homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Моя главная цель — показать гармонию разных культур, слитых искусством каллиграфии воедино в равновесии и гармонии. Размышляя о различиях и общих формах африканской, американской, европейской, океанской, ближневосточной и азиатской каллиграфии, я создал самостоятельно разработанный стиль «каллиграфутуризм», основанный на моем видении воссозданных форм букв письменности и каллиграфии в будущее. Участвуя в городском искусстве, я представляю движение Calligraffiti: традиционный почерк с городским характером, создание крупных проектов на открытом воздухе по всему миру.

© Покрас Лампас

Вы всегда заранее продумываете, как будет выглядеть ваша итоговая работа, или тоже бывают импровизации?

Я часто работаю над композицией заранее и рассчитываю под нее ширину инструмента. Так как мы пишем каллиграфию, а не рисуем буквы, то получается, что толщина инструмента является вводным элементом, который нужно рассчитать заранее, чтобы работа была выполнена качественно с точки зрения пространства, ритма, предмета, контраста и т. д. на. В процессе всегда есть вероятность, что что-то пойдет не так, например, поверхность недостаточно впитывает краску или кисть в какой-то момент становится неэффективной на ребристой стене и нужно использовать валик. И это полностью меняет стиль и тип каллиграфии, поэтому я стараюсь тестировать заранее, но, конечно, много импровизации.

Вы также работаете в индустрии моды с 2014 года. Не могли бы вы рассказать нам больше о своем опыте?

Когда я начинала заниматься модой, для меня все это было абсолютно неведомо, недоступно. И я так рада, что мой путь частично начался не только с улицы, но и с графического дизайна, потому что это стало в свое время моей единственной работой, карьерой и методом обучения тому, как взаимодействовать с клиентами и людьми со всего мира. В начале это были различные дизайн-проекты с надписями в моем авторском стиле каллиграфии на Reebok, Nike … Пиком была работа с Dries Van Noten

© Журнал Собака.ру. Мужская коллекция Dries van Noten в сотрудничестве с Pokras Lampas, весна-лето 2017. Неделя моды в Париже.

Мне очень понравилась ваша работа в Екатеринбурге, когда в рамках фестиваля «СТЕНОГРАФИЯ» вы сделали «Метасупрематический крест», вдохновленный Малевичем и эстетикой художественных течений начала 20 века в России.

© Журнал The Village. Метасупрематический крест. Екатеринбург 2019.

Спасибо, очень приятно это слышать. Меня очень вдохновляет искусство 20-го века, потому что таким образом я частично размышляю о том, каким было общество, как технологии и новые инструменты повлияли на дизайнеров и художников и как мы видим современный мир сегодня с точки зрения архитектуры, искусства, моды и жизни. в общем. Меня очень вдохновили работы Кандинский, Малевич, Лисицкий, Родченко и модернистские высказывания. Чем дальше мы погружаемся в искусство XX века, тем больше ярких примеров мы видим из середины и второй половины этого периода. Начиная с Марселя Дюшана , до Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна и продолжая московскими концептуалистами, работами Ильи и Эмилии Кабаковых и Эрика Булатова

Как вам удалось добиться такого успеха в таком юном возрасте? Каков ваш основной рынок? И как вам удалось впервые выйти на международный рынок?

Вообще-то я всегда считаю, что очень важно помнить не об успехе, а о своей философии и о том, куда ты идешь, почему ты идешь туда. Когда я только начинал познавать мир искусства и дизайна, много времени уделял современным коммуникациям, социальным сетям и презентации своих проектов. У меня образование в области рекламы, менеджмента и PR, и именно эти знания помогают мне не потеряться в современном мире, не потерять свой стиль и свою индивидуальность.

© Покрас Лампас. Оперная галерея. Дубай 2016.

Расскажите, пожалуйста, о вашем сотрудничестве? Какие проекты ваши любимые?

