Стиль барокко википедия: Что такое Барокко — Узнай Что Такое

Содержание

Стиль барокко в архитектуре и интерьере

Барокко, как одно из главных стилевых направлений в искусстве Европы середины XVII–середины XVIII в. со своей идеологией, принципами, методами и системой формальных признаков, сложилось первоначально в Италии, в художественных кругах Рима и Болоньи в конце XVI–начале XVII в. Формирование стиля барокко (от итал. barocco – странный, причудливый) связано с кризисом идеалов искусства итальянского Возрождения в середине XVI в. Это время великих открытий в естественнонаучных дисциплинах, географии, философии и др. Представления человека античности о стабильности, ясности и гармонии мира, об ограниченном пространстве и времени, ему соразмерных, которые во многом стали впоследствии идеалом Возрождения, были поколеблены новыми знаниями. Вместе с тем эпоха Возрождения со своим великим искусством не могла резко закончиться на каком-то определённом этапе, не повлияв на искусство и стилистику предметного мира нового времени.

Именно здесь следует искать суть всех противоречий искусства барокко. Отражая современный изменчивый и многообразный мир, оно отходит от чёткой и ясной гармонии искусства предыдущей эпохи, уступая место новому пониманию красоты. Это искусство уже к концу XVI в. стремится отказаться от строгих границ организованного, но ограниченного пространства, характерного для искусства Возрождения. Оно как бы демонстрирует человеческие эмоции, сложность, многоэлементность и пышную декоративность окружающей предметно-пространственной среды.

Для барокко характерны контрастность, напряжённость, динамичность сложных, обычно криволинейных форм, ансамблевость, стремление к величию и пышности, к совмещению реальности и иллюзии, к слиянию искусств: архитектуры, живописи, скульптуры, декоративно-прикладного искусства.

Фасады зданий в стиле барокко

Западный фасад базилики (построен в 1569–1679 гг.) Санта-Мария дельи Анджели. 1562 г. Рим, Италия – Santa Maria degli Angeli e dei Martiri (итал.) Барочный фасад церкви (построен в 1600 г.) Санта-Мария дель Пополо. 1472–1477 гг. Рим, Италия – Basilica di Santa Maria del Popolo Берлинский кафедральный собор. 1894–1905 гг. Берлин, Германия – Berlin Cathedral (Berliner Dom —
нем
.) Палаццо Кариньяно (размещается национальный музей итальянского Возрождения). 1679 г. Турин, Италия – Palazzo Carignano (museo nazionale del Risorgimento italiano) Королевский дворец в Мадриде. 1738–1764 гг. Испания – Palacio Real de Madrid (исп.) Дворец Мафра. 1717–1730 гг. Лиссабон, Португалия – Palácio Nacional de Mafra (порт.) Церковь святых Петра и Павла. 1597–1619 гг. Краков, Польша – Church of Saints Peter and Paul (Kościół ŚŚ Piotra i Pawła w Krakowie) Церковь Знамения Пресвятой Богородицы. 1690–1699 гг. Подольск (пос. Дубровицы), Россия Церковь Санта-Сусанна (св. Сусанны). 1585–1603 гг. Рим, Италия – Chiesa di Santa Susanna alle Terme di Diocleziano (итал.) Петропавловский собор (Собор во имя первоверхов-ных апостолов Петра и Павла). 1712–1733 гг. Санкт-Петербург, Россия (русское барокко: петровское барокко) Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане (церковь св. Карла у четырёх фонтанов). 1638–1677 гг. Рим, Италия – San Carlo alle Quattro Fontane Петропавловский собор. 1723–1726 гг. Казань, Россия (русское барокко: московское барокко или
нарышкинский стиль
) Собор Святых Петра и Павла. 1894–1904 гг. Петергоф, Россия Барочный фасад (1750 г.), собор Святого Иакова. 1075–1211 гг. Сантьяго-де-Компос-тела, Испания – Santiago de Compostela Cathedral

Интерьеры в стиле барокко

Весьма выразительным композиционным средством барокко является чрезмерно увеличенный, несоразмерный человеку масштаб и самого изображения, и его основных элементов. Гигантские размеры порталов римских церквей, дверей и окон явно не масштабны, не соразмерны человеку. Может быть поэтому в этом стиле было так много иррациональности и даже фантастичности в изображаемом или сооружаемом объекте.

Внутренняя конфликтность, напряжение этого стиля, которые проявлялись в т.ч. и в архитектуре, заключались в столкновении реальных физических свойств инертного материала, его тяжести, например, и стремлении привести его в беспокойное состояние, зрительное движение.

В этом отношении барокко родственно готике с её несоответствием материальной формы и зрительного образа со своеобразной дематериализацией формы.

Кроме того, внутреннее противоречие этого стиля часто проявлялось в невероятном и отталкивающем натурализме деталей, с одной стороны, и общей мистической атмосфере художественного произведения – с другой.

Вот откуда некоторая надуманность, неестественность художественного образа, театральность и даже декорационность барочного стиля.

Стиль барокко выработал свою особую орнаментику, которая весьма широко применялась и в архитектуре для украшения, в первую очередь, фасадов, и в убранстве интерьеров, и в декоративно-прикладном искусстве, и в декоре мебели. Стремление к пышности, величию рождает новые сложные и весьма неожиданные динамичные композиции, элементы которых первоначально заимствованы в арсеналах Возрождения. Разорванные фронтоны, раскрепованные карнизы, наличники, украшенные волютами, пучки колонн, в т.ч. колонны спиралевидной формы, кронштейны, изобилие заимствованных у Возрождения и пластически переработанных раковин.

Картуши (от фр. cartouche – свиток) – в форме щитов или листов пергамента с завернутыми краями – постепенно превращаются в рольверки (от нем. Rolle – свёрток и Werk – труд, дело) в виде полуразвёрнутого рулона бумаги с надрезанными краями, маскароны, мотивы двойного завитка, гирлянды, акантовые листья (наиболее активно, начиная с XVII в.), ионический киматий и другие декоративные элементы. Известный в романский период и широко применявшийся мотив ленточного плетения барокко преобразовывает в бандельверки (от нем. Band – лента, перевязь и Werk – труд, дело). Мотивы барочного картуша и раковины трансформируются в фантастические формы кнорпельверка, или кнорпеля (от нем. Knorpel – хрящ и Werk – труд, дело), и ормушля (от нем. Ohrmuschel – ушная раковина). Эти два декоративных элемента были особенно характерны для фламандского барокко.

Особенно роскошно декорируются барочные интерьеры. Здесь активно используются роспись, отделка мрамором и золочёным деревом, лепка (стукко), скульптура, живописные картины и др. Особенно хороши живописные плафоны, зрительно увеличивавшие внутреннее пространство помещений. В эпоху барокко по-настоящему рождается функция создания интерьера как композиционно и стилистически организованного целого. Интерьер и его элементы, как настоящий синтез искусств, стали играть весьма важную роль, указывая на социальный статус и материальное положение его владельца. Создаются целые ансамбли убранства помещений. Причем богатство декорирования относится в равной степени и к светским, и к церковным зданиям.

Все элементы здесь подогнаны и согласуются друг с другом: расписные стены и потолки, украшенные к тому же лепниной, формы и размеры деревянных или стукковых рам зеркал и картин, резные, расписные или позолоченные деревянные стенные панели, резные золоченые консоли с мозаичными мраморными столешницами, бронзовые канделябры и хрустальные люстры, роскошные кресла, угловые столы, постаменты для скульптуры, шкафы, украшенные инкрустацией, шпалеры и т.д.

Примечательно, что дворцы в Италии этого периода рассматривались не только как приватные жилые помещения, но, в первую очередь, как своеобразные сценические площадки для проведения торжественных общественных действ – официальных приёмов, пиров, балов и т.д.

Живописность цветовых и световых эффектов в интерьере обеспечивалась сложностью и даже причудливостью его пространственной структуры, обилием цветного резного мрамора, лепнины, резного золочёного дерева, бронзы, хрусталя, скульптуры и живописи. Интерьеры переполнялись скульптурой, но это были не порознь стоящие фигуры, а целые большие группы, где зрителю подчас трудно было выделить отдельный персонаж, потому что каждая фигура была интересна не сама по себе, а как составной элемент целого. Такие группы скульптур, выполненные в необыкновенно сложных ракурсах и установленные в избытке в интерьерах и экстерьерах зданий, являются одной из характерных черт стиля барокко. В результате возникало общее впечатление эмоциональной напряженности, пышности, динамизма и подвижки масс, иллюзия расширения пространства, его безграничности.

Итальянская мебель барокко (XVII в.)

Вначале следует дать краткую характеристику состояния и тенденций развития итальянской архитектуры и искусства создания интерьеров того времени.

Наиболее характерные итальянские постройки стиля барокко создавались крупнейшими архитекторами XVII в.: Л. Бернини, Ф. Борромини, Г. Гварини, К. Райнальди, Б. Лонгена и др. Первым архитектором, который перешел к решению крупных архитектурных задач новой стилевой эпохи, был К. Мадерна. В его римской церкви Санта-Сусанна окончательно складывается тип католического храма XVII в., фасад которого следует системе декоративного убранства церкви Иль Джезу архитектора Д. делла Порта. Но основной работой Мадерны была достройка собора Св. Петра в Риме. Основателем стиля барокко считается архитектор, скульптор и живописец Микеланджело Буонарроти.

Стиль итальянского барокко складывался, в первую очередь, в Риме, из которого проникал в другие города Италии, где принимал различные формы при дворах Медичи или Фарнезе. В эту эпоху постройки сохранили и даже усилили элементы парадности, зрелищности, пышной декоративности. барокко в архитектуре – это сложные пространственные построения и криволинейные очертания планов, резко выступающие и глубоко западающие объемы, контрасты плоского и рельефного, тяжелого и лёгкого, прихотливая игра светотени, частое применение формы овала, разорванные фронтоны, украшенные картушами, огромные изгибающиеся или раскрепованные карнизы, витые колонны, а также спаренные колонны и пилястры. Этим достигалась динамика форм элементов, их как бы свободный рост с расчетом на получаемые эффекты светотени, зрительно усиливающие скульптурность фасадов.

В этом отношении примером может служить широкое распространение истинно барочной формы волюты, одинаково динамичной во всех направлениях, изобретенной Брунеллески для декора фонаря купола флорентийского собора.

В это время по-настоящему складываются принципы и приемы ансамблевых построений. Например, ансамбль Капитолийского холма в Риме (1546 г.) объединил несколько дворцовых зданий вокруг трапециевидной в плане площади с ведущей к ней парадной лестницей. Принцип ансамбля был заложен в планировке овальной площади дель Пополо (1662 г.) при въезде в Рим с расходящимися от неё тремя улицами, площади перед собором Св. Петра в Риме, Площади согласия и Версальского парка в Париже, которые, несмотря на все свои различия, являются порождением

эпохи барокко.

Фасад церкви Иль Джезу. 1573–1584 гг. Д. делла Порта. Рим, Италия

Наиболее радикальное течение римского барокко – стиль иезуитства, который наиболее ярко проявился в церкви ордена иезуитов Иль Джезу (её постройка 1573–1584 гг. относится ко времени раннего барокко). Иль Джезу имеет все признаки барочной постройки. Её фасад выглядит весьма динамичным, в нем есть сильный контраст выступающих и отступающих форм, он украшен волютами, соединяющими верхний ярус с нижним, имеет раскрепованный фронтон. Впечатление такого перетекания форм, их волнистости только усиливается, если зрительно воспринимать такой фасад в ракурсе. В эпоху зрелого барокко такая динамика изогнутых, перетекающих одна в другую, пересекающихся каменных форм получает наибольшее и повсеместное распространение в церковных и светских постройках.

Микеланджело в своем проекте собора Св. Петра (1546 г.) подчинил весь объём здания центральному куполу и уже этим задал динамику всему сооружению. А исполнитель проекта Д. делла Порта (в 1588–1590 гг.) по сравнению с этой проектной идеей Микеланджело усилил динамику, сделав купол не полусферическим, а удлиненным параболическим. Новый силуэт купола подчеркнул общее движение формы здания ввысь.

