homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Арт-дизайн – это что такое: определение и виды термина

София Орлова

Термин арт-дизайн – это направление в искусстве, в котором соединены приемы авангарда и промышленного дизайна.

Эта дисциплина началась с потребности человека создавать вокруг себя гармоничную среду. Инструменты дизайнера – это сочетание конструирования и фантазии. Несмотря на то, что декоративно-прикладное искусство – это творческая материя, она имеет жесткие основы. Например, внешний вид вещи и её форма должны определяться несколькими принципами технической эстетики, которая является основоположницей дизайна:

1. Функциональностью.
2. Материалом, из которого вещь сделана.
3. Технологией, по которой её изготовили.
4. Идеологией, которая принята в обществе.

Полезной вещь становится только в том случае, если она отвечает всем этим критериям. Так вот, арт-дизайн намеренно отказывается от этих канонов и заново изобретает предметы обихода.

Обозначение арт-дизайна

Определение термина арт-дизайн википедия не дает. Чтобы понять этот термин нужно вникнуть в теорию искусства. Арт-дизайн – это одно из его ответвлений, у него сильная художественная составляющая. Арт-дизайн позволяет по-другому взглянуть на обыденные вещи. Объекты этого направления – мебель, картины, статуэтки, плакаты и постеры. Иногда к этому ответвлению относится даже татуировка, боди-арт и рисунки на ногтях.

Эта отрасль отдаленно связана с истоками и технической эстетикой, поскольку утилитарность вещей и их полезность отходят на второй план. На переднем плане – эстетическая составляющая и впечатления.

Как применяется арт-дизайн

Рассмотрим, для чего нужен арт-дизайн и где применяется. Назначение направления в том, чтобы доставлять зрителю эстетическое удовлетворение. Эту ветвь декоративно-прикладного искусства понимают не все люди, однако определённому кругу лиц такой подход нравится. В своем творчестве художники применяют привычные материалы – дерево, текстиль, металл, кожу. Иногда сырьем выступают неожиданные материалы, например, отходы пластика или другие вещи.

Создание арт-объектов из мусора пришло от западных художников. Так они призывают людей задуматься о загрязнении окружающей среды пластиком.

Таким образом, видно, что это направление служит для разных целей. С одной стороны, это способ самовыражения и утверждения собственного видения мира. С другой стороны – это метод, который может привлечь внимание людей к важным проблемам.

Если рассматривать практическую сторону арт-дизайна и его применение в жизни, то в строительстве он встречается в виде различных «самоделок».

1. Искусственная кирпичная кладка из штукатурки. Этот элемент можно встретить в интерьере в стиле лофт, если он создаётся в квартире, где нет естественных кирпичных стен. Чтобы сделать такой элемент, нужно замесить густой раствор, сделать «кирпичную» разметку на стене, наклеить по линиям малярный скотч и щедро нанести штукатурку. Удобнее всего декорировать стену небольшими участками, чтобы скотч снимался ровно. Когда всё готово, остается дождаться высыхания штукатурки и окрасить стену.
2. Необычные способы окраски стен. Обычно их используют для созданий паттернов. В ход идёт все что угодно – пупырчатая пленка, обернутая вокруг валика или резинки, намотанные на деревянный брусок. Полосы создают при помощи малярного скотча или просто наносят краску на стену шприцем. Струя краски под действием силы тяжести стремится к полу, рисуя ровную линию. Неровности и потёртости на свежеокрашенной стене можно сделать при помощи жесткой щетки.
3. Отделка стен без использования обоев или краски. Если в доме скопилось много старых компакт-дисков или виниловых пластинок, ими можно оклеить стену. Получится акцентная стена, у которой будут все шансы для того, чтобы стать арт-объектом.

Принципы арт-дизайна

Поскольку этот термин достаточно сложный и многогранный, не существует определённой его классификации и деления на типы. Существуют отдельные принципы, которые описывают это явление как:

1. Стиль. Это самое широкое понимание термина, поскольку он постоянно меняется и расширяется его толкование.
2. Метод работы, причём здесь исследователи подчёркивают, что художники проектируют эмоции, а не пространство. Удобство для художников отходит на второй план.
3. Вид творчества, поскольку они неразрывно связаны.

Черты арт-дизайна

Несмотря на то, что основной особенностью этого ответвления считается многогранность, стоит показать, какие у него бывают особенности:

1. Нетривиальное использование цветового круга, резкие светотеневые переходы.
2. Эклектизм. Художники сочетают несочетаемое. Этот прием помогает нащупать новые направления в декоративно-прикладном искусстве.
3. Работа с непривычными образами и материалами. Эта черта прослеживается в композициях на тему загрязнения окружающей среды. Художники используют бытовой мусор и вторсырье. Для обстановки дома часто применяются детские игрушки. Их можно встретить в декоре светильников или книжных полок.
4. Ручной труд. Поставить производство объектов арт-дизайна на поток невозможно, поскольку каждый продукт является штучным.

Арт-дизайн, первичные признаки

Находясь в процессе подготовки выставки секции «Арт-дизайн», хотим вам представить статью из журнала «Техническая эстетика». ТЭ издавался в СССР с 1964 по 1992 год ВНИИТЭ (Всесоюзный Научно-исследовательский Институт Технической Эстетики). Подборка ТЭ является, безусловно, одним из раритетов библиотеки Санкт-Петербургского Союза дизайнеров.

В данный момент мы не имеем возможности сделать доступ к изданиям открытым для всех желающих. Надеемся, что это в скором времени случится. Но даже в этом случае номера ТЭ едва ли можно будет взять домой для изучения. Формат, выбранный нами для этой публикации, так же намекает на большую значимость графических дизайнеров в подготовке выставки. Обложка выпуска журнала «Техническая эстетика» 9/1989, статья в оригинальной верстке, несколько иллюстраций и сам текст. Более качественные изображения вы можете без труда найти в интернете. Такого текста в интернете вы не найдете, по крайней мере до его публикации на нашем сайте.

Обратите внимание на то, что статья в номере вышла при жизни дизайнера. Её автор Ю. В. Шатин (ВНИИТЭ), в настоящий момент, доктор филологических наук, профессор НГПУ, главный научный сотрудник сектора литературоведения Института филологии СО РАН. Предлагаем вам в связи с предстоящей выставкой проанализировать эту статью в историческом контексте развития дизайна.

Этторе Соттсасс

Итальянский дизайнер Этторе Соттсасс – один из самых многоликих и в чем-то противоречивых дизайнеров современности. Он автор многочисленных разработок для крупнейшей итальянской промышленной фирмы Olivetti; неоднократный участник и лауреат различных национальных и международных дизайнерских выставок, в том числе экспозиций «Италия: новая жилая среда» [Нью-Йорк, 1972г.], «Что такое дизайн?» [Милан, 1979 г.], «Форум дизайна» [Линц 1980 г.], «Провокации – новые тенденции в итальянском дизайне» [Зап. Берлин, 1982 г.], «Дизайн после 1949 года» [Филадельфия, 1984 г. ]. В 1981 году вместе с несколькими единомышленниками организовал знаменитую студию «Мемфис», работа которой оказала заметное влиянии на историю мирового дизайна. В 1985 году основал новую творческую студию «Энорм», платформа которой отличается от установок группы «Мемфис», но продолжает экспериментальную линию в итальянском дизайне. На протяжении всей профессиональной деятельности Э. Соттсасса а его творчестве постоянно сосуществуют два подхода к дизайну – экспериментаторский и рациональный. Практическую работу Соттсасс совмещает с педагогической.

В настоящее время он ведет курс [вместе с М. Дзанини] «Городское оборудование» в Академии Домус. Этторе Соттсасс родился в 1917 году в Инсбруке (Австрия), в 1939 году окончил архитектурный факультет Туринского политехнического института, однако в связи с началом II Мировой войны был призван в армию. Долгое время он провел в лагере для военнопленных и вернулся в Италию лишь в 1945 году. С успехом участвовал в архитектурных конкурсах, но не архитектура давала ему в те годы средства к существованию: более десяти лет он проектировал интерьеры, делал сам мебель, декоративные вазы и скульптуры, продавал свои картины.

Некоторые его работы были показаны в журнале «Domus» и заинтересовали А. Оливетти, который в 1956 году пригласил Соттсасса работать на фирме. Через два года Э. Соттсасс (после смерти М. Ниццоли, ранее занимавшего эту должность) главным консультантом Olivetti по дизайну. В 1981 году он основал студию «Мемфис» и с этих пор имя Этторе Соттсасса чаще всего связывают со «стилем Мемфис». «Мемфис» вызвал нечто вроде революции в дизайне, проекты этой группы были немедленно противопоставлены функциональному дизайну и «Дизайну хорошего вкуса». Они стали причиной пламенных полемик, оживив увядшие было споры «о форме и функции». В первом каталоге работ студии «Мемфис», ставшем её своеобразным манифестом, один из идеологов нового направления Б. Радиче заявила о намерении своих единомышленников «направить проектирование на новую линию в дизайне мебели, на новый образ жилища и предметов повседневного обихода», на новые возможности формирования образа жизни. Э. Соттсасса без натяжек можно считать главной фигурой этого движения, его идейным вдохновителям и мастером.

