Интерьерный жанр: Интерьерный жанр в живописи

Содержание

Интерьерный жанр в живописи

К.А. Зеленцов В КОМНАТАХ. ГОСТИНАЯ С КОЛОННАМИ НА АНТРЕСОЛЯХ 1830-е гг. Москва, Государственная Третьяковская галерея

Интерьером также называют жанр живописи, представляющий изображение разнообразных помещений: дворцовых и усадебных покоев, деревенских изб и ремесленных мастерских, простых комнат и сараев.

Э.К. Липгарт ПАРАДНАЯ ГОСТИНАЯ В МИХАЙЛОВСКОМ ДВОРЦЕ 1896 г. Санкт-Петербург, Государственный Русский музей

Интерьерный жанр гораздо в большей степени, чем натюрморт, раскрывает жизнь человека через мир вещей, через обстановку, в которой этот человек обитает. Сам подбор предметов, то, как они разложены и расставлены или,

наоборот, разбросаны в беспорядке, их цвет и качество многое расскажут о характере и привычках живущего в данном помещении.

Интерьерный жанр дает прекрасную возможность представить, как жили люди в другие времена, какими вещами пользовались, что было в моде. Порой только по таким произведениям мы можем выяснить, как выглядело то или иное помещение в определённое время. Это необходимо, например, при реставрационных работах или при съёмках исторических фильмов, когда требуется точно знать особенности эпохи.

ИСТОКИ ИНТЕРЬЕРНОГО ЖАНРА

Создавая портреты или картины на библейские сюжеты, художники эпохи Возрождения часто разворачивали действие во дворцах или церковных залах. К примеру, знаменитая «Мадонна канцлера Ролена» Яна ван Эйка демонстрирует героев в помещении, среди многочисленных тщательно выписанных предметов обстановки.

Сформировался же окончательно интерьерный жанр в XVII в. в Голландии. Живописцы создавали поэтические картины о тихой семейной жизни, протекающей в уютных комнатах и кухнях.

Расцвет интерьерного жанра приходится на первую половину XIX в. Художники пишут внутреннее убранство комнат с такой документальной точностью, что живописные произведения становятся историческими документами, настоящими «портретами помещений». Часто в произведениях присутствуют хозяева, мирно занимающиеся

Ян ван Эйк МАДОННА КАНЦЛЕРА РОЛЕНА Ок. 1436 г. Париж, Лувр

Поделиться ссылкой

Виды и жанры искусств - презентация онлайн

1. УЧИМ, ПОВТОРЯЕМ… Электронный конспект для обучающихся по учебному предмету «Беседы об искусстве» предметной области «История

искусств»
Автор-составитель: Л.И. Евтушенко,
преподаватель высшей категории
МБУДО «Детская школа искусств №4»
г. Челябинск

2. Содержание

Введение………………………………………………..3
Виды пространственных (пластических) искусств
……………………………………………………………4
Живопись как вид изобразительного искусства.
Материалы и техники живописи. Виды живописи.
Жанры станковой живописи………………………....5
Графика как вид изобразительного искусства.
Виды графики…………………………………………48
Скульптура как вид изобразительного
искусства……………………………………………....59
Декоративно-прикладное искусство…………..….66
Архитектура…………………………. ……………..…74

3. Современная классификация искусств (наиболее распространённая в искусствознании)

1ая группа – искусства временные –
существуют только во времени: музыка, театр
2ая группа –
искусства пространственные или пластические –
существуют в виде конкретных пространственных объектов
(вещей, предметов и пр.):
живопись, графика, скульптура,
архитектура, декоративно-прикладное искусство (ДПИ)

4. Классификация пространственных (пластических) искусств

ПРОСТРАНСТВЕННЫЕ (ПЛАСТИЧЕСКИЕ) ИСКУССТВА
ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫЕ
НЕИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫЕ
изображают мир, претворяя в
художественных
образах
духовный опыт человечества
в рамках эстетического освоения
действительности
созидают
новые
объекты,
предназначенные для человека
ЖИВ
ОПИ
СЬ
ГРА
ФИК
А
СКУ
ЛЬП
ТУР
А
АРХИТ
ЕКТУР
А
ДПИ

5. Вид изобразительного искусства, основным художественным средством которого является цвет.

ЖИВОПИСЬ

6. Работа художника цветом: некоторые техники и материалы

Акварельная живопись
Живопись маслом
Энкаустика
Мозаика
Фреска
Витраж
Работа художника цветом:
некоторые техники и
материалы

7. Энкаустика

– это техника живописи, в
которой связующим веществом красок
является воск.
Техника энкаустики получила распространение в Древней Греции
и в Древнем Риме (живопись воском на деревянных дощечках).
Энкаустика

9. Мозаика


это композиция, выполненная
скреплёнными между собой мелкими разноцветными
кусочками стекла, мрамора, цветных камней и т.п.
Техника мозаики получила широкое распространение в
Древнем Риме и Византии. Популярной техника мозаики
является и в современном изобразительном искусстве.
Мозаика

13. Фреска

– это живопись по сырой
штукатурке.
Техника фрески широко использовалась в
настенных храмовых росписях (христианских
храмов) Западной Европы и Древней Руси.

