Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма
Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.
Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.
Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.
С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.
Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.
И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.
А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.
Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.
Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.
Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное.
Вернее на человека красивого и благородного.
Почему стиль ренессанс возник
В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.
Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, ФлоренцияЖелание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.
Время расцвета стиля
Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.
Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.Характерные черты стиля ренессанс
На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов.
Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.
Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.
Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.
Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, ФлоренцияЛицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.
Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, ПарижКартины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.
Микеланджело.
Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, ВатиканЯркий пример стиля ренессанс
Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.
Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, АвстрияВ ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.
Художники стиля ренессанс
Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.
Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.
Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.
О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.
Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен.
С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).
А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.
Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, ДюссельдорфПочему стиль барокко возник
Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.
Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, ПарижВремя существования барокко
Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.
Характерные черты барокко
Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.
Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, МюнхенЕщё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.
Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, РимЯркий пример стиля барокко
Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.
Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй.
Как в картине «Положение во гроб».
Главные художники стиля барокко
Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.
Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.
Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.
Приглашаю Вас в онлайн-галерею. Я, создатель этого сайта, помогу Вам подобрать картину. Полотна и их описания смотрите по ссылке.
Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.
Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. МоскваПочему возник стиль рококо
Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей.
Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.
А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.
Период расцвета рококо
Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.
Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, МюнхенХарактерные черты стиля рококо
Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.
Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-ПетербургХудожники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.
Яркий пример стиля рококо
Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.
Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, ЛондонГлавные художники стиля рококо
Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.
Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.
Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 14 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.
Параллельно с барокко возник классицизм.
Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.
Почему стиль классицизм возник
Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.
Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, ПарижБолее же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.
Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.
Характерные черты
Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.
Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, ПарижКлассицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством.
У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.
Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.
Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, ПарижПоэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.
Период расцвета классицизма
Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.
Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в ВенеЯркий пример классицизма
За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.
Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. МоскваНа картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.
Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.
Главные художники
Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.
Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.
В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.
Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.
Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.
Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.Почему стиль импрессионизм возник
В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему.
Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.
Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.
Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.Характерные черты
Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.
Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, МоскваТакже импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.
), г. МоскваВремя расцвета импрессионизма
Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет.
Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо.
Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек.
Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).
Яркий пример импрессионизма
Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.
Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, ПарижЗдесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке.
Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.
Главные художники
Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.
Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»
Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».
Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.
Почему экспрессионизм возник
Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.
Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.
Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.
Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог.
Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.
Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.
Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.
Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, БергенУ Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.
Время расцвета стиля
Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны.
Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.
Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ruОсновные черты экспрессионизма
Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.
Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.
Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, ВенаА в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.
Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), МоскваЕщё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.
Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.Яркий пример стиля экспрессионизм
Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка.
Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.
Главные художники экспрессионизма
Много экспрессионистов было в Германии и Австрии.
Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.
И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.
Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.
Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.
Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели».
Вы можете подписаться на бесплатный курс “Путеводитель по истории живописи”, разработанный автором этого сайта. 14 уроков, а также онлайн-тест. Подробности здесь.
Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать».
Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир.
Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).
Почему возник абстракционизм
Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело.
Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене.
Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, ДюссельдорфТак великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.
Время расцвета стиля
Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!
При этом у художника все равно оставалась цель.
Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.
Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.
Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.Главные черты абстракционизма
Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.
А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.
А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича.
А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана.
В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.
Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.Яркий пример абстракционизма
В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его «Чёрным квадратом».
Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».
Главные художники абстракционизма
Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.
А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.
Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.
Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой. Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.
И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.
Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».
Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.
Какая из этих картин написана в стиле рококо?
Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?
Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?
Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.
В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).
Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).
В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.
На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.
Читайте также мою статью “Жанры живописи: особенности, история развития, примеры”.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Поддержать автора
Автор: Оксана Копенкина
Перейти на главную страницу
Архив статей
Онлайн-курсы
Приобрести картину
PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»
Основные стили русской живописи и архитектуры XIX века
Русская живопись XIX века
Живопись первой половины XIX века в основном характеризуется стилем «академический классицизм».
Академия художеств призывала всех художников следовать основным канонам классицизма и создавать картины с религиозной тематикой, библейскими и мифологическими сюжетами.
Молодые художники не были довольны установленными правилами и желали в своем творчестве выйти за академические рамки. Многим из них это удалось.
