как тщательный бас ) свидетельствует о растущей важности гармонии как линейной основы полифонии. Гармония — это конечный результат контрапункта, а фигурный бас — визуальное представление тех гармоний, которые обычно используются в музыкальном исполнении. Композиторы начали заниматься гармоническими последовательностями, а также использовали тритон, воспринимаемый как неустойчивый интервал, для создания диссонанса. Инвестирование в гармонию также существовало у некоторых композиторов эпохи Возрождения, особенно у Карло Джезуальдо; однако использование гармонии, направленной на тональность, а не на модальность, знаменует переход от эпохи Возрождения к периоду барокко. Это привело к идее, что аккорды, а не ноты, могут обеспечить ощущение завершения — одна из фундаментальных идей, которая стала известна как тональность.

Включив эти новые аспекты композиции, Клаудио Монтеверди способствовал переходу от музыкального стиля эпохи Возрождения к стилю барокко. Он разработал два отдельных стиля композиции — наследие ренессансной полифонии (prima pratica) и новую технику барокко basso continuo (seconda pratica). С написанием опер L’Orfeo и L’incoronazione di Poppea , среди прочих, Монтеверди привлек значительное внимание к новому жанру оперы.

Музыка среднего барокко (1630–1680)

Возникновение централизованного двора является одной из экономических и политических особенностей того, что часто называют эпохой абсолютизма, олицетворением которой является Людовик XIV во Франции. Дворцовый стиль и придворная система нравов и искусств, которые он взращивал, стали образцом для остальной Европы. Реалии растущего церковного и государственного покровительства создали спрос на организованную общественную музыку, а растущая доступность инструментов создала спрос на камерную музыку.

Период среднего барокко в Италии определяется появлением кантаты, оратории и оперы в 1630-х годах, а также новой концепцией мелодии и гармонии, которая подняла статус музыки до уровня равенства со словами, которые раньше считался первостепенным. Вычурная колоратурная монодия раннего барокко уступила место более простому, отточенному мелодическому стилю. Эти мелодии были построены из коротких, каденциально разграниченных идей, часто основанных на стилизованных танцевальных рисунках, взятых из сарабанды или куранты. Гармонии также могли быть проще, чем в монодии раннего барокко, а сопровождающие басовые партии были более интегрированы с мелодией, производя контрапунктическую эквивалентность частей, что позже привело к устройству начального басового предвосхищения мелодии арии.

Рисунок 2. Жан-Батист Люлли

Это гармоническое упрощение также привело к новому формальному приему дифференциации речитатива и арии. Наиболее важными новаторами этого стиля были римляне Луиджи Росси и Джакомо Кариссими, которые были в основном композиторами кантат и ораторий, соответственно, и венецианец Франческо Кавалли, который был преимущественно оперным композитором. Позже важные практики этого стиля включают Антонио Чести, Джованни Легренци и Алессандро Страделла.

Среднее барокко не имело абсолютно никакого отношения к теоретическим работам Иоганна Фукса, который систематизировал строгий контрапункт, характерный для более ранних эпох, в своем Gradus ad Paranassum (1725).

Одним из выдающихся примеров придворного композитора является Жан-Батист Люлли. Он приобрел патенты у монархии, чтобы быть единственным композитором опер для короля и не позволять другим ставить оперы. Он завершил 15 лирических трагедий и оставил незаконченными Ахилл и Поликсен .

В музыкальном плане он не установил норму с преобладанием струн для оркестров, которая была унаследована от итальянской оперы, и характерно французскую пятичастную структуру (скрипки, альты — в размерах hautes-contre, tailles и quintes — и басовые скрипки). ) использовались в балете со времен Людовика XIII. Однако он представил этот ансамбль лирическому театру, где верхние части часто дублировались блокфлейтами, флейтами и гобоями, а басы — фаготами. Для героических сцен часто добавляли трубы и литавры.

Рисунок 3. Арканджело Корелли

Арканджело Корелли известен как влиятельный человек благодаря своим достижениям по другую сторону музыкальной техники — как скрипач, который организовал скрипичную технику и педагогику — и в чисто инструментальной музыке, особенно его пропаганда и развитие концерта гроссо. В то время как Люлли устроился при дворе, Корелли был одним из первых композиторов, которые широко публиковали свою музыку и исполняли ее по всей Европе. Как и в случае со стилизацией и организацией оперы Люлли, Concerto Grosso построен на сильных контрастах — части чередуются между теми, которые играет весь оркестр, и теми, которые играет меньшая группа. Динамика была «террасной», то есть с резким переходом от громкого к тихому и обратно. Быстрые участки и медленные участки были сопоставлены друг с другом. Среди его учеников числится Антонио Вивальди, который позже написал сотни произведений, основанных на принципах трио-сонат и концертов Корелли.

