Айнура Юсупова: «В эпоху Эдо в Японии начинается своего рода Ренессанс»
ВыставкиИнтервью
Стартовал год культурных обменов России и Японии, включающий более 300 мероприятий. Главной выставкой в нашей стране станет «Шедевры живописи и гравюры эпохи Эдо» в ГМИИ им. А.С.Пушкина. Об уникальной экспозиции рассказала ее куратор Айнура Юсупова
Дарья Палаткина
07.06.2018
Куратор выставки «Изобразительное искусство эпохи Эдо» Айнура Юсупова.
Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Справка
Айнура Юсупова
Ведущий научный сотрудник отдела графики Государственного музея изобразительных искусств имени А.С.Пушкина. Искусствовед. Член-корреспондент Российской академии художеств. Член Ассоциации историков искусства Японии. Автор монографий и научных трудов по искусству Японии.
Еще…
Насколько предстоящая выставка выдающееся событие?
Это очень редкая возможность. Таких выставок было очень мало, последние состоялись около 30 лет назад.
В декабре 2016 года главы России и Японии договорились о проведении перекрестного Года Японии — России. Это первое событие такого рода за всю историю наших дипломатических отношений, в ознаменование которого было решено организовать значительную художественную акцию.
В чем ее уникальность и почему выставка будет состоять из двух частей?
В ГМИИ из Японии привезут особо ценные предметы искусства, которые крайне редко покидают пределы этой страны. Прежде всего это связано с деликатностью материала и строгими условиями транспортировки, хранения и экспонирования, ведь это живопись на бумаге и шелке. Если эти произведения выставлять в течение месяца, то потом они должны «отдыхать» в течение года. Поэтому сроки их предоставления на выставки расписаны на годы вперед. Большая удача, что Токийский национальный музей и Агентство по культуре Японии, у которого есть собственная очень ценная коллекция, согласились быть нашими партнерами, благодаря чему на выставке можно будет увидеть первоклассные вещи.
В проекте также участвуют Художественный музей города Тиба и Художественный музей Итабаси (Токио), обладающие редкими коллекциями искусства эпохи Эдо. Важно отметить, что колоссальные расходы по подготовке выставки взял на себя наш спонсор — компания «Роснефть».
Ито Дзякутю (1716–1800). «Собрание цветущих растений». Тушь, оттиск с деревянной доски. Собрание Токийского национального музея.
Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Согласно строгим японским стандартам экспонирования произведения живописи на шелке и бумаге нельзя демонстрировать более четырех недель, поэтому в середине работы выставки экспозиция будет полностью заменена. Фактически мы делаем две выставки. В сентябре и октябре зрители увидят совершенно разные произведения. Сложность состоит в том, что вещи из первой части выставки нужно заменить на произведения такого же высокого художественного качества. Мы начали работать над составом выставки поздно, всего полтора года назад, а большинство произведений подобного уровня заказывают на выставку за три-четыре года.
Было невероятно трудно подбирать ширмы, свитки и гравюры так, чтобы вторая половина экспозиции по значимости не уступала первой. Это будут две равные части: работе конкретного художника придет на замену другая работа этого же художника. Что касается ширмы с изображением Киото и окрестностей, которая состоит из двух частей, то на выставке будет представлена сначала одна ее часть, а потом другая.
Два произведения на выставке имеют статус национального сокровища Японии. Что это за вещи?
Статус национального сокровища имеют два произведения из Токийского национального музея. Первое — двустворчатая ширма «Наслаждение вечерней прохладой» кисти Кусуми Морикагэ (1620–1690), монохромная живопись с изображением семейной пары на террасе. Это очень тонкая, деликатная живопись тушью с жанровой сценой. Работ художника сохранилось не так много, в собраниях российских музеев они не представлены вовсе.
Сога Сёхаку (1730–1781). «Даосские бессмертные». Пара шестистворчатых ширм. Собрание Агентства по культуре Японии.
Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Второе — свиток с портретом Таками Сэнсэки кисти художника Ватанабэ Кадзана (1793–1841). Хотя произведение выполнено в форме традиционной японской живописи на свитке, здесь заметно влияние европейского искусства, использованы европейские приемы живописи, в том числе светотеневая моделировка; художник стремился передать не только черты конкретного человека, но и дать его психологическую характеристику. Это произведение заметно отличается от других картин, которые будут представлены на выставке. Японцы очень бережно относятся к этой работе, около двух лет назад она была отреставрирована на средства влиятельного американского банка.
Кроме того, еще несколько произведений имеют специальные статусы — «особо ценный объект культуры» и «особо ценный предмет искусства»; всего таких экспонатов будет 17.
На какие произведения стоит обратить особое внимание?
Для нас будет открытием появление так называемых художников-эксцентриков, в частности Сога Сёхаку (1730–1781) и Ито Дзякутю (1716–1800).
Их не случайно называют эксцентриками: эти авторы не принадлежали к основным художественным школам того времени. В частности, мы покажем великолепную ширму «Даосские бессмертные» кисти Сога Сёхаку из собрания Агентства по культуре Японии.
Имя Ито Дзякутю широкая публика узнала не так давно, в 2000-х годах, до этого он был известен в Японии только специалистам. В этом году в Париже пройдет представительная выставка художника, поэтому получить его работы в наш музей оказалось почти невозможно. Однако один из японских коллекционеров любезно предоставил нам четыре свитка Ито Дзякутю, благодаря чему мы сможем впервые показать его работы в России. Творчество этого художника было разнообразным, он работал в разных манерах, у нас же будут представлены монохромные свитки (его полихромные работы крайне редки).
Еще на выставке можно будет увидеть ширму «Осенние и летние травы» кисти Сакаи Хоицу (1761–1828), одно из самых известных произведений школы Римпа, которое часто украшает обложки книг по истории искусства Японии.
Кацукава Сюнко (1743–1812). «Актер Итикава Комадзо II в роли Идзу но Дзиро». Собрание Токийского национального музея.
Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Почему выбрали произведения именно эпохи Эдо (1603–1868)?
Если говорить об искусстве предшествующих эпох — Нара (710–794), Хэйан (794–1185), Камакура (1185–1333) и других, — в них не было такого разнообразия художественных школ и течений. Со второй половины XVI века, в эпоху Адзути-Момояма (1568–1600), и на протяжении Эдо в Японии начинается своего рода Ренессанс, чему способствовали многие факторы. До этого страну раздирали бесконечные междоусобные войны, а в эпоху Эдо наступил мир, который длился почти 250 лет. В это время страной управлял только один клан, который ввел множество мер, гарантирующих спокойствие и стабильность. Именно тогда сложились сословия: военные, крестьяне, ремесленники и торговцы. Для горожан этот период был особенно благоприятным. Если говорить современным языком, в то время развивался малый бизнес, в результате чего появились новые потребители искусства.
Искусство перестало быть уделом аристократии?
В предшествующий период религиозные памятники хранились в монастырях и храмах, а светское искусство было аристократическим: в эпоху Хэйан оно развивалось в основном в императорском кругу; в эпоху Камакура оно существовало и при дворе, и среди знатного воинского сословия; так же было в эпоху Адзути-Момояма. А во времена Эдо заказывать предметы искусства могли позволить себе и богатые купцы, и горожане. Этому способствовало развитие книгопечатания и гравюры на дереве — то, что называют искусством «укиё-э». Изменилась тематика. Если в предшествующие периоды она была связана с классическими трактатами, то с развитием книгопечатания появилась городская литература, адаптации классических произведений. Государство проводило реформы, связанные с внедрением конфуцианских ценностей: строгой иерархии, подчинения младших старшим, низших высшим. Китайские трактаты не только переводили на японский язык, но и адаптировали.
