homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Арт-дизайн — это искусство!

Впервые данный термин появился в Италии в восьмидесятые годы двадцатого века. Его появление было связано с образованием двух дизайнерских групп, носящих названия «Алхимия» и «Мемфис». Участниками первой были Мендини и Гуэррьеро, а второй Соттсасс, которые бросили вызов существующему на тот момент дизайну функционального характера. В современном мире это бы назвали патентом на креативную идею. Произведения искусства, которые все чаще и чаще создавали указанные дизайнеры (а занимались они в самом начале своего творческого развития дизайном интерьеров и созданием дизайна мебели), стали отличаться от распространенных на тот момент прагматичных продуктов дизайнерской работы.

Новый стиль стал выделяться из того, что было раньше, следующими чертами:

• Оригинальные сочетания цветов и света

• Создание объектов в разных стилистических направлениях

• Смешение стилей при разработке одного продукта

• Использование в работе экзотических направлений, которые ранее вообще не применялись в дизайне

• Работа с необычными образами

• Использование в работе необычных материалов

• Качественное создание композиции в целом

• Применение ручной работы в большей степени при создании новых объектов

Исходя из вышесказанного можно подумать, что арт-дизайн может прийти по вкусу очень небольшому кругу лиц, в который входя эстеты и рафинированные представители светского общества. Но это совсем не так. Люди приняли этот новый подход к созданию дизайна и полюбили его. Практически всем показались привлекательными объекты созданные человеческими руками, сочетающие в себе тонкие интонации и сильные чувства.  Люди, сталкиваясь с работами дизайнеров, применявших в своей деятельности такое направление, имели дело с искусством как таковым, а значит испытывали неподдельные эмоции. А людям это нравится.

Арт-дизайн – это что такое: определение и виды термина

Термин арт-дизайн – это направление в искусстве, в котором соединены приемы авангарда и промышленного дизайна.

Эта дисциплина началась с потребности человека создавать вокруг себя гармоничную среду. Инструменты дизайнера – это сочетание конструирования и фантазии. Несмотря на то, что декоративно-прикладное искусство – это творческая материя, она имеет жесткие основы. Например, внешний вид вещи и её форма должны определяться несколькими принципами технической эстетики, которая является основоположницей дизайна:

1. Функциональностью.
2. Материалом, из которого вещь сделана.
3. Технологией, по которой её изготовили.
4. Идеологией, которая принята в обществе.

Полезной вещь становится только в том случае, если она отвечает всем этим критериям. Так вот, арт-дизайн намеренно отказывается от этих канонов и заново изобретает предметы обихода.

Обозначение арт-дизайна

Определение термина арт-дизайн википедия не дает. Чтобы понять этот термин нужно вникнуть в теорию искусства. Арт-дизайн – это одно из его ответвлений, у него сильная художественная составляющая. Арт-дизайн позволяет по-другому взглянуть на обыденные вещи. Объекты этого направления – мебель, картины, статуэтки, плакаты и постеры. Иногда к этому ответвлению относится даже татуировка, боди-арт и рисунки на ногтях.

Эта отрасль отдаленно связана с истоками и технической эстетикой, поскольку утилитарность вещей и их полезность отходят на второй план. На переднем плане – эстетическая составляющая и впечатления.

Как применяется арт-дизайн

Рассмотрим, для чего нужен арт-дизайн и где применяется. Назначение направления в том, чтобы доставлять зрителю эстетическое удовлетворение. Эту ветвь декоративно-прикладного искусства понимают не все люди, однако определённому кругу лиц такой подход нравится. В своем творчестве художники применяют привычные материалы – дерево, текстиль, металл, кожу. Иногда сырьем выступают неожиданные материалы, например, отходы пластика или другие вещи. Создание арт-объектов из мусора пришло от западных художников. Так они призывают людей задуматься о загрязнении окружающей среды пластиком.

Таким образом, видно, что это направление служит для разных целей. С одной стороны, это способ самовыражения и утверждения собственного видения мира. С другой стороны – это метод, который может привлечь внимание людей к важным проблемам.

Если рассматривать практическую сторону арт-дизайна и его применение в жизни, то в строительстве он встречается в виде различных «самоделок».

1. Искусственная кирпичная кладка из штукатурки. Этот элемент можно встретить в интерьере в стиле лофт, если он создаётся в квартире, где нет естественных кирпичных стен. Чтобы сделать такой элемент, нужно замесить густой раствор, сделать «кирпичную» разметку на стене, наклеить по линиям малярный скотч и щедро нанести штукатурку. Удобнее всего декорировать стену небольшими участками, чтобы скотч снимался ровно. Когда всё готово, остается дождаться высыхания штукатурки и окрасить стену.
2. Необычные способы окраски стен. Обычно их используют для созданий паттернов. В ход идёт все что угодно – пупырчатая пленка, обернутая вокруг валика или резинки, намотанные на деревянный брусок. Полосы создают при помощи малярного скотча или просто наносят краску на стену шприцем. Струя краски под действием силы тяжести стремится к полу, рисуя ровную линию. Неровности и потёртости на свежеокрашенной стене можно сделать при помощи жесткой щетки.
3. Отделка стен без использования обоев или краски. Если в доме скопилось много старых компакт-дисков или виниловых пластинок, ими можно оклеить стену. Получится акцентная стена, у которой будут все шансы для того, чтобы стать арт-объектом.

Принципы арт-дизайна

Поскольку этот термин достаточно сложный и многогранный, не существует определённой его классификации и деления на типы. Существуют отдельные принципы, которые описывают это явление как:

1. Стиль. Это самое широкое понимание термина, поскольку он постоянно меняется и расширяется его толкование.
2. Метод работы, причём здесь исследователи подчёркивают, что художники проектируют эмоции, а не пространство. Удобство для художников отходит на второй план.
3. Вид творчества, поскольку они неразрывно связаны.

Черты арт-дизайна

Несмотря на то, что основной особенностью этого ответвления считается многогранность, стоит показать, какие у него бывают особенности:

1. Нетривиальное использование цветового круга, резкие светотеневые переходы.
2. Эклектизм. Художники сочетают несочетаемое. Этот прием помогает нащупать новые направления в декоративно-прикладном искусстве.
3. Работа с непривычными образами и материалами. Эта черта прослеживается в композициях на тему загрязнения окружающей среды. Художники используют бытовой мусор и вторсырье. Для обстановки дома часто применяются детские игрушки. Их можно встретить в декоре светильников или книжных полок.
4. Ручной труд. Поставить производство объектов арт-дизайна на поток невозможно, поскольку каждый продукт является штучным.

Арт-дизайн, первичные признаки

Находясь в процессе подготовки выставки секции «Арт-дизайн», хотим вам представить статью из журнала «Техническая эстетика». ТЭ издавался в СССР с 1964 по 1992 год ВНИИТЭ (Всесоюзный Научно-исследовательский Институт Технической Эстетики). Подборка ТЭ является, безусловно, одним из раритетов библиотеки Санкт-Петербургского Союза дизайнеров.

В данный момент мы не имеем возможности сделать доступ к изданиям открытым для всех желающих. Надеемся, что это в скором времени случится. Но даже в этом случае номера ТЭ едва ли можно будет взять домой для изучения. Формат, выбранный нами для этой публикации, так же намекает на большую значимость графических дизайнеров в подготовке выставки. Обложка выпуска журнала «Техническая эстетика» 9/1989, статья в оригинальной верстке, несколько иллюстраций и сам текст. Более качественные изображения вы можете без труда найти в интернете. Такого текста в интернете вы не найдете, по крайней мере до его публикации на нашем сайте. Обратите внимание на то, что статья в номере вышла при жизни дизайнера. Её автор Ю. В. Шатин (ВНИИТЭ), в настоящий момент, доктор филологических наук, профессор НГПУ, главный научный сотрудник сектора литературоведения Института филологии СО РАН. Предлагаем вам в связи с предстоящей выставкой проанализировать эту статью в историческом контексте развития дизайна.

Этторе Соттсасс

Итальянский дизайнер Этторе Соттсасс – один из самых многоликих и в чем-то противоречивых дизайнеров современности. Он автор многочисленных разработок для крупнейшей итальянской промышленной фирмы Olivetti; неоднократный участник и лауреат различных национальных и международных дизайнерских выставок, в том числе экспозиций «Италия: новая жилая среда» [Нью-Йорк, 1972г. ], «Что такое дизайн?» [Милан, 1979 г.], «Форум дизайна» [Линц 1980 г.], «Провокации – новые тенденции в итальянском дизайне» [Зап. Берлин, 1982 г.], «Дизайн после 1949 года» [Филадельфия, 1984 г.]. В 1981 году вместе с несколькими единомышленниками организовал знаменитую студию «Мемфис», работа которой оказала заметное влиянии на историю мирового дизайна. В 1985 году основал новую творческую студию «Энорм», платформа которой отличается от установок группы «Мемфис», но продолжает экспериментальную линию в итальянском дизайне. На протяжении всей профессиональной деятельности Э. Соттсасса а его творчестве постоянно сосуществуют два подхода к дизайну – экспериментаторский и рациональный. Практическую работу Соттсасс совмещает с педагогической.

В настоящее время он ведет курс [вместе с М. Дзанини] «Городское оборудование» в Академии Домус. Этторе Соттсасс родился в 1917 году в Инсбруке (Австрия), в 1939 году окончил архитектурный факультет Туринского политехнического института, однако в связи с началом II Мировой войны был призван в армию. Долгое время он провел в лагере для военнопленных и вернулся в Италию лишь в 1945 году. С успехом участвовал в архитектурных конкурсах, но не архитектура давала ему в те годы средства к существованию: более десяти лет он проектировал интерьеры, делал сам мебель, декоративные вазы и скульптуры, продавал свои картины. Некоторые его работы были показаны в журнале «Domus» и заинтересовали А. Оливетти, который в 1956 году пригласил Соттсасса работать на фирме. Через два года Э. Соттсасс (после смерти М. Ниццоли, ранее занимавшего эту должность) главным консультантом Olivetti по дизайну. В 1981 году он основал студию «Мемфис» и с этих пор имя Этторе Соттсасса чаще всего связывают со «стилем Мемфис». «Мемфис» вызвал нечто вроде революции в дизайне, проекты этой группы были немедленно противопоставлены функциональному дизайну и «Дизайну хорошего вкуса». Они стали причиной пламенных полемик, оживив увядшие было споры «о форме и функции». В первом каталоге работ студии «Мемфис», ставшем её своеобразным манифестом, один из идеологов нового направления Б. Радиче заявила о намерении своих единомышленников «направить проектирование на новую линию в дизайне мебели, на новый образ жилища и предметов повседневного обихода», на новые возможности формирования образа жизни. Э. Соттсасса без натяжек можно считать главной фигурой этого движения, его идейным вдохновителям и мастером.

Как же случилось, что лидером группы, максимализму которой могут позавидовать самые авангардные молодежные объединения, стал человек далеко не первой молодости (в 1981 году Э. Соттсассу исполнилось 64 года)? Что бы попытаться понять это, необходимо вспомнить 50-е годы, когда сорокалетний архитектор, художник-оформитель, прикладник и живописец впервые профессионально занялся дизайном.

Свою работу в фирме Olivetti он начал с проектов вычислительной техники и пишущих машин. Безукоризненный дизайн изделий принес им мировое признание. Но работа в рамках общепринятых установок с самого начала стесняла дизайнера. Постоянные поиски ответа на вопрос: что же такое современный дизайн? – вот что стало основой всего творчества Э. Соттсасса. Недовольство, неудовлетворенность, творческие муки и метания, решительное отвержение только вчера найденных идеалов и недолгая абсолютизация новых – вот что сопровождало в общем успешную работу в «реальном » дизайне. К середине 60-х годов три итальянца – Джо Ч. Коломбо, Марио Беллини и Этторе Соттсасс заняли неоспоримо лидирующее положение а национальном, а отчасти и в мировом дизайне. Каждая новая вещь, созданная кем-либо из них, в кругах дизайнеров, критиков, искусствоведов принималась с энтузиазмом, вызывала и восхищение, и горячие споры. Только заказчики не спорили: высокая проектная культура была залогом успешного сбыта этих изделий.