В отличие от этих композиторов, Дитрих Букстехуде не был придворным, а был церковным музыкантом, занимая должности органиста и Веркмейстера в Мариенкирхе в Любеке. В его обязанности Веркмейстера входило выполнение функций секретаря, казначея и управляющего делами церкви, в то время как его должность органиста включала участие во всех основных службах, иногда в сотрудничестве с другими инструменталистами или вокалистами, которым также платила церковь. Совершенно вне своих официальных церковных обязанностей он организовал и руководил серией концертов, известной как Abendmusiken, которая включала исполнение священных драматических произведений, которые его современники считали эквивалентом оперы.

Музыка позднего барокко (1680–1730)

Благодаря работам Иоганна Фукса ренессансный полифонический стиль стал основой изучения композиции.

Постоянный рабочий, Гендель заимствовал у других и часто перерабатывал свой собственный материал. Он также был известен переработкой произведений, таких как знаменитый Мессия , премьера которого состоялась в 1742 году, для доступных певцов и музыкантов.

Хронология композиторов эпохи барокко

Инструменты эпохи барокко

Струнные

Рисунок 4. Инструменты в стиле барокко, включая колесную лиру, клавесин, виолончель, лютню, скрипку и гитару

• Скрипка-пикколо
• Скрипка
• Виола
• Виола
• Виола д’амур
• Виола пышная
• Теноровая скрипка
• Виолончель
• Контрабас
• Лютня
• Теорбо
• Архлют
• Анжелика
• Мандолина
• Гитара
• Арфа
• Колесная лира

Деревянные духовые инструменты

• Барочная флейта
• Шалюмо
• Cortol (также известный как Cortholt, Curtall, семейство Oboe)
• Дульсиан
• Мюзет де Кур
• Барочный гобой
• Ракетка
• Регистратор
• Фагот

Латунь

• Корнет
• Натуральный рог
• Барочная труба
• Tromba da tirarsi (также называемый tromba spezzata
  )
• Плоская труба
• Змей
• Sackbut (английское название 16-го и начала 17-го века для FR: saquebute , saqueboute ; ES: sacabuche ; IT: trombone ; MHG: busaun 1, 6, бусуне /Германия (с начала 17 века) Posaune )
• Тромбон (английское название того же инструмента начала 18 века)

Клавиатура

• Клавикорд
• Тангенциальное фортепиано
• Фортепиано — ранняя версия фортепиано
• Клавесин
• Орган

Ударные

• Литавры в стиле барокко
• Деревянный малый барабан
• Теноровый барабан
• Бубен
• Кастаньеты

Стили и формы

• Basso continuo — вид непрерывного аккомпанемента, записанного с новой системой нотной записи, фигурный бас, обычно для поддерживающего басового инструмента и клавишного инструмента.
• Концерт и концерт гроссо
• Моноди — результат песни
• Гомофония — музыка с одним мелодическим голосом и ритмически близким аккомпанементом (это и монодия противопоставлены типичной ренессансной фактуре — полифонии)
• Драматические музыкальные формы, такие как опера, драма на музыку
• Комбинированные инструментально-вокальные формы, такие как оратория и кантата
• Новые инструментальные техники, такие как тремоло и пиццикато
• Ария da capo «наслаждалась уверенностью».
• риторнель ария — повторяющиеся короткие инструментальные перерывы вокальных пассажей.
• Стиль концертато — контраст звучания между группами инструментов.
• Обширный орнамент

Жанры

Вокал

• Опера
  • Сарсуэла
  • Серия опер
  • Комическая опера
  • Опера-балет
• Маска
• Оратория
• Страсть (музыка)
• Кантата
• Месса (музыка)
• Гимн
• Моноди
• Хорал

Инструментальная

• Хоральная композиция
• Большой концерт
• Фуга
• Люкс
  • Аллеманда
  • Куранте
  • Сарабанда
  • Жига
  • Гавот
  • Менуэт
• Соната
  • Соната для камеры
  • Соната да кьеза
  • Трио-соната
• Партита
• Канцона
• Симфония
• Фантазия
• Ричеркар
• Токката
• Прелюдия
• Чакона
• Пассакалья
• Прелюдия к хоралу
• Фантастический стилус

Эпоха музыки барокко: обзор

Эпоха музыки барокко была музыкальным периодом, когда главные события заложили основу для классической музыки следующих нескольких столетий. Родился оркестр, а также важные новые музыкальные формы, такие как опера и концерт. Была создана гармоническая система, которая будет доминировать в западной музыке в течение следующих периодов классики и романтизма, и было написано много произведений, которые остаются популярными и сегодня.

