Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Владимир Янкилевский
Владимир Янкилевский
Героический монумент
18 сентября 2019 — 17 ноября 2019
Кураторы: Ольга Свиблова, Анна Зайцева
Соорганизатор выставки: Международный культурный фонд Breus Foundation
Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку «Героический монумент» одного из самых значительных художников советской неофициальной культуры, классика российского и мирового современного искусства Владимира Янкилевского.
Владимир Янкилевский родился 15 февраля 1938 года в семье художника Бориса Янкилевского. В 1950 поступил в Московскую среднюю художественную школу (МСХШ) при Институте им. Сурикова. В 1962 году окончил Московский полиграфический институт по специальности художник книги.
В 1962 году в Манеже состоялась печально знаменитая выставка «30 лет МОСХ», устроенная Академией художеств. Также на ней были представлены работы участников студии Белютина и других молодых художников, искавших новый художественный язык самовыражения, в том числе и 24-летнего Владимира Янкилевского. Хрущев, заранее накрученный «советниками», дал крайне резкую оценку этой выставке. Скандал в Манеже привел к тому, что несколько поколений художников на долгие годы лишились возможности публично выставлять свои работы. Выставка в Манеже запустила механизм становления феномена, который позже получит название «неофициальная культура» или «советский андеграунд».
По иронии судьбы, именно благодаря хрущевской «оттепели», слегка приподнявшей «железный занавес», Владимир Янкилевский, как и многие художники его поколения, получил возможность познакомиться с творчеством звезд мирового искусства и переосмыслить то, чему учила советская «академическая» школа живописи. Выставка Пабло Пикассо 1956 года в Пушкинском музее, выставки современного искусства в рамках Всемирного фестиваля молодежи и студентов 1957 года, знакомство с французским искусством конца XIX — начала XX века инспирировали его собственные художественные поиски. Позже, в «Попытке творческой автобиографии» Владимир Янкилевский писал: «Академическая школа консервативна и ограничена. Она считает определенный и конкретный период в искусстве высшим и незыблемым достижением и учит подражанию его образцам, игнорируя тот факт, что новая реальность рождает и новый реализм, откуда и происходит вечное обновление и развитие искусства… В определенном смысле это официальное искусство было зеркалом официальной жизни, ее лживости, выдавания желаемого за действительное, косности, демагогичности с эстетически приукрашенным фасадом. По официальному искусству можно было диагностировать болезнь общества».
В отличие от многих художников своего поколения и своего круга, Янкилевский не просто искал способ передать через искусство свое отношение к действительности, он интересовался глобальными метафизическими проблемами, традиционно пронизывавшими всю историю искусства: жизнь и смерть, божественное и дьявольское, нравственное и безнравственное, временное и вечное. Уже в работах 1962 года, представленных в Манеже: пентаптихе «Атомная станция», «Триптихе № 2» и серии «Тема и импровизация», он создает универсальную структуру картины как модели бытия. В «Триптихе № 2» Владимир Янкилевский имплантирует в живописную ткань работы открытки-репродукции его любимого художника эпохи Кватроченто Пьеро делла Франческа. Раннее Возрождение, интриговавшее Янкилевского прежде всего множественностью перспектив, соединяющихся в одном произведении, безусловно повлияло на формирование его художественного универсума.
С самого начала молодой художник стремился найти необходимые образы-формы, позволявшие выразить его личные переживания и понимание мира. Этому очень помогла встреча с выдающимся педагогом Элием Белютиным, который в 1958 году преподавал в Полиграфическом институте. Одиннадцати занятий (один академический год) оказалось достаточно, чтобы заложить базу для дальнейшего самостоятельного развития художественной вселенной и собственного уникального пластического языка Владимира Янкилевского.
Проект в МАММ — своеобразная реконструкция выставки Владимира Янкилевского Monument heroïque («Героический монумент»), которая состоялась в 1994 году в Париже в Центре современного искусства La Base, основанном Оливье Мораном. Эта выставка была очень важна для художника, потому что позволяла свести воедино все основные структурные элементы, циклы, серии и векторы вселенной Янкилевского. Формирование его художественного космоса происходило очень быстро и невероятно интенсивно, между 1960-ми и 1970-ми годами. Именно в этот период появляются циклы «Тема и импровизация», «Пространство переживаний», «Анатомия чувств», «Автопортреты», «Мутанты», «Люди в ящиках». Каждый из этих циклов художник будет развивать на протяжении всей своей жизни. Важнейшей формой выражения для него станут коллажи, позволяющие из отдельных элементов строить целое, бесконечно варьируя и дополняя объем художественного мира Владимира Янкилевского. Свое творчество Янкилевский описывал так: «…процесс работы похож на джазовую импровизацию или фугу — сначала задается тема, потом играется импровизация. Это мир напряженной гармонии, но в нем есть место и абсурду, и анекдоту, которые отражают иррациональную сторону жизни, выходящую за рамки уже установившихся представлений о гармонии».
Центральное место в проекте «Героический монумент» занимает скульптура, восстановленная по чертежам художника и фотографиям с выставки 1994 года в центре La Base. Эта скульптура является развитием его монументального цикла «Люди в ящиках», рисунки к которому возникают у Янкилевского уже в 70-е годы. Этот цикл появляется после знаменитой инсталляции «Дверь» (1972), где артикулируется важнейшая для него тема столкновения пространств социума и экзистенциума, когда человек выступает и как носитель, и, одновременно, как жертва идеализма и абсурда. Для художника было важно, что скульптура «Героический монумент» выставляется в зале, где экспонируются его рисунки, гуаши, офорты и коллажи из всех серий, важнейшим элементом которых являются пейзажи с горизонтами (горизонт — системообразующий элемент мира космоса Янкилевского) — вечным фоном, на котором разворачивается трагедия бытия «людей в ящиках».