Как же случилось, что лидером группы, максимализму которой могут позавидовать самые авангардные молодежные объединения, стал человек далеко не первой молодости (в 1981 году Э. Соттсассу исполнилось 64 года)? Что бы попытаться понять это, необходимо вспомнить 50-е годы, когда сорокалетний архитектор, художник-оформитель, прикладник и живописец впервые профессионально занялся дизайном.

Свою работу в фирме Olivetti он начал с проектов вычислительной техники и пишущих машин. Безукоризненный дизайн изделий принес им мировое признание. Но работа в рамках общепринятых установок с самого начала стесняла дизайнера. Постоянные поиски ответа на вопрос: что же такое современный дизайн? – вот что стало основой всего творчества Э. Соттсасса. Недовольство, неудовлетворенность, творческие муки и метания, решительное отвержение только вчера найденных идеалов и недолгая абсолютизация новых – вот что сопровождало в общем успешную работу в «реальном » дизайне. К середине 60-х годов три итальянца – Джо Ч.

Коломбо, Марио Беллини и Этторе Соттсасс заняли неоспоримо лидирующее положение а национальном, а отчасти и в мировом дизайне. Каждая новая вещь, созданная кем-либо из них, в кругах дизайнеров, критиков, искусствоведов принималась с энтузиазмом, вызывала и восхищение, и горячие споры. Только заказчики не спорили: высокая проектная культура была залогом успешного сбыта этих изделий.

Но Соттсасс всегда был чужд самоуспокоенности и не удовлетворялся достигнутым. В те же годы, углубленно изучая авангардисткою живопись и скульптуру, он находил в них идеи воплощавшиеся затем в его проектах «Поэтической мебели», которые он делал для фирмы Poltrona. Его «странная керамика» рождалась под влиянием восточных философий, постижению которых он отдавал немало времени и сил. Работы такого рода стали широко известны, и Э. Соттсасс был признан вождем «радикального» дизайна – самого решительного течения в итальянском дизайне 60-70-х годов. Чуть позже он сформировал позиции «конртдизайна», настаивая, что необходимо опустошить жилище, сформировать пустое пространство, в котором «можно жить и работать вне специально задуманной структуры».

Приверженцы этой платформы решительно отвергали все методики, не признавали знаковой функции вещи. И они, и сам Соттсасс в рамках «контрдизайна» ограничивались лишь концептуальными проектами, ни мало не заботясь об их реальной судьбе. Не без участия Соттсасса было создано и объединение Global Tools, мыслившееся как экспериментальный центр с сетью лабораторий в городах Италии и других стран. Объединение начало свою деятельность с громкого манифеста, совместно принятого в 1973 году группами Superstudio, Archizoom и «9999», в которые входили наиболее радикально настроенные дизайнеры тех лет. Конец этого альянса был скор, более или менее скандален, но не принес полезных плодов: отчаявшись создать единый творческий центр наподобие Баухауза и Ульмской школы, бывшие единомышленники мало-помалу окончательно разошлись во взглядах и самораспустились после скромного банкета в сельскохозяйственной постройке. Во время банкета в небо был запущен шар-монгольфьер с логотипом объединения – единственный вещественный след его существования.

И все же деятельность этих групп не прошла даром: критический анализ социокультурной сущности дизайна, попытки найти действенный регулятор дизайнерской активности способствовали нарастанию потенций итальянского дизайна. Но Э. Соттсасс привык отстаивать свои позиции не разговорами, а делом. Он никогда не был конформистом, но его протесты не переходили в отказ от проектной деятельности, к которому призывали в 70-е годы адепты «Контестационного» (то есть «протестующего») дизайна в Италии. Он всегда работал, создавая проекты того, что могло быть реализовано промышленностью.

Продолжая работать для фирмы Olivetti, Этторе Соттсасс ищет свое «лицо» в дизайне, пытается создать такой язык форм, который отвечал бы его представлениям о современности. Сегодня уже легко проследить в его работах конца 60-х – начала 70-х годов зарождение и развитие «Мемфис». Керамика, с которой Соттсасс всегда любил работать, слишком мелкомасштабный объект, чтобы оказать сколько-нибудь заметное влияние на образ и стиль жизни. Стремлениям дизайнера в большей степени соответствовала мебель. Её существование влияет на облик окружающей среды, определяет стиль жизни того, кто ею пользуется.

В 1969-1970 годах появилась новинка фирмы Рoltrova – «серая мебель». Критики и искусствоведы находили в этой новой работе дизайнера отголоски ацтекской скульптуры, радиоприемников 30-х годов, мотивы его собственной керамики. Мебель не была лишь увеличенным повторением соттсассовских фаянсовых ваз, пепельниц и рамочек, хотя по стилю и довольно близка к ним. Она не вламывалась в жилище, как непомерно разросшийся настольный предмет, но была предельно соразмерной человеку и своему назначению, гармоничной, хотя и непривычной по облику. Некоторый элемент эпатажа в ней был, но не становился самодовлеющим. В этой работе отразилось основное в творчестве Соттсасса-дизайнера: ориентация на самую передовую технологию. Мебель изготавливалась из окрашенного в массе стеклопластика методом вакуумного формования, что для того времени было на грани возможностей массового производства.

Разворот журнала «Техническая эстетика» 9/1989 со статьей «Этторе Соттсасc» Ю.В. Шатина

Продолжая поиски все новых путей эксперимента, Соттсасс в 1976 году вместе с А. Мендини, А. Бранци, М. де Лукки и П. Навоне основал новую студию «Алхимия», в которой иронически переосмысливались приемы формообразования и материалы 50-х годов, обсуждались возможности возрождения декора, перенесение в дизайн творческих принципов «изящных искусств». Это было продолжением долговременного бунта против ортодоксального функционализма, бунта, составляющего неотъемлемую часть итальянского дизайна. Его эволюция логически привела к вычленению особой сферы «артистического дизайна», в котором Э. Соттсасс – одна из самых ярких фигур. В студии «Алхимия» брались за все: проектировали и сами ткали гобелены в духе «нового дизайна», делали мебель, посуду. Работая в студии Соттсасс надеялся «покончить с нейтральностью реального дизайна». Он рассматривал свою деятельность как альтернативу господствующему рационалистическому его толкованию, как протест против устоявшихся представлений о функциях дизайнера, как отрицание делом традиционных трактовок культурных и эстетических ценностей. В это же время Э. Соттсасс всерьез увлекся футурологическими аспектами дизайна. На конгрессе в ИКСИД в Мехико (1979 г.) он настаивал на социальной ответственности дизайнера вместе с другими членами общества за формирование идеалов будущего человечества и его прогресс. Но к сожалению нарисованная им перед участниками Конгресса картина будущего была столь утопичной, что вызвала лишь ужас у одних и иронию у других.

Отход от дизайна вещей в сторону «проектирования без действия», как определяет утопию Т. Мальдонадо, знаменовал собою период своеобразного «кризиса» в творчестве Э. Соттсасса как дизайнера – практика. «Алхимия», в которой царило штучное производство и более того «бумажный дизайн», была, казалось бы, самым неподходящем местом для Соттсасса, еще недавно отстаивающего непременное тиражирование дизайн-проекта. Однако пути истинного таланта неисповедимы, и о том, где он приживал взлеты, а где падения, можно судить лишь по прошествии времени. Во всяком случае, все вторая половина 70-х годов была для Соттсасса временем эскизов, набросков идей, проектных утопий. Именно тогда Соттсасс говорил, что неосуществленные намерения для него – отнюдь не повод для разочарований, что эскизы и утопии, не подразумевающие когда-либо материального воплощения, – неотъемлемая часть творческого самовыражения дизайнера. Он утверждал, что реализация и «Не-реализация» – равноправные возможности существования проектной идеи.