В это же время развивалась система «санкин котай»: правители клана Токугава требовали, чтобы главы отдаленных княжеств непременно присутствовали в столице, где они должны были жить в течение года с интервалом в год.
При этом их семьи оставались заложниками в княжествах — это было гарантией того, что они не готовят заговоры. Город Эдо стал мегаполисом с многомиллионным населением: самураи приезжали в столицу со своей свитой. Путешествие туда и обратно становилось важным событием, множество гравюр и свитков изображают эти грандиозные процессии. Естественно, такое количество людей, приезжавших на службу, нуждалось в развитой инфраструктуре. Так формировалась городская среда, точками притяжения в которой становились возникший в это время театр кабуки, веселые кварталы, выступления борцов сумо. Все эти темы находили отражение в укиё-э.
Кацусика Хокусай (1760–1849). «Победный ветер. Ясный день». Лист из серии «36 вилов Фудзи». Художественный музей г. Тиба.
Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Укиё-э — это только цветная гравюра?
Не только. Укиё-э включает в себя живопись на свитках и ширмах, которая появилась в более ранний период. Но живопись уже тогда была дорогим искусством, поэтому именно гравюра на дереве сделала искусство укиё-э доступным.
Центром книгопечатания изначально были Киото и Осака, а основные художественные школы сосредоточились в Киото, в том числе главенствовавшая в то время школа Кано, основными заказчиками которой были знатные самураи, жившие в этом городе. Однако, когда город Эдо стал центром политической и культурной жизни, туда же перебрались художники и книгопечатники. Уже тогда в Эдо появилось собственное направление школ Кано и Тоса. В киотском направлении доминировали жесткие каноны, а в Эдо художники разных школ оказывали влияние друг на друга.
Какие школы будут представлены на выставке?
Основными существовавшими тогда направлениями были школы Кано, Тоса и Римпа, более позднее направление — укиё-э. Были еще школы Маруяма-Сидзё, Нанга (или живопись интеллектуалов), Сумиёси, живопись художников-эксцентриков. Их работы будут показаны на нашей выставке. Многие из них, в частности школа Кано, восходят к китайской живописи, а школа Тоса, напротив, обращается к классической японской художественной традиции школы Ямато-э.
Ёса Бусон (1716–1783). «Бродячие актеры мандзаи». Собрание Агентства по культуре Японии.
Фото: ГМИИ им. А.С.Пушкина
Основные темы и сюжеты были похожи. В первую очередь это пейзаж. Как правило, это были известные китайские пейзажи, которые в китайской традиции назывались словом «сансуй-га», что означает «горы — воды». Они символизировали в живописи полярные позиции китайской философии: инь и ян, темное и светлое, женское и мужское начало. В Японии в это время также получает распространение жанр «фукэй-га» с изображением знаменитых японских пейзажей.
Другие сюжеты — это жанр «цветы и птицы», который является разновидностью пейзажа, но пейзажа малых форм. Очень распространены были произведения с изображением китайских поэтов или сюжетов на темы классических литературных произведений — на выставке будет представлен свиток с портретом поэта Ли Бо кисти Икэно Тайга, свитки по мотивам повести «Исэ-моногатари» (Х век), повести придворной фрейлины Мурасаки Сикибу «Гэндзи-моногатари» (XII век) и эссе монаха Ёсида Канэёси «Записки на досуге» (XIV век).
Техника исполнения этих работ примерно одинакова: это живопись на шелке или бумаге минеральными или растительными пигментами. Интересны формы живописных произведений. В нашем представлении ширма — это предмет интерьера, а в искусстве Дальнего Востока это также произведение изобразительного искусства. В Японии существует специальный термин «сёхэйга», то есть живопись на ширмах и раздвижных перегородках, которыми разделялись жилые пространства. Помимо ширм, создавались вертикальные свитки «какэмоно», или «какэдзику», для которых отводилась специальная ниша в стене («токонома»), она была эстетическим центром помещения. В токонома можно было выставить цветочную композицию «икебана», карликовое дерево «бонсай», живописный или каллиграфический свиток. Горизонтальные свитки «эмакимоно» чаще всего содержали повествовательный рассказ; их надо было рассматривать, постепенно раскручивая перед собой.
Заказчиками школы Тоса были люди из круга императора и придворной аристократии, а школы Кано — преимущественно знатные самураи.
Школа Римпа, работы которой отличались красивой, нарядной и декоративной живописью, появилась в районе города Сакаи, где жило богатое купечество. Символом нашей выставки станет ширма кисти Огаты Корина «Бог ветра и бог грома» (начало XVIII века), относящаяся к школе Римпа.
Когда японская живопись начала проникать в Россию и насколько она известна у нас в стране?
Основные коллекции японского искусства формировались в конце XIX — начале XX века. Уже в эпоху Мэйдзи (1868–1912), когда Япония переживала экономические трудности, многие выдающиеся произведения искусства были вывезены в Америку и Европу. Пожалуй, единственным русским коллекционером, который мог себе позволить собирать японское искусство в Японии, был Сергей Николаевич Китаев (1864–1927), чья коллекция находится в собрании нашего музея. Остальные русские коллекционеры покупали в основном через европейский рынок. По сравнению с американскими и европейскими коллекциями японского искусства в российских собраниях очень мало живописи на ширмах и свитках, и даже в коллекции Китаева живопись составляет примерно пятую часть.
Все в то время собирали гравюру — может быть, потому, что она была дешевой и доступной. Известно, что Винсент ван Гог собирал японскую гравюру, хотя жил очень бедно. (Надо сказать, что многие частные американские коллекции пополнились прекрасными памятниками японского искусства и после Второй мировой войны, в период тяжелейшего кризиса в Японии.) Таким образом, в российских собраниях оказалось много гравюр укиё-э, но очень мало живописных произведений, они есть в Государственном Эрмитаже, ГМИИ им. А.С.Пушкина, Государственном музее искусства народов Востока. К сожалению, ни в одной из этих коллекций японское искусство не представлено с достаточной полнотой, позволяющей показать историю искусства Японии или даже отдельно взятой эпохи Эдо.
ГМИИ им. А.С.Пушкина, главное здание
«Шедевры живописи и гравюры эпохи Эдо»
4 сентября – 28 октября
Подписаться на новости
Эпоха Эдо: ширмы и свитки. Часть 1: bogachkova1957 — LiveJournal
Выставка «Шедевры живописи и гравюры эпохи Эдо» — одно из центральных событий перекрестного года России и Японии.
На выставке представлены работы ведущих мастеров японской живописи и гравюры различных традиционных школ. Многие из них стали уже знаковыми в истории искусства Японии и крайне редко покидают пределы страны. Большая часть работ привезена из Японии и показана в России впервые. Описание картин взято из ауди-гида к выставке и табличек к картинам ГМИИ им. А.С.Пушкина.
