Charles & Ray Eames. Чарльз и Рэй Эймс | Знаменитые архитекторы и дизайнеры
Философия Эймс (Eames) заключена в процессе творчества, пути, когда для достижения результата нужно пройти через годы проб и ошибок. Уходя от времени, когда мебель была тяжёлой и сложной в исполнении, когда каркас непременно нуждался в декорировании и обивке, Эймс дали свежий воздух для дыхания мирового дизайна.
Чарльз Эймс (Charles Ormand Eames) (1907-1978 гг.) и его жена Рэй Эймс (Ray Eames) (1912-1988 гг.) не только разработали некоторые из наиболее примечательных предметов мебели XX века, они также применяли свои таланты к созданию изобретательных детских игрушек, паззлов, фильмов, выставок и таких культовых лос-анджелесских зданий, как Eames House и Entenza House в Калифорнии.
Последнее, чего ожидал владелец, когда в 1941 году сдавал скромную квартиру на Авеню Стратмор в лос-анджелесском пригороде Вествуд молодожёнам Эймс, так это того, что из запасной спальни они сделают мастерскую.
На этой машине Эймс изготовили свой первый продукт, запущенный в массовое производство, — шину из клееной фанеры на ногу, изготовленную по слепку, сделанному с ноги самого Чарльза. Через год ВМС США заказали 5 000 экземпляров, и мастерская переехала из дома в арендованное помещение рядом с бульваром Санта-Моника.
Комбинация фантастического дизайна и изобретательности, которая побудила Чарльза и Рей Эймс создать массовый продукт в запасной комнате собственной квартиры, характеризует их работу в последующие четыре десятилетия.
Вместе они не только проектировали часть самой влиятельной и инновационной мебели конца XX столетия, но через их фильмы, преподавание, писательство и совместную жизнь в доме, который они спроектировали в Pacific Palisades (Калифорния), они определили открытый, органический, эмоционально выразительный подход к дизайну и образу жизни.
И Чарльз, и Рэй были младшими из двух детей в семьях среднего класса, и одарёнными студентами со способностями к искусству. А в остальном их истории очень разные.
Чарльз Орманд Эймс рос в Сан-Луисе (Миссури), где его отец, фотограф-любитель, работал в области безопасности на железных дорогах. Когда Чарльзу исполнилось восемь, его отец был ранен при ограблении, он был вынужден уволиться, работал журналистом и умер четыре года спустя. Чарльз помогал поддерживать семью, подрабатывал лаборантом в Laclede Steel Company, где он получил азы машиностроения и архитектуры, что в дальнейшем сказалось на выборе профессии. Школьный ежегодник описал его как «человека с идеалами, достаточно храброго, чтобы защищать их, и способного соответствовать им».
После средней школы он выиграл в конкурсе на обучение архитектуре в Вашингтонском университете в Сан-Луисе. После двух лет обучения, он оставил университет. Многие утверждают, что Чарльз был отчислен за «слишком современный» подход к архитектуре, в частности за увлечение архитектурной концепцией Фрэнка Ллойда Райта.
Скорее всего, это преувеличение, во время обучения Эймс работал архитектором на Trueblood and Graf, это отнимало много времени и не могло не сказаться на учебном процессе. В университете Чарльз Эймс встретил Кэтрин Вёрманн (Catherine Dewey Woermann), на которой и женился в 1929 году. Её отец заплатил за их медовый месяц в Европе, где они увидели работы Ле Корбюзье, Мис ван дер Роэ и Вальтера Гропиуса.
Вернувшись в Сан-Луис, Чарльз открыл архитектурное бюро (совместно с Чарльзом Греем и Уолтером Паули, Charles Gray and Walter Pauley), которое очень быстро закрылось.
Вскоре он попал под благотворное и очень сильное влияние финского архитектора Элила Сааринена (Eliel Saarinen), который предложил ему вместе изучать архитектуру и дизайн в Академии Cranbrook.
В 1938 году Чарльз вместе с женой и дочерью переехал в город Лючия, штат Мичиган, для дальнейшего изучения архитектуры в академии художеств Cranbrook, где впоследствии он станет учителем и руководителем промышленного дизайна департамента.
Там Чарльз ещё больше сблизился с Элилом и особенно с его сыном Ееро (Eero), вместе с которым выиграл в 1940 году конкурс нью-йоркского Музея современного искусства (MoMA) в номинации «органический дизайн». Именно тогда Эймс и разработал собственный метод производства клееной многослойной древесины.
В 1941 году Чарльз и Кэтрин развелись, и он женился на своей коллеге по Cranbrook — Рэй-Бернис Александре Кайзер. Затем он переехал с ней в Лос-Анджелес, Калифорния, где они будут работать и жить всю жизнь. По дороге они подобрали перекати-поле, которое всё ещё свисает с потолка в их доме.
Рэй Эймс (полное имя — Рэй-Бернис Александра Кайзер, Ray-Bernice Alexandra Kaiser) родилась в Сакраменто (Калифорния) в творческой семье. Её отец был театральным продюсером, переквалифицировавшимся в страхового агента, и вместе с матерью поощрял её тягу к искусству. После смерти отца в 1929 году Рэй и её мать переехали в Нью-Йорк, чтобы быть ближе к брату, кадету в академии Вест-Пойнт.
Рэй изучала абстрактную живопись под руководством Ганса Хоффмана (Hans Hofmann). Когда её мать умерла в 1940, Рэй переехала в Кранбрук (штат Мичиган) и поступила там в Академию искусств, где и встретилась с Чарльзом.
В Лос-Анджелесе Чарльз устроился на работу в MGM movies, а Рэй делала обложки для калифорнийского журнала об искусстве и архитектуре. По ночам они ставили эксперименты над фанерой в своей квартире. Заказ ВМС США («шины») позволил Эймс арендовать офис на бульваре Санта-Моники и собрать группу единомышленников, включая Гарри Бертойя (Harry Bertoya), создавшего дизайн обручальных колец для Рэй и Чарльза, и для Грегори Эйна (Gregory Ain). Продолжая свои эксперименты, они придумывали скульптуры, стулья, ширмы, столы и даже игрушечных животных из фанеры. Американская компания-производитель мебели Германа Миллера (Herman Miller) решила запустить некоторые из этих вещей в производство. Фанера от Эймс совмещала изящную органичную эстетику с любовью к материалам и технической изобретательностью.
Эти качества были также отчётливо заметны в шоу-руме, который они проектировали для Германа Миллера в 1949 году и в проектах
Дом Эймс был описан историком дизайна Патом Кирхэмом (Pat Kirkham) как «композиция в стиле Мондриана на лос-анджелесском лугу». Дом Эймс (также известный как Case Study House №. 8, расположенный на бульваре North Chautauqua, 203, в Pacific Palisades, пригороде Лос-Анджелеса, Калифорния) является вехой архитектуры середины XX века. Он был построен в 1949 году семьёй Эймс и стал их домом и мастерской на всю жизнь.
Многие из современных икон архитектуры изображают из себя абсолют, пустынное пространство, не используемое человеком — картинка с выставки, кадр из кинофильма. Eames House другой — он яркий и внутри и снаружи, интерьер наполнен тёплыми, умными и полезными вещами — тысячи книг, произведений искусства, артефактов и всяческих «штучек» со всего мира.
За основу был принят проект дома Case Study, разработанный Эймс и Ееро Саариненом в 1945 году для Германа Миллера — дом для молодой семьи, одновременно уютный, функциональный и динамичный — гармоничный дом для жизни, работы и развлечений. Конструктивно дом состоит из стандартизированных блоков, которые могут быть собраны небольшой бригадой строителей в кратчайшие сроки. Этот проект был специально разработан для дешёвого и быстрого строительства: пятеро рабочих за 16 часов могли возвести стальной каркас, и ещё один рабочий за три дня настилал крышу.
Основные конструктивные элементы дома — сталь и стекло, высота — 17 футов (5,1 метра), длина — 200 футов (60 метров). Членение фасада строго геометрическое, в духе картин Мондриана, состоит из ярких цветных панелей, перемежающихся с обильным витражным остеклением. Дом Эймс — один из 25 воплощений проекта Case Study — самый успешный, как в качестве объекта архитектуры, так и в функциональности жилой площади.
В настоящее время Eames House используется как студия, которая продолжает заниматься реализацией работ семьи Эймс. В 2006 году дом внесён в реестр Национальных Исторических Мест и охраняется законом.
Неудивительно, что дом и его содержание воплощали подход Чарльза и Рэй к дизайну и их концепцию «хороший жизни», воспевающую красоту как простых вещей, так и роскошных. Фанера со времён их медового месяца соседствовала с картиной Роберта Мадервелла. Игрушки, маски и другие фольклорные сувениры, приобретённые в путешествиях, лежали на столах рядом с камнями, пуговицами и кусками обложек их любимых книг. Британские архитекторы Питер и Элисон Смитсон (Peter & Alison Smithson) описали дом как «упаковку для культурного подарка». Это смешение продуктов массового производства и образцов фольклора постоянно появлялось и в фильмах Эймс, и в их графических проектах.
Eames Lounge Chair Wood (LCW) — это прорыв семьи Эймс. Этот маленький фанерный стул стал одним из символов «человечности» в мировом промышленном дизайне.
Стул этот был результатом работы семьи Эймс в экспериментах по пластике фанеры. Это было время Второй Мировой войны — проблемы с деньгами, проблемы с материалами, проблемы с производством. Чарльз Эймс всегда был настоящим промышленным дизайнером. Середина XX века — время беспокойства идеалистов о массовом производстве «правильных» вещей. Этот стул — «перековка меча на орало» — ведь к его реализации привел успешный проект по созданию фанерной шины для компенсации при ранениях и переломах. Ещё ранее, в 1940 году, Чарльз Эймс и Ееро Сааринен участвовали в конкурсе Музея Современного Искусства — «Естественные мебельные решения» (Organic Furniture Competition) и выиграли этот конкурс. Конкурс был создан для изучения естественной эволюции мебели в быстро меняющемся потребительском мире. Несмотря на победу, из-за производственных проблем реализация их проекта была отложена. Потом началась война. Этот вынужденный перерыв позволил Эймсу совершенствовать метод деформирования фанеры и прийти к оптимальным решениям.
Изначально Эймс двигало стремление создать доступную, удобную, органичную мебель, применимую для массового производства. Однако, фанера — сложный материал, склонный к непрограммируемой деформации и растрескиванию. Без метода проб и ошибок в работе с таким материалом не обойтись. Время цельнолитых конструкций на тот момент ещё не пришло, и Чарльз Эймс решил довольствоваться классическим разделением спинки и сидения стула. Результатом стал удобный, практичный и современный по форме стул. Одной из конструктивных особенностей стула стала гибкая система фиксирования спинки, основанная на конструкции с применением резины — система «shock mounts», в дальнейшем неоднократно используемая. Это был один из первых примеров стула с регулируемой спинкой.
Даже если считать, что Eames Lounge Chair Wood был временным компромиссом в отношении технологии производства, значение его для промышленного дизайна огромно. Сами Эймс неоднократно использовали его мотив — столовый стул (Dining Chair Wood (DCW) – такой же, как LCW, но с более узким сидением и длинными ножками; Lounge Chair Metal (LCM) и Dining Chair Metal (DCM) , а также LCW и DCW, установленные на металлической раме.
Стул выпускается в трёх фактурах: ясень, орех и вишня и двух цветах — красный и чёрный. Официальные производители — Герман Миллер и Vitra. Все остальные — подделка.
В нём нет ничего лишнего, но это не минимализм. Eames Lounge Chair Wood — настоящий, душевный стул для всего и для всех. Этот стул по прежнему является иконой для всего мира дизайна.
После экспериментов с фанерой Эймс сосредоточились на столь же активных опытах с другими материалами, создавая мебель из стекловолокна, пластмассы, алюминия, а также кожи и дорогой фанеры (Lounge Chair, 1956 год). Этот стул-шезлонг стал иконой 1960-х и 1970-х годов — никакой честолюбивый руководитель не мог считаться таковым, пока в его офисе не было этого предмета — но Чарльз всегда выражал предпочтение своим ранним, менее дорогим работам из фанеры.
Eames Lounge Chair — серийное имя Eames 670 — самый респектабельный проект супругов Эймс для элитарного рынка. Впервые был выпущен в 1956 году.
На самом деле это два предмета – собственно кресло и оттоманка к нему. Изготовлен из формованной фанеры и кожи, является постоянным экспонатом Нью-Йоркского Музея Современного Искусства. Кресло состоит из трёх изогнутых фанерных корпусов — резервуаров, изготовленных из тонких слоёв деревянного шпона, формованных при помощи температуры и давления.
Lounge Chair пропорционален — подушки спинки кресла, сидения и сидения оттоманки примерно одного объёма. Проектируя этот «комплекс», Эймс прошли длинный путь экспериментов, начиная от знаменитого фанерного стула Eames Lounge Chair Wood (LCW). Для амортизации комплекса соединений спинка — сидение использовали резиновые шайбы, вмонтированные в корпус кресла. При использовании они обеспечивали невиданный до этого комфорт и адаптацию кресла под тело. Это был один из явных плюсов, но также и минус — при рассыхании резины или излишнем весе пользователя возникали проблемы, которые могли быть решены только полным демонтажом травмированных деталей.
Другое творческое использование материалов — в подушках сидений. Отказавшись от стандартного крепления обивки на гвоздях, Эймс применили соединение на молнии вокруг внешнего края. Сейчас это обычная практика для креплений обивки мягкой мебели, для 1956 года — Революция.
Внутренняя поддержка внешнего края корпусов с фанерным основанием — скрытые ролики и кольца. Такого рода крепления и амортизаторы позволили избавиться от стандартных болтовых соединений.
Презентация Eames Lounge Chair состоялась на Эн-би-си в телепрограмме Арлин Фрэнсис «Домашняя страница» в 1956 году. Первые рекламные проспекты отображали универсальность Eames Lounge Chair — кресло было показано в викторианской гостиной, на фоне американского псевдоготического дома и в поле у стога сена. Реклама снабжалась уведомлением потребителей об опасности подделок (ход Германа Миллера). Кресло стало символом современного дизайна, с момента первого выхода производство не прекращалось — сначала в США его выпускал Герман Миллер, потом, для европейского рынка — Vitra.
Сразу же после молниеносного успеха многие дизайнеры и производители начали копировать Eames Lounge Chair, некоторые образцы были полными копиями, другие можно характеризовать как «под влиянием».
Совсем недавно китайский рынок, да и некоторые европейские компании начали делать прямую копию Eames Lounge Chair, тем не менее «брендом» являются только копии от Германа Миллера и Vitra.
Eames Lounge Chair нравится по многим причинам — с одной стороны это классика, но это по-новому комфортная «классика», это натуральные материалы высочайшего качества, а некоторые считают его достойным из-за респектабельной цены — не менее $ 3200, в зависимости от используемой древесины и кожи. Цена на аукционе за коллекционный Eames Lounge Chair из бразильского палисандра — $ 7000.
Сотрудничество с компанией Herman Miller продолжалось и распространилось на его европейского партнёра — Vitra. Эймс также начали длительные отношения с IBM, для которых они делали фильмы и проектировали выставки.
Творчеству Эймс способствовало время. Они не испытывали дефицита корпоративных партнёров в расширяющейся американской послевоенной экономике. Одновременно существовал и большой выбор материалов и процессов производства, поэтому демократическое представление Эймс о дизайне вызвало общественный интерес в эру растущего богатства. В пятидесятые их мебель выставлялась на шоу Good Design, выставках, благодаря которым нью-йоркский Музей Дизайна (MoMA) стремился повысить общественную осведомлённость в области дизайна.
Мебель Эймс, особенно изящные и практичные офисные стулья, такие как Lounge Chair и Aluminium Series, теперь кажется синонимом корпоративной Америки середины XX столетия, но Чарльз и Рэй были столь же успешны в популяризации забытого тогда фольклора не только в США, но и в Индии.
Ещё одно замечательное произведение Эймс — «Слон», достигший легендарного статуса у коллекционеров и ставший позже визитной карточкой Vitra. Два прототипа «Слона» были разработаны в 1945 году и оба были продемонстрированы на выставке Музей Современного Искусства в Нью-Йорке.
Рэй и Чарльз были очарованы слонами, огромное число фотографий слонов находится в их «индийской коллекции». «Слон» был задуман не только как игрушка для детей, но и как сложный скульптурный объект, который может быть представлен в любой среде, оживить любую ситуацию. К сожалению, «Слон» так никогда и не пошёл в серийное производство, были выпущены только ограниченные серии для коллекционеров.
Работа оставалась центром их жизни — с рабочими днями с 9 утра до 10 вечера и поваром под рукой, чтобы не пришлось покидать студию ради еды — до самой смерти Чарльза от сердечного приступа в 1978 году. Рэй упорно трудилась, чтобы закончить все незаконченные проекты, но, завершив их, не искала новые.
Она посвятила оставшуюся часть жизни продвижению их идей через беседы и писательство. Рэй Эймс умерла от рака 21 августа 1988, ровно день в день через десять лет после смерти Чарльза.
Ресурсы о Чарльзе и Рэй Эймс:
О Доме Эймс:
Самые известные дизайнеры
Мир моды и культуры на протяжении многих десятилетий находился во власти всего нескольких людей.
Различные стили, порой совершенно противоположные (от классических до электрических) всегда влияли, влияют и будут влиять на то, как современные дизайнеры подходят к собственной работе. И, как следствие, на то, как одеваются люди. Самые модные дизайнеры одежды формируют пристрастия миллионов. Об этих «манипуляторах» вкусах людей и будет рассказано ниже.
Коко Шанель. Первая, о ком стоит сказать — прекрасная француженка, женщина-дизайнер Коко Шанель. Та, которой было суждено перевернуть с ног на голову восприятие женской моды. Она родилась в августе 1883 года. Именно благодаря ей женщины освободились от давления корсетов и многих других совершенно неудобных элементов «традиционного» наряда. Будучи фантазеркой и самой настоящей бунтаркой, Шанель взяла себе новое имя. Теперь бывшую Габриэль называли Коко. Ее карьера, как певицы кончилась, не успев, как следует начаться. Но оказалось, что юной француженке было уготовано большее. Она предпочитала надевать только ту одежду, в которой могла себя чувствовать свободно.
А стиль ее нарядов был скорее мужским, чем женственным. Первую шерстяную кофту на пуговицах Коко Шанель сшила для себя. Ведь женщина стремилась не надевать больше никаких вещей сверху. Она стала истинным создателем спортивной одежды для женщин. Совершенно неутолимая жажда самовыражения и свободы подвигла Коко сотворить абсолютно новый стиль в моде.
Ив Сен Лоран. Всемирно известный законодатель моды Ив Генри Донат Мэттью Сен Лоран родился в 1936 году в Алжире. Его уникальный талант многие замечали с самого детства. В возрасте 17 лет Ив принимает участие в конкурсе юных дизайнеров. В итоге он делит первое место с Карлом Лагерфельдом в номинации «вечернее платье». Именно тогда Ив Сен Лоран пробил для себя «окно в Европу». На его эскизы обращает внимание французский редактор знаменитого на весь мир журнала Vogue. Мишеля де Брюнофф сильно впечатлили работы молодого мастера. В результате несколько рисунков даже публикуются в этом престижном журнале. Это, безусловно, становится лучшей рекомендацией для начинающего модельера.
