Стиль зодчества при наполеоне: Стиль эпохи Наполеона, 5 (пять) букв

Содержание

Три шедевра в стиле ампир. Ампир в архитектуре Ампир модерн декор в архитектуре

Родиной этого направления стала Франция, однако оно быстро распространилось в других государствах, в том числе и на территории России. Ампир в архитектуре России нашел свое отражение в лучших достопримечательностях того времени.

Здания в стиле ампир в архитектуре России

Ампир в России в 19 веке наиболее ярко проявил себя в архитектуре, и декоративно-прикладном искусстве столицы Российской империи. Ампир по праву называется «королевским» или «имперским» стилем, так как он был призван передать всю могущественность и величественность государства.

Историки отмечают достаточно интересный факт: в России быстро и легко прижился стиль наполеоновской эпохи в стране, победившей Наполеона Бонапарта. Однако это обстоятельство можно легко объяснить, ведь известно, что в Российской империи была мода на все французское, при этом действительно выглядела роскошно и шикарно.

Стиль ампир в русской архитектуре стал известный благодаря императору Александру I. Правитель Российской империи очень часто приглашал в страну архитекторов-иностранцев. Архитектуру того времени нередко называют «александровским классицизмом». Специалисты говорят о том, что русский ампир имел существенные отличия от европейского.

Они проявлялись, прежде всего, в том, что это направление в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве России известно применением классических ордерных систем. Главной характерной особенностью направления было сочетание геометрически правильных форм, а также гармоничное слияние торжественной приподнятости образов и сдержанной красоты лепнины, как основного элемента декора.

Главная цель применения ампира в архитектуре России 19 века – отражение патриотизма страны, воинской славы и национального подъема. Исходя из этого, практически все сооружения в Российской империи того времени отличалась торжественностью, помпезностью и строгостью геометрических форм одновременно. Для русского ампира так же, как и для наполеоновского, характерным является использование изображений римских щитов, факелов, стрел, лавровых венков, львиных лап, орлов.

Стиль условно делиться на две большие группы – (столичный) и (провинциальный). Здания в стиле ампир в России носили черты одного из этих двух разновидностей популярного направления в искусстве. Однако в процессе возведения сооружений государственного значения применялись исключительно элементы столичного ампира.

Архитекторы – представители стиля русский ампир

В развитии ампирного искусства в России большую роль сыграли несколько талантливых архитекторов одновременно. Андрей Никифорович Воронихин – один из выдающихся архитекторов, основоположников русского ампира в Российской империи. Он разрабатывал не только проекты зданий, но и продумывал до мелочей декор интерьера, мебели и даже подбирал осветительные устройства, добиваясь цельности образа.

Главными работами мастера в период активного развития русского ампира стали Казанский собор и Горный институт.

Особый интерес для истории архитектуры представляет собой Казанский собор, здание которого возводилось по проекту собора Святого Петра в Риме с куполом Микеланджело и колоннадой Бернини.

Известны и другие архитекторы русского ампира, которые подарили государству уникальные памятники декоративно-прикладного искусства. Карло Антонио де Росси – знаменитый российский архитектор, имеющий итальянское происхождение. Мастер смог в своих работах максимально точно передать триумфальный, державный настрой империи.

Первым проектом Карло де Росси стала парадная набережная от Зимнего дворца до Сенатской площади.

Также под руководством этого архитектора были возведены такие архитектурные памятники в стиле ампир, как дворец императрицы Марии Федоровны на Елагином острове, ансамбль Дворцовой площади, Синода.

Стиль ампир в архитектуре России ярко проявился в таком сооружении, как Александровская колонна. Над ее созданием работал архитектор О. Монферран по замыслу К. Росси.

Еще одним не менее знаменитым архитектором, представителем русского ампира, является Василий Петрович Стасов. Он стал автором гвардейских соборов – Спасо-Преображенского и Свято-Троицкого.

Кроме того, Стасову принадлежит работа над созданием двух Триумфальных ворот в Петербурге.

К числу архитектурных памятников ампирной эпохи в России принадлежит Исаакиевский кафедральный собор. Для его возведения императором Александром I был приглашен архитектор из Франции Огюст Монферран. Впоследствии он стал одним из основоположников русского ампира на территории России.

В XIX веке в Российской империи были известны и другие талантливые архитекторы. Это такие мастера, как Доменико Жилярди, Андрей Захаров, Осип Бове, а также скульпторы Феодосий Щедрин и Иван Мартос.

Изменение характера и направлений развития искусства классицизма, в первую очередь, в его французском варианте, произошло после буржуазной революции, после провозглашения древнегреческого и древнеримского искусства её идеалом. Но теперь эстетические идеалы античности эпохи просвещения должны были прославлять вновь народившуюся империю и лично первого императора Франции Наполеона I и его воинские доблести. Это новое направление стиля классицизма начало развиваться в эпоху Директории (1795-1799 гг.), а затем при Консульстве (1799- 1804 гг.), и достигло расцвета в период между 1804 (год коронации Наполеона I) и 1813 гг., получив название ампир (от фр. empire — империя и лат. imperium — власть).

Стиль ампир держался во Франции до 1815 г. вплоть до реставрации Бурбонов, но его влияние на формирование, в первую очередь, дворцовых парадных интерьеров сохранится еще почти двадцать лет.

Стиль ампир , который сложился в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве, мебели, одежде, живописи, скульптуре и т.д. во всех странах Западной Европы и России, стал завершающей стадией эволюции классицизма. Основными источниками творческого вдохновения для ампира являлось искусство Древней Греции периода архаики и Древнего Рима периода поздней империи, а также искусство и культура Древнего Египта, Этрурии и других древних цивилизаций. Ампир активно использовал пластические идеи древнеегипетской архитектуры, делая большие нерасчленённые поверхности стен, массивные колонны и пилоны, обеспечивая четкость и геометрическую правильность построения цельных объемов и т.п. От Древней Греции и Рима в ампир перешли лаконизм, монументальность, строгая уравновешенность частей, симметрия сооружаемых объектов. Большое распространение получили портики классических ордеров, которые решались на контрасте с гладью малорасчленённых стен и геометрических объёмов. Идеи утверждения имперского величия и воинской славы реализовались в ампире через искусство многочисленных символов и знаков. Например, в декоративном убранстве экстерьеров и интерьеров зданий, мебели, светильников, посуды и т.д. использовалась в большом количестве военная эмблематика и символы воинской славы, заимствованные из арсенала декоративных средств Древнего Рима в виде лавровых венков, трофеев, дикторских связок, орлов, факелов, повторяющейся буквы N и т.д. Использовались также многие мотивы древнеегипетских орнаментов и символов в виде характерных рельефов, сфинксов, мумий, львов и др. Такой экзотический декор лишь усиливал театральность обстановки всего интерьера. Ампир в пору своего расцвета характеризуется прямым заимствованием некоторых архитектурных типов и форм предметного мира древности. Например, сооружаются и соответствующим образом декорируются триумфальные арки, мемориальные обелиски и императорские колонны. Интерьеры дворцов и частных домов украшаются рельефами по типу древнеегипетских и античных образцов. Стенные росписи выполняются по помпеянским мотивам, посуда, декоративные вазы, светильники делаются весьма похожими на древнегреческие и этрусские и т.д.

С приходом стиля ампир искусство становится болеё масштабным, монументальным. Вместо изысканной тонкости стиля Людовика XVI приходят излишняя рассудочность, помпезность и даже пафос. В стремлении победившей буржуазии, отринувшей королевские стили, во всем подражать быту и нравам древних римлян было, конечно, много театрального, показного. Во многих европейских странах аристократия и крупная буржуазия, для которых французский классицизм эпохи Людовика XVI был еще совсем недавно образцом для подражания, стали откровенно следовать новому стилю. После революции в Париж вновь приехали из разных стран многочисленные архитекторы и художники, которые стали работать в этой новой для себя стилистике. Ампир, в отличие от предыдущих стилей, имел весьма космополитический характер и исключал, в силу своей регламентированности, возможность создания местных национальных школ, что, впрочем, не помешало России некоторое время спустя создать свою разновидность ампира.

Следует отметить, что формальный язык классицизма с одинаковым успехом служил королевствам, буржуазии и империям. На своем первом этапе классицизм был королевским стилем, затем его болеё строгие и лаконичные формы служили идеям буржуазной революции. На последнем этапе те же классицистические формы, но уже значительно переработанные в сторону большей парадности, внешней эффектности и величия, используются для прославления императора и его империи.

По сравнению с формами архитектуры, которые во времена ампира ориентируются, в основном, на образцы древнеримских построек и потому не имеют существенных изменений, интерьер, в котором достигается беспримерное стилевое единство всех элементов, его составляющих, теперь решается по-новому. Этот ампирный синтез возникает, в первую очередь, из строгого следования античным, главным образом, древнеримским образцам в оформлении стен, пола и потолка, мебели, рисунков обоев, обивочных тканей и драпировок, тканей занавесей, покрывал, скатертей, других изделий декоративно-прикладного искусства. Изысканные и легкие интерьеры предыдущей эпохи делаются теперь торжественно-монументальными, в них царят полный покой, упорядоченность и уравновешенность элементов, строгая симметрия. Ампир, подобно другим королевским стилям, служит, прежде всего, целям репрезентации — в этом его своеобразная театральность, характерная для дворцовых интерьеров со времен Людовика XIV.

Стены помещений, как и прежде, членятся на отдельные орнаментально обработанные панно прямоугольных форм, которые декорируются, к тому же, живописными картинами, часто нанесенными прямо на стену или стеновые панели. Стены декорируются также пилястрами и полуколоннами. Карниз, обычно подчеркнутый фризом, украшенным гирляндами и фигурами лебедей и сфинксов, четко отделяет окрашенный в белый цвет и декорированный по углам потолок от стен. Весьма часто потолки, в подражание древнеримским, делаются кессонированными. Стены оклеиваются обоями или затягиваются тканями, причём ткани драпируются, подражая формам античных одежд. Обои имеют строгий рисунок, но также делаются с изображениями пейзажей или различных сюжетов на темы египетских походов Наполеона. Иногда потолки расписываются по белому фону, а вся живописная композиция обрамляется широким бордюром. Полы также делаются весьма нарядными из наборного паркета разных пород дерева, рисунок которых соответствует античной орнаментике. В богатых домах и дворцах некоторые помещения имели полы, набранные в подражание античной мозаике. Дверные панели декорируются лепниной с изображениями женских фигурок или ваз с букетами цветов.

В эту эпоху стало модным украшать будуары, парадные залы, столовые и специальные помещения для коллекций скульптуры мраморными бюстами владельцев домов и т.н. антиками (вазами, скульптурой, посудой и т.д.). Весьма модными были в это время изделия из неглазурованного фарфора (бисквиты), керамика Севрских мануфактур под яшму или под мрамор и каменной массы фирмы Веджвуда в виде различных плакеток с белыми рельефами на античные темы на синем или оливковом фоне, которые развешивались строго симметрично на стенах или которыми декорировались мебельные объекты. Основным металлом, который применялся для декорирования или изготовления некоторых элементов интерьера, была бронза. Например, из бронзы, трактованной по цвету и фактуре согласно античным образцам, делались различные светильники: люстры, канделябры, торшеры. Ампирные канделябры во всем схожи с помпеянскими, имеют подставки в виде звериных лап или сфинксов. Торшеры делаются в виде скульптурных изваяний с кариатидами, фигурами крылатых Побед или трех Граций и т.п.

В ампирном интерьере весьма значительную роль играют зеркала. Зеркала помещают на шкафах, зеркалами отделываются потолки ванных комнат. Популярными становятся отдельно стоящие напольные зеркала — псише, украшенные бронзой, а также небольшие псише, устанавливаемые на туалетных столах. Появившаяся в это время форма камина имитирует античные древнеримские мраморные надгробья. Ширмы, каминные экраны обтягиваются гобеленовыми другими дорогами тканями, украшенными вышивкой. Подобные экраны значительно меньших размеров ставились также перед подсвечниками. Рукомойники приобретают форму жертвенного алтаря (алтаря чистоты) или форму лиры, курительницы делаются в форме урны. Входят в моду изделия из стекла или фарфора синего цвета, расписанные красками, в т.ч. золотыми, и украшенные позолоченными или посеребренными накладками.

Из-за обилия изображений животных и птиц, в первую очередь, хищных и фрагментов их тел, а также иных фантастических существ в виде грифонов и сфинксов, ампир считается звериным стилем.

Например, ножки мебельных объектов, опоры светильников и др. часто трактовались в виде когтистой лапы льва, переходящей в мифологическое фантастическое существо с головой и грудью женщины, телом льва и орлиными крыльями. Частыми изображениями были лебеди с сильно изогнутыми шеями, бараньи головы (букрании) и т.д.

У ампира было особое отношение к внешней форме и, прежде всего, к признанию самоценности поверхности как таковой, будь то стена или потолок помещения, дверка шкафа, спинка стула или кресла. Всегда эти поверхности подчеркиваются контрастно нанесенным орнаментом (часто рельефным), мотивы которого заимствовались из египетского, греческого, этрусского, римского искусства. Поэтому такая большая роль в ампире отводилась скульптуре в виде, например, резных лап на окончаниях ножек стульев и кресел, опор локотников в виде лир, опорных частей столов в виде герм и упоминавшихся выше грифонов и т.п. Такие скульптурные изображения зачастую выступали как конструктивные элементы того или иного материального объекта.

Французская мебель ампира

Основоположником стиля ампир считают живописца Луи Давида, а выразителями этого стиля — архитекторов Шарля Персье (1764-1838 гг.) и Пьера Фонтена (1762-1853 гг.).

Ампир в своем наиболеё рафинированном виде проявился в интерьерах загородных резиденций, которые вначале возводились для Первого консула, а затем императора Франции Наполеона. Отделка и меблировка всех помещений велась по проектам Фонтена и Персье. Широкому распространению нового стиля способствовало издание ими в 1801 г. альбома с проектами мебели и интерьеров, который был переиздан в 1812 г. Эти архитекторы создали интерьеры и мебель для дворца мадам Рекамье, а Наполеон поручил им отделку своего загородного дворца в Мальмезоне. Позднее, став придворными архитекторами императора, Персье и Фонтен возглавили работы по переделке помещений других королевских дворцов в Тюильри, Сен-Клу Фонтенбло, Лувре и др.

Мебель по проектам этих архитекторов выполняли знаменитые мебельщики Жорж Жакоб и его сын Жакоб-Демальтер (1770-1841 гг.).

Кресло, 1870 г., Франция

Кресло, Ч. Перкир и П. Фонтэн

Кресло. Дерево, резьба, золочение. Мастерская Жакоба

Кресло, сделанное для Маршала Нея (1769-1815 гг.) из армии Наполеона. Жакоб-Демальтер, 1800-ые, Париж

Кресло с лебедями. Ампир

Кресло, Жакоб-Демальтер, 1805 г., Париж (Музей Виктории и Альберта, Лондон)

В отличие от стиля предыдущей эпохи — стиля Людовика XVI — для мебели ампира характерно прямое заимствование античных форм. Мебель подчинена архитектуре, она монументальна и имеет четкие конструктивные членения. Важнейшими элементами украшения ампирной мебели являются архитектурные шаблоны: колонны, капители, фризы, карнизы. Архитектурность построения мебельных объектов, в т.ч. мебели для сидения, полностью исключает проседающие, мягкие обивки, поэтому она всегда кажется жесткой. Театральность ампира — как искусства дворцового, парадного — обуславливает специфику организации пространства помещения, где элементы интерьера располагаются как бы по периметру, превращая его в своеобразную театральную площадку. Поэтому у ампирной мебели преобладают горизонтальные формы. Декоративные украшения на мебельном объекте располагаются обычно по периметру его свободных поверхностей, подчеркивая тем самым красоту фактуры и текстуры тщательно отполированного дерева. В интерьерах мебель часто ставится целыми гарнитурами, выполненными из одной породы дерева, причём их цветовая гамма обязательно сгармонирована с цветом других элементов интерьера. Продолжает делаться мебель, окрашенная в белый цвет, декоративная резьба которой золотится или тонируется под старинную античную (патинированную, зеленую) бронзу.

В это время весьма модными становятся т.н. диванные комнаты, в которых устанавливаются диваны, а на ковре перед ними — т.н. преддиванные столики на одной центральной широкой опоре и несколько кресел в форме корытца, расставленные вокруг столика. Как правило, яркая обивка дивана и кресел гармонировала с декором стен. Рисунок обивочных тканей обычно был вышит шерстью или выткан золотыми нитями. В моде была обивка алым сукном с черными бордюрами, шелком с золотыми звездами или розетками на сетчатом узоре, ценились насыщенные цвета: синий, желтый, пурпурный, малиновый и также такие модные цветовые сочетания как белый цвет с золотом или синий с золотом. В начальный период ампира большую популярность имели большие диваны, стоящие на тумбах, подобных пилонам, опирающиеся на львиные лапы и имеющие глухие локотники (боковины). Поверхности спинок и локотников диванов фанеровались красным деревом, а резные украшения выполнялись в форме музыкальных инструментов, лебедей, военных трофеев, орлов, львов и др. Для форм локотников (боковин) диванов часто использовался мотив рога изобилия. Подобные скульптурные украшения иногда делались из бронзы. Опоры и подстолье преддиванных столиков также украшались резьбой или золоченой бронзой.

Приставной стол с каминными часами «Амур и Психея», 1799 г., Франция

Стол-геридон с мраморной столешницей. 1803 г., Париж, Франция

Афинская пара (раковины). Поздний ампир по проекту Шарля Персье (1764-1838 гг.) и Пьера Фонтена (1762-1853 гг.)

Туалетный стол с зеркалом «псише». Мастерская М. Бьенне. Дерево, резьба, золочение, бронзовые накладки. Ок. 1817 г. Париж, Франция

Табурет. 1805 г., музей Виктории и Альберта, Лондон

Умывальник, Ш. Персье и М. Бьенне, 1804-1814 гг.

Кровать. Жакоб-Демальтер, XIX в.

Кровать императрицы Жозефины

Спальня императора, дворец Фонтенбло, Франция

Тронный зал, дворец Фонтенбло, Франция

Трон был предназначен для Наполеона I, 1805 г. Жакоб-Демальтер

Церемониальная спальня Полины Бонапарт. 1804 г. Британское посольство, Париж

Получают распространение кушетки своеобразной формы с двумя, как правило, развернутыми наружу торцовыми спинками, выполненными в форме буквы S. Кресла делаются весьма похожими на древнеримские. Их локотники поддерживаются резными фигурами лебедей, грифонов, львов и пр. или же колоннами с каннелюрами и капителями, завитками и т.п. Иногда передние ножки представляют собой гермы, которые доходят до локотников и служат им опорой. Популярны кресла-гондолы (корытца), имеющие полукруглую в плане спинку, переходящую в локотники, которые часто украшаются резными фигурами лебедей. Стулья делаются проще, чем кресла. Их спинки имеют простую, слегка изогнутую и откинутую назад прямоугольную форму или делаются в форме лиры.

Иногда формы античной мебели для сидения заимствуются почти без изменений. Например, известный греческий стул-клисмос неоднократно воспроизводился в это время без каких-либо искажений его первоначальной формы и конструктивной схемы. Большой популярностью пользуются табуреты или банкетки на скрещивающихся, украшенных бронзой ножках, форма которых пришла из Древнего Египта. Копируются трехногие античные табуреты, найденные при раскопках Геркуланума и Помпей. Опорные части кресел и стульев, а также диванов и столов, делаются в виде уже упомянутых выше герм, сфинксов, кариатид, атлантов, грифонов, тритонов, львиных лап и колонн. Все эти фигуры фантастических чудовищ, крылатых женщин, кариатид, герм и атлантов стоят в неподвижных позах, движения их скованы, лица так же неподвижны, как и складки их одежд. Формы мебельных емкостей: шкафов, комодов, секретеров, бюро и др. массивны, прямоугольны, замкнуты. Комоды делаются иногда без ножек и стоят прямо на цоколе, имеют мраморную верхнюю доску. Установленные под большими настенными зеркалами-трюмо эти шкафы выполняют роль столов-консолей. Иногда вся фасадная грань комодов делалась из одной целой доски, распиленной по линии ящиков, благодаря чему сохранялся общий рисунок струй древесины. Гладкие плоскости мало расчлененных поверхностей шкафов подчеркиваются бронзовыми или резными накладками в виде гирлянд, венков, пальметок, розеток, полосок из золоченой бронзы с резным орнаментом, а также орлов, львиных и бараньих голов, крылатой Ники, фаянсовых, фарфоровых или керамических веджвудских плакеток, которые вставляются в деревянную основу мебельных объектов. Такие шкафы, украшенные колоннами или пилястрами с бронзовыми золочеными базами и капителями, фронтонами, карнизами, фризами, архитектурными профилями и т.д., делаются весьма похожими на античные храмы. Излюбленным украшением, которое появляется в это время на косяках или углах шкафов, комодов и секретеров, становятся своеобразной формы кариатиды с неестественно вытянутыми мумиеобразными туловищами, женскими головками и ногами.

Портрет мадам Рекамье. Ж. Давид. 1800 г. Масло, 173 x 244 см. Лувр, Париж

Портрет мадам Рекамье. Ф. Жерар. 1805 г. Масло, 255 x 145 см. Музей Карнавале́, Париж

Ампир рождает новые типы мебели. Появляются: книжный шкаф, украшенный трельяжем, узкая горка для драгоценностей, узкий сервант, шкафы для фарфора, круглые сервировочные столы для фарфоровой посуды, клавикорды, псише и др. Распространение получают массивные тумбочки цилиндрической формы, весьма похожие на пьедесталы. Они обычно устанавливались в спальне симметрично по обеим сторонам кровати. Секретеры в это время по-прежнему принадлежат к числу наиболеё популярных предметов меблировки помещений. За откидными столешницами секретеров скрываются многочисленные ящички, ниши, полочки, которые отделываются дорогими породами дерева, зеркалами, бронзой и др.