Фреска

17. Витраж

– это композиция из цветного
стекла или другого материала,
пропускающего свет.
Окна средневековых готических соборов
Западной Европы украшены витражами из
цветного стекла.
Витраж
ВИДЫ
ЖИВОПИСИ
1) Станковая живопись
(картина, созданная на мольберте)
2) Монументальная живопись
(произведение больших размеров, прочно
связанное с архитектурой)
3) Театрально-декорационная живопись
(сценография)
Техника энкаустики (живописи восковыми
красками) может применяться
в станковой живописи
Фреска, мозаика, витраж – техники живописи монументальной
ЖАНРЫ
СТАНКОВОЙ ЖИВОПИСИ
1) Натюрморт
2) Пейзаж
(виды пейзажа: марина, лесной, сельский,
городской, индустриальный)
3) Портрет
(виды портрета: парадный, камерный)
4) Интерьерный жанр
5) Бытовой жанр
6) Исторический жанр
7) Батальный жанр
8) Анималистический жанр

22.

НатюрмортФ. де Сурбаран. Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой. 1633.
Ж.Б. С. Шарден.
Натюрморт с
атрибутами искусства.
Ж.Б. С. Шарден.
Натюрморт с
атрибутами искусства.

25. Определение понятия «натюрморт»

НАТЮРМОРТ –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению
предметов быта.

26. Пейзаж

И.И. Левитан.
Берёзовая роща. 1889.

27. Виды пейзажа (марина и лесной)

И.К. Айвазовский. Девятый вал. 1850.
И.И. Шишкин. Лесная глушь. 1872.

28. Виды пейзажа (сельский)

В.Д. Поленов. Московский дворик. 1878.
А.К. Саврасов. Грачи прилетели. 1871.

29. Виды пейзажа (городской)

30. Виды пейзажа (индустриальный)

31. Определение понятия «пейзаж»

ПЕЙЗАЖ –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению природы
(часто – изменённой деятельностью
человека).

32. Портрет (парадный и камерный)

В.Л. Боровиковский. Портрет В.М.Лопухиной. 1797.
Д.Г. Левицкий. Портрет Екатерины II Законодательницы
В храме богини Правосудия. 1783.

33. Парадный или камерный?

В.Л. Боровиковский.
Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке.
1794.

34. Парадный или камерный?

В.Л. Боровиковский.
Портрет П.А. Демидова.
1793.

35. Определение понятия «портрет»

ПОРТРЕТ –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению
конкретного человека.

36. Интерьерный жанр

Ф.П. Толстой.
В комнатах. За шитьём.
1853.

37. Определение понятия «интерьерный жанр»

ИНТЕРЬЕРНЫЙ ЖАНР –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению
интерьерного пространства.

38. Бытовой жанр

Я. Вермеер.
У сводни. 1666.
Бокал вина. 1661 – 1662.

39. Наличие в картине действия, сюжета – признак бытового жанра

Я. Вермеер.
Любовное письмо. 1667 – 1669.
Девушка, читающая письмо у открытого окна.
1657 – 1659.

41.

Определение понятия «бытовой жанр»БЫТОВОЙ ЖАНР –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению событий
повседневной человеческой
жизни.

42. Исторический жанр

В.И. Суриков. Боярыня Морозова. 1887.

43. Определение понятия «исторический жанр»

ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению
значимых исторических событий.

44. Батальный жанр

В.В. Верещагин.
Смертельно раненный. 1873.
В штыки! Ура, ура! 1894.

45. Определение понятия «батальный жанр»

БАТАЛЬНЫЙ ЖАНР –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению
военных сражений.

46. Анималистический жанр

47. Определение понятия «анималистический жанр»

АНИМАЛИСТИЧЕСКИЙ ЖАНР –
жанр станковой живописи,
посвящённый изображению
животных.

48. Вид изобразительного искусства, основным художественным средством которого является линия и тон.

ГРАФИКА

49. Как отличить графику от живописи?

Рембрандт Хармес ван Рейн.
Три дерева.
Офорт. 17 век.
ВИДЫ
ГРАФИКИ
1) Станковая графика (графический лист)
2) Книжная графика (эскиз-макет книги)
3) Плакат (виды плаката: политический,
просветительский, рекламный, афиша)
4) Карикатура и дружеский шарж
5) Прикладная графика (эскизы упаковок,
этикеток, открыток, рекламнографической продукции).
СПОСОБЫ СОЗДАНИЯ
ГРАФИЧЕСКОГО ИЗОБРАЖЕНИЯ
Материальная основа – Б У М А Г А
1) РИСУНОК (разными материалами)
ЭТО ОРИГИНАЛЬНАЯ ГРАФИКА
2) КОМПЬЮТЕРНАЯ ГРАФИКА
ЭТО ТИРАЖНАЯ ГРАФИКА
3) ЭСТАМП ИЛИ ГРАВЮРА (оттиск на бумаге
с иной материальной основы)
ЭТО ПЕЧАТНАЯ ГРАФИКА
ВИДЫ ЭСТАМПА (ГРАВЮРЫ)
различают по материальной основе
1) Ксилография (ГРАВЮРА НА ДЕРЕВЕ)
2) Резцовая гравюра на меди
3) Офорт (эстамп на цинковом листе с
применением техники травления металла)
4) Литография (ГРАВЮРА НА КАМНЕ)
5) Линогравюра (ГРАВЮРА НА ЛИНОЛЕУМЕ)

53.