Отмеченная выше театральность, некоторая неестественность и даже иррациональность барочной архитектуры проявилась, например, в вестибюле библиотеки Сан-Лоренцо. Отойдя от классических канонов архитектуры, Микеланджело спроектировал сдвоенные колонны, которые почему-то не имеют капителей, а стоят в углублениях стены и ничего не поддерживают. Установленные под ними консоли имеют явно декоративные функции. Стены расчленены мнимыми окнами. Лестницы вестибюля по бокам не имеют перил. Перила, которые сделаны в середине, из-за их малой высоты явно несут лишь декоративную нагрузку. Крайние ступени закруглены с завитками-волютами на углах. Сама по себе лестница заполняет почти все свободное пространство вестибюля, что явно нерационально.

Для барокко характерно стремление к достижению эффектов оптической иллюзии. Например, Л. Бернини так спроектировал лестницу в Ватиканском дворце, что она кажется гораздо длиннее, чем есть на самом деле, потому что кверху она сужается, свод становится ниже, колонны – меньше по размеру и промежутки между ними сокращаются. Поэтому, благодаря ложной перспективе, фигура Папы римского, когда он появлялся на верхней площадке лестницы, снизу воспринималась большой, значимой и величественной.

Церковь Сан-Карло архитектора Борромини является прекрасным образцом оригинального по форме и декору здания барочного стиля. Его фасад выглядит как своеобразная ширма, поставленная перед зданием, которое в плане имеет ромбовидную форму с вогнутыми сторонами. Архитекторы барокко старались не делать прямых углов, всячески скругляли и срезали углы зданий, поэтому у церкви Сан-Карло углы также срезаны, а возле них расположены четыре скульптурные группы с фонтанами.

Уже в XVI в. складываются приемы создания итальянского барочного интерьера. Стены и потолки помещений декорируются фресками, а вставленные в стены картины обрамляются резными деревянными позолоченными рамами или лепным орнаментом высокого рельефа.

Создание одного из первых барочных интерьеров (Галерея Фарнезе, 1597–1604 гг.) А. Карраччи, который начал свою деятельность декоратором некоторых дворцов в Болонье, можно считать рождением истинно барочного стиля.

В Болонье впервые стали широко использовать в росписях мотивы так называемой иллюзионистической архитектуры-квадратуры (от лат. quadratura). Такие росписи стали одним из самых популярных способов декорирования стенных и потолочных плоскостей.

В 1693 г. художник А. Поццо, автор многих великолепных фресок в стиле квадратура, подготовил целый трактат о технике подобной живописи – Perspectiva pictorum et architectorum (Живописная и архитектурная перспектива). В нем объяснялось, например, как увязывать перспективную точку зрения с границами фрески или описывались приемы, облегчающие создание огромных по площади фресок. Это руководство оказало огромное влияние на архитекторов и художников своего времени, которые в создаваемых барочных интерьерах старались обеспечить графическое и цветовое соответствие между мраморными плитами или тканями, которыми отделывались стены помещений, фресками, скульптурой и др. элементами декора.

С именем Л. Бернини связано активное использование цветного мрамора для облицовки стен в сочетании с металлом, стукко или фресками. Такую отделку он применял, как правило, для украшения церковных интерьеров. Например, в знаменитой капелле Корнаро в церкви Санта-Мария делла Виттория в Риме, где установлена его композиция Экстаз Св. Терезы (1644–1652 гг.), или в церкви Сант-Андреа аль Квиринале (1658-1670 гг.).

Использование цветного мрамора из-за его относительно высокой цены делало его в Италии доступным лишь для очень богатых людей. Поэтому отделка мраморными плитами жилых интерьеров, за исключением полов, встречается в Италии крайне редко. В большинстве случаев использовалась, доведенная до совершенства в XVII–XVIII вв., техника finto marmo, т.е. расписанное под мрамор дерево. Обычно таким образом декорировались под мрамор деревянные стенные панели. Такой приём декорировки распространился потом буквально по всем европейским странам.

Камины и их декоративное убранство в итальянском барокко стали играть заметно меньшую роль в интерьере помещения по сравнению с каминами эпохи Возрождения. Например, в роскошном интерьере Большого Салона в палаццо Барберини камины не являются активными элементами и имеют весьма скромный декор, а многие другие интерьеры помещений дворца вообще не имеют каминов.

На протяжении всего XVII в. итальянцы продолжают лидировать в искусстве стукко. Опираясь на традиции и мастерство предыдущей эпохи, особенно периода маньеризма, художники по стукко продолжили и развили принципы богато разработанного лепного декора. Живопись или фресковые росписи в большинстве случаев обрамлялись белым или позолоченным стукковым декором. Примером могут служить стукковые рельефы в Салоне Деи Кораццьери в римском Квири-нальском дворце (1605–1621 гг.) и в салоне палаццо Риккарди во Флоренции.

Прекрасные образцы лепнины второй половины XVII в. были выполнены А. Хаффнером для Сала Деи Инверно в генуэзском палаццо Альбрицци в Венеции.

Другим видом искусства декорирования интерьера эпохи барокко, стирающим грани между архитектурой, скульптурой и живописью, была декоративная иллюзорная плафонная роспись. Ею славились художники П. да Кортона и А. Поццо. Например, роспись купола в палаццо Барберини (1625–1663 гг.), которая была завершена П. да Кортона приблизительно в 1639 г.

Главная задача такой росписи состоит в создании ирреального пространства, в котором теряются привычные представления о реальных размерах, объёме, форме, цвете, свете и иных характеристиках и свойствах создаваемого помещения. Плафон, как завершающий элемент интерьера барокко, с помощью перспективной росписи превращается в иллюзорное, уходящее вверх бесконечное пространство неба с летящими облаками и фигурами людей. Характерно, что многие плафонные росписи в интерьерах барокко имитируют не только пространство неба, но и купол с его устремленностью вверх. Эти перспективные росписи как нельзя лучше выражали эстетический идеал искусства барокко – бесконечности пространства, движения масс, света и цвета.

Образец декоративной отделки интерьера раннего барокко в Италии, как уже ранее отмечалось, это галерея Фарнезе в Риме, а более позднего – интерьеры дворцов Питти во Флоренции и Бар-берини в Риме. Здесь все подчинено одной общей идее движения масс и пространства. В соответствии с декором стен, потолков и других элементов интерьера создается и украшается мебель: столы-консоли, стулья, кресла, табуреты, шкафы, шкафы-кабинеты, бюро-кабинеты и др. Мебель стиля барокко отличается укрупненностью пропорций, утяжеленностью своих форм, пышностью резного золоченого декора. Мебель для сидения делается более удобной и соответствует носимой одежде. Широко используются мягкие табуреты, стулья и кресла, а затем и диваны. Спинки делаются с отвалом, появляются более удобные локотники. Сундуки (лари) и поставцы выходят из употребления. Их заменяют шкафы, кабинеты и бюро-кабинеты.

Стол из дуба

Стол из ореха, инкрустация эбеном и слоновой костью. Франция

Для шкафов характерны сплошные силуэты, криволинейность очертаний в плане, наличие изогнутых карнизов со сложным скульптурным декором, пышно орнаментированные лучковые или разрывные фронтоны, резные рамы дверок и ножки. Филёнки дверок шкафов и бюро-кабинетов часто украшаются вставками из цветной каменной мозаики (агата, оникса, ляпис-лазури и др.), шлифованного цветного стекла или цветной деревянной мозаики – маркетри, в технике которой выкладываются целые сцены.

Во Флоренцию и Болонью стиль барокко при изготовлении мебели проник сравнительно поздно – начиная со второй половины XVII в., и вначале она по форме и декору мало отличалась от мебели Позднего Возрождения. Однако позднее в дорогих образцах мебели уже угадывается стилистика нового времени.

Характерным мебельным объектом – непременным элементом парадной обстановки дворцов – стали шкафы-кабинеты, которые хорошо декорировались. Такие кабинеты высоко ценились, часто посылались друг другу как ценный подарок. Увлечение кабинетами было настолько велико, что они стали изготавливаться во многих странах Европы, поэтому их форма и декор стали носить явно выраженный национальный отпечаток.

В XVII в. изготавливались большие кабинеты с подстольями, ставшими необходимой частью убранства дворцов. Обставленная несколькими такими предметами комната получила название кабинет. Этим словом французы иногда обозначают просто небольшую комнату. Кабинеты имели большое количество ящиков, которые служили также для хранения мелких предметов, денег, документов, иных ценностей.

Широкое распространение получили не только напольные кабинеты, но и настольные, миниатюрные, равные по размерам шкатулкам. Они отделывались тиснёной и золочёной кожей, лепной мастикой.

Особое место занимают флорентийские бюро-кабинеты с их сложными и изысканными формами. Они часто изготавливались из черного дерева, их филенки декорировались флорентийской мозаикой из цветного мрамора и стекла, инкрустировались слоновой костью, перламутром, фаянсом. В качестве украшений использовались также накладные орнаменты, медальоны, бюсты, статуэтки из золоченой и хорошо прочеканенной бронзы. Такие бюро-кабинеты делались на высоких ножках, скрепленных внизу резными проногами. Лицевые поверхности ящиков кабинетов имели наборный из цветного камня рисунок птичек, плодов, цветов. Когда изображались различные плоды, то мозаика иногда даже делалась рельефной. Славились также миланские кабинеты из черного дерева на подстольях, стоящие на точеных ножках. Лицевая грань таких кабинетов обрабатывалась архитектурными тягами, карнизами, цоколями, витыми полуколонками и т.п. Поверхности украшались мозаикой из слоновой кости. Кабинеты имели завершение в виде парапета, увенчанного балюстрадой. В свою очередь эту балюстраду украшали статуэтками, выполненными из кости.

Пластическое решение форм мебели для сидения было усложнено. Мягкая мебель (табуреты, стулья и кресла) массивна, украшена резьбой, часто с позолотой, и обита темным бархатом с крупными узорами или глазетом – тканью с вплетенными золотыми или серебряными нитями. Кресла имеют вертикальные или изогнутые ножки или ножки пирамидообразной формы с кувшинообразным расширением в верхней части, стянутые внизу проногами или изогнутой крестовиной с резным вазоном в средней части. Спинки имеют полукруглый верх, часто делаются глухими, высокими или с небольшой перемычкой между стойками. Подобным образом выполняются и табуреты, которые также обиваются разрезным бархатом. Они имеют четыре поставленные по диагонали изгибающиеся ножки, которые заканчиваются далеко расходящимися завитками и скреплены резными золочёными проногами.

В это время появляются маленькие столы прямоугольной формы, которые ставятся у стены или у стены под зеркалом-трюмо. Это были декоративные мебельные объекты, на которые обычно устанавливались какие-либо красивые предметы: вазы, часы, статуэтки и т.п. В таких столах особенно обильно декорируются подстолье и ножки. Здесь выполняются массивные резные украшения, которые золотятся и, часто, расписываются в виде наяд, путти (купидонов), негров, орлов, львов, грифонов, раковин, лент, завитков аканта и др. Столы функционального назначения делаются со столешницами круглой, шести- или восьмиугольной формы. Края столешниц обрабатываются резным орнаментом. Применяемые в предыдущую стилевую эпоху ножки в виде массивных опор заменяются одной точеной в форме вазы, к которой с трех сторон крепятся кронштейны, оканчивающиеся внизу звериными лапами. Все это подстолье стоит на массивном основании, также сплошь покрытом резьбой.

Принципиальные изменения происходят в конструкции кровати. Балдахин остается, но поддерживающие его высокие колонки исчезают, т.е. он теперь консольно крепится к стене. Роль кровати как одного из активных элементов интерьера резко возрастает.

В эпоху барокко мебель делается из ореха, более пригодного для резьбы и полировки. Орех становится настолько популярным, что в Англии это время получает название орехового периода. Мебель постепенно приобретает все более сложные криволинейные очертания, и вместо резьбы начинают использоваться бронзовые накладки. Если мебель делается из дуба, то она фанеруется ореховым шпоном. При обработке криволинейных поверхностей приходится применять технику ручного набора из мелких кусков шпона. Так появляется, помимо Италии, во Фландрии и Голландии, а затем в Германии и Франции, новый вид декора, деревянная мозаика – маркетри (франц. marqueterie – испещренный знаками).