Письменные столы делаются различных типов, иногда превращаясь в столы-бюро или шкафы-бюро. Такие столы делаются, как правило, двухтумбовыми с выдвижными ящиками. Но существуют и столы, стоящие на четырех ножках. Большой популярностью в стиле ампир пользуются разнообразные круглые столы, имеющие одну центральную опору или ножки в виде крылатых химер или других чудовищ, а также волютообразной формы с львиными масками или букраниями в их верхней части.

В моду входят круглые столы-геридоны, жардиньерки-подставки для цветов и столики для умывания в виде античных жертвенников (трипосы). Столешницы и коробки подстолья часто выполняются из мрамора или малахита и украшаются вставками из золоченой бронзы с типично ампирным декором в виде венков, вазонов, гирлянд, профилей женских головок и др. Жардиньерки нередко имеют форму античных бронзовых алтарей. Продолжают делаться и прямоугольные столы на четырех свободно стоящих ножках, а также столы-консоли на ножках в виде герм, представляющих собой четырехгранный, расширяющийся кверху столб, увенчанный головой или бюстом мифологического персонажа, кариатид, грифонов или мумий, опирающихся на специальные хорошо профилированные подставки-постаменты (цоколи).

Большую известность получил т.н. стол наполеоновских маршалов, созданный по проекту Ш. Персье и декорированный золоченой бронзой работы известного бронзовщика П.Ф. Томира и мозаикой из севрского фарфора по эскизу Ж.-Б. Изабе. Другим выдающимся произведением мебельного искусства является бюро Наполеона.

Кровати в эту эпоху делаются с одинаковыми боковинами и с балдахином или без него и часто устанавливаются на цоколи. Балдахин теперь подвешивается на раму, которая крепится к потолку. Такие кровати в стиле ампир решаются в форме римского саркофага, но создается и новый тип кровати, т.н. кровать-ладья, предназначенная, как тогда говорили, облегчить течение жизни. Выдающийся образец кровати этой эпохи — кровать императрицы Жозефины. Опорные части этой кровати выполнены в форме огромных рогов изобилия из позолоченного дерева, опоры изголовья также представляют собой рога изобилия, над которыми расположены резные фигуры лебедей с поднятыми крыльями. Само ложе напоминает походную палатку римского полководца с шатром из алого кашемира.

В болеё позднеё время мебель ампира явно перенасыщается бронзовым декором, болеё того, появляются небольшие декоративные предметы, выполненные целиком из золоченой бронзы, серебра и даже стекла. Традиция декорирования мебельных объектов бронзой держалась во французском мебельном искусстве начиная с Людовика XIV и заканчивая ампиром почти полтора века.

В эпоху ампира, по сравнению с предыдущим стилем, мастера-мебельщики не применяют каких-либо новых приемов при отделке мебельных объектов. Важную роль в отделке мебели стали играть фактура и текстура материала, которые раньше были скрыты за массой резных украшений и архитектурных шаблонов. В первую очередь применяется доведенная до совершенства техника фанерования. Фанера изготавливается, обычно, из темного красного дерева, а иногда из чёрного, и тщательно полируется. Применяются также и светлые породы дерева: лимонное дерево, ясень, клён, вишнёвое дерево и др. Отполированные до зеркального блеска поверхности мебельных объектов из красного и черного дерева и поверхности мебельных объектов, окрашенные в белый цвет под лак, оттеняются бронзовыми золочеными накладками и, реже, накладной золоченой резьбой, что придает интерьеру торжественность, строгое изящество и монументальность.

Интарсия и маркетри из различных пород дерева в эту эпоху встречаются крайне редко.

У мебели стиля ампир есть связь с мебелью стиля Людовика XVI. Например, мебель Жакоба, который начал работать еще в предыдущем стиле, а в ампирную эпоху был главным исполнителем мебели для Наполеона и других королевских дворов и аристократии, выполняется по проектам (рисункам) Персье и Фонтена. Сотрудником Жакоба был уже упоминавшийся выше знаменитый бронзовщик П.Ф. Томир, который делал бронзовые украшения и скульптуру для всех существовавших тогда дворцов.

По своему характеру стиль ампир в мебели во всех европейских странах имеет единообразные формы, хотя и отличается региональными оттенками. Однако влияние французского ампира на подобную стилистику в других странах было весьма значительным и определяющим.

Австрийская, немецкая, итальянская и английская мебель ампира

Австрийский и немецкий ампир представляют собой все тот же предыдущий стиль классицизма, но с большим тяготением к античной стилистике, т.н. стиль цопф. В это время Вена становится одним из ведущих центров мебельного производства, а австрийская аристократия и крупная буржуазия, которая всегда тяготела к богатству и роскоши, тем не менеё обставляла свои апартаменты мебелью весьма изысканной, но простой по форме и не перегруженной бронзовым декором, характерным для французских образцов. Формы добротно изготовленных стульев и кресел имеют хорошие пропорции и изящный абрис. Ножки, обычно, делаются гладкими, а бронзовых украшений используется минимальное количество. Столы в это время делаются круглыми и прямоугольными, близкими к стилям Людовика XVI и цопф, громоздкие диваны имеют высокие боковины, декорированные колонками. Важным предметом обстановки становится клавир. Известно, что Вена стала после 1790 г. одним из центров по производству такого рода музыкальных инструментов. Добротная столярная основа, наличие различных технических устройств, изящество форм ставят австрийские изделия этой эпохи в один ряд с английскими образцами.

Диван. Лондон, 1759-1765 гг.

Кресло для короля Вильгельма IV. 1834 г.

Новый имперский стиль мало коснулся Германии, т.к. она была в это время раздроблена на множество княжеств. Однако часть немецкой мебели делается в стиле ампир, правда, этот стиль в мебели тяготеет больше к греческой классике, нежели к имперскому Риму и весьма похож на стиль цопф.

Насаждение имперского стиля в Италии начинается со времен правления Наполеона, который подчинил себе большую её часть. Вначале в этом стиле решаются резиденции родственников Наполеона в Италии и их обстановка. Например, сестра Наполеона Элиза Бачиоки выписывает из Франции мастеров-мебельщиков и декораторов для отделки дворца Питти во Флоренции, покровительствует местным итальянским мастерам, работающим в этом стиле. В ампирном стиле меблируется дворец Жерома Бонапарта в Портичи и т.п. Однако свой расцвет стиль ампир, развивавшийся в Италии в период с 1815 до 1840 гг., достиг уже после свержения Наполеона.

В Англии в период 1812-1830 гг. складывается стилевое направление, близкое к французскому стилю ампир. Это направление, получившеё название стиля Регентства (Regency), и наступивший после него стиль Георга IV (1820-1830 гг.) зародились еще в классических интерьерах и мебели братьев Адам. Направление было подхвачено Хеппельуайтом и Шератоном и окончательно сложилось в творчестве последующего поколения английских мастеров. К середине XIX в. в Англии в стиле и образе жизни различных социальных групп усиливается дух рациональности и здорового практицизма. Это стремление к простоте проявляется сначала в одежде, а затем в мебели и интерьере. Английские классические формы мебели оказали влияние на мебель многих европейских стран и даже на французскую мебель. Это влияние проявилось в общей тенденции к целесообразности, простоте и стремлении освободить мебель от влияния архитектурных форм и принципов их построения.

Влияние ампира проявилось болеё всего в проектах Томаса Хоупа, но эти проекты можно считать скореё исключением, чем правилом развития английского мебельного искусства. Но даже эти проекты болеё строга и «демократичны», чем антиквизирующие формы мебели Персье и Фонтена и близкие к ним образцы мебели итальянцев Джузеппе Сали и Джакомо Альбертоли.

После падения Наполеона все, что было связано с его именем и деятельностью во Франции и в других европейских державах, постарались забыть; это относилось и к насаждаемому там стилю ампир. Однако стилистика ампира продолжала жить и дальше, например, в пришедшем на его смену, в первую очередь в Германии, Австрии и даже России, бидермейеру, не говоря уже о возникших впоследствии т.н. неостилях. Влияние ампира на крестьянскую мебель в некоторых странах продолжало ощущаться до конца XIX в.

Русская мебель ампира. Александровский ампир

В искусстве европейского классицизма и ампира конца XVIII-начала XIX в. важное место принадлежит России. В России становление и развитие ампира приходится на начало XIX в. и время правления Александра I (1801-1825 гг.). Победа в Отечественной войне 1812 г., восстановление и застройка Москвы, сооружение величественных архитектурных ансамблей в Петербурге послужили благоприятной почвой для расцвета ампира в России, который весьма существенно стал отличаться от европейского, хотя исходные стилевые элементы русского ампира и роднят его с французским.

Кресло. Красное дерево, позолота. XIX в.

Табурет. Красное дерево, позолота. XIX в.

Наиболеё ярко стиль ампир проявился в архитектуре. В это время в России работают великие архитекторы: А.Н. Воронихин, А.Д. Захаров, М.Ф. Казаков, Дж. Кваренги, Тома де Томон, К.И. Росси, В.П. Стасов, О.И. Бове. Русская архитектура находится на подъеме, она может решать сложные градостроительные задачи и создавать великолепные сооружения. Адмиралтейство, Казанский собор, здание Главного штаба, Михайловский и Елагинский дворцы и, особенно, их интерьеры представляют собой удивительные по своей завершенности и ясности архитектурные композиции и художественные ансамбли. В этот период подъем переживает и русское мебельное искусство. Архитекторы, проектируя интерьеры, проектируют и мебель, внося в её формы и декор совершенно новые черты, которые начинают придавать русской мебели своеобразный характер. Вначале русская мебель, особенно дворцовая, не свободна от влияния французских и даже английских образцов, но позднеё русское мебельное искусство приобретает самобытный самостоятельный характер. Наряду с роскошно декорированной парадной мебелью русские мастера создают болеё удобную и простую мебель для помещичьих усадеб и зажиточных слоев городского населения.

Красное дерево, бронзи-рованное и позолоченное только изнутри кресло, приблизительно 1800 г.

Кресло-жардиньерка. Павловский дворец. Дерево, резьба, позолота, окраска под бронзу, бархат, вышивка по канве. По проекту А. Воронихина. Мастерская К. Шейбе, 1806 г.

В самом начале века популярностью пользуются работы петербургской мебельной мастерской X. Мейера. Считается, что именно он стал делать мебель из красного дерева простых прямолинейных форм, украшенную латунными узкими полосками (тягами), подчеркивающими вертикальные и горизонтальные членения мебельного объекта. Такая мебель несколько позже получила в России название мебели, изготовленной в стиле Жакоб — по имени известного французского мебельного мастера. В первой четверти XIX в. на первые роли выдвигается придворный мебельщик Г. Гамбс, ученик Д. Рентгена. Он сам и мебельщики его фирмы производят много мебели, близкой к творчеству Рентгена и Жакоба Демальтера, а также мебели по проектам русских архитекторов. Кроме Г. Гамбса в Петербурге заслуженной славой пользуются мастерские В. Бобкова, А. Тура, И. Баумана, Ф. Гроссе, а в Москве — А.К. Пика.

Русская ампирная мебель отличается от французской и английской. Формы её проще, и выглядит она болеё монументальной, поражая красотой своих пропорций и согласованностью отдельных частей. Основная черта ампирной мебели, в т.ч. и русской — это строгое подчинение её формообразования законам классической архитектуры: трехчастным делением основного объема на основание (цоколь), тулово (основную часть) и завершающую верхнюю часть, что подчеркивалось обычными для зодчества членениями в горизонтальном и вертикальном направлениях. В каждом мебельном объекте массы строго пропорционально рассчитаны, что усиливает и подчеркивает статичную и монументальную их композицию. Своеобразие декорировки мебели александровского ампира — это концентрация отдельных пятен орнаментировки в определенных местах на сравнительно небольших гладких поверхностях мебельных объектов. Большинство русской мебели, кроме некоторых образцов дворцовой, парадной, не декорируется золоченой бронзой. Вместо неё применяется лепка из гипса или левкаса или же резьба из дерева, которые потом или золотятся, или красятся в черный цвет, или отделываются под старую (патинированную) зелёную бронзу.

Декоративными мотивами служат весьма популярные в этом стиле различные воинские эмблемы, лавровые венки, гирлянды, орлы, стилизованные лебеди с изогнутыми шеями, грифоны, львы, лиры, листья аканта, меандр, симметричные пальметты и т.д. Мебель украшается элементами архитектурных ордеров: колоннами с базами и капителями, фризами, карнизами, а её конструктивные членения подчеркиваются архитектурными тягами невысокого рельефа. Кроме того используются гермы, выполненные на древнеримский или древнегреческий манер, сфинксы, химеры, крылатые богини Ники и другие фантастические фигуры, симметрично расставленные и застывшие в неподвижных позах.

В это время в России большое разнообразие получает мебель для сидения. У стульев и кресел спинки делаются прямоугольными, глухими и мягкими, несколько напоминающими образцы предыдущего стиля. Локотники кресел часто опираются на резные фигуры орлов, львов или лебедей. Мотивы животных и фантастических чудовищ используются также для декорировки ножек, особенно передних. Вместо глухих мягких спинок в большом количестве делаются прорезные ажурные спинки с разнообразным рисунком. В качестве мотивов для таких рисунков также используются фигуры лебедей, военные трофеи и музыкальные инструменты. В то же время делается мебель для сидения, фанерованная красным деревом, карельской или волнистой берёзой, в которой почти нет украшений. Большой популярностью пользуется кресло-корытце с полукруглой спинкой, плавно переходящей в низкие локотники, которые часто украшались резными фигурками лебедей. Первоначально этот тип кресел был выработан во Франции как кресло к письменному столу. Но постепенно его ввели в состав гарнитуров для гостиных. Такие кресла были весьма характерны для интерьеров дворцов, дворянских особняков и помещичьих усадеб. Оригинальной переработкой мотива формы кресла-корытца является кресло красного или тополевого дерева, не имеющеё аналогий в западноевропейском мебелестроении. Центральную часть его спинки украшают фигурки двух грифонов с вазой между ними. Грифоны окрашены в черный цвет, а ваза и некоторые другие резные элементы — позолочены. Верхняя поперечная планка спинки изысканной линией плавно переходит в изогнутые бруски локотников. Передние ножки прямые точеные, суживающиеся книзу. Задние ножки искривлены. Большую роль в меблировке русских домов начинают играть диваны. В дворянских домах появляется т.н. диванная комната. В начале XIX в. диваны имеют характерные прямоугольные очертания, формы их внушительны и монументальны. Вместо локотников они имеют высокие боковины с резными колонками. Стоят такие диваны на широких прямоугольных опорах или на ножках, декорированных в виде львиных лап. Делаются диваны в форме ладьи или широкого кресла, а резные локотники имеют форму лебедей, львов или сфинксов. Гладкие поверхности спинок и локотников покрывались фанерой высокого качества из красного дерева или карельской берёзы. Ампирный диван, обязательный преддиванный круглый, овальный или прямоугольный стол на одной широкой вазообразной стойке (или в виде тумбы) и несколько расставленных вокруг него стульев или кресел, большое зеркало или картина над диваном в богатой раме из красного дерева или карельской берёзы являлись непременными атрибутами меблировки русского жилища того времени. Украшением парадных комнат богатого дома служила также т.н. клавишная арфа, или клавицериум, в виде большого шкафа, т.к. этот музыкальный инструмент (по существу, рояль) имел вертикально расположенные струны. Корпус этого инструмента делался из ореха или красного дерева и устанавливался на ножки в виде грифонов. Постепенно такие инструменты стали заменяться на фортепиано. Изготавливаемые в то время книжные шкафы, комоды, горки, шифоньеры, секретеры, этажерки и т.п. мебельные емкости декорировались колонками и пилястрами с капителями, фризами и карнизами и имели четкие членения и пропорциональную согласованность своих основных формообразующих элементов. Такая мебель, а также мебель для сидения, расставлялась в помещении как можно симметричнее, образуя строгие композиции и согласуясь с рисунком декора и членениями стен.

Красиво декорированных кроватей в России в ампирном стиле делалось по-прежнему весьма мало. На них, по сравнению с французской традицией, почему-то мало обращали внимания, довольствуясь старыми образцами.

Десятые годы XIX в. характерны для русских мастеров расширением номенклатуры используемых мебельных материалов. Кроме уже известных к тому времени красного дерева, карельской берёзы и ясеня, стали широко применять тополь, волнистые клён и берёзу, мореную грушу и др. породы. Мебель, которая изготавливалась из местных пород и поэтому была недорогой, часто окрашивалась в белый цвет, а резьба золотилась, окрашивалась в темные цвета или чернилась. В это время по рисункам архитекторов детали столов начали изготавливать из хрусталя или цветного стекла. Гранильные фабрики Петергофа, Екатеринбурга и Колывани стали делать столешницы из мрамора, малахита и яшмы. Петербургский фарфоровый завод приступил к изготовлению различных плакеток и медальонов из фарфора и фаянса, украшенных мотивами на античные темы, которые врезались в деревянные плоскости парадной ампирной мебели.

Одним из прекрасных мастеров русского классицизма и ампира был архитектор А.Н. Воронихин (1759-1814 гг.), спроектировавший Казанский собор и Горный институт. Он много работает над интерьерами создаваемых им и реконструируемых зданий, проектируя, в том числе мебель, светильники, обивочные и драпировочные ткани, декоративные хрустальные вазы и т.д. После пожара, случившегося в Павловском дворце в 1803 г., ему было поручено восстановление его парадных апартаментов, а несколько позднеё — интерьеров и меблировки жилых помещений дворца. В своей мебели А.Н. Воронихин не использовал бронзовых украшений, заменяя их резьбой по дереву, которая потом золотилась или покрывалась черно-зеленой краской, имитирующей старую бронзу. Качество резьбы русских резчиков было безупречным — их мастерство опиралось на вековые традиции народной резьбы. В мебельных объектах, выполненных по рисункам А.Н. Воронихина, уже просматривается определенная тенденция формообразования русской мебели первой трети XIX в., которое идет по двум весьма самостоятельным направлениям. По одному мебель делается парадной, по другому — бытовой, камерной. Например, мастер создал типичную парадную обстановку залов Мира и Войны и Греческого зала в Павловском дворце. Прекрасно выполнены золоченые кресла и диваны для Греческого зала с ажурными спинками, украшенными грифонами, и резными передними ножками в виде орлов, крылья которых соединены со спинками и служат локотниками. В залах Мира и Войны мебелью для сидения служат курульные кресла, опоры которых выполнены в виде пучков стеблей, перевитых золочеными жгутами, стоящих на львиных лапах. Прекрасно выглядит мебель, созданная им для неофициальных помещений, которая отличается легкостью пропорций и светлыми тонами использованного материала и его отделки. Здесь Воронихин использует, также как и для мебели Розового павильона, волнистую берёзу с её великолепным золотистым оттенком и красотой текстуры, которые здесь слегка подчеркиваются небольшими вставками черненого дерева. Обивка мебели выбирается самим архитектором, а её рисунок им проектируется заранеё в полном согласии с композицией мебельного объекта и декором стен. Например, им были созданы многочисленные эскизы для вышивок шерстью крестом на мебельных тканях.

Орнаментировка воронихинской мебели выполняется в русле принятой в то время антиквизирующей тематики стиля ампир. Те же розетки, венки, пальметты, геометризированные растительные орнаменты, трофеи, кариатиды, аллегорические фигуры, орлы, лебеди, грифоны и т.п., но их трактовка поражает своим разнообразием, богатством выдумки и особым изяществом исполнения.

Особое место в мебельном искусстве принадлежит зодчему К.И. Росси (1775-1849 гг.), который уже с 1816 г. для возводимых им зданий сам проектирует мебель. Мебель по его рисункам заказывалась таким известным мастерам как В. Бобков, Г. Гамбс, А. Тур, И. Бауман. Создаваемые им интерьеры в перестраиваемом Аничковом дворце, в строящихся Елагине и Михайловском дворцах, здании Главного штаба, библиотеке дворца в Павловске и т.д. меблируются авторской мебелью. Для парадных помещений К. Росси создавал мебель большей частью золоченую или окрашенную в белый цвет с золоченой резьбой. Проектировал также гарнитуры из красного дерева, карельской берёзы, серого клена, ореха, тополя, допуская иногда накладки из золоченой бронзы. В его мебели достаточно много резного декора, где в качестве мотивов используются, в основном, растительные античные орнаменты из венков, пальметок, акантовых листьев, а также мотивов рога изобилия и лиры. Он почти не применяет орлиных лап и голов, львиных масок, птичьих крыльев и т.п. Излюбленными цветами и цветосочетаниями обивки, которую он также проектировал, становится белый цвет с жёлтым или оранжевым, белый с синим или голубым. Иногда он применяет также бледно-зеленые и бледно-сиреневые тона. Известен большой гарнитур, выполненный К. Росси в 1817 г. для гостиной Аничкова дворца. Вся мебель окрашена здесь в белый цвет, а резьба невысокого рельефа позолочена. Центральный объект гостиной — ладьевидной формы диван, декорированный накладной плоской резьбой в виде пальметт, лир, бабочек, веток плюща, розеток. Стулья и кресла имеют TV-образные, слегка скругленные в плане спинки, центральные планки которых напоминают лиру, украшенную бабочками. Первоначальная обивка этого гарнитура была из голубого бархата; но позже (когда гарнитур поступил в одну из парадных гостиных Зимнего дворца в 80-х гг. XIX в.) была заменена на обивку светло-зеленого тона. Существуют еще два подобных по форме и декору гарнитура по рисунку К. Росси, созданных для Зимнего дворца и Петровского дворца в Москве в 1817 г. Подобных повторений в последующие годы К. Росси не делал. Проектируемая им мебель, люстры и драпировки, роспись, скульптура, декоративные вазы и т.п. создавались исходя из специфики того или иного интерьера, для строго определенного зала и определенного места. Такой подход, как наиболеё характерный, осуществлялся в процессе возведения Елагина и Михайловского дворцов. Камерность Елагина-дворца задают размеры и масштаб его помещений, каждое из которых было задумано зодчим как самостоятельный интерьерный комплекс, где все элементы подчинены единому композиционному замыслу. Мебельные гарнитуры этого дворца являются примером прекрасного использования волнистого клена и бронзовых накладок — весьма редких украшений для русской мебели, оттеняющих гладкие полированные поверхности этого дерева. Гарнитуры были созданы по рисункам К. Росси в 1819-1822 гг. в петербургских мастерских И. Баумана, который начал свою деятельность еще в конце XVIII в. Там же делались и гарнитуры, окрашенные в белый цвет с золочёной резьбой. В мебельный гарнитур Елагина-дворца из волнистого клёна входят, помимо дивана, стульев, кресел и преддиванного стола, еще кушетка с небольшой скамеечкой для ног, стоящей на звериных лапах, низкие шкафчики, которые часто использовались для книг, с плоской столешницей вверху, где устанавливались подсвечники, декоративные вазы, кашпо с цветами, часы и др., и дамское бюро, стоящеё на точеных, суживающихся книзу ножках. Верхняя часть бюро имеет емкость с рядом выдвижных ящиков и верхнюю полку, стоящую на колонках. Между ёмкостью и полкой установлены зеркала.