Пример 1В своем творчестве В. Тропинин и О. Кипренский придерживались идей романтизма, основные темы которого в тот период времени были связаны с национальным подъемом из-за Отечественной войны 1812 года
Пренебрегая строгими канонами классицизма, художники стремились в живописи отразить многообразие, а главное уникальность окружающего мира. Новое восприятие видоизменило привычные на тот момент портрет и пейзаж и способствовало рождению нового жанра – бытовой картины.
Основателем бытового жанра считается А. Венецианов, основной темой которого в творчестве была сельская жизни. Примечательно, что художник – землемер по образованию – бросил службы ради искусства
Бытовые картины также рисовал П.
Федотов. Сюжеты его полотен наполнены и комедийно-сатирическим, и драматическим смыслом, за что художника называли «Гоголь в живописи».
Выдающимся художником XIX века был К. Брюллов, который умудрялся сочетать в своих произведениях несколько стилей, в частности романтизм и академизм. Также академизм был характерен для А. Иванова, который 20 лет трудился над своей знаменитой картиной «Явление Христа народу».
Во второй половине XIX века живописцы обратились к новому стилю – критическому реализму. Началом этого периода русской живописи являются творческие пути И. Крамского, В. Перова, Г. Мясоедова, которые позже объединились в Товарищество передвижных художественных выставок. В народе их стали называть по-простому: художники-передвижники.
Они определили наиболее важные направления развития русской живописи, а посредством своих передвижных выставок стремились всячески пропагандировать живопись русских художников.
Замечание 2Товарищество передвижных художественных выставок приняло в свои ряды практически всех талантливых художников, прославивших Россию на весь мир: Репина, Сурикова, Маковского, Поленова, Левитана, Серова и пр.
Сейчас их полотна выставляются во всех самых знаменитых музеях и галереях
Русская архитектура XIX века
В начале XIX века в архитектурном искусстве России начал активно развиваться ампир.
Замечание 3Ампир (от слова «империя») или высокий, зрелый классицизм для российской архитектуры стал отражением национального подъема, связанного с Отечественной войной 1812 года, и был наполнен идеями воинской славы и патриотизма
Для ампира характерен резной, лепной и литой декор. В этом стиле выполнено очень много построек в Москве, Санкт-Петербурге и других городах России.
Однако именно в Петербурге ампир стал основным стилем в архитектуре. Например, здание Адмиралтейства, созданное архитектором А. Захаровым с портиками по всему фасаду. В этом же стиле выполнен весь Невский проспект, с которого открывается вид на Казанский собор.
Архитектор О. Монферран был создателем проекта Исаакиевского собора, а его оформление как внутри, так и снаружи создали скульптор П.
Клодт и художник К. Брюллов. Много архитектурных ансамблей Петербурга связаны с именем знаменитого скульптора К. Росси. К примеру, Александрийский театр, Михайловский дворец, который сегодня является домом Русского музея, а также здания Сената и Синода.
В архитектуре Москвы XIX века больше усматривается классицизм. С этим стилем связаны имена выдающихся архитекторов, среди которых О. Бове, создавший Большой театр и манеж, Д. Жилярди, построивший Опекунский совет на Солянке.
Ампир и классицизм пришли на смену различным эклектическим течениям, а именно псевдорусскому или русско-византийскому стилю. Поэтому некоторые здания Москвы соединяют в себе несколько стилей. Так, К. Тон объединил традиции древнерусской архитектуры и строгие пропорции и симметрии классицизма. Это можно заметить на примере узких арочных окон и архитектурного декора русского и византийского происхождения.
Замечание 4К. Тон является создателем проектов Большого Кремлевского дворца и храма Христа Спасителя (в память избавления России от нашествия Наполеона)
9 направлений в искусстве и архитектуре, зародившихся в США — RTF
Соединенные Штаты являются движущей силой современной культуры и популярного искусства.
«Американская мечта» привлекает людей со всего мира в страну надежд, мечтаний и технического прогресса. Эта приманка возможностей и прогресса привлекла большое количество европейских интеллектуалов после Второй мировой войны. Его плодородная и стабильная среда позволила западному искусству и архитектуре процветать, а художественные начинания принесли свои плоды. Нью-Йорк в настоящее время является художественной столицей мира, а ранее эту позицию занимал Париж.