Если говорить о коллаборациях, то для меня самое главное работать не просто с известным брендом, а в первую очередь с людьми, которые представляют бренд и верят в наши общие ценности, верят в гармонию совместных проектов, взаимное уважение между брендом и художником. Одним из моих крупных и самых ценных проектов, безусловно, было сотрудничество с FENDI в 2017 году, когда я красил крышу Квадратного Колизея. Это была временная установка на невероятно важном здании для Рима и Италии. В то же время я написал манифест миллениалов и многое сказал этим проектом, который, надеюсь, актуален для настоящего и будущего. Действительно, не менее важным проектом для меня было сотрудничество с

© Pokras Lampas x F для FENDI: самое большое произведение каллиграфии в Италии. Рим 2017

© Покрас Лампас. Дуврский уличный рынок. Лондон 2019

Расскажите, что для Вас самое главное при сотрудничестве с брендами и компаниями? Какие факторы могли заставить вас отказаться от сотрудничества?

Для меня важно найти общий язык с командой и знать, что они пришли ко мне не как к дизайнеру, а как к художнику со своим видением, философией и умением сказать то, что я хочу, а не то, что они хотят от меня. И мне не менее важно узнавать что-то новое в ходе проектов, поэтому, очевидно, я хочу брать самые сложные проекты и те, которые художник не может сделать самостоятельно. Например, площадь перед РЖД Ареной в Москве. Это самое большое каллиграфическое граффити в мире не просто так. Это площадь 11 000 квадратных метров, кисти полутораметровой длины, буквы длиной 6 метров и невероятное количество краски — более 5000 литров. Это сложный технический процесс подготовки, который занял около восьми месяцев от первой встречи до финальной реализации проекта, сложных съемок и презентации работы футбольному сообществу. Я рад, что есть возможность не просто высказаться, но и поработать с новыми инструментами и другими масштабами.

© ДРОНУП. РЖД Арена. Москва 2018.

Как арт-рынок влияет на вас как на художника? Где для вас проходит грань между искусством и коммерцией?

Я считаю, что арт-рынок не должен влиять на художника напрямую, потому что если воспринимать свое искусство только с точки зрения того, можно ли его продать или нет, мы теряем искренность художника и его личную идентичность. Именно поэтому мне важно всегда говорить в своих проектах не только о смысле, но и о качестве реализации. Это касается качественных холстов на широких подрамниках, стиля, правильных красок, которые не желтеют и не осыпаются через полгода. Для этого нужно иметь успешные коммерческие проекты и продажи, чтобы художник был не просто самостоятелен в своих проектах, но и имел собственный выбор того, как он хочет работать и что ему нужно для качественного выполнения своих идеи. Я всегда разделяю коммерческие и творческие проекты. Итак, творческие проекты, которые выполняются в мастерской на холстах, это в первую очередь вещи, проходящие сквозь время. Зритель часто не знает, что я нарисовал, например, в 2018 году полотно, которое они могут увидеть только в 2022 году. Я отношусь к искусству как к более глубокой философской части собственного познания, а потому самые интересные, сложные эксперименты всегда впереди. в поле зрения людей, даже самых близких мне людей.