Наиболее возделанным, но и более всего обещающим полем для дизайнерского эксперимента, пожалуй, всегда остается мебель. В 70-е годы итальянские дизайнеры попытались избавить её от безусловной принадлежности к числу «полезных объектов», к которым её относил рационализм. Они стремились сформировать ее новый образ – более поэтический, ритуальный, более «фиктивный». Установка студии на эклектизм в жилой среде была близка Соттсассу, который тогда был уверен, что «тотальная идеология, по которой стулья должны быть того же цвета, что и стол, а стол – того же стиля, что и стулья, идеология тотального контроля среды сегодня исчезла, и тем лучше». Впрочем, этим взглядам он был верен и в период «Мемфиса» и позже. В 1985 году в интервью для журнала «Archtecture d’hui» (Франция) он сказал: «… не говорите мне, что стол должен быть сделан, следую точным критериям, даже если его размеры более или менее стандартны. Если я нарисую с кривыми или разными ножками, это не значит, что такой стол менее полезен, чем стол с прямыми. Почему он менее полезен? За ним так же хорошо можно пообедать, может быть даже лучше, поскольку, глядя на такой стол, невольно развлекаешься».

Разумеется, не только мебелью занимался Соттсасс в те годы. Он проектировал посуду, декоративные изделия, вещи без определенного назначения, фантастические сооружения для Земли и иных миров. Общим для всех его проектов был концептуальный характер, лишь малая толика его работ овеществилась а материале. Не стали реальностью и его проекты уличных киосков, рекламных тумб и т.д.

Уход Э. Соттсасса в проектный эксперимент представляется вполне естественным, если вспомнить, что именно с начала 70-х годов итальянский, а отчасти и европейский дизайн переживали период некоторого разброда. Вновь встал вопрос о сущности дизайна, о его целях, идеалах, средствах. Поиски Соттсассом нового, «альтернативного» дизайна были своего рода социальным протестом, отказом от традиционных представлений о функциях дизайнера в современном обществе. Протестом был и его заведомо утопический проект оборудования для жилища, представленный на выставку «Италия. Новая жилая среда» в Нью-Йорке, и участие в выставках с названиями, свидетельствующими о новой неопределенности в понимании дизайнерами своего места.

В 1979 году а Милане он вместе со старейшими представителями итальянского дизайна Дж. Понти, И. Гарделлой и дизайнерами «его поколения» М. Беллини, Г. Ауленти, Б. Мунари (хотя они значительно моложе его по возрасту, они пришли в дизайн одновременно с Э. Соттсассом) организовал выставку под вечным вопросом: «Что такое дизайн?» Выставка была неординарна по составу экспозиции: там были показаны не только промышленные изделия, которые всегда рассматривались как единственная сфера интересов настоящего дизайнера, но и ремесленные изделия, промысловые орудия и многое другое. Экспозиция её была скорее не ответом на поставленный её названием вопрос, а новым вопросом – о месте дизайна в ряду других профессий, чья функция создание материальной культуры человечества. В 1880 году в австрийском городе Линце на выставке «Форум дизайна» Соттсасс участвовал в разделе, снова под вопросительный знак: «Что же такое современный дизайн?» Скорее же, вопрос в то время стоял несколько иначе: не «что такое (современный) дизайн?», а «что противопоставить обветшавшим изрядно догмам функциалистского дизайна?» Попыткой ответить на этот вопрос и были близкие по духу идеи «эмоционального», «концептуаль-поэтического» и других «дизайнов», выдвигающиеся Соттсассом. Самой решительной попыткой найти это ответ с переходом от слов к конкретному делу и стало открытие студии «Мемфис».

Зимним вечером 1981 года в доме у Этторе Соттсасса М. Де. Лукки, Б. Радиче и хозяин дома под песню Боба Дилана «Мемфис Теннеси» решили создать предприятие, которое могло бы доказать делом жизнеспособность «нового дизайна». Название подсказала песня. Кроме того, Мемфис – крупнейший город Древнего Египта, известный великолепным храмом Фта – покровителя художников, Мемфис – довольно крупный промышленный и сельскохозяйственный центр, порт на Миссисипи, где возник и расцвел рок-н-ролл. Новый экспериментальный, проектный и производственный центр был организован в Милане, поскольку тамошние промышленники известны своей динамичностью и чуткостью к новым идеям.

Основатели нового предприятия поясняли, что «Мемфис» – это лаборатория поисков новых образцов быта, изменений взаимоотношений с вещами, новых критериев дизайна. «Мемфис скоро выйдет из моды, – говорили они, – но это не мода. Мемфис эклектичен, он банализирует золото и мрамор и облагораживает чистый пластик, нержавеющую сталь и каучук. Он стремится освободить пространство, демонументализировать архитектуру, сорвать покровы с тайны памяти навсегда». Привлекательность нового направления была в отсутствии догматизма.

Стиль «Мемфис», родившийся в 1981 году, возник, конечно не на пустом месте: некоторые его элементы восходят к «ар-деко» и даже к искусству древних цивилизаций, некоторые были найдены представителями «банального дизайна» и самим Соттсассом еще на первых этапах его творчества и в качестве вариантов присутствовали во всех его значительных работах, много родилось в студии «Алхимия», немало привнесли и все те, кто приехал в Милан и не только из Италии, но и из самых отдаленных уголков планеты. Все это быстро сплавилось в явление, которое вскоре всколыхнуло мировую дизайнерскую мысль, показало неординарность подходов и концепций, возможность практической реализации тех идей, которые в недавнем прошлом воспринимались как не серьезные и скандальные.

«Мемфис – это визуальная музыка без слов, – говорил дизайнер Дж. Дж. Соуден, – это надо воспринимать в серьез!» Журналист П.А. Спарк писал: «Мемфис станет Меккой всех тех, кто ещё верит в дизайн. Вещи Соттсасса и его друзей – странные, ироничные, разукрашенные – выражают одновременно ностальгию по прошлому, настоящее и надежду на будущее». Новое было непривычным, даже шокирующим, странным но притягательным. «Мемфис» преобразует площадку дизайна в каток, – пояснял Де Луки. – Редкий устоит на ногах на этом катке!»

Расцвет студии «Мемфис» был недолгим, но он сыграл свою роль, показал – особенно молодым дизайнерам – пути выхода из устоявшихся и застоявшихся схем. Совсем другое дело, что он не стал промышленно-коммерческим предприятием, а слово Мемфис – логотипом на серийной продукции, как того хотели Э. Соттсаас и Б. Радиче. По инициативе главы Arteluce, фирмы, финансирующей деятельность «Мемфиса», в 1984 году был взят новый курс, получивший название «Метамемфис»: проектирование и изготовление коллекций уникальной «художественной» мебели. Соттсасс с Б. Радиче покинули созданную ими группу.

Не смотря на довольно долгое увлечение чистым концептуализмом, Э. Соттсасс все-таки остался дизайнером, чья работа связана с промышленным и серийным производством. Такова его позиция. «Я ненавижу ремесленное производство, – говорил он интервьюеру « Architecture d’aujord’hui». – Ненавижу как социальное условие. Это возмутительное условие в плане как политическом, так и, безусловно, моральном. В отличии от всех этих художников, которые берутся сегодня за проектирование мебели, мы уверенны в своих разработках, и особенное внимание уделяем проблеме тиражирования. Мебель «Мемфис» не может быть изготовлена руками, мы, сколь возможно, используем распространенные методы индустриального производства».

Уход Этторе Соттсасса из студии был логичен и неизбежен. Но это не стало катастрофой для немолодого, но полного сил дизайнера. По обилию и разнообразию идей едва ли какой-нибудь современный дизайнер может с ним сравнится. Единственное условие появления идеи – напряженная работа. «Чтобы идея появилась, – признавался Э. Соттсасс, – я должен быть один в тихом месте и очень усталым; это бывает в моменты, когда интеллект не работает, а работаем нечто иное, сам не знаю, что именно».

Соттсасс всегда жаден до деятельности. В 1985-1986 годах он берется за обновление ассортимента изделий их мрамора крупнейшей в Италии фирмы Up S Up. Вошедшей в последнее время из моды мрамор долгие годы использовался итальянской промышленностью исключительно в «нетворческих» целях. Соттсасс вместе с несколькими приглашенными фирмой дизайнерами сумели представить непопулярный в век пластиков и декоративных покрытий материал как вполне современный и «дизайнерский» Затем Соттсасс участвует в подготовке нескольких выставок в разных странах, преподает и, наконец организует новую творческую группу – «Энорм».

Эта группа была основана с целью достичь синтеза итальянского дизайна и передовой американской технологии «для создания изделий, предназначенных для современной жизни». В нее вошли помимо Соттсасса, американский дизайнер Д. Келли и швейцарский финансист Ж. Пигоции, известный своими чудачествами и тягой к необычному. Название группы дает простор для самых разных толкований: по-французски «enorme» означает «колоссальный, необъятный, гигантский» и одновременно – «невероятно гнусный». В качестве фирменного знака использована маленькая фигурка борца сумо (японская национальная борьба, в которой вес участника должен быть не ниже определенного предела – более 100 кг). Тайный смысл этого знака ни Соттсасс, ни его единомышленники не раскрывают. Можно лишь предположить, что это символ гигантских возможностей современной технологии, которые сегодня демонстрирует японская промышленность. Возможно и другое толкование: как бы не были велики достижения японской технологии, потенции дизайна не меньше. Сам Соттсасс видит смысл существования новой групп в проектной деятельности: «Мы исследуем проект, мы вкладываем в него самих себя, мы его завершаем, затем мы путаемся продать его промышленности».

