homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Solla.site Поп арт в интерьере, Основные черты, цветовая гамма

Стиль поп арт в интерьере, это персонажи 50-х годов, яркие цвета и необычное применение привычных предметов. Практически любой предмет можно вписать в стиль поп-арт, будь то старая кухонная вытяжка или колесо от велосипеда.

Поп-арт появился в 50-60х гг. ХХ века в США и Европе – изначально это было направление искусства, противоположное абстрактному экспрессионизму. Буквально поп-арт переводится как естественное искусство, которое максимально утилитарно и понятно, в отличие от экспрессионизма и абстракционизма, которые были ведущими стилями искусства в середине 20 — века. Для стиля поп арт в интерьере не существовало понятия «хороший дизайн». Интерьеры и предметы искусства становятся яркими, экспрессивными и забавными.

Само название стиля —  «поп-арт»  — впервые было упомянуто в статье британского критика, который рассуждал об особенностях современной поп-культуры. Интересно, что в контексте статьи этот термин не был обозначением конкретного стиля, он был лишь авторским оборотом, описывающим применение предметов народного хозяйства как элементов интерьера. Буквально за два года (примерно в период 1955-57 гг.) понятие «поп-арт» благополучно «прижилось» в искусстве и приняло то значение, в каком виде мы говорим о нем сейчас.

В 1956 году английский художник Ричард Хамилтон представил свой знаменитый коллаж. На фоне вырезок из неоновый рекламы расположился фактурный теннисист с леденцом вместо теннисной ракетки. Рядом — обнаженная дама с абажуром на голове. Поп-художники работали с легко-узнаваемыми образами. Основными героями их картин были: знаменитости, столики для пикника, брюки, холодильники, занавески для ванной, гигантские продукты из гипса. Они использовали все те современные вещи, которые формировали сознание «общества потребления» и так упорно игнорировались абстрактным искусством.

«Словно фильм ужасов — художники со всех концов города восстали из грязи и с картинами в руках, пошатываясь побрели навстречу друг другу»
Генри Гельдцалер, куратор современного искусства в музее Метрополитен

Знаменитые представители стиля поп арт

• Энди Уорхол
• Роберт Раушенберг
• Рой Лихтенштейн

 

 

• Контрастные цвета – в одной комнате может сочетаться несколько десятков цветов, причем 5-7 из них могут быть доминантными. Ни один другой стиль не дает возможности так гармонично сочетать буйство красок.
• Белые стены (чаще всего) – это отличный холст для наполнения интерьера постерами, вывесками, картинами, необычными предметами и пр.
• Наличие крупных иллюстраций, повторяющаяся символика – это могут быть герои комиксов, животные, Мерилин Монро и даже банка сгущенки. Изображения могут наноситься прямо на стены, либо выступать в качестве акцентов на постерах, мебели и пр.
• Для создания обстановки используется мебель предельно лаконичного дизайна – она отличается простотой форм, монохромностью и «скромностью». В интерьерах поп-арт мебель не берет на себя основную нагрузку, как это бывает в большинстве других стилей.

Стиль поп арт в интерьере отличается ироничностью и особым изяществом – несмотря на внешнюю простоту, для работы с поп-артом нужно хорошее цветовое чутье, знание законов композиции и чувство меры.

 

Молодые, активные люди, которые хотят обустроить жилое пространство уникально и с минимальными затратами, часто обращаются именно к поп-арту. Важную роль играет экономичность подхода – для создания самобытного интерьера достаточно лишь привести в порядок основные поверхности (стены, потолок, пол) и добавить соответствующие аксессуары.

Сейчас стиль поп арт часто используется в оформлении молодежных кафе и хостелов – при грамотном подходе практически любое помещение можно превратить в настоящий образец поп-арта. Выровнять и побелить стены, заказать постеры или граффити, интересно расставить мебель – все это можно выполнить с минимальными затратами, благо, начинающих дизайнеров сейчас достаточно в любом городе.

 

Удобнее всего работать со светлым фоном – пусть стены, потолок и пол будут светлыми, без рисунка.

Существуют варианты с оформлением стен в разных локальных цветах – красный, зеленый, желтый, голубой, и пр. – но подобные решения не обладают универсальностью, их сложнее вписать в интерьер.  Хотя, если у Вас есть общее видение помещения/заведения на несколько лет вперед – дерзайте. Белые стены многим надоели, и, возможно, именно Ваш дизайн станет главной фишкой.

Однако, не забывайте о том, что отличительная черта стиля поп-арт, это контрасты! В цветовом оформлении это сочетания довольно агрессивных цветов: красный, фуксия, желтый, салатовый. Яркая монохромная окраска стен выгодно оттеняет даже самую простую и лаконичную мебель.

При помощи цвета можно сместить акцент и на мебель — поставить яркую мебель на фоне светлых стен и потолков

 

Мебель в стиле поп-арт отличается простотой дизайна – четкие линии, минимум декора, доступные материалы. Это может быть пластик, легкие стеллажи из ДСП, модные кресла-груши —  такая обстановка очень функциональна и практична, она не требует особого ухода и очень неприхотлива в быту.