В Риме, Флоренции и ряде других городов Италии были основаны шпалерные мануфактуры, для которых образцами изделий служили фламандские гобелены. Уже в первой половине XVIII в. мода на их продукцию дошла до Неаполя и Турина. Венеция и Генуя славились производством высококачественных шерстяных тканей, а генуэзский набивной бархат пользовался спросом во многих странах Европы. Все эти ткани использовались также для обивки мягкой мебели.

Голландская и фламандская мебель Возрождения и барокко (XVI-XVII вв.)

В XVI в. в Голландии происходит смена стилевой ориентации в изготовлении мебели. Из орнаментации, заимствованной от Раннего итальянского Возрождения, мебельщики начинают использовать (в конце первой половины XVI в.) гротескный орнамент Высокого Возрождения. На орнаментацию и общий декор многих мебельных объектов сильное влияние оказали гравюры У. Флориса, Кук ван Эльса и других художников. Значительно повлияли на стилистику мебельного декора проекты художника Вреде-мана де Бризе, который выпустил в то время сборник своих разработок (Differents Pourtraics de Menucerie). Именно по этим проектам голландские специалисты перешли от готических разработок мебели к ее образцам с архитектурными шаблонами: цоколями, колоннами, консолями, пилястрами, карнизами и др. Стиль Вре-демана де Бризе наиболее наглядно проявился в мебели Антверпена. Здесь шкафы и поставцы делаются с двумя или четырьмя дверками, с ромбовидными филенками, которые членятся пилястрами, витыми колонками, консолями и даже, в некоторых образцах, – гермами, имеют высокий цоколь, сильно выступающий профилированный карниз и массу пирамидообразных декоративных накладок на выступающих частях. Стоят эти шкафы на шаровидных ножках. В это время большое распространение получили стулья и кресла, также первоначально выпущенные в Антверпене. Каркасы таких мест для сидения собираются из точеных витых круглых в сечении стержней, места соединения которых представляют собой прямоугольный брусок со скошенными гранями. Верхняя часть спинки выполняется прямой или имеет слегка закругленную грань. Изгибающиеся локотники кресел, опирающиеся на витые стойки, которые выглядят как продолжение передних ножек, в передней части заканчиваются волютами. Сиденье и спинка стульев и кресел, как правило, обиваются кожей и гобеленовой тканью с применением гвоздей с крупными шляпками. В это время происходит изменение характера украшений мебели и самих ее форм, применяется другой материал. Теперь мебель делается из ореха, а также из других привозных пород дерева. В поздний период появляются инкрустация и вставки из палисандрового, чёрного, амарантового (фиолетового) и розового дерева, что значительно обогатило декоративное решение разнообразных мебельных объектов. Кровати делаются с балдахином и подобным образом украшаются.

Продолжают существовать сундуки с разнообразными формами декора лицевых фасадов. Эти фасады, как правило, имеют строгие архитектурные членения, карнизы и консоли. Лицевая поверхность членится пилястрами на отдельные панно филёнок, украшенных геометрическим резным орнаментом. Кроме того, пилястры дополнительно украшаются вставками из цветного дерева. Обеденные столы имеют достаточно простую форму и часто делаются раздвижными. Массивные точёные ножки имеют ярко выраженную кувшинообразную форму и внизу стягиваются брусками-проногами. Такая кувшинообразная форма ножек оказала сильное влияние на русскую мебель.

В конце XVII в. на формы и декор голландской мебели сильное влияние оказывает Китай.

Шкаф на сдвоенных шарообразных ножках, стоящих на прямоугольных брусках-опорах, поставцы, комоды и шкафы-кабинеты с массой выдвижных и потайных ящиков, которые закрываются дверцами, явно выполнены под этим влиянием. Ножки таких шкафов делались точеными, шарообразными, а иногда изогнутыми в виде латинской буквы S с формой, расширяющейся кверху. Оканчиваются такие ножки внизу птичьей лапой, зажавшей шар. Такой тип ножек в дальнейшем стал применяться в мебели, создаваемой и в других странах. Например, в Англии этот тип ножек хорошо просматривается в стилях королевы Анны и Георгов, а ещё позднее – в стиле Чиппендейла.

В начале XVII в. в результате длительной борьбы Нидерландов за независимость от владычества Испании происходит деление страны на две части: северные провинции, которые стали называться Голландией, и её южные провинции, которые, оставшись под испанской короной, стали называться Фландрией. Складывающееся искусство Фландрии, в первую очередь в Антверпене, который стал центром художественной жизни страны, одно из первых, после Италии, испытывает влияние барочного стиля, который коснулся, прежде всего, живописи, декоративно-прикладного искусства и орнаментального декора. Такие черты как практичность, материализм, эмоциональная приподнятость, пышность форм, декоративность и, одновременно, удобство и уют характеризуют интерьер фламандского жилого дома и его элементы, в частности, мебель. Характерный пример раннего фламандского барокко – жилой дом выдающегося живописца и государственного деятеля П. Рубенса, построенный в 1613 г. в Антверпене. О стилистике барокко на фламандский лад дают представление не только архитектура и убранство интерьеров этого дома, но и живописные произведения самого П. Рубенса, Ван Дейка, Иорданса, Снейдерса, Теньера и многих других замечательных художников того времени. Мебель, которую производили фламандские мастера, по своей конструкции и декору соответствует мебели Позднего итальянского Возрождения. Вплоть до середины XVII в. такая мебель имеет достаточно жёсткие прямоугольные формы с чёткими членениями.

Однако уже со второй половины века появляются более динамичные формы опорных частей, филёнок столярной работы, резных украшений фризов шкафов и др. Во Фландрии продолжают делать возрожденческие типы тяжелых шкафов из дуба, имеющие две или четыре дверцы, выдвижные ящики, выступающие профилированные карнизы, пилястры, консоли и ножки в виде птичьих лап, держащих шары. Позднее появляются двухъярусные шкафы, филенки которых уже имеют более сложную декорировку. Такие шкафы также имеют сильно выступающий карниз, который поддерживается консолями в виде детских головок, и хорошо декорированный орнаментальной резьбой невысокого рельефа фриз. Места сочленений вертикальных (в виде пилястр) и горизонтальных весьма активных профилированных выступов на лицевой и боковых гранях корпуса шкафа украшаются (маскируются) львиными головами с металлическими кольцами во рту.

Продолжают применяться во Фландрии и бюро-кабинеты, но постепенно, в отличие от итальянских образцов, они теперь не имеют сложных форм и декора, а пропорции становятся простыми и более определёнными.

Сложная резьба заменяется теперь на декор, выполненный большей частью столярным способом. Кабинет устанавливается на высокое подстолье, опирающееся на точеные с большими перехватами ножки, стоящие на шарах. Ножки внизу стянуты проногами в виде простых прямоугольных в сечении брусков. Ящики шкафа закрываются двумя распашными дверцами с филенками фасонного декора столярной работы. Шкаф в своей нижней части под дверками имеет наружный выдвижной ящик, а в верхней части – фриз и далеко выступающий карниз, поддерживаемый консолями. Фламандские креденцы (поставцы) XVII в. представляют собой как бы двухчастный шкаф с навесом и нишей, как у буфета. Навес, который выполняет роль фриза и карниза всего шкафа, опирается консольно спереди на два хорошо профилированных точеных и резных столбика. Лицевая и боковые грани шкафа обильно декорированы рельефной резьбой и архитектурными шаблонами. Корпус шкафа, имеющий несколько явно выраженных горизонтальных членений, нижнее из которых представляет собой своеобразный цоколь, приподнят над полом и стоит на шести шарообразных опорах.

В мебели для сидения конструкция мест соединения отдельных элементов ясно видна. Ножки и проноги стульев и кресел, а также столов, которые раньше делались, как правило, точеными или резными, заменяются витыми с четырехгранными перехватами в местах скрепления. Опорные стойки спинок в верхней части оканчиваются резьбой из завитков аканта или львиными головками. Локотники у кресел делаются весьма удобными, имеют в средней части прогиб и заканчиваются волютами, украшенными резными акантовыми листьями. Сиденья и спинки стульев и кресел делаются мягкими с набивкой конским волосом и часто обиваются кожей или декоративными тканями с длинной бахромой. В это время сложился новый рисунок расположения обивочных гвоздей с крупными полукруглыми шляпками на рамах сиденья и спинки. Если раньше шляпки гвоздей размещались достаточно далеко друг от друга, то сейчас их шаг учащен, благодаря чему получается строгий декоративный бордюр в виде бус по периметру сиденья и спинки.

Явно увеличенные размеры по ширине и глубине мест для сидения того времени были обусловлены изменившимся покроем одежды, которая делается теперь более пышной с большим количеством складок.

Столы выпускаются со столешницами различной формы. Коробки подстолья опираются на ножки, выполненные в виде точеных балясин с шарообразными или кувшинообразными выпуклостями и стянуты проногами. Получают распространение также витые точеные ножки и проноги с прямоугольными или квадратными утолщениями (перехватами) в местах соединения отдельных частей конструкции. Иногда в центре проножек устанавливается какой-либо декоративный элемент, например, точеная балясина в виде вазона или столбика. Края коробки подстолья имеют фигурные вырезы и вместе со столешницей, как правило, украшаются плоской резьбой.

Вся мебель делается исключительно из ореха, а не дуба. Используется также привозная древесина чёрного (эбенового) дерева, палисандра, гаванского кедра.

Фламандский барочный стиль XVII в. оказал большое влияние на формообразование голландской и северогерманской мебели.

Немецкая мебель барокко (вторая половина XVII–нач. XVIII в.)

Влияние стиля барокко на формы немецкой мебели начинает ощущаться не раньше второй половины XVII в. Особенно это заметно после окончания здесь 30-летней войны. Но вначале идет заимствование форм и пропорций голландской мебели. Впрочем, это голландское влияние сохраняется частично до самого рубежа XVII– XVIII вв. В первую очередь это относится к стилистике таких элементов конструкции и декора как витые колонки в виде пилястр, витые ножки стульев, кресел и столов, шаровидные опоры, столярная разработка филенок и т.д. Обилие витых колонок, служащих украшением шкафов, буфетов и поставцов, явно перегружает формы немецкой мебели. Например, креденца (поставец) немецкой работы последней трети XVII в. имеет необыкновенно пышные резные и токарные украшения в виде фигурок кариатид на средней части шкафа, боты. Такой шкаф высотой более 2,5 м, глубиной более 1 м, а шириной почти 3 м покоился на шести шарообразных опорах.

В XVII в. в г. Аугсбурге делались весьма роскошные кабинеты, ножки и проножки которых представляли собой сплошное резное кружево. В декоре лицевой грани шкафов широко применялись флорентийская мозаика, отделка серебром и черепаховым панцирем. Такие шкафы-кабинеты, установленные на подстолье, напоминали целые архитектурные сооружения. Вместо привозного черного (эбенового) дерева для изготовления кабинетов немецкие мебельщики часто применяли мореную грушу. В качестве декоративного элемента часто использовался резной узор в форме ормушля (от нем. Ohrmuschel – ушная раковина) – характерного элемента фламандского барочного орнамента в виде складок ушной раковины. Иногда лицевая поверхность кабинета расписывалась и трактовалась как фасад здания, имеющий окна, за которыми видны красивые пейзажи.

В Баварии, в Регенсбурге, делались более строгие по форме кабинеты, стоящие на шести зитых ножках, стянутых внизу проногами в виде буквы X. Вся лицевая гладкая поверхность такого шкафа украшена иллюзорными картинами архитектурных перспектив в технике интарсии или маркетри из цветного дерева. Производились также кабинеты, у которых филенки дверец, боковые грани и лицевые плоскости наружных ящиков были украшены весьма сложными барельефными композициями, изображающими целые сцены религиозного и светского содержания. Эти композиции выполнялись из цветного дерева и вправлялись в своеобразные волнистые рамки черного цвета. Такие волнистые рамки получили весьма широкое распространение не только в Германии, но и в Голландии, Фландрии и Англии. По мнению некоторых исследователей, они были изобретены в начале XVII в. немецким мебельщиком г. Шванхардом. В конце XVII в. такой вид волнистых обрамлений проник в Россию и получил название флемованных дорожников.