В отличии от группы «Мемфис», где коммерческая организация формировалась, не ожидая клиента, в данном случае вся работа строится в расчете на будущего заказчика. Особенность лишь в том, что выполняя инициативный проект, Соттсасс предлагает заказчику уже готовое изделие. Нельзя сказать, что первые опыты новой группы были триумфальными. Из её разработок наиболее известен телевизионный аппарат с фирменным знаком и логотипом «Enorme», ставшим наименованием модели. Первоначальная идея заключалась в создании аппарата даже не завтрашнего дня, а более отдаленного будущего: бескабельного, способного «развиваться», то есть по мере технического прогресса дополнятся все новыми и новыми модулями, выполняющими все новые функции. Попытки заинтересовать клиентов столь хитроумным аппаратом были не слишком успешными, и пришлось пойти на некоторые уступки сегодняшней реальности. Появился кабель, электронные блоки пришлось упростить, от ряда необходимых (но только в будущем) функций отказаться. Однако ценность этой работы Э. Соттсасс в том, что он показал: дизайн способен сделать самый сложный в техническом отношении объект близким человеку. В каждой вещи Соттсасс стремится найти элементы ритуала. Еще несколько лет назад он говорил: «Когда я проектирую электронные машины, я пытаюсь внести в них некоторую степень ритуальности, ибо иначе работа видится лишь как неизбежное несчастье».

Стремление опоэтизировать рабочие и бытовые процессы можно считать главным в творчестве Соттсасса. Он стремился прикоснуться к границам неуловимого, вырваться за пределы повседневности, в каком бы качестве в каждой свей работе он ни выступал: функционалиста, модерниста или сторонника «ретро». Он многообразен: как сравнивать его проекты, выполненные для Olivetti (вычислительная техника, пишущие машины) или Erco (светильники), с его же работами для фирмы Cedit (декоративная керамика) или Print (проектные утопии)? С одной стороны, технически сложные изделия самых передовых рубежей НТР, с другой – вещи и проекты, которые олицетворяют лишь стремление к собственному художественному самовыражению. С одной – коллективное творчество, координированное действие в многопрофильной группе, с другой – артистический индивидуализм. Однако, во всех своих ипостасях Э. Соттсасс всегда остается убежденным дизайнером. Его идеи и концепции призваны обогащать проектную культуру, а проекты – воплощаться методами современной индустрии.

Материал подготовила Александра Траубе.

Что я могу сделать со степенью в области искусства и дизайна?

Если вы ищете степень, которая позволит вам использовать свои творческие способности, а также подтвердит ваши полномочия для нескольких интересных и инновационных карьер, тогда вам может подойти степень в области искусства и дизайна. Студенты подготовлены ко многим профессиям в области искусства и дизайна, таким как художник, графический дизайнер, иллюстратор, гравер и фотограф. Курсы, которые вы проходите, получая степень в области искусства и дизайна, расширяют ваши знания и дают вам необходимые инструменты для достижения наилучших творческих результатов.

Степень в области искусства и дизайна изучает различные визуальные средства, такие как живопись, рисунок, скульптура и графический дизайн. Специалисты по искусству и дизайну изучают основные принципы дизайна, теорию цвета, критическое мышление и художественные приемы. Они также имеют образование в области истории искусства, которая включает в себя выдающиеся художественные движения на протяжении всей истории, художников, изменивших мир, и известные произведения.

Степень в области искусства и дизайна — это уникальная личная степень, при которой вы разрабатываете свое собственное портфолио работ. В отличие от многих других программ на получение степени, у вас действительно будет шанс проявить себя в искусстве и дизайне.

По мере получения степени вы также сосредоточитесь на областях искусства и дизайна, которые вас интересуют, и сможете максимально использовать свои таланты.

«Что вы можете сделать с этой степенью?» Серия

Нажмите, чтобы просмотреть серию…

• Степень бухгалтерского учета
• Степень в области искусства и дизайна
• Автомобильные технологии
• Степень биологии
• Бизнес-степень
• Химия Степень
• Степень связи
• Степень компьютерных наук
• Косметологический сертификат
• Степень уголовного правосудия или права
• Степень кулинарного искусства
• Высшее экономическое образование
• Степень образования
• Инженерная степень
• Степень английского языка
• Финансовая степень
•  Степень игрового дизайна 
• Управление здравоохранения
• История Степень
• Кинезиология
• Маркетинговая степень
• Степень математики
• Степень медсестры
• Степень по физике
• Степень политологии
• Степень психолога
• Степень социальной работы
• Степень социологии

Рекомендуемые онлайн-школы

Какая аккредитация должна быть у моей программы получения степени?

Аккредитация – это процесс, посредством которого колледжи и университеты оцениваются и утверждаются. Колледжи и университеты, получившие аккредитацию, соответствуют стандартам, установленным аккредитующими организациями. Эти организации состоят из преподавателей различных аккредитованных колледжей и университетов. Законные региональные и национальные аккредитационные организации признаются Министерством образования США (ED). Как правило, Совет по аккредитации высшего образования (CHEA) признает одни и те же учебные заведения, хотя признание CHEA не является обязательным. Колледж или университет должен быть аккредитован аккредитатором, признанным Министерством образования, чтобы его студенты могли получать федеральную финансовую помощь.

Подробнее о различиях между региональной и национальной аккредитацией см. в статье Что мне нужно знать об аккредитации колледжа?

Что такое региональная аккредитация?

Региональная аккредитация – показатель качества образования; это включает актуальность учебной программы, полномочия преподавателей и авторитет степеней. Региональные аккредитационные агентства аккредитуют только учреждения в своей географической зоне.

Шесть региональных аккредитационных агентств

• Комиссия по высшему образованию средних штатов (MSCHE)
• Комиссия Новой Англии по высшему образованию (NECHE)
• Высшая учебная комиссия (HLC)
• Северо-западная комиссия колледжей и университетов (NWCCU)
• Комиссия по колледжам Южной ассоциации колледжей и школ (SACSCOC)
• Комиссия старших колледжей и университетов WASC (WSCUC)

Чтобы узнать, имеет ли колледж или университет из вашего списка региональную аккредитацию, проверьте базу данных высших учебных заведений и программ Министерства образования.

Что такое национальная аккредитация?

Национальная аккредитация часто воспринимается как менее строгий стандарт, чем региональная аккредитация, и регулируется образовательными агентствами по аккредитации, которые не ограничены по региону или географии. Это означает, что одно такое агентство может предоставить аккредитацию любому колледжу или университету в США, соответствующему его критериям. Национальная аккредитация является обычным явлением среди профессиональных школ, религиозных школ и коммерческих колледжей.
 
Большинство колледжей с региональной аккредитацией не принимают и не признают кредиты или степени, полученные в колледжах, не имеющих региональной аккредитации. Однако национальная аккредитация может быть полезным показателем качества для студентов, проходящих профессиональную подготовку, образование, основанное на компетенциях, или другие модели образования, которые работают в рамках коммерческой модели.

Чтобы узнать больше о национальной аккредитации, ознакомьтесь с разделом «Понимание национальной аккредитации».

Чтобы безопасно ориентироваться в коммерческом секторе, ознакомьтесь с нашим Руководством по коммерческим колледжам: что вам нужно знать.

Что такое программная аккредитация?

Существует еще одна форма аккредитации, отличная от региональной и национальной аккредитации. Региональная и национальная аккредитация являются институциональными формами аккредитации. Напротив, программная аккредитация обычно предоставляется конкретным отделам, колледжам или программам на получение степени в более широком учреждении. Хотя агентства по программной аккредитации часто имеют национальную юрисдикцию, эта форма аккредитации полностью отличается и отделена от институциональной национальной аккредитации. Фактически, программная аккредитация часто сосуществует с региональной аккредитацией. В некоторых дисциплинах степень с программной аккредитацией может даже потребоваться для получения лицензии или начала профессиональной практики.
 
Программная аккредитация не является обязательным требованием для получения степени в области искусства и дизайна. В большинстве случаев достаточно региональной аккредитации. Тем не менее, Национальная ассоциация школ искусства и дизайна (NASAD) поддерживает национальные стандарты для бакалавров и ученых степеней, связанных с искусством и дизайном. Аккредитация NASAD, которая была присуждена более чем 350 школам, означает, что учебное заведение поддерживает стандарты качества и учебные программы, установленные NASAD. Это может быть индикатором надежности программы.