Здесь мы рассмотрим основные направления в искусстве и архитектуре, зародившиеся в США и оказавшие влияние на весь мир.
1. Чикагская школа США по праву можно назвать «Родиной небоскребов», так как техника изготовления небоскребов зародилась здесь в конце 19 века с появлением лифтов и металлоконструкций. Этот стиль, также называемый «коммерческой архитектурой», состоял из облицованных терракотой зданий с неоклассическим орнаментом. Луи Салливан и Дэниел Бернхэм были факелоносцами этого движения.
Вторая волна этого движения пришлась на времена Миса Ван дер Роэ, вдохновленного современной эстетикой и трубчатыми конструкциями.
Это весьма неоднозначное движение, зародившееся в Великобритании, черпало вдохновение в смелой и агрессивной рекламе, распространенной в Штатах.
. Позже это стало популярным в США как деконструкция их собственной популярной культуры. Эти художники черпали вдохновение в повседневных предметах, что было полным отклонением от прежних романтических представлений и сакральности изобразительного искусства. Обсуждалось, искали ли художники глубокое в обыденном или критиковали культуру массового потребления. Движение в основном состояло из коммерческих художников и процветало в Нью-Йорке.
Абстрактный экспрессионизм можно назвать преемником сюрреализма. Это также произошло из-за доступа к бессознательному и автоматизму. Возникнув после Второй мировой войны, он послужил средством избавления от травм и беспокойства, пережитых в то время. Выдающиеся нью-йоркские художники, такие как Джексон Поллок и Марк Ротко, нанесли его на карту как столицу западного искусства. Движение отмечено смелыми жестовыми мазками, передающими внутренний мир живописца.
Позже она превратилась в две разные школы под названием «Живопись действия» и менее эмоциональный вариант под названием «Теория цветового поля».
Минимализм зародился в США в Абстрактный экспрессионизм. В отличие от своего экспрессионистского движения, минималистское искусство было в высшей степени буквальным и не наводящим на размышления. Это художественное движение предшествовало концептуализму и стремилось свести искусство, будь то живопись, скульптура, кино или музыка, к его фундаментальной сущности без лишних затрат. Минимализм нашел выражение в графическом пользовательском интерфейсе компьютеров и мобильных телефонов для плавного и интуитивно понятного использования.
Роберт Моррис, 1965 г. ©www.tate.org.ukHyena Stomp, Фрэнк Стелла, 1962 г. ©www.tate.org.uk Американское движение, рассматривавшее элементы природы как часть как художественного процесса, так и его результата.
Инсталляции были локальными, совместными и экспериментальными. Они остались незащищенными перед разрушающими силами, что сильно отличалось от обычной коммодификации искусства и галерейной культуры. Это место имело большое значение для земного искусства, поскольку такие художники, как Роберт Смитсон, часто создавали скульптуры с самого места. Линия, образованная ходьбой Ричарда Лонга – 1967 ©www.ca.phaidon.comСпиральная пристань Роберта Смитсона – 1970 ©www.ca.phaidon.com в США после Второй мировой войны началась измененная версия интернационального стиля в пригородах Калифорнии. Основными характеристиками этого стиля были открытые планы, столбчатые и балочные конструкции, большие проемы, добросовестное использование материалов и глубокая связь с природой. Это дало жильцам чистоту модернизма с фактурным теплом, созданным сочетанием различных материалов. Модернизм середины века широко фотографировался в XIX веке.50-х годов и стал лицом жилой архитектуры во всем мире. Двумя его вариантами были северо-западный модернизм и калифорнийский модернизм.
Дом Кауфмана Ричарда Нейтры – 1947 ©www.ca.phaidon.com 8. Новый формализм Архитектурное движение конца 1960-х годов, новый формализм представлял собой сплав характеристик классической архитектуры с модернизмом. Это слияние привело к широкому использованию классических элементов, таких как колоннады, площади, антаблементы, арки. Использовались такие материалы, как мрамор или травертин, которые придавали ощущение роскоши. Этот стиль подходил для официальных зданий, таких как посольства, концертные залы и банки.