Михайловский дворец, ныне Государственный Русский музей, строительство которого К. Росси закончил в 1825 г., поражает великолепием своих просторных, украшенных лепниной и росписью залов, праздничность которых дополняет парадная бело-золотая мебель, которая и сегодня частично стоит на отведенных ей зодчим местах. Здесь сохранился почти без изменений центральный Белоколонный зал. Мебель для этого зала по рисункам К. Росси выполнил мастер В. Бобков, который до этого делал резные створки дверей и мебель в Елагине-дворце. Белые стены зала имеют теплый оттенок и украшены в верхней части лепным золоченым фризом, над которым находится живописный плафон потолка. Объем зала разделен колоннами на три части. Стволы колонн окрашены в цвет стен и имеют золоченые капители. Меблировка зала тщательно продумана и состоит из множества резных золоченых стульев и кресел, диванов, овальных и круглых столов, а также столов-консолей с голубыми стеклянными столешницами, которые поддерживают огромные зеркала в простенках между окон. Диваны, стоящие у стен, столы перед ними и расставленные вокруг кресла образуют строго продуманные симметричные композиции. Два двухсторонних дивана оригинальной формы стоят между колоннами, как бы отделяя и организуя самостоятельное пространство каждой трети объёма зала для собравшегося там общества. В декоре этого зала, где мастер добился гармоничного сочетания белого цвета с голубым и золотом, мебель выполняет одну из ведущих образно-смысловых и формально-композиционных ролей. Она может показаться излишне тяжеловесной и пышной, но, бесспорно, выражает торжественный и помпезный образ этого дворца. В других помещениях дворца стояла мебель из карельской берёзы, красного дерева и ореха с золоченой резьбой. Эта мебель хорошо сочеталась с бумажными и ткаными обоями синего, оранжевого и лилового цвета с золотыми узорами.

Влияние на развитие русской мебели оказал и другой замечательный мастер того времени — архитектор В.П. Стасов (1769-1848 гг.), автор целого ряда интерьеров и мебели Большого Царскосельского дворца в начале 1825 г. Им был создан один из шедевров — т.н. кленовая опочивальня Марии Фёдоровны и другие помещения для Александра I. Мебель для дворца, спроектированная Стасовым, изготовлялась мастерскими Г. Гамбса и А. Тура. По сравнению с ампирной мебелью Росси, его мебель имеет болеё строгий вид и не перегружена резной орнаментикой. Считается, что именно Стасов ввел в оборот новую и весьма рациональную конструкцию стула и кресла с т.н. боковой рамой и вкладным сиденьем. Такой тип конструкции стула или кресла продержался в русской мебели весьма долго. Конструкция такого стула состоит из двух плоских боковых рам, каждая из которых образует переднюю ножку, боковую стенку коробки сиденья и заднюю ножку, переходящую в стойку спинки. На высоте сиденья рамы стягиваются двумя поперечными брусками. Стойки спинки соединяются поперечной доской, обычно украшенной резьбой невысокого рельефа. Вкладное сиденье устанавливается между боковыми стенками рам стула на поперечные бруски. Такое сиденье делается трапециевидной формы. Рациональность конструкции, простота сборки, высокая прочность и жесткость, удобство обеспечили такому типу стула или кресла широкое распространение. Подобные места для сидения входили в меблировку как дворянских, так и купеческих домов. Дворянские усадьбы, в подражание императорскому двору, также меблировались в стиле ампир. Такие парадные помещения как гостиные, кабинеты, диванные комнаты обставлялись, в основном, удлиненными овальными или восьмигранными столами, стоящими перед диванами на ковре, и рядом стульев или кресел. В гостиных стояли еще и горки с декоративным фарфором и хрусталем. В кабинетах к этим мебельным объектам добавлялись: письменный стол или бюро, книжный шкаф, секретер или конторка. В парадных комнатах платяные шкафы и комоды традиционной прямоугольной формы с тремя или четырьмя выдвижными ящиками не ставились. Подобная мебель обычно изготовлялась руками крепостных мастеров. Материалом для её изготовления служили берёза, липа, ясень. Иногда мебель фанеровали, но чаще тонировали, например, берёзу под красное дерево, и полировали. Своими формами и декором она напоминала образцы столичной мебели, но характерными для последней строгостью пропорций, жёсткостью прорисовки отдельных деталей, пышностью и помпезностью не обладала.

Одним из лучших мебельных мастеров александровского и предыдущего периодов по праву считается Генрих Гамбс (1765-1831 гг.) и его фирма, которую после его смерти возглавили его сыновья и преемники Пётр Гамбс (1802-1871 гг.) и Эрнст Гамбс (1805?-1849 гг.). Его имя ассоциировалось у современников с высшими достижениями мебельного искусства. В этом нас убеждает одна из уникальных его вещей — большое бюро красного дерева, украшенное золочёной бронзой. Над этим мебельным объектом мастер работал около двадцати лет, начиная с 1795 г. и до 1815 г. Бюро напоминает архитектурное сооружение с цоколем, каннелированными колоннами, цилиндрической крышкой, выступающей средней верхней частью, балюстрадой. Бюро богато декорировано золочёной бронзой. Особого внимания заслуживает центральная прямоугольной формы плакетка с рельефной композицией Аполлон и музы (по мотивам картины итальянского художника XVII в. Гвидо Рени), а также медальоны с античными головками, фигуры муз, изображения орлов, дельфинов, маскаронов. В центре на верхнем выступе бюро установлена бронзовая скульптурная группа из трех мифологических персонажей: Минервы, Клио и Виктории. Это бюро не только прекрасный образец мебельного искусства, но и сложное техническое сооружение, снабжённое потайными механизмами. Например, при повороте ключа выезжает пюпитр, раскладывается столешница, выдвигаются ящики для письменных принадлежностей. При нажатии на одну из деталей в бронзовом медальоне появляется полочка для секретных вещей. Затем в нижней части цоколя выдвигается подставка, на которой стоит складное кресло с локотниками, обитое зелёным бархатом. Все эти технические манипуляции сопровождаются музыкой Моцарта, которую воспроизводит спрятанный внутри корпуса бюро механический орган. Вся стилистика формы бюро, его архитектурное построение, прямые членения, колонны, фигуры в античных одеждах и т.п. указывают на то, что большая часть работы над ним была выполнена Гамбсом в конце XVIII в. в подражание работам своего учителя Д. Рентгена. Предполагается, что этот мебельный объект он создавал для Екатерины И. По словам мастера, он начал работу над ним лишь для того, чтобы публично подтвердить свой талант механика и краснодеревца. Наряду с такими уникальными произведениями как это бюро фирма Гамбса изготовляла в большом количестве болеё простую и недорогую мебель для небогатых городских домов и загородных усадеб: шкафы, бюро, секретеры, комоды, горки, различную мебель для сидения, столы, консоли, тумбы, корпуса для часов и т.д. Во всех образцах такой мебели выявлена природная красота дерева, которую подчеркивают типичные для Гамбса золоченые или патинированные бронзовые накладки и прорезные латунные орнаменты. Для производства качественных бронзовых конструктивных элементов и украшений мебели у Гамбса была своя литейная мастерская.

Суммируя сказанное, в русской мебели стиля ампир можно выделить три весьма резко различающиеся её разновидности:

  1. мебель, которая изготовлялась для императорского двора и крупных представителей правящего класса. Такая мебель по своим формам и декору напоминала французские ампирные образцы и делалась из массива красного дерева или карельской берёзы и декорировалась массивными бронзовыми накладками. Производили мебель крупные столичные мастерские, например, Г. Гамбса, А. Тура и др.;
  2. мебель, вышедшая из мастерских помещичьих усадеб, болеё скромная по материалу и декоративным украшениям. Вместо бронзовых накладок здесь делается плоская резьба по дереву, которая иногда заменяется лепниной из левкаса. Такая резьба или лепнина, имитирующая резьбу, обычно красится в черный цвет, под старую бронзу или золотится;
  3. мебель, которая получает распространение в России в период 30-40 гг. XIX в. Стилистика такой ампирной мебели, как бы переделанной в сторону её большего удобства и полного соответствия тем или иным жизненным процессам, соответствует уже стилю бидермейер, который получил распространение, в противовес европейскому ампиру, в Германии, Австрии и Англии после падения Наполеона. Но русский бидермейер строже и ближе к ампиру. Кроме того, в этой мебели под красное дерево сохранилось много чисто народных черт, что послужило причиной столь длительного её существования и широкого распространения в России в течение всего XIX в.

Эпоха ампира в России была весьма непродолжительной. Однако этот стиль успел вобрать в себя весь образ эпохи, все разнообразие уровней мастерства и приемов художников и архитекторов того времени. Подъём в архитектуре и русском искусстве в целом был вызван универсальностью, целостностью и упорядоченностью новой художественной системы, её внутренней логикой и завершенностью. Именно на эти её качества опирался ампир. В упорядоченной системе ампира, основанной на универсальных принципах античного искусства, где архитектурно организованное внешнеё и внутреннеё пространство зданий и сооружений существовало в гармонии с окружающей средой, легко вмещалось множество тенденций, течений и направлений стиля. Это единство противостояло неумолимо надвигающейся эклектике. Александровский ампир, начиная с 1830 г., особенно в столичных городах, сменяется новыми стилевыми направлениями, но продолжает жить в провинции и в усадебной архитектуре России до самой середины XIX в. Сохранившиеся памятники русского ампира своим изяществом, завершенностью и согласованностью своих элементов, величием и торжественностью напоминают нам о золотом веке художественной культуры России.

Использованы материалы учеб. пособия: Грашин А.А. Краткий курс стилевой эволюции мебели — Москва: Архитектура-С, 2007

Описание презентации ИСТОРИЯ ИСКУССТВА ЕВРОПА. 19 век. АМПИР по слайдам

АМПИР Амп рии (от фр. empire style — «имперский стиль») — стиль позднего классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I; развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века; сменился эклектическими течениями. Включил образцы античного искусства: архаической Греции и имперского Рима: военную эмблематику в архитектурных деталях и декоре (воинские доспехи, лавровые венки, орлы и т. п.). Ампир включил в себя также отдельные древнеегипетские архитектурные и пластические мотивы (большие нерасчленённые плоскости стен и пилонов, массивные геометрические объёмы, египетский орнамент, стилизованные сфинксы).

Ампир Ампир коренным образом отличается от Классицизма. Мягкую и светлую гармонию искусства периода Людовика XVI и демократическую строгость стиля Директории сменили парадный пафос и театральное великолепие «Стиля Первой Империи» . Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Если свободно возникший Классицизм был ориентирован на демократические Афины периода классики Века Перикла, то художникам французской Империи было строго указано брать за образец формы искусства Древнего Рима. Ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, как обычно, а живописцу -Ж. -Л. Давиду. Еще накануне революции этот художник в картинах «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789) прославлял героические эпизоды из истории республиканского Рима, по мотивам книг Тита Ливия. Для работы над этими картинами, Давид заказал известному парижскому мебельщику Ж. Жакобу предметы обстановки по собственным рисункам, сделанным им с этрусских, как их тогда называли, ваз, найденных в раскопках Геркуланума и Помпеи в Италии. Давид участвовал в первой французской революции, затем, пережив тяжелый кризис, стал прославлять императора Наполеона так же, как до этого — идеалы свободы римской республики.

Ампир: архитектура Триумфальная арка (фр. arc de triomphe de l’Étoile) — монумент в 8 -м округе Парижа на площади Шарля де Голля (Звезды), возведённый в 1806- 1836 годах архитектором Жаном Шальгреном по распоряжению Наполеона в ознаменование побед его Великой армии.

Битва при Арколе — сражение французской армии под командованием генерала Наполеона Бонапарта с австрийской армией под командованием Альвинци происходившая с 15 по 17 ноября 1796 года. Битва закончилась разгромом австрийской армии. Во время битвы Наполеон выказал личный героизм, возглавив одну из атак на Аркольский мост со знаменем в руках. Вокруг него погибло больше десятка солдат, включая адъютанта Наполеона Мюирона, погибшего, прикрывая Бонапарта своим телом от вражеских пуль.

Египетский поход Бонапарта Гро Жан Антуан (1771- 1835) Наполеон в госпитале чумных в Яффе. 1803- 04.

Египетский поход Бонапарта В 1798- 1801 годах по инициативе и под непосредственным руководством Наполеона Бонапарта была сделана попытка завоевания Египта. египетская экспедиция Наполеона привела к росту интереса к древней истории Египта. В результате экспедиции было собрано и вывезено в Европу огромное количество памятников истории. В 1798 году был создан Институт Египта (фр. L’Institut d’Égypte), который положил начало масштабному разграблению наследия древнего Египта. Розеттский камень. Британский муей.

Жан-Луи Давид. Портрет мадам Рекамье (известная красавица, хозяйка знаменитого литературно-политического салона, который в то время был интеллектуальным центром Парижа. Её имя стало символом, олицетворявшим хороший вкус и образованность. Она была «звездой» европейского масштаба).

Андромаха у тела Гектора. 1783. Музей Лувр, Париж Сюжет этой картины восходит к «Илиаде» Гомера: Гектор, доблестный предводитель троянцев, был сражен в поединке Ахиллом и оплакан верной женой Андромахой. Общественно-политический смысл этого произведения очевиден. Андромаха театральным жестом указывает на тело героя, отдавшего жизнь за родной город. Культ отчизны во французском обществе предреволюционной поры противопоставлялся идее служения королевской власти. Произведение отличается ясностью и простотой композиции, светотеневая лепка полновесна и отчетлива. Большое внимание уделено Давидом исторической достоверности изображаемой среды. Андромаха, супруга Гектора — дочь царя Цетиона в мизийском городе Фивах и супруга Гектора, принадлежит к благороднейшим женским образам Гомеровой «Илиады» . Еще во время ранней ее молодости отец и семь братьев были убиты Ахиллом. Выйдя потом за Гектора, Андромаха родила ему Астианакса и привязалась к своему мужу самою горячею любовью, трогательными памятниками которой остались ее разговор с ним перед отправлением Гектора на битву с Ахиллом, равно как ее плач об убитом (Илиада 6 и 24). После завоевания Трои Андромаха была отдана в добычу сыну Ахилла, Пирру, который увез ее с собою в Эпир, и где она родила ему сына (а по другим сказаниям — трех сыновей). Впоследствии Андромаха стала супругой Элена, брата Гектора, и родила ему сына Кестрина. После смерти Элена Андромаха вместе с одним из своих сыновей возвратилась в Мизию, где этот сын приобрел область Тейеранию и дал свое имя основанному им городу Пергаму. В честь Андромахи был там сооружен храм. Еврипид использовал образ Андромахи в качестве героини одноименной трагедии.

Жан-Луи Давид. Клятва Горациев 1784. Музей Лувр, Париж. Художнику удалось создать образ-символ — олицетворение безграничного гражданского мужества. В основе картины лежит рассказ римского историка Тита Ливия, согласно которому трое братьев из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами враждебного Риму города Альба-Лонга — братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Давид в этой картине противопоставляет идеалы патриотизма, гражданственности и самопожертвования во имя родины мужчин страданиям и сентиментальной слабости женщин.

Жан-Луи Давид. Клятва на поле для игры в мяч. Эскиз. 1789 (символ национального единства в борьбе против старого режима).

Ампир: общая характеристика Имперская роскошь ампира Стиль ампир (или имперский) переживал эпоху своего расцвета в начале XIX века, во время правления Наполеона I. Его прародителем считается архитектура великих империй древности – Египта, древней Греции и Древнего Рима с их неизменным стремлением обнародовать мощь и силу государства, и подчеркнуть величие и мудрость правителя. Монументальные формы, тяжеловесная массивная мебель, обилие лепнины, деревянной резьбы и позолоты говорили о роскоши, а классическая строгость подчеркивала утонченный вкус. Парадный и торжественный стиль до сих пор очень востребован, особенно в России и Франции. Характерные черты Ампир узнаваем по преобладанию римских архитектурных форм – колонн, пилястр, украшенных резьбой карнизов и консолей. Мебель часто украшается резными фигурами животных. Ножки диванов, массивных кресел и столов выполняются в виде львиных лап или лап грифонов, сфинксов или мифических животных, дополняются завитками и позолотой. Именно в эпоху Наполеона I в моду входит красное дерево. Из него вырезали тумбы, столы, комоды, стулья, кресла и другую домашнюю мебель а также ларцы, шкатулки, рамы для зеркал и картин. Сложный красивый рисунок красного дерева часто подчеркивали медные и позолоченные окантовки, а также дорогая шелковая ткань, вытканная золотом. Пол в помещении традиционно выкладывали разноцветными породами дерева, потолок красили в белый цвет, что расширяло пространство и делало его более светлым, и повсеместно использовали зеркала. Они были в нишах стен, над диванами и кроватями, на дверцах шкафчиков и даже между ножек мягкой мебели. Литера N отчетливо читалась в украшении интерьера, также как и щиты, знаки легионеров, копья и стрелы. Дань периоду правления Наполеона I – раздвижная мебель, которую можно было использовать в военных походах.

Ампир как декоративно-прикладное искусство Увлечение неоклассицизмом возникло в Европе в конце 18 века. Раскопки городов Геркуланум и Помпеи, влияние идей Руссо и Дидро – повлекло за собой моду на античность, на все греческое и римское. А в те далекие времена одним из самых популярных ювелирных изделий была камея. Её вырезали из различных полудрагоценных камней, чаще, из оникса или из агата, которые имеют различные слои контрастных цветов. Мода на резные камеи усугубилась после итальянской кампании Наполеона в 1796 году. При Наполеоне имперский псевдо — римский стиль особенно хорошо прижился, поскольку помогал Бонапарту подчеркнуть размах своих амбиций. Корона императора при коронации была украшена старинными камеями.

Поздние портреты живописца были исполнены Давидом в изгнании, в Брюсселе. Там поселяется стареющий художник после разгрома наполеоновских армий и реставрации Бурбонов, которые не могли простить ему преданности Наполеону и особенно того, что во времена революции якобинец Давид был другом Робеспьера и голосовал за казнь Людовика XVI. Жан-Луи Давид. Зинаида и Шарлотта Бонапарт. 1821. Музей Гетти, Лос Анджелес.

Наполеон и Лувр Французского императора Наполеона I всегда озаряли лучи военной славы. Современникам и потомкам он запомнился в первую очередь как один из величайших полководцев в мировой истории, а его эпоха с тех пор стала называться «эпохой наполеоновских войн». Старейший музей Франции, знаменитый Лувр, бережно хранит память о вкладе Наполеона Бонапарта не только в военное искусство, но и в культурное наследие человечества. В империи, созданной Наполеоном за очень короткий срок, искусству отводилась особая роль. Оно должно было не только прославлять французское оружие и служить упрочению власти нового императора, но и способствовать развитию «наполеоновской легенды», создателем и творцом которой во многом был сам Наполеон. Музей Лувр был создан после Великой французской революции на основе бывших королевских художественных коллекций и вскоре получил название «музей Наполеона». Энергия, ум и административный талант французского императора смогли привлечь к формированию нового музея лучших архитекторов, скульпторов и художников. Именно в Лувре была собрана самая блестящая коллекция культурных сокровищ мира. При этом были использованы новаторские принципы построения экспозиции. Музей, поражавший своим великолепием и оригинальностью, вскоре приобрел общеевропейскую известность и оказал огромное влияние на дальнейшее развитие музейного дела. Тот факт, что в эпоху наполеоновских войн Россия сыграла главную и решающую роль в противостоянии с французской империей, а российский император Александр I во главе общеевропейской коалиции вошел в 1814 г. в Париж, хорошо известен. Не менее известно и многовековое взаимовлияние французской и русской культур. Впервые в России в стенах Государственного исторического музея открывается выставка шедевров Лувра, Музея замка Фонтенбло, Национального музея замков Мальмезон и Буа-Прео, Музея декоративных искусств в Париже, Национального фонда мебели и мануфактур Гобеленов, Бове и Савонри в Париже, Музея Карнавале в Париже, Музея Армии в Париже, Национального музея керамики в Севре, Музея национального достояния в Версале и других французских музеев. В то время творили В. Динон, Ш. Персье, П. Фонтен, Ж. Л. Давид, А. Ж. Гро, Ф. Жерар, Ж. О. Д. Энгр, Т. Жерико, Ж. Ф. Свебах, Г. Верне, А. Д. Шоде, А. Канова, Ф. Н. Делестр, Н. Н. Буте, М. Г. Бьенне, Ж. Б. К. Одьо, П. Ф. Томир и др. Их работы, а также произведения мастеров Версальской оружейной, Севрской и Лионских мануфактур, мануфактуры Гобеленов и Савонри экспонируются на выставке. Значительное место занимают личные вещи самого Наполеона и членов его семьи. Выставка «Наполеон и Лувр» дает возможность по-новому увидеть и оценить роль Наполеона в развитии французской истории и культуры, познакомиться с исключительными образцами европейского искусства и мирового культурного наследия.