В этом посте более подробно рассмотрим музыку эпохи барокко. Мы исследуем его историю, некоторые теоретические и стилистические разработки того времени и ключевых композиторов эпохи барокко. Мы надеемся, что вы по-новому оцените и поймете богатую, сложную и красивую музыку этого увлекательного периода.

Содержание

Когда была эпоха барокко?

Период барокко длился полтора века, примерно с 1600 по 1750 год нашей эры.

Он последовал за периодом Возрождения, что сделало его третьей из шести основных эпох западной классической музыки.

• Средневековье (500-1400 гг. н.э.)
• Эпоха Возрождения (1400-1600 гг. н.э.)
• Эпоха барокко (1600-1750 гг. )
• Классическая эпоха (1730-1820 гг. н.э.)
• Эпоха романтизма (1800-1910 гг. н.э.)
• Современная эпоха (1900-настоящее время)

Стиль барокко

Термин «барокко» происходит от португальского слова barroco , что означает «жемчужина странной формы».

Хотя это может показаться странным описанием музыкального периода, оно относится к богато украшенному характеру искусства, пришедшего из той эпохи.

Тем не менее, нужно быть осторожным, делая обобщения о музыке барокко, так как этот термин охватывает невероятно разнообразный набор стилей, особенно когда национальная музыкальная идентичность стала более выраженной.

В целом музыка стала более грандиозной, драматичной, наполненной большими контрастами (в плане динамики и фактуры), а мелодии часто украшались музыкальными орнаментами в виде трелей и оборотов.

Точно так же изобразительное искусство и архитектура того периода были сложными и декадентскими.

Музыка также стала более откровенно эмоциональной, и там, где в произведении был текст, композиторы пытались связать смысл текста с содержанием музыки.

В пьесах обычно присутствует одна явная эмоция, в отличие от более поздней музыки.

Например, одно движение пьесы эпохи романтизма может вызвать широкий спектр эмоций в быстрой последовательности.

В конце эпохи Возрождения доминировала полифоническая композиция, когда несколько сложных мелодий переплетались друг с другом, производя впечатляющий эффект.

Известный как stile antico , он продолжался и в эпоху барокко, но, как правило, использовался только в религиозных целях.

Тем временем светская музыка начала использовать более простой разработанный в Италии стиль moderno , который использовал выразительную гармонию и подчеркивал сольный голос и четкое разделение между мелодией и басовой партией.

Инструментальная музыка становилась все более популярной, значимой и сложной.

Раньше он часто использовался для сопровождения танцев или для использования в религиозных целях, но теперь это было искусство, которое нужно слушать само по себе.

Танцевальные сюиты были популярной инструментальной формой: они были вдохновлены реальными танцами, но на самом деле предназначались только для прослушивания.

Новые музыкальные формы

Многие музыкальные формы и структуры, созданные в эпоху барокко, станут опорой классической музыки в последующие столетия.

Тремя основными произведениями, которые должны были быть разработаны, были Опера, Концерт и Сонаты, которые стали чрезвычайно популярными.

Рождение оперы

Опера – театральное сочетание вокальной музыки, актерского мастерства, дизайна костюмов, декораций, а иногда и танца – зародилась в Италии в самом конце эпохи Возрождения, к чему стремилась группа художников под названием Флорентийская Камарата. возродить идеалы и музыкальную драму Древней Греции.

В 1607 году итальянский композитор эпохи барокко Клаудио Монтеверди написал L’Orfeo , основанная на греческой легенде об Орфее и являющаяся самой ранней сохранившейся оперой, которая до сих пор регулярно исполняется.

Оперные певцы были высококвалифицированными виртуозами, и героические роли часто писались для пронзительных мужчин-кастратов.

Вот выдержка из L’Orfeo :

Клаудио Монтеверди – «L’Orfeo »

Концерты

Инструментальный концерт также получил развитие в эпоху барокко.

Концерты с участием солиста в сопровождении большого ансамбля дали звездным музыкантам возможность продемонстрировать свои способности невиданным ранее способом.

Как правило, они состоят из трех движений, при этом одно медленное перекрывается двумя более быстрыми движениями.