Northwestern National Life Insurance Building ©www.docomomo-us.orgAmbassador Auditorium – 1974 ©www.modernistarchitecture.blogspot.com 9. Органическая архитектура слился с природной средой. Все элементы находились в симбиотических отношениях друг с другом и соответствовали своей функции. Об органической архитектуре много думали и раньше. В современном мире он принял свежие формы, т.е. биоморфная архитектура или устойчивая архитектура.
В отличие от европейского искусства, американское искусство было практичным и далеким от романтических представлений и утонченности. Он служил выходом для эмоций и потребностей того времени, когда он процветал. Американское искусство и архитектура были сосредоточены не столько на орнаменте, сколько на идеях и концепциях. После Второй мировой войны американская земля не только подтолкнула искусство и культуру в новых направлениях, но и сделала их доступными для масс. Этот факт является его единственным величайшим достижением.
5 типов архитектуры, вдохновленных направлениями искусства
Искусство и архитектура тесно переплетены, и это отражается в том, как движения в последней сфере повлияли на дизайнерские решения в первой.
Чтобы продемонстрировать, насколько тесными стали эти отношения на протяжении веков, вот несколько примеров наиболее четкого пересечения искусства и архитектуры.
Движение в стиле модерн возникло в конце 19 века и оказало значительное влияние как на искусство, так и на архитектуру. Вдохновленный органическими формами, плавными линиями и замысловатыми узорами, встречающимися в природе, этот стиль покорил зрителей своим декоративным изяществом и элегантностью. Определяющей характеристикой архитектуры в стиле модерн является использование извилистых кривых, богато украшенных деталей, таких как витражи и изделия из железа, а также цветочные мотивы.
Известные примеры шедевров ар-нуво включают Hotel Tassel Виктора Орта в Брюсселе (1893), который может похвастаться впечатляющими лестницами в стиле кнута, или знаковыми входами в парижское метро Эктора Гимара, построенными между 1900-1912 годами и отличающимися их фирменными широкими чугунными конструкциями.
Еще одним выдающимся строением является Дом Бальо Антонио Гауди в Барселоне (1904 г.
), известный своим фасадом, украшенным яркой керамической плиткой, напоминающей чешую дракона. Его стоит посетить, находитесь ли вы в деловой поездке или отдыхаете в Испании.
Внедряя очарование Матери-Природы в свои проекты, архитекторы в стиле модерн превратили городские пейзажи в визуально очаровательные витрины, отражающие органическую красоту.
Движение Баухаус: сочетание формы, функции и эстетикиДвижение Баухаус было революционной школой искусства и дизайна, зародившейся в Германии в 1920-х годах. Он стремился объединить традиционное искусство с современными технологиями, подчеркивая при этом важность функциональности в архитектурных проектах. Архитектура Баухауза характеризуется чистыми линиями, минималистским подходом и отсутствием орнамента, построением зданий как функциональных объектов, предназначенных для практических целей.
Яркий пример стиля Баухаус можно увидеть на фабрике Fagus Вальтера Гропиуса, расположенной в Альфельде (1911 г.
), демонстрирующей открытый стеклянный фасад, символизирующий прозрачность в процессе промышленного производства. Еще одна значительная работа включает в себя знаменитый барселонский павильон Людвига Миса ван дер Роэ (1929 г.), в котором подчеркивается пространственная открытость посредством упрощенных интерьеров с хромированными колоннами и мраморными стенами.
Еще одно влиятельное здание, отражающее идеалы Баухауза, — вилла Савойя Ле Корбюзье под Парижем (1931), часто рассматриваемый как образец современной жилой архитектуры из-за включения в него железобетонных плит, поддерживаемых тонкими направляющими, освобождающими внутренние пространства от структурных ограничений.
В этих важных конструкциях мы наблюдаем неотъемлемое стремление к простоте в сочетании с эффективностью, демонстрируемой в этом новаторском архитектурном движении, ведущем к сегодняшним современным сооружениям.
Абстрактный экспрессионизм: раскрытие эмоций через архитектурный дизайн Охватывая дух спонтанности и свободы, абстрактный экспрессионизм возник в середине 20-го века как американское направление в искусстве, для которого характерны нетрадиционные техники, эмоциональное содержание и яркие цвета.