Резцовая гравюра на медиА.Зубов.
Триумфальное шествие
после Полтавы.
18 век.

54. Офорт

В.Д. Поленов.
Амазонка.

55. Ксилография

А.П. Остроумова-Лебедева.
Иллюстрации к книге В.Я. Курбатова «Петербург»

56. Ксилография (цветная)

А.П. Остроумова-Лебедева
Петербург. Крюков канал.
1910.

57. Литография

Н.С. Крылов.
Настя с Машей.
Вид гравюры зависит от материала основы
Линогравюра: материал основы линолеум.
Литография: материал основы камень
(специальный литографский).
Ксилография: материал основы дерево.
Резцовая гравюра и офорт: материал
основы металл (медная или цинковая
доска).

59. Вид изобразительного искусства, основным художественным средством которого является реальный объём.

СКУЛ ЬПТУРА

60. Что общего у живописи с графикой в отличие от скульптуры?

Рембрандт Хармес ван Рейн.
Три дерева. Офорт.
Флора. Холст, масло.
ВИДЫ
С К У Л Ь П Т У Р Ы (по функции произведения)
1) Станковая скульптура (произведение для
интерьеров), в т. ч. малая пластика (высотою
до 50 см).
2) Монументальная скульптура
(памятник; цель его создания – увековечить
память героя, известной личности, события)
3) Декоративная скульптура
(произведение, расположенное на фасадах
зданий или в экстерьере; цель его создание
декора, эстетически комфортной среды)

63. Что есть что?

ВИДЫ СКУЛЬПТУРЫ
(по способу воплощения пространственного образа)
1) КРУГЛАЯ СКУЛЬПТУРА
(произведение ориентированное на
восприятие со всех точек зрения в процессе
кругового обхода)
2) РЕЛЬЕФ
(произведение, имеющее плоскую основу;
барельеф, горельеф, обратный рельеф)

65. Что есть что?

66. Искусство создавать художественно оформленные предметы быта.

Декоративно-прикладное
искусство

67. Произведение ДПИ обладает следующими признаками

Наличие художественного оформления
предмета быта.
Его уникальность: это оригинальное
авторское произведение.
Высокий художественно-эстетический
уровень бытового предмета, изготовление
которого не связано с массовым
промышленным производством вещей.
Общий вид интерьера
с предметами
декоративноприкладного искусства
Фрагменты интерьера
с предметами декоративно-прикладного искусства
Декоративно-прикладное
искусство обслуживает
бытовые нужды человека и,
одновременно, удовлетворяет
его эстетические потребности,
несёт красоту в жизнь.

74. Искусство создавать отдельные архитектурные объекты и комплексы, включая комплексы ландшафтные и градостроительные.

АРХИТЕКТУРА
В И Д Ы АРХИТЕКТУРЫ
1) Жилая
2) Культовая
3) Общественных зданий
4) Промышленная
5) Малых форм
6) Градостроительство
6
1
© Л.И. Евтушенко. 2019.

77. ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:

ВОПРОС № 1:
Что такое пейзаж?
Выбери наиболее подходящее этому жанру
определение из предложенных:
- Изображение битв и сражений
- Изображение неживой природы
- Изображение реально существующего
человека или группы лиц
- Изображение природы

78.

ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:ВОПРОС № 2:
Что такое натюрморт?
Выбери наиболее подходящее этому жанру
определение из предложенных:
- Изображение битв и сражений
- Изображение неживой природы
- Изображение реально существующего
человека или группы лиц
- Изображение природы

79. ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:

ВОПРОС № 3:
Что такое портрет?
Выбери наиболее подходящее этому жанру
определение из предложенных:
- Изображение битв и сражений
- Изображение неживой природы
- Изображение реально существующего
человека или группы лиц
- Изображение природы

80. ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:

ВОПРОС № 4:
К какому жанру относится это живописное
полотно?

81. ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:

ВОПРОСЫ № 5:
Определи по картинкам:
энкаустику, фреску, мозаику, витраж.

82. ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:

ВОПРОС № 6:
Как называется гравюра на металле?
Выбери правильный ответ из предложенных
вариантов:
А) линогравюра
Б) литография
В) офорт
Г) ксилография

83.

ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:ВОПРОС № 7:
К какому виду архитектуры относится этот объект?
Выбери правильный ответ из предложенных
вариантов:
1) Жилая
2) Культовая
3) Общественных
зданий
4) Промышленная

84. ПРОВЕРОЧНЫЕ ВОПРОСЫ:

ВОПРОС № 8:
Как называется вид искусства,
обслуживающий бытовые нужды человека
и одновременно удовлетворяющий его
эстетические потребности, несущий
красоту в жизнь?
ЗАКЛЮЧЕНИЕ:
Если ты испытывал затруднения,
отвечая на поставленные
вопросы, тебе следует вновь
изучить соответствующие
разделы настоящей презентации!