Флемованными дорожниками пользовались фламандские мебельщики, членя плоскости декорированных мебельных объектов из черного дерева на отдельные орнаментальные сюжеты и сцены на мифологические темы.

Русская мебель барокко (вторая половина XVII–начало XVIII в.)

Немецкую барочную мебель второй половины XVII–начала XVIII в. характеризует высокое столярное мастерство немецких мастеров и искусство декоративного убранства создаваемых ими мебельных объектов и, одновременно, избыточный запас материала, тяжеловесность резных и точеных украшений.

Первые признаки стиля барокко в России следует искать во времена правления царя Алексея Михайловича (1645–1676 гг.). В это время Россия уже имеет достаточно устойчивые торговые связи с Англией, Голландией и другими странами. В покои царских дворцов и дома бояр начинают проникать привозные мебельные объекты барочного стиля: сундуки, кровати, массивные шкафы, кресла, столы и др. Приглашаются иностранные мастера, которые выполняют заказы на изготовление мебели и обучают русских мастеров. Типичными предметами обстановки помещений были стулья и кресла с высокой прямой спинкой, украшенные резьбой в виде завитков, корон, гербов, орлов и львов, кресла с низкой спинкой, точеными прямыми с перехватами или витыми ножками, проногами и стойками локотников. Стулья и спинки обивались сукном, бархатом или тисненой кожей. Использовались также массивные столы, привезенные из Германии, стоящие на толстых точеных или витых ножках, массивные шкафы, корпусы которых покоились на шарообразных опорах, и кровати с пологом. Правда, кровати с пологом были достаточно редким мебельным объектом и встречались лишь в царских палатах. Вся мебель была деревянной, а ее поверхность обычно покрывалась восковой мастикой, полировалась или красилась. Однако многие образцы мебели не только ввозились, но и изготавливались, например, в Оружейной палате Московского Кремля. Там работали известные тогда столяры, резчики и позолотчики: С. Дарев-ский, К. Михайлов, г. Окулов, П. Кузовлев и др., которые выполняли заказы царского двора и московской знати. Многие образцы западноевропейской мебели того времени копировались местными мастерами (в основном, крепостными людьми) – эти копии были весьма невысокого уровня и в плане конструкции, и в плане декоративной обработки, т.к. русские столяры и резчики тогда ещё не знали всех секретов мебельного искусства, накопленных на Западе. Может быть этим объясняется факт, почему так мало предметов обстановки русских жилищ того времени дошло до нашего времени.

К началу царствования Петра I (1672– 1725 гг.) барокко в Европе достигает своего высшего расцвета. Гамбургские (по другим сведениям, Аугсбургские или Нюрнбергские) мастера создают (в 1682–1684 гг.) серебряный двойной трон для юных царей Ивана Алексеевича и Петра Алексеевича. Над двойным сиденьем, обитым красным бархатом, на витых столбиках укреплен своеобразный балдахин с чеканными золочеными изображениями фантастических животных и птиц, всадников и иного растительного барочного декора. Перед сиденьем укреплены три ажурные ступеньки, а на некотором расстоянии от трона расположены три стоянца – своеобразные по форме и декору массивные колонки, одна из которых установлена точно по центру трона, украшенные сверху двуглавыми орлами, гравированным и прорезным орнаментами, а также две низкие колонки-столбика. Эти колонки предназначались для двух царских скипетров и одной общей державы. Спинка правого сиденья, предназначенного для юного Петра, имела прорезное оконце, которое закрывалось занавеской. Предполагается, что в дни торжественных приемов стоящий за троном человек давал советы и подсказывал царю нужные ответы. В России в эпоху Петра лучшими образцами считается мебель Англии и Голландии – самых мощных морских держав того времени.

На начало XVIII в. приходится резкий прилив иностранной мебели и иностранных мастеров в Россию. Иностранным мастерам вменялось в обязанность обучать приставленных к ним учеников. Иностранная мебель существовала во дворцах рядом с изделиями, выполненными в Петербурге. Вместе с приглашением западных мастеров и покупкой мебельных образцов за границей развивалось и отечественное производство. Русское мебельное искусство, отличаясь своей самобытностью, тем не менее начинало развиваться в

Искусствоед.ру – Образовательный и культурно-просветительский сетевой ресурс об искусстве и культуре

Просмотры: 78 716

В основу стиля Барокко, сложившегося в Италии в конце 16 века, легли религиозные идеи Контрреформации: на Тридентском Соборе было объявлено, что человек может воспринять догматы христианства только через мистическое озарение. Основные черты барочных произведений — эмоциональная выразительность, насыщенность движением, сложность композиционных решений, — создавали у зрителя особый духовный настрой, способствующий единению с Богом. Слово «barocco» в переводе с итальянского означает «странный», «причудливый». Оно появилось позднее, как знак удивления буйной фантазией мастеров этого стиля. Вёльфлин впервые определил барокко как живописное, настроенное на глубину, склонное к открытой форме, предпочитающее атектоническое начало и некоторую неясность.

Для художественной культуры барокко характерно стремление найти красоту в дисгармонии, асимметрии, нескончаемом взаимопереходе форм. Здесь намеренно используются диспропорция, диссонанс и другие нарушения порядка. Главная цель, которую ставит перед собой художник: ошеломить, потрясти воображение зрителя. Эта цель достигается через передачу страстного движения, напряженной борьбы противоположностей, резких контрастов. Текучесть формы обеспечивается специальными художественными приемами: сложными метафорами, аллегориями, анаморфозами (неожиданными переходами одного образа в другой).

В переводе с итальянского «barocco» означает «причудливый», «странный». В средневековой логике этим термином обозначились неправильные умозаключения, логические ошибки. В Португалии аналогичным словом «perola barroca» назывался жемчуг неправильной (овальной) формы. В искусстве его стали применять к различным отступлениям от классических канонов. Первые элементы нового стиля обнаружились в Италии в конце XVI в. Родоначальник – один из «титанов» Возрождения – Микеланджело Буонаротти. В его поздних творениях: скульптурах, олицетворяющих времена суток капеллы Медичи и фреске с изображением Страшного Суда в Сикстинской капелле, — появляются мотивы мучительной скорби и безысходности.

Огромная суггестивная сила барокко стала причиной того, что оно было взято на вооружение католической церковью в движении контрреформации. Его распространению способствовал Орден иезуитов («Общество Иисуса»), которому была поручена борьба с протестантизмом всеми доступными средствами. Иезуитские учебные заведения – коллегии и семинарии – монополизировали образование в католических странах. Благодаря их поддержке идеология и практика барокко утвердилась в странах Западной Европы, не принявших Реформацию: Италии, Испании, Франции, Австрии, Польше и т.д.

Барокко — первый подлинно общеевропейский язык искусства и архитектуры. Возникнув в рамках католицизма, он не может быть вписан в рамки одной конфессии, одной политической системы или одной национальной культуры.

Архитектура

Фасад Мадерна
Италия

В архитектуре наибольшего внимания заслуживают итальянские мастера — ведь именно в их творчестве ярче всего проявилась главная особенность барокко — стремление к созданию ансамбля.

Центром архитектурного барокко стал г. Рим. Первым сооружением этого стиля была церковь Иль-Джезу (1575), построенная архитекторами Джакомо да Виньоли и Джакомо делла Порта для Ордена иезуитов. На фасаде двухъярусного здания использованы волюты, дающие эффект плавного перехода от верхнего яруса к нижнему.

Интерьер характеризуется обилием декоративных деталей, которые задерживают внимание вошедшего в храм, предваряя его восприятие свода. Таким образом символизируется трудность перехода от земной суеты и страстей к небесному блаженству.

Особенно выделяются Карло Мадерна (1556 — 1629), Франческо Борромини (1599 — 1667) и Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680). Именно Карло Мадерна мы обязаны сегодняшним видом Собора святого Петра. К зданию, которое возвёл Микеланджело, Мадерна добавил гигантский притвор с западной стороны. Таим образом, весь храм стал базиликой и приобрёл стремительное движение к подкупольному пространству, где находится могила святого Петра.

Работы по преобразованию Собора продолжил Бернини. С 1657 по 1663 он создавал своё гениальное творение — площадь перед Собором. Это была главная площадь католического мира. Множество паломников из разных стран собиралось и собирается на ней в праздничные

Площадь собора св. Петра

дни, чтобы увидеть Папу. По сути, это не одна, а две площади. Первая, в виде трапеции, сформирована галереями, отходящими от Собора. Второй Бернини придал форму овала. Она обращена к городу и охвачена колоннадами, как двумя огромными руками. В симметричных точках овала расположены фонтаны, а между ними стоит обелиск, помогающий ориентироваться на огромной площади. Это не просто слова — хорошо известен своеобразный эффект площади святого Петра: проходя по ней посетитель периодически ощущает утрату координат. Кроме того, в средокрестии Собора Бернини установил огромный киворий высотой 29 м. Этот колосс на 4-х витых колоннах с имитацией в бронзе тяжёлых складок драпировок потрясает всякого вошедшего в храм.

Церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане

Абсолютным шедевром Франческо Борромини является церковь Сан-Карло алле Куатро Фонтане. Для неё был выделен маленький и неудобный участок на перекрёстке. По углам небольшого храма расположены 4 фонтана (отсюда название церкви). Стена фасада то прогибается, то выступает вперёд, и кажется, что плотная масса камня меняется на глазах. Композиция основана на продуманных сочетаниях выпуклых и вогнутых поверхностей стен, а всё вместе создаёт динамичный, живописный, и вместе с тем логичный образ.

Самые зрелые черты стиль барокко приобрел у Франческо Борромини (церковь Сан-Карло у четырех фонтанов) и Лоренцо Бернини (церковь Сант-Андреа аль Квиринале). Сложились его отличительные признаки:

1. Овальная форма планов и вообще преобладание криволинейных очертаний в зданиях: полукруглый фронтон, волнообразный фасад, характерная декоративная деталь – волюта, соединяющая верхний и нижний ярусы здания.
2. Витые колонны, создающие эффект напряженного движения:
3. Фонтаны, как часть архитектурного ансамбля.
4. Перегруженность декоративными деталями: пышной лепниной, скульптурами и росписями.
5. Иллюзионистские эффекты, создающие впечатление бесконечного пространства, размывающие грань между кажущимся и реальным и др.

Все эти детали имеют символическое значение. Криволинейные очертания, волюты и волнообразность символизируют преображение материи. Тяжелое каменное сооружение как бы на глазах меняет свой облик. Сложная символика выражена и в отдельных архитектурных памятниках. Пространство перед церковью св. Петра в Риме имеет очертания ключа, напоминая о том, что церковь есть ключ к Царствию Небесному.

Испания

Говоря об архитектуре Испании того времени, следует отметить, что в ней сочетались средневековые черты с барочными. Особенно ярко новые веяния отразились в декоративном оформлении зданий — так называемый стиль «платереско» («чеканный», «узорчатый»). В этом стиле строили Мартин

Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела

Виллареаль, Алонсо Кано и другие. На рубеже 17 — 18 веков ясность и ювелирная точность платереско сменились предельной насыщенностью декоративными деталями и пристрастием к обильным украшениям на фасадах. По имени архитектора Хосе Бенито Чурригера  и его братьев (1665 — 1725) этот стиль получил название «чурригереск». Созданный ими стилевой вариант характеризовался особо пышным декором фасада. Он оказал влияние на латиноамериканскую архитектуру (мексиканское «ультрабарокко»). В этом стиле был построен знаменитый собор города Сантьяго де Компостела. Его архитектор, Фернандо Касас де Новоа, использовал такое обильное декоративное убранство, что башни храма кажутся скульптурными произведениями, а не архитектурными.

Франция

Во Франции барокко более строгое, без излишеств. Вершиной французской архитектуры 17 века стал Версаль. Кроме Версаля, следует отметить например, собор Дома Инвалидов, построенный Жюлем-Ардуэном Мансаром (1646 — 1708). Этот храм стал важной высотной точкой Парижа — его тяжеловесный купол значительно изменил панораму города.