Отсутствие аккредитации NASAD не является препятствием для сделки. Если ваша школа имеет региональную аккредитацию одной из шести вышеперечисленных ассоциаций, вы будете на пути к получению законной степени в области искусства и дизайна.

Самый простой способ определить статус аккредитации — связаться с выбранной вами школой. Вы также можете ознакомиться с базой данных Департамента образования по всем признанным аккредитаторам, находящимся в его компетенции.

Чтобы узнать немного больше о том, как ориентироваться в сложном ландшафте аккредитации, ознакомьтесь с Аккредитация колледжей и университетов: кто аккредитует аккредитаторов?

Вернуться наверх

Какие виды искусства и дизайна существуют?

Ассоциированная степень в области искусства и дизайна

Большинство общественных колледжей и несколько профессионально-технических училищ предлагают двухгодичные программы по искусству и дизайну с 60 кредитами. Ассоциированная степень может поставить вас на путь либо непосредственной карьеры в области искусства и дизайна, либо степени бакалавра. В программе ассоциированного искусства и дизайна вы получите вводные инструкции по важным методам изобразительного искусства и дизайна и сделаете свои первые шаги в обширном мире истории искусства. Эта учебная программа, как правило, сочетается с рядом курсов гуманитарных и гуманитарных наук (например, истории, английского языка и т. д.).

В зависимости от характера вашей программы у вас также может быть возможность углубленного изучения в таких областях, как изобразительное искусство или графический дизайн. Это даст вам возможность начать разработку портфолио собственных работ. После того, как вы закончите обучение на степень младшего специалиста, вы получите квалификацию для работы в качестве техника-печатника, помощника фотографа или даже внештатного художника-графика. Область искусства однозначно доступна для тех, у кого есть талант и амбиции, независимо от уровня образования. Однако, если вы планируете искать работу в качестве художника-графика, фотожурналиста или гравера в известной компании, степень бакалавра сделает вас гораздо более конкурентоспособным кандидатом. Имея степень младшего специалиста, вы уже на полпути!

Какие курсы по искусству и дизайну я буду проходить в рамках ассоциированной программы?

• Компьютерное черчение
• Принципы проектирования
• Чертеж и иллюстрация
• Введение в историю искусств
• Покраска
• Скульптура

Теперь, когда вы знаете, что искать, ознакомьтесь со следующими рейтингами ассоциированных программ:

Бакалавр искусств и дизайна

Будучи студентом факультета графического искусства, вы познакомитесь с технологиями, передовым опытом и теорией для создания лучших дизайнов. Это верно для студентов, изучающих фотографию, гравюру, анимацию, дизайн одежды, декорирование интерьеров, дизайн видеоигр, верстку публикаций или любое количество других дисциплин. Вы получите все теоретические знания и практические навыки для разработки инновационных продуктов в качестве промышленного дизайнера, для создания увлекательных рекламных кампаний в качестве художника-графика или для дебюта своих новейших фоторабот в шикарной столичной галерее. И, конечно же, вы продолжите создавать свое самое важное портфолио работ, которое вы в конечном итоге покажете потенциальным работодателям или кураторам. Степень бакалавра в области искусства и дизайна является практической, которая может предоставить вам немедленный доступ к широкому спектру профессиональных возможностей. Если вы заинтересованы в руководящей должности в своей области, вы можете продолжать получать степень магистра.

Какие курсы по искусству и дизайну я буду проходить по программе бакалавриата?

• Трехмерный чертеж
• Искусство и новые медиа
• Основы дизайна Компьютер
• Основы изобразительного искусства
• Цвет и дизайн
• Основы истории искусств
• Интеграция искусства и дизайна
• Скульптуры и керамика

В чем разница между степенью бакалавра искусств и степенью бакалавра искусств и дизайна?

Бакалавр изящных искусств в области искусства и дизайна (BFA) предназначен для тех, кто хочет стать профессионалами в области искусства. BFA соединит вашу художественную концентрацию с множеством курсов гуманитарных и гуманитарных наук. Степень бакалавра наук (BS) в области искусства и дизайна особенно подходит тем, кто намеревается использовать навыки дизайна и черчения в архитектурной карьере. Хотя вам, вероятно, потребуется продолжить обучение по программе магистратуры, связанной с архитектурой или инженерией, чтобы стать лицензированным архитектором, ваша степень бакалавра в области искусства и дизайна может стать образовательной основой для вашего будущего обучения.

Теперь, когда вы знаете, что искать, ознакомьтесь со следующими рейтингами программ бакалавриата:

Магистр искусств и дизайна

Получение степени магистра в области искусства и дизайна — хороший шаг, если вы планируете занять руководящую должность, например арт-директора, куратора музея, специалиста по реставрации или искусствоведа, или если вы планируете получить художественное образование. В течение этой одно-двухлетней программы у вас будет возможность погрузиться в свою область концентрации. Вы будете развивать свои методы и пополнять свое портфолио. Чтобы стать преподавателем в государственной школе или инструктором по искусству, вам, вероятно, потребуется получить степень магистра изящных искусств, пройти некоторое обучение в области образования и получить лицензию учителя, выданную государством. Ваша степень магистра также может стать важной ступенькой на пути к докторской степени.

Какие курсы по искусству и дизайну я буду проходить в рамках магистерской программы?

• Высшее образование в области истории искусств
• Современные проблемы искусства
• Критическая теория
• Редактирование цифровой фотографии
• Типографские методы

Теперь, когда вы знаете, что искать, ознакомьтесь со следующими рейтингами магистерских программ:

к.т.н. искусства и дизайна

Докторская степень в области искусства и дизайна наиболее ценна для тех, кто хочет либо проводить исследования, либо обучать на университетском уровне. Доктор философии также ценен для тех, кто работает в известных художественных ассоциациях, фондах, коллективах, обществах или административных офисах музеев. Помимо продолжения работы над своим портфолио, доктор философии. программа дает вам возможность работать с наставником и завершить проект диссертации по выбранной вами теме.

Вернуться наверх

Что вы можете сделать со степенью искусства?

Ваша степень в области искусства и дизайна может стать ключом к захватывающей карьере в области искусства и дизайна. Если вы спрашиваете себя: «Что я могу сделать со степенью в области искусства?», то вот несколько лучших вакансий в этой области:

• Арт-директора
• Ремесленники и художники изобразительного искусства
• Дизайнеры одежды
• Цветочные дизайнеры
• Графические дизайнеры
• Промышленные дизайнеры
• Дизайнеры интерьеров
• Ювелиры и мастера по обработке драгоценных камней и металла
• Мультимедийные художники и аниматоры
• Дизайнеры декораций и экспонатов

Вернуться к началу

Сколько я могу заработать со степенью в области искусства и дизайна?

Следующие цифры отражают среднюю годовую заработную плату по состоянию на 2018 год, взятую из Бюро трудовой статистики США , для лучших должностей в вашей области:

Карьера	Зарплата
Арт-директора	$92 780
Дизайнеры одежды	$72 720
Мультимедийные художники и аниматоры	72 520 долл. США
Промышленные дизайнеры	66 590 долл. США
Дизайнеры интерьеров	$53 370
Графические дизайнеры	50 370 долларов США
Ремесленники и художники изобразительного искусства	48 960 долларов США
Цветочные дизайнеры	27 200 долларов США

Источник: Бюро статистики труда

Вернуться наверх

В какие профессиональные ассоциации или общества в области искусства и дизайна мне следует вступить?

Профессиональные ассоциации

— это отличный способ наладить связи в своей области, узнать о ценных семинарах или сертификатах и ​​повысить свою квалификацию. Выбор ассоциаций будет зависеть от выбранного вами карьерного пути. Ищите ассоциации искусства и дизайна, которые соответствуют вашей академической или профессиональной направленности:

• Американский институт графических искусств (AIGA)
• Сертифицированное общество дизайнеров
• Гильдия художников-графиков
• Национальная ассоциация художественного образования (NAEA)
• Национальная ассоциация художественного образования
• Общество экологического графического дизайна (SEGD)
• Общество иллюстраторов, художников и дизайнеров (SIAD)

Вернуться к началу

Искусство и дизайн— От колледжа до карьеры

Колледжи Value — Степени искусства и дизайна: что такое художественный дизайн и что я могу делать со степенью в области искусства и дизайна?

Думаете заняться искусством? Не говорите сразу своим родителям — все знают, что художники голодают, у них 4 соседа по комнате и 3 подработки, и им нечего показать, кроме огромных счетов по студенческим кредитам, верно? Не обязательно правда. Те, кто следует за своей музой в страстной специальности, такой как искусство или дизайн, могут не получить шестизначную работу, как их сверстники в популярных областях STEM; однако выпускники могут получить прибыльные творческие должности в различных местах, таких как дизайнерские компании, производственные предприятия, модные рестораны или престижные преподавательские должности в высших учебных заведениях. Многие корпорации ищут очень творческих людей для создания визуально привлекательных веб-сайтов для своих продуктов или услуг.