Цифрой 1 обозначен Шарль Персье, рядом с ним (цифра 2) — Пьер-Франсуа Фонтей. Обратите внимание, что оба архитектора одеты в синие мундиры членов Французской академии. Цифрой 3 обозначен Император Наполеон I, позади него под цифрой 4 выглядывает улыбающийся Виван Данон, рядом с которым стоит начальник наполеоновского штаба маршал Бертье (5). Около лесницы справа в тюрбане — личный телохранитель Наполеона, мамелюк Рустам (6), привезенный им из Египетского похода, на лестнице стоит седовласый Камбасер с (7), архиканцлер империи и ее президент Сената, создавший знаменитый Кодекс Наполеона.

  • Жак- Луи Давид — Наполеон на перевале Сен-Бернар, 1800 г.

  • Триумфальная арка на площади Каррузель.

  • Триумфальная арка, 1806-1836 гг., Франция, Париж.

  • Триумфальная арка, Москва.

  • Нарвские триумфальные ворота 1833 г., Санкт-Петербург, Россия.

  • Арка 3дания Главного Штаба, Петербург, 1819-1829 гг.

  • Исаакиевский собор — собор преподобного Исаакия Далматского.

  • Росси Карл Иванович — Александрийский театр 1816-34 гг.

  • Интерьер, стиль ампир.

  • Интерьер, стиль ампир.



  • Альбом с проектами Персье и Фонтена.

  • Альбом с проектами Персье и Фонтена.

  • Торшеры, стиль ампир.



  • Ампир и Регентство в эпоху Наполеона.

  • В память Lord Nelson, 1805-06 гг.

  • Проект интерьера, стиль ампир.

  • Интерьер, Музей Наполеона.

  • Интерьер зала, Лувр, Париж

  • Плафон зала Дианы в Лувре, Париж.

  • Музей скульптуры в Лувре, Париж.

  • Интерьер, стиль ампир.

  • Мебель, стиль ампир.

  • Декор интерьера, стиль ампир.


  • Интерьер, стиль ампир.

  • Интерьер, стиль русский ампир.

  • Интерьер, стиль русский ампир.

  • Интерьер, стиль ампир.

  • Интерьер, стиль ампир.

  • Интерьер, стиль ампир.

  • Интерьер, стиль ампир. Мебель Джакоб.

  • Интерьер, стиль ампир.

  • Интерьер, стиль регенство, кабинет.

  • Хэмптон Корт (Hampton Court), стиль ридженси (регенство).


  • Интерьер, стиль регенство. Дом Carlton, 1819 г., Англия.

  • Интерьер, стиль регенство. Замок Виндзор, 1819 г., Англия.


  • Интерьер, стиль регенство. Палата Ставки — Дом Carlton. (1819)., Англия.

  • Мебель, стиль ампир. Жакоб (Jacob).

  • Мебель, стиль ампир.

  • Мебель, стиль ампир. Лувр.

  • Кресло в стиле ампир.

  • Кресло в стиле ампир.

  • Рекамье, стиль ампир.

  • Рекамье, стиль ампир.

Ампир
Стиль ампир является пиком, одновременно завершающим аккордом классицизма , зародившегося во второй половине XVIII века. Во времена правления Наполеона Бонапарта. Классицизм перевоплощается в стиль официально надиктованный сверху. Таким образом, название стиль ампир произошло от (фран. empire империя). Ампир был призван отображать в себе величественное могущество державы, созданной Наполеоном. Если возникший свободно классицизм черпал своё вдохновение в древней Греции и республиканском Риме, то художникам было наказано ориентироваться на формы искусства Римской империи, так стиль ампир стал первым официально контролируемым, а искусство стало идеологией.

Смена приоритетов быстро затронуло архитектуру как искусство и парадно-торжественное настроение императорского Рима сменило республиканский Рим с его гражданскими идеалами. Таким образом, классицизм 18 века, не изменяясь в целом, сменился стилем ампир начала 19 века. Стиль ампир потомок классицизма поздних течений, тот же классицизм только с несколько другими взглядами на классическое наследие, это выражено в основном в декоре и формах. Декоративные мотивы республиканского Рима, такие как гирлянды, ленты, сменяются лавровыми венками, шлемами, копьями, щитами и другими воинскими доспехами.

Военный поход Наполеона в Египет в 1798 г.-1799 г., нашёл своё отображение в стиле ампир. Массивные геометрические объёмы, египетский орнамент из усыпальниц фараонов, пирамиды и сфинксы стали появляться на столах, кушетках, обивочных тканях. Египетские предметы искусства вдохновляли французских мастеров на изготовление посуды, мебели, и т.п. Но, тем не менее, в стиле ампир в основном преимущественно правят мотивы декора, относящиеся к римской военной истории. Стиль ампир представляет собой искусство Франции начала 19 века. В сущности, этот стиль не национален, а скорее космополитичен, именно поэтому в целом он не был принят ни одной из стран побеждённых Бонапартом. В Европе в частности в Австрии и Германии как бы в противовес наполеоновскому нашествию был стиль Бидермайер, в котором всё-таки нашли применение ампирные формы. Точно также ампир не получил большого распространения и в Англии. Стиль Георга IV время правления с 1820 г. По 1830 г. Условно считают Английским ампиром, пришедший после английского стиля ридженси (регенство). Позже вторым британским ампиром называют время правления Королевы Виктории с 1830г. по 1890г.Примечательный факт, то, что Россия страна победительница приняла стиль ампир. Перед Отечественной войной 1812 года, безусловно, с дозволения Наполеона Бонапарта, французские архитекторы Фонтен и Персье передавали с помощью посла в Петербурге, Императору России Александру 1, альбомы с восхитительными эскизами застроек Парижа. Далее в Париже в 1814 году произошла встреча Александра 1 и архитектора Фонтена в результате которой были переданы тринадцать альбомов с проектами интерьеров. Полученные материалы сыграли основную роль в зарождении и распространении стиля именуемого Петербургский ампир. После разгрома империи Наполеона, Фонтен и Персье желали поступить на службу в Россию, но им предпочли малоизвестного Монферрана , который в скором будущем создаст в Петербурге Исаакиевский собор, поражающий своей грандиозностью.

Принято считать, что в Европе существовало два вида ампира (французский и русский). Русский ампир это некое соединение строгих форм и яркой отделки, тем не менее, он был более пластичный и свободный в отличие от французского стиля. Делился русский ампир на два направления, столичное и провинциальное. Карл Росси (русский итальянец) создатель петербургского ампира, благодаря своему итальянскому вкусу, сделал французский имперский стиль мягче. В архитектуре Петербурга в 1820-1830 итальянизирующий ампир нужно различать от раннего периода стиля Александровского классицизма, более направленного на французский неоклассицизм и греческую архаику. Провинциальное направление ампира, было своеобразно, как бы упрощено, правильно считать этот стиль Московский классицизм. С 1830г. по1840г. Последний этап развития петербургского классицизма, во время царствования Николая 1 , некоторые называют николаевским ампиром. Подобно королевским стилям, отличительные черты ампира это великолепие и зрелищность.

Не много об интерьере эпохи Ампир : В спальнях на стенах использовалась драпировка или обои, массивные кровати, высокие балдахины, в качестве обивки мебели применяли шёлк вытканной золотом, столики для умывания своими формами напоминают треножники, тумбочки в виде постаментов. Большие зеркала на двух подставках с отделкой бронзой, низкие кресла, позаимствовавшие римские формы, всё очень напоминает экспозицию выставочных экспонатов, где царит во всём некая театральность, весьма характерная для дворцовых интерьеров во Франции. Убранство помещений поражает своей целостностью, симметрией, законченностью. Золочёные украшения видны и на шкатулке и на шкафу, а также на обложке книги. Предметы словно преображались, в интерьере присутствовал своеобразный карнавал, мраморная шкатулка в действительности была выполнена из картона, а яшмовый флакон оказывался из фарфора. Удивительно но на самом деле мастера того времени не старались подделывать дешёвый предмет за дорогой, как раз наоборот, не редко богатые материалы выдавались за недорогие. Менялись своими ролями и целые комнаты. Например, в виде военного шатра выглядел интерьер спальни, а камин был местом для хранения передвижной ванны. Строгая симметрия, уравновешенность элементов вот что царит в интерьере ампира. На полы настилается паркет, в основном, подобранный из цветных пород дерева. В белый цвет окрашивают потолки, по углам применяют простой декор. В интерьерах используются светлые тона и позолоченная бронза, что смягчает суровость белого цвета. В интерьере ампир важную роль придавали зеркалам, их вешали не только в привычных местах: между окнами, над камином, но и над кроватями. В центре будуара в виде арки ставили зеркало псише. Для декорирования широко использовали такие материалы как мрамор и бронзу. Бронза применялась для изготовления светильников, часов, статуй, а также в инкрустации мебели, предметов интерьера. Персонажи римской мифологии изображались в статуях из мрамора, их расставляли между колонн в нишах. Окна занавешивали или отказывались от них совсем, дабы защитить интерьер от реалий. В будуаре французской Императрицы Марии Луизы окно иметься лишь на потолке, а двери вообще замаскированы. Стены покрывали панорамные обои с изображением африканских лесов или долин. На блюдах, табакерках, кофейниках, вазах появлялись изображения условных окон в рамке с городскими или сельскими пейзажами. Для ампира первостепенной задачей являлось величие форм, потому сознательно жертвовали практичностью и удобством. Внешне мебель стиля ампир это архитектурно-скульптурные сооружения, тяжёлая, массивная с полированными гладкими поверхностями, с накладными декоративными бронзовыми или позолоченными элементами и деталями, а именно: карнизы, пилястры, фризы, колонн, лапы львов или грифонов.

В то время даже скромные кровати представляли собой монументальность, строгость и величие. Ложе, украшенное пышным балдахином, возвышалось на постаменте, исполненном из благородного красного дерева, что интересно не имело ножек, опираясь на сдавленные шары или кубы. Его охраняли вырезанные по углам фигуры львов или сфинксов. Располагалась кровать вдоль стены, не как в 17и 18 веках, тогда ставили перпендикулярно к стене. В стиле ампир кровать предстают в виде роскошного пьедестала, не кем возвышением человека над миром, что было присуще эпохе Наполеона. Подобно сооружением архитектуры, столы-бюро, кресла и стулья опирались на золочёные статуи и колоны, вместо ножек, обычно украшались акантовыми листьями. Подлокотники если они заканчивались возле сидений, располагали на фигуры животных: львов, лебедей или мифологических грифонов. На сидениях подушки прямоугольной формы, туго затянутые тканью, узор и фактура подбиралась, копируя прожилки мрамора, были похожи на каменные плиты. В качестве обивки для мягкой мебели и стульев часто применяли кожу и шёлк. Цвета преобладали яркие: зелёный, синий, пурпурный, золото.

Круглые массивные обеденные столы, Бонапарт сам лично очень уважал семейные традиции, посему основной функция этого обеденного стола было, собирать всю семью за трапезой. К достижениям стиля ампир можно отнести: Круглый миниатюрный столик на одной ножке (гефидон), а также новые типы шкафов (секретеры с надстройками в виде шкафов для хранения книг). Сервировочные круглые столы, узкие серванты, предназначенные для фарфоровой посуды. Элегантная кушетка (рекамье), с плавным высоким изголовьем в форме лебединой шеи или гондолы. Характерны для стиля ампир большие и маленькие круглые столы и столики на одной ножке, туалетные столики и тумбочки, имеющие цилиндрическую форму, симметрично расставлены около кровати с каждой стороны. Предметы украшали аллегорическими фигурками из бронзы. Воинственный дух эпохи, конечно не мог не оставить след в жизни людей и в интерьере их домов. Мебель украшена была изображениями предметов оружия, трофеев, щитов, копий, мячей, пушек, стрел. Императорской символикой (орлы, звезда, буква N), дерево использовали красное, для мебели люкс, для мебели проще мастера при работе с местными породами, предпочитали применять корень, который походил по рисунку древесины на красное дерево.

В мебели, функцию опорных устоев и подлокотников, выполняли фигуры животных, отлитые из бронзы, а поверхности украшали накладным декором. Хотя предпочтение и отдаётся красному дереву, тем не менее, использовались и светлые породы: Черешня, клён, ясень, лимонное дерево. В приёмах исполнения, столяры пользуются доведенной до совершенства техникой фанеровки.Инкрустация почти не применяется, поскольку эта техника слишком серьёзна для той эпохи, когда стиль ампир выражал эстетические вкусы буржуазии и военных, которые стремились к поддельному блеску, лоску, шику. Редко встречающийся орнамент инкрустации выглядит в виде мозаики из севрского фарфора, малахита и мрамора. Элементы резного декора (сфинксы, львиные маски), золотятся обязательно. Боковины диванов имеют формы на мотив рога изобилия. Остроумные механизмы находят своё применения в столах и при нажатии кнопки меняют форму и размер предмета.

По эскизам Шарля Персье и Пьера Фонтена изготовляли лучшую мебель стиля ампир. Более демократичную мебель, создавал Жорж Жакоб , которую позже стали именовать в стиле Жакоб. Французский мебельный мастер творил в русле ампир, но отличием его предметов мебели была простота и архитектурность. Декор мебели был прост, состоял из узких штампованных накладок, гофрированные вставки, розетки в местах конструктивных соединений деталей. Предметы мебели выглядели нарядно и богато. Антикварами всего мира высоко цениться стиль Жакоб и по сей день. На аукционе Сотби исполненное в этом стиле кресло, было куплено за 58000 фунтов стерлингов.

В Европе мебельщики старались подражать французским образцам мебели. Великолепную мебель изготовляли и в России, русские мебельщики параллельно с красным деревом, применяли местную древесину: карельскую берёзу, орех, серо-волнистый тополь, умели показать естественную текстуру дерева. Просуществовал и удержался стиль ампир почти при всех европейских дворах, даже после краха французской империи до 1840 года, пока отторжение ко всему, что было связано с именем Наполеона Бонапарта не свергло его с пьедестала. Но и по наши дни настоящие ценители классицизма и роскоши, величия императорского Рима и древней Греции, предпочитают ампир.

Вслед за классицизмом в Европе в начале XIX века в моду вошёл стиль ампир. В истории вслед за Древней Грецией могущественным и влиятельным становится Древний Рим, точно также и классицизм сменяется стилем ампир. Классицизм в большей степени был связан с влиянием Древней Греции, а стиль ампир был подвержен влиянию искусства Древнего Рима, а именно Рима периода империи.

Эпоха стиля ампир – 1800-1825 годы. Ампир означает имперский, зарождается он во Франции, во времена Наполеона, а именно во времена его успехов, его побед. Ведь ампир – это стиль империи, стиль триумфальных арок, арок, возводимых в честь побед, как в Древнем Риме, так теперь и в Париже.

Ампир появится и в ХХ веке, так называемый сталинский ампир. Здания и целые архитектурные ансамбли в стиле сталинского ампира можно найти в Киеве, Москве и Минске. Так в Минске весь проспект Независимости от вокзала до здания БНТУ выдержан в духе сталинского ампира, стиля империи.

Казанский Собор построен в стиле ампир, а также сталинская высотка в стиле сталинский ампир.

Стиль ампир всегда отличается большой пышностью, блеском, помпезностью.

Но вернёмся в начало XIX века. Как и в архитектуре, так и в моде стиль ампир получает распространение.


Силуэт костюма эпохи ампир имеет цилиндрическую форму, стремясь к цилиндрическим очертаниям стройной и высокой колонны. Используются однотонная рельефная вышивка, симметричная декоративная отделка, плотные блестящие ткани.

В мужской одежде распространённым становится появившийся ещё в эпоху классицизма фрак – шерстяной с высоким воротником-стойкой, обязательно тёмных тонов – чёрный, синий, серый, коричневый.

Носили такой фрак со светлым жилетом и такими же светлыми панталонами.

Верхний одеждой оставался также появившийся ранее редингот или сюртук. Сюртук постепенно становится основным элементом в мужском деловом костюме. А осенью и зимой носили редингот с двойным, а то и тройным воротником или же пелериной.

Причёски – в основном короткие, на головах – шляпы с небольшими и загнутыми по бокам полями.

Обувь – туфли и сапоги.

Но особенно сильным было влияние стиля ампир на женскую одежду. Яркой особенностью стиля ампир в женской одежде становится высокая талия, которая делит фигуру в соотношении 1: 7 и 1: 6, плюс прямая длинная юбка и узкий лиф.

Корсеты столь популярные во времена барокко и вышедшие из моды в эпоху классицизма в период ампира вновь возвращаются. На смену мягким и лёгким тканям приходят плотные, к примеру, плотный шёлк, впрочем, также используются и тонкие прозрачные ткани, но обязательно на плотной, чаще шёлковой подкладке.

В женском костюме появляется и всё больше и больше декоративных элементов — рюши, оборки, кружева, вышивки. Вышивки часто выполнены однотонной белой гладью с золотой и серебряной нитью, блестящими пайетками.


Для самих платьев в стиле ампир также были характерны: шлейф, низкое декольте, короткий рукав-фонарик на широком манжете.

В верхней женской одежде в начале XIX века появляются короткие спенсеры, однобортные рединготы из хлопчатобумажных, а также шерстяных тканей, отделанные бархатом, атласом (а зимой — подбитые мехом). Верхняя одежда повторяет силуэт, форму и покрой деталей платья.


Головные уборы – капоры самых разнообразных фасонов, а иногда и с вуалью, шляпы типа ток.

Тока – головной убор, который как раз таки появляется именно в эпоху Наполеона. Это была чёрная бархатная шляпа, украшенная перьями. Такая шляпа изображалась … на гербах, а именно на гербовом щите. Цвет околыша и количество перьев менялось в зависимости от титула хозяина герба. Так, к примеру, тока, изображённая на гербе дворян, имела зелёный околыш и одно перо.


Вскоре такой головной убор без полей и округлой формы стали носить и женщины.

Именно в начале XIX века, как и в эпоху барокко , большое внимание уделяется причёскам и головным уборам, а именно их пышности и нарядности.

Также используются перчатки: длинные лайковые, иногда без пальцев, так называемые митенки.

Обувь – туфли, плоские и открытые, кожаные и на низком каблуке.

Украшениями к платьям в стиле ампир служили жемчуг (как искусственный, так и натуральный), камеи, диадемы, колье, ожерелья, которые оборачивались вокруг шеи по несколько раз, на руках – браслеты, перстни, браслеты также носились и на ногах, серьги с подвесками.


Неизменной законодательницей моды в стиле ампир в начале XIX века была супруга Наполеона Бонапарта Жозефина.


Сегодня стиль ампир в одежде в основном представлен в платьях и сарафанах. Очень красивы свадебные платья. А вот особенности стиля ампир сегодня такие же, как и в начале XIX века: завышенная линия талии, наличие обязательной ленточки под грудью, а также струящийся силуэт и ощущение лёгкости. Длина также может быть до пят, как и вначале XIX, но может быть и короткой.

Платья в стиле ампир с укороченными юбками придают образу определённую женственность и даже кукольность, наивность. Из-за этой кукольности появилось и название стиля для подобных платьев – стиль baby doll .

Свадебные платья в стиле ампир шьются, как и из традиционного для ампира шёлка, та и из шифона. Обувью к таким свадебным платьям служат либо сандалии на плоской подошве, либо туфли на высоком каблуке. Волосы разбиваются на прямой пробор, гладко причёсаны, а на лоб спадают локоны. Если же волосы длинные, то их заплетают в две косы и укладывают в сеточку на затылке.


Плюсом платьев в стиле ампир является то, что они подходят практически всем. Так полным девушкам они помогут подчеркнуть грудь и скрыть полноту, девушкам с мальчишеской фигурой придадут женственности. А низким девушкам, платья в стиле ампир позволят выглядеть более высокими и статными.

ампир — это… Что такое ампир?

  • Ампир —         (от франц. empire империя), стиль в архитектуре и искусстве трёх первых десятилетий XIX в., завершающий эволюцию классицизма. Ориентируясь на образцы античного искусства, ампир преимущественно опирался на художественное наследие архаичной …   Художественная энциклопедия

  • ампир — а, м. empire m. 1. Крупное монархическое государство древнего и нового времени. БИШ. По французски произносится: empire. Что такое империя? , спросил меня один знакомый. Это соединение несоединяемых под одну власть , отвечал я. Огарев Империя. 2 …   Исторический словарь галлицизмов русского языка

  • ампир — АМПИР, а, м. Что л. помпезное, вычурное, напыщенное, претенциозное. Не баба ампир. Сталинский ампир архитектура времен И. В. Сталина. Советский ампир типичная советская архитектура …   Словарь русского арго

  • АМПИР — (от франц. empire букв. империя), Стиль в архитектуре и декоративном искусстве трех первых десятилетий 19 в., завершивший развитие классицизма. Массивные лапидарные, подчеркнуто монументальные формы и богатый декор (военные эмблемы, орнамент),… …   Большой Энциклопедический словарь

  • Ампир — Ампир. Ф.О. Жакоб. Шкафчик. Национальный музей. Фонтенбло (Франция). АМПИР (от французского empire, буквально империя), стиль в архитектуре и декоративном искусстве 1 й трети 19 в., завершивший развитие классицизма. Первоначально сложился во… …   Иллюстрированный энциклопедический словарь

  • АМПИР — АМПИР, ампира, муж. (франц. empire, букв. империя) (иск.). Художественный стиль, преим. в архитектуре и мебели, распространившийся из Франции эпохи империи (в начале 19 го в.) в Зап. Европе и России. Русский ампир. Толковый словарь Ушакова. Д.Н.… …   Толковый словарь Ушакова

  • АМПИР — (от французского empire, буквально империя), стиль в архитектуре и декоративном искусстве 1 й трети 19 в., завершивший развитие классицизма. Первоначально сложился во Франции при Наполеоне I, служил воплощению идей государственного могущества.… …   Современная энциклопедия

  • АМПИР — 1. а, муж. Возникший во Франции в конце 18 нач. 19 в. стиль в архитектуре и в декоративном искусстве, основанный на подражании античным образцам. 2. неизм. Имеющий такой стиль, выполненный в таком стиле. Архитектура а. | прил. ампирный, ая, ое (к …   Толковый словарь Ожегова

  • Ампир —       (от французского empire, буквально империя), стиль в архитектуре первой четверти XIX в., завершивший эволюцию классицизма. Ориентируясь на образцы античного искусства, опирался на художественное наследие архаической Греции, императорского… …   Санкт-Петербург (энциклопедия)

  • ампир — сущ., кол во синонимов: 1 • стиль (95) Словарь синонимов ASIS. В.Н. Тришин. 2013 …   Словарь синонимов

  • Ампир — (фр. empire – букв. империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве трех первых десятилетий ХIХ в., завершивший развитие классицизма. Сложился в период империи Наполеона I во Франции, где его отличало парадное великолепие мемориальной… …   Энциклопедия культурологии

  • Ампир какой век. Школьная энциклопедия

    Ампир , или «Стиль империи» (франц. Empire) — исторический художественный стиль, впервые сложившийся во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта.