Но Соттсасс всегда был чужд самоуспокоенности и не удовлетворялся достигнутым. В те же годы, углубленно изучая авангардисткою живопись и скульптуру, он находил в них идеи воплощавшиеся затем в его проектах «Поэтической мебели», которые он делал для фирмы Poltrona. Его «странная керамика» рождалась под влиянием восточных философий, постижению которых он отдавал немало времени и сил. Работы такого рода стали широко известны, и Э. Соттсасс был признан вождем «радикального» дизайна – самого решительного течения в итальянском дизайне 60-70-х годов. Чуть позже он сформировал позиции «конртдизайна», настаивая, что необходимо опустошить жилище, сформировать пустое пространство, в котором «можно жить и работать вне специально задуманной структуры». Приверженцы этой платформы решительно отвергали все методики, не признавали знаковой функции вещи. И они, и сам Соттсасс в рамках «контрдизайна» ограничивались лишь концептуальными проектами, ни мало не заботясь об их реальной судьбе. Не без участия Соттсасса было создано и объединение Global Tools, мыслившееся как экспериментальный центр с сетью лабораторий в городах Италии и других стран. Объединение начало свою деятельность с громкого манифеста, совместно принятого в 1973 году группами Superstudio, Archizoom и «9999», в которые входили наиболее радикально настроенные дизайнеры тех лет. Конец этого альянса был скор, более или менее скандален, но не принес полезных плодов: отчаявшись создать единый творческий центр наподобие Баухауза и Ульмской школы, бывшие единомышленники мало-помалу окончательно разошлись во взглядах и самораспустились после скромного банкета в сельскохозяйственной постройке. Во время банкета в небо был запущен шар-монгольфьер с логотипом объединения – единственный вещественный след его существования.

И все же деятельность этих групп не прошла даром: критический анализ социокультурной сущности дизайна, попытки найти действенный регулятор дизайнерской активности способствовали нарастанию потенций итальянского дизайна. Но Э. Соттсасс привык отстаивать свои позиции не разговорами, а делом. Он никогда не был конформистом, но его протесты не переходили в отказ от проектной деятельности, к которому призывали в 70-е годы адепты «Контестационного» (то есть «протестующего») дизайна в Италии. Он всегда работал, создавая проекты того, что могло быть реализовано промышленностью.

Продолжая работать для фирмы Olivetti, Этторе Соттсасс ищет свое «лицо» в дизайне, пытается создать такой язык форм, который отвечал бы его представлениям о современности. Сегодня уже легко проследить в его работах конца 60-х – начала 70-х годов зарождение и развитие «Мемфис». Керамика, с которой Соттсасс всегда любил работать, слишком мелкомасштабный объект, чтобы оказать сколько-нибудь заметное влияние на образ и стиль жизни. Стремлениям дизайнера в большей степени соответствовала мебель. Её существование влияет на облик окружающей среды, определяет стиль жизни того, кто ею пользуется.

В 1969-1970 годах появилась новинка фирмы Рoltrova – «серая мебель». Критики и искусствоведы находили в этой новой работе дизайнера отголоски ацтекской скульптуры, радиоприемников 30-х годов, мотивы его собственной керамики. Мебель не была лишь увеличенным повторением соттсассовских фаянсовых ваз, пепельниц и рамочек, хотя по стилю и довольно близка к ним. Она не вламывалась в жилище, как непомерно разросшийся настольный предмет, но была предельно соразмерной человеку и своему назначению, гармоничной, хотя и непривычной по облику. Некоторый элемент эпатажа в ней был, но не становился самодовлеющим. В этой работе отразилось основное в творчестве Соттсасса-дизайнера: ориентация на самую передовую технологию. Мебель изготавливалась из окрашенного в массе стеклопластика методом вакуумного формования, что для того времени было на грани возможностей массового производства.

Разворот журнала «Техническая эстетика» 9/1989 со статьей «Этторе Соттсасc» Ю.В. Шатина

Продолжая поиски все новых путей эксперимента, Соттсасс в 1976 году вместе с А. Мендини, А. Бранци, М. де Лукки и П. Навоне основал новую студию «Алхимия», в которой иронически переосмысливались приемы формообразования и материалы 50-х годов, обсуждались возможности возрождения декора, перенесение в дизайн творческих принципов «изящных искусств». Это было продолжением долговременного бунта против ортодоксального функционализма, бунта, составляющего неотъемлемую часть итальянского дизайна. Его эволюция логически привела к вычленению особой сферы «артистического дизайна», в котором Э. Соттсасс – одна из самых ярких фигур. В студии «Алхимия» брались за все: проектировали и сами ткали гобелены в духе «нового дизайна», делали мебель, посуду. Работая в студии Соттсасс надеялся «покончить с нейтральностью реального дизайна». Он рассматривал свою деятельность как альтернативу господствующему рационалистическому его толкованию, как протест против устоявшихся представлений о функциях дизайнера, как отрицание делом традиционных трактовок культурных и эстетических ценностей. В это же время Э. Соттсасс всерьез увлекся футурологическими аспектами дизайна. На конгрессе в ИКСИД в Мехико (1979 г.) он настаивал на социальной ответственности дизайнера вместе с другими членами общества за формирование идеалов будущего человечества и его прогресс. Но к сожалению нарисованная им перед участниками Конгресса картина будущего была столь утопичной, что вызвала лишь ужас у одних и иронию у других.

Отход от дизайна вещей в сторону «проектирования без действия», как определяет утопию Т. Мальдонадо, знаменовал собою период своеобразного «кризиса» в творчестве Э. Соттсасса как дизайнера – практика. «Алхимия», в которой царило штучное производство и более того «бумажный дизайн», была, казалось бы, самым неподходящем местом для Соттсасса, еще недавно отстаивающего непременное тиражирование дизайн-проекта. Однако пути истинного таланта неисповедимы, и о том, где он приживал взлеты, а где падения, можно судить лишь по прошествии времени. Во всяком случае, все вторая половина 70-х годов была для Соттсасса временем эскизов, набросков идей, проектных утопий. Именно тогда Соттсасс говорил, что неосуществленные намерения для него – отнюдь не повод для разочарований, что эскизы и утопии, не подразумевающие когда-либо материального воплощения, – неотъемлемая часть творческого самовыражения дизайнера. Он утверждал, что реализация и «Не-реализация» – равноправные возможности существования проектной идеи.

Наиболее возделанным, но и более всего обещающим полем для дизайнерского эксперимента, пожалуй, всегда остается мебель. В 70-е годы итальянские дизайнеры попытались избавить её от безусловной принадлежности к числу «полезных объектов», к которым её относил рационализм. Они стремились сформировать ее новый образ – более поэтический, ритуальный, более «фиктивный». Установка студии на эклектизм в жилой среде была близка Соттсассу, который тогда был уверен, что «тотальная идеология, по которой стулья должны быть того же цвета, что и стол, а стол – того же стиля, что и стулья, идеология тотального контроля среды сегодня исчезла, и тем лучше». Впрочем, этим взглядам он был верен и в период «Мемфиса» и позже. В 1985 году в интервью для журнала «Archtecture d’hui» (Франция) он сказал: «… не говорите мне, что стол должен быть сделан, следую точным критериям, даже если его размеры более или менее стандартны. Если я нарисую с кривыми или разными ножками, это не значит, что такой стол менее полезен, чем стол с прямыми. Почему он менее полезен? За ним так же хорошо можно пообедать, может быть даже лучше, поскольку, глядя на такой стол, невольно развлекаешься».

Разумеется, не только мебелью занимался Соттсасс в те годы. Он проектировал посуду, декоративные изделия, вещи без определенного назначения, фантастические сооружения для Земли и иных миров. Общим для всех его проектов был концептуальный характер, лишь малая толика его работ овеществилась а материале. Не стали реальностью и его проекты уличных киосков, рекламных тумб и т.д.

Уход Э. Соттсасса в проектный эксперимент представляется вполне естественным, если вспомнить, что именно с начала 70-х годов итальянский, а отчасти и европейский дизайн переживали период некоторого разброда. Вновь встал вопрос о сущности дизайна, о его целях, идеалах, средствах. Поиски Соттсассом нового, «альтернативного» дизайна были своего рода социальным протестом, отказом от традиционных представлений о функциях дизайнера в современном обществе. Протестом был и его заведомо утопический проект оборудования для жилища, представленный на выставку «Италия. Новая жилая среда» в Нью-Йорке, и участие в выставках с названиями, свидетельствующими о новой неопределенности в понимании дизайнерами своего места.

В 1979 году а Милане он вместе со старейшими представителями итальянского дизайна Дж. Понти, И. Гарделлой и дизайнерами «его поколения» М. Беллини, Г. Ауленти, Б. Мунари (хотя они значительно моложе его по возрасту, они пришли в дизайн одновременно с Э. Соттсассом) организовал выставку под вечным вопросом: «Что такое дизайн?» Выставка была неординарна по составу экспозиции: там были показаны не только промышленные изделия, которые всегда рассматривались как единственная сфера интересов настоящего дизайнера, но и ремесленные изделия, промысловые орудия и многое другое. Экспозиция её была скорее не ответом на поставленный её названием вопрос, а новым вопросом – о месте дизайна в ряду других профессий, чья функция создание материальной культуры человечества. В 1880 году в австрийском городе Линце на выставке «Форум дизайна» Соттсасс участвовал в разделе, снова под вопросительный знак: «Что же такое современный дизайн?» Скорее же, вопрос в то время стоял несколько иначе: не «что такое (современный) дизайн?», а «что противопоставить обветшавшим изрядно догмам функциалистского дизайна?» Попыткой ответить на этот вопрос и были близкие по духу идеи «эмоционального», «концептуаль-поэтического» и других «дизайнов», выдвигающиеся Соттсассом. Самой решительной попыткой найти это ответ с переходом от слов к конкретному делу и стало открытие студии «Мемфис».

Зимним вечером 1981 года в доме у Этторе Соттсасса М. Де. Лукки, Б. Радиче и хозяин дома под песню Боба Дилана «Мемфис Теннеси» решили создать предприятие, которое могло бы доказать делом жизнеспособность «нового дизайна». Название подсказала песня. Кроме того, Мемфис – крупнейший город Древнего Египта, известный великолепным храмом Фта – покровителя художников, Мемфис – довольно крупный промышленный и сельскохозяйственный центр, порт на Миссисипи, где возник и расцвел рок-н-ролл. Новый экспериментальный, проектный и производственный центр был организован в Милане, поскольку тамошние промышленники известны своей динамичностью и чуткостью к новым идеям.

Основатели нового предприятия поясняли, что «Мемфис» – это лаборатория поисков новых образцов быта, изменений взаимоотношений с вещами, новых критериев дизайна. «Мемфис скоро выйдет из моды, – говорили они, – но это не мода. Мемфис эклектичен, он банализирует золото и мрамор и облагораживает чистый пластик, нержавеющую сталь и каучук. Он стремится освободить пространство, демонументализировать архитектуру, сорвать покровы с тайны памяти навсегда». Привлекательность нового направления была в отсутствии догматизма.

Стиль «Мемфис», родившийся в 1981 году, возник, конечно не на пустом месте: некоторые его элементы восходят к «ар-деко» и даже к искусству древних цивилизаций, некоторые были найдены представителями «банального дизайна» и самим Соттсассом еще на первых этапах его творчества и в качестве вариантов присутствовали во всех его значительных работах, много родилось в студии «Алхимия», немало привнесли и все те, кто приехал в Милан и не только из Италии, но и из самых отдаленных уголков планеты. Все это быстро сплавилось в явление, которое вскоре всколыхнуло мировую дизайнерскую мысль, показало неординарность подходов и концепций, возможность практической реализации тех идей, которые в недавнем прошлом воспринимались как не серьезные и скандальные.

«Мемфис – это визуальная музыка без слов, – говорил дизайнер Дж. Дж. Соуден, – это надо воспринимать в серьез!» Журналист П.А. Спарк писал: «Мемфис станет Меккой всех тех, кто ещё верит в дизайн. Вещи Соттсасса и его друзей – странные, ироничные, разукрашенные – выражают одновременно ностальгию по прошлому, настоящее и надежду на будущее». Новое было непривычным, даже шокирующим, странным но притягательным. «Мемфис» преобразует площадку дизайна в каток, – пояснял Де Луки. – Редкий устоит на ногах на этом катке!»