В структуру проекта «Героический Монумент» заложен конфликт противоборствующих начал и форм, в итоге приводящий к поиску гармонии, уравновешивающей хаос.
Появление серии «Автопортреты», над которой художник будет работать на протяжении всей своей жизни, было неслучайным. Автопортреты Владимира Янкилевского противоположны тому, как в этом жанре работало до него все мировое искусство. Они не имеют никакого внешнего сходства с портретируемым, но метафорически «раскрывают голову» художника и эксплицируют моменты его творческой деятельности. Можно сказать, что цикл «Автопортреты» развивает серию «Пространство переживаний». «Все произведения этого цикла имеют „горизонт“, как энергетический поток жизни, делящий вещь на „небо“ и „землю“», — рассказывал Янкилевский.
Творчество Владимира Янкилевского уникально и интересно тем, что, с одной стороны, ему присуща неистовая экспрессия и максимальное эмоциональное напряжение каждого художественного жеста, независимо от того, в какой технике работает художник: живопись, коллаж, рельеф, рисунок или скульптура; с другой стороны, его художественная система выстроена предельно интеллектуально. Конфликт, напряжение и гармония между эмоциональным и интеллектуальным началами в работах Владимира Янкилевского, попытка в каждом произведении запечатлеть универсальную структуру мироздания и превращение созданных работ в собственный художественный универсум, определяют то особое место, которое творчество Янкилевского занимает как в современном российском, так и в современном мировом искусстве. Не случайно Владимир Янкилевский был первым советским художником, чьи работы были закуплены в коллекцию Центра Жоржа Помпиду уже в первый год работы музея в 1977 году.
При жизни у Владимира Янкилевского было более 40 персональных выставок. Его работы находятся в собраниях крупнейших музеев и галерей мира, в том числе Центра Жоржа Помпиду (Париж), лондонской галереи Тейт Модерн, Музея Людвига (Русский музей, Санкт-Петербург), Национальной галереи в Праге, Музея изобразительных искусств Будапешта, Третьяковской галереи и др.
Владимир Янкилевский ушел из жизни незадолго до своего восьмидесятилетия. К сожалению, он не увидел своей ретроспективной выставки «Непостижимость бытия» в ММСИ, над которой он работал до последних дней. После него остался огромный объем работ, который ждет осмысления и позиционирования как в контексте российского, так и в контексте мирового современного искусства. Выставка в МАММ была бы невозможна без участия вдовы художника, его музы и соратницы — Риммы Солод. МАММ благодарит за помощь и поддержку в реализации проекта Международный культурный фонд Breus Foundation, который начал фундаментальную работу с творческим наследием Владимира Янкилевского.
2018 «Непостижимость бытия». Московский музей современного искусства
2013 Early Works. 1967–1961. Лондон, Aktis Gallery
2010 Anatomy of Feelings. Лондон, The Mall Galleries and Aktis Gallery
2009 Métamorphoses. Париж, Galerie Le Minotaure
2007 «Мгновение Вечности». Москва, Фонд культуры Екатерина и Санкт-Петербург, Русский музей
2002 Collagen. Бохум, Германия, Museum Bochum
2001 La femme à coté de la mer. Париж, Galerie Dina Vierny
1997 Pastels et Collages. Париж, Galerie Dina Vierny
1995-97 «Ретроспектива». Москва, Государственная Третьяковская галерея
1994 Monument heroïque. Париж, Centre d’Art contemporaine La Base
1992 Autoportraits. Париж, Galerie Dina Vierny
1992 Take a Train… Париж, Gallery Le Monde de l’Art
1991 Retrospective. Paris Art Center
1990 Pastels. Париж, FIAC, Galerie Dina Vierny
1990 People in Boxes. Нью-Йорк, США, Berman — E. N. Gallery
1988 Retrospective: Vladimir Jankilevskij. 1958–1988. Бохум, Германия, Museum Bochum
1988 Retrospective. Нью-Йорк, Сан-Франциско, США, Eduard Nakhamkin Fine Arts
1987 «Живопись и графика. Ретроспектива». Москва, Выставочный зал Горкома художников-графиков на Малой Грузинской
1978 «Ретроспектива». Выставочный зал Горкома художников-графиков на Малой Грузинской
1967 Однодневная выставка. Живопись. Москва, Физический институт АН СССР
1965 Однодневная выставка. Живопись. Москва, Институт биофизики АН СССР
1962 Однодневная выставка. Эрнст Неизвестный и Владимир Янкилевский. Московский государственный университет
mamm-mdf.ru
Ольга Свиблова – биография, фото, личная жизнь, новости, Инстаграм 2019
Биография
Ольга Львовна Свиблова – заметная персона в кругах отечественной культурной элиты. Имя этой женщины регулярно вносят в топ-50 наиболее влиятельных людей в российском искусстве. А в 2011-ом она вошла в международный рейтинг издания «Le journal des Arts», попав в сотню самых авторитетных персон мирового искусства.
Родилась Ольга Свиблова летом 1953 года в Москве в интеллигентной семье, где мама – филолог, преподаватель немецкого языка в университете, а папа – инженер в космической отрасли, работал в Курчатовском институте. При этом семья жила в коммуналке, где даже ванной не было. Зато в огромной квартире было много детей, а во дворе со старым сараем – собак, которых маленькая Оля обожала. Девочка даже заявила, что, когда вырастет, станет их пастухом.
Искусствовед и кинорежиссёр-документалист Ольга СвибловаВ 4-летнем возрасте Свиблова заболела костно-суставным туберкулезом. Она могла передвигаться с огромным трудом. Наверное, именно тогда у Ольги выработался характер: чтобы стать на ноги и преодолеть последствия страшной болезни, она была вынуждена упорно заниматься спортом, преодолевая боль и слабость.