    Основные черты стиля ампир

    Ампир коренным образом отличается от . Мягкую и светлую гармонию искусства периода Людовика XVI и демократическую строгость стиля Директории сменили парадный пафос и театральное великолепие «Стиля Первой Империи». Наполеон стремился к блеску и ореолу славы римских императоров. Если свободно возникший классицизм был ориентирован на демократические Афины периода классики Века Перикла, то художникам французской Империи было строго указано брать за образец формы искусства Древнего Рима.

    Наполеоновский Ампир — стиль жесткий и холодный. П. Верле назвал его «затвердевшим стилем Людовика XVI». И. Грабарь писал, что «блестящее развитие Классицизма во Франции было прервано «холодной диктатурой Ампира». Ампир демонстрирует вырождение классицистических форм, выхолащивание их подлинного историко-культурного смысла, духовного содержания, но, вместе с этим, этот стиль своеобразно продолжает никогда не прерывавшуюся во Франции (в этом особенность развития французского искусства) классицистическую традицию. Ведь не случайно историк художественных стилей В. Курбатов подчеркивал, что «Появление стиля Ампир не было переворотом в последовательном развитии французских стилей, а видоизменением все тех же классических элементов, которые были известны во Франции со времен Людовика XIV или даже Франциска I».

    Парадоксально, но Ампир, несмотря на свою нормативность и регламентированность, ограничивающую свободу мышления художника, был романтичен. Сам Наполеон восхищался «эпосом Оссиана» (стилизацией под шотландский эпос) наравне с Гомером. А картина Жерара «Оссиан, вызывающий призраков» (1801), исполненная по заказу Наполеона для дворца Мальмезон, вызвала шумный успех в Париже. После Египетского похода Наполеона (1798-1799), как бы вопреки его полному провалу, в Париже распространилась мода на «египетский стиль ».

    В 1802-1813 гг. осуществлялось грандиозное 24-томное издание «Путешествие по Верхнему и Нижнему Египту» с гравюрами по рисункам, исполненным во время похода бароном Д.-В. Деноном. В 1809-1813 гг. вышло столь же грандиозное «Описание Египта» Ф. Жомара, также иллюстрированное рисунками Денона.

    Эти иллюстрации вместе с «образцовыми проектами» Персье и Фонтена стали главным пособием для многих рисовальщиков-декораторов, орнаменталистов, лепщиков, резчиков, мебельщиков, ювелиров. Но основными декоративными мотивами стиля Ампир оставались все же атрибуты римской военной истории: легионерские знаки с орлами, связки копий, щитов и ликторских топоров. Любопытно, что вся эта мешанина из элементов римского и египетского искусства не переходила в открытую эклектику. Отчасти это объясняется тем, что еще в период древнеримской империи произведения искусства Египта вместе с древними культами Исиды и Гора попадали в Рим.

    В начале XIX столетия эта связь стала еще более прочной и идейно обоснованной, поскольку формы искусства египетской империи времени Рамзесов и древнеримских императоров соединились в художественных амбициях французского узурпатора. Они сосуществовали целостно и органично в едином «пространстве» романтического мышления. Стиль Ампир во Франции начала XIX в. своеобразно продолжает традиции художественного романтизма, начинавшегося еще в середине предыдущего столетия неоготикой в Англии. Ампир продолжил обращение к истории, углубление в прошлое — не только в античность, но и в Древний Египет. Однако с методологической стороны Ампир нормативен и, следовательно, неромантичен. Поэтому эволюция художественных стилей в искусстве Франции — от Рококо, через , к Ампиру, слишком напоминает, как бы в обратном порядке, развитие, которое происходило в Италии XVI столетия: от Классицизма эпохи Возрождения к и Барокко. Характерное для Ампира сочетание «римских» и «египетских» мотивов, красного дерева и золоченой бронзы, а также бронзы патинированной, матово-черной, ассоциирующейся с базальтами Египта, можно видеть в произведениях прославленного парижского бронзовщика П.-Ф. Томира и его мастерской. С 1805 г. Томир был «придворным чеканщиком» Бонапарта, он изготавливал бронзовые детали мебели, светильники — бра, канделябры, треножники, вазы и корпуса часов.

    Во всех изделиях явственны отличия ампирной декорации от подлинного Классицизма. В классицистическом стиле объемная форма и декор связаны пластично, подвижно; они переходят друг в друга, меняя взаимное расположение и функции в общей композиции. В стиле Ампир композиция строится на контрасте чистого поля поверхности стены, мебели, сосуда и узких орнаментальных поясов, в строго отведенных местах, как правило, подчеркивающих конструктивные узлы и членения формы. Это противопоставление дополнительно усиливается необычной плотностью орнамента и контрастами цвета.

    Для Классицизма типичны мягкие и сложные красочные гармонии, для Ампира — яркие, режущие глаз красный, синий, белый — цвета наполеоновского флага. Стены затягивались ярким шелком, в орнаментах — круги, овалы, ромбы, пышные бордюры из дубовых ветвей, наполеоновские пчелы и звезды из золотой и серебряной парчи на алом, малиновом, синем или зеленом фоне.

    Таким образом, основными категориями формообразования в искусстве стиля Ампир стали историзм, нормативность, рационализм, декоративность, тектоничность, в поздних формах — открытый эклектизм. В знаменитом парижском особняке, построенном в 1804-1806 гг., для пасынка Наполеона, принца Е. Богарнэ и его сестры Гортензии, интерьеры оформлены в самых разных стилях, там соединяются «помпеянские», египетские, римские и даже «турецкие» мотивы, что создает общий «сибаритский характер ампирного интерьера». Возможно, именно эти разрушительные тенденции, независимо от политического поражения Наполеона, послужили причиной столь скорого перерождения Ампира в «стиль Карла X», открывший период собственно Историзма как эпохи «воссозданий».

    История стиля

    Хронологические рамки оригинального французского «Стиля Империи» узки, — они ограничены, с одной стороны, концом правления Директории (1799) или годом коронации Наполеона (1804), а с другой — началом реставрации Бурбонов (1814-1815). Тем не менее, в столь краткий исторический период французский неоклассицизм, выросший на естественном интересе к античности и усиленный идеями Просвещения, успел переродиться в холодный, помпезный, напыщенный, искусственно насаждаемый императорской властью стиль. Его основные элементы, почерпнутые из античного искусства, уже содержались в Классицизме «стиля Людовика XVI» и были кристаллизованы, в «стиле Директории».

    Развитие в разных странах

    Характерна еще одна особенность Ампира: присущая ему регламентированность почти полностью исключила возникновение региональных течений и школ. Именно поэтому Ампиром правильно называть только искусство Франции начала XIX в., но в своей сути, Ампир не национален, а космополитичен (не интернационален, как, к примеру, Готика, а непримирим к народным традициям). Являясь выражением имперских притязаний Наполеона Бонапарта на мировое господство, этот стиль насильственно насаждался на чуждую ему почву завоеванных стран. Примечательно, что ни одна из побежденных Наполеоном стран, по существу, не приняла этого стиля. В Германии и Австрии своеобразной художественной оппозицией наполеоновскому нашествию стал стиль Бидермайер, хотя в нем отчасти и использовались ампирные формы.


    И только одна страна-победительница — Россия добровольно приняла «стиль Империи». На это были и свои внутренние причины: Россия становилась могущественной империей. Еще до начала Отечественной войны 1812 г. архитекторы Персье и Фонтен, с разрешения Наполеона, через французского посла в Петербурге, посылали российскому императору Александру I альбомы с видами «всего замечательного, что строилось в Париже». Русская аристократия подражала нравам парижских салонов. Сам Наполеон присылал Александру описания своего итальянского и египетского походов с гравюрами. Эти отношения были прерваны войной. Но уже в 1814 г. в Париже император Александр встретился с П. Фонтеном и, еще до вторичного вступления союзных армий, получил тринадцать альбомов с рисунками пером и акварелью — проектами оформления интерьеров и мебели. Эти альбомы сыграли существенную роль в распространении стиля «русского (петербургского) ампира». Во Франции они были опубликованы только в 1892 г. Персье и Фонтен, после поражения французской Империи, и сами стремились на русскую службу, но Александр предпочел им О. Монферрана, тогда никому неизвестного, будущего создателя грандиозного Исаакиевского собора в Петербурге.


    Таким образом, в Европе сложились две разновидности Ампира: французский и русский . «Русский ампир» (это определение правильней брать в кавычки) был мягче, свободнее, пластичнее французского. Он делится на две ветви: столичную и провинциальную. Создателем стиля петербургского ампира считается «русский итальянец» К. Росси, он и смягчил своим русско-итальянским вкусом излишнюю жесткость наполеоновского стиля, отчего этот стиль называют «итальянизирующим классицизмом». Другим видным архитектором этого же стиля был В. Стасов. Стиль итальянизирующего ампира в архитектуре Петербурга 1820-1830-х гг. следует отличать от более раннего стиля периода александровского классицизма, ориентированного на греческую архаику и французский Неоклассицизм 1760-х гг. Провинциальный «московский ампир» и стиль подмосковных дворянских усадеб отличался еще большим своеобразием, поэтому правильнее его называть не ампиром, а московским классицизмом. Последнюю фазу развития петербургского классицизма 1830-1840-х гг., в период царствования Николая I, иногда именуют «николаевским ампиром».

    В Англии стиль Ампир также не получил широкого распространения. «Английским ампиром» иногда условно называют «стиль Георга IV» (1820-1830), наступивший после «английского стиля регентства», или «ридженси». Временем второго «Британского ампира» считается викторианская эпоха 1830-1890-х гг.


    Другое, более редкое название Ампира — неоримский стиль. В период Второй Империи во Франции, годы правления императора Наполеона III (1852-1870), получил развитие помпезный и эклектичный стиль, несколько иронично называемый Вторым Ампиром. Династия Бонапартов сохранила свою эмблему — золотые пчелы на синем фоне (в отличие от лилий Бурбонов), они использовались художниками Ампира как декоративный мотив, но имели не римское и не египетское, а франкское происхождение, и восходили к эпохе Меровингов.

    Видные представители

    Примечательно и то, что ведущая роль в формировании нового стиля принадлежала не архитектору, как обычно, а живописцу Жаку-Луи Давиду . Еще накануне революции этот художник в картинах «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789) прославлял героические эпизоды из истории республиканского Рима, по мотивам книг Тита Ливия. Для работы над этими картинами, Давид заказал известному парижскому мебельщику Ж. Жакобу предметы обстановки по собственным рисункам, сделанным им с этрусских, как их тогда называли, ваз, найденных в раскопках Геркуланума и Помпеи в Италии. Давид участвовал в первой французской революции, затем, пережив тяжелый кризис, стал прославлять императора Наполеона так же, как до этого — идеалы свободы римской республики. Про художника говорили тогда, что в поисках своего героя он «сменил Цезаря на Брута». Слава превратила его в первого живописца Империи. Давид разрабатывал эскизы мебели, оформления интерьера, диктовал моду в одежде. В 1800 году он написал портрет знаменитой парижской красавицы мадам Рекамье в тунике на античный манер, возлежащей на кушетке с плавно изогнутым изголовьем, выполненной Жакобом, и стоящим рядом торшером в «помпеянском стиле». С легкой руки Давида эта картина положила начало моде на стиль «рекамье». В 1802 году похожий портрет мадам Рекамье, как бы соревнуясь с Давидом, написал его ученик Ф. Жерар.

    Но сам император желал больше пышности и великолепия. Его придворными архитекторами стали Ш. Персье и П. Фонтен , ранее, в 1786-1792 гг., учившиеся в Италии, в Риме. Во Франции они оформляли интерьеры дворцов Мальмезон, Фонтенбло, Компьен, Лувр, Медон, Сен-Клу, Версаль, Тюильри, построили Триумфальную арку на площади Карусель в Париже, наподобие древнеримских.

    В 1806-1836 гг. еще одна Триумфальная арка была возведена по проекту Ж.-Ф. Шальгрена . Скульптор А.-Д. Шодэ водрузил статую Бонапарта в образе Цезаря в римской тоге на вершину Вандомской колонны, другую статую, также работы Шодэ, император вез в обозе в Москву, чтобы установить ее в покоренном городе.

    Примечательно, что в стиле Ампир было создано относительно мало выдающихся произведений архитектуры, скульптуры и живописи. Исследователь архитектуры И. Грабарь отмечал, что Персье и Фонтен были слабыми архитекторами: «педантичными компиляторами, довольно надоедливыми, скучными и даже не слишком изобретательными в своих орнаментальных разводах». Но, вероятно, столь резкая оценка Грабаря объясняется не столько скудностью таланта этих мастеров, сколько ограниченностью стиля. Примитивность содержания и жесткость идеологических установлений сделали Ампир не художественным стилем в полном смысле этого слова, а стилем декорации и даже поверхностного камуфляжа.

    В своей угодливости придворные декораторы Наполеона доходили до абсурда. Так спальня императрицы Жозефины во дворце Мальмезон была превращена в некое подобие походной палатки римского центуриона, а одетые в «римские туники» женщины мерзли от холода в плохо отапливаемых парижских Салонах и в заснеженном Петербурге, во всем подражавшем французской столице. Воистину, говоря словами самого Наполеона, «от великого до смешного один шаг».

    В 1812 г. вышло в свет грандиозное издание «Собрание эскизов для украшения интерьера и всех видов обстановки». Авторами были Персье и Фонтен. В комментариях к своим проектам они подчеркивали «возможность использования самых разных стилей всех времен и народов», но на первом месте следовало ставить «величественный стиль римлян». Это уже была декларация эклектики. Не случайно парижский декоратор этого же времени Ж. Зюбер прославился обоями, имитировавшими деревянную обшивку стен в неоготическом стиле «трубадур». А его конкурент Ж. Дюфур выпускал «картинные обои» на мифологические темы с «итальянскими пейзажами и античными фигурами».

    Родиной этого направления стала Франция, однако оно быстро распространилось в других государствах, в том числе и на территории России. Ампир в архитектуре России нашел свое отражение в лучших достопримечательностях того времени.

    Здания в стиле ампир в архитектуре России

    Ампир в России в 19 веке наиболее ярко проявил себя в архитектуре, и декоративно-прикладном искусстве столицы Российской империи. Ампир по праву называется «королевским» или «имперским» стилем, так как он был призван передать всю могущественность и величественность государства.

    Историки отмечают достаточно интересный факт: в России быстро и легко прижился стиль наполеоновской эпохи в стране, победившей Наполеона Бонапарта. Однако это обстоятельство можно легко объяснить, ведь известно, что в Российской империи была мода на все французское, при этом действительно выглядела роскошно и шикарно.

    Стиль ампир в русской архитектуре стал известный благодаря императору Александру I. Правитель Российской империи очень часто приглашал в страну архитекторов-иностранцев. Архитектуру того времени нередко называют «александровским классицизмом». Специалисты говорят о том, что русский ампир имел существенные отличия от европейского.

    Они проявлялись, прежде всего, в том, что это направление в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве России известно применением классических ордерных систем. Главной характерной особенностью направления было сочетание геометрически правильных форм, а также гармоничное слияние торжественной приподнятости образов и сдержанной красоты лепнины, как основного элемента декора.

    Главная цель применения ампира в архитектуре России 19 века – отражение патриотизма страны, воинской славы и национального подъема. Исходя из этого, практически все сооружения в Российской империи того времени отличалась торжественностью, помпезностью и строгостью геометрических форм одновременно. Для русского ампира так же, как и для наполеоновского, характерным является использование изображений римских щитов, факелов, стрел, лавровых венков, львиных лап, орлов.

    Стиль условно делиться на две большие группы – (столичный) и (провинциальный). Здания в стиле ампир в России носили черты одного из этих двух разновидностей популярного направления в искусстве. Однако в процессе возведения сооружений государственного значения применялись исключительно элементы столичного ампира.

    Архитекторы – представители стиля русский ампир

    В развитии ампирного искусства в России большую роль сыграли несколько талантливых архитекторов одновременно. Андрей Никифорович Воронихин – один из выдающихся архитекторов, основоположников русского ампира в Российской империи. Он разрабатывал не только проекты зданий, но и продумывал до мелочей декор интерьера, мебели и даже подбирал осветительные устройства, добиваясь цельности образа.

    Главными работами мастера в период активного развития русского ампира стали Казанский собор и Горный институт.

    Особый интерес для истории архитектуры представляет собой Казанский собор, здание которого возводилось по проекту собора Святого Петра в Риме с куполом Микеланджело и колоннадой Бернини.

    Известны и другие архитекторы русского ампира, которые подарили государству уникальные памятники декоративно-прикладного искусства. Карло Антонио де Росси – знаменитый российский архитектор, имеющий итальянское происхождение. Мастер смог в своих работах максимально точно передать триумфальный, державный настрой империи.

    Первым проектом Карло де Росси стала парадная набережная от Зимнего дворца до Сенатской площади.

    Также под руководством этого архитектора были возведены такие архитектурные памятники в стиле ампир, как дворец императрицы Марии Федоровны на Елагином острове, ансамбль Дворцовой площади, Синода.

    Стиль ампир в архитектуре России ярко проявился в таком сооружении, как Александровская колонна. Над ее созданием работал архитектор О. Монферран по замыслу К. Росси.

    Еще одним не менее знаменитым архитектором, представителем русского ампира, является Василий Петрович Стасов. Он стал автором гвардейских соборов – Спасо-Преображенского и Свято-Троицкого.

    Кроме того, Стасову принадлежит работа над созданием двух Триумфальных ворот в Петербурге.

    К числу архитектурных памятников ампирной эпохи в России принадлежит Исаакиевский кафедральный собор. Для его возведения императором Александром I был приглашен архитектор из Франции Огюст Монферран. Впоследствии он стал одним из основоположников русского ампира на территории России.

    В XIX веке в Российской империи были известны и другие талантливые архитекторы. Это такие мастера, как Доменико Жилярди, Андрей Захаров, Осип Бове, а также скульпторы Феодосий Щедрин и Иван Мартос.

    Стиль ампир в Москве, который применялся при возведении сооружений государственного значения, имел черты архитектурных образцов античности. Архитекторы использовали монументальные массивные портики, сочетание геометрических форм с военной атрибутикой.

    Здания в стиле ампир в Москве

    Старое здание Университета является воплощением ампирного стиля в Москве. Изначально сооружение было возведено архитектором Казаковым согласно . Для московского ампира свойственной является холодность и суровость одновременно с роскошью и помпезностью. Здание Университета было возобновлено архитектором Джилярди, который выдержал его в том же стиле.

    Полукруглый зал Университета отличается прекрасной ампирной росписью и наличием изящной белой колоннады, поддерживающей балкон.

    Первым архитектором, который возводил архитектурные памятники в стиле ампир в Москве, был Бове. Его лучшей постройкой того величественного периода считается особняк Гагарина.

    Известным произведением архитектурного искусства в Москве этого периода также является Усадьба Найденова, построенная архитекторами Джилярди и Григорьевым. Постройка представляет собой дом с изящным ионическим портиком, монументальной лестницей, ведущей из сада на второй этаж.

    На территории усадьбы также есть павильоны и беседки, так же выдержаны в ампирном стиле. Залы главного здания усадьбы украшены ампирной росписью.

    Провиантские склады – выдающиеся архитектурные памятники в Москве стиля ампир.

    Последним примером ампира стала университетская церковь, возведена под руководством архитектора Тюрина.

    Стиль ампир в Москве: Триумфальные ворота и Храм Святого Людовика

    Триумфальные ворота в Москве в стиле ампир были возведены на площади Тверская Застава в честь победы русского народа в Отечественной войне 1812 года. Над проектом работал один из лучших архитекторов того времени – Бове.

    Копия этих ампирных ворот была возведена по проекту Либсона на Кутузовском проспекте. Этот памятник является первым и единственным сооружением арочного типа в Москве, выполненным в традициях ампире.

    Храм Святого Людовика в Москве является результатом работы архитектора Алессандро Жилярди и представляет собой яркий пример ампирного стиля. Здание храма является отражением греческой и римской мифологии, философских идей и художественного языка того времени. Архитектор взял за основу образ древнегреческого храма – круглой или прямоугольной постройки, окруженной колоннами.

    Несмотря на всю помпезность архитектурных сооружений того времени, в том числе и храмов, они отличались простотой и лаконичностью форм. Симметрия и строгость декоративного убранства – обязательные критерии, которым должен соответствовать ампирный храм.

    В первой четверти девятнадцатого века на смену классицизму пришло новое направление в искусстве и зодчестве — ампир. В архитектуре стала появляться характерная для него атрибутика — монументальная массивность с изысканными декоративными элементами. Стиль ампир возник во время правления Наполеона. Хотя некоторые считают это направление в искусстве и зодчестве узким и ограниченным, оно, тем не менее, опиралось на художественное наследие греческого архаизма и императорского Рима, черпая оттуда мощь и величие вычурных, но красивых элементов, тогда как его предшественник — классицизм — был ориентирован, в основном, на мягкие и гармоничные элементы.