Версаль Собор Дома инвалидов Версаль
Англия

Великобритания в 17 веке была одним из крупнейших центров европейской архитектуры. Однако большинство английских построек было связано не с барокко, а с иным стилем — классицизмом. Поэтому здесь присутствуют те произведения английских архитекторов, где присутствуют отдельные черты барокко. Безусловно, это Собор святого Павла, построенный Кристофером Реном (1632 — 1723). Нужда в строительстве храма возникла после того, как пожар 1666 года уничтожил старый лондонский собор. Главный фасад нового собора украшен двухъярусным портиком со сдвоенными колоннами и фронтоном. Как и в соборе святого Петра в Риме, в здании Рена есть внутренний купол и внешний, рассчитанный на вид издалека. Чтобы удержать тяжёлый фонарь купола, архитектор придумал конусовидную конструкцию из кирпича между внутренним и внешним куполом. Для 18 века это было уникальное инженерное решение. Важным произведением английского барокко стала Библиотека Рэдклиффа (архитектор Джеймс Гиббс, 1682 — 1754). Она представляет собой 16-гранное в плане сооружение, окружённое колоннадой из сдвоенных колонн.

Дворцово-парковые ансамбли представлены таким памятником английской архитектуры 17 века, как Вилла в Чизвике, созданная Ричардом Бойлом Бёрлингтоном (1695 — 1753), аристократом и покровителем искусств. Вилла повторяет «Ротонду» Палладио, но её фасады не одинаковы. Садовый фасад украшен портиком с фронтоном, к которым ведёт очень сложная и изысканная лестница. Парк, созданный для этого ансамбля Уильямом Кентом (1684 — 1748) — один из первых образцов английского пейзажного парка.

Германия и Австрия

В Германии и Австрии архитектурное барокко развивалось почти так же бурно, как и в Италии. Здесь необходимо отметить пышные экстатические творения братьев Азам, Фишера фон Эрлаха и других немецких и австрийских авторов. Дворцово-парковые ансамбли представлены  таким замечательным ансамблем, как Епископская резиденция в Вюрцбурге (архитектор Бальтазар Нойман, 1687 — 1753). Это огромный дворец с 4-мя внутренними дворами и очень длинным фасадом — 167 м. В интерьере дворца поражает монументальная и изысканная парадная лестница. И жемчужина немецкого барокко — Цвингер, парадная резиденция курфюрстов Саксонии. Ее создал Маттиас Даниэль Пеппельман (1662 — 1736). Ансамбль возвели у крепостного рва, где в Средние века держали диких животных (по-немецки zwinger означает «клетка для зверей»). Обширный двор, где проходили празднества, с трёх сторон окружён двухэтажными павильонами, соединёнными галереями с застеклёнными арками.

Скульптура

В скульптуре внимание прежде всего привлекают итальянские и испанские архитекторы. Барочным скульптором «par excellence» является Джан Лоренцо Бернини. Широко известно его утверждение: «Я сделал мрамор гибким как воск». И действительно, такие работы, как «Экстаз святой Терезы», «Аполлон и Дафна», «Похищение Прозерпины» свидетельствуют о виртуозном мастерстве скульптора. Он шлифует мрамор, заставляет его играть множеством бликов, передавать тончайшие нюансы: фактуру ткани, блеск глаз. В скульптурах Бернини достигают апогея динамика и дематериализация формы. Он мог соединять в одном произведении мраморы разных цветов и позолоченную бронзу, достигая полной иллюзорности и предельной живописности скульптуры.

В отличие от Бернини и других итальянских скульпторов, воплощавших в своих произведениях некую идею, испанские мастера стремились прежде всего к правдоподобию до мельчайших деталей. В их работах натурализм сочетался со страстностью. Очень распространённой скульптурной формой в Испании было «пасо» (шаг, шествие) — группа, представляющая библейскую сцену. Пасо носили по городу во время праздников. Их делали из дерева, раскрашивали, на фигуры надевали одежду и приклеивали настоящие волосы. Наиболее известные мастера — Грегорио Эрнандес (около 1576 — 1636) и Педро де Мена (1628 — 1688), — соединяют в своё творчестве жёсткий натурализм и обострённую эмоциональность в передаче духовного состояния.

Французские скульпторы, творившие в условиях абсолютизма, любили эффектные, выразительные решения, монументальные формы, торжественность и пышность. Франсуа Жирардон (1628 — 1715), ученик Бернини, подчёркивает в своих работах не драматизм, а красивую композицию. Антуан Куазево (1640 — 1720) даёт психологически тонкие характеристики героев, используя такие барочные приёмы, как неожиданные позы, свободные движения, пышные одеяния. Французская скульптура 17 века соединяет в себе черты классицизма и барокко.

Поражает своей пышностью скульптура немецкого барокко. Основные её черты — парадность, экспрессивность, избыточность деталей, тонкое чувство материала и усложнённость композиций. Всё это как нельзя лучше проявилось в произведениях Андреаса Шлютера.

Живопись

В живописи, гравюре и рисунке Европы были большие и малые мастера барокко. В Италии это болонские академисты — братья Карраччи, Гверчино, Сальватор Роза, — верившие в существование вечного идеала красоты. Их взгляды легли в основу академической системы образования. Известен сонет, приписывающийся Агостино Карраччи, в котором излагаются взгляды академистов:

Кто стремится и хочет стать хорошим живописцем,
Тот пусть вооружится рисунком Рима,
Движением и светотенью венецианцев
И ломбардской сдержанностью колорита,
Манеру мощную возьмёт от Микеланджело,
От Тициана передачу натуры,
Чистоту и величие Корреджиева стиля
И строгую уравновешенность Рафаэля.

(Пер. А. Аристовой и С. Всеволожского)

Во Франции мы видим явление крестьянских живописцев — Луи Ленена (1600/1610 — 1648) и Жоржа де Ла Тура (ум. 1652). Картины Ленена продуманны и упорядочены по композиции, строги по колориту. Его герои полны достоинства и внутреннего покоя. На полотнах Ла Тура, благодаря особому художественному приёму (противопоставлению тёмного пространства и потока яркого света) заурядные события превращаются в мистические и таинственные. Представлено и творчество Клода Лоррена (1600 — 1682) — основоположника французского пейзажа.

Из немецких живописцев того времени самым талантливым был Адам Эльсхеймер (1578 — 1610). Его творчество повлияло на многих современников яркостью колорита, оригинальным подходом к сюжетам, смелыми экспериментами в изображении света.

Но на первый план в области живописи и графики выходят мастера Испании, Голландии и Фландрии. В Испании 17 век называется золотым веком живописи. И действительно, именно в эту эпоху жили и творили такие замечательные художники, как Хусепе Рибера (1591 — 1652), разрабатывавший тему страданий и мученичества; Франсиско Сурбаран (1598 — 1664), чьи многочисленные циклы из жизни святых погружают нас в тайну мистического общения человека с Богом, и Бартоломео Эстебан Мурильо (1618 — 1682) — деликатный и искренний художник, своими образами вызывавший умиление у современников.

Но, конечно, самым выдающимся испанским живописцем эпохи барокко был великий Диего Родригес де Сильва Веласкес (1599 — 1610). В искусстве достижения иллюзии реальности он следовал испанской национальной традиции. Но, в отличие от вышеперечисленных художников, иллюзорность у Веласкеса принимает не религиозно-мистический, а простонародно-бытовой оттенок. Его поздние картины поражают мастерством композиции и невиданной ранее свободой пространственного мышления и обыгрывания темы «картина в картине». Мастер писал блестящие психологические портреты, с поразительной глубиной проникая во внутренний мир своих героев. Папа Иннокентий Десятый назвал свой портрет кисти Веласкеса «слишком правдивым». Парадные портреты художника скорее скрывают внутреннюю жизнь героя, демонстрируя аристократическую сдержанность. Но именно они позволяют во всём блеске развернуть живописное мастерство — зритель обнаруживает головокружительные заливки жидкой краски, непринуждённые движения кисти, вольно переливающиеся открытые цвета, смелые опыты с цветными тенями… В своём творчестве Веласкес соединяет духовное богатство с редким техническим мастерством.

Во Фландрии, где господствовали испанцы, и в Голландии, которая стала независимой, тоже наблюдался небывалый расцвет изобразительного искусства. «Королём художников и художником королей» называли фламандца Питера Пауля Рубенса (1577 — 1640). В его антверпенской мастерской безостановочно кипела работа — среди заказчиков Рубенса числились не только дворяне и богатые купцы, но и королева Франции Мария Медичи, испанская королева Изабелла… Он подарил миру около 3 тысяч картин и множество рисунков. Работам художника свойственны необыкновенная любовь к жизни и энтузиазм. Они отличаются удивительной изобретательностью построений, сверканием ярких тонов.

Рубенс достиг изумительного совершенства и лёгкости в искусстве владения кистью — и этим поразил романтиков. Вот как написал о нём Эжен Делакруа: «…он подражал Микеланджело, но так, как только он умел подражать! Он был переполнен величайшими образцами, но следовал тому началу, которое носил в самом себе… Он имеет смелость быть самим собой… Я дуюсь на него порой! Я ссорюсь с ним из-за его грузных форм, из-за недостатка изысканности и изящества… Но даже промахи Рубенса не ослабляют впечатления от его картин, до того они проникнуты совершенно особым свойством истинной смелости… Рубенс гораздо родственнее Гомеру, чем многие античные мастера. У него был сходный гений по самому своему духу…». Художник ценил живописную ткань тициановской традиции, но разрушал то величавое равновесие, которое было ей свойственно. Освоив всё неповторимое богатство итальянской живописи, художник, по сути, основал фламандскую школу.

Славу этой школы составляют утончённые портреты Антониса Ван Дейка (1599 — 1641), простодушно-грубоватые жанровые произведения Якоба Йорданса (1593 — 1678), горькие и язвительные картины Адриана Браувера (1605/1606 — 1638).

Вершиной голландской школы было творчество Рембрандта Харменса ван Рейна (1606 — 1669). О его произведениях Эжен Делакруа сказал: «правда — самое прекрасное и редкое на свете». Можно утверждать, что Рембрандт был самым необыкновенным и загадочным мастером 17 века. В молодости он быстро приобрёл репутацию вундеркинда. За свои портреты, в которых он схватывал выражения лиц, погружая их трепетную светотень, Рембрандт получал неплохие гонорары. Художник счастливо женился, у него появились ученики. Однако уже в начале 1640-х годов его живопись становится слишком необычной для голландских бюргеров. Вот как пишет Эжен Фромантен о картине Рембрандта «Ночной дозор»: «Рембрандту надо было изобразить роту вооружённых людей. Не было ничего проще, как показать нам, что они собираются делать; но он выразил это так небрежно, что даже в самом Амстердаме до сих пор ничего не могут понять. Он должен был придать фигурам портретное сходство — оно сомнительно; изобразить характерные костюмы — они большей частью фантастичны; создать живописный эффект — но этот эффект оказался таков, что картина стала неразрешимой загадкой. Страна, место, время действия, сюжет, люди, вещи — всё исчезло в бурной фантасмагории палитры… странности фигур, и их внезапное появление среди полной темноты — всё это случайный результат эффекта, задуманного вопреки правдоподобию, осуществлённого вопреки всякой логике». Недоумение вызывала слишком вольная трактовка портретов и нехарактерный для Голландии интерес к евангельским и библейским сюжетам. Умирает любимая жена Рембрандта, исчезают ученики и заказчики, тает богатство. В конце концов, художник становится банкротом и переселяется в еврейское гетто. В работах последних лет Рембрандт достигает величайшей человечности. Его «ночной мир» пронизан, по выражению Вальтера Беньямина, «непредумышленными смыслами». Картины мастера изобилуют световыми вспышками и потоками, полупрозрачными сгустками и материальными уплотнениями, принимающими вид предметов и фигур. Художник создаёт яркие и запоминающиеся образы стариков, женщин, влюблённых, отцов и детей. Великий Рембрандт умер в 1669 году, пережив своего сына Титуса. Мистические свойства материи его произведений, несомненно, составляют ещё одну грань стиля барокко.

Что касается офортов Рембрандта, то в них оригинальность индивидуального стиля художника проявилась еще сильнее. Свет и тень создают в них поистине ирреальное, мистическое ощущение. Штрихи образуют густую трепещущую сетку и вибрируют серебристым или золотистым цветом, создавая особую атмосферу.