Родители оказались мудрыми людьми. Они давали дочери возможность развиваться так, как ей хотелось. Никогда не давили и оставляли свободу действия, правильного или неправильного. Так Ольга Свиблова научилась мыслить и выбирать.
Ольга СвибловаВ старших классах математической школы Свиблова выбрала биологию. Поступила с легкостью, но скоро разочаровалась. Девушка ушла, бросив биологию после 3 курса, и поступила на психологический факультет МГУ. Окончила аспирантуру в 1987 году, защитив диссертацию по теме «Метафоризация творческих процессов».
Карьера
Биография Ольги Свибловой начиная с конца 1980-х связана с искусством. История прихода в мир прекрасного довольно проста и одновременно символична. В юности девушка увидела на столичной улице странных людей, которые отличались от общей серой массы. У них были длинные волосы и бороды. Одежда тоже выделяла их из толпы. Заинтересовавшись этими субъектами, девушка отправилась за ними, соблюдая дистанцию. Так Ольга впервые попала на выставку современного искусства. Атмосфера и гости мероприятия так ей понравились, что Свиблова начала регулярно посещать подобные собрания.
Искусствовед Ольга СвибловаВ середине 1980-х Ольга Львовна и сама взялась за организацию художественных выставок. На сегодня она куратор более 500 проектов, среди которых и современное художественное искусство, и фотография.
В 1996 году Свиблова основала Московский дом фотографии, который сегодня носит название «Мультимедиа Арт Музей». А еще она основала ассоциацию «Искусство конца века» и Московскую школу фотографии и мультимедиа имени А. Родченко.
Искусство фотографии Ольга Львовна выделяет особенно. В стенах возглавляемого ею «Мультимедиа Арт Музея» не так давно состоялась выставка любительских фотографий конца 1980-х. Непрофессиональные снимки, которые принесли люди, оказались необычайно занимательными в плане отображения духа прошедшего времени, той атмосферы и лет, когда стремительно менялась эпоха. Интерес к выставке оказался так высок, что ее признали одной из самых успешных на «Фотобиеннале».
Вторая половина 1990-х принесла Свибловой ряд новых творческих задач. Наряду с организацией экспозиций, Ольга стала художественным директором Московского «Фотобиеннале», конкурса «Серебряная камера» и фестиваля «Мода и стиль в фотографии».
А еще Ольга Львовна Свиблова известна как режиссер-кинематографист. На ее счету несколько работ, которые принесли ей известность далеко за границами России. Дебютный фильм Свибловой – лента «Архитектор Мельников». Спустя год, в 1987-ом, вышла картина под названием «Кривоарбатский переулок, 12». За эту работу Свибловой вручили приз на фестивале документального кино об архитектуре, который прошел в Лозанне.
В 1988 году режиссер представила на суд зрителей документальную картину «Черный квадрат». Фильм рассказывает о русском андеграунде периода с 1953 по 1988 годы. За него Ольга Свиблова была награждена главным призом Чикагского фестиваля документального кино и первым призом Бомбейского фестиваля документалистики. Но самая почетная и престижная награда – «Золотая пластина». Это приз парижской критики Каннского фестиваля.
В 1991-ом и 1995-ом Ольга Свиблова презентовала еще две документальные ленты – «В поисках счастливого конца» и «Дина Верни». Эти картины тоже получили престижные российские и зарубежные награды. Во второй киноленте рассказывалось о жизни музы французского художника Аристида Майоля, участницы французского «Сопротивления», неоднократно спасенной своим покровителем. В память о художнике Дина к 1995 году открыла посвященный его творчеству музей.
На родине труд искусствоведа и режиссера оценили по достоинству: в 2001 году Свиблову наградили орденом «За заслуги перед Отечеством» II степени.
Искусствовед и кинорежиссёр-документалист Ольга СвибловаНачиная с 90-х годов Ольга Свиблова сотрудничает с французскими, британскими и исландскими музеями, регулярно становясь куратором выставок. Ольга вывозит в столицу Франции инсталляции российских художников и фотографов, среди которых Валерий Кошляков, Мария Серебрякова, Сергей Чиликов, Александр Родченко и другие. На Венецианском биеннале современного искусства Ольга представляла российский павильон. При участии Свибловой в 2016 году в музее Помпиду в Париже прошла выставка «КОЛЛЕКЦИЯ! Современное искусство в СССР и России 1950–2000: уникальный дар музею», организованная Благотворительным фондом Владимира Потанина.
Ольга Свиблова знаменита собственным стилем, который выработался у нее с годами. Ольга не изменяет многолетней привычке носить эффектные украшения в виде массивных колье и бус. Одно время искусствовед регулярно появлялась с жемчужным колье, основа которого была сделана из сетчатого материала. Позднее Ольга стала отдавать предпочтение бусам, сделанным из крупных прозрачных шаров, которые называла мыльными пузырями. Впервые Свиблова приобрела их в Венеции, в магазинчике сестер Марианны и Сюзанны Сент. Благодаря Ольге Свибловой коллекция вошла в моду и принесла авторам финансовый успех.
Кинорежиссёр-документалист Ольга СвибловаИз одежды Ольга Львовна предпочитает модели коллекций японских и бельгийских модельеров. Любимый цвет предметов гардероба – черный. По словам Свибловой, вкус ей привила мама, которая водила ее еще девочкой на модные показы в ГУМ. А летом родители привозили вещи из Германии, на турпутевки в которую копили целый год. Благодаря маме Ольга научилась находить в комиссионных магазинах брендовые вещи. Любую депрессию она исцеляет походом в секонд-хенд, чтобы «лечение» не получилось разорительным. А еще Свиблова с детства не выбрасывает одежду, а переделывает ее, так как считает, что с нарядом покупает часть себя.