Стили дизайна интерьера квартир: список и характеристика

Стили дизайна интерьера — базовая основа обустройства любого жилого помещения. В области дизайна существует множество стилистических направлений, обладающих неподражаемыми чертами. Условно их можно разделить на исторические и современные стили интерьера. Список стилей дизайна интерьеров насчитывает множество концепций, способных создать особенную атмосферу в доме.

Виды исторических стилей дизайна

Пребывая в апартаментах, исполненных в стиле классики, барокко или рококо, создается ощущение возвращения в прошлое на несколько столетий назад. Каждый предмет обстановки обладает уникальными чертами, несущими отпечаток времени. В просторных помещениях домов, где господствует эстетика исторических стилей дизайна, присутствует большое количество старинных вещей, произведений художественного и мебельного искусства.

Козетки, банкетки, напольные зеркала с резными позолоченными рамами, каминные кресла, статуэтки из слоновой кости, серебра и других драгоценных металлов — эстетические ориентиры исторических стилей дизайна. Их легко узнать по характерным признакам:

  • Классический стиль стал основополагающим интерьерным жанром для многих концепций дизайна. Ключевыми признаками классики является использование добротной мебели из ценных видов древесины (массива дуба, зебрано, венге) с патинированной фурнитурой, потолочных карнизов и колон с гипсовой лепниной, многоярусных люстр из муранского стекла и высокопробного хрусталя. Ковры, шторы, обивка мебели и другие предметы текстиля должны быть сшиты из элитных видов ткани — бархата, шелка, атласа и прочих дорогостоящих материалов.
  • Барокко — интерьерный жанр, способный любой дом превратить в королевский дворец. Этому стилю дизайна присуще использование позолоченных канделябров, картин знаменитых живописцев, мебели из красного дерева с изогнутыми каркасами, обоев с тканевой основой, имитирующей парчу, жаккард и другие элитные ткани.
  • Винтаж и ретро — стили дизайна интерьера квартир, визуально напоминающие выставки музейных экспонатов. Характерными чертами этих направлений является обустройство жилого пространства раритетной мебелью, текстилем и другими предметами интерьера с эффектом старины. Трещины, сколы, шероховатости, следы отслоившейся краски и лака на фасадах мебели — индивидуальные черты деталей интерьера в стиле винтаж и ретро.

Вариации современных стилистических направлений

Инновации в сфере мебельного, строительного, текстильного и других видов производства стали основой для создания новых интерьерных жанров. Новомодные стили дизайна интерьера квартиры предусматривают создание максимально удобного и эстетически привлекательного жилого пространства вне зависимости от площади комнат.

К ним относится хай-тек, модерн, минимализм, авангард, лофт, техно, китч и другие направления. Связующим звеном между этими стилями является зонирование пространства с учетом индивидуальных потребностей жильцов. Легко узнаваемы эти стили дизайна интерьера и их характерные черты: квартиры обставляются многофункциональной мебелью, оборудуются новинками светотехники, мультифункциональной быттехникой и нетривиальными предметами декора.

Большое разнообразие стилей позволяет с легкостью выбрать оптимальный дизайн интерьера, соответствующий любому эстетическому вкусу и личным потребностям.

Онлайн-трансляция лекции «Интерьерный жанр в русской живописи»

Развитие интерьерного жанра берет свое начало ещё в XVIII столетии, но, находясь на стыке двух живописных жанров, портретного и бытового, интерьер так и остаётся в их тени до начала следующего столетия. При этом он играет важнейшую роль в формировании образов моделей и создании реалистичной атмосферы бытовых сцен. Лишь в начале XIX века появляется большое количество изображений гостиных, столовых, кабинетов. Расцвет интерьерного жанра приходится на 1820 – 1830-е годы, а особое звучание тема интерьера приобретает к середине века, в эпоху историзма. Ближе к концу столетия в интерьерном жанре намечается тенденция к кадрированности, интимизации. Больше внимания уделяется изображению небольшого уединённого пространства, порой буквально угла комнаты. А.Г. Венецианов, К.П. Брюллов, К.А. Зеленцов, Ф.П. Толстой, С.В. Щедрин, И.Ф. Хруцкий увековечили в своих живописных полотнах яркие образы интерьеров своего времени, которые нам и предстоит оценить на лекции.

Лектор – Екатерина Репина — кандидат искусствоведения, специалист по русской живописи XIX века, заведующая отделом хранения экспозиции Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева.

В лекциях цикла «Интерьер в русской живописи XVIII – XIX веков» рассматривается русский интерьер как неотъемлемая часть искусства архитектуры, быта, пространство, в котором развивалась частная и общественная жизнь XVIII – XIX столетий, и его отражение в изобразительном искусстве: в творчестве знаменитых и малоизвестных художников и графике самих архитекторов.

Трансляция лекции пройдёт в прямом эфире, по московскому времени, в онлайн-формате. Трансляция организована на бесплатной платформе Zoom. После покупки билета, за  час до начала лекции, Вы получите на почту, указанную при покупке билета, прямую ссылку на трансляцию.