    Происхождение стиля

    Ампир в архитектуре — это массивные портики с колоннами, многочисленная военная символика — лавровые венки, доспехи, орлы и т. д. Все эти элементы влияли не на чувства, а скорее, на гражданскую позицию людей. Именно это и проявлялось в торжественности и парадности дворцовых интерьеров, созданных Фонтеном и Персье.

    После в стиль ампир в архитектуре начали вноситься нерасчленённые плоскости стен и пилонов, стилизованные сфинксы. Для этого времени характерной чертой являлось то, что египетские традиции сочетались достаточно органично с римскими, не переходя до определенных пор в эклектику. Историзм — другая характерная черта, отличающая стиль ампир в архитектуре, которая подчеркивала связь с величием древних императоров.

    Идеология стиля

    Жесткая идеологическая направленность ограничивала развитие стиля и стала причиной того, что многие государства не приняли его, поскольку «империализм» насильно стал насаждаться Наполеоном по ходу его завоеваний. Например, в Германии и Австрии развилось в те времена направление «бидермайер», отчасти использующее мотивы ампира, однако противопоставляющее себя ему. В Англии возник «стиль Георга IV», иногда называемый «английским имперским».

    Имперский стиль в России

    Единственной страной, в которой стиль ампир в архитектуре, да и не только в ней, получил развитие, была Россия. Объяснялось это тем, что ей удалось сломить могущество Наполеона, и поэтому здесь он обрел собственные характерные черты. Он был мягче и пластичнее. Родоначальником стиля ампир в архитектуре Санкт-Петербурга являлся К. Росси — русско-итальянский зодчий, сумевший сгладить его холодность и жесткость. Другим в этом направлении является В. Стасов. По мнению специалистов, особым своеобразием обладал «московский ампир» в стиле деревенских усадеб, который называют еще столичным классицизмом.

    Завершение эпохи классицизма

    Источниками для творческого вдохновения зодчих стали искусство Древней Греции в период архаики и Древнего Рима позднего периода империи в сочетании с культурой Этрурии, Древнего Египта и других цивилизаций. Пластические идеи древнеегипетского зодчества, нерасчленённые большие поверхности стен с массивными колоннами и пилонами, обеспечивающими четкость с геометрической правильностью цельных объемов и т. п. — все это отличало ампир. стала олицетворением лаконизма, монументальности и строгой уравновешенности и симметрии частей. Это время называют периодом утверждения воинской славы и имперского величия, реализуемого посредством многочисленных символов и знаков.
    В декоративном убранстве интерьеров и экстерьеров зданий, в мебели, а также в светильниках и посуде использовались в огромном количестве символы воинской славы и эмблематика, заимствованные из древнеримских декоративных средств в виде трофеев и лавровых венков, дикторских связок и орлов, факелов и часто повторяющейся буквы N.

    Такой экзотический декор только усиливал театральность в обстановке интерьера. Примеры ампира в архитектуре, по мнению специалистов, очень ярко характеризуют прямое заимствование некоторых типов и форм из предметного мира древности. К примеру, сооружались и соответствующим образом декорировались триумфальные арки и мемориальные обелиски.

    На смену изысканности и тонкости

    С наступлением эпохи ампира искусство делается более масштабным и монументальным. При этом на смену изысканной тонкости в стиле Людовика XVI приходит излишняя рассудочность с помпезностью и даже пафосом. В стремлении буржуазии, победившей и отказавшейся от «королевского» направления, в подражании быту или нравам древних римлян много было театрального или показного. В некоторых европейских странах аристократия с крупной буржуазией, для которых французский классицизм времен Людовика XVI еще недавно являлся образцом для подражания, начали откровенно следовать имперскому стилю.

    После революции в Париже вновь из разных мест собрались многочисленные художники и зодчие, которые предпочли работать в этой новой стилистике. Ампир в зданий которого не походили на более «собранный» классицизм, в отличие от предыдущих направлений, имел достаточно космополитический характер, исключающий в силу своей регламентированности создание местных школ. Однако это не помешало спустя некоторое время рождению российской разновидности этого стиля.

    Санкт-Петербург

    Это направление в 1810-1830 гг. начало проявляться в крупнейших градостроительных ансамблях. Примеры ампира в архитектуре Санкт-Петербурга — это известные Казанский собор и Спасо-Преображенский и Троицкий соборы, площадь Островского и Искусств. Над ними работали такие выдающиеся зодчие как К. И. Росси и A. Н. Воронихин, Ж. Б. Тома де Томон и В. П. Стасов и другие.

    Внешне русский ампир в архитектуре, примеры зданий которого буквально рассыпаны по всей северной столице, бросается в глаза прежде всего использованием классических ордерных систем, причём не только тосканских или дорических. Вслед за эпохой александровского классицизма появляется стремление к шику, парадности и монументальности, сочетающееся с мужественностью. Ампир в архитектуре, фото зданий которой свидетельствует о строгой симметричности и торжественности, наряду с лаконичностью своих форм изобилует и милитаристской символикой.

    Завершающий «аккорд» русского ампира

    Ампир в архитектуре, примеры зданий которого больше всего в России можно увидеть в Санкт-Петербурге, явно выражает настроения того времени. Апофеозом этого русского направления является кафедральный Исаакиевский собор. Он был построен в 1858 году по проекту О. Монферрана. В нем превалируют самые простые формы: куб с квадратом, треугольником, цилиндром и параболическим куполом, что, помимо большого размера, придало храму некую дополнительную монументальность и создало впечатление имперской вековой незыблемости. При строительстве собора использовались прогрессивные технические решения того времени: плитный сплошной ростверк, сделанный из чугунные ребра на куполах, колонны из гранитных цельных монолитов. Бросается в глаза и богатый наружный декор с красочными интерьерами.

    Закат «золотого века»

    Таким образом, эпоха стиля ампир в архитектуре Санкт-Петербурга, обрамленная сооружением двух наиболее грандиозных памятников — зданиями Казанского и Исаакиевского соборов, завершила тот этап в развитии города, когда было создано множество уникальных произведений зодчества. Однако если «золотой век» в русской литературе, живописи и музыке еще только начинался, то в русской архитектуре он близился к закату.

    Три храма, о которых я хочу вам рассказать, были возведены примерно в одно и тоже время, в 20-30 годах XIX века. Педанты, прочитавшие эту заметку, могут возразить, что речь здесь идет о четырех церквях. Однако мне кажется, что статистика — наука хитрая. Результат Будет зависеть от метода подсчета. Начну свой рассказ с храма, который мне определенно портит статистику.

    01. В селе Кашары Задонского района действительно стоят два отдельных храма, хотя издалека кажется, что храм один.

    02. Между двумя этими зданиями явно не достает связующего звена — трапезной. Трапезную никто не разрушал. Она просто не была построена. Не знаю, была ли она в первоначальном проекте.

    03. Сначала в 1822-1823 годах помещиком Кожиным И.А. была построена ротондоидальня церковь в честь Автонома, епископа Италийского.

    04. Церковь простояла почти сто лет и была закрыта в 30-х годах прошлого века. К 90-м годам была полностью заброшена и стояла с обвалившимся куполом. К настоящему времени практически полностью восстановлена. Храм знаменит своими фресками. По одной из версий эти фрески принадлежат кисти В. Васнецова. Фрески сильно пострадали в советское время. Нынешнее их состояние мне неизвестно.

    05. Спустя десять лет после строительства первого храма был построен второй храм в виде колокольни. Возможно, что строительству единого большого храма с трапезной помешали какие-то экономические причины. Церковь была освящена в честь Митрофана, епископа Воронежского.

    06. В приходе храмы использовались в разное время года. Большой ротондоидальный был летним, а в колокольне был оборудован храм для использования в зимнее время года. Митрофановская церковь повторила судьбу Автономовской — строительство, разрушение, восстановление.

    07. А теперь из Липецкой области перенесемся в Подмосковье. В Рузском районе Московской области в селе Архангельское сохранилась церковь, построенная по проекту знаменитого русского архитектора Осипа Ивановича Бове. Архитектура храма очень похожа на комплекс в Кашарах. Церковь — ротонда, колокольня — ампир.

    08. По своему происхождению архитектор О. И. Бове был немецко-итальянских кровей, а архитектором был русским. Построен храм Михаила Архангела в 1822 году, практически одновременно с Автономовской церковью в Кашарах. Эти две фотографии сделаны в 2007 году.

    09. В 2015 году мы вновь приехали в Архангельское и были приятно удивлены произошедшим за эти годы изменениями.

    10. Внешняя реставрация здания практически закончена, интерьер мы не видели. Все было закрыто.

    11. Необходимо еще провести некоторые работы по благоустройству территории, надеюсь, что это произойдет в скором времени.

    12. Еще один шедевр архитектора О. И. Бове в Балашихинском районе Московской области совсем рядом с Москвой. Церковь была построена в 1833 году. Снова — ротонда, колокольня и трапезная.

    13. Как и вышеупомянутые церкви, Покровская церковь в селе Пехра-Покровское — построена в XIX веке, разрушена в XX веке, восстановлена в XXI веке. Не исключаю, что в России существуют и другие храмы построенные на основе подобного архитектурного решения.

    К сожалению мы не были внутри ни одной из этих церквей.

    Приятных вам путешествий по родному краю.

    6.2 Классицизм: искусство Франции XYII в. | Искуству.ру

    Классици́зм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль в европейском искусстве XVII — XIX вв.
    Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

    КЛАССИЦИЗМ – «большой стиль Людовика XIV» во Франции
    Классицизм сложился в 17 веке во Франции, отразив подъем абсолютизма. Людовик XIV понимал всю важность искусства как способа пропаганды своего царственного величия.
    Этот стиль стал отражением известнейшего высказывания «короля-солнца»: «Государство – это я».

    Классицизм от слова классический, образцовый! Это когда люди снова признали в античном искусстве подлинное.
    В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с таковыми же в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства (Аристотель, Гораций).

    Архитектура

    Архитектуре классицизма присущи:
    четкость и геометризм форм,
    симметрично-осевые композиции,
    логичность планировки,
    сочетание стены с ордером и сдержанным декором.
    Главной чертой архитектуры классицизма было обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности.
    1. Площадь Вогезов (королевская площадь). Арх. К.Шантийон. Париж.
    2. Дворец Во-ле-Виконт. Арх. Л.Лево. Франция.
    3. Отель Субиз (Сюбиз).
    4. Луи Лево. Колледж четырех наций. Париж.


    5. Лувр (королевский дворец). Восточный фасад, так называемая «Колоннада Лувра». Арх. Л.Лево и К.Перро. 1667—73.
    Восточный фасад Лувра (иначе называемый Колоннадой) являет собой яркий образец французского классицизма. Воплощает строгость и торжественность, масштабность и предельную простоту.

    Жюль Ардуэн-Мансар родился в Париже 16 апреля 1646 г. Учился у своего двоюродного деда Франсуа Мансара. В 1675 г. Людовик XIV назначил Ардуэн-Мансара придворным архитектором. Первым заказом молодого зодчего стала перестройка замка Сен-Жермен-ан-Ле. С 1678 г. Ардуэн-Мансар руководит строительством дворцово-паркового ансамбля Версаля. Его авторству принадлежат: королевская капелла (1689—1710), южное (1682) и северное (1685) крылья королевского дворца, парковый фасад, ряд интерьеров (совместно с Ш. Лебреном), в т.ч. Зеркальная галерея с залами Мира и Войны (1678—86), дворец Большой Трианон (1687).
            Ардуэн-Мансар является автором планировки и застройки восьмигранной Вандомской площади (1685—1701), при строительстве которой был выработан широко распространившийся впоследствии тип фасада с арками на цокольном этаже, пилястрами большого ордера, объединяющими второй и третий этажи, и мансардным этажом под высокой крутой кровлей. Ему же принадлежит авторство еще одной парижской площади — площади Побед, круглой в плане, которая была задумана как триумфальная.
             Одна из крупнейших работ Ардуэн-Мансара — Собор Дома инвалидов в Париже (1680—1706), представляющий собой огромную купольную ротонду и считающийся одним из самых совершенных сооружений французского классицизма.
             Умер Ардуэн-Мансар в Марли близ Парижа 11 мая 1708 г.


    Собор Дома инвалидов в Париже . 1680—1706
    Высота 107 м
    Париж, Франция.
    Собор Дома инвалидов, представляющий собой огромную купольную ротонду, — одно из наиболее значительных монументальных сооружений XVII в. в Париже. Фасад собора — образец изящества и симметрии. Центральная часть фасада выступает вперед и акцентирована дорическими колоннами в первом ярусе и коринфскими во втором; по сторонам фасад украшен статуями Людовика IX Святого и Карла Великого работы Кусту и Куазевокса. Собор венчает 27-миметровый (в диаметре) купол, покоящийся на двухъярусном барабане, который оформлен парными колоннами на первом этаже и большими полукруглыми окнами на втором. Собор Дома инвалидов стал важной высотной точкой Парижа, его мощный купол, декорированный военными трофеями, значительно изменил панораму города.


    При короле Людовике XIV Версаль становится фактически столицей Франции. Дворцово-парковый ансамбль Версаля. 1661 – 1689.
    Арх. Л.Лево (1612—1670), А.Ленотр (1613—1700), Ф.Орбэ, Ж.А.Мансар (1646—1708).
    В результате грандиозной реконструкции королевский доворец превратился в великолепный дворцово-парковый ансамбль, который стал вершиной развития классицизма во французской архитектуре XVII в.
    Версальский комплекс — это грандиозная парадная резиденция французских королей, возведенная недалеко от Парижа (18 км).
    Для Версаля характерны:
    — строгость наружных форм
    — пышность интерьеров.


    Дворцово-парковый ансамбль Версаля. 1661—89.


    Большой дворец


    Дворцово-парковый ансамбль Версаля . 1661—89. Зеркальная галерея была возведена и декорирована архитектором Ж.А.Мансаром.
    Декоративные работы в Версале возглавлял Шарль Лебрен – первый живописец короля.


    Дворцово-парковый ансамбль Версаля . 1661—89. Фонтан Аполлона


    Вандомская площадь в Париже . 1685—1701.
    Небольшой замкнутый четырёхугольник площади со срезанными углами окружают административные здания с единой системой убранства. Такая замкнутость характерна для всех классицистических площадей XVII столетия. Первоначально в центре площади помещалась конная статуя Людовика XIV (в начале XIX в. её заменила триумфальная колонна в честь Наполеона I). При строительстве Вандомской площади Ардуэн-Мансар выработал широко распространившийся впоследствии тип фасада с арками на цокольном этаже, пилястрами большого ордера, объединяющими второй и третий этажи, и мансардным этажом под высокой крутой кровлей.

    Живопись

    Версальский двор видел в классицистической живописи идеальный художественный язык для восхваления абсолютистского государства «короля-солнца».
    Изобразительное искусство классицизма (живопись, скульптура) отличается:
    — логичным развертыванием сюжета,
    — ясностью, уравновешенностью композиции,
    — ведущей ролью плавного, обобщенного рисунка.

    Никола Пуссен (1593 — 1655), в своих живописных произведениях, преимущественно на темы античной древности и мифологии, давший непревзойдённые образцы геометрически точной композиции и продуманного соотношения цветовых групп.


    Танец под музыку времени. 1636.

    Клод Лоррен (1601 — 1682), в своих антикизированных пейзажах окрестностей «вечного города» упорядочивал картины природы путём гармонизации их светом заходящего солнца и введением своеобразных архитектурных кулис.

    18 век

    К середине 18 века при Людовике XV барокко истончилось в рококо, преимущественно камерный стиль с акцентом на отделке интерьеров и декоративно-прикладном искусстве.
    При Людовике XVI (1774-92) «благородный лаконизм» классицизма становится основным архитектурным направлением.

    В последней четверти 18 века возник так называемый «революционный классицизм», выразивший гражданские идеалы буржуазного Просвещения и буржуазно-революционные устремления.
    Художником французской революции называют Жака Луи Давида (1748 — 1825). Его предельно лаконичный и драматичный художественный язык с равным успехом служил пропаганде идеалов Французской революции («Смерть Марата») и Первой империи («Посвящение императора Наполеона I»).


    В конце 18 – начале 19 вв. ведущим художественным стилем во Франции был классицизм.
    ЖАК ЛУИ ДАВИД, (1748–1825) — французский живописец; основоположник французского неоклассицизма, великий художник французской революции. В 1775—1780 обучался во Французской академии в Риме, где изучал античное искусство и творчество мастеров эпохи Возрождения. В 1783 избран членом Академии живописи.
    Активно участвовал в революционном движении, в 1792 избран депутатом Национального Конвента, голосовал за смерть короля Людовика XVI. Примкнул к радикально-экстремистскому крылу революционеров во главе с Маратом и Робеспьером. Являлся членом Комитета общественной безопасности, в качестве которого подписывал приказы об аресте «врагов революции». В 1794 году после термидорианского переворота заключён в тюрьму за революционные взгляды. В 1797 стал свидетелем торжественного въезда в Париж Наполеона и с тех пор становится его пылким сторонником.
    После поражения Бонапарта при Ватерлоо (1815) бежит в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни. Похоронен на кладбище святой Гудулы в Брюсселе.


    Давид. Портреты г-на Пекуль (тесть). 1784


    Давид. Портреты г-жи Пекуль. 1784

    Темой героического подвига, гражданского мужества в исторических картинах:

    Давид. Велизарий, просящий подаяние у ворот Константинополя, узнан воином, служившим под его началом. 1781


    Клятва Горациев. 1784.


    Давид. Брут. 1789


    Давид. Портрет госпожи Трюден. 1792

    Глубокий реализм образов созданных в годы революции:


    Давид. Клятва в Зале для игры в мяч. Сепия


    Давид. Сохранившийся фрагмент холста «Клятвы в зале для игры в мяч»
    Давид. Смерть Марата (Марат при последнем дыхании).
    Июль-Сентябрь 1793. глубокий реализм.

    Творчество в период правления Напалеона Бонопарта:


    Давид. Портрет г-жи Рекамье. 1800-01


    Давид. Портрет Бонапарта. Этюд


    Давид. Бонапарт на перевале Сен-Бернар. 1801


    Давид. Коронация императрицы Жозефины. 1805-08


    Давид. Наполеон в своем кабинете. 1810

    Большой театр в разных архитектурных стилях. Инфографика | Инфографика | Вопрос-Ответ

    В первый понедельник октября ежегодно отмечается Всемирный день архитектуры. Разобраться во всех этих барокко, рококо и конструктивизме могут лишь профессионалы, которые, впрочем, также могут иногда допускать ошибки. В рамках борьбы за ликвидацию архитектурной безграмотности АиФ.ru подготовил специальную инфографику-памятку, которая позволит вам всего за пару минут разобраться во всём многообразии основных стилей. 

     

    Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — стиль в европейской культуре XVII–XIX вв. Главная особенность — обращение к формам античного зодчества как к эталону гармонии, простоты, строгости, логической ясности и монументальности. 

    Примеры зданий: Большой театр в Москве, Дом Пашкова в Москве, Пантеон в Париже.

    Апмир (от фр. empire — имперский ) — стиль, возникший во Франции в период правления императора Наполеона. Главная особенность — обязательное наличие колонн, лепных карнизов и других элементов, присущих классицизму, но при этом также мотивов, репродуцирующих такие античные образы, как грифоны, сфинксы, львиные лапы и тому подобные конструкции.

    Примеры зданий: Казанский собор в Санкт-Петербурге, Триумфальные ворота в Москве, Арка Каррузель в Париже.

    Барокко (от итал. barocco — причудливый, странный) — стиль, возникший в Европе в XVII–XVIII веках, в эпоху Позднего Возрождения. Главная особенность — отсутствие строгости, прямых линий и следования античным канонам. При этом в зданиях этого стиля можно увидеть пышность форм и множество золотых красок.

    Примеры зданий: Карло Мадерна Церковь Святой Сусанны в Риме, замок Версаль в Париже.

    Рококо (от фр. rocaille — дробленый камень) — стиль, возникший во Франции в первой половине XVIII века как развитие барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии и личному комфорту.

    Примеры зданий: Китайский дворец в Ораниенбауме (пригород Санкт-Петербурга), базилика Фирценхайлиген в Бад-Штаффельштайне (Германия), Китайский домик в Потсдаме (Германия).

    Псевдорусский стиль — стиль в русской архитектуре XIX — начала XX веков. Представляет собой стилизацию древних русских построек, но при этом с элементами классицизма или ампира. 

    Примеры зданий: ГУМ в Москве, Храм Христа Спасителя в Москве, Николо-Александровский храм в Санкт-Петербурге.

    Готика — стиль, возникший в западной Европе в конце XII — начале XVI века. Главная особенность — острые формы, шпили, возможны круглые окна и квадратные башни. 

    Примеры зданий: Реймсский собор во Франции, Собор в Уэллсе, Собор Святого Вита в Праге.

    Модерн (от фр. moderne — современный) — стиль, получивший распространение в последней декаде XIX — начале XX века, до начала Первой мировой войны. Модерн отличает отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» очертаний, а также использование «новых» материалов, таких как металл и стекло.

    Примеры зданий: Ярославский вокзал в Москве, ЦУМ в Москве, Obecný dum в Праге, дом С. М. Грибушина в Перми.

    Модернизм (от итал. modernismo — современное течение) — стиль, получивший своё развитие в архитектуре с начала 1920-х годов и по 1970-е—1980-е годы. Его основные принципы: использование самых современных строительных материалов и конструкций, рациональный подход к решению внутренних пространств, отсутствие тенденций «украшательства» и отказ от исторических образов в облике сооружений.

    Примеры зданий: музей современного искусства в бразильском Нитерое, здание Баухауз в Дессау (Германия).

    Конструктивизм (от лат. constructio — построение) — стиль, получивший развитие в 1920 — первой половине 1930 годов. Характеризуется строгостью, геометризмом, лаконичностью форм и монолитностью внешнего облика. 

    Примеры зданий: Дом Культуры ЗИЛ в Москве, Белая башня в Екатеринбурге, Здание Центросоюза в Москве.