Портрет «Таками Сэнсэки» — это безусловный шедевр портретной живописи Японии. На нём запечатлён самурай конца эпохи Эдо, который также увлекался европейскими науками. Начиная с первой половины XVІІІ века, после отмены запрета на иностранные книги, всё больше и больше интеллектуалов посвящали себя изучению западных наук — 
В этом и подобных портретах он сумел выдающимся образом соединить восточный и западный подходы к изображению человека. Ватанабэ Кадзан не только объединил идеализацию образа с приёмом западной светотени, которая усилила натурализм, но и уделил пристальное внимание уникальным чертам лица человека, передающим особенности характера и даже психологического состояния модели. Сам Ватанабэ Кадзан происходил из знатного, но обедневшего рода самураев. Он занялся живописью, чтобы иметь возможность материально помогать семье. Работал преимущественно в портретном и пейзажном жанрах. В зрелом возрасте Кадзан открыто критиковал государственную политику изоляции ( сакоку). За это его посадили сначала в тюрьму, а затем — под домашний арест с запретом на продажу своих живописных работ. Кадзан был вынужден совершить ритуальное самоубийство (сэппуку) и так и не увидел конца эпохи Эдо, открытия границ и огромных перемен, которые ждали страну. Но он оставил множество блестящих работ, которые продолжают восхищать техническим мастерством и тонким чувством природы и личности человека.
Выставка в ГМИИ им. А.С. Пушкина проходила в два этапа: первую часть — в период с 4 по 30 сентября, а вторая – с 3 по 28 октября. Необходимость в ротации произведений объясняется хрупкостью работ: живопись на бумаге и шелке – деликатный материал, требующий строгих условий транспортировки, хранения и экспонирования. Согласно принятым в Японии стандартам, произведения такого рода не могут быть представлены в выставочных залах более четырех недель. Фактически зрители увидели две абсолютно разные выставки.
В эпоху Эдо (1603–1868) в Японии возникло большое количество различных художественных направлений и школ. После длительного периода междоусобных войн власть в Японии перешла в руки сёгунов из рода Токугава, которые правили страной на протяжении почти 265 лет. Прекратились войны, стали активно развиваться различные традиционные ремесла. Фактическим центром страны стал город Эдо, куда военный правитель Токугава Иэясу перенес столицу. Менее чем за полвека Эдо из небольшой рыбацкой деревушки превратился в город с полумиллионным населением.
Эпоха Эдо ознаменовалась бурным строительством городов и расцветом художественной культуры. Вокруг замков, на пересечениях торговых путей, близ морских заливов с бухтами возникли города, формировались сословия ремесленников и купцов, которые наряду с военными стали законодателями художественных вкусов эпохи. Если в предшествующий период религиозные памятники хранились в монастырях и храмах, а светское искусство было аристократическим, то в эпоху Эдо позволить себе заказывать предметы искусства могли и богатые купцы, и горожане. Этому способствовало развитие книгопечатания и гравюры на дереве – того, что называют искусством укиё-э.
На выставке в Пушкинском музее представлено все многообразие жанров японской живописи и гравюры: пейзажи, портреты, жанровые и исторические сцены. Интересны и формы живописных произведений: на выставке представлена живопись на ширмах и раздвижных перегородках, которыми разделялись жилые пространства (в Японии для ее обозначения существует специальный термин – сёхэйга).
К началу XVII века главный культурный центр и императорская столица того времени Киото быстро восстановился. Постепенно отстраивались и новый политический центр — город Эдо, и резиденции местных властителей даймё в других регионах. Из-за этого спрос на украшение помещений декоративными росписями, резьбой и предметами интерьера сильно возрос. Значительную часть заказов выполняли художники школы Кано, которым оказывали личное покровительство сёгуны Токугава. Одним из популярных сюжетов стали виды столичного города Киото и его окрестностей.
Неизвестный автор.
Виды Киото и его окрестностей. Шестистворчатая ширма.На паре шестистворчатых ширм неизвестного мастера школы Кано изображены оживлённые уличные сцены, как бы выхваченные из реальной жизни города. Художник выбирает точку зрения с высоты птичьего полёта, пишет узнаваемые улицы и постройки, тем самым задавая ключевые координаты для зрителя. Например, на левой ширме изображена процессия императора Го-Мидзуноо у замка Нидзё. Но не менее увлечённо и с большим вниманием художник изображает торговые лавочки, зрителей и актёров театра Кабуки, главный киотский праздник Гион и многое другое на ширме справа. Золотые облака объединяют природные, архитектурные и бытовые мотивы в цельную композицию декоративных ширм.
Школы Кано и Тоса – это ведущие придворные живописные школы в эпоху Эдо. Но если художники 
Увидеть их можно на примере листа с изображением цветов и куропаток из альбома кисти художника Тоса Мицунори. Для школы Тоса характерны обращение к японским темам и архаизирующий стиль, который отсылает к живописи X–XII веков – времени наивысшего расцвета аристократической культуры Киото. Типичны также яркие насыщенные цвета и использование драгоценных материалов – золота и серебра. Сразу обращает на себя внимание и миниатюрный формат произведения – всего 13×13 сантиметров. Любование не только ширмами и свитками, но и тщательно выписанными маленькими композициями в альбомах – это особая эстетика, которая в первой трети XVII века нашла распространение именно при императорском дворе.
В работе Кано Цунэнобу «Цветы и птицы четырёх времён года» мы можем увидеть традиционные символы весны, лета, осени и зимы, которые изображены на ширмах справа налево (именно так — подобно каллиграфии — следует читать японскую живопись).
В Японии ширмы были не только необходимым предметом интерьера, закрывающим от ветра или солнца, но и всегда служили изысканным украшением. В данном случае объединяющим и декоративным элементом для всей композиции является золотое напыление. Кроме того, почти все изображённые объекты приближены к первому плану, из-за чего они воспринимаются скорее в плоскости, нежели в глубине пространства. Эмоциональность и живость сценам придаёт разнообразная манера художника. Весенние и летние мотивы написаны более стремительно, а осенние и зимние — более сдержанно. Это проявлено не только в характере линий, но также и в мотиве изображения: стремительный и бурлящий поток на правой ширме противопоставлен спокойной воде слева. Ширмы Кано Цунэнобу наглядно показывают, как художники
Ёса Бусон (1716-1783). Весенняя зелень и кукушка. Вертикальный свиток. Шелк, краски. Агентство по делам культуры Японии. Особо ценный объект культуры.Изображены окутанные дымкой горы и кукушка, пролетающая через красивую молодую листву деревьев. Благодаря использованию светлых оттенков и оставленному пустым пространству художнику удалось передать образ напоенного весенней влагой пейзажа. Кукушка, несмотря на малый размер, нарисована так живо, что кажется, будто слышен ее крик. Этот лирический пейзаж, вдохновленный китайской поэзией, — одна их вершин художественного творчества Бусона.
Выдающийся художник Сога Сёхаку был причислен к «трём эксцентрикам эпохи Эдо» за смелость подхода и техники, однако его работы также демонстрируют сильную связь с живописью традиционных школ. Большое влияние на него оказала школа Кано, в мастерской которой он учился в юности, а также китайская монохромная живопись XIV–XVIII веков.
Сога Сёхаку (1730-1781).
Даосские бессмертные. Бумага, краски, кисть. Пара шестистворчатых ширм. Собрание Агентства по культуре Японии. Важное достояние культуры.Еще две ширмы Сёхаку. На первой крупно изображены вечнозелёная сосна и журавль. Также около журавля можно увидеть маленькую черепаху.