ЗАПИСЬ ЛЕКЦИИ НЕ ПРЕДОСТАВЛЯЕТСЯ.

Дизайн интерьера квартиры в стиле модерн: фото и описание

Дизайн интерьера в стиле модерн издавна считается законодателем интерьерной моды. Ему свойственно использование деталей обстановки, находящихся на пике современности с усовершенствованными до идеала функциями и внешним видом. Поэтому дизайн квартиры в стиле модерн, обустроенной в прошлом веке, кардинально отличается от ультрасовременной картины интерьера, созданной в 21 столетии в соответствии с последними модными тенденциями.

Современное направление модерна

Стильный интерьерный жанр преследует цель создать удобную для полноценной жизни среду обитания, где превалируют инновационные форматы отделочных материалов, зрелищные арт-объекты и нетривиальные детали обстановки.

Главная ставка сделана на функционализм жилых помещений, где каждый житель квартиры мог бы с комфортом отдыхать и выполнять разные бытовые задачи. Для этого используются детали обстановки, исполненные в духе последних интерьерных тенденций:

  • лаконичная мебель с прямолинейными силуэтами, созданная из МДФ, стекла, металла, древесины, полимеров с глянцевым покрытием;
  • натяжные потолки с однотонным оформлением, радиусные и фигурные потолочные конструкции из гипсокартона с интегрированной светодиодной подсветкой;
  • термодоска, плиты из шпона, ламинат с имитацией натуральных материалов (камня, древесины, природных минералов) — напольные покрытия, характерные для модерна;
  • компактные осветительные приборы с расширенным функционалом, занимающие минимум места в помещении и позволяющие создавать разные сценарии освещения;
  • эркерные и мансардные окна, снабжающие помещение обильным естественным светом;
  • газовые камины открытого типа, занимающие минимум места в гостиной из-за компактных размеров и отсутствия массивного портала;
  • облицовка стен плиткой с фотопечатью и декором, копирующим орнаменты, текстуру и фактуру окружающих предметов обстановки.

Чувство умиротворения должно возникать у домочадцев во время отдыха в обществе друзей и семьи. Поэтому в комнатах должна доминировать светлая фоновая облицовка, мебель с фасадами и обивкой приглушенных тонов. В качестве ярких акцентов могут выступить красочные диванные подушки, пуфики с броской обивкой, люстры и лампы с разноликими абажурами, модульные картины с фееричной цветовой гаммой.

Центральное место в гостиной должна занимать диванная группа с многочисленными посадочными местами и встроенными в подлокотники модулями, оборудованными выдвижными столиками для завтраков, музыкальными колонками, планшетами и прочими девайсами. На принципах эргономики должен базироваться современный дизайн квартир.

Модерн приветствует нестандартный подход к оформлению жилья — установку кресла-шезлонга или гамака в зоне отдыха, круглой кровати в спальне, дизайнерских светильников нетривиальной формы и воплощение других креативных идей декораторов-новаторов.

"Кордегардии" и формирование концепции интерьерного бытового жанра в творчестве Питера де Хоха первой половины 1650-х годов Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

2010_ВЕСТНИК САНКТ-ПЕТЕРБУРГСКОГО УНИВЕРСИТЕТА_Сер. 2 Вып. 1

ИСТОРИЯ ИСКУССТВА И КУЛЬТУРЫ

УДК 7.034.7

А. А. Дмитриева

«КОРДЕГАРДИИ» И ФОРМИРОВАНИЕ КОНЦЕПЦИИ ИНТЕРЬЕРНОГО БЫТОВОГО ЖАНРА В ТВОРЧЕСТВЕ ПИТЕРА ДЕ ХОХА первой половины 1650-х годов

Голландский художник XVII в. Питер де Хох (1632-1675) известен как выдающийся мастер бытового жанра, представитель делфтской школы живописи. Вступив в гильдию живописцев в 1655 г., он работал в Делфте в то же время, что и молодой Ян Вермеер. Хох положил начало новому сюжетному направлению в делфтском бытовом жанре — изображению городских дворов (тема, известная как «дворики», в которой жанровая живопись оказалась объединенной с городским пейзажем). Однако начало художественных поисков Питера де Хоха было положено не в Делфте, а на его родине в Роттердаме, где в конце 1640-х — первой половине 1650-Х гг. прошел первый этап творчества мастера1. В эти годы Хох обращается к теме офицерского быта и пишет ряд сцен в караульнях («кордегардий»), изображающих развлечения солдат, опираясь в поисках композиционных решений на сюжеты своего соотечественника Людолфа де Йонга (1616-1679).