Расцвет студии «Мемфис» был недолгим, но он сыграл свою роль, показал – особенно молодым дизайнерам – пути выхода из устоявшихся и застоявшихся схем. Совсем другое дело, что он не стал промышленно-коммерческим предприятием, а слово Мемфис – логотипом на серийной продукции, как того хотели Э. Соттсаас и Б. Радиче. По инициативе главы Arteluce, фирмы, финансирующей деятельность «Мемфиса», в 1984 году был взят новый курс, получивший название «Метамемфис»: проектирование и изготовление коллекций уникальной «художественной» мебели. Соттсасс с Б. Радиче покинули созданную ими группу.

Не смотря на довольно долгое увлечение чистым концептуализмом, Э. Соттсасс все-таки остался дизайнером, чья работа связана с промышленным и серийным производством. Такова его позиция. «Я ненавижу ремесленное производство, – говорил он интервьюеру « Architecture d’aujord’hui». – Ненавижу как социальное условие. Это возмутительное условие в плане как политическом, так и, безусловно, моральном. В отличии от всех этих художников, которые берутся сегодня за проектирование мебели, мы уверенны в своих разработках, и особенное внимание уделяем проблеме тиражирования. Мебель «Мемфис» не может быть изготовлена руками, мы, сколь возможно, используем распространенные методы индустриального производства».

Уход Этторе Соттсасса из студии был логичен и неизбежен. Но это не стало катастрофой для немолодого, но полного сил дизайнера. По обилию и разнообразию идей едва ли какой-нибудь современный дизайнер может с ним сравнится. Единственное условие появления идеи – напряженная работа. «Чтобы идея появилась, – признавался Э. Соттсасс, – я должен быть один в тихом месте и очень усталым; это бывает в моменты, когда интеллект не работает, а работаем нечто иное, сам не знаю, что именно».

Соттсасс всегда жаден до деятельности. В 1985-1986 годах он берется за обновление ассортимента изделий их мрамора крупнейшей в Италии фирмы Up S Up. Вошедшей в последнее время из моды мрамор долгие годы использовался итальянской промышленностью исключительно в «нетворческих» целях. Соттсасс вместе с несколькими приглашенными фирмой дизайнерами сумели представить непопулярный в век пластиков и декоративных покрытий материал как вполне современный и «дизайнерский» Затем Соттсасс участвует в подготовке нескольких выставок в разных странах, преподает и, наконец организует новую творческую группу – «Энорм».

Эта группа была основана с целью достичь синтеза итальянского дизайна и передовой американской технологии «для создания изделий, предназначенных для современной жизни». В нее вошли помимо Соттсасса, американский дизайнер Д. Келли и швейцарский финансист Ж. Пигоции, известный своими чудачествами и тягой к необычному. Название группы дает простор для самых разных толкований: по-французски «enorme» означает «колоссальный, необъятный, гигантский» и одновременно – «невероятно гнусный». В качестве фирменного знака использована маленькая фигурка борца сумо (японская национальная борьба, в которой вес участника должен быть не ниже определенного предела – более 100 кг). Тайный смысл этого знака ни Соттсасс, ни его единомышленники не раскрывают. Можно лишь предположить, что это символ гигантских возможностей современной технологии, которые сегодня демонстрирует японская промышленность. Возможно и другое толкование: как бы не были велики достижения японской технологии, потенции дизайна не меньше. Сам Соттсасс видит смысл существования новой групп в проектной деятельности: «Мы исследуем проект, мы вкладываем в него самих себя, мы его завершаем, затем мы путаемся продать его промышленности».

В отличии от группы «Мемфис», где коммерческая организация формировалась, не ожидая клиента, в данном случае вся работа строится в расчете на будущего заказчика. Особенность лишь в том, что выполняя инициативный проект, Соттсасс предлагает заказчику уже готовое изделие. Нельзя сказать, что первые опыты новой группы были триумфальными. Из её разработок наиболее известен телевизионный аппарат с фирменным знаком и логотипом «Enorme», ставшим наименованием модели. Первоначальная идея заключалась в создании аппарата даже не завтрашнего дня, а более отдаленного будущего: бескабельного, способного «развиваться», то есть по мере технического прогресса дополнятся все новыми и новыми модулями, выполняющими все новые функции. Попытки заинтересовать клиентов столь хитроумным аппаратом были не слишком успешными, и пришлось пойти на некоторые уступки сегодняшней реальности. Появился кабель, электронные блоки пришлось упростить, от ряда необходимых (но только в будущем) функций отказаться. Однако ценность этой работы Э. Соттсасс в том, что он показал: дизайн способен сделать самый сложный в техническом отношении объект близким человеку. В каждой вещи Соттсасс стремится найти элементы ритуала. Еще несколько лет назад он говорил: «Когда я проектирую электронные машины, я пытаюсь внести в них некоторую степень ритуальности, ибо иначе работа видится лишь как неизбежное несчастье».

Стремление опоэтизировать рабочие и бытовые процессы можно считать главным в творчестве Соттсасса. Он стремился прикоснуться к границам неуловимого, вырваться за пределы повседневности, в каком бы качестве в каждой свей работе он ни выступал: функционалиста, модерниста или сторонника «ретро». Он многообразен: как сравнивать его проекты, выполненные для Olivetti (вычислительная техника, пишущие машины) или Erco (светильники), с его же работами для фирмы Cedit (декоративная керамика) или Print (проектные утопии)? С одной стороны, технически сложные изделия самых передовых рубежей НТР, с другой – вещи и проекты, которые олицетворяют лишь стремление к собственному художественному самовыражению. С одной – коллективное творчество, координированное действие в многопрофильной группе, с другой – артистический индивидуализм. Однако, во всех своих ипостасях Э. Соттсасс всегда остается убежденным дизайнером. Его идеи и концепции призваны обогащать проектную культуру, а проекты – воплощаться методами современной индустрии.

Материал подготовила Александра Траубе.

Арт-дизайн как направление художественного проектирования

Аннотация: Рассматриваются арт-дизайн как современные направления художественного проектирования с целью изучения художественных основ комплексного формирования архитектурной среды.
Художественное проектирование архитектурной среды — вид пространственного искусства, который превращает предметно-пространственный комплекс условий и обстоятельств человеческого бытия в объект художественного творчества.

Художественное проектирование — это неофициальный подход в дизайне, возникает в среде художников и философов как ответ на официальный государственный подход «художественное конструирование».
Арт-дизайн (англ. Аrt — искусство) — концепция театрализации, охудожествление действительности. Артизация архитектуры — это отношение к течению реальной жизни как к произведению архитектуры, где граница между вымыслом и жизнью, «бытием» и «бытом» стерта. Реальность свободно приходит в искусственный мир, а искусство архитектуры и дизайна становится высшей реальностью в духе экзистенциальных концепций художественного творчества. Например, в «картонных» арках и бутафорских декорациях М.Нуньес-Яновски (по образованию — театрального режиссера и сценографа) фантазийный мир архитектуры «сплавлен» с жизнью в единое целое, полное переходов «вымышленного» и «реального». Свободная поза арт-дизайна — шаткая основа двойственности миропонимания архитектора-дизайнера, вынужденного балансировать на грани прагматизма и эстетства.Особенностью арт-дизайна является то, что усилия дизайнера направлены на организацию художественных впечатлений, получаемых от образа воспринимаемого объекта. Изделия теряют утилитарные свойства (или хранят их частично) и становятся почти исключительно декоративными, выставочными, то есть фактически проектируются эмоции. В связи с переходом к рынку «эмоциональных покупок» опыт создания произведений арт-дизайна все шире используется в проектировании продукции индустриального дизайна. Арт-дизайн — воплощение и использования авангардных течений, которые появились на пересечении декоративно-прикладного искусства, скульптуры, архитектуры и дизайна. Это синтез художественного и архитектурного формообразования на базе философии дизайна.

дизайн — это… Что такое арт-дизайн?

арт-дизайн — арт диза/йн, арт диза/йна …   Слитно. Раздельно. Через дефис.

арт-дизайн — арт диз айн, а …   Русский орфографический словарь

Дизайн —         (от англ, design проектировать, чертить, задумать, а также проект, план, рисунок), термин, обозначающий разновидность художественно проектной деятельности, охватывающей создание промышленных изделий и рациональное формирование целостной… …   Художественная энциклопедия

Дизайн-бюро Артёма Горбунова — Год основания …   Википедия

Дизайн-завод «Флакон» — Дизайн завод «Флакон» (Flacon Design Factory) Тип Частная компания Год основания 2009 Основатели Николай Матушевский Расположение …   Википедия

Арт-директор — Арт директор  художественный руководитель и воплотитель проекта. Общее название для целого ряда аналогичных должностей в различных областях деятельности, таких как: реклама, издательский бизнес, кино, дизайн, телевидение, Интернет, видеоигры …   Википедия

Арт — Отель Радищев — (Санкт Петербург,Россия) Категория отеля: 3 звездочный отель Адрес: Улица Радище …   Каталог отелей

Дизайн-менеджмент — Стиль этой статьи неэнциклопедичен или нарушает нормы русского языка. Статью следует исправить согласно стилистическим правилам Википедии. Дизайн менеджмент  это такой инструмент бизнеса, ориентированный на рынок и конечного потребителя,… …   Википедия

Дизайн — Зарисовка разгонного двигателя парового локомотива. Дизайнер решает задачу унификации научных и инженерных результатов (см. промышленный дизайн) Дизайн (англ.  …   Википедия

Горбунов, Артём Сергеевич — Артём Сергеевич Горбунов …   Википедия

Нейл Арт — Дизайн ногтей, украшение ногтей различными способами: разноцветными лаками, картинками, блестками, стразами …   Словарь косметических терминов

Дизайн-студия

Изделия компании «АРТ Дизайн» популярны среди множества покупателей в первую очередь благодаря собственной дизайн-студии, работающей уже более 21 года. Коллектив студии состоит из опытных и высококвалифицированных специалистов, способных не только понимать потребности покупателей, но и воплощать эти ожидания в рисунках для ткани, будь это бязь или поплин, вафельное полотно.

Команда профессионалов компании «АРТ Дизайн»  ответственно подходит к созданию каждого отдельно взятого элемента рисунка. Наши специалисты – это не просто опытные дизайнеры, а истинные мастера своего дела, регулярно получающие престижные награды, грамоты и дипломы на отечественных и международных выставках.

Работа наших специалистов, начиная от разработки идеи и создания карандашного эскиза, и заканчивая детальной отработкой материала на компьютере, протекает в дружественной и творческой атмосфере. Наша дизайн-студия работает слаженно, а все специалисты не просто трудятся со взаимопониманием, а вкладывают в свои произведения частичку собственной души. Именно это позволяет нам создавать эксклюзивный дизайн, способный привлекать и завораживать.

Мы понимаем, что комплекты постельного белья оптом могут сохранять свою привлекательность для покупателя, только в случае нашего внимательного отношения и изучения ожиданий современных потребителей. По этой причине компания «АРТ Дизайн» постоянно следит за спросом покупателей, что позволяет нам постоянно обновлять ассортимент, привнося новые оригинальные идеи. Каждый наш уникальный дизайн – это результат творчества, вдохновленного  нашими покупателям. В благодарность мы создаем лучшую продукцию для людей, желающих окружить себя красивыми, качественными и практичными вещами.

Специалисты дизайн — студии очень внимательно подходят к каждому проекту, поэтому готовая продукция – это не просто повседневные красивые комплекты постельного белья, но и отличный подарок для любых торжественных моментов. Великолепный результат достигается благодаря прекрасному знанию секретов текстильного дизайна, оригинальности идей, многолетнему знанию рынка текстиля для дома.

 

Студия «Арт-дизайн».

Студия «Арт-дизайн».

Программа «Арт-дизайн» направлена на приобщение к основам дизайна и выявление одаренных детей с целью развития их творческого потенциала. Дизайн — это образное проектирование того, чего еще нет, но что могло бы возникнуть, в ходе целенаправленной деятельности, конструирование вещей, основанное на принципах сочетания удобства, экономичности и красоты.

Актуальность программы состоит в том, что изучая способы художественное проектирование многих вещей, преображения форм, воспитанники приобретают опыт выражения творческой мысли. Одной из целевых установок, обеспечивающих эффективную интеграцию в общество, является предоставление максимальных возможностей для формирования установки на творческую деятельность.

Целесообразность формирования личности инициативной, самостоятельной, способной к успешной активной адаптации, ориентированной на культурные ценности. Программа позволяет сформировать эстетическую культуру.

Новизна данной программы заключается в том, что программа дает возможность не только изучить различные техники декоративно-прикладного искусства, но и применить их, используя комплексно, при проектировании интерьера, и всего, что, так или иначе, окружает нашу жизнь.