Вскоре Ив Сен Лоран знакомится с великим кутюрье — Кристианом Диором. Последний сразу признал профессионализм и уникальность идей своего ассистента и, более того, выбрал его в качестве своего приемника. В 1957 году Диор скончался от инфаркта, оставив во главе известного на весь мир Дома мод молодого Ив Сен Лорана, которому на тот момент исполнился всего 21 год. Уже через 5 лет преуспевающий модельер открывает собственный модный Дом Yves Saint Laurent, которому посвятил 40 лет своей жизни. В 2008 году Ив Сен Лоран умер от рака мозга.
Джорджио Армани. Джорджио Армани, модельер с уникальным мировоззрением, родился в городе Пьяченца в 1936 году. Свою карьеру Армани начал с самых низов. Сначала он устроился подсобным рабочим в крупнейший универмаг Милана «Ринасценте». Начиная с 1961 года, итальянский дизайнер почти 10 лет посвящает известному Дому моды Нино Черрути. А первую коллекцию Армани мир увидел в 1974 году. Показ прошёл с огромным успехом. Уже в 1975 году в Италии создана компания «Giorgio Armani s.
p.a.». В настоящее время она является одним из ведущих законодателей в мире моды. Под известной маркой выпускают коллекционные, эксклюзивные и просто красивые линии мужской и женской одежды, коллекции обуви, галантерею, аксессуары, часы и ювелирные изделия. Армани вновь создал силуэт мужского костюма, придав мужской моде элегантность и непринужденность. Дизайнерские новшества Армани сохраняют популярность, а со временем только подчеркивают свою элегантность, словно творения художников эпохи Возрождения.
Валентино Гаравани. Валентино Клименте Лодовико Джаравани, всем известный как модельер Валентино, родился в 1932 году в Северной Италии. С детских лет он рьяно увлекался модой и перенимал навыки любимого ремесла у местных дизайнеров. В 17 лет с помощью родителей Валентино переехал в Париж. Там он целенаправленно начал подготовку к карьере модельера, познавая искусство и изучая основы дизайна. Юный модельер проходил обучение в Школе Изящных Искусств и в Синдикате Высокой Моды. В 1962 году во Флоренции состоялся Международный дебют Валентино.
Первый показ публика встретила как настоящее открытие. После этого знаменательного события молодой кутюрье получил множество заказов от иностранных покупателей. Пресса давала огромное количество положительных отзывов. В те же шестидесятые Валентино пошел на отважный, и в то же время дерзкий шаг. Он отправил серию своих образцов Первой Леди Америки и иконе моды — Жаклин Кеннеди. Та была очарована его работами. Более того, выбрала один из его нарядов, в котором вышла замуж за греческого миллиардера, корабельного магната Аристотеля Онассиса. Благодаря своему смелому поступку, итальянский дизайнер стал авторитетным модельером и для Северной Америки.
Жанни Версаче. Удивительно талантливый и невероятно харизматичный, Жанни Версаче привлек своим особенным стилем внимание самых влиятельных лиц мира моды. Они по достоинству оценили не только изысканные трикотажные вещи, но и превосходные идеи мастера. Музой модельера всегда было искусство. Версаче черпал вдохновение не только из прекрасных картин и роскошных скульптур времен Древнего Рима и Греции.
Нередко он обращался к поп-искусству и современному абстракционизму. На их основе создавались экстравагантные дизайны с использованием цветов, печати на ткани. Жанни Версаче часто прибегал к точной примерке, что в результате выгодно подчеркивало линии тела. Изначально в его коллекциях была представлена исключительно женская одежда. Однако совсем скоро модельер создал коллекции и для мужчин. Ведь Версаче не скрывал своей гомосексуальной ориентации. Одиннадцать лет он прожил вместе с модельером Антонио д’Амико. Великий дизайнер Жанни Версаче был застрелен 15 июля 1997 года серийным убийцей Эндрю Кьюнененом без какой-либо видимой причины. Вскоре после этого Кьюненен расстался с жизнью на собственной яхте, где его окружила полиция.
Ральф Лорен. Далеко не все дизайнеры могут быть хорошие бизнесменами. И уж конечно, далеко не все бизнесмены могут стать хорошими дизайнерами. Но человек, сочетающий в себе обе ипостаси, все-таки существует. Это американский модельер Ральф Лорен. Его настоящее имя — Ральф Лифшиц.
Родился в 1939 году в Нью-Йорке в бедной семье еврейских иммигрантов из Беларуси. С самого детства он лелеял «американскую мечту». Даже в школе, в первом сочинении откровенно ее высказал, так и написав: «Хочу стать миллионером». Впервые Лорен заявил о себе благодаря широким галстукам. Они зачастую были пошиты из нестандартных тканей. Замечательные аксессуары в то время не были широко распространены. В конце 60-х Лорен начал продавать уникальные галстуки в различных магазинах Нью-Йорка. В скором времени об интересном стиле молодого дизайнера начали говорить. Он был чем-то неповторимым — галстуки были не просто необычными, а даже вызывающими. Ральф Лорен сумел удачно использовать волну своего успеха. Он быстро привлек инвесторов и создал в дизайне два направления: костюмы для мужчин и женщин, а также повседневная одежда. Результат не заставил себя долго ждать: его коллекции были успешно распроданы в самых модных и дорогих магазинах, таких как «Сакс на пятой авеню». Свободный стиль модельера, воплощавший в одежде все тонкости культуры американского запада, быстро сделал молодого бизнесмена знаменитым.
Кроме одежды, под брендом Ральф Лорен выпускаются аксессуары и парфюмерия, предметы интерьера и даже товары для животных. Благодаря поразительным успехам, Совет дизайнеров США удостоил модельера титулом «Легенда моды».
Рой Холстон Фроуик. Более известный миру, как Холстон, будущий дизайнер родился в 1932 году в Айове. Отличительными чертами его работ всегда были мягкость, кротость и сексуальность. Это неотъемлемые элементы культуры диско 1970-х, столь поразивших мир своей свободой. Пропуском в мир высокой моды для начинающего модельера стали шляпы, которые он начал шить, когда был совсем еще молод. Свой первый бутик Рой Фроуик открыл в 1957-м году. С этого времени он стал называть себя просто: Холстон. Впоследствии это имя приобрело нарицательный смысл, став синонимом гламура у американцев. В 1968 году дизайнер открыл собственный модный Дом на Мэдиссон-авеню. Его клиентами были Элизабет Тейлор, Лайза Миннелли, Лорен Бейкол, Кендис Берген, Бьянка Джеггер. «Дизайнер хорош настолько, насколько хороши люди, которые надевают его одежду» — говорил Холстон.
И он был очень хорош. К сожалению, модельер принимал наркотики и со временем перестал справляться со своей работой. Из-за того, что Рой часто срывал сроки выполнения заказов, он был уволен из собственной компании. Холстон умер от СПИДа в 1990-м году.
Кельвин Кляйн. В конце свободолюбивых семидесятых, так же, как и Рой Холстон, именитый дизайнер Кельвин Кляйн воспевал в свих творениях диско-гламур. В 1978 году Кляйн первый в мире начал представлять на подиумах и продавать «дизайнерские джинсы». Они великолепно подчеркивали линии фигур самых интересных моделей, в том числе включая молодую Брук Шилдс. Уникальный, совершенно неповторимый фасон принес ему не только славу, но и миллионы. Популярность Кельвина Кляйна поддерживалась и позже, в 80-е и 90-е годы. Модельер заработал репутацию довольно скандальной персоны. Одна из наиболее нашумевших историй связана с настоящей провокацией. Рекламный плакат «Тайная вечеря от Кляйна» копирует всем известную картину Леонардо Да Винчи. Только вместо апостолов — полуобнаженные модели, парни и девушки, в одних только джинсах.
В результате сложных судебных разбирательств Кляйну пришлось выплатить церкви иск, размер которого — миллион долларов! Но эффект от кампании был куда важнее. Вскоре он выпускает новую, уникальную на тот момент линию одежды, которая подходит для обоих полов. Сегодня Кляйна по праву считают родоначальником стиля «Унисекс».
Кристиан Диор. Перечитывая страницы биографии столь легендарного кутюрье, невольно удивляешься его нескончаемому оптимизму, упорству и умению начинать все с самого сначала совершенно на пустом месте. Знаменитый французский дизайнер родился в январе 1905 года. После Второй Мировой Войны, в 1947 году первый показ платьев и костюмов произвел настоящую революцию в женской моде. Его коллекция возвращала к стилизованным под старину фасонам с пышными длинными юбками и собранными у плеча, к запястью суживающимися рукавами. Дурную славу Кристиану Диору принесло его сотрудничество с нацистами во время войны. Тогда он одевал нацистских жен и французских предателей. Тем не менее, именно Диор раскрыл для женщин такой желанный «образ цветка» в одежде, неотъемлемым элементом которого была зауженная талия.
Великий дизайнер скончался 24 октября 1957 года в возрасте 52 лет. Имя выдающегося кутюрье осталось в истории моды навеки. И если другие славные имена из мира Высокой моды являются синонимами определенного стиля, то «Диор» — это выражение всей магии моды и ее невероятной способности к возрождению.
Эльза Скиапарелли. Итальянская женщина-дизайнер известна благодаря любви к сюрреализму. Она смогла умело использовать, казалось бы, обычное увлечение в своих исключительных и одновременно столь фамильярных дизайнах одежды. Изобретение яркого розового оттенка под необычным названием «шокирующий розовый» также принесло Скиапарелли популярность. Эльза родилась в 1890 году в Риме. Ее мать была аристократкой, а отец интеллигентом. Но юную бунтарку совершенно не привлекала светская жизнь. Ее неутолимая жажда экспериментов и открытий вылилась в сборник стихов, который она выпустила, когда была совсем подростком. Эта выходка серьезно обидела родителей. Будущего дизайнера ожидало жестокое наказание — ее отдали в монастырь.
Однако молодая Скиапарелли была настолько решительно настроена сбежать оттуда, что организовала голодовку. Идея сработала — ее выпустили. Неугомонный характер невозможно было переделать. Уже в двадцать лет она сбежала в Лондон. Там ее никто не знал, никто за ней не присматривал. Во время поездки в Нью-Йорк, Эльза познакомилась с группой художников. Позже с ними она отправилась в Париж. В период с 1927-го по 1940-й года, Скиапарелли завоевала серьезную репутацию именно за счет своих откровенных и дерзких идей в дизайне. Совсем скоро жители Парижа полюбили ее необычные свитера, платья и аксессуары. Дизайн от Эльзы Скиапарелли был абсолютно неповторимым. В нем каждый раз присутствовали различные вызывающие элементы (ребра и кости в виде скелета, сделанные из специальных шнуров, украшения из омаров и так далее). Тем не менее, сам по себе фасон отличался строгостью и сдержанностью. Ей удалось то, чего не могли добиться другие дизайнеры. Эльза умело сочетала в своих нарядах новаторство и консерватизм.
В действительности же, стиль одежды Скиапарелли было не сложно дублировать, в отличие от ее основного и довольно серьезного конкурента — Коко Шанель. Во время Второй Мировой Войны Эльза Скиапарелли жила в Нью-Йорке. Затем она вернулась в Париж, и ее очень тепло приняли местные жители. Послевоенные настроения оказывали сильное влияние на мир моды, но только не на мир Эльзы. Она не могла позволить себе шить наряды «попрактичнее и попроще», что не могло не сказаться на ее доходах. В 1964 году Дом моды Скиапарелли пришлось закрыть. Однако ее достижения в мире мод все еще вдохновляют и удивляют многих молодых дизайнеров.
10 самых известных дизайнеров мира
Добавить в избранное
На международной дизайнерской арене сегодня работает очень большое количество дизайнеров, занимающихся разработкой интерьеров, мебели, предметов декора и аксессуаров, промышленных товаров и стилистических оформлений.
Многие из них получили признание миллионов людей, творчество же некоторых уже вошло в историю, а созданные ими объекты стали легендарными. Предлагаем вам ознакомиться с некоторыми из них, ведь все эти дизайнеры имеют свой собственный почерк и творчество, за которым интересно следить.
Неутомимый и экстравагантный голландский дизайнер, праздновавший этой весной юбилей, 25-летие творчества в дизайне, стабильно пополняет дизайнерский мир своими яркими и неординарными объектами. Уникальность Марселя Вандерса заключается в экстравагантном подходе к проектированию и проникновенным идеям, в которые он вкладывает весь свой внутренний мир.
2. Антонио Читтерио (Antonio Citterio)Этот всемирно известный итальянский дизайнер еще с 18 лет, после получения своей первой награды за проект мебели, создает качественный и стильный дизайн, достойный наивысших похвал.
Сегодня Антонио Читтерио успешен и востребован, он проектирует множество объектов мебели для самых известных мировых производителей, создает международные архитектурные и дизайнерские проекты, а также активно работает в мире моды. Многие его объекты вошли в экспозиции известных музеев мира.
Авангардный итальянец уже давно прославился своими провокационными и эффектными объектами, завоевавшими особое признание в интерьерах, связанных с индустрией развлечений, по всему миру. Особая индивидуальность, экспрессия и харизма позволили ему стать успешным и востребованным. Широкая сфера деятельности, от создания мозаики до больших архитектурных проектов, не помешала Фабио Новембре тщательно продумывать каждую деталь и вкладывать в нее всю свою любовь.
4.
Марк Ньюсон (Marc Newson)Австралиец является одним из наиболее известных и влиятельных промышленных дизайнеров своего поколения. Коротко стиль его работ можно охарактеризовать как «биоморфизм» – стиль в некотором роде «космический», включающий в себя плавные линии, отсутствие углов и использование высоких технологий. С этого года Марк Ньюсон пополнил команду дизайнеров компании Apple, а в 2005 году журнал «Time» включил его в список 100 наиболее влиятельных людей года.
5. Карло Коломбо (Carlo Colombo)Отличительной чертой итальянского дизайнера является изысканный, самобытный и гармоничный минимализм, впрочем, очень разнообразный и узнаваемый. Карло Коломбо создает мебель и предметы интерьера для самых известных фабрик, является арт-директором сразу двух дизайнерских компаний и ведет активную преподавательскую деятельность в Миланском университете.
6.
Роман и Эрван Буруллеки (Roman & Erwan Bouroullec)Дизайнерский дуэт из Франции уже много лет занимается созданием промышленного дизайна – выразительного и сбалансированного. Братья по праву считаются одними из самых популярных дизайнеров нашего века, их творчество высоко ценится во всем мире за совершенство форм и функциональность.
7. Патрисия Уркиола (Patricia Urquiola)Всемирно известная испанка относительно недавно появилась на международной арене, однако уже успела влюбить в себя многих. Ее дизайн отличается особой женственностью, колоритом и гармоничным сочетанием оригинальности и традиций. Интерьерные и архитектурные проекты, мебель, текстиль, декор, мода – Патрисия Уркиола успевает везде.
8. Рон Арад (Ron Arad)Один из самых гениальных современных дизайнеров, признанный во всем мире.
Главная особенность его творчества заключается в преобразовании металлических листов в пластичные живые объекты: мебель, скульптуры, предметы искусства. В копилке Рона Арада бесчисленное количество наград.
Очень известный промышленный дизайнер, запустил в производство свыше 2500 разработок, включающих в себя дизайн мебели, посуды, осветительных приборов, упаковок и много другого. Узнаваемый фирменный почерк Карима Рашида отличается яркими красками, сложными формами, необычными материалами и обилием инновационных технологий. В 2012 году Карим Рашид разработал новый дизайн статуэтки «Золотого граммофона», которую он презентовал на концерте в Москве.
10. Джаспер Моррисон (Jasper Morrison)Британец, получивший всеобщую любовь и популярность, отличается страстью к функциональному и лаконичному дизайну, главный девиз которого – «простота по-новому».
Сегодня Джаспер Моррисон продолжает радовать созданием новых оригинальных объектов, сотрудничает со многими производителями, руководит двумя студиями и пишет интересные книги.
Автор: Забуранная Светлана
Крутые дизайнеры 20 века, о которых должен знать каждый, кто считает себя крутым дизайнером в 21-м веке
Зачем тебе это знать?
В цифровом маркетинге главный компонент — это контент. А контент должен быть правильно упакован. Иллюстрации для постов в ФБ, обложки страниц, инфографика, дизайн сайта, оформление презентаций — всё это инструменты борьбы за внимание клиента.
Когда у тебя заказывают дизайн, то платят за объем выполненной работы либо за затраченное время. Но покупают твоё видение, стиль и понимание, как вообще работает дизайн.
Современный маркетинг — это преимущественно визуальный контент. Грамотный графический дизайн становится инструментом эффективного маркетинга и влияет на успех бизнеса в целом.
Поэтому для дизайнера, который рассчитывает на серьезные проекты, важно опираться не только на свои неглубокие представления о визуальной стороне маркетинга.
Умения искать хорошие референсы также недостаточно. Тот, кто ориентируется на работы других дизайнеров без понимания основ дизайна — это как ребенок, который перерисовывает силуэты героев любимых мультфильмов. Дизайнер, который копирует референсы, пусть даже талантливо, просто отрабатывает свою зарплату и довольствуется второстепенными позициями.
В сфере визуализации атрибутов бренда и создания визуального контента дизайнер должен вести бренд вперёд и задавать тренды, а не плестись в хвосте креативных процессов и питаться только идеями других дизайнеров.
В основе современных дизайн-систем подходы, которые заложили основоположники дизайна. Посмотри на список фамилий, который мы публикуем ниже, и оцени свой уровень понимания основ современного графического дизайна.
Пол Рэнд. Человек, который сделал все крутые логотипы 20 века
Почему он важен.
Пол, помимо создания логотипов для IBM, UPS, ABC, Esquire и других брендов, одним из первых классифицировал полезность логотипа и описал её.
Логотип IBM.
Почему о нем следует знать. Рэнд создал так много легендарных лого, потому что он строил свое творчество на системном подходе. Многие молодые дизайнеры считают, что дизайн — это чистый креатив. Пол Рэнд считал, что творчество должно строиться на системе ценностей, взглядов и определенной методологии. Его взгляды нашли отражение в легендарном тесте Рэнда — универсальном алгоритме проверки логотипа по 7 параметрам: уникальность, читаемость, адаптивность, запоминаемость, универсальность, вневременность и главный пункт — простота.
Почему он важен. Именно он придумал Swiss Design — стиль, на котором построен весь графический дизайн второй половины 20-го столетия; более того, активно нёс его в массы.
Плакат «Бетховен» для концертного зала.
Почему о нем следует знать.
Принцип «Дизайн должен быть настолько очевидным, насколько это возможно» — основа современного минималистичного дизайна.
Армин Хофманн. Человек, который определил место шрифтов в дизайне
Почему он важен. Армин продвигал принципы, схожие со Swiss Design, однако в основу своих плакатов ставил работу со шрифтами, их положение и контраст с остальной картинкой.
Плакат к балету «Жизель».
Почему о нем следует знать. Принципы экономически выверенного использования цвета и типографики актуальны и по сей день. Более того, последние несколько лет они даже прибавили в популярности.
Йозеф Биндер. Человек, который создавал убедительные плакаты
Почему он важен. Йозеф взял всё лучшее от геометрии кубизма и реалистичных образов, а после перенёс это в свои плакаты — получились запоминающиеся изображения, поражающие своей динамикой и монументальностью.
Постер для всемирной выставки в Нью-Йорке.
Почему о нем следует знать. Если ты хочешь научиться создавать убедительный визуальный контент — изучи работы Биндера. Этот человек — признанный мастер красноречивых плакатов.
Александр Родченко. Человек, который сделал графику динамичной
Почему он важен. Родоначальник дизайна в СССР превратил плакаты из статичных картинок в динамичные истории. Жаль, что его творчество эксплуатировалось деспотичным СССР. Родченко знаменит во всем мире, однако в более свободной стране он смог бы раскрыться намного сильнее.