Изображение «кордегардий» (оогЬедатйе) имело в голландской живописи долгую традицию. В первые годы XVII в. события национально-освободительной борьбы с Испанией способствовали развитию батального жанра в голландском и фламандском изобразительном искусстве, в том числе сюжетов на тему кавалерийских сражений и даже эпизодов разграбления деревень и преследования врага. Подчас художники воплощали эти сюжеты с неприкрытой жестокостью, воплощая дух многих событий, имевших место в исторической реальности, сначала до подписания перемирия 1609 г., а затем в годы завершения 80-летней войны в 1648 г. Произведения Геррита Класса Бле-кера (1592-1656) и особенно Паламедеса Паламедеса (1607-1637) подготовили расцвет батального жанра в голландской живописи, наиболее ярким представителем которого был Филипс Воуверман (1619-1668). Но не только батальные схватки интересовали авторов, специализировавшихся в изображении солдат и офицеров. Большие сюжетные и смысловые возможности мастерам давало обращение к обыденной стороне повседневного солдатского быта. Образы солдат, играющих в карты и трик-трак, флиртующих с дамами и пьющих вино, начиная с XVI в., получили распространение в искусстве Германии и Нидерландов, о чем свидетельствует гравюра мастера антверпенской школы рубежа XVI-XVII столетий Якоба Матама (1571-1631) «Солдат и служанка с бокалом

1Все известные архивные документы о жизни Питера де Хоха были опубликованы в монографии П. Саттона [12. Р. 145-147].

© А. А. Дмитриева, 2010

вина» из серии «Плоды фривольного поведения». Как правило, такие сцены имели негативное смысловое содержание и символизировали семь смертных грехов.

В голландской драматургии 1600-1630-х гг. , в сатирических постановках народного театра риторов образ пьяного или дерущегося солдата появляется не так часто, как образ крестьянина в аналогичном амплуа, но он подвергается еще более яростным нападкам и высмеивается как знак тщеславия, глупости, невоздержанности и распутства. Комедийные пьесы Гербрандта Бредеро «Мавританка» (1615), «Испанец из Брабанта» (1617) и особенно реалистическая драма Самюэля Костера «Тейскен ван дер Схил-ден» (1613), в ярких красках и с долей горькой иронии демонстрирующие подобных персонажей, выдерживают сравнение с лучшими жанровыми полотнами голландских художников. Особенную популярность среди читателей того времени снискал «Тейскен ван дер Схилден», дидактически повествующий о приключениях старого капитана, вояки и мародера, в мирное время промышлявшего разбоем, чтобы жить безбедно и оплачивать наряды жены, но в итоге попавшего на виселицу [1. С. 218-221].

Окончательное сложение темы «кордегардий» в изобразительном искусстве Голландии происходит во второй четверти XVII в. , когда художники Питер Кодде, Виллем Дейстер, Питер Поттер, Якоб ван Велзен, Антони Паламедес и Якоб Дюк делают ее специфическим направлением интерьерного бытового жанра. Характеристика солдатского досуга становится мягче, жесткий морализм уступает место человечности, признанию права военного сословия, уставшего от изнурительной многолетней войны, на обычные радости повседневного бытия. В сюжетах появляется нотка меланхолии, художники отражают эмоциональное настроение всего голландского общества, жаждущего мира и спокойствия, стремящегося компенсировать веселым досугом тяжелые годы кровопролитных сражений.

«Кордегардии» Питера де Хоха были продолжением этой традиции. Хотя художники, создававшие сцены в караульнях, работали в разных городах, работы Хоха теснее примыкают к творчеству роттердамского мастера Людолфа де Йонга, канонизировавшего тему «кордегардий» и сделавшего ее областью камерного бюргерского жанра2. Уже в крупноформатных полотнах Якоба Дюка (1600-1667), по праву считающегося основоположником военных сцен в интерьере, обыденность ситуации служит цели раскрыть созерцательный характер сюжета. Даже и при нерасчлененной и суммарной трактовке интерьера и резкой светотеневой моделировке утрехтскому художнику удается достичь убедительности в передаче непредвзятой простоты и незамысловатости действий персонажей. В его полотнах «Офицеры в караульне за игрой в карты» (ок. 1650 г., Будапешт, Музей Изобразительных Искусств) и «Солдатская стоянка» (середина 1650-х гг., Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж) обращает на себя внимание значительная глубина пространства при мелкомасштабной трактовке фигур, которые нередко написаны как стаффаж. Напротив, в сценах Хоха, вслед за произведениями Йонга, внимание акцентировано на фабуле сюжета, мастер стремится вызвать у зрителя интерес к происходящему действию и передать его с большой подробностью. Усилению камерности и интимности сцен способствует уменьшение формата полотна и сокращение числа персонажей. Чаще всего Хох изображает композиции с двумя или тремя фигурами, расположенными на втором плане, иногда один из персонажей представлен в отдалении от других. В этом принципе композиционного построения предвосхищена схема делфтских полотен Хоха, заложены основы пространственно-плановой трактовки его лучших работ конца 1650-х гг.

2О творчестве Л. де Йонга см.: [6].