Вместе сосна, журавль и черепаха являются благопожелательными символами здоровья и долголетия. На второй ширме видим четырёх знаменитых китайских литераторов древности. Каждому из них соответствует определённое растение: лотос, орхидея, хризантема и бамбук. В подобных композициях аллегорически воспевались конфуцианские добродетели. Интересно, что каждое растение указывает на конкретного человека. Например, слева рядом с хризантемами пьёт вино Тао Юаньмин — поэт-отшельник и автор поэмы «Персиковый источник». Японские художники часто создавали парные ширмы, однако «Сосна, журавль и люди» художника Сёхаку изначально имели другую функцию. Они были выполнены для раздвижных дверей, которые есть в любом традиционном японском доме и называются фусума. Если присмотреться, то по краям можно различить следы от ручек. А поскольку ручки на двух панелях разные, то, скорее всего, панели находились в разных помещениях и не должны были создавать композиционный или идейный ансамбль.
Сосна, журавль, люди. Парные ширмы.Огата Корин — один из самых знаменитых художников своего времени. Именно с ним в первую очередь ассоциируется школа Римпа, название которой основано на втором слоге его имени и дословно переводится как «школа (Ко)рина». Благодаря Огате Корину на рубеже XVII–XVIII веков возродились и прочно утвердились те живописные принципы школы, которые были заложены его предшественниками Сотацу (? – около 1643), Коэцу (1558–1637) и Сосэцу (работал в середине XVII века). Корин и его младший брат Огата Кэндзан (1663–1743) происходили из семьи богатого торговца тканями. Занятия ремёслами (керамикой, росписью кимоно), вероятно, повлияло на их приверженность декоративному образу мышления.
Огата Корин (1658-1716). Бог ветра и бог грома.Ширмы «Бог ветра и бог грома» являются одним из самых знаменитых повторений одноимённой работы Таварая Сотацу. Это произведение украшает обложки многих изданий по истории искусства Японии.
Японские художники часто копировали мастеров прошлого: так они обучались технике, выражали глубокое почтение живописи мастеров предыдущих эпох и этим подчёркивали преемственность художественной традиции. Так, сюжет «Бог ветра и бог грома» прошёл сквозь XVII, XVIII и XIX века в работах художников школы Римпа — Сотацу, Корина и Сакаи Хоицу (1761–1828).
Сакаи Хоицу родился в Эдо, но в молодости переехал в Киото, чтобы учиться у мастеров школ Кано, укиё-э и так называемой натуралистической школы Нагасаки, в основе которой лежала китайская живопись. Хоицу опробовал все современные ему живописные стили и только затем выбрал наиболее близкий ему подход школы Римпа. Семья Хоицу некоторое время владела ширмами Огаты Корина «Бог ветра и бог грома». На их обороте и были изначально написаны «Летние и осенние травы», и только в конце XX века в Токийском национальном музее произведения Корина и Хоицу были отделены друг от друга для лучшей сохранности.
Выбор мотива изображения и художественных приёмов в «Летних и осенних травах» не произволен: согнувшиеся под дождём летние травы соответствуют богу грома, а осенние травы приводит в движение как будто сам бог ветра, некогда находящийся на обороте. Несмотря на свойственные школе Римпа яркость колорита и декоративную стилизацию, растения написаны естественно и полны жизни. Новое чувство природы и стремление к натурализму были характерны для искусства последних десятилетий эпохи Эдо.
Китагава Сосэцу — один из двух известных нам учеников и преемников основателя школы Римпа Таварая Сотацу (? – около 1643). Для Китагавы Сосэцу типичны небольшие и простые композиции, а не создание единой и гораздо более сложно организованной пейзажной картины. Показательным примером подхода Китагавы Сосэцу являются ширмы «Цветы»: они созданы в технике аппликации, когда на каждую створку наклеиваются отдельные листы с самостоятельными изображениями.
Сосэцу выдерживает баланс между стилизацией и натурализмом, что типично для художников школы Римпа. Растения легко узнаваемы, но ширма в целом выполняет в первую очередь декоративную функцию. Сосэцу также использует технику тарасикоми, которую перенял у своего учителя: контуры строгие, а жидкие цветные краски наносятся мягко и в два этапа для создания живой и тонкой фактуры листьев и лепестков.
На левой ширме справа налево: глициния и одуванчики; маки; чертополох, весенние побеги хвощей и сами хвощи; кукуруза, цветы фасоли адзуки и листья таро; леспедеца и микант; роза и гортензия.
Сакаки Хякусэн принадлежал первому поколению японской школы бундзинга или нанга. Эта школа ориентировалась на китайскую живопись непрофессиональных художников-литераторов из Южного Китая династии Мин.
Особенность манеры художников бундзинга — нанесение туши круглыми и длинными мазками, а красок — лёгкими цветовыми размывами. Хякусэн родился в семье аптекарей и имел, вероятно, китайские корни. Начинал он как поэт жанра хайку. Это короткие стихи, состоящие всего из 17 слогов. Затем Хякусэн переехал в Киото и стал профессиональным художником. Известно, что он много путешествовал и копировал китайские образцы, постигая особенности стилей и техники. Как и большинство художников школы бундзинга, Хякусэн часто обращался к пейзажному жанру. Примером является представленная на выставке ширма. Целью художника была передача вовсе не реального, а скорее идеального пейзажа. Пейзажа, который отражает эмоциональное состояние художника в момент создания произведения. Как необычно написаны горы в левой части ширмы. В картинах художников бундзинга не редкость искажение форм, нарушение масштабов и выворачивание самого пространства. Но общая композиция ширмы остаётся гармоничной: перегруженная левая часть уравновешивается свободной уводящей вдаль панорамой справа.
По золотому фону ширмы разбросаны веера с различными изображениями. Многие расписаны в манере, характерной для Огаты Корина и Огаты Кэндзана, в ряде случаев используется традиционная для школы Римпа техника тарасикоми.
Кусуми Морикагэ (около 1620 – 1690 (?)). В часы прохлады. Двухстворчатая ширма. Бумага, краски, тушь. Токийский национальный музей. Национальное сокровище.Хонъами Кохо — керамист, живописец и каллиграф школы Римпа. Кохо изображает растения в стиле мастерской Сотацу, используя технику тарасикоми. Однако работы Кохо отличаются тем, как свободно и одновременно деликатно художник использует яркие краски. Он пишет листья и лепестки как бы цветовыми рефлексами, варьирует насыщенность тонов и доводит до максимума эффект от непредсказуемости размывов и переливов цвета.
Особенно хорошо это видно в изображении «красно-белых» кленовых листьев и ствола клёна, кора которого написана с неожиданными вкраплениями изумрудного.
О художнике Таварая Сотацу известно не так много. Он происходил из верхушки торгового сословия, открыл магазин «Таварая» и продавал там свитки, ширмы, веера, кукол и многое другое. Вместе с Хонъами Коэцу (1558–1637) он разрабатывал образцы для кимоно и оформлял интерьеры жилых домов. Сотацу и Коэцу принято считать основателями декоративной школы Римпа. Название «Римпа» утвердилось только в XX веке, а в эпоху Эдо её называли «школой Коэцу», «школой Коэцу-Корина» или «школой Сотацу-Корина».