Мебель в стиле поп-арт может быть практически любой — от классической до ультрасовременной или состаренной. Поскольку поп-арт, это эклектичный стиль, то в нем уместны практически любые сочетания и комбинации. Если добавить немного конкретики, то наиболее характерными для стиля поп арт будут:

• квадратный стол на утолщенных прямоугольных ножках
• стулья самых неожиданных форм с яркой, может быть даже кислотной окраской
• простые квадратные диваны с яркой тканевой обивкой или классический диван на резных ножках, но выполненный в характерных для поп-арта цветах.
  Например с тканевой обивкой в виде ярких полос цвета фукции, желтого и салатового цветов.
• простую корпусную мебель можно позолотить или покрасить в яркие цвета

 

Основную эстетическую и смысловую нагрузку в стиле поп арт несет именно декор. И самая большая сложность заключается в том, чтобы не превратить жилое помещение в склад непонятных и режущих глаза вещей. Именно поэтому декору в стиле поп арт нужно уделить особое внимание.
Основное пространство для декорирования, это стены, и здесь полет творческой фантазии практически ни чем не ограничивается. Самым подходящим вариантом здесь будет настенная роспись, но есть и более экономичный вариант. Можно обработать фотографию хозяина помещения в стиле постеров Энди Уорхола. Заказать цифровую печать в салоне цифровой печати или через интернет. В этом случае и уникальность изображения будет 100%, и стоимость вполне приемлемой. А уж как обрадуется заказчик, увидев на стене портрет себя любимого!

К томе же, давайте не будем забывать, что стилизованные изображения узнаваемых объектов, это его отличительная и узнаваемая черта.

 

Поп-арт в интерьере отличается от других стилей тем, что оно абсолютно универсален – такой интерьер выглядит одинаково эффектно  и при дневном свете, и вечером, когда нужно создать особую атмосферу. Для усиления эффекта можно дополнить верхний свет точечеными светильниками, которые будут подсвечивать определенные зоны.

 

Чаще всего в стиле поп-арт потолки служат частью фона, поэтому их оформление может быть достаточно спокойным. В данном стиле, как в никаком другом, уместны глянцевые натяжные потолки, которые сейчас считаются не очень модными – блестящая поверхность делает интерьер более выразительным и «выпуклым».

Но это вовсе не обязательно, можно сделать акцент именно на потолке! В некоторых поп арт интерьерах на потолке можно встретить активную графику, объемные элементы и рельеф. 

 

Стены выступают основной рабочей поверхностью, которая несет на себе бОльшую часть смысловой нагрузки интерьера – на них размещают постеры и картины, рисуют граффити и пр. Несмотря на определенную «гламурность» стиль поп арт в интерьере можно миксовать даже с таким направлением как «лофт» — например, на кирпичной стене могут располагаться яркие изображения или стилеобразующие элементы поп-арта, и выглядеть это будет вполне гармонично.

Про постеры на стенах мы уже говорили, а сейчас обсудим еще один интересный прием декорирования стен, это использование всевозможных фактур — от абстрактных до имитирующих состаренное золото или шкуры рептилий. Все это можно найти в интерьерных каталогах. Помимо визуального разнообразия, как правило есть возможность выбрать и материал, из которого будет выполнена фактура. Обычно это пластик или керамика. Подобными декоративными блоками можно декорировать как всю стену, так и часть стены.

 

Лучше всего соответствуют стилю светлые полы нейтральных цветов. Если хочется сделать акцент именно на полу, это можно сделать с помощью интересного небольшого ковра (или нескольких). Главное правило стиля – пол должен быть гладким и достаточно простым (никакого ковролина или ламината/линолеума с затейливыми узорами).

 

 Оформление кафе в стиле поп арт – это один из самых бюджетных и стильных способов превратить помещение любой степени ветхости в модное место. Достаточно лишь сделать косметический ремонт основных поверхностей и расставить акценты, в качестве которых может выступать все, что угодно – и суперактуальный стиль поп арт в интерьере готов!

Удобно, что за таким интерьером очень легко ухаживать без особых усилий, что для кафе очень важно, т.к. из-за высокой проходимости элементы интерьера периодически могут выходить из строя.

 

Детали и аксессуары в стиле поп арт во многом и определяют этот стиль. Самыми узнаваемыми здесь будут герои голливудских фильмов, фотографии знаменитостей, изделия из пластика, стеклянные вазы и посуда, раскрашенные в яркие тона. Приветствуются изделия выполненные или дополненные вручную. Например, очень интересно будет смотреться кресло в стиле барокко, раскрашенное характерными яркими красками поп арта.

Идеальным вариантом будет использование картин и постеров, созданных такими яркими представителя поп арта, как Энди Уорхол, Роберт Раушенбкрг или Рой Лихтенштейн.

Но, вы можете повысить градус креатива и создать поп арт шедевр самостоятельно, используя в качестве объектов популярные вещи массового производства 21-го века.

 

Стиль поп-арт в интерьере / Статьи / Tudoor.ru

Статьи → Дизайн интерьера и декор помещения →

Не смотря на активное развитие технологий и дизайнерских направлений в оформлении интерьера, по-прежнему актуальным остается поп-арт. Данное направление берет свое начало с 50-х годов прошлого века. Именно в это время оно захлестнуло Великобританию, а вскоре и весь мир. Новое дизайнерское направление возникло в качестве протеста скучному и монотонному консерватизму. Название стиля дословно переводиться как «популярное искусство» или «массовое искусство».