Колорит картины «Офицер и служанка» (ок. 1653 г., Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж) построен на охристо-оливковых сочетаниях, деликатное звучание немногочисленных ярких пятен красного, голубого и белого цветов не нарушает гармонию палитры. Действие происходит в деревянной конюшне. В центре композиции молодой солдат преподносит бокал вина сидящей за маленьким столиком девушке, облаченной в платье служанки. С другой стороны стола — мужчина с курительной трубкой, лицо которого заслонено протянутой рукой солдата. Мягкая светотень, участвующая в передаче интерьера на дальнем плане, и серебристый тон, в который окрашены предметы переднего плана, уравновешены и лишены строгих контрастов. Это одна из первых работ Хоха с участием свето-воздушной среды и выраженным интересом мастера к экспериментам в области пространственного построения, проявляющимся в «раскрытии» интерьера, размыкании его границы слева, где Хох изображает открытый дверной проем, за которым можно увидеть часть окружающего пейзажа с деревьями. По отношению к низкой линии горизонта фигуры главных героев кажутся слишком большими, непропорциональными и приземисто сложенными, демонстрирующими относительную неуверенность Хоха на данном этапе в передаче внешнего облика. Однако динамизм их жестов и сложные ракурсы, равно как и тематика этого и других ранних сюжетов художника ввели многих исследователей в заблуждение, вследствие чего ряд произведений Хоха был приписан молодому Габриэлю Метсю. В частности, картина «Солдат и служанка с пустым кувшином вина» (ок. 1655 г., Роттердам, Музей Бойманс-ван-Бейнинген), дважды проданная в XVIII в. как «Метсю 1650-х годов», затем как «художник круга Метсю», лишь в 1920 г. приобрела правильную атрибуцию3.

Близкой аналогией эрмитажной композиции стало полотно «Солдат, трубач и служанка» (1650/1655 г., Цюрих, Кунстхаус), также представляющее четырехфигурную сцену. Мальчика на пороге конюшни из предыдущего произведения здесь заменил трубач в красном плаще, ботфортах и широкополой шляпе с перьями, трубящий в горн. Он изображен спиной к другим участникам действия — двум солдатам и молодой служанке, подносящей им вино. Образ пьяного солдата в желтом камзоле, с трудом удерживающегося на стуле, акцентирован ярким светом и запечатлен с подробным натурализмом: едкая сатира Хоха проявляется в изображении его порозовевшего от вина носа, неустойчивой позы и наполовину расстегнутом камзоле. Симпатии художника в этом сюжете явно на стороне молодого трубача, который единственный среди всех занят своими постоянными обязанностями. Его стройный силуэт с благородной осанкой, нарядная костюмировка и отстраненность от остальных героев позволяют впервые отметить уже зарождающийся оттенок рафинированного аристократизма, в дальнейшем свойственный образам персонажей Хоха делфтского и амстердамского периодов. Еще интереснее трактовано здесь интерьерное пространство, которое открывается наружу не только слева, но и справа: художник показывает соседнее помещение, освещенное солнцем, а за ним открытая дверь ведет в другой интерьер, завершенный высоким окном. Несмотря на сюжетное сходство двух произведений, картина из Цюриха стоит гораздо выше по художественным достижениям. Ее тональность намного светлее, возрос интерес живописца к эффектам воздушной среды. Композиция словно наполнена золотистым светом, и хотя перспективные построения художника еще достаточно робкие, тенденция противопоставления предметов переднего и дальнего плана не вызывает сомнений.

Как было отмечено, значительную роль в формировании темы «кордегардий» в

3В частности, Валентинер, Робинсон и даже Плитч считали эрмитажное и роттердамское полотна произведениями Метсю. См.: [14; 11. Р. 55].

творчестве Питера де Хоха сыграло искусство Йонга, ряд картин которого Хох даже копировал. Именно Йонгу принадлежит введение в военную тему женского персонажа в качестве одного из главных участников сцен, наделение сюжетов более интимным и камерным характером. Его солдаты и офицеры играют в карты, пьют вино, беседуют со служанками, и в этом картины Хоха ему, вне всякого сомнения, подражают [4. Р. 108]. Будучи на тринадцать лет старше Хоха, Йонг к середине 1650-х гг. являлся уже сложившимся и известным заказным художником, в его «кордегардиях» больше, чем у других мастеров, сюжетных решений, изображение фигур намного увереннее, их движения разнообразнее. Конечно, Хох не мог пройти мимо достижений своего старшего современника. Та естественность в построении композиции и непринужденность ситуаций, которые Питер де Хох демонстрирует в своих поздних «кордегардиях», созданных в Делфте, были задолго до их создания воплощены в произведениях Йонга. Желание Хоха усовершенствовать свою творческую манеру привело к нескольким подражаниям Йонгу, иногда подражаниям столь близким, что часть произведений Йонга были ошибочно названы работами Хоха. Примером служит картина «Плата за постой» (1658 г., частное собрание), сюжет и композиция которой очень близки одноименному полотну Йонга. Однако сложность пространственного решения, так же как и трактовка свето-воздушной среды, снижение оттенка бравурности и придание мизансценам атмосферы недоговоренности и созерцательности были оригинальными качествами живописи Хо-ха и свидетельствовали о его несомненном вкладе не только в тему «кордегардий», но и в интерьерный бытовой жанр в целом. Часть композиций была впоследствии изменена неизвестными художниками. «Сцена в конюшне с солдатом, молодой женщиной и битой дичью» (1655/1657 г., Лондон, Национальная Галерея) оказалась переписанной анонимным мастером XIX в., знакомым с искусством Йонга и попытавшимся воспроизвести его одноименную работу. Рентгеновское исследование показало наличие старого красочного слоя и выявило другие элементы изображения, изначально принадлежавшие Хоху. Мужчина на переднем плане, склонившийся над охотничьими трофеями, в оригинальном варианте был занят заботой о раненом солдате, фигура которого и оказалась скрытой под натюрмортом с битой дичью [13. Р. 18]. В аукционном каталоге 1825 г. полотно обозначалось как «Раненый солдат» Яна Батиста Веникса, из чего следует, что изменение композиции произошло не ранее второй трети XIX столетия [13. Р. 18-19].