Личная жизнь
Впервые искусствовед пошла под венец в 18 лет. Но этот опыт оказался печальным. Приближающийся день бракосочетания вызывал в невесте не восторг и радость, а желание все отменить. Но белое платье было куплено, зал заказан, и отступать было некуда. То, что совершает ошибку, Ольга поняла в день бракосочетания. Поэтому сбежала сразу же после торжественного объявления пары мужем и женой. Развод последовал спустя 3 месяца.
Второй раз Ольга Свиблова вышла замуж через несколько лет. Ее мужем стал талантливый и творческий человек, поэт Алексей Парщиков. В 1983 году у пары появился сын Тимофей. Супруги прожили вместе 18 лет, но в результате расстались.
Ольга Свиблова с сыномЛичная жизнь Ольги Свибловой сложилась счастливо после встречи и знакомства с Оливье Мораном, французом по национальности, владельцем страховой компании, директором выставочного центра La Base в Париже и своим единомышленником. Супруга не стало в 2014 году. В третьем браке общих детей не было.
Сын Ольги Свибловой, Тимофей Парщиков, окончил операторский факультет ВГИКа и отучился на высших курсах режиссеров и сценаристов. Позднее стал знаменитым в Москве фотографом.
Ольга Свиблова сейчас
За многолетнее плодотворное сотрудничество Ольга Свиблова в 2017 году удостоилась титула Офицер Ордена Почетного легиона от французского правительства. Сейчас искусствовед продолжает совместную работу по проведению выставок в российских и европейских музеях, о чем свидетельствуют фото в «Инстаграме» Свибловой.
24smi.org
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Лучо Фонтана
Лучо Фонтана
Ретроспектива
27 ноября 2019 — 23 февраля 2020
Кураторы: Ольга Свиблова и Елена Джеуна в коллаборации с Фондом Лучо Фонтаны
При поддержке:
Департамента культуры города Москвы
Посольства Италии в России
Итальянского института культуры в Москве
Культурно-благотворительный фонд U-ART Иветы и Тамаза Манашеровых
Группы компаний Unident
Банка Интеза Санпаоло
Lavazza
Выставка была бы невозможна без помощи и поддержки членов Попечительского совета МАММ:
Андрея Чеглакова и Натальи Опалевой
МАММ благодарит Фонд Лучо Фонтаны, музеи, галереи, институции и частных коллекционеров, предоставивших работы на эту выставку: Национальную галерею современного искусства, Рим; Городскую галерею современного искусства, Турин; Городские музеи Флоренции — Музей Новеченто; Музей Новеченто, Милан; Галерею Карстена Греве, Санкт-Мориц; Коллекцию Прада; Коллекцию Интеза Санпаоло; Архив Уго Муласа, Милан — Галерею Лиа Румма, Милан/Неаполь, и др.
Страховой партнер: АльфаСтрахование
Выставка открыта с 27 ноября 2019 — 23 февраля 2020
в Мультимедиа Арт Музее, Москва
По адресу: ул. Остоженка, 16
Часы работы: с 12:00 до 21:00
Выходной: понедельник
Мультимедиа Арт Музей, Москва впервые в Москве представляет ретроспективную выставку звезды итальянского и мирового современного искусства Лучо Фонтаны, созданную в сотрудничестве с Фондом Лучо Фонтаны. Экспозиция, включающая более 60 работ художника из Фонда Лучо Фонтаны, итальянских музеев и частных коллекций, дает возможность проследить эволюцию творчества художника от фигуративных работ к абстракциям, разрушающим традиционное представление о картине.
Лучо Фонтана родился в 1899 году в Аргентине, в семье выходцев из Италии. Первый художественный опыт получил уже в детстве, когда в возрасте десяти лет начал работать подмастерьем в мастерской своего отца, скульптора Луиджи Фонтаны. В 1929 году он окончил Академию Брера (Милан). Во время Второй мировой войны жил и работал в Аргентине, а в 1947 году вернулся в Италию и опубликовал «Первый манифест спациализма» (Primo Manifesto dello Spazialismo), написанный совместно с критиком Джорджо Кайссерляном, философом Беньямино Йопполо и писательницей Миленой Милани. С этого момента в творчестве художника открывается совершенно новая глава. Лучо Фонтана ставит глобальный вопрос о взаимодействии искусства и науки, научно-технического прогресса и новых пластических средств и форм выражения.
Благодаря работам Лучо Фонтаны в послевоенном итальянском и мировом искусстве произошли тектонические изменения. Когда мы говорим о творчестве этого художника, в памяти в первую очередь всплывают работы из знаменитых серий «Разрезы» (Tagli) и «Дыры» (Buchi). Между тем, творчество Фонтаны — это не просто огромный набор инновационных приемов в использовании бесконечно разнообразных пластических материалов. Это глубокое философское размышление об окружающем нас безграничном универсуме и о том месте, которое в нем занимает стремительно меняющаяся под напором научно-технического прогресса человеческая цивилизация, а также рефлексия над тем, что есть глубинный смысл понятия «свобода».
Фирменные дыры (buchi) на работах Лучо Фонтаны были для художника выходом в новое, бесконечное измерение. Свет, обнаруженный за пределами сакрального для мира искусства пространства холста, оказался выходом в космос. И здесь идеи Фонтаны о том, что искусство может предвосхищать научные открытия так же, как научно-технический прогресс не может не влиять на художественное творчество, артикулированные в подписанных им манифестах, проявляют свою провидческую силу. Первый космический спутник будет запущен СССР в 1957 году, десять лет спустя после «космических прорывов» Лучо Фонтаны. За освоением космоса Лучо Фонтана будет следить внимательно и страстно. Одну из представленных на выставке в МАММ работ, «Пространственная концепция. Ожидание» (Concetto spaziale, Attesa) 1965 года, художник подписал: «Мягкая / посадка / русских на Луне… / Космическая эра».