Главной отличительной чертой стиля является изобилие красок, которые сопоставлены с изображениями медийных персонажей и элементов рекламы. В большинстве случаев поп-арт используется для оформления нежилых помещений.

Это отличный вариант для отделки клубов, баров, галерей искусств и магазинов. Что касается жилых помещений, то данное направление так же, может быть использовано, но только в просторных комнатах, в противном случае будет ощущение хаоса и тесноты. В последнее время наблюдается все большая популярность поп-арта, это можно объяснить стремлением ко всему яркому.

Особенности направления В поп-арте принято окрашивать потолок и стены в черно-белой гамме. Несмотря на подобный консерватизм, дизайнеры рекомендуют использовать яркую мебель, которая создаст необходимые акценты. Желтые, синие и ярко красные тона кресел и диванов будут наиболее уместными при оформлении помещений. Стены принято украшать рисунками и фотографиями. Более того существуют варианты окрашивания стен в разные цвета. Профессиональные дизайнеры рекомендуют использовать фотообои, роспись, графические элементы или изображения культовых персонажей.

Пол и потолок обязательно должны иметь глянцевую текстуру, не зависимо от выбранного цвета. Отличным решением будет использование многоуровневого потолка, которые оснащают необычной системой подсветки. В качестве напольного покрытия советуют использовать паркет, ковролин или керамическую плитку.

Касательно габаритной мебели, стоит отдать предпочтение встроенным моделям гардеробных и шкафов. Поп-арт не терпит загромождения и тесноты. Допускается использование наиболее необходимой мебели, такой как диван, стол, стулья, кровать. Выигрышно будут смотреться предметы с обтекаемыми формами и очертаниями.

В ходе оформления рекомендуют использовать различные аксессуары и небольшие элементы. Это может быть все что угодно, начиная от предметов сделанных своими руками и заканчивая тиражированием неких образов в различных уголках интерьера. Выгодно подчеркнут общее направление вазы непривычных форм, фоторамки, элементы с пластика и металла. Изюминкой может послужить звериная шкура, пушистые ковры, текстильные вещи.

Поп-арт отлично подойдет по духу подросткам, молодежи, а так же экспериментаторам. Он зарядит позитивом и бодростью. Самое главное стиля это возможность создания своими руками. Для этого достаточно креативного мышления и фантазии, которая подкреплена дизайнерскими тенденциями.

Вернуться к списку статей

Поп-арт

Поп-арт был стилем современного искусства 1960-х годов, в котором использовались образы средств массовой информации, массового производства и массовой культуры.

СЭР ПИТЕР БЛЕЙК (1932-)
«100 источников поп-арта», 2014 (шелкография с алмазной пылью, глиттером и глазурью)

Поп-арт — искусство массовой культуры. Именно движение изобразительного искусства характеризовало чувство оптимизма во время послевоенного потребительского бума 1950-х и 1960-х годов. Это совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворенной Элвисом и Битлз. Поп-арт был дерзким, молодым, веселым и враждебным художественному истеблишменту. Он включал в себя разные стили живописи и скульптуры из разных стран, но всех их объединял интерес к масс-медиа, массовому производству и массовой культуре.

Британский поп-арт

ЭДУАРДО ПАОЛОЗИ (1924-2005)
«Я был игрушкой богача», 1947 (коллаж)

Слово «POP» было впервые придумано в 1954 году британским искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем для описания нового типа искусства, вдохновленного образами популярной культуры. . Аллоуэй, наряду с художниками Ричардом Гамильтоном и Эдуардо Паолоцци, был одним из основателей Independent Group, коллектива художников, архитекторов и писателей, которые исследовали радикальные подходы к современной визуальной культуре во время своих встреч в ICA в Лондоне между 1952 и 1955. Они стали предшественниками британского поп-арта. На их первой встрече Паолоцци прочитал наглядную лекцию под названием «Bunk» (сокращение от «bunkum», что означает «чепуха»), в которой иронически рассматривался всеамериканский образ жизни. Это было проиллюстрировано серией коллажей, созданных из американских журналов, которые он получил от Г.И., все еще проживающего в Париже в конце 1940-х годов. «Я был игрушкой богатого человека», одна из серий «Bunk», была первым визуальным произведением, включающим слово «POP».

РИЧАРД ГАМИЛЬТОН (1922-2011)
«Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 (коллаж)

Некоторые молодые британские художники 1950-х годов, которые выросли в условиях военной строгости продовольственных книжек и коммунального дизайна, смотрели на соблазнительные образы американской поп-культуры и ее потребительский образ жизни с романтическим чувством иронии и немного зависти. Они считали Америку страной свободы, свободной от калечащих условностей классового истеблишмента, которые могли задушить культуру, которую они представляли: более инклюзивную, молодежную культуру, охватывающую социальное влияние средств массовой информации и массового производства. Поп-арт стал их способом выражения в этом поиске перемен, и его язык был адаптирован из коллажей и ассамбляжей Дада. Дадаисты создали иррациональные комбинации случайных образов, чтобы вызвать реакцию со стороны истеблишмента своего времени. Британские поп-исполнители использовали аналогичную визуальную технику, но сосредоточили свое внимание на массовых образах популярной культуры, которыми они бросали вызов истеблишменту.

Коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года «Что делает сегодняшние дома такими разными и такими привлекательными?» представляет собой окончательный каталог изображений поп-арта: комиксы, газеты, реклама, автомобили, еда, упаковка, бытовая техника, знаменитости, секс. , космическая эра, телевидение и кино. Черно-белая версия этого коллажа использовалась в качестве обложки для каталога выставки «Это завтра» в галерее Уайтчепел в 1956 году. Эта выставка ознаменовала расширение нашего понимания того, что такое культура, и вдохновила новое поколение молодых людей. Британские художники, в том числе Эдуардо Паолоцци, Питер Блейк, Дэвид Хокни, Аллен Джонс, Джо Тилсон, Дерек Бошир, Ричард Смит и Р. Б. Китай.

Американский поп-арт

ДЖАСПЕР ДЖОНС (1930-)
«Белый флаг», 1955 (энкаустика, масло, газета, холст, уголь)

Поп-арт в Америке развивался несколько иначе, чем его британский аналог. Американский поп-арт был как развитием абстрактного экспрессионизма, так и реакцией на него. Абстрактный экспрессионизм был первым американским художественным движением, получившим мировое признание, но к середине 1950-х годов многие сочли его слишком интроспективным и элитарным. Американский поп-арт развился как попытка обратить вспять эту тенденцию, вновь представив изображение как структурный прием в живописи, чтобы снова вывести искусство из мрака абстракции в реальный мир. Это была модель, которая была опробована и испытана ранее. Пикассо делал что-то подобное сорок лет назад, когда он накладывал напечатанные изображения «реального мира» на свои натюрморты, опасаясь, что его живопись станет слишком абстрактной. Около 1955 года появились два замечательных художника, которые заложили основу моста между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом. Это были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.

Джаспер Джонс — Найденное изображение

ДЖАСПЕР ДЖОНС (1930-)
«Числа в цвете», 1958-59 (энкаустика и газета на холсте)

Ранние работы Джаспера Джонса задают вопрос о том, как мы смотрим, воспринимаем и создаем искусство. Он не делает различий между субъектом и объектом в своей работе, или искусством и жизнью, если уж на то пошло. В его глазах они оба одинаковы. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на представление или иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.

Как и предшественники британского поп-арта, Джонс находился под влиянием идей дадаизма, в частности «реди-мейдов» (найденных предметов) Марселя Дюшана, чьи полки для бутылок и велосипедные колеса бросали вызов определению арт-объекта.

Однако не «найденные объекты» Джонс представил в качестве сюжета для своих картин, а «найденные изображения» — флаги, мишени, буквы и цифры — и именно эта иконография знакомых знаков привлекла Попа. Он видел в них «предварительно сформированные, условные, обезличенные, фактические, внешние элементы».

Обезличенные образы Джонса стали противоядием от малоизвестной личной абстракции позднего абстрактного экспрессионизма. Использование им таких нейтральных значков предлагало ему предмет, который был сразу узнаваем, но настолько обычен, что позволял ему работать на других уровнях. Его предметы предоставили ему структуру, на которой он мог исследовать визуальные и физические качества своего медиума. Результатом стал тщательный баланс между представлением и абстракцией.

Джонс нарисовал энкаустикой, архаичным средством, датируемым первым веком, когда пигмент плавится в горячем воске. Он объединил энкаустику с газетным коллажем, чтобы создать соблазнительное пространство краски, где его чувствительные пометки выражают поверхность работы. Его увлечение общим единством плоскости поверхности в картине относит его к традиции, восходящей от кубизма и Сезанна к Шардену.

Искусство Джонса играет с визуальными идеями, которые имеют слои значения и взаимодействуют на разных уровнях. Это и чувственное, и интеллектуальное искусство — искусство об искусстве и о том, как мы к нему относимся.

Роберт Раушенберг — Коллаж и мультимедиа

РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ (1925- 2008)
«Первый приземляющийся прыжок», 1961 (смешанная техника)

Роберт Раушенберг также использовал в своем творчестве «найденные образы», ​​но, в отличие от изображений Джонса, они сочетаются в отношениях друг с другом или с реальными объектами. Творчество обоих этих художников часто называют нео-дадаизмом, поскольку оно основано на «найденных элементах», впервые исследованных дадаистами, такими как Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.

Вдохновленный Швиттерсом, который создавал коллажи из мусора, который он подобрал на улице, Раушенберг объединил реальные предметы, которые он нашел в своем районе Нью-Йорка, с коллажем и техникой рисования. Он сказал: «На самом деле у меня было домашнее правило. Если бы я полностью обошел квартал и мне не с чем было работать, я мог бы взять еще один квартал и обойти его в любом направлении — но на этом все». Он назвал эти мультимедийные сборки «комбинациями», которые «должны были выглядеть не менее интересно, чем все, что происходит за окном». Раушенберг считал, что «живопись больше похожа на реальный мир, если она изображает реальный мир».

РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ (1925-2008)
«Retroactive 1», 1964 (холст, масло и шелкография)

Коллаж был естественным языком Раушенберга, и он расширил его словарный запас, разработав метод сочетания масляной живописи с фотографической шелкографией. Это позволило ему экспериментировать с современными изображениями, собранными из газет, журналов, телевидения и фильмов, которые он мог воспроизвести в любом размере и цвете в качестве композиционного элемента на холсте или гравюре. Он использовал эти элементы таким образом, который отражает наш опыт работы со средствами массовой информации. Каждый день нас бомбардируют изображениями из телевидения, газет и журналов, игнорируя большинство, но сохраняя некоторые, которые сознательно или подсознательно относятся к нашему индивидуальному опыту и пониманию. Картины Раушенберга фиксируют этот визуальный «шум» в рамках образов, повествование которых предполагает своего рода ироническую аллегорию.

Раушенберг интересовался нашим меняющимся восприятием и интерпретацией образов: «Я уверен, что мы не читаем старые картины так, как они были задуманы». В «Ретроактивном 1» Раушенберг играет с тем, как мы читаем картины со времен раннего Возрождения. Композиция напоминает ранние религиозные иконы, где центральная фигура Христа или святого была окружена небольшими повествовательными панелями. Знаменитое изображение почитаемого президента Кеннеди, самого влиятельного человека в мире, убитого в прошлом году, занимает центральное место, когда он решительно выступает с предупреждением. Он указывает на красное изображение справа от себя, которое обманчиво похоже на картину Мазаччо «Изгнание Адама и Евы из Эдемского сада» (ок. 1432 г.) из капеллы Бранкаччи во Флоренции. С символической ассоциацией «красного» и грибовидного облака, парящего над головой президента, это можно легко интерпретировать как отсылку к кубинскому ракетному кризису времен холодной войны, по иронии судьбы используя аллегорию сотворения для представления сценария Судного дня. Однако Раушенберг не так прост. Если вы присмотритесь повнимательнее, то обнаружите, что красное изображение — это не фрагмент фрески Мазаччо, а стробоскопическая фотография со вспышкой (журнал Life, 10.10.19).52 Гьона Мили) реальной реконструкции картины «Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2» (1912) наставника Раушенберга Марселя Дюшана.

В то время как одно яблоко является метафорой первородного греха на картинах эпохи Возрождения с изображением Адама и Евы, в «Ретроактивном 1» астронавт спускается с парашютом обратно на землю только для того, чтобы приземлиться в перевернутом ящике «запретного плода» — символе того, как потенциал зла в современном мире умножился (на латыни слова «яблоко» и «зло» идентичны во множественном числе: «мала»). Раушенберг расширяет свою метафору, иллюстрируя в правом верхнем углу картины то, куда возвращается космонавт: Эдем после грехопадения — мир, загрязненный индустриализацией. «Ретроактивный 1» — очень подходящее название для работы, поскольку оно связано с каноном образов, событий и идей во времени.

Энди Уорхол — от банок с супом до знаменитостей

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
«32 банки супа Кэмпбелл», 1962 (холст, синтетическая полимерная краска)

Если и существовал художник, олицетворявший поп-арт, то это был Энди Уорхол. Первоначально он работал «коммерческим художником», и его предмет был основан на образах массовой культуры: рекламе, комиксах, газетах, телевидении и кино.

Уорхол воплотил дух американской поп-культуры и возвел ее образность в статус музейного искусства. Он использовал бывшие в употреблении изображения знаменитостей и потребительских товаров, которые, по его мнению, имели внутреннюю банальность, которая делала их более интересными. Он чувствовал, что они были лишены своего значения и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия. Обычно подрывая ценности художественного истеблишмента, Уорхол был очарован этой банальностью, которую он прославлял в серии сюжетов, начиная от банок с супом и заканчивая знаменитостями. Будь то картина «Куриная лапша Кэмпбелла» или «Автокатастрофа», портрет «Элизабет Тейлор» или «Электрический стул», отстраненный подход Уорхола всегда был одинаковым: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера. и одного цвета, так что все они взаимозаменяемы, и никто не думает, что у них лучше или хуже картина».

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
«Три бутылки кока-колы», 1962 (шелкография, тушь и графит на холсте)

Уорхол видел в этой эстетике массового производства отражение современной американской культуры: потребители покупают в основном те же вещи, что и самые бедные.Вы можете смотреть телевизор и видеть кока-колу, и вы знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и вы только подумайте, что вы тоже можете пить кока-колу. это кокаин и ни за какие деньги вы не сможете купить себе колу лучше той, которую пьет бомж на углу Все кокаин одинаковый и все кокаин хороший Лиз Тейлор это знает, президент это знает, бомж знает это, и ты это знаешь». Очевидная ирония в этом заявлении заключается в том, что цена этой бутылки кока-колы взлетает до небес, как только Уорхол подписывает ее.

Поскольку кубизм стоит на плечах Сезанна, искусство Уорхола зависит от «реди-мейдов» Дюшана. Он действительно был дадаистом по духу — «агентом-провокатором». Его многочисленные причудливые заявления об искусстве были нарочито загадочными и противоречивыми, избегая разъяснений и заставляя аудиторию размышлять над их смыслом: «Я предпочел бы остаться загадкой. каждый раз разный, когда меня спрашивают». Уклончивое отношение Уорхола было стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал свой собственный имидж как бизнес-модель, которая была неотделима от его искусства. Он сказал: «Я начал как коммерческий художник, и я хочу закончить как бизнес-художник. Быть успешным в бизнесе — это самый увлекательный вид искусства».