Хотя это преимущественно проявляется в живописи, оно оставило свой след и в архитектуре, мотивируя дизайнеров выражать эмоциональную напряженность и исследовать новаторские композиции.
Одним из ярких примеров является Музей Гуггенхайма, спроектированный Фрэнком Ллойдом Райтом (открыт 1959), с характерной спиральной структурой, которая побуждает посетителей бродить сверху вниз по непрерывному пандусному пространству галереи, создавая захватывающий опыт среди произведений искусства.
Аналогичным образом вдохновленная этим художественным стилем часовня Ле Корбюзье Нотр-Дам-дю-О-де-Роншан во Франции (1954 г.) с ее асимметричными линиями, воплощающими мощный символизм. Эти уроки дизайна можно применить и к офисным помещениям.
Еще одно здание с влиянием абстрактного экспрессионизма, на которое стоит обратить внимание, — это Центр полетов TWA Ээро Сааринена в аэропорту имени Джона Кеннеди в Нью-Йорке (1962) с динамичными органическими формами, отдающими дань уважения современным достижениям аэрокосмических технологий той эпохи.
По сути, архитекторы, погружающиеся в сферу абстрактного экспрессионизма, высвобождали грубые эмоции через творческие конструкции, не связанные общепринятыми нормами, тем самым изменяя восприятие современного архитектурного дизайна.
Ищете вдохновение? Попробуйте Turning to Contemporary ArtСовременное искусство, наполненное яркими красками и заставляющими задуматься концепциями, предлагает бесконечное вдохновение для архитекторов, ищущих свежие перспективы. Включая элементы современного искусства в планы дизайна, архитекторы могут формировать разнообразные пространства, которые стимулируют чувства и способствуют творческому мышлению.
Прекрасным примером является Музей современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, спроектированный Йошио Танигути (2004). Его уникальное сочетание простых материалов, таких как стекло и металл, с абстрактными формами привлекает посетителей в мир, где процветает любопытство. Еще одна инновационная структура, демонстрирующая художественное влияние, — это Центр Рэя и Марии Стата Фрэнка Гери в Массачусетском технологическом институте (2004 г.
), оторвавшийся от традиционных архитектурных стандартов благодаря смелой геометрии и визуально привлекательному фасаду.
Художественные онлайн-галереи, такие как Singulart, предлагают безграничные возможности как для опытных художников, так и для новичков, чтобы открыть для себя инновационные произведения, которые могут вдохновить будущие творения. Просмотр различных тем позволяет дизайнерам исследовать разные стили или находить свою музу среди кураторских коллекций произведений искусства.
Как показывают эти конструкции, интеграция современных художественных выражений приводит к смелым архитектурным проектам, которые выделяются на обычном городском фоне, вызывая при этом расширенные сенсорные переживания у тех, кто сталкивается с ними.
Возрождение готики: новый взгляд на средневековую красоту через современные постройки Возрождение готики началось в середине 18 века, когда архитекторы начали переосмысливать средневековую эстетику и идеалы, создавая здания с остроконечными арками, ребристыми сводами и высокими шпилями.
Здание Британского парламента (1835–1860 гг.), спроектированное Чарльзом Барри и Августом Пугином, является ярким примером архитектуры неоготического возрождения. Его богато украшенный фасад демонстрирует очаровательное сочетание резьбы по камню и тонких ажурных окон, что является одой его средневековым корням. Еще одним знаковым примером является бостонская Троицкая церковь (1872-1877 гг.), построенная Генри Хобсоном Ричардсоном, с интенсивным использованием полихромной каменной кладки, которая придает глубину визуально сложному экстерьеру.
В Канаде архитектор из Торонто Э.Дж. Леннокс черпал вдохновение в принципах готического возрождения при проектировании Casa Loma (1911–1914), наполняя здание романтизмом за счет башен, напоминающих европейские замки.
Внедряя влияние прошлого в современные проекты, архитекторы эпохи готического возрождения вдохнули новую жизнь в традиционные стили, эффективно внося свой вклад в развивающиеся архитектурные ландшафты в различных регионах мира.