В то же время я считаю своей миссией изменить отношение к коммерческим проектам как к чему-то неправильному. Художник сегодня должен иметь высокую ценность своего труда, ведь это огромное количество времени, сил, интеллектуального и физического труда, которое вложено в то или иное произведение. Это менеджмент, презентация, представление своего сообщества через стиль, это часто работа в социальных сетях, это долгий этап подготовки к проектам. Итак, чтобы убедиться, что все сделано на должном уровне, чтобы дать работу лучшим творцам в своей области от фотографии, съемки, режиссуры и заканчивая техническим производством продукта, я стараюсь сделать так, чтобы проекты были оценены по достоинству. и оплачивается, и ресурсы предоставляются, чтобы сделать это наилучшим образом. Когда мы делаем коммерческие проекты, то зачастую они рассчитаны на широкую аудиторию, и мы должны понимать, что это сильное размытие посыла артиста, ведь зачастую мы работаем с аудиторией, которая нас еще не знает, или знает мало, и у них нет времени погрузиться в ваше искусство. Другими словами, это первая встреча с новой аудиторией, при этом присутствует еще и идентичность другого бренда. Поэтому мой главный совет художникам — работайте с брендами в то время, когда у вас уже есть своя индивидуальность, своя стратегия. И каким бы большим и сильным ни был бренд, он не должен влиять на ваше творчество. Напротив, он должен поддерживать, развивать и расширять его. В этом случае коммерческий проект будет выглядеть вовсе не как коммерческий, а как творческий с поддержкой бренда и с усиленным посылом для аудитории.

И последнее, но не менее важное, это возможность заработка на крупных коммерческих проектах, которые часто дают художнику возможность творить в студии совершенно самостоятельно и позволяют вкладываться в себя, делать свой выбор и не ввязываться с любыми фондами, грантами и т.д. Таким образом, находясь одновременно вне институциональных арт-проектов, но находясь в художественном сообществе и в актуальной арт-парадигме.

Как время самоизоляции повлияло на вас в целом? Есть ли у вас новые онлайн-проекты?

Начало пандемии привело к экстренной отмене всех моих рейсов, зарубежных проектов и музейных проектов, которые меня интересовали, потому что все это связано с общественностью. Я срочно реорганизовал свой рабочий график, постарался сделать так, чтобы в мастерской было все, что мне нужно для регулярной работы над новыми полотнами. Я заказал целый грузовик чистых холстов и начал работать каждый божий день, не теряя времени и не теряя связи с коллективом, который со мной в Петербурге, с которым я работаю в мастерской на Васильевском острове. Я просто реорганизовал свои планы и свою стратегию на ближайшее будущее и рад, что мне удалось все изменить быстро и эффективно. Самым важным для меня было быть максимально эффективным по отношению к новым работам, и редко бывает такая возможность поработать лишние несколько месяцев в студии в то время, когда большой сезон перелетов, проект презентации, фрески, уличные проекты начинается. Поэтому времени на онлайн у меня почти не осталось, но я старалась выходить в эфир и общаться с журналистами, готовить много разного интернет-контента.

Как, по вашему мнению, изменится арт-рынок после пандемии Covid-19?

Думаю, логично, что некоторое снижение покупательной способности будет. Но я стараюсь не акцентировать на этом внимание, потому что опыт показывает, что на любом рынке есть и взлеты, и падения, и это нормально, это все предсказуемо. И я надеюсь, что главное в том, что у людей есть возможность учитывать свои более важные потребности, как социальные, так и другие. Искусство всегда найдет свое окно и свою дверь, через которые оно будет рассмотрено, и не обязательно через музеи или галереи, если это важно для социальной дистанции и безопасности, например. В целом мы все чаще наблюдаем рост онлайн-проектов, диджитал-проектов, пересечение искусства и технологий, но я считаю, что какие-то выводы делать рано.

Спасибо Покрас Лампас!

Кристина Лямцева ,

Автор , MADE IN BED

Лорна Тиллер

Галерея Спенсера Браунстоуна | ARENA

Выставка

Кэти Белл
ARENA
14 апреля — 20 июня 2021
Открытие в среду, 14 апреля

Галерея Spencer Brownstone рада объявить о первой галерее в Нью-Йорке, персональная выставка ARENA художник Кэти Белл. Используя галерею в качестве арматуры, Белл инсценирует множество найденных и сфабрикованных форм, которые предполагают взаимодействие сноса и строительства, стазиса и разрушения. Части и фрагменты в пространстве представляют собой дискретные объекты, которые имеют общий язык и форму, подразумевая загадочные группы и правила в динамичной игре перформативных композиций.