Параллельно с поисками новой свободы за пределами холста, в сороковые годы Фонтана продолжал работать как скульптор, строя диалог с историей мирового искусства, его большими стилями и, прежде всего, стилем барокко, который оказался наиболее релевантным страстной эмоциональной природе самого художника. На выставке в МАММ будут представлены четыре скульптуры этого периода, а также двенадцать керамических распятий (керамика — один из излюбленных материалов Фонтаны). Керамические покрытые цветной глазурью распятия Фонтаны, созданием которых он занимался с 40-х по 60-е годы, раскрывают глубокую взаимосвязь духовных и художественных поисков художника.
В 1958 году Лучо Фонтана начнет свой самый известный цикл, «Разрезы» (Tagli), над которым будет работать до конца своей жизни. В этом цикле в картинах, объединенных названием «Пространственная концепция. Ожидания» (Concetto spaziale. Attese), появятся легендарные разрезы (tagli), которые станут кульминацией его духовных поисков и пластической презентацией его веры в бесконечность. Картина окончательно перестает быть пространством отражения материального мира, превращаясь в форму репрезентации концептуальных идей.
Уже в 1949 году в миланской галерее Навильо (Galleria del Naviglio) Лучо Фонтана представил первую работу из серии «Пространственные среды» (Ambienti spaziali) — «Пространственная среда в черном свете» (Ambiente spaziale a luce nera). Используя современные термины, эту выставку Лучо Фонтаны можно было бы назвать одной из первых тотальных инсталляций. Стратегия предъявления зрителю художественных объектов принципиально заменяется концептом погружения зрителя в тотально преображенную среду, которая открывается ему в активном интерактивном контакте. В этой инсталляции Лучо Фонтана использует прием, столь любимый современными художниками, – применяет флуоресцентные краски, проступающие в «черном» свете, проявляющем их свечение. Свет, который Фонтана открыл в своих дырах и прорезях, здесь становится главным выразительным элементом.
Поиски света приводят Фонтану к работе с неоном, с помощью которого он создавал «Пространственные среды» (Ambienti spaziali). Начиная с 60-х годов неон прочно войдет в художественную практику, его до сих пор использует множество художников.
В последнем, возможно, наиболее продуктивном периоде своего творчества, Лучо Фонтана создаст два новых цикла, работы из которых представлены на выставке в МАММ. Это «Кванты» (Quanta) 1959—1960 годов, представляющие собой многоугольные фрагменты холста, которые могут быть расположены в пространстве в произвольных сочетаниях, а также цикл «Маленькие театры» (Teatrini), который он создает в 1964—1966 годах. В этом цикле он соединяет живописные и скульптурные элементы, создавая новое многослойное пространство. В «Маленьких театрах» прослеживается связь с его предыдущей скульптурной серией «Натура» (Nature), работы из которой также будут представлены на выставке.
В начале XXI века современное искусство снова стоит перед проблемой поиска путей своего развития. Новые цифровые технологии, VR, дополненная реальность, появление нейронных сетей, а также социальные сети, ставшие реальностью сегодняшнего дня, заставляют нас заново переосмыслить мир, в котором мы живем. У искусства, как и науки, есть логика саморазвития. Взаимодействием этих двух сфер духовной жизни человечества и занимался Лучо Фонтана — патриарх итальянского искусства XX века, чье творчество было отмечено Гран-при 33-й Венецианской биеннале 1966 года.
Знакомство с работами Лучо Фонтана дает важный импульс к поиску новых путей развития искусства сегодня.
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Филип Колберт
Филип Колберт
Lobster Land
18 сентября 2019 — 17 ноября 2019
Стратегические партнеры музея: Mastercard, Tele2
Куратор: Светлана Марич
Филип Колберт родился в Шотландии, получил степень магистра философии в Университете Сент-Эндрюса, живет и работает в Лондоне.
Основав в 2008 году модный английский лейбл The Rodnik Band, Филип Колберт совершил настоящий переворот в fashion-индустрии. Платья, созданные по мотивам произведений Марселя Дюшана, Энди Уорхола, Сальвадора Дали и др., вызвали бурю в СМИ и восторг среди celebrities. Поклонниками Колберта немедленно стали Анна Делло Руссо, Элтон Джон, Леди Гага, Канье Уэст и члены британской королевской семьи. А персональные выставки «Новые картины» (New Paintings) и «Сцены охоты» (Hunt Paintings), организованные галереей Саатчи в 2017 и 2018 годах, где были показаны грандиозные живописные полотна Филипа Колберта, навеянные творчеством звезд поп-арта Ричарда Гамильтона, Роя Лихтенштейна и Джеймса Розенквиста, в которых художник объединил мотивы картин старых мастеров и повседневные образы массовой современной культуры, позволили Колберту завоевать признание на международной арт-сцене. В последнее время Филипа Колберта называют не иначе как «крестным сыном Энди Уорхола».
«Я стал художником, когда я стал Лобстером», — признается Филип Колберт. Придуманный им мультипликационный персонаж — симпатичный Лобстер в синем костюме «в яичницу-глазунью» — главный герой практически всех произведений художника. С его помощью Колберт виртуозно соединяет традиции поп-арта с современной цифровой культурой, подчеркивая гипернасыщенность современного мира и неутолимые аппетиты общества потребления.
«Я думаю, двойственность в моих работах выражается прежде всего в использовании очень ярких цветов — праздничных, позитивных и жизнерадостных, которые передают положительную энергию, но с темным, мрачным подтекстом, сценами насилия, а также отражением современного культа потребления и негативного эффекта, который он оказывает на нашу планету», — говорит художник.