Таварая Сотацу (?-1643). Слива. Бамбук.Свитки «Слива» и «Бамбук» в полной мере показывают отношение дальневосточных художников к миру природы. В живописном произведении сочетаются простота и асимметрия композиции, соблюдается баланс между пустым и заполненным пространством листа, ясностью мотива и условностью фона.
Сотацу пишет монохромно, с размывами и без контуров, нанося тушь в два этапа — второй слой он кладёт поверх первого, пока тот ещё не окончательно высох — техника тарасикоми. Даже художник не может точно предугадать, какого результата достигнет. Этот приём позволяет создать более естественную и разнообразную фактуру, что невольно побуждает зрителя с интересом разглядывать как бы случайно возникшие размывы и другие живописные эффекты.
В следующем блоге – продолжение выставки «Шедевры живописи и гравюры эпохи Эдо» — Эпоха Эдо: ширмы и свитки. Часть 2.
Период Эдо в 10 словах и 4 школах живописи
История искусств 101
Джоанна Кашубовска 17 января 2022 мин Читать
Период Эдо в Японии длился с 1603 по 1867/8 гг. В это время страной правил сёгунат Токугава. Эти 250 лет были для Японии временем относительного мира, без гражданской войны (восстания все еще происходили). Этот мир вместе со строгим общественным порядком и изоляционистской политикой привел к экономическому развитию, которое, в свою очередь, позволило процветать искусству.
Это ни в коем случае не было справедливым или равным обществом, но и то, в котором мы живем, тоже. Присоединяйтесь к нам, чтобы узнать больше об этом уникальном времени в 10 словах и 4 художественных школах.
Период Эдо начинается, когда Токугава Иэясу становится сёгуном и основывает свою столицу в городе Эдо (современный Токио). Сёгун был тем, кого мы сегодня назвали бы военным диктатором, но они по-прежнему назначались императором. В то время как император и его двор обладали всем престижем, именно сёгун обладал властью и эффективно управлял страной. Титул сёгуна практически передавался по наследству и в период Эдо оставался в семье Токугава. Сёгун правил с помощью чиновников, известных как бакуфу (幕府, «палаточное правительство»).
Даймё Дайме были основой власти сёгуна. Япония в период Эдо была феодальным государством, и землей владели даймё. Разделенные на три группы в зависимости от их близости к семье Токугава, они отвечали за местное самоуправление в своих владениях.
Первоначально налоги, взимаемые с крестьян, делали их очень богатыми, но постепенно расточительный образ жизни сделал многих из них должниками торговцев, которые, что интересно, не облагались налогами как один из низших классов японского общества. Государство считало неприятным облагать налогом такую паразитическую деятельность, как торговля.
Самураи были солдатами, некоторые из них подчинялись непосредственно сёгуну, другие содержались в качестве вассалов у даймё. Самураи не владели землей и не работали, ибо она была ниже их достоинства. Бой был их единственным занятием, но в такой мирный период, как период Эдо, драться было не так уж и много, поэтому многие самураи также посвящали свое время искусству. Для самураев было обычным делом быть хорошо образованными и пользоваться многими социальными привилегиями. Вскоре после периода Эдо их роль устарела, так как было намного дешевле иметь солдат-призывников, которых мы знаем по современным армиям.
Но они использовали опыт, накопленный в период Эдо в управлении поместьями даймё, и многие из них заняли деловые и профессиональные должности.
Санкин-котай был политикой, которая помогала сёгунам держать своих друзей близко, а врагов еще ближе. Он обязывал даймё проводить раз в два года в Эдо (сегодняшний Токио), а также их семьи должны были постоянно жить в Эдо. Это позволяло упростить связь с центральной властью, но также было тонкой формой удержания заложников на случай, если у даймё возникнут какие-либо идеи о восстании. Для сёгуната это имело дополнительное преимущество в виде истощения финансовых ресурсов даймё за счет содержания двух роскошных резиденций; это еще раз гарантировало, что они не будут вести войну.
Сакоку и Рангаку Период Эдо также был временем великого изоляционизма в Японии. Сакоку была доктриной, направленной на то, чтобы не допустить жителей Запада в Японию.
С 1630-х годов иностранцам запрещалось ступать на японскую землю, а нарушение этого правила каралось смертью на месте. Кроме того, японцам, желающим покинуть страну, не разрешалось возвращаться. В определенные периоды периода Эдо судостроение было запрещено. Однако это не означает, что внешней торговли не было. С Китаем велась обширная торговля через порт Нагасаки на крайнем западе Японии, где жили китайцы. Политика гласила, что единственное разрешенное европейское влияние — это голландская фабрика в Дэдзиме в Нагасаки. Это присутствие не нарушало правил сакоку, потому что Дэдзима был искусственным островом и, следовательно, не считался частью Японии.
Вот тут мы и добрались до Рангаку («Голландское обучение»). Как бы Япония ни старалась не допустить чужаков, она все же стремилась узнать о прогрессе, которого добились их враги. Рангаку был совокупностью знаний, разработанных Японией благодаря ее контактам с голландским анклавом Дэдзима, что позволило Японии идти в ногу с западными технологиями и медициной.
Это помогло Японии во время Реставрации Мэйдзи очень быстро догнать западный прогресс.
Я уже упоминал, что самураи были хорошо образованы. В целом население Японии периода Эдо было относительно хорошо образованным, особенно в высших эшелонах власти. Школы ханко или хань были созданы для обучения детей даймё и самураев в местных феодальных владениях. Это были государственные школы, и изначально учебная программа была сосредоточена на конфуцианстве. Однако со временем доступ к школам был расширен за пределы даймё и самураев, а учебная программа была значительно расширена, чтобы охватить обучение классическим японоведам, медицине и различным отраслям западного обучения, включая математику, астрономию, военное дело и баллистику.
Теракоя отличались от ханко тем, что это были частные школы, предназначенные для простых классов, в основном торговцев, у которых были деньги, но они занимали довольно низкое положение в обществе.
Первоначально школы часто существовали при буддийских храмах, но позже они также часто находили место в частных домах высших слоев общества. Учебная программа началась с курсов каллиграфии, а затем расширилась и стала включать счет на счетах, историю и географию. Они рассказывали о повседневной жизни людей, бытовых заповедях, разговорных навыках и моральных ценностях, а также об исторических и географических темах, которые открывали для учащихся более широкий размах общественной жизни.
Укиё означает «летающий мир» — термин, используемый для описания городской культуры, развившейся в период Эдо. В то время, особенно когда высшие классы перебрались в города, мир в сочетании с экономическим прогрессом способствовал развитию культуры досуга. Купеческие классы, находившиеся в самом низу общественного порядка, больше всего выиграли от быстрого экономического роста Эдо и начали предаваться и покровительствовать развлечениям театра кабуки, гейш и куртизанок из районов удовольствий; термин укиё стал описывать этот гедонистический образ жизни.
Культура укиё развивалась в Ёсиваре, лицензированном квартале красных фонарей Эдо. Это была культура, ориентированная на наслаждение жизнью и удовольствия.