Вторым великим голландским художником эпохи барокко был Ян Вермеер Делфтский (1632 — 1675). Перед его работами у зрителя возникает смешанное чувство восхищения и беспомощности. Всё ясно и понятно, но, в то же время, драгоценная световоздушная живопись Вермеера придаёт художественному пространству загадочный оттенок. Если у Рембрандта материальность исчезает и растворяется в свете и тьме, то у Вермеера, наоборот, подчёркивается материальная значимость каждого предмета. Писал Вермеер очень медленно и оставил потомкам всего около 40 картин. Он тщательно накладывал мелкие плотные мазки, завершая работу лёгкими, незаметными касаниями кисти.

Кроме этих двух гигантов нидерландской живописи в эпоху барокко в Голландии жили и творили Фрас Халс и так называемые «малые голландцы»: Герард Доу (1613 — 1675), Адриан ван Остаде (1610 — 1685), Габриэль Метсю (1629 — 1667), Герард Терборх (1617 — 1681) и другие. Они разрабатывали различные вариации бытового жанра, причём особенно любимой темой стали сцены «весёлого общества». «Малые голландцы» были наблюдательны, порой остроумны и умели нравиться публике.

Гравюра

В гравюре представлены, в основном, работы тех же мастеров, что и в живописи. Но есть там и такие мастера, которые стали известны именно как гравёры. Таков, например, голландец Херкюлес Сегерс (1589/1590 — 1638), много сделавший для развития техники цветного офорта. Каждый его лист — неповторимое, оригинальное произведение искусства. В ночных пейзажах яркие блики образуют на тёмном фоне сложный рисунок и создают иллюзию серебристого мерцания лунного света, а грандиозные ландшафты вызывают космические ассоциации.

Французский рисовальщик и гравёр Жак Калло (1592 — 1635) узнал славу ещё при жизни — его эстампы печатались большими тиражами и продавались во многих городах Европы. Замечательно изображал Калло массовые сцены со множеством мелких фигурок. В общую композицию прихотливо вплетаются бродяги, комедианты, разбойники. На одной из гравюр Калло Тенирс насчитал 1138 человек, 45 лошадей и 137 собак. Дерзкий гротесковый стиль художника отразился не только в изобразительном искусстве, но и в литературе — одна из самых знаменитых книг Э. Т. — А. Гофмана называется «Фантазии в стиле Калло». На весь мир прославился своими гравюрами и рисунками Джованни Батиста Пиранези (1720 — 1778). Он создал сотни гравюр с видами Рима, проектов воображаемых зданий и архитектурных фантазий. Самой загадочной была его серия «Тюрьмы» — одни видели в них изображение ада, другие — наркотические галлюцинации, третьи — театральные декорации. Сам себя Пиранези называл «венецианским архитектором», и хотя за всю свою жизнь он построил всего лишь одно здание, заслуживает такого названия, ибо оказался родоначальником «бумажной архитектуры». Фантастические образы гравёра оказали столь большое влияние на князя В. Одоевского, что тот вывел образ Пиранези в своём романе «Русские ночи», и вложил тому в уста следующую тираду: «Духи, мною порождённые преследуют меня: там огромный свод обхватывает меня в свои объятия, здесь башни гонятся за мною, шагая верстами… иногда заключают они меня в мои собственные темницы, опускают в бездонные колодцы, куют меня в собственные мои цепи».

Отдельного упоминания заслуживают и такие гравёры и рисовальщики, как Абрахам Блумарт (1564 — 1651), Стефано делла Белла (1610 — 1664), Карел Дюжарден (1622 — 1678), Жорж Лаллеман (ок.1580 — ок.1640).

Заключение

Барокко экспериментально и исполнено здравого смысла. Оно мистично и рационально, иронично и серьёзно, виртуозно и естественно. Нередко встречаются в барочной архитектуре опыты с пространством и движением, массой и цветом. Излишества и декоративная преизбыточность интерьеров дворцов может вызвать упрёки строгих эстетов. В парках и садах встречаются нам павильоны с причудами, зловещие гроты, фонтаны со странными фигурами и чудищами. Барокко регулярно сбивает зрителя с толку. В архитектуре и скульптуре, живописи и гравюре, глаз перестаёт различать большое и малое, далёкое и близкое, лёгкое и тяжёлое, материальное и имматериальное. Барочные мастера словно специально подчёркивают неуловимость и неподотчётность человеку стихий и субстанций, несоразмерность мира и людей.

Искусство барокко тесно связано с рождением принципиально нового способа мышления, с появлением научной картины мира. Именно в 17 веке Галилей демонстрирует изумлённой общественности виды новых небес, с их многочисленными звёздами и планетами. Это и подобные ему открытия приводят не только к ужасу и трепету перед затерянностью человека в просторах космоса, но и к желанию осваивать новые пространства. После Кеплера у астрономов не возникало сомнений в подвластности физической вселенной измерению, и та же картина наблюдалась в биологии, географии, химии, медицине.

Стиль барокко — порождение нестабильной эпохи. Художники расшатывают прежние представления о том, каким должно быть искусство. Они осваивают новые темы и мотивы, способы выражения, хотят увидеть невидимое и запечатлеть невозможное. Как бы мы ни относились к искусству барокко, мы должны осознавать, что именно оно стало первым стилем Нового Времени. В нём — ключ к пониманию искусства дня сегодняшнего.


Д. Харман.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Взгляд художника на причудливый стиль барокко

Приветствую вас друзья, подписчики и читатели моего блога!

 Любите ли вы погружаться в мир ярких праздников и шика? Думаю, что да!  Нам всем немного не хватает этого, за серыми и рутинными буднями жизни…

И размышляя, я решила погрузить вас в необычайный и такой привлекательный стиль Барокко (конец XVI века- середина XVIII века). Давайте кратко пройдемся по основным понятиям стиля.

Какой он – стиль Барокко в искусстве, в архитектуре, в интерьере и в моде?

Немного странный, с некоторыми излишествами, где-то нелепый, перенасыщенный множеством деталей…  А знаете ли вы, что стиль Барокко долго не признавали, как жанр искусства и даже насмехались над творцами!

Естественной реакцией человека, как бы банально это не звучало, является отторжение всего нового и непонятного на первый взгляд, уже позже осознанного только при глубоком восприятии.

К художественным произведением тех времен предъявлялись строгие требования, а именно полное соответствие правилам античного искусства. Классика и рациональные взгляды на творчество приобрели новые качества и особенности, которые стали интересны обывателям.

На смену стереотипному мышлению пришел новый, неизведанный, неестественный и интересный стиль Барокко.

  Какие же основные тенденции этого стиля?

Если описать стиль и обобщить, то выглядит он так: контрастность, напряженность, динамичность.. Желание  показать пышность и роскошь, яркость и сочность …. Соединение воедино реальности и иллюзии.…

Теперь давайте чуточку пройдемся по живописи…

Пышность и величие присуще живописи в стиле Барокко. Выразительность и контрастность цветов в картинах разрушает гармонию эпохи ренессанса. Каждый стиль в искусстве имеет тесную взаимосвязь с эпохой своего рождения, ведь питаясь эмоциями и увлечениями того времени, художники получали волну вдохновения.

Творцы на холстах оставляли настроение хаоса и некоторой бесцеремонности, что и оправдывает популярность картин, выполненных в стиле Барокко.

Размеренная жизнь человека наполнилась новыми игривыми эмоциями и праздничным настроением…, ведь при взгляде на работу художника можно полностью погрузиться в иллюзорный мир шика и праздника.

Питер Пауль Рубенс (1577-1640) – творец, который предпочитал разнообразие и богатство красок, передавая любителям искусства свое настроение и эмоциональный порыв, некую страсть в сюжете. Ах, какая грация и сила собрались воедино в этой картине…

Диего Веласкес (1599-1660) –живописец и один из ярких примеров художников, работающих в стиле барокко. Очень яркие сюжеты и портреты, передающие величие высокопоставленных лиц – основное направление, в котором представлено множество его работ. Творец тщательно прорабатывал все детали, играя с бликами и тенями, что и подкупает наблюдателей.

Интересной особенностью в работах Веласкеса является совмещение в одном полотне натуральности и фантастики, мечты и реальности.

Какое милое дитя с кудряшками, бантиками и рюшечками….у меня в душе даже заиграла музыка…Вы ее слышите? Я шучу, конечно, но ощущения праздника в душе, все же присутствует. Почему сейчас так не одеваются….

И другие самые известные художники Барокко: Рембрандт ван Рейн (1606-1669),  Лафранко Джованни (1582-1647), Аннибале Карраччи (1560-1609), Караваджо (1571-1610)….

Пышные формы, яркие краски, непривычность и оригинальность сюжетных линий – все это особенности, характеризующие стиль барокко.

Чувственностью пропитаны холсты художников, в которых творцы передавали яркие эмоции и переживания

 Забыла упомянуть в начале статьи, что родиной Барокко считается Италия и с итальянского «Barocco»  переводится как причудливый, странный, склонный к излишествам…

 Теперь кратко о Стиле Барокко в архитектуре

Сложность и размах можно лицезреть  в архитектурных творениях . Очень сложные формы, игра цвета и насыщенность в оформлении зданий присущи эпохе Барокко. Одна деталь дополняется другой, создавая объем и величие. Богатые, насыщенные разнообразием деталей, здания в стиле Барокко, поражают обычного обывателя своей помпезностью.

Самые известные архитекторы Барокко :

Бернини 1598 — 1680, величайший итальянский архитектор и скульптор. Самые известные его работы: площадь Святого Петра,  Палаццо Барберини, Сант-Андреа аль Квиринале.

Пьетро да Кортона    1596-  1669 — итальянский живописец и архитектор, его работы: Церковь Святого Луки и Святой Мартины, фасад Санта-Мария делла Паче

Франсуа  Мансар 1598 -1666, французский архитектор , такие работы как замок в Блуа, дворец Мезон-Лаффит

Лево Луи 1612-1670, тоже является одним из самых известных и первым королевским архитектором Франции, самые яркие его работы это дворец в Версале (был главным со-архитектором), Луврский дворец, Во-ле-Виконт

Ну и конечно, стиль Барокко в архитектуре не обошел и Россию-матушку . А самый главный архитектор того времени это конечно же  Бартоломео Растрелли  1700-1771, его Творения это Зимний дворец, Смольный собор, Екатерининский дворец (переделка)….

Зимний дворец на Дворцовой площади Санкт-Петербурга

Андреевская церковь в Киеве

Если подвести итог архитектурным построениям стиля Барокко, то это парадность  напыщенность, тяжеловесность с кривыми линиями, торжественность, масштабность, величественность, размах в пространстве.

И еще немало важно, это появление эффекта движения за счет использования света и тени… появляется этакая игра светлого и темного

Теперь давайте окунемся в мир интерьеров того времени, и  конечно же немного погрузимся в мир моды это удивительного и шикарного стиля Барокко

В дизайне интерьер этот стиль всегда стремился к величию, пышности, подчеркивая роскошь и изобилие владельца дома. Огромные, масштабные помещения с богатой отделкой и разнообразием материалов (мрамор на стенах, обилие позолоты, лепнина с растительными узорами)

Разнообразные скульптуры, настенные живописные росписи и фрески на потолке… Массивная мебель — широкие кровати с балдахинами, огромные шкафы, зеркала с золочеными рамами, гобелены на стенах… Мягкая мебель обивалась дорогой яркой тканью — и  все это черты стиля Барокко интерьеров.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Стиль до сих пор востребован, и многие люди во всем мире предпочитают его видеть у себя в доме… \Мне этот стиль, по правде говоря, сильно симпатизирует, может поэтому, я люблю расписывать стены и мебель?

Множество живописцев и архитекторов представили человечеству шедевральные работы, покорившие людей своей безудержной тягой к жизни.

 А что же касается моды в стиле Барроко?

Началась мода барокко во времена Людовика XIV- короля Франции, при дворе которого существовал особый этикет. Сам же король-солнце любил выглядеть изыскано- модно, модник одним словом. Пышность, чопорность, сложность, обилие украшений (банты, кружева, шнуры, вышивка, ленты, драпировки)… неестественность внешнего  вида.