В экспозицию в МАММ вошли избранные работы Филипа Колберта из частных и музейных коллекций, а также новая серия картин и скульптур Lobster Land, созданная специально для выставки в Москве. Произведения, выполненные в сверхреалистичной живописной манере, содержат отсылки к истории русского искусства, оказавшей заметное влияние на его творчество.
«Я чрезвычайно рад открытию моей первой персональной выставки в Москве, в Мультимедиа Арт Музее, и возможности работать с директором музея Ольгой Свибловой, обладающей потрясающим опытом создания новаторских проектов. Куратор выставки Светлана Марич организовала для меня замечательное путешествие в российскую столицу, и благодаря ее невероятной энергии и поддержке московская выставка Lobster Land состоялась. Я всегда живо интересовался историей русского искусства и много читал о нем в молодости. Я был очарован „Русским балетом“ Дягилева и изучал таких потрясающих художников, как Наталья Гончарова, обожал эскизы костюмов Александры Экстер, абстракции Казимира Малевича, а также произведения мощного, экспрессивного художника Михаила Ларионова. Их искусство оказало большое влияние на мое художественное мышление», — рассказывает Филип Колберт.
mamm-mdf.ru
Париж Ольги Свибловой | GQ Russia
Куратор-искусствовед, создатель и директор Московского Дома фотографии ( Мультимедиа Арт Музей ).
Куратор-искусствовед, создатель и директор Московского Дома фотографии (Мультимедиа Арт Музей).
С 1988 года я регулярно бываю в Париже с 1991 года провожу там много времени, потому что в Париже жил мой любимый муж Оливье Моран.
Этот город меня многому научил и учит до сих пор.
Когда я впервые прогуливалась по Парижу 1998 году, он мне не понравился. Не понравился настолько, что на следующий день я уехала в Амстердам. Тогда я бродила по улице Rue de Rivoli, где мы потом тринадцать лет жили с мужем. Мне показалось, что Риволи это такая официальная улица, туристическая – кругом сувениры с Эйфелевой башней.
Теперь в Париже у меня есть родные места. В 1995 году у меня было первое интервью с Анри Картье-Брессоном. Я уже хотела сделать биеннале, но понимала, что цена будет очень простая – жизнь. В это время Костя Эрнст, который выпускал тогда журнал «Матадор», отправил меня в Париж с миссией взять интервью у Анри Картье-Брессона, который вообще-то интервью не давал. Но мне удалось его раздобыть.
Fondation Henri Cartier-Bresson.
Анри Картье-Брессон жил на улице Риволи и встретился со мной в брассери. Он бывал очень обаятельным! После того как мы закончили интервью, он вынул ручку с золотым пером и элегантным жестом своими красивыми длинными пальцами подправил мне несколько линий в каталоге своих рисунков. Это меня так потрясло, что я вышла и поняла, что биеннале будет. Так случилось Московское фотобиеннале, а потом открылся музей, потому что останавливаться было уже нельзя.
Fondation Henri Cartier-Bresson, крупнейший фотографический фонд, находится в доме моего мужа. Дом стал фондом 15 лет назад, и с тех пор там ничего не изменилось, только выросли русские березы, которые мой муж сажал для меня. Это место обязательного маршрута, потому что там бывают выставки не только Анри Картье-Брессона, но и других авторов, работающих в жанре гуманистической фотографии. Сейчас мы собираемся делать с этим фондом новую выставку Анри Картье-Брессона к 20-летию Дома фотографии. Мы начали первое биеннале с Анри Картье-Брессона, показывали его трижды и сейчас будем делать совершенно другую выставку – великого художника не бывает много.
Я привожу из Франции огромное количество выставок. Для меня Париж — место, где я работаю, потому что в Париже происходят события, на которые я не могу пропустить, которые расширяют мой профессиональный кругозор и позволяют встречаться с коллегами не только из Франции, но и со всего мира и делать с ними совместные проекты.
Центр Помпиду.
Когда я приезжаю в Париж, я хожу в музеи. Без Центра Помпиду не бывает Парижа. Я люблю бывать в Jeu de Paume, который, кстати, во многом похож на МАММ по направлению своей деятельности. Мы работали с Musée d’Art moderne, где я тоже регулярно бываю. Год назад открылся музей Пикассо после реконструкции; так как дружу с его директором, «Кошку» Пикассо нам дали в кратчайшие две недели, что невозможно с точки зрения правил выдачи музейных экспонатов.
Каждый раз, когда я в Париже, я, конечно, иду на Сен-Поль в Европейский дом фотографии (Maison Européenne de la Photographie), с которым у нас замечательные дружественные связи. Это не самый большой, но один из самых посещаемых музеев Парижа. В 1995 году я была на стройке Европейского дома фотографии (он открылся, когда и наш – осенью 1996 года, ему тоже исполнилось 20 лет). Мы шли пешком по Ле-Аль с директором этого музея Жан-Люком Монтерросо, с которым мы дружим до сих пор. Я его спросила, что за музей он пытается открыть. Он мне кратко и ясно рассказал, и я подумала, что мы откроем биеннале в Москве, потом откроем музей, и этот музей будет больше и лучше. И нам есть чем гордиться. Московский музей сейчас стоит на международной карте культурного туризма, и это бренд, который мы создали своими руками во многом благодаря поддержке французских партнеров – Департаменту культуры мэрии Парижа, французскому Культурному институту.
Musée national Picasso-Paris.