Цель — эстетическое развитие личности через обучение его законам гармонии и композиции и раскрытие индивидуальных, творческих способностей. Формирование особого стиля мышления, для которого характерно понимание дизайнерского проектирования как творческого процесса.

Задачи:
— изучить основы различных техник декоративно-прикладного творчества;
— овладеть практическими навыками и приёмами изготовления и декорирования изделий;
— обучить основам дизайна;
— познакомить с основными законами композиции;
— научить пользоваться законами цветоведения;
— формировать художественно-образное мышление.

Занятия проходят по адресу: ул.Новочеремушкинская, д.8

Занятия на бюджетной основе

«Арт-дизайн»                           для детей от 7-ми до 14-ти лет 

Руководство по изучению искусства и дизайна

СОДЕРЖАНИЕ

1. Что такое искусство и дизайн?

2. Почему стоит изучать искусство и дизайн?

3. Какую работу вы можете получить, получив диплом в области искусства и дизайна?

4. Чем занимаются и зарабатывают выпускники?

5. Какая квалификация вам нужна?

6. На какие степени вы можете учиться?

7. Как вас будут оценивать?

8. Каковы возможности аспирантуры?

Любой ассортимент или продукт творческой деятельности человека можно определить как искусство.Наиболее тесно связаны изобразительные искусства, такие как живопись и скульптура.

Большая часть процесса включает планирование и тестирование различных стилей и техник. Придумывать идеи так же важно, как и создавать само искусство.

Подобные курсы по искусству и дизайну включают:

Если вы любите создавать что-то новое с помощью живописи, скульптуры или других видов искусства, вам может подойти курс «Искусство и дизайн».

Прочтите наши пять причин изучать искусство и дизайн, чтобы узнать больше о том, почему вы можете выбрать изучение этой предметной области.

Если у вас есть навыки и талант, степень в области искусства и дизайна может привести к захватывающей карьере. В число должностей, помимо художника, входят общественный деятель, модельер, графический дизайнер, иллюстратор, производитель текстиля, руководитель рекламы, мультимедийный работник и куратор музея.

Несколько профессиональных организаций, например, Arts Council England, предлагают специализированные должности для выпускников факультетов искусств и дизайна.

В приведенной ниже инфографике в первой таблице показано, чем занимались выпускники факультета искусства и дизайна в течение нескольких месяцев после окончания учебы.

Во второй таблице показаны средние зарплаты студентов бакалавриата искусств и дизайна, поступающих на работу. Три уровня навыков — высокий, средний и низкий — отражают основные группы 1–3, 4–6 и 7–9 согласно Стандартной классификации профессий Великобритании.

Источник: Исследование результатов выпускников HESA, 2017/18 г.

Вы можете быть отобраны на основании ваших оценок GCSE и вашего A Level (или эквивалента) по предметам, связанным с искусством и дизайном. На некоторых курсах потребуется получить базовый диплом в предметной области; другие будут включать год обучения в рамках более длительного курса бакалавриата.

Оценки и другие требования могут различаться в зависимости от учебного заведения. Всегда подтверждайте для конкретного университета / курса, который вас интересует.

• BA Искусство и дизайн
• BA История, общение и курирование
• Бакалавр творческих технологий
• BA Fashion

Примеры модулей в курсе «Искусство и дизайн»:

• История искусства
• Изобразительное искусство
• Скульптура
• Дизайн одежды
• Садовое искусство
• Выставок
• Медиа-исследования
• Графический дизайн
• Музыкальное и театральное искусство

Изучите курс «Искусство и дизайн», и вы в первую очередь будете оцениваться через курсовую работу.Модули, основанные на теории, будут основаны на эссе и курсовых работах, а в некоторых случаях могут быть презентации, письменные экзамены и практические наблюдения.

Примеры магистерских программ и ученых степеней в аспирантуре включают магистерские программы в области рекламы, анимации, художественной журналистики, дизайн-менеджмента, документального кино, игрового дизайна, графического брендинга и медиа-дизайна, иллюстрации, фотографии и фотожурналистики.

Карьера в области искусства и дизайна — требования к работе, заработной плате и образованию

true Арт-директора 97 270 долл. США -2%

Арт-директора управляют персоналом дизайнеров и следят за творческой стратегией кампаний для организаций.Они могут обсуждать цели с клиентами, концептуализировать эстетику и создавать бюджеты и графики проекта. Эти профессионалы могут применить свои навыки в рекламе, связях с общественностью, кино и издательстве.

Работодателям обычно требуется степень бакалавра в соответствующей области, такой как графический дизайн или цифровые медиа. Начинающие директора также могут получить степень магистра в области искусства или изящных искусств. Прежде чем взять на себя руководящую роль, большинство профессионалов сначала работают художниками, приобретая навыки лидерства, общения и управления временем.

Источник: BLS

правда Мультимедийные художники и аниматоры 77 700 долл. США 4%

Мультимедиа-художники и аниматоры создают изображения и иллюстрации для средств массовой информации, включая фильмы, телевидение и видеоигры. Они разрабатывают планы, основанные на потребностях потребителей и работодателей, создают и редактируют анимацию с помощью компьютерных программ и работают с другими художниками и аниматорами над созданием более крупных сборников и проектов.

Начинающим аниматорам обычно требуется степень бакалавра в областях, связанных с искусством.Некоторые работодатели могут требовать от кандидатов наличия специальной степени в области дизайна мультимедиа или видеоигр. Помимо сильного портфолио кандидатам необходимы художественные, компьютерные и коммуникативные способности.

Источник: BLS

правда Художники по спецэффектам и аниматоры 77 700 долл. США 4%

Художники по спецэффектам и аниматоры создают движущиеся изображения и эффекты для различных медиаформатов. Они работают в фильмах, на телевидении и в видеоиграх, создавая компьютерные изображения и визуальные эффекты.Эти профессионалы часто работают с другими аниматорами и художниками, чтобы обеспечить соответствие эстетики общему плану дизайна.

Чтобы стать художником по спецэффектам, кандидатам обычно требуется степень бакалавра в области дизайна. Специализированная степень, такая как графический дизайн или мультимедийный дизайн, может дать соискателям конкурентное преимущество. Помимо соответствующей степени, каждому кандидату обычно требуется портфолио, демонстрирующее его художественные способности.

Источник: BLS

правда Модельеры 75 810 долл. США -4%

Модельеры создают одежду, которая нравится розничным торговцам и потребителям.Они исследуют интересы потребителей и тенденции рынка, выбрать соответствующие ткани и темы, а также проверить свои идеи на показах мод. Они могут работать с определенными типами одежды, такими как костюмы, обувь или аксессуары, и они могут создавать свои проекты вручную или на компьютере.

Большинство модельеров имеют степень бакалавра в области моды. Они могут alsohave обучение в компьютерном дизайне, и они нуждаются в творческой, связи и навыки принятия решений. Модельеры могут получить опыт через стажировку или работая помощником дизайнера.

Источник: BLS

правда Цифровой дизайнер 77 200 долл. США 8%

Цифровые дизайнеры создают внешний вид и макет веб-сайтов и интерфейсов. Они часто работают с веб-разработчиками, чтобы обеспечить правильное функционирование веб-сайтов. Цифровые дизайнеры также работают с клиентами, чтобы определить их потребности, выбрать подходящую графику и шрифты и обеспечить доступность.

Большинство цифровых дизайнеров имеют степень бакалавра в дисциплинах компьютерного дизайна, таких как графический дизайн или веб-дизайн.Обычно им требуется решение проблем, обслуживание клиентов и коммуникативные навыки. Некоторые кандидаты также получают отраслевые сертификаты, особенно в нишевых областях.

Источник: BLS

правда Учитель высшей школы 80 790 долл. США 6%

Учителя высших учебных заведений обучают студентов, проводят академические исследования и публикуют свои работы. Преподаватели искусства и дизайна составляют учебные программы колледжей и университетов, учат студентов пользоваться инструментами и методами, а также составляют планы уроков, способствующие их развитию и профессиональному интересу.

Учителям высших учебных заведений обычно требуются докторские степени для трудоустройства, хотя учителя искусств могут претендовать на некоторые должности с сочетанием опыта и ученой степени, например, магистра изящных искусств. Кроме того, этим профессионалам необходимы навыки критического мышления, общения, лидерства и межличностного общения.

Источник: BLS

правда Промышленные дизайнеры 71 640 долл. США -4%

Промышленные дизайнеры создают внешний вид и концепцию коммерческих продуктов.Они исследуют потребности потребителей и организаций, рассматривают функциональность, проектируют продукты и обеспечивают соответствие конечного дизайна продукта требованиям бюджета и безопасности. Эти профессионалы используют программное обеспечение для создания своих проектов, и они должны быть знакомы с материалами и производственными процессами, чтобы создавать точные модели.

Промышленный дизайнер обычно имеет степень бакалавра, часто в области дизайна, например, бакалавра в области графического дизайна. Обычно им требуется обучение программам автоматизированного проектирования, а также знания в области производства.Полезные навыки в этой области включают решение проблем, механические, компьютерные и аналитические способности.

Источник: BLS

правда Дизайнеры Интерьера 57 060 долл. США -5%

Дизайнеры интерьеров разрабатывают планы использования пространства функциональным, экономичным и эстетичным образом. Они работают с архитекторами, инженерами и рабочими над созданием проектов, соблюдая строительные нормы и стандарты доступа. Эти профессионалы могут специализироваться на экологичном, жилом, медицинском или корпоративном дизайне интерьера.

Большинство дизайнеров интерьеров имеют степень бакалавра в области дизайна интерьера или архитектуры. В некоторых штатах и ​​работодатели требуют, чтобы эти специалисты получили сертификаты, например, выданные Советом по квалификации дизайна интерьера. Некоторым дизайнерам интерьера может потребоваться опыт компьютерного дизайна, а также художественные, визуальные и творческие способности.

Источник: BLS

правда Кураторы музеев 52 140 долл. США 13%

хранителей музея следят за приобретением, сохранением и презентацией музейных артефактов и коллекций.Они работают с коллекционерами и другими музеями, собирая новые предметы, проводят исследования, разрабатывают темы для выставок и разрабатывают программы и мероприятия. Кураторы могут специализироваться в одной или нескольких областях, таких как искусство, мода или дизайн.

Кураторы обычно имеют степень магистра, например, степень магистра искусства или истории искусства. Небольшие музеи и выставки могут нанимать кандидатов со степенью бакалавра и некоторым опытом. Важнейшие навыки в этой области включают организационные, аналитические навыки и навыки работы с клиентами.

Источник: BLS

правда Графические дизайнеры 53 380 долл. США -4%

Графические дизайнеры используют программное обеспечение для создания изображений и концепций для своих клиентов, которые могут быть отдельными лицами или организациями. Они создают изображения и логотипы, часто управляя стратегиями дизайна для целых кампаний. Они работают с веб-сайтами, макетами текста, рекламой и упаковкой, сотрудничая с другими профессионалами и художниками для создания целостного дизайна.

Графическим дизайнерам для работы обычно требуется степень в области искусства, желательно степень бакалавра графического дизайна.Степень магистра графического дизайна или значительный опыт могут помочь профессионалам занять руководящие должности или сделать карьеру в крупных организациях. Графические дизайнеры также должны обладать компьютерными, коммуникативными и художественными навыками.

Источник: BLS

правда Ремесленники и изобразительные художники 49 120 долл. США 0%

Художники-ремесленники и художники изобразительного искусства создают, продают и выставляют произведения искусства. Они могут использовать множество различных техник, материалов и подходов, всегда интригуя аудиторию и привлекая потребителей.Эти профессионалы обычно специализируются в определенной области, например, в керамике, живописи, ювелирных изделиях или ручных работах.

Хотя ремеслам и художникам не требуется никакого формального образования для работы, многие из них имеют степень бакалавра искусств. Художникам обычно нужно создавать портфолио на основе практики, профессионального опыта или образования, например, на программе магистра изящных искусств. Предпринимательская сторона этой профессии обычно требует навыков межличностного общения, обслуживания клиентов и ведения бизнеса.

Источник: BLS

правда Художественный консерватор 52 140 долл. США 12%

Художественные реставраторы следят за качеством и заботой об исторических артефактах. Они проводят исследования в безопасных условиях, используя материалы, методы и оборудование, не повреждающие предметы, а затем представляют и публикуют свои выводы. Они также помогают очищать и сохранять артефакты.