Стиль гравюры на дереве, развившийся с расцветом культуры укиё. Тематика варьировалась от женских красавиц; актеры кабуки и борцы сумо; сцены из истории и народных сказок; сцены путешествий и пейзажи; Флора и фауна; и эротика или сцены запекшейся крови. Хисикава Моронобу был одним из первых представителей этого стиля в его зрелом виде. Его отпечатки были монохромными или раскрашенными вручную. Но вскоре последовала цветная печать. К 18 веку мы можем восхищаться работами таких титанов, как Тории Киёнага, Утамаро и Шараку. Традиция продолжилась в 19го века такими достижениями, как « Пятьдесят три станции Токайдо» Хиросигэ или « Большая волна у Канагавы» Хокусая . К сожалению, со смертью этих двух мастеров и окончанием периода Эдо дни укиё-э подошли к концу.
Кабуки Кабуки как театральный жанр возник очень рано в период Эдо.
Считается, что она возникла из женской танцевальной труппы, основанной Идзумо-но Окуни, что интересно, учитывая, что в 1629 г.женщинам было запрещено выступать в кабуки. Он известен своими сильно стилизованными выступлениями, часто гламурными костюмами, которые носят исполнители, и сложным макияжем кумадори, который носят некоторые из его исполнителей. Кабуки часто исполнялся в Ёсиваре и составлял неотъемлемую часть культуры укиё. Широкая привлекательность кабуки часто означала, что на представления собиралась разнообразная толпа из разных социальных слоев, что было уникальным явлением, которое не случалось больше нигде в городе Эдо.
Бунраку — разновидность традиционного японского кукольного театра, основанного в Осаке в начале 17 века. В представлении участвуют три типа артистов: Нингёцукай или Нингёдзукай — кукловоды, таю — певцы и музыканты-сямисэн.
Головы и руки традиционных кукол вырезаются специалистами, а тела и костюмы часто изготавливаются кукловодами.
Головки могут быть весьма сложными механически. В пьесах на сверхъестественные темы марионетку можно сконструировать так, чтобы ее лицо могло быстро превратиться в лицо демона. Менее сложные головы могут иметь глаза, которые двигаются вверх и вниз, из стороны в сторону или закрываются, а также носы, рты и брови, которые двигаются. Бунраку имеет много общих тем с кабуки. На самом деле многие пьесы были адаптированы для исполнения как актерами кабуки, так и кукольными труппами бунраку. Бунраку особенно известен пьесами о самоубийствах влюбленных. История сорока семи ронинов также известна как в бунраку, так и в кабуки.
Теперь давайте подробнее рассмотрим четыре школы изобразительного искусства, которые развивались в период Эдо в дополнение к укиё-э.
Школа Ринпа Школа Ринпа возникла в ранний период Эдо, в основном в ответ на растущий спрос на искусство со стороны торговцев. Художники ринпа работали в различных форматах, в частности, с ширмами, веерами, подвесными свитками, ксилографическими книгами, лакированной посудой, керамикой и тканями для кимоно.
Тема и стиль были довольно консервативны. Часто включают простые природные объекты, такие как птицы, растения и цветы, с фоном, заполненным сусальным золотом. Двумя наиболее важными участниками школы Ринпа были Хонами Коэцу (1558–1637) и Таварая Сотацу (умер около 1640 г.). Эти люди успешно сотрудничали, чтобы объединить изящную каллиграфию Коэцу, написанную поверх декоративных картин Сотацу, создавая объекты с сильным чувством ритма, узором за узором и утонченной элегантностью.
Школа Ринпа была возрождена в эпоху Гэнроку (元 1688–1704) Огатой Корином и его младшим братом Огатой Кензаном, сыновьями преуспевающего киотского торговца тканями. Нововведение Корин заключалось в том, чтобы изображать природу как абстракцию, используя многочисленные градации цвета и оттенка, смешивая цвета на поверхности для достижения эксцентричных эффектов и широко используя драгоценные вещества, такие как золото и жемчуг. Работа братьев Огата, переданная через сборники моделей и руководства, вдохновила многих других мастеров.
Школа Кано — одна из самых известных школ японской живописи. Школа живописи Кано была доминирующим стилем живописи с конца 15 века до периода Мэйдзи. Школа начала с отражения нового влияния китайской живописи и на протяжении многих лет продолжала создавать монохромные картины кистью в китайском стиле. Однако одновременно он разработал яркий и четко очерченный стиль больших панно, отражающий отчетливо японские традиции. Школа поддерживалась сёгунатом, эффективно представляя официальный стиль искусства. Художники Кано работали в основном для знати, сёгунов и императоров, охватывая широкий спектр стилей, сюжетов и форматов.
Школа была основана очень долгоживущим Кано Масанобу (1434–1530), сыном Кагенобу, самурая и художника-любителя. Масанобу обучал своих сыновей Кано Мотонобу (1476–1559) и младшего Юкинобу (или Утаносукэ). Кано Эйтоку (1543–1590), внук Мотонобу и, вероятно, его ученик, был самым важным художником этого поколения и, как полагают, первым использовал фон из сусального золота в больших картинах.
Смелые и энергичные стили с использованием ярких цветов на фоне сусального золота или краски пришлись по вкусу этим посетителям и были применены к большим складным ширмам (бёбу) и раздвижным дверям (фусума). Обычными сюжетами были пейзажи, часто в качестве фона для животных и драконов, или птиц, деревьев или цветов, или композиции с несколькими крупными фигурами, но также рисовались многолюдные панорамные сцены с высокой точки обзора.
Бундзинга, или школа Нанга Еще одним важным направлением в искусстве периода Эдо была бундзинга, или школа Нанга, своего рода литераторская живопись, находящаяся под сильным влиянием китайских литераторов. Этот жанр зародился как подражание китайским художникам-любителям династии Юань, чьи работы и техники пришли в Японию в середине 18 века. Картины, обычно выполненные монохромными черными чернилами, иногда светлыми, и почти всегда изображающие китайские пейзажи или подобные сюжеты, были созданы по образцу картин китайских литераторов, называемых вэнжэньхуа.
Поэзия или другие надписи также были важным элементом этих картин и часто добавлялись друзьями художника, а не самими художниками.
К представителям этого стиля относятся Ике-но Тайга, Урагами Гёкудо, Йоса Бусон, Таномура Чикуден, Тани Бунчо и Ямамото Байицу.
Зенга — это японский термин, обозначающий практику и искусство дзен-буддийской живописи и каллиграфии, которые развивались в период Эдо. Во многих случаях и каллиграфия, и изображение будут объединены в одном произведении. Каллиграфия обозначает стихотворение или высказывание, которое учит какому-то элементу пути дзен; живопись кистью характерна простой, смелой и абстрактной. В соответствии с индивидуальными путями к просветлению почти любой предмет может быть и был поддан Зенге; однако наиболее распространенными элементами изображения были энсо, палки и гора Фудзи. В дзен-буддизме энсо — это круг, нарисованный от руки одним или двумя непринужденными мазками, чтобы выразить момент, когда разум свободен, чтобы позволить телу творить.
Энсо символизирует абсолютное просветление, силу, элегантность, вселенную и му (пустоту) и характеризуется минимализмом, порожденным японской эстетикой.
Столь богатый культурой период, как Эдо, трудно описать в нескольких абзацах, но, надеюсь, вышеизложенное дало вам беглый взгляд на то время. И разожгите ваш аппетит, чтобы узнать больше об этом захватывающем времени, когда Япония закрыла свои границы для посторонних и процветала внутри себя. Искусство, которое они создавали, было настолько влиятельным, что сильно повлияло на художников Запада.