В последние два года я кружусь вокруг Мадлен, вокруг Фобур-Оноре (Faubourg Saint-Honoré), где мы жили с мужем, где я выгуливала собак. Есть я люблю дома. Муж так хорошо готовил, что не хотелось выходить. Но у нас были любимые места. В лучших ресторанах Парижа нет такого безумного меню, как у нас. Если мы хотели антрекот, мы ехали в ресторан L’entrecote , где его готовят с удивительным соусом. В сезон устриц ходили в Le Bar à Huîtres. Сейчас я люблю ресторан Paris-London на Мадлен, хотя тринадцать лет я проходила мимо. Сорбет надо покупать в Berthillon прямо напротив Нотр-Дама, и только там. Эта семья делает мороженое больше 50 лет, крупнейшие сети миллион раз предлагали им продать рецепт, но нет! Летом они бывают закрыты, потому что вся семья уезжает в отпуск.
В моменты депрессии я останавливаюсь перед Zara на Faubourg Saint-Honoré, потому что, когда у женщины депрессия, она хочет купить все и выйти в хорошем настроении. Работает идеально, но лучше не оказываться перед дорогими марками, потому что купишь все равно, и необязательно будешь это носить. Я с удовольствием ношу вещи, купленные на Faubourg Saint-Honoré. А бижутерию, которую я очень люблю, я покупаю в музейных бутиках, иногда это Музей дизайна на Риволи (Musée des Arts Décoratifs)), иногда это Центр Помпиду.
Я мечтала прогуляться по Парижу, и недавно у меня случилась ночная прогулка – сразу после взрывов. Закрылась Paris Photo, и мы ужинали в ресторане у метро Filles du Calvaire, где находятся галереи, которым столько же лет, сколько нам. Мы встречаемся, обмениваемся выставками. Во время ужина прогремели взрывы, и мы, конечно, были в шоке, созванивались с близкими. Наш двор закрыли, и нам пришлось остаться в ресторане до четырех утра. Пока мы там были, я договорилась о пяти проектах. Потому что, когда нам угрожает терроризм, надо, чтобы жизнь продолжалась, а жизнь – это движение.
Фото: Екатерина Анохина
Часто проверяете почту? Пусть там будет что-то интересное от нас.
www.gq.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Видео
МАММ представляет выставку Александра Родченко «Опыты для будущего» приуроченную к 125-летию со дня рождения и 60-летию со дня смерти одного из главных лидеров русского художественного авангарда начала ХХ века.В 2016 году также исполняется 20 лет Мультимедиа Арт Музею, Москва который гордится самой крупной коллекцией фотографий Александра Родченко.
Наш музей сделал более 50-ти выставок этого великого мастера в России и за рубежом, но эта выставка особенная. Она отражает все этапы и логику развития творчества Александра Родченко. Впервые на выставке «Опыты для будущего» (название одноименной книги художника) собраны не только картины, графика, линогравюры, трехмерные объекты, фотомонтажи, архитектурные опыты, но и уникальные материалы, включающие эскизы декораций и костюмов к театральным и кинопостановкам, а также фрагменты фильмов, в работе над которыми Александр Родченко принимал непосредственное участие. И конечно, его фотографии.
«И в жизни мы, человечество, есть опыты для будущего», — писал Александр Родченко. Великий русский поэт начала ХХ века Велимир Хлебников ввел в русский язык слово «будетлянин». Александр Родченко работал над оформлением книг Велимира Хлебникова, в том числе книги «Заумники» (1922), обложка которой будет показана на выставке. Термин «будетлянин», наверное, можно отнести и к личности Александра Родченко.
Художник никогда не делал различий между разными жанрами визуального искусства. Если использовать современную терминологию, Александр Родченко был мультимедиа художником. Создавая картины, графические работы, фотомонтажи, плакаты, работая над созданием нового шрифта, сегодня известного во всем мире как «шрифт Родченко», подходя к созданию титров для кино, как к важнейшей и интереснейшей творческой задаче, проектируя рабочий клуб, создавая архитектурные фантазии для города будущего, мечтая, чтобы искусство вышло на улицы, Родченко видел главную задачу в творческом преображении настоящего во имя будущего.
Он писал: «Я создал сегодня затем, чтобы завтра искать новое, хотя оно окажется ничто в сравнении со вчерашним, но зато послезавтра я превзойду сегодняшнее». Его творчество оказалось одним из важнейших факторов, повлиявших на изменение, как искусства, так и среды обитания в ХХ веке. Его жизненные установки, сформулированные в теоретических трудах, заданный им вектор движения и умение мечтать о будущем важны для нас и сегодня.
В 20-е годы Родченко работал над созданием музея нового типа, где стирались бы границы между видами и жанрами искусства. Эти принципы были заложены в фундамент создания и развития нашего музея, частью которого 10 лет назад стала Школа фотографии и мультимедиа им. Александра Родченко.
Благодаря коллегам и партнерам Мультимедиа Арт Музея, Москва, предоставившим уникальные работы для этой выставки: Государственной Третьяковской галерее, Государственному Русскому музею, Государственному музею изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Государственному центральному театральному музею им. А.А. Бахрушина, Московскому музею современного искусства, Астраханской картинной галерее им. П.М. Догадина, Вятскому областному художественному музею им. В.М. и А.М. Васнецовых, Нижегородскому государственному художественному музею, Пермской государственной художественной галерее, и частным коллекционерам, мы имеем возможность максимально полно продемонстрировать многогранность таланта великого мастера. У художника не было случайных работ или брошенных идей. Он писал: «Если просмотреть всю мою работу за все время, то это будет огромное и совершенно новое произведение». Мы надеемся, что выставка «Опыты для будущего» поможет проявить уникальную целостность творчества Александра Родченко.
mamm-mdf.ru
Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки | Александр Родченко
Александр Михайлович Родченко (1891–1956) — один из величайших представителей актуального искусства прошлого столетия, родоначальник беспредметной живописи, главный инженер конструктивизма, пионер советской фотографии, уже при жизни ставший её классиком. Один из лучших русских фотографов-экспериментаторов середины 20-го века положивший основу многим направления в фотоискусстве. На сегодняшний день, Родченко — самый популярный русский фотограф, востребованный на Западе, чьи шедевры с успехом выставляются и закупаются крупнейшими мировыми музеями — MoMa (Нью-Йорк, США), Музей Людвига (Кёльн, Германия), Фотомузей Винтертура (Швейцария), Музей истории г. Вены (Австрия), Русский музей (Россия) и многие другие. Направление в фотоискусстве, созданное А. Роденко подарило русской фотографии многих известных фотографов 30-х, таких как: Аркадий Шайхет, Борис Игнатович, Марк Альперт.