    Деконструктивизм (от лат. deconstructio — антиконструктивный) — стиль, сформировавшийся в конце 1980-х годов. Является прямой противоположностью конструктивизму — в зданиях полностью отсутствует строгость и геометризм, для них характерны визуальная усложнённость, неожиданные изломанные и нарочито деструктивные формы. 

    Примеры зданий: Современное крыло королевской галереи Онтарио в Торонто, Танцующий дом в Праге.

    Хай-тек (от англ. high technology — высокие технологии) — стиль, зародившийся в 1970-х и нашедший широкое применение в 1980-х годах. Его основные черты это: использование высоких технологий в зданиях и сооружениях, широкое применение стекла, пластика и металла, а также наличие лифтов и лестниц, вынесенных наружу здания. Широко используется серебристо-металлический цвет.

    Примеры зданий: Башня Федерация в Москве (комплекс Москва-Сити), Башня Мэри-Экс в Лондоне, Центр Помпиду в Париже.

    Биотек (от англ. bionic tech — природные технологии) — стиль, возникший в 1980-х годах. Он, в противоположность хай-теку, обращается не к элементам конструктивизма и кубизма, а к природным формам. Пространство организуется в виде форм неживой природы (яйца, гнёзда, пещеры), здания повторяют формы животных, людей или их частей, а также используются материалы, текстура которых подобна природной — в виде пчелиных сот, пузырей, волокон, паутины, слоистых конструкций. 

    Примеры зданий: небоскрёб «Огурец» (арх. Норман Фостер) в Лондоне, художественный музей Милуоки (США), национальный космический центр Великобритании.

    Самые знаменитые современные небоскребы | Фотогалерея

    Самые знаменитые современные небоскребы | Фотогалерея

    Чем мы обязаны Наполеону: законы, армия, одеколон

    Как писать законы на века, а не законы-однодневки; как заложить базу воинской славы, да так, чтобы гордость не была показной; как создавать государственные памятники, которые не хотелось бы сразу же снести… О сегодняшнем наследии наполеоновской эпохи мы говорим с Евгением Понасенковым, автором двух монографий о Наполеоне Бонапарте.

    Кем был Наполеон Бонапарт? Диктатором, ввергнувшим пол-Европы в кровавые войны или просвещенным государственником? «Наполеон заложил базу новой Франции и новой Европы», – считает Евгений Понасенков.

    Центральное место в законодательном наследии Наполеона Бонапарта занимает Гражданский кодекс, документ, вырвавший Францию из феодальной эпохи и предопределивший ее республиканскую будущность. В чем значение этого документа?

    Евгений Понасенков: Человечество устроено так, что если что-то умное и адекватное происходит в одной части или в одной стране, то все остальное человечество постепенно подтягивается. Наполеон — гений, который подарил нам те комфортные моменты жизни, в которых мы сегодня обитаем.

    Евгений Понасенков: Чем мы обязаны Наполеону

    Чтобы создать что-то на века, нужно брать что-то из веков. Наполеон был невероятно интеллектуальным человеком. Пока он был нищий офицерик — даже не офицер — он изучал историю права, государства, языки — латынь и греческий. И когда он стал консулом — даже не стал, он к этому шел — он был готов исторически. Он думал о том, чтобы остаться в истории, поэтому он создавал красивые вещи. Гражданский кодекс — это красивая вещь. Не только стиль ампир, который нам подарил Наполеон, но и Гражданский кодекс — это часть ампира, часть классицизма. Что такое классицизм? Это все для личности, для человека. Это логика и красивая четкая структура — как Триумфальная арка, как улица Риволи.

    RFI: Вы сказали о гении Наполеона как полководца. Действительно, он прошел все этапы: от артиллериста, он знал математику, языки. Всегда следил за развитием науки…

    Всегда общался с учеными, был членом Института Франции. Наполеон был одержим идеей мысли, изучения чего-то нового. Это был интеллектуал в прямом смысле этого слова. Возможно, среди монархов так, по серьезному, это первый интеллектуал.

    Этот человек интересовался всем в мире. В Эрфурте он захотел встретиться с Гете и вручил ему орден Почетного легиона. Гете на всю жизнь сохранил благоговение перед императором. Если вы почитаете знаменитую книжку «Разговоры с Гете» (Иоганна Эккермана — прим. RFI), то, наверное, единственный политический деятель, о котором Гете хорошо, восторженно говорит, это именно Наполеон.

    Говорят, что он мог пленять и очаровывать великие умы…

    Большой политик обязан быть большим артистом. Артист — это врожденное, и безусловно, Наполеон обладал той, как сейчас говорят, харизмой. Он был действительно гением.

    Наполеон пришел в состояние страны уничтоженной, разрушенной. Не было ничего. Бюджета не было. На дорогах у нас гололедицы, у них — бандиты. Все. Самое главное — не было консенсуса в обществе, были роялисты, якобинцы, воры, просто те, кто наживались на страшной ситуации в стране и так далее. И Наполеон объединял общество идеями разума, логики, труда. Орден Почетного легиона был как раз той наградой, тем стимулом, который объединял нацию — и ученых, и военных, и общественных и политических деятелей, и аристократов, и новую буржуазию, и людей из самых низов, если они имели заслуги.

    С именем Наполеона связано то, что мы сегодня можем назвать тяжелой французской бюрократией — огромное количество различных учреждений, подкомиссий…

    При революции госаппарат был больше, чем при Людовике (XVI — прим. RFI). В революцию власть начала бюрократизироваться в центре. Наполеон, наоборот, все систематизировал, убрал лишнее. Один факт, который разрушит миф о бюрократии при Наполеоне: он лично проверял все счета империи, находил, где воруют по два франка, и возвращал их в казну.

    Это систематизация, желание дать какие-то точки отсчета…

    Разметка улиц. Вы бы тогда не нашли дом так легко, как сейчас, потому что никому в голову не приходило до такого страшного диктатора, как Наполеон, что по одной стороне — четные номера, по другой — нечетные. Наполеон приехал в Венецию на день и понял, что нужно кладбище вынести из города, где постоянно, когда высокая вода, распространялись болезни. То есть где бы Наполеон не появлялся, он везде вносил разум.

    Еще один нюанс: легенда про одеколон 4711. Говорят, что когда войска Наполеона прибыли в Кельн, в Кельне тоже не было номеров на домах, и французы, когда встали там на постой, ничего не могли найти. И тогда Наполеон приказал дома пронумеровать, и так случилось, что якобы номер дома, где делали кельнскую воду, был 4711.

    Это красивый миф, который сегодня стал метрическим фактом. Наполеон был самым чистым, самым мытым монархом того времени. Он постоянно принимал ванны. Он был ненормален до уровня жителя Древнего Рима. Ежедневно принимал несколько ванн по нескольку часов — он там мог работать: диктовать, читать, писать, а после этого растирался кельнской водой, одеколоном.

    Наверное, в походах гигиена и санитария оставляли желать лучшего. В одеколоне все же есть спирт, средство дезинфекции. Вся военная медицина, в частности хирургия, была тогда же и заложена его врачами.

    Да, барон Ларрей действительно внес такие большие нововведения в хирургию военного дела, что это можно назвать началом серьезной хирургии. Он придумал рессорированные носилки, невероятно продвинутые по инженерной концепции. Во-вторых, та скорость оказания помощи, оперативность, то, как орудовать инструментом, точность и формирование набора инструментов — конечно, это продвинуло всю врачебную деятельность. При Наполеоне появились консервы, получили распространение темные очки. Медицина улучшилась, ткацкий станок позволил получать необходимые вещи тем, кто раньше не мог себе этого позволить. То есть мы вступили в новую эпоху.

    В завершение можно сказать, что отделяет такого правителя как Наполеон, который все-таки был жестким и авторитарным…

    Здесь я поспорю. Все его проблемы и вся любовь, которую к нему испытывают люди на протяжение 200 лет, происходят от его мягкости — по отношению к семье, врагам, военным. Он не стал поднимать народное восстание в 1813–1815 годах, он всегда прощал врагов. Даже наполеоновские войны мы называем так потому, что он — самая яркая фигура. Но ведь весь этот цикл начался до него — антифранцузские коалиции с 1791–92 года, которые он просто унаследовал. Он не присоединял к себе побежденную Пруссию, побежденную Австрию, нет, это были минимальные пограничные приобретения.

    Многие властители с тех пор пытались действовать, пытаясь все контролировать и держать все в своих руках. Что отличает действительно талантливого Наполеона от тех, кто сегодня?

    Именно талантом. Он — талантлив, а они — нет.

    Редкий образец архитектуры второго ампира в Аризоне

    Эрик Вонди | Специально для Республики | azcentral.com

    В старом районе к западу от Капитолия штата расположен необычный дом, редкий образец Феникса 19 века.

    Он расположен в историческом районе Окленда, первоначально являвшемся районом рабочего класса, состоящим преимущественно из односемейных бунгало, построенных в 1910-х и 1920-х годах.

    Дом выделяется среди них тем, что представляет собой большое двухэтажное здание, похожее на более известные дома королевы Анны или викторианские дома.

    Он известен как «Дом судьи Твид» и является одним из немногих образцов архитектуры в стиле Второго ампира в штате.

    Чарльз Остин Твид родился в Массачусетсе в 1813 году, но приехал на запад во время Калифорнийской золотой лихорадки в 1849 году. Юрист по профессии, Твид основал практику в районе Сакраменто и провел в этом регионе большую часть следующих 20 лет, в том числе некоторое время в качестве сенатор штата Калифорния от округа Плейсер.

    В 1870 году Твид переехал в Прескотт, где был назначен помощником судьи территориального верховного суда Аризоны.

    Через несколько месяцев после основания округа Марикопа в 1871 году Твид переехал в Феникс и был повторно назначен судьей в 1874 году.

    В 1875 году он купил усадьбу площадью 160 акров к западу от города. Примерно в 1880 году, вероятно, используя материалы, привезенные с вокзала в Марикопа-Уэллс, Твид построил дом в стиле Второй Империи.

    Архитектурный стиль Второй империи был назван в честь Второй французской империи Наполеона III, племянника Наполеона Бонапарта. Наполеон III правил Францией с 1852 по 1870 год, когда Франция проиграла франко-прусскую войну.Вскоре после этого Франция была возвращена в состав республики.

    Архитектурный стиль приобрел популярность в 1865 году и оставался в моде до десяти лет после окончания правления Наполеона III. Мансардные крыши, отличающиеся крутыми сторонами и двускатным скатом, со слуховыми окнами — наиболее отличительная черта стиля Второй ампир.

    В 1886 году Твид разделил усадьбу площадью 160 акров, создав Homestead Place, также известную как Tweed’s Subdivision.

    Первый шериф округа Марикопа, Уильям Хэнкок, который обследовал первоначальный городок Финикса и был юридическим партнером Твида, обследовал участки для нового подразделения.Усадьба была разделена на четыре блока, в каждом из которых было восемь участков по пять акров. Он был снова разделен в 1909 году.

    После продолжительной болезни Твид умер в Сан-Франциско в 1887 году, куда он отправился на лечение.

    Некогда обычное дело в Фениксе, сегодня Дом судьи Твид — единственное сохранившееся здание Второй Империи и одно из четырех в штате.

    Один из трех можно найти в государственном парке Форт-Верде в Кэмп-Верде. Один из них — Ekey House в Ногалесе. Последний находится в форте Грант, который сейчас является тюрьмой.

    Судья Твид Хаус теперь принадлежит некоммерческой организации и расположен по адресу 1611 W. Fillmore.

    Эрик Вонди (Eric Vondy) является сотрудником программы поощрений за сохранение памятников в Государственном управлении по охране памятников старины штата Аризона.

    La Maison Manoir | Место в архитектуре

    La Maison Manoir ~ Его место в истории архитектуры

    Стиль дизайна постройки ~ «Вторая Французская Империя»

    Мансарда (построена в 1882 году).

    Луи-Наполеон Бонапарт (20 апреля 1808 — 9 января 1873) был первым президентом Французской республики и, как Наполеон III, правителем Второй Французской империи. Он был племянником и наследником Наполеона I. Избран президентом в ходе первого всенародного голосования во Франции в 1848 году, он инициировал государственный переворот в 1851 году, прежде чем вступить на престол как Наполеон III 2 декабря 1852 года, в сорок восьмую годовщину Наполеона. Я коронация. Он правил как император Франции до 4 сентября 1870 года. Он имеет честь быть и первым титульным президентом, и последним монархом Франции.

    La Maison Manoir , по структуре , в комплекте с характерной мансардной крышей и встроенными слуховыми окнами спереди и сзади, был построен, чтобы отразить буйный «стиль Парижа / Версаль», который, в Vogue , был принят состоятельные в то время показные владельцы недвижимости.
    Визуальный и осязаемый статус, отражающий силу и успех тех немногих, кто мог позволить себе такую ​​роскошь в своем сообществе. К 1900 году открыла декадентскую архитектуру , то есть нынешний Париж, после реконструкции стала и продолжает оставаться, как одна из самых прекрасных и романтических столиц, предметом зависти всего мира.
    Сегодня La Maison Manoir может похвастаться статусом побочного продукта возрождения Парижа Второй Французской Империи, который, хотя и не является Шато, по-прежнему занимает важное место в истории французской архитектуры. La Maison Manoir эстетически представляет «Величие» через относительно простой, но очень специфичный для эпохи дизайн.

    (Отличительная «мансардная крыша» и мансардные окна в La Maison Manoir)

    Реконструкция Парижа (1854-1870)

    Наполеон III начал свой режим с запуска серии огромных проектов общественных работ в Париже, наняв десятки тысяч рабочих для улучшения канализации, водоснабжения и движения транспорта в городе.Для решения этой задачи он назначил нового префекта Сены, Жоржа Юджина Османа, и дал ему исключительные полномочия по восстановлению центра города. Он установил большую карту Парижа в центре своего офиса и вместе с Османом спланировал новый Париж.
    Население Парижа с 1815 года увеличилось вдвое, без увеличения его площади. Чтобы приспособиться к растущему населению и тем, кто будет вынужден покинуть центр из-за новых бульваров и площадей, которые Наполеон III планировал построить, он издал указ об аннексии двенадцати окружающих коммун и увеличении числа коммун с двенадцати до двадцати, что увеличило город. до его современных границ.

    Почти два десятилетия правления Наполеона III и еще десять лет после него большая часть Парижа была огромной строительной площадкой. Чтобы подать в город пресную воду, его инженер-гидротехник Эжен Белгран построил новый акведук, доставляющий чистую воду из реки Ванн в Шампани, и новый огромный резервуар недалеко от будущего парка Монсури. Эти два предприятия увеличили водоснабжение Парижа с 87 000 до 400 000 кубометров воды в день. Он проложил сотни километров труб для распределения воды по всему городу и построил вторую сеть, используя менее чистую воду из Урка и Сены, чтобы мыть улицы и поливать новый парк и сады.Он полностью перестроил парижскую канализацию и проложил километры труб для распределения газа для тысяч новых уличных фонарей на улицах Парижа.

    Начиная с 1854 года, в центре города рабочие Османа снесли сотни старых зданий и вырезали восемьдесят километров новых проспектов, соединяющих центральные точки города. Здания вдоль этих проспектов должны были быть одинаковой высоты и в одинаковом стиле, а их облицовка была выполнена из камня кремового цвета, что создавало характерный вид парижских бульваров.

    Чтобы связать город с остальной частью Франции, Наполеон III построил две новые железнодорожные станции: Gare de Lyon (1855 г.) и Gare du Nord (1865 г.). Он завершил Les Halles, огромный рынок изделий из железа и стекла в центре города, и построил новую муниципальную больницу Hotel Dieu на месте рушащихся средневековых зданий на Иль-де-ла-Сите. Знаковой архитектурной достопримечательностью была Парижская опера, крупнейший театр в мире, спроектированный Шарлем Гарнье и венчающий центр нового Парижа Наполеона III.Когда императрица Евгения увидела модель оперного театра и спросила архитектора, что это за стиль, Гарнье ответил просто: «Наполеон Третий».

    Наполеон III также хотел построить новые парки и сады для отдыха и релаксации парижан, особенно в новых кварталах расширяющегося города.

    Новые парки Наполеона III были вдохновлены его воспоминаниями о парках в Лондоне, особенно о Гайд-парке, где он гулял и гулял в экипаже во время изгнания; но он хотел построить в гораздо большем масштабе.Работая с Османом и Жаном-Шарлем Альфаном, инженером, возглавлявшим новую Службу променадов и плантаций, он разработал план четырех крупных парков, расположенных по сторонам света вокруг города. Тысячи рабочих и садоводов начали рыть озера, строить каскады, сажать газоны, клумбы и деревья. строить шале и гроты. Наполеон III создал Булонский лес (1852–1858 гг.) К западу от Парижа: Венсенский лес (1860–1865 гг.) — к востоку; Парк Бют-Шомон (1865-1867) на севере и Парк Монсури (1865-1878) на юге.

    Помимо строительства четырех больших парков, Наполеон отремонтировал и заново застроил старые парки города, в том числе Парк Монсо, ранее принадлежавший семье Орлеанов, и Люксембургский сад. Он также создал около двадцати небольших парков и садов по соседству, как миниатюрные версии своих больших парков. Alphand назвал эти небольшие парки «зелеными и цветущими салонами». План Наполеона состоял в том, чтобы иметь по одному парку в каждом из восьмидесяти кварталов Парижа, чтобы никто не находился более чем в десяти минутах ходьбы от такого парка.Парки сразу же пользовались успехом у всех слоев парижан.

    Карманный план или футляр-карта Парижа, Франция 1860 г.: французского картографического издателя Андриво-Гужона.

    Покрывает центр Парижа, каким он был после исторического расширения города в 1860 году с 12 до 20 округов. Детализированы на уровне отдельных построек с укреплениями, дворцами, церквями, дорогами, железными дорогами, реками, лесами и садами. Показывает замысловатые лесные сады, окружающие Париж, в частности Булонский лес.

    Империя, построенная из железа. В эпоху технического прогресса… | Уильям Наттл | Париж Эйфеля — Путеводитель инженера

    «Железо, железо, только железо!» Это были инструкции, которые Луи Наполеон дал архитекторам, работающим над новым дизайном Les Halles, центрального рынка в Париже, и, таким образом, во Франции наступила эпоха модерна. Революция 1848 года положила конец монархии раз и навсегда и уступила место Второй империи Франции (1852–1870).Император Луи Наполеон стремился построить новую национальную идентичность, основанную на социальном прогрессе и мирном сотрудничестве в Европе, конечно, под его доброжелательным руководством. Проект Луи Наполеона по превращению Парижа из заросшего средневекового города в первый современный мегаполис ознаменовал начало новой эры в западной цивилизации. Это был триумф новаторства над традициями; восхищения будущим, а не почтением к прошлому. И в эпоху технического прогресса, когда французские инженеры стремились утвердить свое влияние во всем мире, Луи Наполеон намеревался построить будущее Франции с помощью железной архитектуры.

    В этом Луи Наполеон опирался на инициативы, выдвинутые его дядей Наполеоном Бонапартом, императором времен Первой империи (1804–1814). Под прагматическим руководством Бонапарта преобразование Парижа началось с создания новых рынков, мостов и каналов, а также улучшения основных улиц, водоснабжения и канализации. Наполеон Бонапарт беспокоился о том, чтобы Франция не отставала от Англии в области экономического развития. Англия рано захватила лидерство в производстве железа, поэтому Наполеон Бонапарт использовал любую возможность, чтобы способствовать модернизации металлургической промышленности и найти новые применения для железа.Во времена Первой Империи из железа были построены лишь несколько крупных сооружений. В то время железо было дорогим, а знания и опыт, необходимые для его использования, были ограничены. Тем не менее, железные конструкции, которые были построены, заложили основу для увеличения использования железа в первой половине 19 века.

    Несколько факторов способствовали появлению использования железа в качестве конструкционного материала. Сначала использование железа ограничивалось особыми приложениями в традиционных конструкциях из дерева, камня и камня, где требовались уникальные свойства материала железа.Каменную кладку в опорных колоннах заменили чугун, потому что его высокая прочность на сжатие означала, что колонны могли быть намного меньше и менее загромождены. Кованое железо было заменено деревом в ферм потолка и пола, потому что более высокая прочность железа на растяжение означала, что между вертикальными опорами можно было перекрыть более длинные пролеты. Устойчивость железа к огню также стала важным фактором, особенно после появления в начале 1800-х годов освещения и обогрева, производимого открытым пламенем, питаемым газом.Рост и инновации в чугунолитейном производстве увеличили предложение и снизили стоимость чугуна.

    Промышленное соперничество между Францией и Англией разыгралось на нескольких международных выставках. Каждая выставка приглашала нации со всего мира продемонстрировать свои лучшие произведения искусства и промышленности, и каждая из них планировала быть более зрелищной, чем предыдущая. Англия начала свое дело с впечатляющей Большой выставки 1851 года, которая проходила в Лондоне в специально построенном выставочном зале из стекла и железа, известном как Хрустальный дворец.Но французские инженеры доказали свое мастерство в искусстве строительства из железа на Всемирной выставке 1855 года и никогда не оглядывались назад.

    Французские инженеры в 19 веке были мировыми лидерами в разработке инновационных конструкций из чугуна и стали. Гюстав Эйфель, который был известен как «волшебник в железе» за свою работу над несколькими амбициозными железнодорожными мостами, объяснил преимущество французских инженеров тем, что они больше полагались на теоретический анализ и расчеты по сравнению с английскими и американскими инженерами.Кованое железо, производимое серийно, впервые предоставило инженерам материал, способный выдерживать большие силы растяжения в конструкции. Более теоретический подход французских инженеров позволил им изучить возможности, которые открывали уникальные свойства железа, чтобы продвинуть проектирование зданий за пределы того, что было сделано раньше. Результатом стало внезапное появление фантастических новых построек из железа и стекла.