Плакат «Дешевый хлеб» в сотрудничестве с Маяковским.
Почему о нем следует знать. Работы Родченко — доказательство того, что дизайн становится более убедительным, когда в нём работает вся композиция: интересная идея и динамичное исполнение.
Мари Нейрат. Человек, который заменил слова иконками
Почему она важна. Мари в сотрудничестве с коллегами разработала систему визуализации данных Isotype — первый прообраз информационного дизайна.
Вообще-то идеологом изотайпа считается Отто Нейрат, однако рисовала все эти символы именно Мари.
Страница из книги Нейрат.
Почему о ней следует знать. Если тебе нравится создавать иконки, тебе обязательно стоит познакомиться с работами Мари: именно она показала миру, как можно самый заурядный график превратить в захватывающую визуальную историю — при помощи понятных иконок.
Иоханнес Иттен. Человек, который описал искусство цвета
Почему он важен. Йохан — крупнейший исследователь не только физических свойств цвета, но и его связи с формой, содержанием и даже настроением картин.
Обложка книги.
Почему о нем следует знать. «Искусство цвета» — если ты ещё не читал эту книгу, то быстро исправляй это упущение.
Эвклид. Человек, который дал нам Золотое сечение
Почему он важен. Мы знаем, что Эвклид жил не в 20 веке. Но он был первым, кто предложил понятие Золотого сечения, которое глаз воспринимает как самую «правильную» пропорцию. На этом основан весь дизайн — от графического до веб-дизайна.
Обложка книги «Элементы».
Почему о нем следует знать. «Элементы» Эвклида — это пособие по современному дизайну, написанное более 2 тысяч лет назад. Оливер Бёрн поработал над ним и сделал его ближе к нам — обязательно изучи эту версию. Эта книга была написана не в 20-м веке — в 1847 году.
Кстати, ниже ты найдешь еще двух человек, которые создавали графику задолго до 20-го века. Не удивляйся — мы не захотели перегружать заголовок словами «19 век».
Карл Герстнер. Человек, который заставлял типографику развиваться
Почему он важен. Карл ещё в 50-х годах 20-го века создавал работы, которые не теряют своей актуальности до сих пор, а также популяризовал искусство.
Обложка альбома Boite a Musique.
Почему о нем следует знать. Даже если ты не считаешь работы Карла стоящими внимания, обрати внимание на его подход: не останавливайся в творческом развитии — это означает смерть искусства.
Дизайн всегда помогал доносить информацию. Когда информации стало слишком много, понадобилась визуализация данных.
Шарль Жозеф Минар. Человек, который заложил основы инфографики 200 лет назад
Почему он важен. Шарль не был первым, кто нанёс линии на карту. Но он был первым, кто в основу этого ставил донесение информации понятным для людей визуальным языком. Сегодня такие графики, которые объединяют показатели количества в динамике, называют Sankey Diagram. Посмотри, насколько драматично выглядит инфографика военных походов, когда демонстрирует потери войск на каждом этапе кампании.
Поход Ганнибала в инфографике Минара.
Почему о нем следует знать. Именно Шарль стал революционером графических методов анализа и представления информации, и дал основу последующим работам. Интересно, что именно Минар первым использовал такой тип диаграмм, как sankey chart, однако свое название они получили от фамилии ирландского инженера Sankey, который использовал такой подход для изображения потока энергии в паровом двигателе.
Уильям Плейфэр. Изобретатель графического отображения статистической информации
Почему он важен. Уильям изобрёл главные инструменты современной инфографики: линейные, столбчатые и круговые диаграммы.
Сравнение цен на зерно и зарплат рабочих.
Почему о нем следует знать. Уильям является прародителем информационной статистики, который совершил настоящую революцию в области представления данных.
Эдвард Тафти. Пионер визуализации данных
Почему он важен. Эдвард — автор книги «Представление информации», в которой рассказывает о важнейших принципах информационного дизайна: многомерном представлении информации, размещении информации по слоям и другом.
Книга «Представление информации».
Почему о нем следует знать. Обязательно прочитай книги Эдварда, если ты работаешь с визуализацией данных. Принципы Тафти — как 10 заповедей.
Ханс Рослинг. Человек, который сделал из статистики шоу
Почему он важен. Вместо гистограмм профессор Рослинг использует блоки LEGO, картонные коробки и другие предметы, чтобы «оживить» статистику.
Кадр с выступления на TED.
Почему о нем следует знать. Ханс не был дизайнером, но наглядно показал, что даже самые скучные данные могут быть интересными и увлекательными, если их правильно подать. Если ты хочешь научиться рисовать инфографику, надо думать не только о графическом стиле, который ты используешь. Попробуй представить, как подать инфографику так, чтобы она смогла удивить читателя, рассказать ему интересную историю из данных.
В Украине так сложилось: любой, кто научился держать стилус, через неделю считает себя гуру дизайна. Но если бы стать дизайнером было так просто, мы бы не писали этих статей.
В плане дизайна Украина — страна, у которой есть богатая история. Казимир Малевич и его супрематисты, Георгий Нарбут, Нил Хасевич, Клавдия и Евгений Кудряшовы — далеко не полный список графиков, художников, работы которых удивляют людей во всём мире. В силу различных исторических причин, прежде всего, из-за вынужденной иммиграции и подчинения украинской дизайнерской школы советской идеологии, украинская школа не смогла нормально развиваться.
Сейчас у тебя есть все возможности сказать свое слово и поучаствовать в становлении новой школы украинского дизайна. Для этого важно не только отслеживать новые тренды (это делают все), но и понимать, откуда они идут и с чего всё начиналось. Не знать людей, о которых мы написали выше, для дизайнера — все равно, что пытаться проповедовать в христианской церкви, ни разу перед этим не открыв Библии.
Скажи и ты свое слово в современном дизайнеКак раз сейчас мы ищем себе толковых дизайнеров в Top Lead. Если ты хочешь остаться в истории дизайна, попробуй поработать в нашей компании. Мы работаем в индустрии визуализации данных и сможем сегодня научить тебя подходам, которые твои коллеги будут использовать только лет через пять.
Кликни по баннеру ниже, пришли нам свое портфолио, и мы дадим тебе тестовое задание.
Достаточно правдоподобно утверждение, что Заха Хадид (1950 – 2016) была единственной женщиной-архитектором, ставшая известной широкой общественности и получившая мировое признание. Грозная, величественная и блестящая, она действительно служила в Гранд опера архитектурного мира. Заказчики, которые нанимали Хадид, несомненно, понимали, что стоимость не была ее главным приоритетом, ведь она давала им архитектуру, которая будет жить в течение многих поколений. “Она, в конечном итоге показатель, что успех пришел, когда ее знаменитость означает, что клиенты должны были принять ее на ее же собственных условиях: либо ты принимаешь то, что хочет реализовать Хадид или можешь идти в другое место,” (Мур, 2016). Архитектурные создания Хадид будут выглядеть как потрясающие, головокружительные и открытые композиции — наши представления о будущем и вызвали много споров внутри и вне архитектуры. Она действительно была первой женщиной, удостоившейся этой чести в своем собственном праве. При получении награды, Хадид отметила: “часть работы архитектора заключается в том, чтобы заставить людей чувствовать себя хорошо в местах, где мы живем, ходим в школу или где мы работаем – поэтому мы должны стремиться к повышению стандартов. Строительство домов, школ и других жизненно важных общественных зданий всегда основывается на концепции прожиточного минимума – это не должно быть так. Сейчас архитекторы имеют навыки и инструменты для решения этих важнейших вопросов” (Источник: Dezeen).«Люблю свою работу и ненавижу ее», — говорила Заха Хадид. Она была предана форме и текучести. Она была грандиозной и прагматичной. Ее почитали и боялись одновременно. Она несомненно была Первопроходцем, Примадонной архитектуры.
Датский дизайн оказал колоссальное воздействие на дизайн мебели, архитектуру и интерьеры по всему миру. Созданный для людей, датский дизайн демонстрирует высокий уровень целостности и демократии, которая распространилась в сферы повседневного дизайна на многие другие народы. В Дании вы найдете хороший дизайн в многочисленных государственных объектах, от больниц до школ. Сегодня многие датские дизайнеры известны на весь мир, а ряд знаменитых дизайнеров 20-го века оказали колоссальное влияние на современное дизайнерское мышление. Одной из таких заметных фигур стал Ханс Дж Вегнер, человек, чье наследие дизайна стало очень плодовитым. Датский Модерн — “огромная изобретательность Вегнера и его скульптурные чувства толкали суховатое и функционалистское производство за пределы существующих ограничений тех дней, открылась новая разновидность модернизма.” (Holmsted Олесен, 2014). . Эйлин Грей: Нонконформист и Модернист По большому счету, самые заметные светила современной архитектуры и дизайна — это мужчины: Марсель Брейер, МИС ван дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвара Аалто, Вальтер Гропиус, Арне Якобсена — можно перечислить еще много других известных имен. Одно имя, которое часто несправедливо забывают — Эйлин Грей. Она была вне всяких сомнений одним из первых открытий модернистов, женщина, чья работа была чрезвычайна, особенно для Авангарда. . Эйлин Грей — женщина, которая предпочла остаться в одиночестве. Она воздерживалась от участия в “движении” и нашла успех в мире властных мужчин. Кроме того, она, несомненно, являлась равной ее более знаменитых сегодня современников. Универсальные характеристики Эйлин Грей — свободный дух, творец и фантазер. Ее стиль был характерным, выразительным и роскошным, о чем говорят вся ее экспозиция промышленно выпускаемых материалов и геометрических форм. В 2014 году Режиссер Марко Орсини создал прекрасный фильм о жизни Эйлин Грей. Под названием “Серое вещество» — про историю женщины, часто игнорируемую героиню, которая является одной из самых известных дизайнеров 20-го века и ведущих дизайнеров модерна. . Виртуоз и лидер датского дизайна Арне Якобсен был архитектором, художником и дизайнером, чьи работы продолжают быть актуальными и известными в сегодняшнем мире дизайна. Родился в 1902 году в богатом районе Остербро Копенгагена. Арне Якобсен будет расти, чтобы насладиться блистательной карьерой архитектора и дизайнера. В детстве Якобсен следовал разнообразной художественной деятельности и демонстрировал настоящий талант к изобразительному искусству. Несмотря на его стремления стать художником, у отца Якобсена были другие идеи. После краткого периода как матрос и некоторого времени в качестве ученика каменщика, Якобсен был зачислен в технический колледж Копенгагена. Арне Якобсен был перфекционистом и несмотря на работу во множество проектов, относился с большим вниманием к деталям. Он также был интуитивно понятный конструктор с основной концепцией в виду, Якобсен работал интуитивно, чтобы понять общую идею конечностей дизайна, где ни одна деталь не была слишком тривиальной.Список деятельности и достижений Якобсена чрезвычайно внушительный и просторный — в одной статье можно выделить только несколько из его достижений. Пожалуй, те из них, что изложены выше – диван Мэр, дизайны стульев для Фритца Хансена и САС Ройал отель Копенгаген – среди лучших моментов карьеры Арне Якобсена. В летописи «современного дизайна середины века», он по праву является выдающимся светилом. . Чарльз и Рэй Имз, без сомнения два самых важных и влиятельных американских дизайнеров 20 века. Знаменитые дизайнеры мебели, Имз (или Эймс, Eameses) способствовали развитию разных творческих жанров — это и архитектура, промышленное проектирование, производство, искусство, кино и фотография. Двое дизайнеров женились в 1941 году. Чарльз и Рэй были известны еще в те первые дни их работы с формованной фанерой. Во время Второй Мировой войны именно им действительно было заказано ВМС США изготовление шин и носилок из формованной фанеры. С окончанием войны, семья Eameses вернули свое внимание обратно к мебели.
«Для кого адресован дизайн: к большинству, к профессионалу, к привилегированному социальному классу? Дизайн направлен на необходимость.»
Уже в 1945 году был создан культовый отлитый в форму стул СДН. Эта работа приведет к их прорыву в создании формованных стеклопластиковых сидений. Формованные пластиковые кресла Имз были представлены в Музее современного искусства и удостоились “премии конструкций для современной мебели”. «В конечном счете все взаимосвязано — люди, идеи, объекты. Качество соединений этого и является ключом к качеству как таковому.»Стул Shell (раковина) сегодня достойный классический дизайн. Вы встречаете его в частных домах и общественных местах, в офисах, ресторанах и барах, их адаптационная природа как возвышенное и гениальное достижение дизайнерской мысли. Многие проекты, созданные Чарльзом и Рэй Имз, вошли в историю мирового дизайна как культовые объекты. В своем обзоре столетия, журнал Time назвал Формованный стул из фанеры от Имз (Eames Molded Plywood Chair) «лучший дизайн 20 века», характеризуя его конструкцию как «элегантная, легкая и удобная. Часто копируется, но никогда не превзойден«. «Вопрос в том: действительно ли это решит проблему? Это работает? Как это будет выглядеть через десять лет?» . Она стала первым профессиональным дизайнером в истории дизайна интерьера, основав в 1923 году первую интерьер дизайн компанию в США. В свое время Дороти была примадонной декора для бизнеса – ее имя было синонимом украшения. Ее уверенность, как и ее вкус, давали ей возможность взять на себя управление гостиничного проекта во всех аспектах дизайна – вплоть до рисунков для меню, коробками спичек и униформы персонала. . Как пишет Карлтон Варни в биографии своего наставника, Дрейпер на ощупь революционизировала понятие “дизайн” как отрыв от исторических стилей и представлений об интерьере того периода, которые доминировали в работах ее предшественников и современников. Как художник она была современной, одним из первых представителей породы декораторов, и пионером. Она изобрела “современного барокко”, стиль, который имеет особое применение для больших общественных пространств и современной архитектуры. Она жаждала публичного пространства — полотно, на котором она создавала свои самые известные интерьеры, как например ресторан в Музее Метрополитен, Нью-Йорк, по прозвищу “Доротеум”. . Она создавала интерьеры реактивных самолетов — Конвейр & ТВА, автомобилей — “линия” Packard и Chrysler в 1950-х – в том числе розовый в горошек грузовик!, даже упаковку для косметики фирмы Дороти Грей. На вершине профессионального мастерства — ее жилые проекты для домов и квартир известных и очень богатых общественных деятелей. . «Я начала эту карьеру, потому что я любила делать дома. Я сделала три из моих собственных домов и я не могла дальше передвигать мою семью, поэтому я решила заняться украшением чужих домов и зданий.», — писала Драйпер. . Всемирно известный французский создатель, дизайнер и архитектор, Филипп Старк является неустанным и мятежным гражданином мира, который считает своим долгом поделиться своим этическим и подрывным видением более справедливого существования планеты, создает нетрадиционные места и объекты, целью которых является, чтобы быть “хорошим”, прежде чем быть красивым. Филипп Старк сказал, что он может спроектировать стул в две минуты и отель в полтора дня. Предпочитая работать в одиночку, иногда “голым в спальне”, он разработал тысячи продуктов, интерьеров, зданий и сооружений для клиентов, начиная от Майкрософт до Баккара. Славится своей эклектичной изобретательностью, стремлением к инновациям, росту экологической осведомленности и страстью к концепции демократичного дизайна, Филипп Старк — настоящий оригинал. Старк стал широко известен в 1980-х годах в результате объединения смелого дизайна с практичностью и прочным качеством. Увлеченный тем, где и как живут люди, его стремление к лучшей жизни для максимально возможного числа людей привело его к созданию концепций предметов, настолько разнообразных — как мебель, лодки, освещение, офисное оборудование, модные аксессуары, арматуры для ванной комнаты и кухни. Если у творчества есть имя, это имя, безусловно, Филипп Старк. «У меня есть психическая болезнь, называемая творчество», говорит о себе дизайнер. . Почему мебель прошлого века настолько популярна сегодня? Почему Мир помешался на «Современном Дизайне Середины Века»? Есть тенденции, которые приходят и уходят. Но некоторые вещи, кажется, не подвластны времени. Сегодня стало понятно, что созданы ряд знаковых предметов мебели, которые никогда не выйдут из моды. Эти современные столы и сиденья — стулья, кресла, диваны — были разработаны гениальными дизайнерами с заботой и любовью. И мир принял их в качестве экспонатов. За оригинальной мебелью культовых дизайнеров середины 20-го века теперь охотятся коллекционеры и антиквары, редкие образцы уходят с молотка на знаменитых аукционах, музеи дизайна мирового значения в Лондоне, Париже и Нью Йорке хранят в своих фондах эти уникальные образцы дизайнерского искусства.
А имена их создателей — Имз, Нельсон, Сааринен, Бертойя, Аалто, Уорми, Ризом, Чернер, Накасима, Миллер, Грей, Вагнер, Ле Корбюзье, Брейер, Паулин, Пантон, Волтер, Якобсен, Ритвельд, Мис ван дер Роэ и др. — стали культовыми. Они навсегда вписаны золотыми буквами в историю мирового дизайна. Они изменили мир!
Культовая мебель 20-го века самых знаменитых дизайнеров: .
. Карим Рашид, один из самых знаменитых дизайнеров современности и, безусловно, самый яркий. Количество престижных международных наград и премий, которые получили работы Карима Рашида — это огромный список, наверное, не в одну страницу. Потрясающие результаты творчества Рашида представлены в постоянных коллекциях 14 музеев мира!, включая МоМА и SFMoMA. Он демонстрирует свое искусство в различных галереях. Карим был адъюнкт-профессором промышленного дизайна в течение 10 лет и в настоящее время часто выступает с лекциями в университетах и на конференциях по всему миру. Здесь я постаралась отобрать работы, которые максимально широко охватят разные грани интерьерного творчества Карима Рашида, если такое возможно, конечно…
Пьеро Форназетти (1913-1988), великий итальянский дизайнер, художник, один из самых знаменитых художников-декораторов в мире. Также, его называют самым плодовитым художником-декоратором 20-го века. За свою творческую жизнь он создал более 11000 предметов, ставшими узнаваемыми по всему миру, культовыми предметами для современного дизайна.
Билли Болдуин (1903-1983гг.), великий американский декоратор. Билли Болдуин одно из самых известных имен в истории дизайна интерьера 20-го века. Старейшина американских декораторов, его вкус и чувство элегантности оказали наибольшее влияние на целое поколение дизайнеров после Второй мировой войны. Это именно тот человек, который дал дизайну интерьера белый стул «тапочек» (прим.- стул без подлокотников, накрытый чехлом из хлопковой ткани). Он поставил плетеную мебель в гостиной. Он использовал темно-коричневые стены и белые диваны. Было бы очень трудно представить другого американского декоратора, который имел бы большее влияние и более, чем он, публично отмечался и «подражался». Являясь ведущим декоратором своего времени, Болдуин не любил термин »дизайнер интерьеров».
Альберт Хэдли, (1920 — 2012гг.), великий американский декоратор. Альберт Хэдли – знаменитый дизайнер интерьеров, один из самых известных в Америке. Его смелый творческий взгляд и способность дистиллировать как классические, так и современные стили сделали его декоратором для самых богатых и могущественных людей в американском обществе. С 1962 года Хэдли работал вместе со своей сестрой и партнером Пэрис. Был удостоин многочисленных международных наград в области дизайна. Хэдли работал в различных стилях, в том числе современном, викторианском, грузинском. Альберт Хэдли самостоятельно и вместе с Пэрис — «Paris Hadley» — создали резиденции для солидного списка знаменитых клиентов: бывший вице-президент Альберт Гор, Уильям Палей, Оскар де ла Рента, Жаклин Кеннеди, посол Генри Грюнвальд, доктор Дж. Патрик Максвелл, Майк Николс, Дайан Сойер, Брук Астор. А также — Рокфеллер, Бронфман, Гетти, Уитни, Меллон… Элита Америки. |
10 самых известных дизайнеров мира
В России дизайн интерьера получил активное развитие относительно недавно: лишь с началом эпохи капитализма успешные и состоятельные персоны начали отказываться от общепринятых клише в сторону выражения собственной индивидуальности. Для инсайдеров этой, как ни крути, молодой профессии ориентиром послужил мировой опыт.