ЭНДИ УОРХОЛ (1928-1987)
«Мэрилин Диптих», 1962 (холст, шелкография)

Уорхол был против того, чтобы мастерство и мастерство как способ выражения личности художника. Он утверждал, что убрал из своего искусства и мастерство, и индивидуальность: «Причина, по которой я рисую таким образом, заключается в том, что я хочу быть машиной, и я чувствую, что все, что я делаю и делаю как машина, — это то, что я хочу делать. ………….Если вы хотите узнать все об Энди Уорхоле, просто посмотрите на поверхность моих картин и фильмов и на меня, вот я. За этим ничего нет». Его работы были созданы с помощью механических процессов пленки и шелкографии или сделаны другими в его студии, которая называлась «Фабрика».

Парадоксальные утверждения Уорхола, такие как «я глубоко поверхностный человек» или «искусство должно иметь самый поверхностный смысл», находят отклик в его работах. Левая панель его «Мэрилин Диптих» представляет собой грубо раскрашенную фотографию актрисы, чье чувство «я» деградирует из-за повторения ее образа, тогда как правая панель представляет собой физически деградированное черно-белое изображение (как печатная версия). на шелкографии заканчиваются чернила), что отражает эфемерность славы. Их комбинированные панели представляют собой запоминающийся дискурс о природе знаменитости и ее способности как создавать, так и разрушать свои знакомства. Формат «диптих» изначально использовался в средневековой живописи для религиозных изображений личной преданности, что было подходящим выбором, учитывая увлечение Уорхола Мэрилин Монро. Работа была выставлена ​​на первой нью-йоркской выставке Уорхола в Stable Gallery 19 ноября.62 года, всего через несколько недель после смерти Мэрилин от «острого отравления барбитуратами». «Диптих Мэрилин», наряду с другими его известными картинами с Мэрилин, основан на рекламной фотографии 1953 года для фильма «Ниагара», которую Уорхол купил всего через несколько дней после ее смерти.

Рой Лихтенштейн: поп-арт и комикс

РОЙ ЛИХЕНШТЕЙН (1923-1997)
‘Мастерская художника №1 (Взгляд Микки)’, 1973
(холст, масло, акрил, песок)

Рой Лихтенштейн разработал стиль поп-арта, основанный на визуальном языке массовой коммуникации: комиксе. Это был стиль, который был зафиксирован в своем формате: черные контуры, смелые цвета и тона, переданные точками Бендея (метод печати тонов в комиксах 1950-х и 60-х годов). Что действительно изменилось с развитием искусства Лихтенштейна, так это его предмет, который превратился из комиксов в исследование модернистских художественных стилей: кубизма, футуризма, ар-деко, де стиля, сюрреализма и абстрактного экспрессионизма.

В ранних работах Роя Лихтенштейна был намек на американо — «Экспрессионистический кубизм …. ковбоев и индейцев» , как он выразился, — но он все еще был основан на живописных условностях, которые его учили уважать. Уставший от избытка экспрессионистских настроений, существовавших в то время, Лихтенштейн атаковал эту ослабевающую традицию такими картинами, как «Смотри, Микки» (1961), крупномасштабным мультяшным изображением, которое «было сделано из обертки от жевательной резинки» (деталь этой работы можно увидеть в ‘Мастерской художника №1’, 1973). Его изображения в комиксах поначалу шокировали, но, как и большая часть поп-музыки, они были быстро приняты галереями и коллекционерами. Лихтенштейн заметил: «Было трудно получить картину, которая была бы достаточно презренной, чтобы ее никто не повесил …… все вешали все. Было почти приемлемо повесить тряпку с капающей краской, все к этому привыкли. Единственной вещью, которую все ненавидели, было коммерческое искусство; очевидно, они ненавидели и его недостаточно».

Бескомпромиссный коммерческий стиль рисунков комиксов Лихтенштейна был противоядием от бессвязных всплесков позднего абстрактного экспрессионизма, но он не был просто задуман как акт протеста поп/дадаизма: «Я не думаю, что папа бы существовал без дадаизма, существовавшего до него, но я действительно не думаю, что поп — это дадаизм. Я не думаю, что смотрю на свои работы как на антиискусство или что-то, что отличается от мейнстрима живописи со времен Ренессанса». Хотя в стиле Лихтенштейна есть элемент иронии и юмора, его работа находится в рамках классической традиции контроля в использовании линии, формы, тона и цвета в качестве композиционных элементов. Дисциплина работы интеллектуальна, и мало что остается импульсам, эмоциям или тому, что он называет «характером искусства». «Моя работа дезинфицирует ее (эмоции), но она также символизирует коммерческое искусство, дезинфицирующее человеческие чувства. Я думаю, что это можно прочитать таким образом… Люди ошибочно принимают характер линии за характер искусства. на самом деле важно положение линии или положение чего-либо, любой контраст, а не его характер».

Лихтенштейн не совсем точно копирует изображения из комиксов; он тонко совершенствует их, осознавая их преображенный вид в более широком масштабе и осознавая их эстетическую интерпретацию в контексте музея. (Вы можете получить представление об этом эффекте в проекте Дэвида Барсалу «Лихтенштейн».) По мере развития своего стиля он отходил от использования образов комиксов к интерпретации модернистских художественных стилей, но все же в своем родном языке комиксов. Лихтенштейну удавалось поддерживать этот своеобразный стиль более тридцати пяти лет, не просто меняя сюжет, но и рассматривая свое искусство как независимую сущность, существование и развитие которой он контролировал: «Мне нравится притворяться, что в моем искусстве нет ничего делать со мной».