Московский Дом фотографии в течение 10 лет ежегодно проводил выставки Родченко, по кусочкам открывая его архив, сканирование негативов заняло 4 года. В 2004-м году Дом фотографии вручил Родченко премию за вклад в культуру — при жизни он не получил ни одной награды. Премия была передана наследникам Родченко, удивительной семье, которая работает как научно-исследовательский институт, и благодаря которой мы вообще сегодня имеем представление о русской фотографии 20–40-х годов. Наследники решили, что истратят премию на выпуск монографии о Родченко, презентация которой состоится на открытии выставки.
Русский авангард ХХ века — явление уникальное не только в российской, но и мировой культуре. Ослепительная энергия созидания, наработанная художниками этой великой эпохи до сих пор питает современную художественную культуру и каждого из нас, соприкасающегося с арт-продукцией эпохи русского модернизма. Александр Родченко, безусловно, был одним из главных генераторов творческих идей и общей духовной ауры этого времени. Живопись, дизайн, театр, кино, полиграфия, фотография. .. — все области художественной культуры, в которые вторгался могучий талант этого очень красивого и очень сильного человека, претерпевали трансформацию, открывавшую принципиально новые пути развития.
Начало 1920-х годов — «эпоха промежутка», пользуясь термином Виктора Шкловского, одного из лучших критиков и теоретиков того времени, момент, когда — пусть на короткое время, пусть иллюзорно — возник резонанс между художественным и социальным экспериментом. Именно в это время, в 1924 году, Александр Родченко, уже сложившийся и известный художник, поставивший в центр своей эстетики лозунг «Мы обязаны экспериментировать», вторгается в фотографию. Результатом этого вторжения оказываются не только созданные им шедевры, вошедшие в классику мировой и российской фотографии, но и изменение представлений о природе фотографии и роли фотографа. В фотографию вносится проектное мышление. Она оказывается не только отражением действительности, но и становится способом визуальной презентации динамических мыслительных конструкций.
Родченко внедрил в фотографию идеологию конструктивизма, разработал методический инструментарий ее реализации. Открытые им приемы стремительно тиражировались. Их использовали как его ученики и единомышленники, так и эстетические и политические оппоненты. Однако само по себе использование «метода Родченко», включавшего открытую им диагональную композицию, ракурсную съемку и др. приемы, не гарантировало автоматически художественного масштаба фотографии. Практика Родченко-фотографа оказалась замешанной не только и не столько на формальных приемах, за которые его беспощадно критиковали уже с конца 1920-х годов, сколько на глубокой внутренней романтике, присущей ему еще в студенческие годы (достаточно вспомнить его удивительные письма-сказки, которые он писал Варваре Степановой в первые годы их знакомства).
Это романтическое начало, заложенное в детстве, проведенном за кулисами театра, где работал его отец, трансформировалось в мощное утопическое мышление Родченко-конструктивиста, верившего в возможность позитивного преображения мира и человека. В 1920-е годы Родченко в каждой новой фотографической серии ставит новые задачи и создает манифесты о том, какой должна стать фотография и жизнь, преображенная конструктивистским художественным началом. В 1930-е, особенно в конце 1930-х, измученный критикой и травлей, он пытается анализировать и жизнь, и художественную практику, в том числе собственную, эволюция которой во многом определила сложившуюся позже эстетику социалистического реализма. Кстати, во всей истории русской фотографии первой половины ХХ века Александр Родченко — единственный, кто благодаря своим печатным статьям и дневниковым записям, оставил уникальные свидетельства художественной рефлексии фотографа-мыслителя, осуществлявшего свое творчество сознательно.
Устав от непрерывных революционных преобразований, создавших реальность, далекую от идеалов, вдохновлявших ранний период его творчества, 12 февраля 1943 года он отмечает в дневнике: «Искусство — это служение народу, а народ ведут кто куда. А мне хочется вести народ к искусству, а не искусством вести куда-то. Рано родился я или поздно? Надо отделить искусство от политики…».
Александру Родченко, преданному друзьями и учениками, пережившему гонения и лишенному возможности работать и зарабатывать на жизнь, участвовать в выставках, исключенному из Союза художников, тяжело болевшему в последние годы жизни, повезло. У него была семья: друг и соратник Варвара Степанова, дочь Варвара Родченко, ее муж Николай Лаврентьев, его внук Александр Лаврентьев и его семья — небольшой, но очень сплоченный клан, заряженный творческой энергией. Как и для Александра Родченко, творчество стало главным в их жизни. А еще они посвятили эту жизнь сохранению наследия Александра Родченко и служению фотографии. Благодаря им работы Родченко заново узнал мир и его страна. Если бы не было этой семьи, возможно, не появился бы и первый фотографический музей в России — Московский Дом фотографии. В доме Родченко, вместе с семьей Родченко мы открывали и изучали историю русской фотографии, которую нельзя представить без Александра Родченко.
Ольга Свиблова, директор музея «Московский Дом фотографии»
mamm-mdf.ru