Участники обзора ранжированы условно – по частоте упоминания в отраслевых изданиях всего мира. Основой рейтинга послужили данные авторитетного агентства Brand Analytics. Представляем вам лидеров интерьерного дизайна наших дней.
1
КАРИМ РАШИД
Страна: США
Начало карьеры:
собственную студию открыл в 1993 году
Всё, что он делает, – абсолютно нестандартно и всегда принимается на ура. Только за последние 10 лет Карим Рашид получил около 30 наград в области промышленного дизайна.
Наполовину англичанин, наполовину египтянин, Карим Рашид родился в Египте, вырос в Канаде, а курсы дизайна окончил в Неаполе. Он полагает, что мебель должна отражать реальность. И старается делать предметы, которые приносят радость, упрощают задачи и повышают наш уровень красоты. Жизнь Карима расписана на год вперед. Он сделал уже более 2000 работ. Ежемесячно в мире проходит по две его выставки.
Карим Рашид хочет проектировать всё: автомобили, самолеты, одежду, дома, роботов. Футуристические проекты среды обитания Карима Рашида кажутся многим чересчур смелыми и далекими от реальности. Хотя сам дизайнер считает, что они подчинены гармонии и удобству, и каждая вещь в них максимально полезна: «Человек, однажды поживший в моем интерьере, уже никогда не сможет вернуться в традиционную обстановку, потому что дизайн от Карима Рашида раз и навсегда покажет ему, что такие простые и прагматичные вещи, как окно с правильно падающим светом, или особая высота потолка, или многофункциональная мебель – это жизненно Majik Café в Белграде необходимые вещи».
Знаменитое кресло PYRAMID
Правда, дизайнер признает, что окончательный переход к предложенной им среде обитания – это дело будущего. А в настоящем Карим Рашид придумывает мебель для Alivar, BoConcept, Edra, Frighetto, Pure Design, Zerodisegno, Kartell и др. Посуду – для Mglass, Nambe, Micasa, Covo, светильники – для Fosсarini, Penta, Artemide, бытовую технику – для Gorenje. Однако заподозрить Карима Рашида в корысти не приходит в голову. Его принцип: «Работай for fun, а не ради вознаграждения. Или не работай вовсе».
Дизайн аптеки в Белграде
Ресторан Morimoto в Филадельфии
Majik Cafe в Белграде
2
ФИЛИПП СТАРК
Страна: Франция
Начало карьеры:
собственную студию открыл в 1968 году
Старк – супервыдумщик, суперуниверсал и супербизнесмен. Он создает частные дома и интерьеры, проектирует всё и вся. Выступает за «доступность» дизайна, показывая, что его вещи может если не купить, то увидеть каждый.
«Когда я начал работать, понятие «дизайн» означало очень красивые и дорогие вещи для очень богатых людей. Если вы думаете, что я всю жизнь проведу, работая на горстку людей, – спасибо, я лучше посплю. Поэтому всю жизнь я убиваю дизайн, вернее, уничтожаю эту его элитарность».
Филипп Старк своеобразно и талантливо продвигает свой бренд. Он продвигает в первую очередь себя, а за брендом Starck идет весь созданный им предметный мир. Он в огромных количествах плодит и распространяет идеи и мифы о себе, умея объяснить всё и вся, убедив окружающих в своей правоте. Создал шедевр дизайнерской мысли – соковыжималку для цитрусовых для Alessi – и сообщил всем, кто упрекал ее за неудобность: «А выжимать сок ею интереснее, чем удобной электрической. Надо понимать, что очевидная функция вещей не всегда есть их истинное предназначение».
Письменный стол BAOBAB для Vitra больше
похож на скульптурный объект
Соковыжималка
Juicy Salif
Спорить с ним бесполезно, всё равно переспорит. Его работы признаны и высоко оценены, как международным профессиональным сообществом, так и огромным числом потребителей – от самых состоятельных слоев общества до простых людей. Вещи от Старка узнаваемы, притягательны и любимы. Его дизайн – супертехнологичен, изобретателен, остроумен, ироничен. Филипп Старк «играет» в вещи. «Моя работа – постараться очистить мир и сделать жизнь лучше.
Окружив себя уродливыми вещами, мыслями и намерениями, вы и сами становитесь уродом. Но среди красивых вещей, прежде всего красивых по смыслу, жизнь становится лучше». Казалось, нет области дизайна, в которой он не попробовал бы своих сил, причем с неизменным успехом.
Интерьер отеля
Sanderson в Лондоне
3
ПАТРИЦИЯ УРКИОЛА
Страна: Испания
Начало карьеры:
собственную студию открыла в 2001 году
Патрицию Уркиолу называют ураганом за ту головокружительную скорость и мощь, с которой она взошла на олимп мирового дизайна. Места на нем занимают в основном мужчины, и появление женщины всякий раз вызывает удивление. Но в случае с Патрицией заслуги дамы неоспоримы. «Женщины добавляют в дизайн больше здравого смысла. Если правая половина кресла напоминает левую, жизнь останавливается. Мебель надо отделять от нас и представлять ее частью большого мира».
Музеи мира уже пополняют ее произведениями свои постоянные коллекции. Лампа Bague от Foscarini из перфорированного металла с силиконовым покрытием и кресло Fjord от Moroso, своей формой напоминающее очертания гор, представлены не где-нибудь, а в знаменитом MoMA – Музее современного искусства в Нью-Йорке. «В положении, которое мы занимаем в обычном кресле, в кресле Fjord не будет удобно. Надо обязательно принять асимметричную позу, чтобы опереться на расположенную сбоку спинку и единственный подлокотник. Ведь будущее дизайна в отсутствии симметрии!» – уверена дизайнер.
Стул Flower, софа Loom и горизонтальное кресло Chaise Longue — строгие, но элегантные, простые, но изысканные — выражают понимание Патриции того, каким должен быть дизайн
Патриция сотрудничает с компаниями мирового значения: Moroso, Lissoni Associati, Agape, Alessi, B&B, De Padova, De Vecchi, Driade, Foscarini, Kartell, MDF, Molteni, San Lorenzo, Knoll, Marks and Spencer, Sand, Somma, Roberto Torretta. Она умеет убедить производителей в том, что надо выходить за границы традиционных и стандартных вещей.
Кредо Патриции – комфорт. Ее специализация – «сидячие места» и всё, что с ними связано. При этом она не делает вещей, которые нужно держать за стеклом, как музейные экспонаты: «Если мой продукт выглядит современно и модно, но совершенно не пригоден в использовании, значит, я идиотка».
Современный винтаж от Патриции
Уркиолы для отеля Room Mate в Милане
Творения Патриции копируют. После того как итальянская фабрика Moroso выпустила софу Lowland, рынок наводнили диваны-двойники. Модель даже собирались снять с производства
4
АРНЕ КУИНЗ
Страна: Бельгия
Начало карьеры:
собственную студию открыл в 1999 году
«Я люблю искусство – потому что в нем нет правил, и я могу придать реальную форму всем своим чувствам. С другой стороны, я люблю дизайн – потому что в нем есть правила, и мне нравится с ними бороться», – заявляет Арне Куинз. Выполненные им в 1999 году пуфы из уникального вспененного материала стали предвестниками зарождения полноценной мебельной дизайн-студии Quinze&Milan, которую Арне Куинз до сих пор возглавляет в качестве арт-директора.
С самого начала студия Quinze&Milan позиционировала себя «творцом атмосферы»: ее мебель была не самоцелью, а образом жизни, который бросил вызов царящему в дизайне минимализму. Получившиеся формы были дикими и сексуальными, беззаботными и свободными, кричащими и необузданными. Очень скоро журналисты окрестили Куинза «плохим парнем из мира дизайна» и «любителем Prada в стиле Punk».
Модульный
стеллаж
Honey Comb
Сегодня в работе студии задействовано более 60 архитекторов, девелоперов и дизайнеров, а комплекс услуг стал включать в себя дизайн в самом широком смысле слова: от создания брендбуков до дизайна обуви и архитектурного проектирования. Однако лицом и носителем философии студии Quinze&Milan по-прежнему остается Арне Квинз – главная «поп-звезда мебельной тусовки». «Я никогда не учился. Никогда не умел работать на компьютере. Машины слишком медленные – моя мысль быстрее. И у меня всегда есть блокнот и карандаш, чтобы ее записать».
Для него не существует границ, нет ничего невозможного. Когда-нибудь он мечтает построить собственный город. А пока мебель Куинза можно встретить во всех значимых постройках последнего десятилетия. Да и вообще этот бельгиец, больше похожий на лидера хардкор-группы, считает себя, прежде всего, художником. Будучи бездомным подростком, он был мастером уличной живописи – граффити. Видимо, оттуда и привычка выставлять себя напоказ, жажда широкой аудитории.
Кресла-шезлонги JELLY FISH
Диван CLUB SOFA спроектирован наподобие
джинсов со множеством карманов
Интерьер ресторана Kwint в Брюсселе
Концепт-кар MAGNA
5
ФАБИО НОВЕМБРЕ
Страна: Италия
Начало карьеры:
Собственную студию в Милане открыл в 1994 году
Фабио – дизайнер-индивидуалист. Но при этом уважает Марка Ньюсона, Рона Арада, Тома Диксона. Все они, между прочим, живут и работают в Англии. Но Новембре – итальянец до мозга костей, поэтому в противоположность инженерному подходу Диксона или поверенной компьютерными программами расчетливой гармонии Арада его творческий метод основан на чувственности и эмоциях: «Чем дольше я живу, тем больше становлюсь технократом. И чем больше я подчиняюсь власти технологий, тем сильнее мои предметы связаны с чувствами и инстинктами».
Будучи арт-директором Bisazza, Фабио Новембре воздвиг из мозаики настоящий Памятник Любви. На унитазе и биде VOID для Flaminia как будто бы остались вмятины от прикосновений к еще не подсохшим чашам.
Наверное, сложно назвать другого дизайнера, которого бы так вдохновляло человеческое тело. Начиная от округлостей собственной жены и заканчивая абстрактными женскими и мужскими попами – их реалистичные очертания он скульптурно запечатлел в стульях HIM&HER для Casamania. В остальном очертания у стульев узнаваемые, хрестоматийные – получился эдакий Вернер Пантон «поновембревски». Вместо спинки дивана для Driade – силуэт женщины в расслабленной и соблазнительной позе, да и вообще в каждом кресле или сиденье невольно проглядывают человеческие черты: нос, скулы, губы, плечи.
Всё пространство обувного
бутика в Риме опутано лентами
из кориана
Простые рубленые формы – это не про него. У Новембре всё течет, меняется, живет, пульсирует: интерьер обувного бутика опутан бесконечной лентой полок, изголовье кровати плавно переходит в каркас, форма смесителя такова, что кажется, будто он вытекает из раковины вместе с водой, а стеклянная столешница на десятках ножек-щупалец – почти видишь, как она колышется при малейшем движении воздуха, – на самом деле очень устойчива. «Люблю проектировать пространства, где может собираться много народа, – места бесчисленных встреч. Ведь смысл жизни для дизайнера-индивидуалиста – в общении с другими».
Стулья HIM&HER для
Casamania («Его»
и «Ее») имеют более
чем характерные
формы. Столь
натуралистичные
слепки «мягких
мест» отливаются из
высококачественного
пластика
Стол Org Tables для Capellini с гибкими ножками, как у спрута
Спинка дивана Divina для Driade сделана в виде
силуэта «дивы». Фабио обожает устраивать
фотосессии с собственными творениями, чью чувственность форм
всегда подчеркивает недвусмысленными позами
6
КРИСТОФЕР ХОЛЛ
Страна: Турция
Начало карьеры:
1988 год
В Стамбул новозеландский дизайнер Кристофер Холл перебрался еще в начале 2000-х, движимый большим интересом к восточной культуре. Со временем он проникся ею настолько глубоко, что теперь реализует свои самые масштабные проекты именно здесь, на Востоке.
Среди его заказчиков числятся несколько арабских принцев. Холл строит свои интерьеры на соединении современного европейского дизайна и восточных архитектурных традиций. Это хорошо заметно не только в его проектах, но и в мебели, которую он проектирует, придумывая замысловатые металлические конструкции по мотивам арабесок.
Так же Кристофер проектирует и выпускает
под своим брендом предметы мебели
Его интерьеры
всегда по-хорошему
старомодны,
как правильно
выдержанное вино
или фамильный,
передаваемый
из поколения
в поколение ковер
Холл — один из немногочисленных дизайнеров, которые работают
на стыке арабского традиционализма и европейского ретро
Один из проектов для внука короля Саудовской
Аравии — принца Фейсала бен Саттама
7
ДЖОНАТАН АДЛЕР
Страна: США
Начало карьеры:
2002 год
Родился в Нью-Джерси. В свои одиннадцать лет он впервые сел за гончарный круг, годами позднее безуспешно пытался выучиться на адвоката, работал в кино и в итоге стал дизайнером. То, что он является самоучкой, не помешало Джонатану Адлеру основать собственную компанию по выпуску керамики и прочих аксессуаров, открыть двадцать магазинов и декораторское бюро в придачу.
В своих проектах часто берет за основу элегантный дизайн 1950-х, но за счет щедрого использования кричащих цветов, графичных орнаментов и провокационного современного искусства интерьеры у него получаются экстравагантными и избыточными.
Дом
в Нью-
Йорке
Адлер обвиняет симметрию в том, что она «отнимает легкость
в восприятии окружающего мира». Тем интереснее наблюдать,
как он обращается к ней в своих работах
В числе любимых «фишек» дизайнера –
ковер с графичным орнаментом,
структурирующим пространство
Дизайн
гостиной
8
АКСЕЛЬ ВЕРВОРДТ
Страна: Бельгия
Начало карьеры:
открыл свою компанию в 1968 году
На данный момент компания Акселя Вервордта базируется в здании бывшей винокурни неподалеку от Антверпена.
В 1970-х дизайнер выкупил и отреставрировал по картинам Вермеера и Питера де Хоха целый квартал в Антверпене. Кроме того, Вервордт сам выпускает мебель: пухлые кушетки и ушастые кресла в льняных чехлах, отлично дополняющие антикварные буфеты и столы из состаренного дерева, без которых редко обходятся его проекты.
Интерьеры Вервордта зачастую обставлены скупо, но поскольку вещи он отбирает с характером и с историей, в них нет холодности, свойственной минимализму.
Замок
декоратора
Акселя
Вервордта
Пентхаус в стиле шале
В 1990-е годы легендарный французский
булочник Лионель Пуалан купил бывший форт
на частном острове у берегов Бретани
и поручил его реставрацию Акселю Вервордту
Обшарпанный
столетний стол на
кухне, голый бетон
на стенах и полах…
В отеле Роберта
Де Ниро это самый
лучший номер.
Стоит 15 000 USD
за ночь
9
ТОМАС ФИЗАНТ
Страна: США
Начало карьеры:
в 1980 году основал бюро Thomas Pheasant
Американский декоратор и мебельный дизайнер – в этом качестве он сотрудничает с марками Baker и McGuire. Не любит ничего яркого, в его проектах преобладают теплые сливочные оттенки и цвет слоновой кости, а акцент сделан не на цвет, а на фактуры.
С точки зрения стиля это типичная американская классика, в которой понемногу от ар-деко, Beaux-Arts и французского модернизма 1950-х годов. Однако сам Физант говорит, что на него сильнее всего повлияло знакомство с культурой Востока. Он считает, что хороший интерьер должен вызывать умиротворение. Вполне в духе дзен-буддизма.
Современные 30-е в квартире
над Центральным парком в Нью-Йорке
Зеркало Blossom,
Baker. Рисунок
рамы, по мысли
Физанта,
стилизованно
воспроизводит
цветки вишни на
кимоно
Гостиная дома
в Вашингтоне
Столовая дома в
окрестностях Вашингтона
10
ТАНДЕМ
BARBEROSGERBY
Страна: Великобритания
Начало карьеры:
студия организована в 1996 году
Два английских дизайнера Эдуард Барбер и Джей Осгерби работают под одним брендом – BarberOsgerby. Мужчины вместе изучали архитектуру в Королевском колледже искусств в Лондоне. После его окончания в 1996 году основали собственное дизайн-бюро.
Первая же совместная работа – стол Loop (для Isokon Plus) – вошел в постоянную коллекцию лондонского Музея Виктории и Альберта. Барбер и Осгерби ведут дела компании Universal Design Studio, профиль которой – архитектурное проектирование и дизайн интерьеров. Они работали над интерьерами магазинов Стеллы МакКартни и знаменитым баром Pharmacy Дэмиена Херста.
В области предметного дизайна Барбер и Осгерби выполнили серию аксессуаров для ванных комнат Lunar – для Authentics, спроектировали новую бутылку Ipsei для компании Coca-Cola. Среди их клиентов немало других уважаемых брендов: Cappellini, Established & Sons, Flos. Созданное ими кресло Glove для Swedese названо лучшим на лондонской выставке 100 % Design 2007. А в Майами их наградили титулом «дизайнеры будущего».
Стул-качалка Tip Ton для компании Vitra, имеющий своеобразные полозья, которые позволяют сидящему наклоняться вперед на 9 градусов, достигая максимально удобного для работы положения
Стол Loop вошел в постоянную коллекцию
лондонского Музея Виктории и Альберта.
Стол Tobi Ishi полностью изготовлен
из мрамора — белого каррарского
или черного Маркина
Диван с меняющимися одним движением руки чехлами
позволяет экспериментировать с интерьером без
особых затрат и кардинальной смены мебели
*источник: журнал tmn №31 (декабрь 2016–февраль 2017)
Проект подготовил Никита Марченко
Известные дизайнеры | Прическа и макияж
Нельзя забывать и о тех людях, которые стали первопроходцами по многим аспектам моды. Поистине великие дизайнеры стали символами своей эпохи и сегодня имеют сотни последователей по всему миру.
Список известных модельеров модного мира возглавляют такие знаменитые личности:
Коко Шанель;Кристиан Диор;Гуччио Гуччи и его сын Альдо Гуччи;Джанни Версаче;Луи Виттон;Ив Сен Лоран;Оскар де ла Рента.Во все времена люди стремились быть стильными и красивыми. Недаром говорят, что встречают по одежке. Креативно выделиться из толпы, создать себе шикарный стильный образ, одеваться со вкусом помогут российские дизайнеры. Отечественная фешн-индустрия уже многие годы подряд составляет достойную конкуренцию известным модным домам Лондона, Парижа, Милана, Нью-Йорка. В России также умеют одевать и одеваться красиво. Именно о героях отечественной моды «поговорим» более подробно сегодня.
Современная отечественная мода более близка к европейской, чем советская. Да и стать дизайнером сегодня намного проще, чем несколько десятилетий тому назад. Многие отечественные кутюрье сейчас пользуются популярностью и за рубежом.
Одной из наиболее популярных украинских дизайнеров является романтичная девушка Лилия Пустовит. Ее коллекции отличаются особой самобытностью и отличаются наличием определенных этнических элементов, которые привязывают наряды, создаваемые Лилией к традиционной одежде. Много фольклорных деталей присутствует практически в каждом ее наряде.