[Ознакомьтесь с нашим НОВЫМ рейтингом, связанным с искусством и дизайном — 20 лучших программ по упаковке и лучших программ бакалавриата в области промышленного дизайна]

Перед получением степени в области искусства и дизайна студенты должны знать, что между искусством и дизайном есть ключевое различие. В то время как дизайн создается для определенной цели и обычно имеет более коммерческий оттенок, искусство призвано вызывать эмоции. Искусство можно создавать и продавать, но оно не создано для решения проблемы. Однако это не означает, что дизайн не является искусством. Дизайн-проекты могут служить определенной цели и вызывать эмоциональный отклик. Многие дизайнеры считают себя художниками и наоборот. По этой причине многие студенты-художники изучают несколько дисциплин в этой области. Студенты-дизайнеры обычно должны пройти некоторые курсы изобразительного искусства, такие как история искусств и рисунок. Когда студенты выбирают специализацию на художественном факультете, они могут проявлять интерес более чем к одной области. Например, студент бакалавриата изобразительного искусства может получить степень магистра дизайна.

Избранные программы

При выборе программы получения степени в области искусства студенты часто задают себе следующие вопросы:

Что такое искусство и дизайн?

Так что же такое искусство и дизайн? Попытка определить область искусства и дизайна является сложной задачей. Искусство и дизайн — это широкое понятие, и многие люди считают, что оно относится к проектам, созданным с помощью живописи, скульптуры и рисунка. И искусство, и дизайн используют медиа. В изобразительном искусстве могут использоваться традиционные средства, такие как масляные краски, мрамор, бронза, цветные карандаши и даже мелки. Эти инструменты используются на холсте, бумаге и дереве для создания произведений искусства. В нетрадиционных проектах современного искусства могут использоваться менее традиционные материалы, такие как семена, мусор, крышки от бутылок и еда.

Средства графического дизайна, как правило, различаются типографикой, фотографиями и иллюстрациями, используемыми вместе для передачи связного сообщения. Проекты графического дизайна могут появляться на футболках, рекламных щитах, брошюрах, визитных карточках и веб-сайтах. Креативность необходима для создания графического дизайна, но конечной целью является увеличение продаж для клиента.

Отношения между искусством и дизайном относительно просты: художник должен сначала разработать проект, прежде чем создавать его. Определение художественного дизайна обычно относится к стадии предварительного планирования проекта. Это может включать в себя предварительные эскизы, сделанные до начала работы над окончательным проектом. Даже дизайнерам приходится полагаться на эскизы как на часть художественного процесса, как на способ развития и совершенствования идей.

Важно отметить, что определения дизайна разными авторами сильно отличаются друг от друга. Искусство — это очень субъективная область, и одним из преимуществ отрасли является то, что интерпретация того, что такое дизайн и что такое искусство, часто может быть оставлена ​​​​на усмотрение человека.

Как сделать выбор между графическим дизайном и художественным образованием?

И графический дизайн, и искусство являются творческими областями. Ключевое сходство между искусством и дизайном заключается в том, что человек будет создавать визуальные интерпретации и иметь в виду цель, прежде чем начинать проект. Студийный художник почувствует вдохновение и может наметить свой следующий проект в уме или на бумаге. Кроме того, студийный художник может быть нанят для мозгового штурма проекта с клиентом, который заказывает комиссию. Хотя художнику по-прежнему нужно будет интерпретировать идею на холсте или бумаге, покупатель произведений искусства предоставит рекомендации для проекта. Художественные заказы могут осуществляться через частных покупателей или через галереи.

Карьера графического дизайнера сильно отличается от карьеры художника. Графические дизайнеры могут работать самостоятельно или в крупной компании. Они будут нести ответственность за то, чтобы сообщение клиента было осмысленным и креативным. Они работают менее независимо, чем представители изобразительного искусства, и обычно им приходится отвечать перед несколькими членами команды или сотрудничать с ними. Графический дизайн часто зависит от технологий, и профессионалы используют программное обеспечение для разработки брошюр, логотипов, плакатов, рекламы и веб-страниц.

Художникам не обязательно полагаться на свои творческие усилия для получения дохода. Художник мог получить должность педагога или работать критиком в публикации. Музеи также могут нанять обладателя художественной степени для отбора произведений для демонстрации. Специалисты по искусству и дизайну также могли бы заняться образованием и обучать детей школьного возраста или студентов колледжей.

Аккредитация школ и программ

Аккредитация всегда является важным фактором при выборе подходящей программы получения степени в области искусства. Тем не менее, аккредитация особенно важна для художественных степеней онлайн. Поступить на специальность «Изобразительное искусство» в онлайн-школу, не имеющую национальной или региональной аккредитации, проблематично. Во-первых, работодатель может не принять степень, если у школы нет аккредитации. В прошлом люди пытались выдать платные степени за настоящие. Из-за этого многие работодатели подтверждают действительность степени, прежде чем нанять человека. Более того, когда студенты переводятся в другой университет, ранее заработанные кредиты должны быть получены в аккредитованной онлайн-школе изобразительного искусства. Если школа не была аккредитована, два или более года занятий в классе больше не могли быть использованы для получения степени.

Наконец, для участия во многих федеральных и государственных программах займов и грантов требуется аккредитация. Без этого студент будет нести ответственность за оплату колледжа без государственной помощи. Министерство образования США выбирает аккредитующие организации, которым они разрешают оценивать высшие учебные заведения. Организация, рекламируемая как «бесплатная онлайн-школа искусств», вряд ли будет иметь надлежащую аккредитацию и должна быть тревожным сигналом. Чтобы получить аккредитацию, колледж должен соблюдать строгие правила аккредитующего учреждения. Колледж должен доказать, что его программы готовят студентов к работе в сфере искусства и дизайна. Необходимо поддерживать высокие стандарты, поскольку художественные колледжи и их степени в области медиаискусства будут периодически переоцениваться.

Для всех специальностей, включая студийное искусство, региональная аккредитация предпочтительнее национальной. Причина, по которой лучше выбирать учебное заведение с региональной аккредитацией, заключается в том, что больше колледжей принимают переводные кредиты этого типа. Расположение традиционной или онлайн-школы изобразительного искусства определяет правильное региональное аккредитационное агентство. Например, основные художественные колледжи в Калифорнии будут аккредитованы через Западную ассоциацию школ и колледжей. Колледжи, расположенные в Каролине, должны были получить региональную аккредитацию через Южную ассоциацию колледжей и школ. Национальная аккредитация обычно не связана со степенью изящных искусств. Национальная аккредитация обычно применяется исключительно к профессионально-техническим школам или школам карьеры. Два заметных исключения для студентов-художников включают Национальную ассоциацию школ искусства и дизайна и Совет по аккредитации дизайна интерьера. Ознакомьтесь с рекомендациями этих аккредитационных агентств, прежде чем решить, соответствует ли программа обучения в колледже отраслевым стандартам.

Типы программ на получение степени

Сегодня существует множество видов художественных степеней, как бакалавриата, так и магистратуры.

AA/AFA: это начальный уровень. Общественный колледж является хорошим местом для получения степени Associates of Art (0r Fine Art), а также некоторых специализированных двухгодичных профессиональных школ (например, кулинарных школ, школ кино/анимации, академий дизайна волос, музыкальных консерваторий). У тех, кто получил степень в местных колледжах, может быть больше возможностей для перевода в 4-летние учебные заведения для получения ученых степеней.

[Проверьте: Какая польза от поступления в общественный колледж?]

BA/BFA: Степень бакалавра – это 4 года обучения. В творческих областях, которые подготовят студентов к работе на профессиональном уровне в большинстве способностей начального уровня. Программы бакалавриата и бакалавра искусств предлагаются по различным специальностям, таким как веб-дизайн, графический дизайн, промышленный дизайн, производство видео/медиа/цифровой продукции, дизайн одежды и маркетинг, а также по более известным специальностям, таким как музыка/развлечения и изобразительное искусство. Помимо визуального искусства, музыка также обычно является BFA.

MA/MFA: На уровне магистра студент, скорее всего, намеревается преподавать свои знания на уровне колледжа. Некоторым специальностям творческой терапии (искусство и музыка) требуется эта окончательная степень в дополнение к психологии, чтобы стать практикующими лицензированными терапевтами. Изобразительное искусство и музыка обычно заканчиваются на MFA.