Для работы консерватору обычно требуется степень магистра, например, степень магистра истории.Эти профессионалы обычно приобретают опыт, прежде чем получить работу, пройдя стажировку, совместные работы, а также начальную музейную или археологическую работу. Консерваторы — профессионалы, разбирающиеся в деталях, с хорошими аналитическими и организационными способностями.

Источник: BLS

правда Ювелиры, мастера по драгоценному камню и металлу 41 900 долл. США -10%

Ювелиры, мастера по драгоценным камням и металлу проектируют и создают украшения для частных лиц и организаций.Они могут использовать традиционные методы изготовления, компьютерный дизайн или другие современные технологии для создания своего искусства. Они могут специализироваться на обработке металлов, геммологии, оценках и дизайне.

Ювелиры могут выйти на рынок с опытом и небольшим формальным образованием, хотя программы обучения по геммологии и компьютерному дизайну могут помочь. Например, степень бакалавра в области графического дизайна может предоставить кандидатам конкурентное преимущество. Помимо художественных способностей, ювелирам и родственным профессионалам необходимы сноровка, навыки визуализации и сильное чувство эстетики.

Источник: BLS

правда Фотограф 41 280 долл. США -4%

Фотографы создают увлекательные изображения для частных лиц и организаций. Они используют методы кадрирования и модификации оборудования, чтобы делать уникальные кадры, которые нравятся потребителям. Они могут специализироваться на конкретных мероприятиях, отраслях, фотографических объектах и ​​фотографических технологиях, таких как дроны или микроскопические камеры.

Сфера фотографии не требует формального образования, но многие профессионалы имеют степень бакалавра в областях, связанных с искусством.В Соединенных Штатах фотографы с дронов должны пройти сертификацию в Федеральном управлении гражданской авиации. Поскольку многие фотографы работают фрилансерами, им могут потребоваться навыки ведения бизнеса, межличностного общения и обслуживания клиентов.

Источник: BLS

правда Цветочные дизайнеры 29 140 долл. США -20%

Цветочные дизайнеры создают для заказчиков декоративные композиции из цветов и растений. Они создают цветочные коллекции и композиции с учетом потребностей потребителей, сезонов, событий и общего внешнего вида.Эти профессионалы обычно также знают, как ухаживать за растениями.

Цветочные дизайнеры не нуждаются в высшем образовании, хотя профессионалы могут получать дипломы, связанные с дизайном. Они могут получить сертификат Американского института цветочных дизайнеров для более официального признания. В большинстве случаев флористы обладают сильными художественными способностями, творческими способностями и организаторскими способностями.

Источник: BLS

Искусство против дизайна — вечный спор

Потратьте какое-то время на работу среди профессиональных дизайнеров, и вы поймете, что приравнивание искусства к дизайну — верный способ встряхнуть котел и услышать смелые заявления вроде:

• «Дизайн — , а не арт.Дизайн должен функционировать ».
• «Искусство призвано вызывать мысли и эмоции, но не решает проблем».
• «Художники в первую очередь работают инстинктивно, тогда как дизайнеры используют методичный процесс, основанный на данных».

К сожалению, дискуссия между дизайнером и художником часто превращается в разглагольствования и бреда. Строятся линии, поднимаются боевые флаги, и продуктивный диалог становится невозможным.

Что на самом деле здесь происходит? Почему искусство и дизайн противопоставлены друг другу и почему дизайнеры так непреклонны, что дизайн не может быть искусством? Эти вопросы — отправная точка вдумчивого разговора между дизайнерами Toptal Микой Бауэрс и Миклосом Филипсом.

Bowers — бренд-дизайнер и иллюстратор, который считает, что искусство включает в себя множество творческих дисциплин, дизайн является одной из них, и поэтому дизайн — это искусство.

Philips, дизайнер UX и ведущий редактор блога Toptal Design, считает, что искусство и дизайн могут пересекаться, но это совершенно разные области.

С нашими участниками на ринге пора начинать дебаты. Господа, дотрагивайтесь до перчаток и идите по своим углам.

Является ли дизайн искусством?

Михей: Дизайн — это искусство.Искусство — это дизайн. Без исключений.

Давайте проясним: я осознаю, насколько непопулярна моя позиция, особенно среди моих коллег-дизайнеров. Я был на беседах, читал книги, разговаривал с коллегами и посещал занятия, решив установить непримиримые различия между искусством и дизайном. Всякий раз, когда я делюсь своими взглядами, реакция возникает быстро и яростно, но контраргументы меня не трогают (удачи, Миклос).

Настаивание на различии между искусством и дизайном было похоже на постоянную низкую лихорадку, которая беспокоила меня последние 15 лет — сначала во время обучения промышленному дизайну, затем во время учебы в магистратуре изящных искусств, а затем в моей карьере в брендинг и иллюстрация.

Моя позиция такова: отличный дизайн — это прежде всего искусство. В чем коренится это убеждение? Философское понимание искусства.

Философы, такие как Платон, веками обсуждали значение искусства и определение дизайна.
(«Платон» от lentina_x — под лицензией CC BY-NC-SA 2.0)

Поиски определения искусства уходят корнями в многовековые дискуссии. Греческий философ Платон считал, что искусство по сути является отражением реального. Но его взгляды широко оспариваются, и, поскольку мы должны с чего-то начинать, мы должны стремиться к пониманию, которое признает историю и разнообразие мировой мысли и культуры.

Перефразируя Стэнфордскую энциклопедию философии, мы здесь:

Искусство существует и существовало в каждой известной человеческой культуре и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.

Согласно этому определению, дизайн, несомненно, является искусством. Его можно найти в любой человеческой культуре. Он используется для создания объектов, представлений и впечатлений. А дизайнеры намеренно привносят в свою работу значительный эстетический интерес.

Здесь слышен неизбежный крик: «Подожди! Вы погубили себя одним словом. Эстетично! »

Дизайнеры любят делать радикальные предположения в отношении эстетики, поэтому позвольте мне создать защиту.

Как и искусство, концепция эстетики — это сложная область философской мысли, которую нельзя свести к стереотипу дизайнера, что оно означает «заставлять вещи выглядеть красиво».

На самом деле, эстетика охватывает множество вопросов, которые важны для «искусства vs.дизайн »дебаты:

• «Можно ли определить эстетическое суждение из практического?»
• «На каком основании мы судим о полезности и красоте?»
• И: «Как основополагающие убеждения, с помощью которых мы делаем эстетические суждения, подвержены влиянию времени, культуры и жизненного опыта?»

Вот моя точка зрения: в мире современного дизайна искусство было узко определено и несправедливо низведено до жалкой акварельной карикатуры.Дизайнеры легкомысленно преувеличивали значение своих собственных дисциплин (которые различаются по содержанию до комической степени) на протяжении веков художественной практики, философских исследований и культурного понимания. Дизайн — это искусство. Искусство — это дизайн. Без исключений.

Миклош: Дизайн должен выполнять функцию. Не искусство.

Прежде всего, мы должны выделить тип дизайна, о котором идет речь. Я вижу, что в случае графического дизайна, иллюстраций и брендинга, возможно, дизайн — это в некотором роде «искусство», , но если мы говорим о более функциональном дизайне, таком как дизайн цифровых продуктов или промышленный дизайн, нам нужно многое сделать. глубже, и становится ясно: Дизайн — это не «искусство.”

Великолепный дизайн — это отчасти наука, отчасти процесс, а отчасти — практический набор решений с примесью эстетики. Выйдя за пределы поверхности, дизайнер неизбежно обнаруживает, что отличный дизайн — это скорее решение проблем.

Дизайн — это процесс, а не искусство.

Как UX-дизайнер, мне всегда нужно копать глубже, за пределами фасада, который можно назвать потенциальным «дизайном», и смотреть на более широкую картину целостно: целевая аудитория, сценарии использования, контекст и устройство дизайн предназначен для: ТВ на мобильные устройства, настольные компьютеры на планшеты, банкоматы и т. д.Что касается дизайна продукта, давайте не будем забывать о проверке и тестировании удобства использования. Если бы дизайн был всего лишь произведением искусства, как бы вы могли его проверить?

Если бы дизайн был исключительно искусством, как насчет эвристики юзабилити? Являются ли такие концепции удобства использования UX, как обратная связь, согласованность и стандарты, предотвращение ошибок, пользовательский контроль, гибкость и предсказуемость, за окном? Разве дизайн не для того, чтобы служить людям? Если хочешь быть художником, будь этим, но не называй себя дизайнером. Будьте художником или скульптором.

«Красота есть тогда, когда что-то работает и работает интуитивно», — говорит Джонатан Айв.

«Работа интуитивно» сама по себе не может быть достигнута «искусством»; он основан на исследованиях и тестировании пользователей. Хороший дизайн также основан на данных. Более того, в ближайшем будущем ИИ изменит способ разработки дизайна. Это будет супер-персонализированный и упреждающий. Сможет ли это сделать дизайн как «искусство»? Я так не думаю.

Нельзя сказать, что проектирование пользовательского интерфейса автомата по продаже билетов — это «искусство.Конечно, эстетика и эмоциональный дизайн вступают в игру — как уже упоминалось ранее в других статьях в блоге Toptal Design, — потому что эстетика играет роль в дизайне в той мере, в какой дизайн с лучшей эстетикой заставляет продукт «работать лучше». Но все же необходимо учитывать функцию дизайна и контекст использования.

Например, в основополагающей книге Дона Нормана «Дизайн повседневных вещей» он говорит о дизайне и концепции аффордансов. (Концепция аффорданса была изобретена перцептивным психологом Джеймсом Дж.Гибсон в своей новаторской книге Экологический подход к визуальному восприятию ). Норман пишет:

Affordances дает надежные ключи к разгадке работы вещей. Плиты толкаемые. Ручки поворотные. Слоты предназначены для вставки вещей. Ручки для подъема. Мячи предназначены для метания или отскока. Когда используются преимущества, пользователь знает, что делать, просто взглянув: изображение, этикетка или инструкция не нужны.

Итак, аффордансы — это «воспринимаемые свойства» функции в дизайне, и о них нужно сигнализировать пользователю с помощью «указателей», которые дают подсказки пользователю о существовании возможного взаимодействия.Я не знаю, как можно объединить концепции аффордансов и означающих с «искусством». Это важные концепции дизайна взаимодействия в сфере HCI (взаимодействия человека и компьютера). Они не имеют отношения к искусству.

Как UX-дизайнер я отвергаю это понятие. Я имею в виду, вы можете представить себе автомат по продаже билетов, созданный Пикассо в кубистском стиле? Я не говорю, что это было бы неинтересно, но это было бы не очень эффективно или функционально.

Что такое хороший дизайн?

Михей: Искусство решает проблемы.«Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.

Автомат по продаже билетов в кубизме Пикассо? Вот , что было бы хорошим дизайном! Я могу представить себе руки способного художника, использующего стилистический диссонанс кубизма в четко определенной визуальной иерархии, которая радует пользователей однозначными точками взаимодействия. Наконец, мы могли попрощаться с мягкими и запутанными святилищами, к которым мы все привыкли.

Интересно, что такая идея не беспрецедентна.В городах по всему миру инсталляции паблик-арта использовались для улучшения впечатлений, ранее упускаемых из виду или запутанных в дизайне. «Путь Ван Гога», созданный голландским художником Дааном Русегаарде, является прекрасным примером.

Технология экспериментальной инсталляции оказывает существенное влияние на мир дизайна.

Вдохновленный «Звездной ночью» Ван Гога, тропа проходит через Нуэнен, Нидерланды (город, где художник жил в 1880-х годах), и состоит из тысяч маленьких раскрашенных камней, которые улавливают энергию солнца днем ​​и светятся ночью. .

Если бы все это было охвачено проектом, это было бы немного больше, чем красивый световой эффект, но сфера художественного видения Русегаарде намного шире. Путь Ван Гога является подтверждением концепции в рамках более крупного проекта под названием SMART HIGHWAY, амбициозного проекта, направленного на переосмысление голландского ландшафта путем внедрения устойчивой системы светящихся интерактивных дорог.

Вывод? Искусство и художники способны решать существенные проблемы.

Решение проблем требует знаний, опыта, навыков, исследований, риска и понимания человеческого поведения, но, к сожалению, многие дизайнеры не осознают, что художники применяют методологию решения проблем в своей работе, даже несмотря на то, что художники систематически ищут творческие решения для веков, задолго до того, как звание «дизайнер» стало модным.