Знаменитый итальянский дизайнер просит называть себя «художником моды» и славится своими экзотическими и эффектными коллекциями одежды и аксессуаров. Его модный дом придерживается философии женственности, шика и яркого темперамента. Сам дизайнер в одном из интервью сказал, что его мода «стала успешной и актуальной, потому что остальные дизайнеры продолжали выпускать монотонные вещи… В течение долгого времени дизайнеры пытались одевать женщин наравне с мужчинами. Я изменил эту тенденцию. Я пытаюсь подчеркнуть одеждой женственную, сексуальную сторону, которая присутствует в каждой представительнице прекрасного пола».
Известный итальянский дизайнер первой половины XX века, которую считают сюрреалистом от мира моды, главной соперницей Шанель, создательницей стиля прет-а-порте. Эльза родилась в семье аристократов, с детства изучала живопись, историю искусств, любила театр. Подрабатывая экскурсоводом в Париже, Эльза наблюдала за тем, как меньше всего жен богатых американцев интересовала архитектура и больше всего – модные магазины. Предположительно именно тогда ей в голову пришла идея шокировать публику необычной одеждой.
Во все времена люди стремились быть стильными и красивыми. Недаром говорят, что встречают по одежке. Креативно выделиться из толпы, создать себе шикарный стильный образ, одеваться со вкусом помогут российские дизайнеры. Отечественная фешн-индустрия уже многие годы подряд составляет достойную конкуренцию известным модным домам Лондона, Парижа, Милана, Нью-Йорка. В России также умеют одевать и одеваться красиво. Именно о героях отечественной моды «поговорим» более подробно сегодня.
Один из самых влиятельных модельеров, человек феноменальной работоспособности, многогранная натура, обладатель множества талантов. Этот всемирно известный дизайнер немецкого происхождения руководит модным домом Chanel с 1983 года. Помимо этого Карл дизайнер и основатель собственного модного бренда, талантливый фотограф, режиссер, владелец издательского дома и личной библиотеки в 300 тысяч томов. Лагерфельд говорит о себе: «Я словно хамелеон, во мне живут одновременно несколько людей. Создавать для меня – сродни дыханию. Я даже не задумываюсь об этом. Когда я сижу в директорском кресле Chanel, я и есть Chanel. Когда я еду в Рим и нахожусь в Доме Fendi, я – Fendi. Я начинаю работу над новой коллекцией за день до того, когда показывают предыдущую».
Страной с наибольшим скоплением самых известных модельеров современного мира можно назвать Францию. Именно там начинают карьеры будущие гении модного мира, там они создают первые эскизы и организовывают первые скромные показы.
Говоря о французских гениях нельзя не упомянуть таких мастеров, как Пьер Карден, Жан Поль Готье, Кристиан Лакруа, Пако Рабан, Юбер де Живанши.
Пьер Карден – настоящий выдумщик и изобретатель. Он начал свою карьеру в Париже и приворожил взыскательную публику оригинальностью решений и новыми разработками в различных сферах. Его наряды отличаются элегантностью и шиком.
Точное происхождение выражения «смарт-кэжуал» отследить отнюдь не легче, чем докопаться до его смысла. Вебсайты-словари утверждают, что термин устоялся в 1980-х годах, но был довольно-таки распространен на протяжении всего прошлого века.
Фактически, первое занесенное в источники использование выражения « смарт-кэжуал » датируется 1924-м годом — оно было употреблено в издающейся в Айове газете « Давенпортский Демократ » в отношении платья без рукавов ( далеко не тот тип одежды, что мы собираемся советовать ).
Страной с наибольшим скоплением самых известных модельеров современного мира можно назвать Францию. Именно там начинают карьеры будущие гении модного мира, там они создают первые эскизы и организовывают первые скромные показы.
Говоря о французских гениях нельзя не упомянуть таких мастеров, как Пьер Карден, Жан Поль Готье, Кристиан Лакруа, Пако Рабан, Юбер де Живанши.
Пьер Карден – настоящий выдумщик и изобретатель. Он начал свою карьеру в Париже и приворожил взыскательную публику оригинальностью решений и новыми разработками в различных сферах. Его наряды отличаются элегантностью и шиком.
Один из самых влиятельных модельеров, человек феноменальной работоспособности, многогранная натура, обладатель множества талантов. Этот всемирно известный дизайнер немецкого происхождения руководит модным домом Chanel с 1983 года. Помимо этого Карл дизайнер и основатель собственного модного бренда, талантливый фотограф, режиссер, владелец издательского дома и личной библиотеки в 300 тысяч томов. Лагерфельд говорит о себе: «Я словно хамелеон, во мне живут одновременно несколько людей. Создавать для меня – сродни дыханию. Я даже не задумываюсь об этом. Когда я сижу в директорском кресле Chanel, я и есть Chanel. Когда я еду в Рим и нахожусь в Доме Fendi, я – Fendi. Я начинаю работу над новой коллекцией за день до того, когда показывают предыдущую».
Вас может заинтересовать
Карьера Такады Кензо началась в 70-х годах прошлого столетия. Именно тогда состоялся дебют коллекции модельера и открылся его первый магазин под названием «Японские джунгли». До этого дизайнер продвигал идею японской одежды во французском журнале «Эль». Однако признание к специфическому художнику пришло далеко не сразу.
Европейские критики не признали свободу покроя, яркие цвета и восточный орнамент моделей Кензо. Однако упорство и вера в себя помогли достичь экзотическому дизайнеру заветной цели. В 1976 году Такада зарегистрировал собственную линию одежды, которая со временем вылилась в несколько линеек, что окончательно укрепило позиции Кензо в европейской моде.
Сайты российских дизайнеров одежды в интернете представлены широко, даже слишком, что радует.
Кроме этого, модельеры часто дают интервью журналам мод, прогнозируя тенденции сезонов.
Мы собрали некоторые сайты, владельцами которых являются известные российские дизайнеры одежды, и представили в этом списке.
Нельзя забывать и о тех людях, которые стали первопроходцами по многим аспектам моды. Поистине великие дизайнеры стали символами своей эпохи и сегодня имеют сотни последователей по всему миру.
Список известных модельеров модного мира возглавляют такие знаменитые личности:
Коко Шанель;Кристиан Диор;Гуччио Гуччи и его сын Альдо Гуччи;Джанни Версаче;Луи Виттон;Ив Сен Лоран;Оскар де ла Рента.Нельзя забывать и о тех людях, которые стали первопроходцами по многим аспектам моды. Поистине великие дизайнеры стали символами своей эпохи и сегодня имеют сотни последователей по всему миру.
Список известных модельеров модного мира возглавляют такие знаменитые личности:
Коко Шанель;Кристиан Диор;Гуччио Гуччи и его сын Альдо Гуччи;Джанни Версаче;Луи Виттон;Ив Сен Лоран;Оскар де ла Рента.Во все времена люди стремились быть стильными и красивыми. Недаром говорят, что встречают по одежке. Креативно выделиться из толпы, создать себе шикарный стильный образ, одеваться со вкусом помогут российские дизайнеры. Отечественная фешн-индустрия уже многие годы подряд составляет достойную конкуренцию известным модным домам Лондона, Парижа, Милана, Нью-Йорка. В России также умеют одевать и одеваться красиво. Именно о героях отечественной моды «поговорим» более подробно сегодня.
Во все времена люди стремились быть стильными и красивыми. Недаром говорят, что встречают по одежке. Креативно выделиться из толпы, создать себе шикарный стильный образ, одеваться со вкусом помогут российские дизайнеры. Отечественная фешн-индустрия уже многие годы подряд составляет достойную конкуренцию известным модным домам Лондона, Парижа, Милана, Нью-Йорка. В России также умеют одевать и одеваться красиво. Именно о героях отечественной моды «поговорим» более подробно сегодня.
Год возникновения: 1990
Основательница: Общепризнанная королева свадебной моды Вера Вонг – бывшая профессиональная фигуристка, оставившая мир большого спорта после того, как не попала в олимпийскую сборную США. В течение 17 лет Вера работала старшим редактором отдела моды в глянцевом журнале и только после этого решила попробовать свои силы в сфере, которая в итоге и принесла ей мировую известность.
Нельзя забывать и о тех людях, которые стали первопроходцами по многим аспектам моды. Поистине великие дизайнеры стали символами своей эпохи и сегодня имеют сотни последователей по всему миру.
Список известных модельеров модного мира возглавляют такие знаменитые личности:
Коко Шанель;Кристиан Диор;Гуччио Гуччи и его сын Альдо Гуччи;Джанни Версаче;Луи Виттон;Ив Сен Лоран;Оскар де ла Рента.Один из самых известных французских модельеров, которому мы обязаны ультраженственными платьями в стиле нью-лук. У него был художественный талант, и в юности он мечтал стать великим художником. После того, как обанкротилась его частная Галерея искусств, он пережил трудные времена, нищету и безработицу, но судьба словно готовила ему другой путь. Он стал разрабатывать театральные костюмы, рисовать эскизы для французских модных журналов. И эти эскизы стали необыкновенно популярными, он стал сотрудничать с отделом мод газеты Figaro, его заметили. Решил специализироваться на моделях одежды, хотя эскизы моделей шляпок были гораздо более популярными. Диора заметил известный модельер Пиге, но из-за войны карьера Диора тогда не стартовала.
Ни для кого не секрет, что в этой стране очень сильно развита индустрия моды. Творения талантливых людей, от сумок и одежды до аксессуаров и обуви, продаются по всему миру и пользуются огромным успехом не только у женщин, но и у мужчин. А такие бренды, как Versace, Prada, Gucci, Armani, D&G уже давно являются синонимами роскоши и непревзойденного качества.
Итак, кому же из знаменитых итальянских дизайнеров мировая индустрия моды должна отдать дань в первую очередь? Вот список этих имен:
Нельзя забывать и о тех людях, которые стали первопроходцами по многим аспектам моды. Поистине великие дизайнеры стали символами своей эпохи и сегодня имеют сотни последователей по всему миру.
Список известных модельеров модного мира возглавляют такие знаменитые личности:
Коко Шанель;Кристиан Диор;Гуччио Гуччи и его сын Альдо Гуччи;Джанни Версаче;Луи Виттон;Ив Сен Лоран;Оскар де ла Рента.Один из самых известных французских модельеров, которому мы обязаны ультраженственными платьями в стиле нью-лук. У него был художественный талант, и в юности он мечтал стать великим художником. После того, как обанкротилась его частная Галерея искусств, он пережил трудные времена, нищету и безработицу, но судьба словно готовила ему другой путь. Он стал разрабатывать театральные костюмы, рисовать эскизы для французских модных журналов. И эти эскизы стали необыкновенно популярными, он стал сотрудничать с отделом мод газеты Figaro, его заметили. Решил специализироваться на моделях одежды, хотя эскизы моделей шляпок были гораздо более популярными. Диора заметил известный модельер Пиге, но из-за войны карьера Диора тогда не стартовала.
25 имен, которые должен знать каждый графический дизайнер
Как графический дизайнер, вам нужно знать несколько имен, поэтому мы собрали их здесь и объяснили, почему эти профессионалы так важны в этой области. Это дизайнеры, которые изменили представление о графическом дизайне в современном мире. Это индивидуалисты, мыслители и те, кто изменил дизайн.
Благодаря широкому кругу дизайнеров, от известных создателей обложек книг до логотипов и не только, мы действительно охватили весь спектр отрасли.После того, как вы окунетесь в мир графического дизайна, вы, возможно, захотите обновить свой инструментарий с помощью лучшего программного обеспечения для графического дизайна или этих лучших приложений для iPad для дизайнеров.
01. Чип Кидд
Чип Кидд наиболее известен своими потрясающими книжными обложками.Чип Кидд, живущий в Нью-Йорке, наиболее известен своими потрясающими книжными обложками, в первую очередь выдающимся издательством Альфреда А. Кнопфа. Кидд работал с такими писателями, как Джеймс Элрой, Майкл Крайтон и Нил Гейман (среди многих других).
Парк Юрского периода — одна из его самых известных обложек книг, и в своей монографии 2005 года он объяснил, что за этим стоит: «При попытке воссоздать одно из этих существ, все, что нужно делать, — это кости, верно? отправная точка …
Парк Юрского периода — одна из самых известных обложек книг Кидда«Рисунок не только был интегрирован в плакат фильма, он стал логотипом самого парка в фильме. Думаю, можно с уверенностью сказать, что Парк Юрского периода T-Rex стал одним из самых узнаваемых логотипов 1990-х годов.”
Слушайте чрезвычайно занимательную лекцию Кидда на TED здесь. Да, и если вы хотите увидеть, чему вы можете научиться из портфолио Кидда, ознакомьтесь с нашей статьей.
02. Роб Янофф
Роб Янофф разработал логотип AppleПочему вам нужно знать о Робе Яноффе? Все просто: он разработал логотип Apple. Янофф создал, возможно, самую известную марку в мире сегодня, когда работал в рекламном агентстве Regis McKenna в 1977 году. И хотя он был изменен, основная форма с тех пор осталась прежней — свидетельство ее простоты и долговечности (и она была создана всего две недели).
Еще в 2013 году Янофф сказал нам, что идея яблока с оторванным от него кусочком была «действительно простой задачей». Он продолжил: «Если у вас есть компьютер, названный в честь фрукта, может быть, изображение должно выглядеть как фрукт? Вот я и посидел пару недель и нарисовал силуэты яблок.
«Укус — это тоже компьютерный термин. Вау, это была счастливая случайность. В тот момент я подумал, что «это будет подмигивать и кивать, и придаст этому индивидуальности».
Яблоко с вынутым кусочком (или байтом?) Было «ежу понятно»А насчет уже забытых цветных полосок? «Особенностью Apple II было то, что это был единственный компьютер, который воспроизводил цветные изображения на мониторе, и это был единственный компьютер, который можно было подключить к домашнему цветному телевизору.
«Кроме того, во многом это было связано с эстетическим происхождением как Стива [Джобса], так и меня, что было своего рода эстетикой хиппи и The Beatles и Yellow Submarine».
03. Питер Сэвилл
Питер Сэвилл наиболее известен своими дизайнами обложек для пластинок для художников Factory Records.Питер Сэвилл наиболее известен своими дизайнами обложек для пластинок для артистов Factory Records — вспомните Joy Division и New Order (Unknown Pleasures, Transmission , Голубой понедельник и др.) Но его рукавичная работа насчитывает пять десятилетий.Сэвилл — один из самых плодовитых дизайнеров пластинок всех времен, если не самый плодовитый.
Но работа дизайнера из Манчестера не ограничивается дизайном рукавов. В 2004 году он стал креативным директором City of Manchester; он работал с модной элитой, включая Джил Сандер и Стеллу Маккартни; а в 2010 году он разработал домашнюю форму Англии по футболу.
В 2013 году он рассказал The Guardian все о последнем: «Красное и белое было полностью маргинализовано одним типом людей.Это синоним наивного, ксенофобского, агрессивного и самоуничижительного отношения. Я подумал, что это совсем не связано с командой, футболом или нацией.
Питер Сэвилл недавно изменил дизайн логотипа Burberry«Но оказалось, что рынок этих рубашек — это чертовски настроенные ксенофобные люди с бритыми головами. Когда он вышел, он им не понравился. Им он не понравился. все.»
Сэвилл, родившийся в 1955 году, по-прежнему процветает — в 2018 году он изменил дизайн логотипа Burberry.
04. Майкл Берут
Дизайнер и преподаватель Майкл Берут был партнером Pentagram в течение 27 летНе так много дизайнерских агентств, которые пользуются большим уважением, чем Pentagram, и стать партнером — одна из высших наград в области дизайна. Дизайнер и педагог Майкл Берут является партнером уже 27 лет и выиграл сотни дизайнерских наград (у него также есть постоянная работа в MoMA). До Pentagram Берут 10 лет проработал в Vignelli Associates.
Дизайнерские проекты в Pentagram включают айдентику и брендинг для Benetton, New York Jets, Walt Disney, работы по дизайну журнала Billboard и логотипа кампании Хилари Клинтон в 2016 году.Это, конечно, лишь небольшая часть его обширного портфолио. Берут также является старшим критиком графического дизайна в Йельской школе искусств. Посмотрите его монографию — How To — опубликованную в 2015 году и его сборник эссе Now You See It, опубликованный в 2017 году.
Ознакомьтесь с монографией Берута — How ToВ 2013 году мы связались с ним, чтобы узнать, что он ищет новые таланты: «Лучшие — это яркие и красноречивые люди, у которых в портфолио есть отличная работа. Я мог бы сидеть с ними весь день », — говорит он.«У вторых лучших есть отличная работа, но они не могут говорить о ней осмысленно. Это требует работы, но все же оно того стоит.
« Мне нравятся люди, которые, говоря о своей работе, скрывают поверхностное значение. Не говорите о шрифтах и эффектах Photoshop; поговорить о предмете и о том, как это вас заинтересовало и вдохновило ».
05. Массимо Виньелли
Виньелли был одним из великих дизайнеров 20-го векаМассимо Виньелли умер в 2014 году, унеся с собой наследство некоторых из них. самая знаковая дизайнерская работа за последние 50 лет.
Считая IBM, Ford, Bloomingdale’s (его «коричневые сумки» до сих пор используются), Saks, American Airlines и многих других в качестве клиентов, а также считая Мишеля Берута среди его протеже, наследие Виньелли продолжает жить. Он присутствует, пожалуй, наиболее заметно на карте метро и указателях, которые он разработал для Нью-Йорка в 1972 году.
Дизайн «коричневой сумки» Виньелли используется и сегодня подробное руководство по тому, чему мы все можем научиться из принципов дизайна Виньелли.В нем Рейнольдс написал: «Его прославляли как за свое обучение, так и за свою работу … Это означает, что наследие Виньелли имеет фундаментальное значение для всех дизайнеров.
« Интернет возник слишком поздно в его карьере, чтобы позволить ему вносит прямой вклад в среду, но принципы дизайна, которыми он руководствовался в своей работе, оказали глубокое влияние на процессы и эстетику как традиционного, так и цифрового дизайна ».
06. Джонатан Барнбрук
Джонатан Барнбрук — громкое имя в типографикеДжонатан Барнбрук, последний дизайнер Дэвида Боуи, стал еще более заметным в последнее время.Но работа Барнбрука намного глубже, чем Heathen, The Next Day и Blackstar.
До Боуи он был, пожалуй, наиболее известен своим влиятельным шрифтовым дизайном — шрифт Exocet стал самым пиратским шрифтом в сети вскоре после выпуска в 1991 году (он также использовался в видеоигре FPS Diablo).
Подразделение Barnbrook VirusFonts продолжало процветать в течение следующих двух десятилетий, причем Bastard и Tourette были хорошими примерами его все еще современных, но спорных шрифтов.
Шедевр Барнбрука для подписного альбома Дэвида Боуи BlackstarВ интервью с нами в 2012 году Барнбрук сказал о Туретте: «Туретт основан на плоской форме шрифта с засечками начала 19 века.Наличие Туретта означает, что люди выходят за рамки согласованного языкового кодекса … Это то, что я пытался сказать в Туретте. Есть нецензурные слова, которые запрещены, но необходимо, чтобы они появлялись и в языке, потому что иначе мы не сможем их откалибровать. И я люблю ругаться ».
Откройте для себя современность и шедевр Барнбрука по дизайну обложки для подписанного альбома Дэвида Боуи Blackstar — обложка которого была выпущена бесплатно — ничуть не хуже самой пластинки.Он также разработал заглавный шрифт Exocet.
07. Кейт Моросс
Кейт Моросс работала со всеми, от TFL до One DirectionКейт Моросс — креативный директор Studio Moross — арт-директор и дизайнер из Лондона, которая вышла на сцену в 2008 году со своей типографией и товарным знаком. энергичный, плавный стиль рисования.