PhD: докторская степень — редкость для искусства или дизайна; MA / MFA обычно является конечной степенью. Опять же, для тех, кто занимается Креативной терапией, это может быть предложено в определенных учреждениях, хотя часто это не является обязательным путем обучения.

Типы художественных степеней

Основные направления искусства и дизайна многочисленны. В искусстве и дизайне есть много разных специальностей — столько же, сколько и художественных областей. Студенты могут выбрать получение степени в области искусства и дизайна на уровне младшего специалиста, бакалавра, магистра и доктора наук. Хотя многие виды художественных курсов можно найти в традиционных колледжах, количество художественных степеней, доступных в настоящее время в Интернете, растет. Художественное онлайн-образование позволяет специалистам разных специальностей выполнять рабочие и семейные обязанности и посещать занятия на неполный рабочий день. Онлайн-школа изобразительного искусства потребует виртуального взаимодействия между студентами и преподавателями. Помимо просмотра обучающих видео, учащимся, возможно, придется загружать изображения своих художественных проектов. Периодические посещения кампуса могут быть еще одним требованием для присвоения степени.

Прием на художественные специальности обычно зависит от требований программы. Традиционные правила приема могут не применяться к специальностям изобразительного искусства. Вместо того, чтобы смотреть на стандартизированные результаты тестов и цифры среднего балла, художественный отдел может потребовать, чтобы студент представил портфолио для проверки. Тем не менее, степени дизайна и степени изобразительного искусства могут иметь стандартные критерии для приема. Студентам, скорее всего, потребуется минимальный средний балл и балл SAT, чтобы поступить на программу бакалавриата по искусству. Программы на получение степени младшего специалиста обычно имеют ограниченные требования для поступления и требуют от студентов только наличия аттестата средней школы или его эквивалента.

Для программ уровня магистра и более высоких степеней требуется степень бакалавра по специальности, связанной с искусством. Курсовая работа на уровне магистратуры обычно более сфокусирована, чем на курсах бакалавриата. Например, студенты, изучающие дизайн, изучают основные понятия в программе бакалавриата, но больше изучают устойчивость и этику дизайна в программе магистратуры. Количество докторских степеней ограничено, но некоторые варианты доступны для тех, кто хочет войти в сферу образования. Программы докторантуры в области искусства готовят выпускников к должности профессоров, деканов, заведующих кафедрами и директоров музеев. Программы PhD требуют примерно двух лет докторских кредитов и диссертации.

Рейтинг жилых домов с лучшим соотношением цены и качества

Топ-50 лучших программ бакалавриата по промышленному дизайну Программы

Дизайн и искусство, которые студент может выбрать, включают:

Дизайн игр и интерактивных медиа : При выборе специальности дизайна игр и интерактивных медиа студент будет изучать передовые методы компьютерного программирования и анимации. Раскадровка — еще одна часть основной деятельности, поскольку люди должны создавать историю во всех интерактивных видеоиграх. Эту степень дизайнера обычно можно получить онлайн в течение двух-четырех лет.

Цифровое искусство : Специалисты по цифровому искусству готовятся к карьере в различных отраслях. В рамках программы обучения цифровому искусству студент узнает о различных аспектах веб-дизайна, производства видео, дизайна интерактивных медиа и 3D-моделирования. Степени цифрового искусства обычно можно получить за четыре года или меньше.

Графический дизайн : Специалисты по графическому дизайну учатся использовать различные средства для создания проектов для клиентов. Они должны научиться создавать четкие визуальные сообщения с помощью своих дизайнов. Курсовая работа в рамках специальности может включать настольные публикации, компьютерное искусство, интерактивные медиа и цифровые изображения. Специальности по графическому дизайну обычно ориентированы на студентов, но все больше онлайн-колледжей предлагают дальнейшее обучение на курсах уровня магистра.

Фотография : Степени фотографа чаще всего получают в технических и общественных колледжах в качестве младшего специалиста. Тем не менее, степени фотографии и фотожурналистики можно получить в четырехгодичных университетах.

Изобразительное искусство : Степени изобразительного искусства также часто называют степенями студийного искусства. Специалисты по изобразительному искусству могут выбрать от двухлетнего плана обучения до шестилетней магистратуры. Большинство студентов, изучающих изобразительное искусство, обучающихся по магистерским программам, предпочтут традиционные колледжи художественным онлайн-школам, потому что они стремятся проводить больше времени в студии.

Дизайн интерьера : Программы дизайна интерьера варьируются от степени младшего специалиста до докторской программы. На занятиях по дизайну интерьера рассматриваются такие темы, как концепции дизайна, программы компьютерного дизайна и устойчивый дизайн. Степени доктора дизайна интерьера обычно получают в онлайн-школах искусств.

История искусства : Специальность по истории искусства идеально подходит для тех, кто хочет рассказать другим об исторических и современных произведениях искусства. Студентам доступны степени по истории искусств. Однако тем, кто хочет занять должность педагога, ему или ей необходимо будет получить степень магистра или выше. Поскольку для специальностей по истории искусства требуется меньше личных взаимодействий, художественные онлайн-школы часто будут иметь это в качестве варианта получения степени.

Промышленный дизайн и дизайн продуктов : Специальности по промышленному дизайну и дизайну продуктов предназначены для тех, кто хочет концептуализировать новые продукты. Выпускники специальности промышленный дизайн будут знать, как разработать новый продукт, производственный процесс для продуктов и как упаковать продукты. Учащиеся работают с сырьем в промышленном дизайне, но также получат комфорт в технологиях 3D и компьютерного дизайна.

Дизайн UX/UI : Степени по дизайну UX/UI обычно можно получить в рамках программы сертификации или программы уровня младшего специалиста. Дизайн UX / UI также можно найти в качестве курса, предлагаемого для специалистов по графическому дизайну. Курсы UX/UI учат дизайнеров создавать проекты, оптимизированные для улучшения взаимодействия с пользователем. Уроки дизайна UX / UI — лучший выбор для студентов, обучающихся в онлайн-колледжах визуальных искусств.

Текстиль : Степень в области текстиля обычно подходит тем, кто хочет закрепиться в индустрии моды. В рамках программы обучения текстильному делу студенты учатся работать с различными материалами и тканями для создания дизайна. Степени дизайнера моды также учат производству и маркетингу предметов одежды.

Возможны ли двойные дипломы в области искусства?

Соискателям степени в области искусств доступно множество основных вариантов. Студент может выбрать двойную специальность и получить степень как в изобразительном искусстве, так и в графическом дизайне. В рамках учебной программы по искусству и дизайну учащимся, скорее всего, придется посещать занятия, охватывающие обе темы. Кроме того, студент может получить степень бакалавра в области изобразительного искусства, прежде чем получить степень магистра в области дизайна. Большинство студентов выбирают специализацию в области искусства после прохождения различных курсов бакалавриата и поиска работы определенного типа, которая их вдохновляет. Например, специалист по искусству может пройти курс фотографии и выбрать карьеру фотографа-натуралиста или портретиста. После окончания школы можно пройти курсы фотографии в четырехгодичном университете или техническом колледже. Кроме того, многие художники будут иметь более одной работы. Например, художник может работать лектором по искусству в перерывах между комиссиями. Его или ее также можно нанять для написания статей для художественного издания и предоставления экспертного мнения о произведениях.

Независимо от того, выберет ли студент степень дизайнера или степень изобразительного искусства, оба пути карьеры могут быть прибыльными и профессиональными. Для большинства профессий в области искусства и дизайна требуется как минимум степень бакалавра.

Онлайн-программы против стационарных программ

После выбора специальности студенты должны решить, хотят ли они пойти по традиционному маршруту посещения стационарной программы или виртуально через онлайн-программу. В зависимости от специальности могут быть действительные преимущества личного посещения занятий. Например, чтобы стать шеф-поваром, вам наверняка придется посещать практические занятия и лабораторные работы, а использование компьютеров упрощает онлайн-обучение.

[проверьте: Являются ли онлайн-степени хорошей инвестицией?]

Онлайн-программы могут быть очень полезны для работающих взрослых, которые возвращаются в школу для второй карьеры или продвижения по службе. Предварительные требования почти по всем творческим специальностям можно выполнить в онлайн-учреждениях. Почти все 4-летние степени требуют основных стандартных кредитов гуманитарных наук (английский язык, математика колледжа, гуманитарные науки, естествознание, языки). Онлайн-обучение можно проходить гибко, продолжая работать или выполнять семейные обязанности.