Нужны доказательства?

И снова мы обращаемся к голландскому художнику, мастеру света и живописцу Девушка с жемчужной серьгой Йоханнесу Вермееру. Вермеер жил в середине XVII века, добился скромных успехов как художник и умер под гору долгов. Однако почти через два столетия после его смерти работы Вермеера были заново открыты, и его статус одного из величайших художников всех времен был закреплен в анналах истории искусства.

Но случилось странное.Чем больше людей изучали Вермеера и его работы, тем больше они понимали, что его картины и процесс действительно не похожи на работы других художников. Как так?

• Вермеер не имел формального художественного образования и, по всей видимости, не учился на художника.
• Его работы довольно малы, всего менее 50 картин.
• У него никогда не было своих учеников или учеников.
• Почти все картины Вермеера были поставлены в одной из двух комнат его дома.
• Нет сохранившихся подготовительных рисунков или эскизов, приписываемых Вермееру.
• Рентгеновские снимки картин Вермеера не обнаруживают прорисовок или композиционных исправлений.
• Его картины содержат искажения освещения и перспективы, которые можно увидеть только через искусственные линзы.
• И, наконец, Вермеер был близким другом Антони ван Левенгука, голландского ученого, известного своими новаторскими работами в области создания линз и микроскопии.

Некоторые ученые утверждают, что человеческий глаз не может естественным образом воспринимать аберрации освещения и перспективы, обнаруженные на картинах Вермеера.

Что все это значит? Вермеер, вероятно, использовал продвинутую и до сих пор неизвестную форму камеры-обскуры для создания своих шедевров. Это спорная теория, но есть достаточно доказательств из множества источников, подтверждающих такое утверждение.

Какое отношение это имеет к нашим дебатам? Вермеер изобрел устройство и процесс, которые оставались незамеченными и не дублировались более 350 лет, и позволил ему создать одни из самых знаковых и технически изысканных картин в мире без какого-либо формального обучения.Это вершина решения проблем.

Дизайн — это форма искусства, метод человеческого самовыражения, который следует системе высокоразвитых процедур для придания значимости объектам, представлениям и опыту. Как и все виды искусства, дизайн может решать проблемы, но нет никакой гарантии, что это так.

Больше всего я хочу, чтобы дизайнеры осознали, что искусство — это не глупая субкультура дизайна, которая отвергает озабоченные рисованием пальцами свои чувства.Фактически, низкий взгляд на искусство — это также низкий взгляд на дизайн, науку, историю и культуру, что серьезно ограничивает творческий потенциал и междисциплинарный прогресс.

В конце концов, искусство решает проблемы. «Хороший дизайн» — это просто один из путей к решению.

Миклош: Хороший дизайн беспристрастен и удовлетворяет потребности людей.

Обратите внимание, я не сказал «чего хотят люди», как в песне Rolling Stones, в которой говорится: «Вы не всегда можете получить то, что хотите… вы получаете то, что вам нужно.«Люди не всегда знают, чего хотят, дизайнеры должны выяснить, что именно им нужно.

Кстати, а как картины решают проблемы? Я этого не вижу.

Хороший дизайн до некоторой степени субъективен, но, на мой взгляд, «хороший дизайн» определяется в процессе итеративного проектирования с большим количеством проверок / тестов. Это «дизайнерское мышление». Он существует уже несколько десятилетий. Это то, что просто работает, когда все складывается правильным образом, в нужное время, в нужный момент.

Хороший дизайн — это определенно , а не только об искусстве или эстетике. Это только поверхность. О хорошем дизайне следует судить по нескольким факторам, таким как предполагаемая база пользователей, среда, контекст использования, среда и устройство, на котором он будет отображаться. Например, в случае с автоматом по продаже билетов эстетика может не иметь такого большого значения — людям нужно делать что-то, а вещи просто должны работать на них. Он должен быть суперфункциональным, быстрым и эффективным.

На мой взгляд, хороший дизайн — это дизайн, в котором гармонично сочетаются эстетика и дизайн взаимодействия. Продолжая использовать пример с автоматом по продаже билетов, в этом сценарии «внешний вид» менее важен и должен занимать соответствующую часть с точки зрения важности на шкале баланса, а удобство использования и дизайн взаимодействия (функциональный дизайн) должны занимать большую часть. пропорция.

Мы также можем противопоставить «хороший дизайн» и «плохой дизайн». Плохой дизайн — это столпотворение.Это беспорядок. Это может расстраивать или раздражать. Это замедляет людей и истощает их эмоционально. На самом деле он может быть уродливым или просто непримечательным и, следовательно, не заслуживающим чьего-либо внимания. Для вашей аудитории плохой дизайн — это препятствие, а не расширение возможностей.

Выглядит круто, но хороший ли дизайн?

Является ли дизайн субъективным или объективным?

Миклош: Это сочетание того и другого в разных пропорциях.

Искусство и дизайн неразрывно связаны.Я считаю дизайн целостным делом, которого включает «искусства». Дизайн является как субъективным , так и объективным, но должен быть в первую очередь объективным . Надлежащая объективность дизайна достигается путем исследования пользователей (определение целевой пользовательской базы, знакомство с пользователями продукта, наблюдение за контекстом использования), проработки основных этапов процесса проектирования, ориентированного на пользователя (UCD), и пользовательского тестирования.

Дизайн может возникнуть в голове блестящего дизайнера, но его практическое применение еще требует подтверждения.Если бы дизайн был только субъективным, не было бы необходимости в юзабилити-тестировании (что, скорее всего, расстроило бы дизайнера, потому что он / она обнаружил бы, что дизайн не работает). Дизайн должен был исходить от одного человека, что, на мой взгляд, является нелепой, отсталой идеей. Дизайнеры, которые на 100% субъективны, высокомерны.

Однако небольшой процент субъективности действительно играет роль — эстетика играет роль, и, возможно, именно здесь происходит эмоциональный дизайн. Это шаг, на котором на первый план выходят чувствительность, «искусство» и субъективность дизайнера.Великие дизайнеры «наряжают» или «прикрывают» лежащий в основе функциональный дизайн, чтобы создать что-то, что работает на всех эмоциональных уровнях — интуитивном, поведенческом и рефлексивном — для создания продукта с потрясающим UX.

Некоторые дизайнеры считают, что хороший дизайн должен быть объективным. Я в это не верю. В дизайне Старка или Джонатана Айва есть доля гениальности. Они привносят в свой дизайн нотку субъективизма, что связано со вкусом. Одним из величайших оскорблений Стива Джобса было обвинение кого-то в отсутствии вкуса.

Стул дизайн бельгийского дизайнера Мартена Ван Северен

Михей: Искусство и все его дисциплины (включая дизайн) сочетают в себе объективность и субъективность.

Я не знаю, как это произошло, Миклош, но похоже, что мы нашли общий язык, и я приятно удивлен.

Искусство и все его дисциплины, включая дизайн, требуют сочетания объективности и субъективности. Конечно, найдутся дизайнеры, которые закатят глаза и заявят: «Искусство чисто субъективно.Для разных людей это может означать разные вещи ». Очевидный контрапункт? «То же самое и с дизайном!»

Но давайте присмотримся.

Когда дизайнеры утверждают, что искусство должно быть субъективным, они обычно имеют в виду то, как люди оценивают результат усилий художника. Такое мышление об искусстве делает упор на результат. Другими словами, искусство равно объектам, представлениям и опыту. Искусство — это живопись. Искусство — это танец. Искусство — это световое шоу.

С этой точки зрения арт является субъективным.Я думаю, что американская готика жуткая, но вы находите это вдохновляющим. Я думаю, что кресло Имса — это классно, но вы чувствуете, что это вульгарно. Я думаю, что интерфейс WhatsApp сбивает с толку, но ничего более элегантного вы еще не видели. Искусство — это результат, результаты открыты для интерпретации, и все правы!

Справедливо ли судить об искусстве исключительно по результатам усилий художника?

К счастью, определение искусства, которое я предложил в начале этой дискуссии, более тонкое, поэтому давайте освежим наши воспоминания:

Искусство существует и существовало в каждой известной человеческой культуре и состоит из предметов, представлений и переживаний, которые их создатели намеренно наделяют высокой степенью эстетического интереса.

Обратите внимание на слова, выделенные жирным шрифтом. Художники «намеренно наделяют» свои работы в высокой степени смыслом. Другими словами, они сознательно усиливают или целенаправленно обогащают. Есть намерение жениться на действии.

Понимаю более полно, искусство — это не результат. Искусство — это процесс, а процесс искусства переполнен объективностью.

Не согласны? Рассмотрим столетия повторяемых практик, стандартизированных инструментов, химических реакций и научных открытий, сделанных искусством.В той мере, в которой могут существовать реальности, независимые от разума (определение объективности), искусство объективно, потому что оно зависит от процесса.

Если художник по керамике зажжет блюдо, не дав ему предварительно высохнуть, оно взорвется.

Если пианист положит пальцы на правильные клавиши, она сыграет нужный аккорд.

Если веб-дизайнер выберет дингбаты в качестве основного текста, большие части сайта его клиента будут неразборчивыми.

Главный вывод, Миклош, в том, что я в основном с тобой согласен.Искусство и, следовательно, дизайн — это смешанный мешок объективности и субъективности, приправленный достаточно двусмысленностью, чтобы дискуссия «Искусство против дизайна» продолжалась долгие годы.

Заключение

Совершенно непонятно, что эти слова — «Что такое искусство?» — выражают что-то вроде единственного вопроса, на который даются конкурирующие ответы, или участвуют ли философы, предлагающие ответы, в одних и тех же дебатах… Абсолютное разнообразие предлагаемых определения должны заставить нас задуматься. — Кендалл Уолтон

На самом фундаментальном уровне и искусство, и дизайн стремятся что-то сообщить, и, несмотря на различия, будь то изящное, коммерческое или прикладное искусство, в лучшем случае обе формы вызывают эмоциональный отклик.

Утверждалось, что разница между изящным и прикладным искусством контекстом и больше связана с оценочными суждениями о самой работе, чем с каким-либо неоспоримым различием между двумя дисциплинами. Более того, сравнение «искусства» и «дизайна», хотя и возвышенное, возможно, донкихотское занятие, поскольку ни одно из них не может быть определено абсолютно, потому что они постоянно меняются — границы постоянно раздвигаются и, надеюсь, будут таковыми и в будущем. В конце концов, эта дискуссия — это вне времени.

Как мы решаем, что такое искусство, а что дизайн, и почему отношения между ними настолько разорваны? Разногласия вызывает ли разница между функциональным (дизайн) и нефункциональным (искусство)? Журнальный столик Noguchi или стул Rennie Mackintosh — это просто функциональный объект, или же у искусства есть функция?

Глазский архитектор, художник и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош был одним из первых сторонников интегрированной арт-архитектуры.Он верил в чистую интеграцию формы и функции и на протяжении всей своей карьеры стремился выдвинуть теорию «комнаты как произведения искусства».

Ренни Макинтош спроектировал мебель и другие приспособления в своих зданиях, где каждая деталь вносила вклад в общее целое.

Фрэнк Ллойд Райт настолько твердо верил в единство формы и функции, что изменил часто неправильно понимаемую аксиому «форма следует за функцией», которую его наставник Луис Салливан придумал следующим образом: «форма и функция едины.Его план относительно Guggenheim «… заключался в том, чтобы сделать здание и картины прекрасной симфонией, которой никогда раньше не было в мире искусства».

В заключение скажу, что не искусство в сравнении с дизайном , а их единство лежит в основе любого превосходного дизайна. Другими словами, хороший дизайн включает искусство.

• • •

Дополнительная литература в блоге Toptal Design:

Искусство и дизайн | Центр университетской карьеры

Скачать PDF

ОТ ОБУЧЕНИЯ К НАВЫКАМ

Все академические программы, предлагаемые в UM, помогают студентам развивать ценные передаваемые навыки.Изучение изобразительного искусства включает в себя различные выражения человеческих мыслей, интересов, отношений, эмоций и идей.

Визуальные художники обычно делятся на две категории: дизайнеры и художники. Однако Школа искусств и дизайна UM не делает такого различия, признавая, что все художники — дизайнеры, а все дизайнеры — художники. Учебная программа способствует развитию навыков, концепций и чувствительности, необходимых для всех искусств. Успешный студент достигнет высокого уровня технических знаний, восприимчивости к художественному стилю, обширных знаний в области истории искусства и дизайна, а также понимания его роли в обществе.