С тех пор Моросс стал одним из самых востребованных и успешных дизайнеров Великобритании, создав множество обложек альбомов, обложек журналов, брендов и видео.Моросс даже создавал живые визуальные эффекты для One Direction и тура Spice Girl 2019 года, которые они также создали.
Моросс разработал держатели для проездных на автобус и метро для Transport for London«Я не думаю о вещах с точки зрения влияния. Я больше не в школе», — сказал Моросс в интервью Creative Bloq в 2011 году. не смотрю на картину Ван Гога и не иду и не делаю рисунок Ван Гога в моем альбоме для рисования. Я не читаю журналы, я не хожу в художественные галереи, я не участвую в культуре традиционного так, возможно, многие люди поступают.
«Я думаю, что большинство своих идей я черпаю из повседневной жизни — хожу в магазин, общаюсь с водителем автобуса или вижу что-то случайно. Я не сторонник организованной культуры или чего-то подобного, поэтому я стараюсь позволить все происходит естественно. Я определенно думаю, что ваше влияние на вас связано с вашим характером, вашей жизнью, вашим настроением и общей культурой, такой как телевидение и фильмы, от которых вы действительно не можете избежать ».
08. Кэролайн Дэвидсон
Кэролайн Дэвидсон разработала с галочкойВ мире не так много логотипов, более узнаваемых во всем мире, чем знаковая галочка Nike.Часто самые простые идеи оказываются лучшими, и знак Nike подтверждает это.
Графический дизайнер Кэролайн Дэвидсон разработала логотип, будучи студенткой Портлендского государственного университета в 1971 году, и получила за это 35 долларов от основателя Nike Фила Найта (Найт познакомился с Дэвидсоном на уроке бухгалтерского учета, который он преподавал).
Дэвидсон заплатили всего 35 долларов за оригинальный дизайн логотипа.Логотип в виде клеща считался символом позитивности, но на самом деле это контур крыла греческой богини победы, в честь которой был назван бренд.В 2011 году Дэвидсон сказал OreganLive.com, что «было непросто придумать логотип, передающий движение», и что Филип Найт был очень впечатлен полосами конкурирующей компании Adidas — было все труднее придумать что-то оригинальное.
По мере роста Nike в 1980-х Филип Найт передал Дэвидсону нераскрытое количество акций Nike (мы уверены, что компенсировала крошечную плату за логотип).
09. Джордж Лоис
С точки зрения дизайна журнала Джордж Лоис, возможно, был оригинальным индивидуалистомС точки зрения дизайна журнала Джордж Лоис, возможно, был оригинальным индивидуалистом.С 1962 по 1972 год он провел невероятные 10 лет в американском журнале Esquire, создав некоторые из самых знаковых и, возможно, противоречивых обложек в истории, включая обложку Мухаммеда Али в апреле 1968 года. У него были большие идеи, изложенные просто.
В интервью Design Boom в 2014 году Лоиса спросили о его способности удивлять. «Когда я создаю изображение, я хочу, чтобы люди сделали шаг назад в благоговении, когда увидят его впервые. Я хочу, чтобы они были возвращены сначала силой изображения, а затем смыслом содержания.Это помогает людям понять, что особенного в продукте или насколько интересен и интересен журнал.
Во время работы в Esquire Лоис создал эту скандальную обложку Мухаммеда Али«Еще один из моих сильнейших навыков — делать что-то запоминающимся. Если что-то запоминается, это остается в сознании, и это помогает продажам».
Помимо успешного журнального дизайнера, Лоис была также ведущей фигурой в мире рекламы, работая для множества огромных клиентов, включая MTV, Vh2, ESPN и Tommy Hilfiger.
10. Сол Басс
Заглавные серии фильмов Сола Басса снискали ему всемирное признаниеЭто звучит как преувеличение, но Басс, вероятно, был самым важным графическим дизайнером 20-го века. Его работы выходили за рамки графического дизайна, дизайна плакатов, названий фильмов, логотипов и многого другого — пожалуй, наиболее знаковыми его работами были вступительные эпизоды для Хичкока.
Фактически, его начальная кредитная работа длилась пять десятилетий — вплоть до его смерти в 1996 году. Некоторые из его последних работ были для Мартина Скорсезе в «Славных парнях» и «Казино».
В статье 2011 года для Telegraph Скорсезе размышлял о гениальности Басса: «Я имел представление о том, что я хотел от названий [Goodfellas], но не мог этого понять. Кто-то предложил Саулу, и я ответила: «Осмелимся ли мы?» В конце концов, это был человек, который разработал заголовки для фильмов «Головокружение», «Психология», «Анатомия убийства» … и многих других картин, которые определили для меня фильмы и ход фильмов.
«Когда мы росли и смотрели фильмы, мы начали узнавать замыслы Сола, и я помню волнение, которое они вызывали в нас.
«Они мгновенно сделали фотографию особенной. И они не выделялись из фильма, они втягивали в него мгновенно. Проще говоря, Сол был великим режиссером. Он смотрел фильм, о котором идет речь, и понимал ритм, структуру, настроение — он проникал в самое сердце фильма и находил его секрет ».
В качестве дизайнера логотипов Басс также был плодотворным, создавая знаки для AT&T, Kleenex, United Airlines, Minolta и многих, многих других.
11. Мораг Майерскоу
Дизайны Мораг Майерскоу всегда красочныБолее 30 лет Мораг Майерскоу создает потрясающие суперграфические инсталляции — грандиозные инсталляции, всплывающие окна и навигационную графику, оживляющую пространство с помощью ярких красок ее торговой марки .
Ее клиентами — через ее студию Studio Myerscough — являются лондонский Барбакан, Королевская лондонская больница и Стокгольмский культурный фестиваль. Позже в 2021 году мы увидим супер-красочный инсталляционный проект для города Парижа, который построит «после» Covid.
Сногсшибательные инсталляции Майерскоу появились по всему мируВ 2013 году Майерскоу рассказала Design Boom, что ее движет: «Что мне больше всего нравится [в проектах экологического графического дизайна], так это то, что людям нравятся места и они отзываются о них мы делаем, и это имеет значение для них.
«Я помещаю в здание повествование; мы создаем места, где люди чувствуют свое место», — говорит она. Среди ее наград — «Дизайн года» от Музея дизайна.
12.Lindon Leader
Lindon Leader отвечает за один из самых умных логотиповLeader по имени, лидер по натуре, Lindon Leader отвечает за один из самых умных логотипов, используя отрицательное пространство так, как никогда раньше (в минимум для огромной глобальной компании). В 1994 году Лидер был старшим директором по дизайну в Landor Associates, когда был разработан логотип FedEx. Впоследствии он был применен к 600 самолетам и 30 000 наземных транспортных средств. А теперь часть портфолио.
Лидер сказал нам в интервью в 2013 году, что Лэндор сделал около 200 дизайнов логотипа, прежде чем остановился на окончательном списке из 10, который нужно показать бренд-менеджеру FedEx. А использование белого цвета? В частности, эта скрытая стрелка между буквами E и X? «Я не могу сказать вам, сколько раз я ссорился с клиентом, который говорил:« Я плачу огромную сумму денег за рекламу в журнале, а вы говорите мне, что хотите, чтобы 60 процентов было пустым местом ». ?'» он улыбается.
Лидер был старшим директором по дизайну в Landor Associates, когда был разработан логотип FedEx.«С одной стороны, я могу понять, откуда они берутся, но в основном средний клиент не достаточно хорошо разбирается в пустом пространстве, чтобы понять что это может быть стратегический маркетинговый инструмент.”
Помимо FedEx, Лидер работал над многими громкими проектами брендинга в Landor, цитируя его фаворитов, таких как Hawaiian Airlines, Cigna Insurance и Banco Baresco. Но Лидер понимает, что означает логотип FedEx: «Хотя я считаю, что мне повезло и мне выпала честь сказать, что я разработал логотип FedEx, иногда я думаю, что пойду в могилу, и это единственное, что люди собираются запомни меня за. »
Следующая страница: Еще больше великих дизайнеров, сформировавших индустрию дизайна
Самые известные графические дизайнеры мира в 2021 году
Лучшие графические дизайнеры
Давайте начнем — Нажмите здесь
Важность графических дизайнеровВизуальные эффекты привлекают внимание и легко запоминаются.Чаще всего это первый шанс произвести впечатление на потенциального клиента и удержать его внимание как можно дольше.
Вот почему в наши дни работе графических дизайнеров уделяется так много внимания. Индустрия растет вместе со своим спросом, и с таким спросом количество появляющихся графических дизайнеров также стремительно растет. Графические дизайнеры берут видение своих клиентов и воплощают его в жизнь с помощью визуальной коммуникации.
Графические дизайнеры используют иллюстрации и текст для создания визуальных композиций, но чаще всего графических дизайнеров решают проблемы!
Люди используют дизайнеров, чтобы вытащить идею из головы в реальный мир.Графический дизайнер также является важной частью вашей внутренней команды разработчиков контента.
Они могут помочь вам взять эту идею или концепцию и представить ее людям в привлекательной форме, эффективно общаясь и давая результат, которого вы хотите достичь.
Используя концепцию линии, пространства, цвета, шрифта и формы, дизайнеры должны обладать творческой жилкой и желанием учиться.
Чаще всего графические дизайнеры работают в следующих отраслях:
- Реклама
- Разработка продукта
- Пользовательский опыт
- Пользовательский интерфейс
- Видеоигры
- Мультимедиа и анимация
- Веб-дизайн
- Дизайн экспоната
Одна из замечательных особенностей графического дизайна заключается в том, что не обязательно учиться в университете, чтобы стать великим графическим дизайнером.
Конечно, университетская степень в области графического дизайна даст вам огромное преимущество, если вы сможете его получить.
Но с развитием некоторых удивительных инструментов дизайна, которые делают процесс дизайна намного проще, а также с появлением тысяч блогов и курсов графического дизайна, доступных сегодня через Интернет, сейчас, вероятно, лучшее время для начала карьеры в графический дизайн.
Нелегко пойти по пути «самоучки», но с упорным трудом, самоотверженностью и страстью к дизайну вы можете этого добиться.
Если вы хотите работать в области графического дизайна и в конечном итоге стать известным графическим дизайнером, в первую очередь вам необходимо изучить основы.
Этот курс самообучения поможет вам их решить.
Еще один курс, который будет полезен для начинающих, — «Цвет для дизайнеров» Ричарда Меля.
Если вы постоянно в пути и хотите изучить графический дизайн в те «потерянные» часы, как ежедневные поездки на работу, то вы можете проверить некоторые из творческих подкастов в этом списке.
Не заблуждайтесь, хотя сделать карьеру графического дизайнера легко, но это не значит, что овладеть ею легко.Чтобы стать известным графическим дизайнером, скорее всего, потребуются годы упорного труда.
Но не волнуйтесь, вы можете получить много вдохновения от известных графических дизайнеров, которых мы перечисляем в этом посте.
Графические дизайнеры ХХ векаГрафический дизайн как профессия действительно вырос в 20 веке. (Подумайте о безумцах и рекламе сигарет)
Мы не могли бы составить список самых известных графических дизайнеров 2021 года, не воздав должное некоторым из самых известных графических дизайнеров всех времен! Эти пионеры проложили путь для сегодняшних.
Графические дизайнеры, вдохновившие нынешний урожай на карьеру в этой области.
Итак, прежде чем вы ознакомитесь с нашим списком известных графических дизайнеров, которые все еще будут работать в 2021 году, проведите небольшое исследование и извлеките уроки из карьеры предков дизайна:
Если честно, этот список известных графических дизайнеров 20-го века мог продолжаться бесконечно. Вероятно, это было достойно быть совершенно другим постом сам по себе, поэтому я сделал его кратким и приятным, чтобы дать вам достаточно вдохновения, прежде чем вы дойдете до списка 2021 года.
Графический дизайн в 2021 году и в дальнейшемТак где же искать вдохновение для собственных работ? На какие из них стоит обращать внимание?
Не смотрите дальше! Мы составили список самых известных графических дизайнеров мира, чтобы вы могли следить за ними в социальных сетях и, возможно, даже получить вдохновение для своего следующего проекта графического дизайна! В Instagram, Twitter и всех других социальных сетях есть масса графических дизайнеров.Мы выбрали для вас лучшее из лучшего, чтобы дать вам ежедневную дозу вдохновения.
Любой из этого списка предлагает свой уникальный подход к графическому дизайну, и его работа поразит вас!
Мы не пожалели ни денег, ни усилий, чтобы найти лучших графических дизайнеров во всех областях ремесла. Выбор, которым мы поделимся с вами в этом посте, является отличным представлением этой удивительной индустрии.
Вдохновлен профессионалами? Сделайте первый шаг к созданию собственных потрясающих дизайнов с помощью Мастера дизайна.Выбирайте из тысячи потрясающих шаблонов, а затем просто редактируйте и публикуйте.
15+ великих дизайнеров, которым вы должны следовать, чтобы развивать свою дизайнерскую игру
Интернет полон советов для дизайнеров, но бывает сложно определить, кто на самом деле говорит из авторитетного источника, заработанного опытом. Это создает проблему, поскольку дизайнерам важно иметь фигуры, на которые они могут равняться и чьим советам они могут доверять.
Со временем большинство людей, работающих в этой области, найдут таких влиятельных лиц — либо благодаря чистой удаче, либо из уст в уста, и вы, вероятно, тоже найдете.Однако не стала бы ваша жизнь легче, если бы у вас был доступ к тщательно подобранному списку лучших умов, работающих в современном дизайне?
Ниже мы собрали блоги и профили в социальных сетях некоторых из лучших дизайнеров, работающих в этой области, выбранных благодаря их впечатляющей карьере и общему качеству их советов. Давайте взглянем!
Джеффри Зельдман, также известный как «Король веб-стандартов» согласно Business Week, является писателем, дизайнером и создателем блога A List Apart, который был основан в 1997 году и посвящен веб-дизайну, веб-разработке и лучшие практики с тех пор.
Кроме того, Зельдман также является соучредителем An Event Apart (конференции веб-дизайнеров), основателем и председателем Happy Cog (отмеченной наградами цифровой студии), основателем и ведущим шоу The Big Web Show, основатель и издатель A Book Apart (небольшие книги для разработчиков и дизайнеров веб-сайтов), член-основатель Школы визуальных искусств MFA в области интерактивного дизайна, автор таких книг, как Making Your Talent to the Web: Making the Transition от графического дизайна к веб-дизайну и Разработка веб-стандартов .В свое «свободное время» Джеффри Зельдман также был замечен в планировании того, как захватить мир.
Шутки в сторону, с таким резюме очевидно, почему вы должны следовать Зельдману, если вы серьезно относитесь к дизайну. В своем личном блоге он освещает обновления всех своих веб-сайтов и регулярно дает отличное представление о мире дизайна.
Вы также можете найти его по телефону:
Twitter, Facebook, Flickr, Google+, Instagram и Pinterest.
Некоторые из его лучших статей:
Глядя на домашнюю страницу Джен, вы можете подумать, что она очень разносторонне одаренный человек, и не ошибетесь.
Список ее талантов и интересов весьма разнообразен, но с точки зрения дизайна Джен считает себя художником-шрифтовиком, иллюстратором, прекрасным художником и дизайнером. Да, и «таттли-художник, художник по вывескам и т. Д.» Как будто она недостаточно занята.
Джен является частью «совместной творческой семьи» Призрачных папоротников, наряду с четырьмя другими творческими типами из Нью-Йорка.
Не нужно много времени, чтобы заметить страсть Джен к буклету (, а не типографика, ребята!), Которая отражена как в ее портфолио, так и в блоге (который периодически обновляется), который предлагает прекрасное сочетание текущих работ и полуличных обновлений. .
Список клиентовJen впечатляет, в него входят такие гиганты-стартапы, как Squarespace, Airbnb, Kickstarter и Shopify.
Вы также можете найти ее по телефону:
Twitter, Instagram, Dribbble, LinkedIn.
Дэвид Эйри — графический дизайнер, который работал с BBC, Yellow Pages, Азиатским банком развития и многими другими клиентами. Он также писатель, специализирующийся на дизайне фирменного стиля, автор книг Logo Design Love: A Guide to Creating Iconic Brand Identities и Work for Money, Design For Love .
Он также был упомянут в нескольких публикациях, таких как Creative Review, Computer Arts, Esquire, HOW Magazine, Digital Arts и LogoLounge.
На своем личном веб-сайте Дэвид часто делится вдохновляющими произведениями искусства и делится профессиональным взглядом на жизнь дизайнера. Он также ведет два дополнительных блога: Identity Designed и Logo Design Love.
Вы также можете найти его по телефону:
Твиттер.
Некоторые из его лучших статей:
Со списком клиентов, в который входят Starbucks, Google, AT&T, YouTube и TIME Magazine, Лорен определенно станет дизайнером, к которому вам следует искать вдохновения.
На страницеHer About перечислено огромное количество наград и признаний, и если вы посмотрите ее блог на Tumblr, легко понять, почему. Работа Лорен, как правило, сосредоточена на письме, но ее возможности в этой творческой нише очень широки — создавать слова, которые выглядят достаточно хорошо, чтобы их можно было съесть.
Изучение красочного и разнообразного портфолио Лорен обязательно вдохновит вас, и она даже предлагает уроки надписи на классной доске через Skillshare, если вы хотите расширить свои творческие горизонты.
Вы также можете найти ее по телефону:
Twitter, Instagram, Dribbble, LinkedIn.
Фабио Сассо — дизайнер продуктов, в настоящее время работает в Google в их штаб-квартире в Маунтин-Вью в качестве старшего дизайнера. Во время своего пребывания там он работал над самыми разными проектами: от каракулей до Google Wallet, предложений, покупок и других. В прошлом он также работал для MSNBC, Wired UK, Adobe и Digital Arts Magazine.
Он основал свой блог Abduzeedo вместе с Фабиано Менегетти.Публикация может похвастаться отличным сочетанием вдохновляющих статей, руководств (в основном для Photoshop и Illustrator), а также предназначена для того, чтобы дизайнеры всех областей могли делиться своей работой и получать отзывы от коллег.
Вы также можете найти его по телефону:
Твиттер.
Джессика — дизайнер, арт-директор и половина Sagmeister & Walsh, дизайнерской фирмы из Нью-Йорка, чья работа включает брендинг, рекламу, веб-сайты, приложения, фильмы и книги.Их клиентская база варьируется от Standard Chartered Bank до Jay-Z, Red Bull и других.
Как и многие другие дизайнеры в этом списке, Джессика награждена наградами и признаниями от таких организаций, как Type Director’s Club, Art Director’s Club, SPD, Print и Graphis.
На момент написания статьи у Джессики более 83000 подписчиков в Twitter, поэтому она не сутулится в социальных сетях и явно пользуется большим уважением в своей области. Помимо этого, портфолио Sagmeister & Walsh предлагает множество идей для широкого спектра приложений.
Вы также можете найти ее по телефону:
Twitter, Facebook, Bēhance.
Ян Каван Булас (Jan Cavan Boulas) — автоматчик и дизайнер WordPress, специализирующийся на дизайне пользовательского интерфейса, иллюстрациях и типографике.
Дизайнер-самоучка, Ян прошла ускоренные курсы веб-дизайна и разработки, одновременно получив степень бакалавра наук в области компьютерной инженерии. До прихода в Automattic она работала в SendGrid и NationBuilder. Ее работы были отмечены такими журналами, как Mashable и Smashing Magazine.
Когда она не на часах, Джен любит путешествовать, играть в аркадный баскетбол и коллекционировать игрушки McDonald’s Happy Meal.