Клас Ольденбург — Скульптура в стиле поп-арт

КЛАС ОЛЬДЕНБУРГ (1922-), КООСЬЕ ВАН БРЮГГЕН (1942-2009)
«Спунбридж и Черри», фото: Майк Хикс, 1985-88
(алюминий, нержавеющая сталь и краска)

Клас Ольденбург был поп-художником, который тяготел к скульптуре больше, чем кто-либо из его современников. В начале 1960-х он участвовал в различных «хеппенингах»: спонтанных, импровизированных, художественных мероприятиях, где опыт участников был важнее конечного продукта — своего рода встреча потребительского искусства для потребительской культуры.

Ольденбург черпал вдохновение в образах потребительских товаров: «Я за Kool-art, 7-UP art, Pepsi-art, Sunshine art, 39 cents art, 15 cents art, Vatronol Art, Dro-bomb art, Vam искусство, искусство ментола, искусство L&M, искусство Ex-lax, искусство Venida, искусство Heaven Hill, искусство Pamryl, искусство San-o-med, искусство Rx, искусство 9.99, искусство Now, новое искусство, искусство How art, искусство распродажи , Искусство «Последний шанс», «Только искусство», «Искусство с бриллиантами», «Искусство завтрашнего дня», «Искусство франков», «Искусство уток», «Искусство мяса-о-рама». В 1961 году он открыл «Магазин», где продавал гипсовые копии фаст-фуда и ненужных товаров, грубо окрашенные поверхности которых были явной пародией на абстрактный экспрессионизм. Он использовал передний магазин «Магазина» как галерею, в то время как пополнял свои запасы из своей студии в заднем магазине.

Работы Ольденбурга полны юмористической иронии и противоречий: с одной стороны, он делает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого провисшего винила, а с другой стороны, он делает мягкие предметы, такие как чизбургер, из твердо окрашенного гипса. Он также изменяет относительный размер объектов, беря небольшие предметы, такие как ложка и вишня, и воссоздавая их в архитектурном масштабе. Он сказал: «Мне нравится брать предмет и полностью лишать его функции». Подрывая форму, масштаб и функцию объекта, Ольденбург противоречит его смыслу и заставляет зрителя переоценить его присутствие. Когда вы видите его крупномасштабные общественные работы в окружении окружающей среды, они обладают сильным сюрреалистическим качеством, как Гулливер в Бробдингнаге.

Заметки в стиле поп-арт

СЭР ПИТЕР БЛЕЙК (1932-)
‘The Beatles — Обложка альбома сержанта Пеппера, 1967 (обложка пластинки)

Поп-арт был дерзким, молодым и веселым художественным движением 1960-х годов.

Художественное меню итальянского Возрождения

Искусство итальянского Возрождения
Введение

Искусство итальянского Возрождения
Фресковая живопись

Искусство итальянского Возрождения
Живопись темперой

Искусство итальянского Возрождения
Картина маслом

Искусство итальянского Возрождения
Натурализм

Искусство итальянского Возрождения
Гуманизм

Меню движений современного искусства

Импрессионизм

Постимпрессионизм

Кубизм

Фовизм

Экспрессионизм

Дадаизм

Сюрреализм

Поп-арт

www.artyfactory.com © 2022

Что такое поп-арт в 21 веке?

Действительно, что такое поп-арт ? Что первое приходит на ум, когда кто-то упоминает об этом? Это суп Кэмпбелл Энди Уорхола? Его Мэрилин и Лайза Минеллис? Комиксы Роя Лихтенштейна? Гостиная Ричарда Гамильтона? Все вышеперечисленное? Каждый из этих ответов будет правильным, так как на самом деле это самые известные образцы поп-арта. Можно ли предположить, что вы все слышали об этих произведениях искусства? Вероятно. Среди вас будут те, кому наплевать на искусство или его история вообще, но вы точно знаете, как выглядят эти произведения и кто их сделал, потому что вы видели их везде, в сериалах и в реальной жизни, вы слышали о них в песнях, вы повесили их на стену своей спальни, потому что считали их крутыми или потому что на них была изображена знаменитость, которой вы были одержимы. И это поп-арт для вас: слишком занят отсылками к материальным реалиям повседневной жизни и визуальным удовольствиям масс, движение поп-арта стал популярным, широко распространенным явлением, замкнувшись в своего рода вечном кругу, где все движение стало тем самым раздутым коммерческим имиджем, который оно так нежно прославляло.

Рой Лихтенштейн — В машине, 1963, фрагмент. Подписи через Creative Commons

Примеры поп-арта. Жизнь — это искусство, искусство — это жизнь

Еще в 1950-х группа художников устала ходить в музеи и не видеть представления о жизни, как мы все знаем, через выставленные произведения искусства. Это было время абстрактного экспрессионизма, который процветал в США и когда мысли и эмоции выражались посредством образов, практически непонятных, но предлагающих весь массив интерпретаций . Кроме того, он был в основном темным, как по цвету, так и по коннотации. Почему в этих работах нет фамильярности? И поэтому художники поп-арта решили осветить знакомое, и сделать его еще более таким, в ярком, насыщенном, ироничном, почти агрессивном стиле . Вещи из нашей повседневности, элементы массовой культуры, телевидение и реклама (переживающие свой золотой век), развлечения, культ знаменитостей, комиксы, интерьерный и товарный дизайн, газеты и журналы — все это обрело совершенно новый смысл. с поп-артом, который использовал их как основу, чтобы придать им свежий контекст. Художникам поп-арта, что угодно могло быть искусством и что угодно *было* искусством — оно настолько глубоко проникло в жизнь общества, что мы все еще можем ощущать его сильное присутствие семьдесят лет спустя.