Мы любим историю искусства и пишем о ней. Ваша поддержка помогает нам поддерживать журнал DailyArt и поддерживать его работу.
Журналу DailyArt нужна ваша поддержка. Каждый вклад, большой или маленький, очень ценен для нашего будущего. Благодаря этому мы сможем поддерживать и развивать журнал. Спасибо за помощь!
- 5 долларов
- 10 долларов
- 25 долларов
- 50 долларов
- Ежемесячно
Картины эпохи Эдо: века японского искусства
Эта выставка какэмоно (подвесной свиток) или какэдзику является первой в Италии, посвященной исключительно этому виду искусства, на которой представлены 125 подвесных свитков, а также расписные веера и декорированные лакированные изделия.
из коллекции Перино. Он исследует историю японской живописи и популярных визуальных представлений, изображаемых на протяжении веков, с акцентом на картины эпохи Эдо.
Выставка разделена на пять тематических разделов цветов и птиц, животных, рисунков, пейзажей и растений и цветов. Картины Эдо характеризуются обилием художников, школ и сложных родословных, и эта выставка дает представление об этом меняющемся мире через картины из одной личной коллекции. На выставке представлены работы периода Эдо и других эпох Огаты Корина (1658–1716), Ито Джакутю (1716–1800), Ямамото Байцу (1783–1856), Киши Ганку (1749).-1839) и Тани Банчо (1823-1876),
Традиция школы Кано
Путешествие начинается с изучения ранних работ традиции школы Кано, находящейся под влиянием Китая, уходящей своими корнями в профессиональные студии живописи в средневековом Киото. . Школа развивалась и сосуществовала вместе с традиционной японской живописью yamato-e , которая изначально была создана для иллюстрации классических текстов на длинных горизонтальных свитках, или emakimono , которые регулярно заказывались с 12 по 14 век.
Стиль Кано, тесно связанный с кланом Токугава, впоследствии был институционализирован и признан ведущим традиционным стилем японской живописи и существовал наряду с наследственной традицией школы Тоса, основанной в ранний период Муромати (1336-1573), которая значительно расширилась. благосклонно относился к императорскому двору. Обе школы просуществовали до конца периода Эдо (1603-1867 гг.), времени, когда Япония пережила период великих перемен. Картины на выставке исследуют, как сосуществовали различные живописные традиции, каждая из которых обращалась к своей аудитории, более или менее в той же степени, в какой синтоизм, буддизм и конфуцианство долгое время мирно сосуществовали в Японии.
Матти Форрер, профессор материальной культуры досовременной Японии в Лейденском университете (курировавший выставку), отмечает в своем расширенном эссе в каталоге, что, когда Токугава Иэясу в 1626 году доверил украшение дворца Ниномару в замке Нидзё в Киото молодой Кано Танью (1602-1674), внук Эйтоку Кано (1543-1590), это был престижный заказ, который требовал очень тщательного рассмотрения подходящих декоративных тем для многих комнат.
Украшение должно было не только соответствовать роли различных общественных помещений и их гостей, но и чествовать сёгуна и клана Токугава.
Подходящая тема или стиль всегда были аспектом первостепенной важности при рассмотрении вопроса о создании картин для правящих классов. Затрагиваемые темы служили в первую очередь для подтверждения роли и силы заказчика и лишь во вторую очередь для демонстрации его хорошего художественного вкуса. Работа Танью Кано увенчалась успехом, так как он уже был одним из великих талантов школы Кано, которая уже служила классу даймё и самураев с прошлого века и установлению их линии.
Другие филиалы школы Кано
В 17 веке в Эдо Танью основал филиал Кадзибаши Кано, а его младший брат Наонобу (1607-1650) основал филиал Кобикичо Кано, которым он успешно руководил вместе со своим сыном Кано Цуненобу ( 1636-1713). Таким образом, всем троим сыновьям Таканобу Кано обеспечено блестящее будущее, поскольку в быстро развивающемся городе Эдо было много заказов.
Поскольку в столице проживало более 200 даймё и их семей, они были вынуждены строить роскошные семейные дома. Этот строительный бум был вызван обязательной системой «альтернативного проживания» ( санкин котай ), существовавший с 1642 года. Регламент обязывал дайме через год чередовать в своей вотчине год проживания в Эдо. Школа Кано, несомненно, процветала по сравнению с конкурирующими школами (линии Тоса и Ункоко) благодаря своей тесной связи с кланом Токугава и их захвату власти в Эдо и влиянию на картины Эдо.
До конца периода Токугава и отчасти даже после реставрации Мэйдзи 1868 года художники Кано имели честь служить правящему военному классу, как в своих замках по всей Японии, так и в своих резиденциях в Эдо, а также в различных случаях встреч или церемоний, где нужно было подготовить подарки для гостей.
Появление независимых художников
Однако к середине 18-го века доминирование школы Кано пошло на убыль, вероятно, из-за роста публикаций руководств по живописи и раскрытия в них учений стиля Кано.
Это позволило все большему количеству независимых художников появляться и конкурировать за комиссионные. Например, Ито Джакутю (1716-1800) не заявлял о своей принадлежности к какой-либо конкретной школе, называя себя мирянином, практикующим (кодзи) дзен-буддизма. Эта свобода от происхождения или школьной живописи позволила другим живописным изображениям и стилям стать популярными в картинах Эдо.
Некоторые художники, такие как Икено Тайга (1723-1776) и Ёса Бусон (1716-1784) стали известны благодаря нанге , или южной живописи, другому стилю «китайской живописи», что привело к возникновению южной линии преемственности. , в то время как другие присоединились к более ранней классической традиции японской живописи, ямато-э.
Школа Тоса
Параллельная история школы Тоса также уходит своими корнями в императорский двор Киото. В 1493 году сёгун назначил Тоса Мицунобу (1434-1525) 9-м0155 эдокоро адзукари , начальник Управления придворных картин. После этого Мицунобу нарисовал множество горизонтальных свитков ( emaki ) на различные темы, включая буддийские сюжеты, храмовые истории, изображения призраков и портреты.
В ответ на тесную и длительную связь между сёгуном и живописной традицией Кано китайского происхождения художники Тоса искали вдохновение в славном прошлом эпохи Хэйан (794-1185). Они почитали его стихи, рассказы, романы и рассказы, и на них повлияли картины с изображением цветов и птиц, которые также (полезно) были свободны от каких-либо политических отсылок, используемых в картинах Эдо.
Сумиёси Джокей (1599-1670) первоначально учился у Тоса Мицуёси (1539-1613) и был полноправным художником Тоса в Киото и Эдо, используя имя Тоса Хиромичи, наряду с Мицунори и Мицуоки. В 1661 году принц-монах Мёхо-ин Гёнен наградил его именем Джокей, а позже в том же году званием « хоккё » («Мост Закона»). В 1662 году по приказу императора Госая он принял фамилию Сумиёси и основал одноименную школу живописи в столице сёгуната Эдо.
Школа Сумиёси
Таким образом, школа Сумиёси была прямым ответвлением древней школы Тоса, и, возможно, все это время целью было преднамеренное оживление стиля, который во многих отношениях стал драгоценным и нединамичным.
Конечно, хотя они часто изображали одни и те же традиционные придворные темы, композиции художников сумиёси часто кажутся более расслабленными, а фигуры имеют более очеловеченные, привлекательные лица.