Вы также можете найти ее по телефону:
Twitter, Facebook, Instagram, LinkedIn, Flickr, Dribbble.
Джейкоб Касс — основатель студии дизайна и блога JUST Creative. Он специализируется на разработке логотипов и фирменного стиля и работал с несколькими именами, которые вы можете узнать, включая Джерри Сайнфелда, Disney и Nintendo.
Он запустил блог JUST Creative почти десять лет назад в 2007 году совместно со своей дизайн-студией, и с тех пор он пишет о логотипах, веб-дизайне, рекламе, брендинге, типографике, других дизайнерах, полезных ресурсах, маркетинге, социальных сетях, пользователях. опыт и многое другое, связанное с дизайном.
Кроме того, он также ведет еще три блога: Logo of the Day, Logo Designer Blog и Just Globetrotting (не связанные с дизайном, но все же довольно крутые!).Его произведения также были представлены на других престижных веб-сайтах, таких как Smashing Magazine, Computer Arts, VectorTuts и даже на собственном веб-сайте Дэвида Эйри.
Вы также можете найти его по телефону:
Google+, Twitter и Facebook.
Некоторые из его лучших статей:
Миган Фишер — веб-дизайнер и признанный любитель сов из Бруклина, которая любит типографику и текстуры.
Она работала над дизайном для Change.org и участвовала в побочном проекте Twitter hope140, который затем стал некоммерческой организацией Twitter.
Помимо разработки таких тем WordPress.com, таких как On A Whim, Миган в настоящее время является креативным директором сайта видеохостинга Sprout Video.
Вы также можете найти ее по телефону:
Twitter, Dribbble.
Ник Финч (Nick Finch) — специалист по пользовательскому интерфейсу с более чем десятилетним опытом в дизайне взаимодействия, информационной архитектуре, удобстве использования и исследованиях пользователей как для веб-платформ, так и для мобильных. Его резюме включает прошлую работу с такими престижными именами, как Adobe, Intel, Boeing, Google и Oprah.com, а в настоящее время он работает в Facebook менеджером по дизайну продуктов.
Вы также можете найти его по телефону:
Твиттер.
Некоторые из его лучших статей:
Джейсон Санта Мария — графический дизайнер из Бруклина. В настоящее время он работает исполнительным директором по дизайну в Vox Media (люди, стоящие за такими популярными изданиями, как The Verge). Он также является автором On Web Typography, соучредителем A Book Apart (вместе с Джеффри Зельдманом) и преподавателем программы MFA Interaction Design.
В прошлом он работал в таких компаниях, как The Chicago Tribune, PBS, The United Nations и этой небольшой компании под названием WordPress Foundation (о которой мы иногда говорим здесь).
Вы также можете найти его по телефону:
Twitter, Dribble и Flickr.
Некоторые из его лучших статей:
Джессика Барнард — графический и веб-дизайнер, художник и предприниматель из Юты.
Начав работать в графическом отделе журнальной компании, она начала разрабатывать веб-сайты в 2008 году.Продолжая свое восхождение, Джессика стала рекомендованным разработчиком Genesis, создавая дочерние темы премиум-класса, такие как Decorated и Crave.
Джессика также является основателем The Pixelista — агентства, специализирующегося на разработке WordPress и бизнес-брендинге.
Вы также можете найти ее по телефону:
Facebook, Twitter, YouTube, Instagram, Google+, Pinterest.
Ааррон Уолтер сейчас управляет собственной консалтинговой фирмой, но до этого он возглавлял команду MailChimp UX и фактически был четвертым человеком, присоединившимся к компании с самого начала.Он также является автором книг «Дизайн для эмоций», «Создание веб-сайтов для поиска: веб-стандарты, поисковая оптимизация и многое другое» и соавтором книг «Читатель UX» и «Взаимодействие с веб-стандартами».
Помимо регулярных публикаций о UX и дизайне, Ааррон также ведет два информационных бюллетеня: UX Newsletter и On My Mind (меньше UX, больше об общей жизни и размышлениях о дизайне).
Вы также можете найти его по телефону:
Твиттер.
Некоторые из его лучших статей:
Итан Маркотт (Ethan Marcotte) — веб-дизайнер и разработчик, который также ведет блог с потрясающим названием Unstoppable Robot Ninja.Как будто одного имени было недостаточно, чтобы вызвать у вас интерес, Итан регулярно делится проницательными постами, касающимися веб-дизайна и других различных тем (хотя, к сожалению, ничего о роботах-ниндзя).
Вы также можете найти его по телефону:
Твиттер.
Некоторые из его лучших статей:
Тэмми Харт — не только веб-дизайнер, но и фронтенд-разработчик, программист и писатель для Envato Tuts.
Начав с создания веб-сайта для бизнеса своего отца, Тэмми занялась разработкой ряда плагинов и тем для WordPress.
В настоящее время она работает веб-дизайнером и разработчиком WordPress в калифорнийском агентстве веб-дизайна UpTrending.
Вы также можете найти ее по телефону:
Facebook, Twitter, Google+, Dribbble, LinkedIn.
Крис Койер — дизайнер и разработчик, стоящий за одними из самых крутых ресурсов в Интернете, такими как CSS-Tricks (который он запустил в 2007 году) и CodePen (запущен в 2012 году). Он также стоит за парой других сайтов, простой службой для мониторинга работоспособности веб-сайтов и копанием в WordPress, помимо Shop Talk Show (подкаст об Интернете в целом).
Вы также можете найти его по телефону:
CodePen, Dribble, Twitter, GitHub и Instagram.
Верле Питерс — дизайнер бельгийского происхождения, которая с детства увлекалась искусством и интересовалась иллюстрацией, типографикой и графическим дизайном. Она основала duoh! — дизайнерское агентство, специализирующееся на фирменных стилях, иллюстрациях и пользовательских интерфейсах в 2000 году вместе со своим партнером Гиртом Лейзеле.
Верле регулярно пишет в своем блоге о графическом, веб-дизайне, домашнем и даже бельгийском дизайне, уделяя особое внимание учебным материалам и статьям, охватывающим весь процесс дизайна.
Вы также можете найти ее по телефону:
Твиттер.
Некоторые из ее лучших статей:
Энди Кларк — известный британский дизайнер, за плечами которого более 60 презентаций на конференциях по всему миру. Он также является плодовитым писателем, о котором писали в нескольких публикациях по дизайну, и автором двух книг: Transcending CSS и Hardboiled Web Design . Как будто этого было недостаточно, каждые несколько недель он также ведет подкаст «Незаконченный бизнес».
Вы также можете найти его по телефону:
Твиттер.
Некоторые из его лучших статей:
Дэйв Ши — дизайнер из Ванкувера, который в наши дни в основном работает с UX, хотя, как известно, время от времени он программировал. Он выступал на более чем 40 конференциях в более чем дюжине стран и, помимо своего личного веб-сайта, также ведет дневник с набросками своих процессов.
Вы также можете найти его по телефону:
Twitter, Makerbase и GitHub.
Брэд Фрост — веб-дизайнер, спикер и консультант, а в свободное время также музыкант и художник.Он приложил руку к созданию нескольких инструментов для веб-дизайнеров, таких как This Is Responsive, Pattern Lab, Styleguides.io, WTF Mobile Web и Mobile Web Best Practices. Он также регулярно публикует сообщения о веб-дизайне и UX в своем личном блоге.
Вы также можете найти его по телефону:
Твиттер.
Некоторые из его лучших статей:
Брайан Хофф — писатель в The Design Cubicle, помимо своей обычной работы в качестве директора Brian Hoff Design (бонусные баллы, если вы можете понять, как он придумал это имя).Он часто публикует содержательные статьи о мире дизайна и своем опыте работы на обеих платформах.
Вы также можете найти его по телефону:
Twitter и Dribble.
Некоторые из его лучших статей:
Джейкоб Габе — вдохновитель популярного блога о дизайне Six Revisions, где он регулярно публикует подробные статьи о советах по дизайну, обучающих материалах, деловых практиках и множестве других тем вместе со многими другими участниками. Его произведения также можно увидеть в Smashing Magazine и Mashable.
Вы также можете найти его по телефону:
Twitter и Dribble.
Некоторые из его лучших статей:
Заключение
Веб-дизайн — это мир конкуренции, и вам нужно использовать любое преимущество, которое вы можете получить, чтобы оставаться на вершине, так почему бы не последовать советам людей, которые уже «сделали это»?
В зависимости от того, в какой области дизайна вы работаете, некоторые из этих мужчин и женщин могут не совсем вам понравиться, хотя большинство из них делятся советами, которые применимы во всех дисциплинах.В любом случае, мы призываем вас не упускать из виду других экспертов, за которыми вы можете следить и на которых можно равняться в качестве наставников, и кто знает? Если вы продолжите двигаться вперед, однажды вы можете найти свое имя в аналогичном списке!
Знаете ли вы других дизайнеров, за которыми мы все должны следовать? Сообщите нам о них в разделе комментариев ниже!
Миниатюра статьи image by tinbee / shutterstock.com
Примечание редактора: когда эта статья была впервые опубликована, в ней участвовало пятнадцать дизайнеров, почти все из которых были мужчинами.Несколько комментаторов обратили наше внимание на несбалансированность, и мы согласились. Ошибка была непреднамеренной, и мы были счастливы исправить ее, включив в наш список больше женщин.
Четыре вещи, которые делают великие дизайнеры. Которые легко реализовать… | Рейноуд Шуйерс
Бросить художественную школу, когда мне было 20 лет, возможно, было смелым шагом, но он действительно значительно вернул мне уверенность. Я перестал ходить в школу, чтобы осуществить мечту о создании собственного креативного агентства, которое я основал тут же.Поступая так, я отказался от любой отдаленной гарантии даже небольшого успеха.
Я был молод и совершенно неопытен. Это оказалось большим препятствием, чем я ожидал. Оглядываясь назад, это имеет смысл. Как графический дизайнер вы прикасаетесь к сути чужого бренда. Многие предприниматели очень дорожат своим брендом. Прикосновение к этому страшно и личное.
Было чрезвычайно наивно предполагать, что кто-то позволит мне, неопытному 20-летнему бросившему школу, возиться с их творением.В результате у меня получился тяжелый старт.
Мне потребовалось много лет и бесчисленное количество ошибок, чтобы стать лучшим дизайнером. Сейчас мне 32 года. В течение моего двенадцатилетнего путешествия я снова и снова видел четыре вещи в дизайнерах, на которых я равнялся и которые вдохновляли меня.
Многие успешные профессиональные креативщики (графические дизайнеры, дизайнеры пользовательского интерфейса, иллюстраторы и т. Д.) Обладают четким и узнаваемым стилем. Потенциальные клиенты могут легко узнать их работу, а их стиль может стать культовым в определенных кругах или сообществах.
Персональный стиль — отличный способ быстро найти новых клиентов. Если вам повезет, вы действительно сможете добиться успеха и стать невероятно успешным и востребованным за очень короткий период времени.
Но стили приходят и уходят. Как и в модных стилях, сегодняшний образ отличается от образа прошлых лет, не говоря уже о том, как выглядел три или четыре лета назад.
Узнаваемый стиль — это то, что отличает хороших дизайнеров от великих — в отрицательном смысле. Хороший дизайнер — хамелеон.Способен изобретать себя снова и снова. Всегда ищите новые способы визуального общения, вместо того, чтобы полагаться на старый трюк со шляпой.
Время от времени можно повторно использовать стиль или образ, если он соответствует заданию. Кроме того, отличительной чертой дизайнера является его разнообразие, а не его способность повторяться.
Клиенты могут быть весьма конкретными в том, что они просят. Вполне вероятно, что клиент будет на много шагов впереди в этом процессе. У них уже есть точное представление о том, как что-то должно выглядеть, какая композиция будет лучше всего и какие цвета использовать.
Великий дизайнер дает своим клиентам то, что они хотят. Но вот загвоздка: клиенты почти никогда не просят того, чего хотят на самом деле.
Задача дизайнера — выяснить, чего на самом деле хочет клиент. Они могут сказать , что хотят то-то и то-то, но почему они так говорят? Почему они хотят использовать среду, о которой они говорят? Какую основную проблему они пытаются преодолеть? Чего они хотят добиться?
Найдите ответы на эти вопросы, и только тогда вы сможете дать клиенту то, что он действительно хочет.Предупреждение о спойлере: он почти никогда не напоминает то, о чем они изначально просили.
Заманчиво хранить в секрете свой творческий процесс и свои творческие способности и рассматривать их как волшебные вещи, с которыми не стоит возиться. Одна из самых уязвимых вещей, которую могут сделать дизайнеры, — это быть полностью прозрачными в своем процессе, выборе, который они делают, и сомнениях, которые у них есть.
Тем не менее, это одна из вещей, которые великие дизайнеры делают без устали: объяснять. Объясните, почему они делают определенный выбор.Объясните, что они пробовали. Объясните, что не сработало и почему. Объясните, в чем они не уверены.
Умение объяснять, почему вы работаете именно так, позволяет добиться двух вещей. Во-первых, это заставляет вас постоянно пересматривать свой процесс, что позволяет легко выявлять неточности или ложные предположения. Во-вторых, это помогает клиентам заново пережить ход ваших мыслей, повышая вероятность того, что они поймут, откуда взялись вещи.
Умение объяснять себя сделает вашу работу более цельной и последовательной и поможет клиентам понять, насколько красиво организовано то, что вы делаете.
Четвертое, что делает каждый великий дизайнер — ничего не предполагает. Предположение — мать всех бедствий, особенно когда дело касается творчества.
Видите ли, все, что делает дизайнер, — это решает проблемы. Чтобы решить проблему точно и изящно, нельзя делать никаких предположений. Вам нужно точно знать, что это за переменные и каков желаемый результат.
Только после этого можно начинать работу над решением. Вот почему великий дизайнер не сразу переходит к своим инструментам.Первый этап любой задачи, даже самой маленькой, — это всегда задавать вопросы. Проведите исследование. Определите переменные.
10 навыков, которые делают отличного дизайнера | от Хосе Торре
Мне нравится сравнивать принципы дизайна с древними библейскими заповедями. Если вы будете следовать им, у вас будет место на небесах дизайна (то есть счастливый пользователь / аудитория), если вы этого не сделаете, вас «накажут» .
Однако, в отличие от заповедей, принципы дизайна — это не список вещей, которые вы должны / не должны делать, это просто список общих рекомендаций, которые призваны помочь вам справиться с основными человеческими ожиданиями и поведением.
Знание принципов — это не запоминание списка вещей. Вы знаете принципы, даже не задумываясь об этом, и они становятся частью вашего инстинкта, почти как мышечная память.
Когда вы действительно их знаете, вы инстинктивно отреагируете при разработке или пересмотре дизайна. Они сработают и заставят вас увеличить шрифт, переместить значок на несколько пикселей влево или ускорить переход на доли секунды.
В конце концов, принципы дизайна — это действительно средство для достижения цели, которая должна заставить ваш дизайн казаться правильным.
Если вы хотите узнать больше о принципах, я уже писал статью о принципах визуального дизайна (#shamelessplug).
Как только вы узнаете принципы, если вам любопытно и вы будете внимательны к деталям (на мой взгляд, это две черты, которыми должен обладать дизайнер), вы посмотрите на мир немного по-другому и заметите то, что вы даже не думал об этом раньше.
Если вы немного похожи на меня, вы можете найти радость в случайных встречах с хипстерскими парикмахерскими с удивительной каллиграфией на витрине.С другой стороны, вы почувствуете зуд, если посмотрите на знак ограничения скорости, а текст не выровнен должным образом.
Почему это важно? Вы не поверите, но ваша визуальная культура очень сильно повлияет на ваш дизайн.
Идея изобретения чего-то совершенно нового хороша, но суровая правда состоит в том, что после 6000 лет цивилизации, какой мы ее знаем, подавляющее большинство вещей являются просто ремиксом чего-то еще, делаем ли мы это намеренно или нет. другая история.В любом случае, в этом нет ничего плохого, пока вы пытаетесь внести в это свой собственный поворот. Просто сдирать чужую работу совершенно непростительно, если вы собираетесь воровать, по крайней мере, делайте это как художник.
… подавляющее большинство вещей — это просто ремикс чего-то еще…
Следовательно, я считаю очевидным важность того, чтобы дизайнеры максимально открывали свои горизонты. Чем больше они знают, тем больше у них будет боеприпасов, когда им нужно будет придумать что-то «новое».
Дизайнер должен уметь проектировать. Очевидно, правда?
Если у вас есть блестящие идеи, но вы не можете их визуализировать, вам будет трудно вывести их на следующий уровень.
Возможность визуализировать эти идеи помогает вам сделать их более осязаемыми и более понятными для других, чтобы они могли видеть, что вы делаете, не заглядывая в вашу голову. Вот почему люди говорят, что картинка лучше 1000 слов.
Чтобы продавать идеи, вам не нужны идеальные по пикселям конструкции или гиперреалистичные прототипы, вам просто нужно иметь возможность дать вашей аудитории представление о том, во что может превратиться ваша идея.Это может быть просто набросок на бумаге, который иллюстрирует идею и делает ее достаточно реальной.
С учетом сказанного, основываясь на своем опыте, я пришел к выводу, что чем лучше вы сможете нарисовать картину, тем легче вам будет рассказать свою историю и продать эту идею.
Вы можете возразить, что, если идея хороша, она поддержит сама себя. Проблема с этим утверждением заключается в том, что некоторые люди могут не видеть, что вы делаете, независимо от того, сколько раз вы пытаетесь это объяснить (словами).
Одна из ваших сверхспособностей как дизайнера — воплощать идеи в жизнь.
Это может быть так же просто, как сделать пару набросков на листе бумаги, но это может быть так же сложно, как создание настолько реалистичного прототипа, что люди примут его за настоящий.
В зависимости от стадии и проблемы, которую вы пытаетесь решить, необходимость будет различаться, но возможность сделать и то, и другое определенно продвинет вас вперед.
Еще одна причина для «рисования хорошей картины» заключается в том, что люди воспринимают то, что хорошо выглядит, как нечто более легкое для понимания, чем то, что не так.Если что-то скомпоновано плохо, это, скорее всего, воплотится в идею, даже если она была хорошей.
Люди не должны судить о книге по обложке, но я отчасти рад, что они так считают, иначе я бы остался без работы.
Работа дизайнера заключается не в том, чтобы знать решение проблемы, его работа — знать, как искать решение. Вы видите разницу?
Разница в том, что вместо того, чтобы мгновенно придумывать решение, хороший дизайнер будет задавать вопросы, исследовать, думать об этом, экспериментировать, скорее всего, потерпит неудачу и будет повторять этот процесс снова и снова, пока они не придумают правильное решение.
Великий дизайнер экспериментирует, не боясь потерпеть неудачу, потому что иногда только после неудачи вы понимаете, что решение все время смотрело на вас.
Это означает, что во многих случаях большая часть времени, потраченного на проектирование, будет казаться пустой тратой времени, потому что в конечном итоге вы выбрасываете большой кусок проделанной работы. Однако реальность такова, что без всего этого вы не смогли бы узнать, в чем было решение, это все часть процесса.
Эксперимент без страха также означает необходимость повторять его снова и снова, это постоянное экспериментирование и итерация должны ощущаться как вдыхание кислорода, вы делаете это и даже не думаете об этом.
Наличие этой черты важно, если вы хотите расширить границы того, что можно сделать, потому что, когда вы не боитесь предложить то, что будет отклонено, диапазон возможных решений значительно возрастет.
Проектирование — это во многом упражнение на использование эмпатии (с вашим целевым пользователем) и интуиции для поиска возможных решений проблемы. Я хотел бы выделить слово , возможное, , потому что это все, что они есть на самом деле, пока вы его не подтвердите.