Клас Ольденбург и его жена Кусье ван Брюгген изготовили несколько крупногабаритных публичных скульптур из самых банальных повседневных вещей, какие только можно себе представить, например, эту — Spoonbridge and Cherry, 1988.

Подъем поп-арта — Америка против британцев

Вышеупомянутое сильное присутствие поп-арта сегодня можно объяснить тем фактом, что он устрашающе точно предсказал и провозгласил интересы современного общества, намеренно или нет. Это похоже на то, что художники поп-арта начали этот феномен имидж изобилие, одержимость материальными вещами деньги можно или нельзя купить, знаменитости в образах певцов, актеров, актрис, танцоров, светских львиц, общественных деятелей в целом — мы все еще хотим всего этого, мы все еще хотим этого сейчас, и никогда достаточно этого. Если вы вспомните Питера Блейка, который неоднократно изображал Бриджит Бардо, как это делал Энди Уорхол с Мэрилин Монро, прямо напротив, или коллажи Эдуардо Паолоцци, сделанные из изображений из комиксов, журналов и рекламы, или повседневные ситуации Роя Лихтенштейна, за которыми следовали мысленные комментарии. , становится ясно, что эти изображения в стиле поп-арт были создан для мгновенного потребления , готовый к повторному воспроизведению до бесконечности. Оба движения просто обращались к материальным объектам вокруг них, одно более критично к ним, а другое, возможно, с большей близостью к ним, через четкую графику, яркие цвета и методы, готовые к созданию бесконечных копий произведений поп-арта в любое время.

Энди Уорхол сделал несколько версий портрета Мэрилин Монро в 1960-х годах, создав самый культовый образ актрисы и поп-арта в целом.

Влияние Энди Уорхола

Возвращаясь к вопросу Что такое поп-арт? , нельзя не упомянуть Энди Уорхола. Он был самым большим поклонником материального мира, Голливуда и всего его гламура, потребительских товаров и брендов. Энди Уорхол изобрел свою собственную красочную вселенную , в которой банки с супом стали знаменитостями, знаменитости каким-то образом стали еще более знаковыми, где приветствовались нарциссизм, жадность и чрезмерность и где искусство было так же важно, как и бизнес и самореклама, стоящие за ним. «Делать деньги — это искусство, а работа — это искусство, а хороший бизнес — это лучшее искусство», — сказал он в 1975 году, и ему нравилось быть своим собственным творцом, воссоздателем и продуктом . Он был первым, кто стал настоящей суперзвездой художника, богатой фигурой в искусстве, что, вероятно, не заставило бы его чувствовать себя слишком хорошо в сегодняшней ситуации на арт-рынке, когда он был бы окружен богатыми, такими как Кунс. , Херста или Мураками. Тем не менее, он также, вероятно, был бы поражен тем, насколько успешными были его предсказания, поскольку сегодня у нас есть компьютерные технологии на кончиках наших пальцев, которые могут мгновенно делиться нашими работами со всеми, заставляя нас чувствовать себя звездами социальных сетей в любой данный момент. Только подумайте: моменты, которые он запечатлел на свои знаменитые полароидные снимки, — это то, что сегодня мы знаем как Instagram.

Узнайте больше о других произведениях Энди Уорхола в стиле поп-арт на нашей торговой площадке!

Знаменитая скульптура Роберта Индианы «ЛЮБОВЬ» 1970 года представляет собой символ мира во время войны во Вьетнаме и, например, является неотъемлемой частью ландшафта Нью-Йорка сегодня.

Современный поп-арт — Что происходит с поп-артом сегодня?

Художникам поп-арта удалось создать то, что остается актуальным в разные периоды времени и социальные структуры . В эпоху, когда цифровые технологии полностью захватили нашу жизнь, поп-арт стал чем-то само собой разумеющимся, его характеристики идеально соответствуют нашей нынешней среде. Может быть, сегодня, более чем когда-либо, это движение абсолютно вездесуще, отчасти из-за ностальгии, а отчасти из-за его особой завораживающая эстетика . Образы в стиле поп-арт есть везде и во всех сферах жизни, включая арт-рынок и аукционы, поскольку более или менее одни и те же имена продолжают доминировать в продажах по всему миру. Из-за своего вечнозеленого статуса произведения искусства в стиле поп-арт оказались надежным вложением средств, и кажется, что они будут оставаться востребованными еще долгое время.

Должны ли мы спросить, как поп-арт вернулся, или мы должны спросить, почему он никогда не переставал быть мейнстримом? Кажется, что в движении поп-арт существует непрерывная преемственность, поскольку сегодняшние современные художники и произведения искусства остаются вдохновленный им и спонтанным расширением его представлений .