Связанные области включают историю искусства, театр, музыку, экранное искусство и культуру, коммуникационные исследования, музейное дело, архитектуру, информатику и промышленный дизайн.

НАВЫКИ И СПОСОБНОСТИ

Художественные и эстетические навыки

Видение, рисование и понимание формы
Визуализация форм, отношений и функций
Освоение использования цвета, пространства и линий
Творческое мышление
Визуальная форма абстрактных идей
Анализ динамических форм
Применение теорий композиции, обрамления и абстракции
Понимание Актуальные вопросы искусства и дизайна

Аналитические и коммуникативные навыки

Сбор, анализ и интерпретация информации
Просмотр проблем с разных точек зрения
Варианты взвешивания
Объяснение работы
Представление и отображение работы
Подготовка портфолио
Создание инструкций
Визуальное общение
Использование цифровых носителей
Маркетинговая работа

Технические навыки

Понимание качеств и ограничений каждой среды
Понимание промышленных технологий
Достижение высокого уровня мастерства
Работа в различных средах
Рисование / фотографирование
Изготовление моделей
Контроль качества

Организационные / межличностные навыки

Решение проблем
Сотрудничество с другими
Сеть художников
Планирование и установка выставок
Оценка потребностей клиентов
Управление дизайном и продуктом
Понимание экономических и юридических вопросов

РАЗВИТИЕ СВОИХ НАВЫКОВ ЗА ПРЕДЕЛАМИ КЛАССА

Работодатели ищут людей, которые могут продемонстрировать отличные устные и письменные коммуникативные навыки, навыки командной работы и межличностного общения, инициативу и твердую трудовую этику.Студенческие организации и трудоустройство в кампусе предлагают ценные возможности для развития навыков, которые вы приобретаете на занятиях. Большинство концентраций спонсируют определенные студенческие группы, такие как студенческая организация или общество чести. Другие варианты включают обучение за границей, работу за пределами кампуса или волонтерство в сообществе. Наконец, летняя стажировка может быть лучшим способом проверить сферу карьеры и развить рыночные навыки.

ОТ НАВЫКОВ К КАРЬЕРЕ

Специалисты

в сфере искусства и дизайна развивают как общие, так и технические навыки, применимые к широкому кругу профессий.Например, эстетические навыки могут быть одинаково полезны при работе иллюстратором, учителем рисования или промышленным дизайнером. Многие концентраторы поступают в аспирантуру или профессиональную школу. Приведенный ниже список представляет собой образец карьеры выпускников факультетов искусств и дизайна.

Художественные и эстетические навыки

Независимый художник / дизайнер
Дизайнер книг
Дизайнер ювелирных изделий
Фотокорреспондент
Фотограф
Иллюстратор
Дизайнер текстиля

Аналитические и коммуникативные навыки

Историк искусства
Профессор
Учитель K-12
Педагог для взрослых
Репортер / писатель / критик
Специалист по СМИ
Дизайнер / администратор веб-сайтов
Дизайнер выставок
Продавец предметов искусства
Арт-терапевт

Технические навыки

Аниматор / карикатурист
Медицинский иллюстратор
Полиция / художник зала суда
Научный иллюстратор
Специалист по компьютерной графике
Создатель моделей
Консультант по материалам
Реставратор / консерватор
Промышленный дизайнер (продукция, упаковка, мебель)
Графический дизайнер (вывески, публикации, фирменный стиль)
Конструктор медицинского оборудования

Организационные навыки

Директор галереи
Продюсер кино и видео
Администратор по искусству
Координатор художественной программы
Сборщик средств в области искусства
Агент художников
Исследователь рынка
Арт-директор по рекламе
Исследователь по дизайну
Менеджер по дизайну
Куратор музея / специалист по выставкам
Директор по публикациям музея

= Требуются дальнейшие исследования

Дополнительную информацию о карьере см. В O * Net по адресу http: // online.onetcenter.org/

ТРЕБОВАНИЯ К КОНЦЕНТРАЦИИ

Школа искусства и дизайна предлагает 3 степени бакалавра: степень бакалавра искусств и дизайна, степень бакалавра искусств и дизайна и степень бакалавра искусств в области Interarts Performance (междисциплинарная программа с факультетом театра и драмы). Хотя программа BFA — это интенсивная и строгая программа в области искусства и дизайна, степень бакалавра позволяет студентам использовать широкий спектр университетских ресурсов и требует меньшего количества студийных курсов.

Обе степени позволяют студентам проводить высоко индивидуализированную программу обучения.Студенты могут сосредоточиться на любой из следующих областей:

• графический дизайн
• промышленный образец
• веб-дизайн
• интерактивный дизайн
• Дизайн пользовательского интерфейса
• керамика
• Металлообработка и ювелирный дизайн
• смешанная техника
• живопись и рисунок
• фотография
• эстамп
• скульптура
• ткачество, волокна и текстиль.

Чтобы узнать о конкретных требованиях программы, посетите веб-сайт школы.

Школа искусств и дизайна
2038 Здание искусства и архитектуры
734-764-0397
http://art-design.umich.edu/

СЛЕДУЮЩИЕ ШАГИ / РЕСУРСЫ

Чтобы начать общение с профессионалами в интересующих вас областях, создайте свою учетную запись LinkedIn:
www.careercenter.umich.edu/article/getting-started-linkedin

Чтобы узнать о стажировках или вакансиях, посетите сайт Career Center Connector:
www.careercenter.umich.edu / article / соединитель центра карьеры

Для получения дополнительной информации о развитии карьеры в искусстве см. Http://art-design.umich.edu/career/handouts

Вакансии в кампусе (работа-учеба и не-учеба) перечислены по адресу:
https://studentemployment.umich.edu/JobX_Home.aspx

Maize Pages перечисляет сотни организаций, в которых учащиеся могут принять участие: http://studentorgs.umich.edu/maize

Центр карьеры
3200 Здание студенческой деятельности
734-764-7460
www.Careercenter.umich.edu
www.facebook.com/careercenter.umich
http://twitter.com/careercenter

Серия Career Guide была разработана Центром карьеры Мичиганского университета, Отделом по делам студентов, в сотрудничестве с Колледжем литературы, науки и искусств. © 2011 Регенты Мичиганского университета

Введение в карьеру в области искусства и дизайна

Когда вы представляете художника или дизайнера за работой, вы можете представить кого-то, занимающегося своим хобби, но на самом деле не выполняющего никакой «работы».Художник сидит на склоне горы и рисует очаровательную пейзажную сцену, катапультируя разноцветную краску на огромный холст или помещая чучело акулы в стеклянный ящик. Дизайнер раскачивается из стороны в сторону на своем офисном кресле и играет в Photoshop, обрезая изображения и пытаясь решить, какой цвет использовать для фона веб-сайта: «мутный асфальт» или «пепельно-серый»?

Конечно, работа в сфере искусства и дизайна может показаться чудесно идиллической и непринужденной карьерой, где у вас есть полная свобода дать волю своим творческим сокам.Однако вас может шокировать, узнав, что этот карьерный путь на самом деле требует много тяжелого труда. Поэтому, прежде чем вы примете решение заняться искусством или дизайном, вы должны сначала узнать, что это такое на самом деле.

Есть ли разница между индустрией искусства и индустрией дизайна?

Карьера в искусстве и дизайне — это создание привлекательных для глаз вещей. Искусство традиционно создается исключительно из-за его эстетической привлекательности, в то время как дизайн, как правило, вращается вокруг продукта.Можно даже сказать, что дизайн — это искусство с функцией. Эти две разные области могут показаться совершенно разными по своему предназначению, но люди, которые работают в области искусства и дизайна, как правило, обладают необходимым сочетанием практических навыков и таланта использовать цвет, пространство, форму и форму.

Какими основными навыками должен обладать каждый художник или дизайнер?

По общему признанию, чтобы работать художником или дизайнером, вам нужно проявить творческий подход и внимательно следить за деталями. Чтобы добиться успеха, вы должны уметь знать, что хорошо выглядит, придумывать новые идеи и развивать свой собственный стиль.Однако одного творческого чутья недостаточно. Независимая работа в качестве фрилансера — обычное дело, но многие художники и дизайнеры на самом деле не работают полностью самостоятельно. Работая в составе художественного коллектива или дизайнерского агентства, важно развивать отличные навыки общения и работы в команде.

Как мне стать профессиональным художником или дизайнером?

Часто карьера художника или дизайнера не идет по особо традиционному пути. Внештатная работа позволяет вам вести собственный бизнес.Однако это означает, что нельзя полагаться только на свой художественный талант. Вам нужно будет иметь деловую смекалку, усердие и отличные навыки налаживания связей, чтобы получать те необходимые комиссионные за свою работу, без которых вы не сможете выжить. Могут быть периоды времени, когда вообще трудно найти какую-либо работу, поэтому вам может потребоваться временная работа, пока вы преследуете свою истинную страсть на стороне. Это будет увлекательная и творческая карьера, но она также будет довольно сложной.

Какие существуют отрасли искусства и дизайна?

Карьера в искусстве и дизайне может охватывать множество различных областей, от живописи, фотографии и дизайна до архитектуры, анимации и консервации произведений искусства.

Художники, фотографы и дизайнеры-ремесленники (например, дизайнеры ювелирных изделий, ювелиры и мастера по дереву), как правило, выбирают карьерный путь фрилансера, преследуя свое увлечение, развивая свой индивидуальный стиль, выставляя и наконец продавая свои работы.

Графические дизайнеры могут работать во многих различных областях, от книжного дизайна в издательской индустрии до веб-дизайна и дизайна упаковки для индустрии продуктов питания и напитков. Некоторые графические дизайнеры работают внештатно, в то время как многие работают в нишевых дизайнерских агентствах или в составе внутренних отделов крупных компаний.Вам часто придется работать над несколькими проектами одновременно. Поэтому жизнь графического дизайнера может быть чрезвычайно динамичной и сложной, а также очень захватывающей.

Мир инженерии и строительства был бы никуда не годился бы без навыков технического проектирования архитекторов, дизайнеров продукции, пространственных дизайнеров, ландшафтных дизайнеров и инженеров-механиков.

Карьера в области искусства и дизайна не обязательно связана с рисованием, живописью, скульптурой или работой на компьютере.В самом деле, дизайн одежды и сохранение произведений искусства — это еще одна полезная артистическая карьера, о которой вы, возможно, не думали.

Какой бы областью искусства и дизайна вы ни захотели заняться, вы определенно сможете превратить свою карьеру в абсолютный шедевр. Вам просто нужно знать как!

Нажмите, чтобы оценить этот пост!

[Всего: 0 Среднее: 0]

Разница между дизайном и искусством

Хороший веб-дизайн — это гораздо больше, чем просто красивый сайт, это место, где искусство встречается с интерактивным пользовательским интерфейсом и где, на мой взгляд, излишняя эстетика уступает место удобству использования и пользовательскому опыту.

Обеспечение максимально плавного взаимодействия с пользователем — хороший дизайн. Никогда не останавливайтесь только на искусстве.

Несмотря на то, что споры между дизайном и искусством не новы, они созрели для пересмотра, поскольку новые функции CSS3 и JavaScript (и особенно библиотеки интерфейсной веб-разработки, такие как jQuery) начинают все глубже проникать в нашу повседневную жизнь.

Эти новые возможности, какими бы революционными они ни казались, ничего не изменили в нашем подходе к веб-дизайну в целом.

Где конфликт дизайна и искусства

Искусство — проблемно всеобъемлющий термин; все в мире можно назвать «искусством». Таким образом, основное различие между искусством и дизайном состоит в том, что дизайн просто более сдержан.

Любой художник может посмотреть на свою работу и увидеть в ней продолжение себя, но дизайнеры не имеют такой свободы.

Как дизайнеры, наша работа должна быть интерактивной, доступной и последовательной. Таким образом, искусство выходит за рамки дизайна, потому что никто не ожидает, что кто-то скажет, что все искусство должно быть последовательным и следовать шаблону.Это было бы абсурдно! Что, если правила устанавливают кубисты? Наши художественные музеи были бы ужасно скучными и без изменений.

Примеры кубизма, направления искусства 20-го века. Вверху: (01) Les Demoiselles d’Avignon и (02) Le guitariste Пабло Пикассо.