Как дизайнеру очень сложно и опасно говорить, что у меня есть ИДЕАЛЬНЫЙ ответ, даже если люди не посмотрят на него и не попробуют его.
На собственном опыте я понял, что даже когда у вас есть интуиция, что «это должно быть наилучшее возможное решение», всегда есть что выиграть, поделившись работой и получив другую точку зрения. Между прочим, это не обязательно должен быть полноценный пользовательский тест, это может быть так же просто, как поделиться с коллегой, сидящим рядом с вами.
Когда вы проектируете в пузыре, легко потеряться в своей идее, а еще проще начать видеть ее естественной и интуитивно понятной.Поскольку вы придумали это и смотрели на него последние пару часов, это будет казаться самой очевидной вещью в мире.
С учетом сказанного, также хорошо упомянуть, что нам также нужно быть прагматичными и извлекать уроки из того, что было проверено до смерти. Не все нужно проверять.
Интуиция дизайнера складывается из принципов дизайна, шаблонов дизайна, возможностей, истории дизайна, многолетнего опыта работы с миром, сосредоточенного на дизайне, и я думаю, что это нельзя игнорировать.Вам просто нужно научиться понимать, насколько мы можем этому доверять, и попытаться отстраниться от работы, которую вы делаете, чтобы вы могли посмотреть на нее и увидеть, достигает ли она цели, которую вы пытаетесь достичь.
В дополнение к этому, я думаю, что важно упомянуть о важном необходимом сложном навыке, а именно о том, чтобы уметь создавать что-то, что можно протестировать.
Вы можете тестировать статические изображения, но я думаю, что создание прототипов становится все более и более «гигиеническим» навыком, который действительно необходим любому дизайнеру.
Это тоже очевидно, но я не мог не упомянуть его. Представление о том, что хорошая идея не требует объяснений, — это миф. Хороший дизайн не продается сам по себе, если вы хотите продвигать его вперед, вам нужно знать, как представить убедительные аргументы, которые понравятся вашей аудитории.
Вам не нужно быть продавцом, вам просто нужно уметь представлять и объяснять свою работу. Сначала поймите, кто ваша аудитория, чтобы вы могли нарисовать картину так, чтобы они ее могли понять. Покажите им, как ваш дизайн соотносится с исходной целью и как он служит людям, на которых вы нацелены.
Если вы немного интроверт (вроде меня), эта идея может показаться немного пугающей и неудобной, но на самом деле это проще, чем разговаривать с незнакомцами, по крайней мере, я говорю за себя.
Все дело в дизайне, разделении вашего мышления и привлечении людей к вашей идее. Считайте это своей игровой площадкой, но делайте домашнее задание, хорошо готовьтесь и, если необходимо, репетируйте, пока не запишите свою историю.
Я написал статью, которая затрагивает эту тему, тоже в прошлом (# shamelessplugnumber2).
Ненавижу рассказывать вам об этом, но если вы не знаете, как сообщить о своей работе, то я могу гарантировать, что вам будет сложно продвигать свои идеи вперед или даже получить работу в качестве дизайнер.
Вы только что представили свою дизайнерскую работу, приготовьтесь, теперь самое сложное для большинства дизайнеров… обратная связь, точнее отрицательная обратная связь.
Все хорошо, если все, что вы получаете, — это похвала и аплодисменты, но когда люди начинают разбирать ваш дизайн и находить то, что вы не учли, тогда появляются щиты, и дизайнеры начинают очень защищаться.
То же самое происходит во время пользовательских тестов, когда мы видим, что люди не понимают, что мы потратили дни на доработку. Затем мы снова поднимаем наши щиты и начинаем искать оправдания, чтобы скрыть наши несостоятельные гипотезы.
Нет такого понятия, как тупой пользователь, есть только тупой дизайн.
У великого дизайнера толстая кожа, и он знает, что критика работы — это не критика дизайнера. Они знают, что это единственный способ критически взглянуть на свою работу, они также знают, как принимать отзывы и пытаться понять, имеет ли это смысл для цели, которую они пытаются достичь.
И последнее, но не менее важное: они слушают, это единственный способ улучшить и вывести свои идеи на новый уровень.
Конечная миссия дизайнера — сделать мир лучше своей работой, и для того, чтобы действительно достичь этого, им нужно больше заботиться о своем пользователе или аудитории, чем о своем эго. Почему? Потому что очень часто решение чужой проблемы не согласуется с вашими личными предпочтениями как дизайнера.
Это не означает, что вы должны соглашаться на решение, которое находится не на том уровне, на котором вы хотели бы.Хороший дизайнер не соглашается на достаточно хорошее, он стремится найти то, что можно улучшить, каким может быть видение будущего и какие проблемы могут тогда возникнуть. И все это, не забывая, для кого они созданы.
Этот образ мышления, когда он укоренился, распространяется на опыт дизайнеров в реальном мире. Вы можете увидеть это выражением дизайнеров в двух формах.
Первое, как правило, выражается большинством, это все об инстаграмме и твиттере всего, что не так с миром, что довольно легко сделать, если вы немного разбираетесь в дизайне.
Другой исходит от небольшой группы людей, которые на самом деле придумают способы улучшить вещи, а не просто укажут на них, потому что это то, что действительно хочет делать великий дизайнер, решать проблему, а не просто жаловаться на нее. .
Работа в реальном мире обычно означает множество ограничений, которые будут мешать вам создать что-то отличное, это одна из причин, почему вы не найдете в магазине приложений большую часть отличных анимаций, которые вы найдете на dribbble, и эта реальность соблазнит вас выбрать легкий путь и просто доставить самое простое.Здесь вы можете отделить пшеницу от плевел, отличный дизайнер обойдет ограничения, поставит их под сомнение и по-прежнему будет настаивать на наилучшем возможном решении.
Это не означает, что они будут игнорировать все ограничения, это просто означает, что они попытаются их обойти и потратят некоторое время на что-то дополнительное, назовем это козырной картой, которую они могут использовать, рядом с «основным » решение.
По моему опыту, иногда достаточно иметь этот козырь, чтобы пересмотреть некоторые ограничения.В других случаях это может не привести к изменению ограничений, но этого может быть достаточно, чтобы вдохновить кого-то еще придумать способ сделать это в рамках ограничений.
Помните, ваша задача не придумывать решение, а найти его. Если вы можете вдохновить кого-нибудь придумать это, значит, вы сделали это правильно.
И последнее, но не менее важное: я считаю одним из самых важных навыков дизайнера смирение. Зная, что они не источник всей правды, и что они должны только выиграть, если будут работать и слушать других, независимо от их стажа, ролей или области знаний.
Как дизайнер, вы являетесь экспертом в дизайне и должны действовать как дизайнер, я не говорю, что вы не должны этого делать. Я хочу сказать, что вы не должны автоматически отказываться от чьих-либо отзывов только потому, что это их личное мнение. Или просто потому, что он исходил от кого-то без дизайнерского опыта или даже от кого-то с меньшим опытом.
То же самое и наоборот: вы не должны принимать чье-то мнение как источник истины только потому, что он ваш начальник или потому что у него более высокий стаж, чем у вас.Вам нужно сопоставить отзывы с целями, которые должен достичь дизайн, а затем сделать вывод, нужно ли вам что-то с этим делать или нет.
Смирение также означает, что вы спрашиваете, когда чего-то не знаете, и не боитесь этого. Как дизайнеру, вопросы должны быть в вашей ДНК, и в этом нечего стыдиться.
Не задавая вопросов, получить ответы немного сложно, как уже дважды отмечалось в этой статье, дизайнеру платят не за то, чтобы знать ответы, а за их поиск.
Разница между хорошими и великими дизайнерами | by Alex Palmer
Чтобы поговорить о том, что делает дизайнеров великими, мы сначала должны поговорить о
, что такое дизайн Фото Halacious на UnsplashНа фундаментальном уровне дизайн предназначен для демонстрации намерения , которое стоит за действием или объект в ясной форме. Отличный дизайн отбрасывает все возможные интерпретации намерений, оставляя только одно. Хороший дизайн недвусмысленен, что означает, что он не подлежит более чем одной интерпретации.Чтобы любой дизайн был отличным, каждый должен понимать его замысел, независимо от его происхождения, опыта и вкуса. Уверен, вы можете представить, насколько невероятно сложно достичь такого уровня ясности.
В контексте программного обеспечения дизайнер должен чутко относиться к боли пользователя. Затем она должна распространить это сочувствие на более важное место — понимание. Понимание не только проблемы, но и контекста, в котором она существует, и способов ее решения.
Дизайнер, который постоянно работает над своим ремеслом, несомненно, станет лучше.Хотя качество ее работы будет расти, сама по себе практика не сделает хорошего дизайнера великим. Одно от другого отличает не качество, а различие по характеру. Не , что делать , а , как и , зачем .
Специалист — это тот, кто преуспевает в одном деле и подходит к своей работе шаблонным образом.
Подумайте о дизайнере UI / UX, который находится на вершине своего мастерства. Она умеет брать любую программу и создавать для нее красивую, удобную навигацию.Со временем ее подход к разработке пользовательского интерфейса может стать шаблонным, независимо от того, над каким приложением она работает. Схема помощи клиентам «добраться от А до Б и сделать Х» становится привычной, потому что она понимает их проблемы и разрабатывает решения, которые удовлетворяют их потребности.
Поняв, почему проблема существует в первую очередь, хороший дизайнер не просто смягчает ее последствия — он может полностью устранить проблему.
Вы помните термостаты до Nest? Все они были чрезвычайно сложны в использовании, потому что путь к их программируемым функциям был закрыт плохо спроектированной навигацией.Пришло Гнездо и сказал: «Ерунда! Вот большой циферблат — поверните налево, чтобы выбрать «холоднее», а направо, чтобы «теплее». Эта штука запоминает то, что вам нравится. Вам не нужно думать о своем термостате — он должен думать о , вы ».
Рассмотрим последствия такого подхода к проектированию. Он начинается с взаимодействия с пользователем и возвращается к технологиям. Понимая, почему проблема существует в первую очередь, хороший дизайнер не просто смягчает ее последствия — он может полностью устранить проблему.Чтобы достичь такого результата, недостаточно быть специалистом даже с широким набором навыков. Необходим системный (или целостный, если хотите) подход.
Быть великим писателем — это не значит хорошо владеть английским или складывать слова в предложения. Речь идет о четком выражении мыслей и знании того, какие мысли заслуживают написания. По этой аналогии, будучи технически грамотным дизайнером, автоматически не решаются чьи-либо проблемы. Технические навыки должны дополнять такие человеческие навыки, как сочувствие и эмоциональный интеллект.
Учтите, что каждая проблема состоит из трех частей: в чем проблема, почему она существует и как ее решить. По этой причине лучшие дизайнерские решения часто возникают в результате взаимного обогащения идей и различных областей знаний. Что (определение проблемы) — самый простой шаг, потому что мы чувствуем его последствия. Мы испытываем некоторую боль и хотим ее устранить.
Причину выяснить бесконечно труднее из-за того, что мы полагаемся на общие знания и интуицию при поиске ответа.Чтобы выяснить причину, дизайнер должен осознанно подумать, чтобы свести проблему к одному неоспоримому факту — основанию или первому принципу. Не «в чем проблема?» но «в чем проблема?» Хороший дизайнер должен сделать это своей отправной точкой, потому что ответ на этот вопрос подскажет, как решить дизайнерскую проблему. Здесь технические навыки наиболее важны, и универсальность дает огромное преимущество. Существует множество способов решить любую проблему, но оптимальным может быть только один — тот, который полностью ее устраняет.
Гарри Бек работал рисовальщиком в лондонском метро в 1930-х годах. В то время в лондонском метро использовались топологические (географически точные) карты, читать которые было кошмаром:
Карта лондонского метрополитена, 1908 год, общественное достояние.Гарри Бек чувствовал, что карта вредна для души, и в свободное время разработал карту, которая выглядела так:
Карта лондонского метро, Гарри Бек, 1933, Добросовестное использование.Карта Бека была первоначально отклонена, потому что она противоречила существующим ожиданиям относительно того, как должны были выглядеть карты.В следующий раз, когда вы воспользуетесь общественным транспортом, взгляните на карту и оцените тот факт, что это потомок того, что указано выше. Самоуверенная карта, которая бросает вызов условностям в пользу ясности и удобного взаимодействия с пользователем.
Вот более современный пример. До 27 июня 2007 года, когда миру представили iPhone первого поколения, большинство смартфонов выглядело так:
Посмотрите на все эти крошечные клавиши на клавиатуре! Кредит: YouTubeВеликие дизайнеры твердо придерживаются мнения о том, как должен выглядеть мир, даже если эти мнения прямо противоречат общепринятым представлениям и ожиданиям.Одна из моих любимых книжных обложек — Dry Огюстена Берроуза. Он был разработан Чипом Киддом и выглядит так: :
Обложка для Dry Августена Берроуза Чиппа Кидда.Как вы думаете, легко ли было бы сделать так, чтобы это покрытие выглядело действительно высохшим и увядшим?
Великий дизайнер должен выражать твердые мнения, воплощая их в жизнь благодаря умелому исполнению. Стоит отметить, что «самоуверенный» — это не то же самое, что «громко высказывать свое мнение».«Великий дизайнер не испытывает презрения к людям, использующим ее продукт, и никогда не предполагает, что они слишком глупы, чтобы понять это. Ее работа — найти однозначное решение. Ее долг — сохранять твердую уверенность в том, как должен выглядеть мир, проявляя при этом смирение в трудном процессе его улучшения.
Отличие хорошего дизайнера от отличного дизайнера не в качестве. Это своего рода разница.
Тонкое искусство, которое отличает хороших дизайнеров от великих | by Quovantis
Как дизайнер, вы, вероятно, имели опыт работы с чрезмерно квалифицированным и чрезмерно самоуверенным покупателем, который всегда требует дополнительных изменений в дизайне.И вы часто слышите, как они говорят: «Если бы я только знал Sketch, я бы никогда не беспокоил вас»
Все это расстраивает, верно?
Но знаете что? Великие дизайнеры не склоняются перед критикой. Потому что они спокойно относятся к любой критике. Они не садятся за работу, чтобы получить зарплату и как можно скорее снять ее с плеч. Желание закончить какой-либо дизайн в спешке — это ловушка, которую вы сами себе ставите, она в конечном итоге приведет вас к неудаче. Недовольный покупатель; демотивировал вас.
Начнем с того, почему. Поймите, что беспокоит вашего пользователя. После этого сядьте с ясным мышлением и запишите все приобретенные вами дизайнерские навыки на бумаге. Поймите, что даже у вашего клиента есть дедлайн. Так что не производите никакого вывода. Уважайте время и идеи друг друга.
Процесс проектирования — это ориентированный на человека подход к решению повседневных проблем с сочувствием. Так что, естественно, вы не можете сделать это сразу. Он будет приходить к вам поэтапно. Если вы будете воспринимать каждую обратную связь как конструктивную критику, вы постепенно продвинетесь вверх.Со временем вы начнете замечать недостатки в своей работе. Постепенно вы начнете смотреть на недостающую серебряную подкладку. Вы, наконец, научитесь видеть разницу между обычным и необычным.
По добродетели все мы склонны неуверенно. Проклятый мир! Станьте худшим критиком для себя. Итерировать. Итерировать. Итерировать. Делайте это, пока мир не преклонит колени. Большинство советов будет звучать очень обобщенно. Но вот как это работает. Вот наши два цента —
- Не слишком зацикливайтесь на деталях.Женитесь на проблеме, а не на вашем решении.
- Не будь слишком самоуверенным. Продолжайте проектировать, повторяйте, продолжайте общаться со своими пользователями. Это поможет вам стать лучше.
- Не распространяйте в нескольких направлениях. Начните с маленьких шагов в одном направлении.
- Не бойтесь поломки или переделки. Критикуйте свой дизайн раньше, чем кто-либо другой.
Великие дизайнеры амбициозны и решительны
Посмотрим правде в глаза, стать великим дизайнером глупо.Но Ой! Погодите, стать дизайнером было вашей детской мечтой, верно? Можно ли заниматься дизайном во сне?
NEH!
Великие дизайнеры не носят нимб. Это люди с УМНЫМИ целями. Они амбициозны и решительны до такой степени, что могут черпать вдохновение отовсюду — будь то прогулка в лесу или поездка в чужую страну, они найдут новые формы и разные оттенки, чтобы найти новую музу.
Они не соревнуются с другими дизайнерами, они соревнуются сами с собой.Они работают не для того, чтобы заслужить похвалу, они работают, чтобы стать лучшей версией самих себя. Они сосредоточены на исполнении, а не на результатах. Они стремятся решить проблему, а не просто принять его в обществе. Амбициозные дизайнеры открывают для себя новый образ мышления. Они отходят от проверенных и проверенных методов и используют свой творческий потенциал, чтобы найти уникальный стиль, новый подход к старым проблемам.
Великие дизайнеры обычно все упрощают
«Способность упрощать означает устранять ненужное, чтобы нужное могло говорить», — сказал художник Ганс Хофманн.
Упрощение важно не только в брендинге и дизайне, но и в жизни в целом. Великие дизайнеры внимательно относятся к деталям; они ставят под сомнение необходимость каждого элемента. Видите слишком много цветов? Они возвращают его к монотонному или двухцветному. Слишком много микровзаимодействий? Срубай, дружище! Великие дизайнеры устанавливают порядок, даже если это означает нарушение определенных правил.
По сути, дизайн направлен на решение проблем. Так что подумайте о деталях. Играйте вместе с цветами, взаимодействиями, типографикой, значками и тенями.Снова посетите области, где пользователь может столкнуться с трением при взаимодействии, повторите то, что является наиболее простым способом выполнения задачи. Все эти детали отделяют хорошее от плохого. Хотя потрясающие визуальные эффекты действительно привлекают людей, пользовательский опыт на самом деле совсем другой.
Это все равно что открыть окно, из которого открывается прекрасный вид, но при этом очень внимательно следить за тем, чтобы защитить его от нежелательного шума из окружающей среды. Речь идет об эстетике без ущерба для опыта.
Великие дизайнеры думают больше, проектируют меньше
И делают они это как босс.Модное слово для этой фразы — «минимализм». Минимализм — это не потеря чего-либо. Речь идет о том, чтобы всего было в нужном количестве. В книге Мари Кондо «Изменяющая жизнь магия уборки», , , , она определяет уборку как « брать каждый предмет в руку, спрашивать себя, вызывает ли он радость, и на основании этого решать, сохранять ли его ». .
Великие дизайнеры подобным образом взвешивают свои варианты. Они думают вдвое больше, чем нужно, прежде чем наполнить веб-сайт / приложение всеми имеющимися у них дизайнерскими знаниями.Они осторожны с цветами, они заботятся о пустом пространстве, они беспокоятся о контрасте, выравнивании и беспокоятся о каждой мелочи.
Великие дизайнеры рисуют больше. Они используют ручку и бумагу и используют их как выход для идей. Их дизайнерское решение лишено предвзятости пользователя, и они учитывают отзывы пользователей при каждом противоречивом решении.
Великие дизайнеры все время думают о пользователе
Когда Sony продает свой телевизор, они проводят исследования пользователей по всему миру, посещая дома и опрашивая их, чтобы учесть точку зрения пользователя с самого начала жизненного цикла продукта.Перед выпуском нового продукта Sony обращается к своим потребителям и тестирует различные факторы, такие как видимость, понятность и скорость отклика. На основе результатов Sony повторяет этот цикл, постоянно исправляя проблемы с удобством использования.