Онлайн-рейтинги с лучшим соотношением цены и качества

50 лучших альтернативных программ UX-дизайна

50 лучших онлайн-школ с лучшим соотношением цены и качества

Финансирование образования

Обучение в колледже не всегда может быть более доступным, но тем более оно бесплатное план. Если у вас есть сберегательный счет 529, сейчас самое время получить к нему доступ. Первый план атаки — заполнить ежегодную форму FAFSA. Будьте осторожны, расставляйте все точки над i и ставьте крестики – при заполнении FAFSA легко допустить ошибки. После того, как вы определите свой ожидаемый семейный вклад (EFC), вам нужно придумать остальные средства. Программа Federal Work Study предлагает работу неполный рабочий день в вашем домашнем кампусе и выплачивает учащимся заработную плату, которую можно использовать для оплаты оставшегося студенческого остатка за обучение. Работа на кампусе — отличный вариант для младших школьников без опыта работы. Вы не только приобретете опыт работы, но и работа, скорее всего, будет гибкой, так как вы будете планировать свои часы в зависимости от занятий.

Студенческие кредиты должны быть вашим последним вариантом, и да, они часто необходимы, но мы призываем студентов искать субсидируемые государством кредиты, а не федеральные несубсидированные или, что еще хуже, частные кредиты. И, кроме того, чтобы полностью понять степень приверженности при получении любого вида кредита. Федеральные займы — лучший выбор, чем частные займы; однако помните, что они по-прежнему будут иметь потенциал для ежегодной капитализации (если проценты не будут выплачиваться ежегодно после льготного периода) и, конечно, они будут увеличиваться в зависимости от процентной ставки, обеспеченной на дату заимствования, как и частные кредиты. Федеральная программа студенческой ссуды имеет лучшие варианты погашения и варианты в трудных условиях, если вам понадобится помощь.

Самые дешевые рейтинги

Топ-10 самых дешевых онлайн-программ магистратуры

Карьера со степенью в области искусства и дизайна

Карьера в области искусства и дизайна постоянно развивается. Благодаря новым технологиям у студентов появляется больше возможностей для карьерного роста, особенно в сфере художественного дизайна. Вместо студентов-искусствоведов, которые выбирают карьеру скульпторов и художников, все больше студентов устраиваются на работу дизайнерами видеоигр и UX-дизайнерами.

Список профессий в области искусства и дизайна:

• Архитектор
• Искусствоведы и авторы
• Арт-директора
• Преподаватели искусств
• Модельеры
• Производители одежды
• Карьера в области графического дизайна
• Иллюстраторы
• Промышленные дизайнеры
• Карьера дизайнера интерьера
• Ювелиры
• Преподаватели
• Хранители музея
• Художники
• Фотографы
• Печатники
• Разработчики продукта
• Скульпторы
• UX-дизайнеры
• Создатели видеоигр
• Веб-дизайнеры

Востребованные профессии дизайнера включают графического дизайнера, дизайнера видеоигр и дизайнера веб-страниц. Карьера графического дизайнера требует сочетания творчества и технического мастерства. За последнее десятилетие графический дизайн стал одной из главных специальностей, которую выбирают все студенты высших учебных заведений. Работа графического дизайнера также оставляет место для продвижения по службе: многие ведущие дизайнеры продвигаются на должности арт-директоров. За последние десять лет показатели продаж игр и интерактивных медиа резко выросли, поскольку все больше людей проводят все более продолжительные периоды времени в Интернете. Работа гейм-дизайнера потребует умения работать с компонентами дизайна, такими как звук, графика и анимация.

Карьера в искусстве также может совмещать несколько дисциплин. Выпускники программ на получение степени в области искусства могут найти художественную карьеру в области медицины, например, медицинского иллюстратора. В рамках этой карьеры человек будет нести ответственность за создание точных с медицинской точки зрения рисунков и анимации. Карьера, связанная с дизайном и инжинирингом, включает промышленного дизайнера и инженера-конструктора. Промышленные дизайнеры разрабатывают концепции продуктов, которые будут производиться. Инженеры-конструкторы внедряют новые продукты и системы и проверяют существующие типы в целях улучшения.

Нередко можно встретить выпускников двух основных программ. Соискатель может получить степень в творческой области, такой как искусство, и в научной области, такой как информатика. Это особенно верно в более технической области, такой как промышленный дизайн. Цель состоит в том, чтобы показать работодателям, что выпускник обладает как жесткими, так и мягкими навыками для открытых вакансий.

Имейте в виду, что есть вакансии для художников без ученых степеней. Художники-самоучки могут самостоятельно продавать свои работы галереям и частным покупателям. Кроме того, не все обладатели степени в области искусства в конечном итоге работают в своих областях обучения. Например, специалисты по изобразительному искусству могут в конечном итоге сделать карьеру педагогов или музейных хранителей. Мастера студийного искусства могут в конечном итоге быть наняты для работы в правоохранительных органах в качестве художников-зарисовщиков. Карьера в области искусства и дизайна будет включать в себя некоторую форму творческой работы. Художники могут полагаться на свое творчество, чтобы получать значительный доход на протяжении всей своей карьеры.

Потенциальная заработная плата в области искусства и дизайна

По данным Бюро статистики труда, степень бакалавра в области искусства и дизайна может привести к годовому доходу от 45 000 до 81 000 долларов США. Кажется, что больше денег можно заработать, если компьютер участвует в карьере — и это неудивительно, поскольку одними из самых быстрорастущих профессий дизайнера являются разработка игр и программного обеспечения, веб-дизайн UI / UX и дизайн мобильных приложений. О зарплатах по этим профессиям трудно сообщить, поскольку они относительно новые и по ним недостаточно данных; например, некоторые статистические данные показывают, что дизайнеры пользователей зарабатывают в среднем 72 000 долларов США в год, в то время как другие сообщают о 9 долларах США.0,000. Имейте в виду, что часто в технических областях зарплата зависит от того, где вы живете в регионе.

Хотя большинство людей ошибочно связывают художников с бедной жизнью, работа в сфере искусства с оплатой более 100 тысяч легко доступна. Цифры по зарплате дизайнеров особенно впечатляют, учитывая высокие прогнозируемые темпы роста на следующие пять-десять лет. Кроме того, ожидается, что доступность рабочих мест в индустрии дизайна вырастет на целых 10 процентов к 2028 году.

Художники-ремесленники и художники имеют более низкую среднюю заработную плату из-за большого неравенства в отрасли. Художники могут зарабатывать миллионы долларов на комиссионных, в то время как другие могут продавать только одну или две картины в год. По данным Бюро трудовой статистики, средняя зарплата художника составляет $48,9.60 в год. Люди с самым низким доходом в отрасли могут зарабатывать чуть более 22 000 долларов в год. Тем не менее, самые высокооплачиваемые работники имеют работу в сфере искусства, за которую платят более 100 000 зарплат. Графический дизайнер может иметь лишь немного более высокую среднюю заработную плату в размере 50 000 долларов в год, но более высокие оклады доступны для тех, кто работает в специализированной области отрасли. География также оказывает существенное влияние на заработную плату графического дизайнера. С таким количеством компаний, расположенных в крупных городах, включая Нью-Йорк и Лос-Анджелес, Калифорния и Нью-Йорк предлагают самый высокий средний уровень оплаты труда графического дизайнера. Средняя зарплата графического дизайнера в этих областях составляет от 62 000 до 65 000 долларов.

Зарплата геймдизайнеров и аниматоров превышает 72 000 долларов в год. Дополнительным бонусом для этих должностей является возможность дополнительной компенсации. Дизайнеры и аниматоры игр и медиа с высокими показателями продаж часто получают бонусы за свою работу.

Арт-директора являются одними из самых высокооплачиваемых специалистов по дизайну. Они отвечают за общий стиль печати, телевидения и кинопроизводства. Успешных графических дизайнеров часто рассматривают на открытые должности арт-директоров. Средняя зарплата арт-директора составляет 9 долларов.2780 в год, при этом самые высокооплачиваемые работники в этой области получают зарплату более 172 000 долларов в год.

Дизайнеры интерьеров начального уровня могут зарабатывать в среднем 50 000 долларов в год, но есть потенциал для более высоких заработков. Заработная плата дизайнера интерьера также может превышать 100 000 долларов в год. Дизайнеры интерьеров работают для клиентов с высоким доходом, которые хотят создавать красивые и функциональные пространства в своих домах и на предприятиях.

Профессора искусств — еще одна высокооплачиваемая профессия в области искусства и дизайна. Профессора высших учебных заведений преподают курсы для студентов и аспирантов, изучающих искусство и дизайн. Средняя зарплата штатного профессора искусства составляет 78 470 долларов в год.

Одна из самых прибыльных профессий дизайнера — UX-дизайнер. Менеджеры по найму отчаянно нуждаются в квалифицированных специалистах с опытом работы в UX-дизайне. В области UX-дизайна профессионал будет исследовать потребности потребителей и разрабатывать для них оптимизированный пользовательский опыт. Средняя зарплата дизайнера UX превышает 100 000 долларов в год.