Антонио Вивальди написал сотни скрипичных концертов, а И.С. Знаменитые Бранденбургских концертов Баха являются примером Concerti Grossi , поскольку в них представлена ​​группа солистов, которые делят между собой основной мелодический материал, в сопровождении более крупного ансамбля:

Другие новые формы

Другие новые музыкальные формы, которые развились в период барокко, включают:

• Оратория – масштабное произведение для оркестра, солистов и хора
• Соната – инструментальное произведение для небольшой группы или сольное произведение, состоящее из нескольких частей
• Кантата — вокальное произведение, состоящее из нескольких частей, в котором участвуют ансамбли разного размера и часто включает хор
• Сюита – серия танцевальных произведений в едином ключе

Гармония в эпоху барокко

В средние века и на протяжении большей части эпохи Возрождения музыка основывалась на гаммах или ладах.

Период барокко полностью отказался от этого подхода в пользу установления «общепринятой гармонии», где каждый тон в диатонической гамме функционирует в соответствии с его отношением к тонике (или основной ноте, первой ступени гаммы).

Это означало, что пьесы располагались в установленных ключевых центрах и использовали стандартные последовательности аккордов, такие как совершенные (V-I) каденции.

Эта функциональная тональная система оставалась преобладающей в классический и романтический периоды и до сих пор широко используется, например, в современной популярной музыке.

Нотация и теория: фигурный бас и бассо континуо

Фигурный бас был новой разработкой в ​​нотации, и функционировал немного как символы аккорда, которые мы позже увидим в джазе и популярной музыке.

Клавишник (обычно клавесинист или органист) получает басовую партию, написанную с использованием традиционных обозначений, с небольшими цифрами над нотоносцем.

Эти цифры будут обозначать интервалы, которые нужно играть над каждой басовой нотой, таким образом подразумевая аккорды, с которыми клавишник будет импровизировать аккомпанемент.

Basso continuo — это система, в которой аккордовый инструмент и один или несколько инструментов басового регистра (например, виолончель или фагот) вместе играют частично импровизированный аккомпанемент с использованием фигурной басовой нотации.

В целом, в эпоху барокко от профессиональных музыкантов ожидалось, что они будут опытными импровизаторами как солистами, так и аккомпаниаторами, и только позже импровизация в значительной степени исчезла из классического исполнения.

Важные композиторы эпохи барокко

Дж.С. Бах

Итальянские композиторы были в авангарде многих важнейших событий эпохи барокко, осуществляя музыкальные изменения раньше, чем их современники в других странах, хотя позже появились чрезвычайно важные композиторы из Германии, Франции и Англии.

Практически все композиторы зарабатывали на жизнь покровительством религиозных или политических организаций.

Музыка в стиле барокко остается популярной и сегодня, ее продолжают часто исполнять и записывать.

Основные композиторы включают:

• Иоганн Себастьян Бах (1685-1750) – один из величайших композиторов всех времен: немец написал чрезвычайно важную музыку для клавишных, концерты, танцевальные сюиты и духовную вокальную музыку, такую ​​как Страсти по Матфею.
• Героге Фридрих Гендель (1685–1759) – немецкий композитор, который провел большую часть своей карьеры в Лондоне, сочиняя оперы, концерты гросси и многое другое. Оратория Мессия остается невероятно популярной. Его музыка повлияла на композиторов-классиков, таких как Моцарт и Бетховен.
• Доменико Скарлатти (1685–1757) – итальянец, наиболее известный своими 555 сонатами для клавишных.
• Антонио Вивальди (1678-1741) – композитор, скрипач-виртуоз, педагог и католический священник.
• Генри Перселл (1659-1695) – один из величайших английских композиторов. Его камерная опера « Дидона и Эней » — одно из самых известных его произведений.

Серия скрипичных концертов Вивальди «Времена года» — одно из самых любимых произведений эпохи барокко:

Анотонио Вивальди – «Времена года: Лето (L’Estate)»

Инструменты

«Оркестр в стиле барокко» ArionOrchestreBaroque (CC BY-SA 3. 0)

Многие инструменты, использовавшиеся в период барокко, используются и сегодня.

Использовались струнные инструменты, такие как скрипки и виолончели, а также деревянные духовые инструменты, такие как блокфлейты, флейты, гобои и фаготы.

На этом этапе медные инструменты еще не имели клапанов.

Струнные инструменты, использующие новые техники, такие как тремоло (своего рода эффект колебания) и пиццикато (защипывание струн).

Композиторы начали экспериментировать с более крупными ансамблями с несколькими исполнителями в каждой части, чтобы добиться более полного звучания, таким образом, фактически рождая оркестр.

Барочный оркестр был меньше современного и иногда управлялся с клавесина.

На другом конце ансамблевого спектра также были очень популярны сольные клавишные произведения, а богато украшенная контрапунктическая (другое слово для полифонии) клавесинная (предшественник фортепианного) музыка является классическим звучанием периода барокко.