    Традиционалисты выступали против использования железа, а затем стали при проектировании общественных зданий.Там, где использовалось железо или сталь, например, в стропильных фермах и опорных колоннах монументальных вокзалов и в новом оперном театре Пале Гарнье, традиционалисты настаивали на том, чтобы это было скрыто за декоративной каменной кладкой. Эстетика ценила классический дизайн, заимствованный из сохранившихся образцов древнегреческих и римских зданий, построенных из камня и кладки. Хотя они оценили конструктивные преимущества использования железа в основных несущих конструктивных элементах, архитекторы считали, что железо хуже с эстетической точки зрения.Традиционалисты пренебрежительно относились к зданиям, построенным в основном из железа и стали, как к «промышленной архитектуре».

    Однако популярная культура в Париже середины XIX века искала альтернативу традиционному классицизму. Промышленная революция выталкивала французское общество из хватки прошлого в будущее — при активной поддержке Второй империи Луи-Наполеона. Промышленная архитектура привлекала внимание молодых художников, которые были вдохновлены рисовать сцены из повседневной жизни, в том числе влияние индустриализации.Для нового поколения фантастические конструкции из железа и стали олицетворяли собой мастерство французских инженеров над невидимыми силами преобразования повседневной жизни.

    Архитектура Персье и Фонтен и борьба за суверенитет в революционной Франции

    Как официальные архитекторы Наполеона, Шарль Персье (1764–1838) и Пьер-Франсуа-Леонар Фонтен (1762–1853) проектировали интерьеры, отвечающие требованиям радикальные идеологии и коллективные формы разрушения, имевшие место во время Французской революции.Архитекторы визуализировали новые формы имперского суверенитета, инвертировав символы монархии и революции, построив конференц-залы, напоминающие военные лагеря, и позолоченные троны, которые заменили лилию Бурбона наполеоновскими пчелами. Однако после политической борьбы каждый камень в фундамент нового имперского режима, заложенный архитекторами, сопровождался осознанием случайного характера суверенной власти. Предлагая свежий взгляд на архитектуру, декоративное искусство и визуальную культуру революционной Франции, эта книга исследует, как желание Персье и Фонтена строить постоянные структуры и их непреднамеренное доверие к временным архитектурным формам сформировали новое понимание времени, памяти и современной политической жизни. идентичность во Франции.

    В комплекте:

    Введение: поиск революционной архитектуры в декоративном искусстве

    1. Призрачная дружба в конце старого режима
    Чистые листы и магия воды
    Ученики архитекторов
    Римская лихорадка
    Одиночные миссии
    Этрусская дружба

    2. Привод и остатки: создание революционного интерьера
    Рим à Rebours
    Постановка античности и строгости
    Революционные преобразования
    Искать, записывать, уничтожать
    Вечное возвращение роскоши

    3. Recueil de décorations intérieures : Обустройство нового порядка
    Paper Studios
    Методы меблировки
    Стратегии редактирования
    Потребление желаний
    Написание против моды
    Между линиями
    Стиль ампир

    4. Платиновый шкаф: роскошь во времена неопределенности
    Пастырское времяпрепровождение
    Неподкупная точность
    Быстрые времена в консульстве в Париже
    Сезон призраков

    5. Палатка и трон: архитектура в условиях чрезвычайного положения
    Après Coup
    Фантазии об идеальной вилле
    Постоянная работа в процессе
    Маленькие удовольствия
    Передвижной бивуак
    Политическое богословие
    Развод с прошлым

    Coda: революционное искупление

    Что такое здания Османа? История знаковой архитектуры Парижа

    Фотографии из ArtSyslik / Shutterstock

    Париж — один из самых пешеходных городов мира, поэтому прогулки по нему — идеальный способ познакомиться с жизнью французской столицы.Прогуливаясь по его улицам, вы встретите всевозможные привлекательные места, такие как всемирно известные входы в метро, ​​уникальные витрины и, возвышаясь над остальными, его исторические жилые дома Haussmann .

    Эти здания, спроектированные бароном Жоржем Эженом Османом как средство модернизации Парижа XIX века, с тех пор стали символом традиционного очарования города. Хотя любой посетитель самых оживленных бульваров Парижа обязательно заметит эти кремовые квартиры, многие, вероятно, не знают об их истории — и о спорном происхождении их теперь знаменитого наследия.

    Барон Осман и реконструкция Парижа

    Барон Жорж-Эжен Османн (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

    Жорж Эжен Осман родился в Париже в 1809 году. В возрасте 20 лет он вошел в сферу государственного управления, работая генеральным секретарем префектуры на юго-западе Франции. После этой роли он был назначен на ряд все более важных постов по всей стране.

    В 1848 году, когда Осман работал заместителем префекта другого юго-западного департамента, Луи-Наполеон Бонапарт стал президентом Франции.Следуя по стопам своего дяди Наполеона I, он в конечном итоге захватил власть, чтобы стать Императором. Во время его 18-летнего правления как Наполеон III , имя, которое он принял как верховный лидер, одно из его главных начинаний включало полную реконструкцию Парижа.

    К середине 19 века город больше не мог поддерживать здоровье, транспорт и жилье для растущего населения. Чтобы решить эту серьезную проблему, Наполеон III назначил Османа префектом Сены, что потребовало от него контроля над серией амбициозных проектов общественных работ.С 1853 по 1870 год Осман оснастил Париж новыми водопроводными и канализационными трубами, железнодорожными станциями и, что самое известное, сетью однородных бульваров и .

    Бульвары Парижа

    Камиль Писсарро, «Бульвар Монмартр», 1897 г. (Фото: Wikimedia Commons Public Domain)

    Осман был выбран Императором руководить проектированием и строительством этой сети бульваров. Наполеон III надеялся, что эти широкие открытые дороги будут « aérer, unifier, et embellir» («воздух, объединять и украшать») Париж, который по-прежнему в основном состоял из темных средневековых переулков и узких извилистых проходов.Осман был историческим, но решил снести многие из этих маленьких дорог, кульминацией чего стало спорное событие, которое в конечном итоге было описано как «потрошение старого Парижа».

    В 1859 году Осман завершил строительство трассы grande croisée de Paris , в рамках которой был построен крупный перекресток с центром города. Помимо модернизации улиц Риволи, Сен-Антуан, Страсбургского бульвара и бульвара Себастополь, которые и сегодня остаются широко используемыми транспортными артериями, строительство этого «большого креста» завершилось реконструкцией нескольких объектов в Париже.К ним относятся: Place du Carrousel, общественная площадь, примыкающая к Лувру; районы, окружающие Hôtel de Ville , Парижская ратуша; и Place du Châtelet, оживленной площади в центре этой новой оси.

    После постройки grande croisée de Paris , Осман продолжал строить бульвар за бульваром по всему Парижу. Помимо простора, есть архитектурный элемент, который делает бульвары Османа мгновенно узнаваемыми: их многоквартирные дома.

    Здания Османа

    Стоковые фотографии из Паскаль Гере / Shutterstock

    Чтобы выстроить свои бульвары, Осман спроектировал и разработал жилое пространство нового типа. В отличие от узких, несовместимых квартир средневекового Парижа, его современные многоквартирные дома будут иметь одинаковый экстерьер, завершающийся сплоченными блоками, которые еще больше подчеркнули идею Наполеона III об «едином» Париже.

    Характеристики

    Хотя интерьеры этих квартир могут отличаться от здания к зданию, Осман заявил, что их фасады должны соответствовать строгим требованиям.Все апартаменты построены из камня кремового цвета, среди которых наиболее распространен лютецианский известняк местного производства. Хотя их высота составляет от 12 до 20 метров (от 39 до 66 футов), каждое здание пропорционально бульвару и не превышает шести этажей. У них также есть крутые четырехсторонние мансардные крыши, наклоненные под углом 45 °. Наконец, фасады квартир стилистически схожи в общем поэтажном плане.

    Этаж за этажом

    Стоковые фотографии из sylv1rob1 / Shutterstock

    Хотя точные конструкции различаются, большинство зданий Османа имеют стандартную планировку:

    • Первый этаж с высокими потолками и толстыми стенами подходит для магазинов, офисов и других предприятий.
    • Первый этаж , известный как «антресоль», имеет низкие потолки и обычно используется предприятиями для хранения вещей.
    • Второй этаж , или «благородный этаж», традиционно является самой желанной квартирой в здании, поскольку требует кратчайшего подъема. На втором этаже длинный балкон и красиво оформленные оконные рамы.
    • Третий (а иногда четвертый и пятый этажи ) имеют меньшие балконы и менее сложные окна.
    • Чтобы придать зданию уравновешенность, на верхнем этаже также есть большой выходящий балкон. Однако, поскольку этот уровень не «благородный», балкон не украшен замысловато, а окна идентичны окнам на третьем и четвертом этажах.
    • Затем здание увенчивается мансардной крышей , в которой находятся небольшие чердачные помещения (традиционно используемые как помещения для прислуги) и слуховые окна.

    Наследие Османа

    Стоковые фотографии от jooh / Shutterstock

    В конце 1860-х годов — менее чем через десять лет после того, как он представил здание Османа, — Осман столкнулся с нарастающей критикой.Помимо жалоб на его полное пренебрежение к «старому Парижу», жителей беспокоила стоимость его проектов, которая в итоге составила 2,5 миллиарда франков. Также росли подозрения, что Наполеон III приказал большие бульвары не «проветрить, объединить и украсить» Париж, а чтобы разместить свою крупную армию.

    В первую очередь, как отмечает Османн в своих мемуарах, парижан беспокоила постоянная застройка города и тот факт, что Осману было позволено осуществить столь длительное мероприятие.«В глазах парижан, которые любят рутину в вещах, но изменчивы, когда дело касается людей, я совершил два великих зла: в течение семнадцати лет я нарушил их повседневные привычки, перевернув Париж с ног на голову, и им пришлось посмотри на то же лицо префекта в Hotel de Ville », — говорит он. «Это были две непростительные жалобы».

    Однако даже несмотря на такие противоречия, реконструкция Османа сразу же улучшила качество жизни города. Сегодня и Осман, и его проекты прославляются популярностью Boulevard Haussmann — знаменитой улицы, на которой расположены его культовые многоквартирные дома — навсегда закрепившего его наследие в камне.

    Статьи по теме:

    Бумажные здания Османа отражают очаровательные детали парижской архитектуры

    Загляните в самый старый шоколадный магазин Парижа

    Интервью: основатель MessyNessyChic объясняет, как посетить Париж, как местный житель, в новом «Путеводителе»

    Апартаменты Napoléon от FREAKS freearchitects

    Французская студия FREAKS freearchitects отремонтировала квартиру на улице Риволи в Париже, некогда принадлежавшей Наполеону I, поэтому архитекторы решили нарядиться в образ бывшего императора для фотосессии (+ слайд-шоу) .

    «Нам все больше и больше надоедают красивые кадры, где все так чисто, с идеальным стулом скандинавского дизайна, идеальной белой орхидеей, идеальным альбомом на столе», — сказал Dezeen партнер FREAKS Гийом Обри.

    В ходе работы над проектом архитекторы узнали, что Наполеон отвечал за строительство улицы и что, возможно, он жил в квартире, которую они ремонтировали.

    «Наполеон, предположительно, жил там, среди строительной бригады и нас шутили, — сказал Обри.«Вот почему мы втроем решили провести фотосессию в шляпах в стиле Наполеона».

    На фотографиях архитекторы изучают комнаты квартиры, которые включают в себя большие гостиные и столовые с новой кухней и ванной с одной стороны.

    В дополнение к существующей спальне, две детские комнаты добавлены в бывшую коммунальную зону, и каждая из них имеет антресольный этаж, на который ведет промышленная лестница.

    В парадных комнатах сохранена лепнина, но архитекторы добавили современные детали, такие как люминесцентные лампы и граненые кухонные гарнитуры.«Одно из основных вмешательств заключалось в открытии новой кухни в сторону столовой с одновременным использованием современного архитектурного языка», — заявили архитекторы.

    Ремонт не включал добавление мебели, поэтому на одной из фотографий архитекторы сидят на воображаемых стульях.

    Свободные архитекторы

    FREAKS часто используют игривый подход к своим проектам, и другие, которые мы представили, включают стрелки измерений, прикрепленные к фасаду штаб-квартиры французской коммунистической партии Оскара Нимейера, и магазин косметики с деревянным туннелем внутри.

    Подробнее об архитектуре и дизайне в Париже »

    Фотография сделана Дэвидом Фесселем. Собака — Мерлин (принадлежит фотографу).

    Вот описание из бесплатного архива FREAKS:


    FREAKS получила заказ на реконструкцию квартиры площадью 170 кв.м в центре Парижа, на улице Риволи. Рю де Риволи, которая идет от площади Согласия до площади Бастилии, была построена при Наполеоне I. Самая первая часть улицы, выходящая на сад Тюильри, была его собственностью, и он мог жить здесь или там, в одной из этих шикарных квартир.

    Было приказано превратить каюту с высоким потолком в семейную квартиру, включая две новые детские спальни в дополнение к родительской. Поэтому главной целью было создание новых связей через комнаты; некоторые двери были закрыты, некоторые — пробиты, чтобы избежать типичной тупиковой системы распределения. Служебные помещения на заднем дворе, в конце длинного и узкого коридора, были преобразованы в детскую зону, в которую можно попасть через служебную дверь, превратив эту часть в самостоятельное пространство внутри квартиры.В спальнях высокий потолок был использован за счет встраивания антресоли, на которую можно попасть по кринолиновой лестнице.

    Помещена новая кухня + санузел со стороны улицы. Большинство существующих молдингов окрашено в белый цвет. Только обновился очень милый будуар в венецианском стиле.

    Одно из основных вмешательств заключалось в открытии новой кухни в сторону столовой с одновременным использованием современного архитектурного языка в пространстве.Никакой мебели или декора не потребовалось, только дюжина промышленных водонепроницаемых неоновых ламп (Sammode) со специальной латунной облицовкой была использована на стенах столовой и бильярдной.

    Вверху: план этажа

    Вверху: длинный участок ванной комнаты и кухни

    Вверху: поперечный разрез кухни и гостиной

    Вверху: разрез детской спальни

    Милан: утраченное видение Наполеона

    С 1805 по 1814 год Наполеон Бонапарт, император Французской империи, выполнял вторую роль короля Италии.В то время как король Италии, он начал проект с архитектором Джованни Антолини, который превратит Милан в миниатюрный Париж. Некоторые здания элегантно украшают Милан; другие остаются потерянными эскизами и незаконченными планами.

    Чао! Я Селия. Я родом из Нью-Йорка, сейчас живу la dolce vita и стремлюсь прожить его в полной мере! Я надеюсь вдохновить вас исследовать Милан и озеро Комо, культуру, кухню и творчество.Не стесняйтесь просматривать блог или заказывать видеозвонок со мной . Я буду рад поделиться с вами своими инсайдерскими советами о Милане и озере Комо.

    Меня пригласил Guido Tour Sharing принять участие в дебютном туре What Milan is Made Of. Все мнения принадлежат мне, и на них никоим образом не повлияли. Guido Tour Sharing — это туристическая компания, которая позволяет посетителям экономить деньги, разделяя плату за тур. Это отличный способ познакомиться с культурным наследием Италии вместе с единомышленниками.Чем больше людей в группе, тем больше вы экономите.

    Из чего сделан Милан

    Экскурсию «Из чего сделан Милан» проводил Фабио Транчида, профессиональный гид, специализирующийся на архитектуре и музыке. Хотя фокус тура был основан на материалах, текстурах и архитектуре Милана, мне показалось наиболее интригующим то, что многое из того, что мы видели, было вдохновлено городским планом, который Наполеон Бонапарт поручил реализовать Джованни Антолини.

    Наш тур начался в замке Сфорца, где мы затем проложили путь через парк Семпионе к Арке Мира.



    Наполеон Бонапарт Король Италии

    Наполеон, король Италии Андреа Аппиани

    Без ведома многих, Наполеон Бонапарт был не только императором Франции, но и королем Италии; оба одновременно с 1805 по 1814 год.

    Начав свою карьеру в качестве артиллерийского офицера французской армии во время Французской революции (1789 г.), Наполеон Бонапарт стратегически продвинулся по служебной лестнице и в 24 года достиг звания генерала.Он был человеком боя, стратегического планирования и пропаганды. Историки критикуют и хвалят его за его наследие. Он грабил и грабил целые цивилизации, но он также установил стандарты права и образования, которых большинство современных обществ придерживаются и сегодня.

    Во время своего правления императором континентальной Европы в 1805 году он провозгласил себя королем Италии. Несмотря на то, что в Италии не было короля со времен средневековья, политики и знать того времени приняли его. Сложная церемония коронации состоялась 26 мая 1805 года в Миланском соборе Дуомо.

    Италия в то время была не полуостровом в форме сапога, который мы знаем сегодня, а только Ломбардией, Эмилией-Романьей и некоторыми частями Венето и Тосканы. Он стал известен как Цизальпийская республика.

    Милан был столицей Королевства Италия, а замок Сфорца 14 -го века был его военной базой и оплотом. К тому времени, когда Наполеон ввел свои войска, используя замок как казармы и госпиталь, он ранее был занят благородными семьями Висконти и Сфорца, а во время испанской оккупации он был преобразован в цитадель.

    Самая старая часть замка датируется 1360 годом, и некоторые из оригинальных кирпичных кладок можно увидеть рядом с башней Филарете, которая была перестроена в 1905 году.

    Планы миланского Парижа

    В 1801 году архитектору Джованни Антолини было поручено представить градостроительный проект, который должен был превратить Милан в маленький Париж. Он включал Пьяцца Кастелло, круглую площадь перед замком и Форо Бонапарт, кольцевую дорогу, окружающую замок, которая станет центральным местом для неоклассических общественных зданий; Бани, Арена, Пантеон, Национальный музей, Фондовая биржа, Театр и таможенные сборы.Элегантная галерея и пассаж соединят магазины и частные здания, а каналы Милана станут частью городского планирования, как это было в Венеции. Идея заключалась в том, чтобы переместить центр города от Дуомо в сторону Форо, сместив социальный акцент в сторону правительства, бизнеса и торговли. Планы были грандиозными и слишком дорогими для реализации, поэтому проекты Антолини были сданы на хранение до тех пор, пока не были переданы Луиджи Канонике.

    Foro Buonaparte

    Фотография Никоса Руссоса / Flickr

    Canonica стала официальным архитектором республики Цизальпина, а в Милане Антолини разработала проект Форо Бонапарт как высококлассный жилой план.Сегодня Foro Buonaparte — это элегантный квартал с обсаженными деревьями бульварами и зданиями 19 века, примыкающими к парку Семпионе.

    Гражданская арена

    Еще одним проектом Canonica, разработанным по проекту Антолини, был Амфитеатр, который сегодня известен как Gianni Brera Civic Arena и используется для проведения спортивных мероприятий и концертов. Это еще один образец неоклассической архитектуры в Милане. Арена была открыта в 1807 году и вмещает 30 000 зрителей.Чтобы сэкономить время и деньги, заброшенные стены замка Треццо д’Адда 15 годов века были восстановлены для завершения строительства арены. Ансамбль представляет собой смесь кирпича Pietra di Ceppo (Ceppo di Grè) и розового гранита, найденного в горах Ломбардии.

    Палаццина Аппиани

    Вестибюль арены представляет собой небольшой дворец под названием Палаццина Аппиани, которому суждено было стать гостевой резиденцией для семьи французского императора. Он считается жемчужиной неоклассической архитектуры и теперь передан FAI — Fondazione Ambiente Italiana.Зал Почета украшен мрамором, хрусталем и большими фресками, изображающими триумфальные римские парады, написанные художником неоклассицизма Андреа Аппиани.

    Арка мира

    Высоко стоящая на круглой площади мощная мраморная Арка Мира отражает оттенки серого, бежевого и розового. С северной стороны находится длинный бульвар Корсо Семпионе, который изначально должен был стать Елисейскими полями. На противоположной стороне арки находится парк Семпионе и замок Сфорца.
    В 1806 году Наполеон поручил архитектору Луиджи Каньоле построить «эфемерную» Триумфальную арку , подобную той, что была в Париже, которая приветствовала бы новобрачных принца Евгения Богарне и принцессу Амалию Бавьерскую, прибывающих из Франции через Корсо Семпионе. Первоначально он был построен из дерева, но считался настолько красивым, что местные власти решили построить его из того же самого престижного мрамора Кандольи, который использовался для кафедрального собора. Бульвар Корсо Семпионе никогда не был полностью превращен в престижный район, который должен был быть, но в непосредственной близости от арки среди современных зданий все еще можно найти виллы и постройки начала 19 годов века.
    Когда Фердинанд Австрийский победил империю Наполеона, он поворачивал конские статуи на вершине так, чтобы их ягодицы были обращены к Парижу. Позже она была переименована в Arco della Pace (Арка мира)

    .

    Наполеон III

    Среди деревьев парка Семпионе спрятана огромная бронзовая статуя Карло Луиджи Наполеона Бонапарта, он же Наполеон III, младшего брата Наполеона Бонапарта. Это 8-тонная бронзовая статуя, изображающая вождя на коне, победно махающего толпе.Получивший заказ в ознаменование его смерти в 1873 году, в то время, к сожалению, никто не хотел этого, и они не знали, что с этим делать. Наконец, он был помещен в парк лицом к центру города, как будто он только что перешел под Триумфальной аркой . Имена солдат, участвовавших в войнах во Франции, Италии и Австрии, выгравированы на базе.

    Это лишь некоторые из прекрасных уголков Милана, которые мы видели во время тура «Что такое Милан сделан из». Если вы увлечены архитектурой и историей, вам обязательно понравится тур Guido Tour Sharing и многие другие сюрпризы, которые он может предложить.

    Я очень рекомендую Guido Tour Sharing . Было очень приятно узнать об архитектуре Милана. Фабио, гид, был очень хорошо осведомлен и профессионален. Тур доступен на английском и итальянском языках.

    Для доп. Информации:

    Совместное использование туров Гвидо

    ILoveGuido.it

    Посмотреть календарь ближайших туров:

    Милан | Флоренция | Павия | Париж

    Нравится:

    Нравится Загрузка.

    Добавить комментарий

    Ваш адрес email не будет опубликован.