Также, дворцовая одежда эпохи барокко шилась из атласа, парчи, бархата, из шерсти высокого качества.  Но роскошная, причудливая одежда была не удобна, поэтому одевание платья превращалось в целый ритуал.

Ну и мода Барокко не проникла дальше дворцовых покоев, какой простолюдин может себе позволить такую дорогую одежду, в которой неудобно передвигаться и естественно работать?

Тогда же и вошли в моду такие аксессуары как кружевные зонтики, удивительные веера и муфты

 

Продолжением стиля Барокко считается стиль Рококо, в котором на смену роскоши и пышности пришли изящество и легкость. При этом оба стиля характеризуются празднованием и ликованием.

Такие разные и такие одинаковые – эта фраза идеально подходит для описания этих стилей живописи. Барокко характеризуется яркими цветами и контрастами, а творцы в стиле рококо предпочитают светлую, пастельную гамму оттенков. Масштаб и объем предпочтителен Барокко, а Рококо – это множество деталей и их ювелирная проработка.

Позже напишу статью и о стиле Рококо и сделаю сравнение развернутое между этими, горячо мною любимыми стилями

 Какова же роль Барокко в современной живописи?

… он до сих пор используется художниками и архитекторами. Вдохновляясь работами великих творцов, в современном мире художники пытаются повторить величие Барокко, максимально приблизившись к его особенностям.

В каждом человеке заложены огромные потенциалы возможностей, которые по каким-то нелепым причинам остаются не реализованными. Ведь в процессе создания шедевров вы реализовываете себя, приближаясь к миру совершенства.

Работать можно в любом стиле и направлении, главное при этом получать удовольствие от процесса. Взяв  в руки кисть, вы погружаетесь в мир иллюзий и фантазий, оставляя на холсте свое настроение, тем самым приближаясь к своей мечте. Надеюсь, статья познакомила вас кратко с удивительным стилей королей Франции- Барокко!

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Барокко — Мегаэнциклопедия Кирилла и Мефодия — статья

Баро́кко (итал. Barocco, буквально — причудливый, вычурный) — стиль, преобладавший в искусстве Европы с конца 16 до середины 18 века и охвативший все виды творчества, наиболее монументально и мощно проявившись в архитектуре и изобразительном искусстве.

Барокко явилось развитием принципов, заложенных в эпоху Возрождения, однако в связи с радикальным изменением главной эстетической установки (уже не сотворческое следование природе, а совершенствование ее в духе идеальных норм красоты) придал этим принципам новый грандиозный размах, бурную динамику, изощренную декоративность.Любовь к прихотливой метафоре, словесной или зрительной, к аллегории и эмблеме достигает теперь, казалось бы, своего апогея; однако сквозь причудливые, порой полуфантастические формы и смыслы, сквозь все метаморфозы в барокко проступает крепкое натурное начало (к примеру, витиеватые декоративные детали архитектуры постоянно в духе анаморфозы уподобляются живым природным стихиям, а литературный язык обретает новую живописность, порой еще теснее сближаясь с национальными традициями фольклора). Различные виды искусства взаимодействуют (в сравнении с Ренессансом) более активно, составляя многогранный, но единый «театр жизни», сопутствующий реальному бытию в виде его праздничного двойника.Высшие триумфы барокко как стиля риторического, активно и властно захватывающего зрителя, в значительной мере стиля пропагандистского, принято связывать с укреплением абсолютистских монархий, с Контрреформацией как главным курсом тогдашнего папского престола. Действительно, крупнейшие его мастера, законодатели вкуса, такие (если говорить только об изобразительном искусстве и архитектуре), как Л. Бернини и Ф. Борромини в Италии, Д. Веласкес в Испании, П. П. Рубенс и А. Ван Дейк во Фландрии, работают в католической среде; однако религиозные и политические программы их образов нисколько не подавляют силу творческой личности, являющей свою гуманистическую мудрость в строгих условиях придворного этикета или церковного ритуала.Свой, более скромный и камерный вариант барокко, складывается в странах протестантского культа, например, в Голландии, где итальянские влияния служат — как и в целом ряде других мест — лишь внешним стимулом национальной самобытности (этот стимул разнообразно сказывается в искусстве Рембрандта, Ф. Хальса и даже Я. Вермера).Сам по себе стиль идейно и пластически многомерен: в Италии и Голландии, но в первую очередь во Франции внутри него нарождаются более строгие и рационалистичные черты раннего классицизма, по праву называемого «барочным классицизмом» (наиболее знаменитый пример его — Версаль). В 17-18 веках барокко интенсивно распространяется в Латинской Америке, порождая наиболее декоративно-пышный вариант в мексиканском «ультрабарокко», а также в Восточной Европе, в том числе в Белоруссии и на Украине.В русской архитектуре стиль существует первоначально в виде так называемого «нарышкинского барокко», где западноевропейские орнаментальные приемы накладываются на средневековую структуру; начиная же с эпохи петровских реформ все чаще строятся церковные и светские здания чисто новоевропейского типа, высшим образцом которых являются празднично-мажорные творения В. Растрелли.Для литературы барокко особенно характерны жанры риторической церковной проповеди и школьной драмы, где важное место занимают аллегорические фигуры-персонификации; самобытно развиваются также различные виды сатиры, роман, большие и малые формы метафорически насыщенной поэзии. Принципы барокко преломились в творчестве П. Кальдерона, Т. Тассо, Агриппы д’Обинье, а также М. В. Ломоносова и Симеона Полоцкого.В музыкальном театре происходит интенсивное развитие оперы и балета (оснащаемых все более сложными живописными, технически хитроумными декорациями), а собственно в музыке — расцвет более сложной и свободной вокально-инструментальной полифонии и тенденции к обособлению различных жанров (кончерто гроссо, соната, сюита в инструментальной музыке). Выдающимися представителями музыкального барокко были Дж. Габриели, Дж. Фрескобальди, А. Чести, Д. Букстехуде и Р. Кайзер.В первой половине 18 века — отчасти как поздняя фаза барокко, отчасти (во Франции) как самостоятельный феномен — складывается стиль рококо. Классицизм в его просветительской стадии все чаще подвергает барокко критике за «вычурность» и «безвкусие» (сам термин изначально нес негативный оттенок). Сходя на нет, барокко эпизодически возрождается в историко-романтических стилизациях (таких, как необарокко в зодчестве 19 века).
  • Всеобщая история архитектуры. М., 1963. Т. 4.
  • Русское барокко. Материалы и исследования. М., 1977.
  • Виппер Б. Р. Архитектура русского барокко. М., 1978.
  • Барокко в славянских культурах. М., 1982.
  • Русское искусство барокко: Каталог выставки. Л., 1984.
  • История всемирной литературы. М., 1987. Т. 4.
  • Held J. S., Posner D. XVIIth and XVIIIth Century Art: Baroque Painting, Sculpture and Architecture. New York, 1975.
  • Der literarische Barockbegriff. Darmstadt, 1975.
  • Maiorino G. The Cornucopean Mind and the Baroque Unity of the Arts. University Park and London, 1990.
  • Earls J. Baroque Art: A Topical Dictionary. London, 1996.

Искусство Барокко (XVI – XVIII вв)

Возникновение стиля связывают с Италией XVI-го века. В этот кризисный период страна потеряла свою экономическую и политическую значимость, однако оставалась культурным центром Европы. Церковь и знать, стараясь продемонстрировать свою мощь и состоятельность в напряжённых финансовых условиях, обратились к искусству. Стремление к иллюзорной роскоши и богатству дало начало направлению барокко. 

Барокко кардинально противоположено рационализму и классицизму.

Из характерных особенностей выделяют:

  • Динамичность образов;
  • Совмещение реального и иллюзорного;
  • Контрастность;
  • Аффектация;
  • Напряжённость;
  • Гиперболизированная пышность и объём;
  • Стремление к величию.

Барокко в живописи


(Никола Ланкре «Танцы в павильоне»)

                На живопись эпохи барокко оказала воздействие популярность театрального направления. Слова Шекспира: «Весь мир – театр, а люди в нём актёры» красноречиво описывают многие знаменитые произведения того времени. Ярчайший пример – картины П. П. Рубенса «Три грации» и «Версавия», в которых реалистические пейзажи дополнены бархатными красными занавесами.


(Рафаэль «Портрет Маддалены Дони«)

                Преобладающим жанром становится портрет. Все европейские монархи жаждут увековечить своё величие на полотнах известных мастеров. И каждый именитый художник практикует написание портретных картин, в том числе Рафаэль, Гольбейн, Тициан, Леонардо, Дюрер и другие. О мастерстве творца судят по его портретным навыкаем, пригашают на службу как портретиста.


(Диего Веласкес «Менины»)

                Творчество Диего Веласкеса пришлось на золотой век Испанской живописи. Служа при дворе короля, он пишет серию портретов королевской семьи. Каждая новая работа отличается использованием разнообразных приёмов и технических усложнений. Излюбленная Веласкесом часть изображений — эффект зеркала, расширяет границы холста. Её можно наблюдать на полотнах «Менины», «Венера перед зеркалом».

            Отличительными особенностями Испанского искусства в общем смысле выделяют дуализм аскетичного и телесного, возвышенного и приземлённого, идеалистического и реального, а также декоративность, насыщенность цвета, замысловатость форм.

Барокко в архитектуре


(Микеланджело Буонарроти — Cобор св. Петра в Риме)

                Основой идеологии барокко было противостояние различных вероучений на фоне раскола церкви (на католиков и протестантов), противодействие феодальных тенденций буржуазным. Духовная сила религии ослабевает, что приводит к разногласиям светского общества и религиозного. В сложившихся драматических обстоятельствах  образуется новый взгляд на архитектуру. Стиль, начало которого выражало протест угнетению силы, с течением времени в корни изменил свои мотивы. Богатые заказчики по достоинству оценили широкое многообразие пластичных форм. Вследствие чего идейные формы выражали лишь композиционные приёмы.


(Микеланджело Буонарроти — Дворец консерваторов в Риме)

                У истоков стиля стоял живописец и архитектор Микеланджело Буонаротти. Величайший мастер пластического искусства воплотил в жизнь проект капеллы Медичи, одновременно трудясь над вестибюлем библиотеки Лауренциана (1520-1534 гг). Эти работы признаны первыми архитектурными произведениями барокко.

                Известнейшие мастера барокко XVII века – Л.Бернини и Ф.Борромини. Их творческие взгляды расходились. Борромини унаследовал архитектурный дух Микеланджело с его динамической напряжённостью, массивностью пространства, экспрессией, подчёркнутыми контрастами. Основное направление творчества Бернини – откровенное выражение величества и неприкрытая роскошь.


(Л.Бернини — Площадь Св. Петра в Риме)

Помимо отличий, в работах этих мастеров просматриваются схожие черты, присущие большинству представителей стиля:

  • Эффектность, достигнутая наполненностью пространства;
  • Пышность форм;
  • Преувеличенный пафос;
  • Пластические изломы, прогибы;
  • Усложнённость, не всегда до конца оправданная.

Пространства в барокко имеют сложные построения. В отличие от ренессанса, где предпочтение отдаётся правильным геометрическим формам (квадрат, круг), в барокко излюбленная фигура – это овал, придающий неопределённость и фантазийность общему объему. Но и эта форма зачастую дополняется характерными изгибами линий, стены имеют выпуклые и вогнутые участки. Конфигурация плана усложняется соприкасающимися объёмами, границы между которыми еле уловимы, смежные элементы воспринимаются одним целым. Динамика пространства подчёркивается распределением светотени. Затемнённые участки контрастируют с ярко освещёнными акцентами. Один из наиболее часто применимых приёмов – световой сноп от полураскрытых проёмов, который точечно разрезает воздушную среду.


(Цвингер, Дрезден 1719 г.)

Культовое строительство обрело второе дыхание во времена барокко. Огромное значение на религиозный мир оказало окончание затянувшегося строительства собора Святого Петра в Риме. Главный католический храм представлял собой центрический объём с грандиозным куполом во главе. Большую часть работы над зданием провёл Микеланджело, а после пересмотра планировки Бернини заканчивал работы. Он обрамил соборную площадь группой величественных колонн.