Независимо друг от друга, в начале 1600-х годов, Таварая Сотацу (ум. 1643?) и Ханами Коэцу (1558-1637) работали в Киото с тем же стилем живописи и с сильной связью с классическими темами. Они разработали живописный стиль, который определяется Сотацу-Корин, именно тогда Огата Корин (1658-1716), который продолжил традицию к концу 17-го века в Эдо, где среди его клиентов были как военные, так и богатые дворяне. городские купцы. Сегодня этот стиль живописи, начатый Сотацу, школой Корин, широко известен как 9.0155 Ринпа , из (Ко) Рин, и характеризуется большими полями цвета и стилизованными композиционными элементами, важными жанрами в картинах Эдо.
Некоторые художники работали с другими материалами, поэтому эти стилистические элементы можно найти в лакированных предметах и керамике.
Сам Корин сделал множество рисунков для керамики, изготовленной его братом Кензаном. Сакаи Хойцу (1761-1829), активно работавший в Эдо, был поздним продолжателем этой традиции и работал над ее возрождением около 1820 г., ему также помогал его ученик Сузуки Киицу (179 г.).6-1858), который, в свою очередь, развил эту технику, включив в свои работы другие стилистические влияния.
Вкус литераторов в японской живописи
Примерно с 1700 года китайский идеал ухода на пенсию после трудовой жизни был также принят в Японии, чтобы развивать свои культурные интересы чтения, учебы, иногда садоводства и, прежде всего, использования кисти, чтобы заниматься научными занятиями, такими как живопись и каллиграфия. Художников, сделавших этот выбор, часто называют как в Китае, так и в Японии «литературными художниками» или бунджинга . В Китае ее также называли «Южной школой», или нанга , поскольку идеальным местом для такого выбора считались южные районы, хотя в Японии термин не имеет конкретной географической привязки.
На самом деле японские авторы и художники нанга жили и работали в Киото, Эдо, Нагое, иногда собираясь все вместе, чтобы попытаться продать свои работы на выставках.
Многие художники в стиле нанга фактически пытались свести концы с концами, продавая свои работы: речь точно не шла о том, чтобы насладиться свободным временем после предыдущей активной жизни. В дополнение к рисованию таких предметов, как, скажем, бамбук — их дисциплина заключалась в том, чтобы всегда практиковаться для достижения лучшей техники — большинство из них рисовали идеализированные пейзажи, состоящие из озер и берегов, водопадов и гор, пейзажи как места для уединения и занятий литературой. идеалы.
Даже Тани Бунчо (1763-1841), хотя и самурайского происхождения, изучал различные традиции живописи и в конце своей карьеры стал известен как художник нанга, которого многие считают самым известным японским художником эпохи первая половина 19 века. Одним из последних художников, присоединившихся к этой школе, был эксцентричный Томиока Тессай (1837–1924), который начал изучать стиль нанга в более позднем возрасте, перенял их методы и, как говорят, нарисовал более 20 000 произведений искусства.
Традиция Маруяма-Сидзё
Другой линией преемственности периода Эдо была традиция Маруяма-Сидзё, которая поощряла натурализм и стремилась запечатлеть проблески повседневной жизни. Эта школа, вероятно, была основана Маруямой Окё (1733-1795), художником, который, насколько известно, не имел никакого формального образования, а скорее был самоучкой. Он часто работал с набросков с натуры, а его красочные картины вызывали декоративный натурализм. Он укрепил живописную традицию, известную как Маруяма, по названию города Киото, где у него была студия.
Другое название этой традиции, Сидзё, название другой области Киото, произошло от Мацумуры Геккея, также известного как Госун (1752-1811), который сначала изучал стиль нанга с Ёса Бусоном, а затем увлёкся им. Натурализм Окё. После смерти Бусона в 1783 году Гошун учился у Окё, а позже объединил свой натурализм со стилистическими принципами нанга. Многие художники Маруяма-Сидзё активно переносили рисунки и композиции в книги с ксилографическими иллюстрациями, которые пользовались большим спросом на рынке.
Традиция Киши
В 18 веке традиция Киши, начатая Киши Ганку (1749 или 1756-1839), также была связана со школой Маруяма-Сидзё, однако Ганку разработал свой типичный стиль после изучения обоих Художники Кано и влияние китайского натурализма, представленного в Нагасаки Шэнь Наньпинем около 1730 года. Будучи вассалом принца Арисугавы, Ганку имел возможность изучать своих живых тигров, содержащихся в неволе, и сделал рисование этих животных своей специальностью. Школу Киши продолжили его сын Гантай (1782-1865), приемные сыновья Ганрё (1798-1852) и Рэндзан (1805-1859), а также его внуки Га кей (1811-1848), Ганрей (1816-1883) и Гансэй (1827-1867).
По мере того, как с обилием руководств по рисованию появлялось все больше независимых художников, начинающие художники могли также посещать различные школы живописи, часто получая шанс остаться, надеясь, что их мастер найдет покровителей и достаточно работы для студии — именно так, как это было делали на Западе. Однако также можно было оставаться независимым и, при наличии достаточного опыта, иметь коммерческий успех.
Ито Джакутю (1716-1800), сыну богатого киотского купца, повезло: экономическая обеспеченность позволяла ему сохранять независимость. Множество экзотических птиц в его саду были постоянным источником вдохновения для его очень натуралистичных и красочных работ. Но иногда он также работал по-новаторски, быстрыми мазками черной туши.
Эксцентричные художники
Сога Сёхаку (1730-1781) считался его современниками сумасшедшим, и, конечно же, его эксцентричное поведение не соответствовало тихим и вежливым манерам жителей Киото, где он изучал традицию Кано и живопись тушью. , категорически против Okyo. Он разработал свой собственный стиль, рисуя энергичными мазками в основном пейзажи и легендарные фигуры из китайской истории. Художник из Осаки Мори Сосен (1747–1821) — еще один такой художник, работающий в этой категории. Хотя иногда считается, что он работает в традиции Сидзё, мало что известно о его ученичестве. Однако мы знаем, что он любил наблюдать за животными в дикой природе — обезьянами, оленями и другими существами — и что позже он сделал изображения макак своей специальностью.
Затем мы переходим к одному из самых известных художников 18 века, Нагасаве Розэцу (Киото, 1754-1799), который пытался поступить в школу Окё в качестве ученика, но был неоднократно исключен из мастерской за неуважительное и неуместное поведение. поведение. Похоже, большую часть своей жизни он отличался порывистым и импульсивным характером. Известный как один из самых эксцентричных и изобретательных художников Японии раннего Нового времени, Нагасава Розетсу за свою короткую карьеру создал визуально захватывающие, не поддающиеся классификации работы. Его очень динамичные и индивидуалистические картины были созданы энергичными мазками кисти, а иногда даже пальцами в методе, называемом ситога (использование пальцев и рук, а не кистей). Однако Розэцу создавал и более тонкие композиции, написанные тонкой кистью в богатой цветовой палитре, изобилующие энергией, остроумием, которые до сих пор сохраняют огромную привлекательность для современной публики.
Влияние Запада и рассвет эпохи Мэйдзи
Наконец, когда Япония открылась для западных народов, японские художники начали экспериментировать с масляной живописью, а некоторые уехали за границу изучать зарубежные техники.