Вот что такое дизайн: это искусство с ожиданиями, шаблонами и последовательностью. Это искусство встречается с наукой.

Да, это ограничение, и да, дизайнеры пользовательского интерфейса должны быть обучены немного думать внутри коробки.Но переживи это. Вы дизайнер, а не художник. Если вы хотите полной свободы и отсутствия трений между вашим творчеством и работой, вы работаете не в том направлении.

Художники могут работать по своей прихоти, избегая стандартов и опровергая ожидания, в то время как дизайнеры пожирают их и подчиняются каждому их слову.

Рыночные силы и тенденции влияют на дизайнеров гораздо больше, чем на художников (за некоторыми заметными исключениями, такими как поп-певцы и иллюстраторы-фрилансеры).

В веб-дизайне нужно учитывать гораздо больше вещей: цели вашего сайта, ваш бренд, ваших пользователей.Эти ожидания формируют каждый элемент веб-дизайна, в то время как искусство остается нетронутым.

Дизайн и эстетика

Еще одно важное отличие — это разница между дизайном и чистой эстетикой. Хотя весь дизайн включает в себя эстетику — и действительно, все в мире имеет ту или иную форму эстетики — одни дизайны делают это лучше, чем другие.

Взгляните на главную страницу Google:

Google выглядел так (за исключением нескольких небольших изменений на протяжении многих лет), сколько мы все помним.И он идеально спроектирован, потому что оправдывает ожидания пользователей сайта. Он выглядит красиво, но не навязчиво и неприятно для пользователя. Google на всех своих сайтах осознал разницу между дизайном и эстетикой.

Хотя термин «эстетика» имеет широкие и разнообразные определения, я использую его здесь для обозначения «сладости для глаз». Поверхностный дизайн, существующий ради красоты. Если бы мы оценили это по шкале, я бы сказал, что большая часть искусства близка к стопроцентной эстетике (что неплохо, радость для глаз тоже может иметь значение), а Google — где-то около 5%.Таблица стилей вашего браузера по умолчанию — 0%.

Дизайнеры должны помнить об этом: уравновешивание формы и функции. Функционал лежит в основе Интернета. Практически все, что мы делаем в Интернете, имеет цель и значение. Мы занимаемся веб-дизайном каждый день, и хорошие дизайны обычно более функциональны, чем красивы.

Ниже представлены еще несколько дизайнов, которые действительно очень хорошо спроектированы.

Delicious отлично сбалансирует их расположение.Не вдаваясь в радость глаз, они делают гигантский поток информации управляемым.

У

Zen Habits супер минималистичный дизайн сайта, но он идеально соответствует тематике и целям контента.

CloudApp визуально немного интереснее, чем приведенные выше, но дизайн все еще тонкий. Это сочетание минимализма и отличного использования визуальных элементов идеально отражает дизайн их продукта.

Эти сайты, вероятно, не будут так хорошо отображаться в ваших любимых галереях веб-дизайна.На них нельзя не смотреть, и они не поразят вас.

Однако они делают именно то, что должны делать: они предоставляют посетителям своего сайта инструменты и конкретную информацию в логическом порядке (с использованием таких понятий, как визуальный вес и гештальтизм), а затем уходят с вашего пути. И поэтому они так хорошо продуманы.

Ожидания от дизайна

Самым важным ожиданием пользователей является то, что дизайн должен быть похож на дизайн. Дизайн веб-сайта должен быть сразу узнаваемым, по крайней мере, в одном: , а не арт .

Посмотрите на снимок экрана ниже, взятый с мини-сайта Toyota.

Когда я впервые посетил этот сайт, я не знал, какова его цель. После небольшого осмотра это кажется своего рода способом продвижения новых технологий от Toyota, но есть миллион более эффективных способов сделать это. Он далек от удобства пользователя, и мои ожидания сразу же разбились.

Эти ожидания определяют взаимодействие пользователей на каждом сайте. Навигация по сайту и логотипы размещаем в верхней части дизайна.Мы предоставляем общие компоненты сайта, такие как функции поиска, интеграцию с социальными сетями и веб-формы, в предсказуемой форме.

Почему? Не потому, что это врожденное человеческое ожидание, а потому, что дизайн эволюционировал таким образом, чтобы способствовать и укреплять эти стандарты.

Искусство и дизайн не исключают друг друга, даже если между ними есть четкая грань. Красивые сайты по-прежнему можно использовать, и они по-прежнему могут нас удивлять, не дезориентируя.

Но в веб-дизайне всегда будут заметные ограничения, связанные с такими вещами, как технологические ограничения, доступность, удобство использования, скорость сайта и так далее.

от студии N.Design.

Цели проектирования

Одно из главных различий между искусством и дизайном — это цель. Джон О’Нолан написал на сайте Webdesigner Depot:

Обычно процесс создания произведения искусства начинается с пустого холста. Произведение искусства возникает из взглядов, мнений или чувств, которые художник держит в себе. Они создают искусство, чтобы поделиться этим чувством с другими, чтобы зрители могли относиться к нему, учиться на нем или вдохновляться им.

Напротив, когда дизайнер намеревается создать новый предмет, у него почти всегда есть фиксированная отправная точка, будь то сообщение, изображение, идея или действие.

Здесь мне придется не согласиться с О’Ноланом: художники, как и дизайнеры, иногда начинают с сообщения, идеи или действия, которые они хотят мотивировать. У каждого произведения искусства и дизайна есть послание, но у каждого своя повестка дня.

Искусство не нужно понимать — оно переваривается и интерпретируется по-разному каждым зрителем (еще один момент, который О’Нолан поднял в своей статье, с чем я согласен).

Точность заявления, которое делает произведение искусства, не всегда так важна; художники часто оставляют свои работы бессрочными.

С другой стороны, дизайн предназначен для того, чтобы каждый понимал и интерпретировал единообразно. Как я уже сказал, он должен быть последовательным.

Это слишком ограничивает? На самом деле это не так. Последовательность, которой требует дизайн, не эстетична. Это функционально. Вот почему не важно, чтобы ваш дизайн отображался одинаково в каждом браузере.Хотя искусство — это информация сама по себе, веб-дизайн — это ворота к информации. Это все, что волнует пользователя.

Таким образом, согласованность, требуемая на веб-сайте, зависит только от пользователя. Пользователь редко будет использовать Firefox и Internet Explorer для доступа к одному и тому же веб-сайту и удивится несогласованности. Проблема согласованности становится интересной — это мобильный дизайн. Но это совсем другая история для другого дня.

От искусства к дизайну

Лицо Интернета было бы интересно, если бы безудержное творчество, допускаемое в мире искусства, было разрешено и в веб-дизайне.Но это не так, и как дизайнеры мы несем ответственность за создание отличного дизайна, отвечающего ожиданиям пользователей и целям сайта.

Забудьте о новомодном CSS3, забудьте на время свой jQuery и вернитесь к нулю.

Вот несколько советов, чтобы отделить ваш дизайн от искусства:

• Баланс между удобством использования и содержанием. Хотя контент предшествует дизайну, недоступный контент бесполезен.
• Всегда пишите код в соответствии со стандартом и следуйте лучшим практикам. Интернет может развиваться только в том случае, если мы будем держаться вместе и двигаться вперед как единое целое.
• Несмотря на то, что Интернет полон ограничивающих технических соображений, мы не можем перестать проявлять творческий подход. На самом деле, чтобы преодолеть эти барьеры и ожидания, нам нужно проявить еще больше изобретательности, чем раньше.
• Начните с нуля и сделайте все просто. Помните о редукционизме и минимализме, чтобы не загромождать дизайн.
• И как только вы овладеете хорошим дизайном, продолжайте развивать и делать его отличным.

Связанное содержимое

Правда об искусстве и дизайне. Вы разочарованы как дизайнер… | Бенек Лисефски

Дизайн — искусство? Это арт-дизайн?

Не верю.

Прежде всего, нам нужно определить, о каком дизайне идет речь, иначе это бесконечные споры.

Сфера иллюстрации или графического дизайна может рассматриваться как схожая с искусством. Но когда мы говорим о дизайне цифровых продуктов (веб-сайтов, приложений, программного обеспечения) или промышленном дизайне, мы выходим за рамки искусства.

Искусство и дизайн основаны на общих визуальных принципах. Цвет, форма, линия, баланс, контраст, ритм и т. Д. Это самые основные строительные блоки, с которыми работают как художники, так и дизайнеры для создания визуальных впечатлений.

И искусство, и дизайн выигрывают от выражения эмоций и рассказа историй. Фактически, можно утверждать, что это цель искусства. Но это далеко не цель дизайна. Для дизайнеров это всего лишь один из инструментов, помогающих достичь определенной цели.

Разница между искусством и дизайном заключается в намерении.

Искусство в чистом виде не имеет границ намерений. Он может служить любой цели, которую выберет художник, никакой цели или намеренно нечеткой цели, направленной на создание различных реакций, основанных на точке зрения зрителей и намерениях .

«Искусство — это все, что может сойти с рук»

— Маршалл Маклюэн

Искусство может выражать точку зрения художника, задавать социальные или политические вопросы или существует только для того, чтобы добавить красоты окружающей среде.

В дизайне нет такой роскоши. Дизайн всегда преследует конкретную цель. Он должен достигать цели, а если этого не происходит, считается, что это плохой дизайн.

«Клиенты — это разница между дизайном и искусством».

— Майкл Берут

У дизайна есть клиенты, ограничения, бизнес-цели и потребности пользователей. Некоторые ограничения продиктованы клиентом (бизнес-цели, бюджет, временные рамки), другие — средой (технология, адаптивный дизайн), а другие — потребностями клиента (цели пользователя, ожидания, доступность).

Искусство тоже может иметь ограничения. У заказного искусства есть заказчик, но это не приравнивается к дизайну, потому что его ценность по-прежнему оценивается субъективно.

Дизайн можно и нужно оценивать как объективно, так и субъективно. Вот почему у нас есть A / B-тестирование, аналитика и бизнес-показатели. Дизайн не успешен просто потому, что он великолепно выглядит. должен выглядеть отлично, но это только часть головоломки. Он должен отлично выглядеть И выполнять свое предназначение. Только тогда это удачный дизайн.

• Вы пытаетесь «выразить себя» через свою работу, вместо того, чтобы выражать бренд своего клиента. Вы можете навязывать неподходящий стиль или идеи, не соответствующие целям проекта.
• Вы разочарованы ограничениями вашего проекта. Вам нужен чистый лист для исследования, но вы никогда его не получите. Вы чувствуете, что ваше творчество подавлено. (На самом деле хороший дизайнер больше преуспевает в ограничениях, потому что ограничения порождают творчество.)
• Вы терпите неудачу в мягких навыках ведения бизнеса, общения с клиентами, управления временем.Вы хотите слишком много сосредоточиться на своем «искусстве» и недостаточно на том, что заставляет ваше искусство работать .
• Вы предпочитаете эстетику удобству использования. Вы пожертвуете удобством для пользователя ради достойного слюни шота Dribbble. (Большая часть того, что находится на Dribbble, Behance, Instagram, — это произведений искусства, выдающих себя за дизайн ).

Художественная сторона дизайна почти не затрагивает поверхность. Дизайнеры должны быть бизнес-стратегами. Они должны понимать цели организации и потребности пользователей и объединять их вместе с помощью продуманного пользовательского опыта.Дизайнеры должны оставить в стороне собственное эго и предпочтения, чтобы полностью понять потребности своего проекта.

Дизайнеры должны иметь последовательные, повторяемые процессы. Мы не творческие гении, которые трудятся наугад, пока не появится вдохновение. Мы должны работать для наших клиентов в соответствии с их условиями и помогать им в наших лучших процессах. Это партнерство хорошего бизнеса и дизайна, который его понимает. Если наш процесс проектирования является последовательным, мы создаем повторяемую формулу успеха дизайна.

Это не значит, что искусству нет места в дизайне. Это часть этого процесса. «Сделай это красивым» имеет большую ценность. Эстетически приятным вещам, естественно, больше доверяют, и им легче наслаждаться.

У каждого дизайнера, осознают он это или нет, есть собственная эстетика по умолчанию — тенденции, которые повторяются подсознательно и поддерживают их художественные предпочтения. Что делает вас дизайнером, а не художником, так это способность игнорировать эти предпочтения, когда они не приводят к лучшему дизайнерскому решению для вашего проекта.