(Большой Екатерининский дворец в России в стиле барокко)

Архитектура барокко так популярная в Италии не пришлась по вкусу странам с протестантскими взглядами, таким как Шотландия, Англия, северная Германия, Скандинавия. Зато в XVII веке австрийцы, после упрочнения императорской власти, часто приглашали итальянских мастеров для работы над дворцами.


(Зимний дворец также сооружен в стиле барокко)

К началу XVIII века архитектура барокко претерпела некоторые изменения. На смену прямым линиям пришли ломаные и извилистые. Широко применялась лепнина, скульптура, крупные зеркала, вазоны. В это время разрабатывались и реализовались масштабные проекты, впервые применялись техники ансамблевого строительства.

Заключение

Барокко как стилевое направление получило своё развитие на рубеже XVI-XVII вв. – XVIII в. Историческое течение того времени предполагало возникновение культуры противоречия церковного и светского. На стыке вкусов двух значимых составляющих общества зародилась нарочитая роскошь и богатство барокко. Безграничный поток фантазии мастеров насытил этот стиль торжественностью, пышными формами, импульсивностью, разнообразием и избытком декоративных элементов. Искусство этого стиля, несмотря на очевидные признаки, развивается и насыщается новыми приёмами, и по сей день.

Стиль Барокко в моде и искусстве. — Искусство

Стиль барокко неправилен, вызывающ, громоздок. Это стиль богатства, богатства, которое не прячут, роскоши, которой не стесняются. Больше золота и больше красок!

 

Сначала было Возрождение, XV век, век, в который вспомнили культуру Древней Греции, Древнего Рима. Вспомнили о пропорциях, о симметрии, о композиции. Потом пришла эпоха классицизма – всё должно было следовать правилам, всё должно было быть упорядочено, гармонично, выверено, математически точно. Всё должно было быть спокойно и строго. Классика красива, идеально красива, математически красива, но скучна. И миру надоело скучать. В конце XVI века на смену классицизму приходит барокко.

Стиль барокко итальянцы называли «странным» и даже «пошлым». А само слово «барокко» происходит от португальского «жемчужина неправильной формы». Классицизм был правильным во всём, барокко стало не правильным, совершенно и ужасно не правильным. Слишком. Слишком, вот главное слово для стиля барокко.

Николя де Ларжийер. Портрет Людовика XIV с семьёй

Своего расцвета барокко достигнет во Франции при «короле-солнце» Людовике XIV, XVII век, короле, который говорил, что «государство – это я». Абсолютизм – абсолютная, ни чем не ограниченная власть короля, вот ещё одна характеристика той эпохи, эпохи барокко, полная власть и полная роскошь. Плюс церковь. Эпоха Контрреформации, в прошлые века церковь осмелились критиковать, в том числе и за излишнюю роскошь, теперь она вновь встаёт с колен, теперь вновь эпоха роскоши.

Хотите увидеть барокко в архитектуре, мы уже упоминали архитектуру той поры – Версаль, Петергоф, сюда же можно отнести Лувр, сюда же можно отнести Зимний дворец в Петербурге.

Барокко в живописи – это Рубенс, Рембрандт, Веласкес.

Вспомните картины Рубенса – там далеко не худенькие http://mylitta.ru/146-beautiful-girls.html» rel=»nofollow» target=»_blank»>девушки, нет, на них пышные женщины. Пышность в зданиях, на картинах, в одежде, пышность и в теле. Но при этом талия должна быть осиной – пышная грудь и бёдра, но осиная талия. И для этого служили корсеты.

Так при Екатерине Медичи, конец XVI века, придворные дамы при французском дворе должны были иметь талию не более 33 см. Корсеты из китового уса служили и ещё для одной цели – для декольте, в то время в моде было максимально смелое, максимально открытое декольте. В то время в моде также совершенно белая кожа. Никакого загара, ни в коем случае! Дамы даже на улицу выходили со специальной маской, закрывающей лицо, такие маски чаще всего держались в зубах. Кожа должна быть белой, неестественно белой, а платье неестественно ярким. Плюс красная, максимально яркая красная помада на губах.

Атенаис де Монтеспан

Идеал женской красоты эпохи барокко полностью воплощает мадам де Монтеспан (фаворитка короля-солнце Людовика XIV), про которую даже в её эпоху иронично говорили, что она одета в «Золотое золото на золотом».

 Портрет мадам де Монтеспан
фаворитка Людовика XIV

Собственно в литературе эпоху барокко, эпоху роскоши и дворцовых интриг, а также любовных приключения неплохо описывают романы Анн и Серж Голон из серии «Анжелика», есть и несколько фильмов, снятых по этим романам, которые также являются не плохой иллюстрацией эпохи полнейшей и не ограниченной роскоши, эпохи барокко.

 Портрет мадам де Монтеспан
фаворитка Людовика XIV

 

Наряд женщины эпохи барокко в первую очередь состоял из http://mylitta.ru/99-corset.html» rel=»nofollow» target=»_blank»>корсета, без него просто ни как, потом шла нереально пышная нижняя юбка на китовом усе, именно с помощью него она держала свой объём, китовый ус выступал здесь и в роли каркаса. Такие юбки иногда были объёмны до смехотворности, а кавалеры уж точно теперь вынуждены были держаться на почтительном расстояние от своей дамы, ближе они просто не могли подойти. Поверх одевалось платье с длинным шлейфом. Причём нижняя юбка, обязательно более светлая, была видна из под верхней, более тёмной, ведь она, нижняя юбка расходилась в стороны от лифа платья. В эпоху барокко в моду входят туфли на каблуке, а также перчатки, веера, зонтики и ювелирные украшения – обязательно с драгоценными и обязательно с крупными камнями.

Louis XIV. 1682

Мужчинам в эпоху барокко также приходилось не сладко. Они носили штаны до колена, щедро украшенные кружевом рубашки. Кружево, вот ещё один символ эпохи барокко. Плюс длинные и обтягивающие ноги чулки. Мужчины также носили кафтаны длиной до колена с отложенным воротником или жабо. Банты – не мужской атрибут? Поверьте, в эпоху барокко и банты, и кружево были обязательны для мужского костюма. Туфли и те носились с бантами, а также пряжками.

Портрет Джеймса Стюарта, ок. 1637, Антонис ван Дейк

Плюс парики, пышные, напудренные парики носили как женщины, так и мужчины. Такие причёски были неимоверно пышны и не менее неимоверно высокими. А ещё в этих париках очень часто заводилась мошкара или даже мыши, всё зависит от объёма головного убора. И голова в таком одеянии неимоверно чесалась, а для этого были специальные палочки, с помощью которых и дамы, и кавалеры, могли чесать себе голову во время балов и официальных приёмов.

 

Кстати, также хорошей иллюстрацией к одежде, да и самому духу эпохи барокко могут послужить картины испанского художника Веласкеса, его многочисленные портреты испанских принцесс-инфант. Вот уж истинно барокко.

Porträt der Infantin Maria Teresa im Alter von 14 Jahren

Porträt der Infantin Margarita als junges Mädchen

Philip IV in Brown and Silver

Don Pedro de Barberana y Aparregui, with Calatrava Cross

К XVIII веку стиль барокко изначально сойдя до рококо, затем совсем выходит из моды.

 

http://mylitta.ru/478-baroque-style.html» rel=»nofollow» target=»_blank»>http://mylitta.ru/478-baroque-style.html

http://commons.wikimedia.org/» rel=»nofollow» target=»_blank»>http://commons.wikimedia.org

http://whoyougle.ru/texts/baroque-costume-history/» rel=»nofollow» target=»_blank»>http://whoyougle.ru/texts/baroque-costume-history/

ГЛОССАРИЙ: Стиль барокко

Стиль барокко

Декоративный стиль, зародившийся в Италии в 1620-х годах, характеризовался монументальными и динамичными скульптурными формами и роскошными эффектами. Он представлял собой возрождение авторитета Римско-католической церкви во время Контрреформации, а в декоративном искусстве сильно повлияли современная живопись, скульптура и архитектура. Общий эффект величия был усилен луковичными, монументальными формами, сложной лепниной и резьбой, позолотой и роскошными материалами, а также богатой бархатной обивкой.

Этот стиль распространился в середине 17 века из Италии во Францию, где в более сдержанной классической форме он достиг своего апогея в декоративном искусстве во время правления Людовика XIV (годы правления 1643-1715). Великолепные унифицированные схемы декора и обстановки французского королевского дворца Версаль недалеко от Парижа были разработаны, чтобы символизировать мощь французской монархии.

Хотя классическая архитектура и скульптура оставались доминирующим влиянием в барокко, это было смешано с экзотическими элементами, в частности, шинуазри.С открытием торговых станций и миссий иезуитов в Восточной Азии, торговля между Китаем и Западом увеличилась в конце 17 века. Это привело к появлению моды на импортные лаковые панели и мебель, такие мотивы, как пагоды и китайские фигуры, а также сине-белый фарфор, широко имитируемый в глазурованной глиняной посуде гончарными мастерскими во Франции, Англии и особенно в Нидерландах.

Самобытное французское барокко распространилось по всей Европе в конце 17 — начале 18 веков благодаря публикации гравированного орнамента ведущими французскими дизайнерами, такими как Жан Ле Паутр (1617-82) и позже Жан Берен (1639-1711), но особенно На протяжении всей эмиграции гугенотовских дизайнеров и мастеров после отмены Людовиком XIV в 1685 году Нантского эдикта 1598 года, который гарантировал гугенотам свободу вероисповедания, во Франции протестанты стали подвергаться религиозным преследованиям.Многие гугеноты поселились в протестантских Нидерландах, а затем в Англии, где этот стиль также стал модным благодаря королю Вильгельму III и королеве Марии II (см. Стиль William & Mary ).

В начале 18 века тяжелые и формальные черты барокко были постепенно заменены более легким стилем, известным как стиль Regency , с преобладанием гротеска, лент, ламбрекенов, сатиров и шинуазри, которые были прообразом стиля рококо . .Однако в 19 веке увлечение историческими стилями привело к возрождению барокко, особенно во Франции во времена Второй империи (1852-70).

JSTOR Home

Перейти к основному содержанию Есть доступ к библиотеке? Авторизуйтесь через свою библиотеку Авторизоваться Зарегистрироваться
  • Расширенный поиск
  • Просматривать
    • по субъекту
    • по названию
    • по коллекциям
    • Издатель
  • инструменты
    • Рабочее пространство
    • Анализатор текста
    • Понимание серии JSTOR
    • Данные для исследований
Около Служба поддержки Войти Зарегистрироваться Поиск журналов, первоисточников и книг на JSTOR Поиск журналов, первоисточников и книг в JSTOR по ключевому слову

Бостонское барокко

КУПИТЬ БИЛЕТЫ Для подписчиков 20-21 сезон Около Служба поддержки Записи BBLive Новости Связаться с нами Мартин Перлман, музыкальный руководитель Назад Краткий обзор сезона Сезонные релизы Виртуальные события Видео по запросу Назад О нас Мартин Перлман Персонал и руководство Оркестр и Хор Классика для детей Заявление о миссии Назад Способы дать Возможности спонсорства Гильдия оперы Корпоративная благотворительность Гала Донорская комната Пожертвовать сейчас Назад С одного взгляда Полнометражные концерты Видео основные моменты Аудио основные моменты Переговоры Назад В новостях Пресс-релизы Пресс-кит КУПИТЬ БИЛЕТЫ для подписчиков 20-21 сезон Краткий обзор сезона Сезонные релизы Виртуальные события Видео по запросу Около О нас Мартин Перлман Персонал и руководство Оркестр и Хор Классика для детей Заявление о миссии Служба поддержки Способы дать Возможности спонсорства Гильдия оперы Корпоративная благотворительность Гала Донорская комната Пожертвовать сейчас Записи BBLive С одного взгляда Полнометражные концерты Видео основные моменты Аудио основные моменты Переговоры Новости В новостях Пресс-релизы Пресс-кит Связаться с нами Мартин Перлман, музыкальный руководитель

Исследуй сезон

ВВЕРХ ДАЛЕЕ

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.