Близость полотен Хоха рубежа 1640-1650-х гг. к работам Йонга очевидна, а их стилистика далека от итальянизирующей манеры харлемского мастера Николаса Бер-хема (1620-1683), которого биограф Арнольд ван Хаубракен назвал учителем Хоха [8. Вк. 34-35]. Это предположение, по меньшей мере, претендует на корректировку. Никаких документальных доказательств пребывания де Хоха в мастерской Берхема не имеется. Мнение голландского биографа было подтверждено в 1920-х гг. лишь на основании попытки установления В. Валентинером [14. 8. 265-266] и К. Бриер-Мисмом [3. Р. 362-366] авторства Хоха в отношении двух пейзажей с всадниками, написанных в отдаленном сходстве с произведениями Берхема. Речь идет о полотнах «Солдатская стоянка» и «Всадники», местонахождение которых в настоящий момент неизвестно. На самом деле эти композиции не только не были точно датированы, но даже их принадлежность к творчеству Хоха часто оспаривается. Если же принять во внимание, что все-таки это ранние полотна Хоха, то по композиционной схеме они оказываются гораздо ближе работам Якоба Охтервелта (1634-1682), а в трактовке деталей пейзажа и отдельных фигур — манере утрехтского живописца Дирка Виллемса Стопа (ок. 16181686). Динамика пространства, развиваемая Стопом в батальных сценах от переднего

плана в глубину и слева направо, находит воплощение и в упомянутых возможных пейзажах Хоха, но не соответствует статичности, которой наделял свои работы Николас Берхем. Эти и другие сравнения позволяют прийти к выводу, что, если Хох и пробыл в харлемской мастерской Берхема какой-то период, то он был кратковременным и способствовал формированию его творчества гораздо меньше, чем годы, проведенные после возвращения в Роттердам в среде местных живописцев, особенно Йонга [5. Р. 49-51].

В первой половине 1650-х гг. Питер де Хох обращается и к другим сюжетам в развитии темы «кордегардий». Среди них — изображение солдат, играющих в карты и триктрак (нарды), имевшее истоки в искусстве караваджистов. Композиция Караваджо «Карточный шулер» (1596 г., Форт Уорт, Музей Искусства Кимбелла) заложила целую традицию в этом направлении [7. Р. 15-49], хотя можно найти и более ранние примеры, в частности, в картинах Лукаса Лейденского «Игроки в карты» (1508/1510 г., Вашингтон, Национальная Галерея) и «Игроки в шахматы» (ок. 1508 г., Берлин, Государственный Музей, Картинная Галерея). Игровая мизансцена открывала для мастеров большие изобразительные возможности, возникала смысловая коллизия и как следствие, у зрителя появлялся соблазн домыслить происходящее, вступить в диалог с автором. Но произведение Караваджо в полной мере еще и отвечало постулатам эстетики искусства начала XVII столетия — оно содержало глубокий дидактический подтекст. Число атрибутов сведено к минимуму, а лица участников выражают только то, что и должны выражать по хрестоматийным канонам (шулер — мошеннический цинизм, его сообщники — напряженную сосредоточенность, его жертва — наивность и растерянность). Поэтому неслучайно тема азартных игр появляется после Караваджо в творчестве французских караваджистов Жоржа де Латура и Валантена, у Теодора Ромбаутса во Франдрии, у римских последователей Караваджо и, безусловно, у представителей утрехтской школы в Голландии, о чем свидетельствуют работа Хендрика Тербрюггена «Игра в трик-трак» (1623 г., Миннеаполис, Институт Искусства). Восприятие темы азартных игр мастерами харлемской школы привело к самым разным композиционным поискам, игроков в карты мы можем встретить и в многофигурном жанре Эсайаса ван де Вельде, изображавшего «веселые компании» на террасе или в саду, и в интерьерах Дирка Халса.

Полотна Питера де Хоха «Игроки в трик-трак» (1652/1655 г., Дублин, Национальная Галерея Ирландии), «Солдаты, играющие в карты, и служанка» (ок. 1655 г., частное собрание) и картина, одноименная предыдущей (ок. 1655 г., Кельн, Музей Вальрафа-Рихарца) демонстрируют азарт персонажей, их увлеченность процессом игры, олицетворявшей в эмблематике того времени лень и тщету плотских удовольствий. У Хоха негативный смысл игры усиливается за счет введения в сюжет женских персонажей, его солдаты вдвойне заслуживают порицания, так как не только проводят время в праздных забавах с целью стяжательства, но и ищут плотских утех с женщинами. Выбирая высокую точку зрения в композиции «Игроки к трик-трак» и придавая ей панорамный характер, художник дает зрителю возможность рассмотреть подробно изображенные шашки, расставленные на открытой доске. Здесь же на полу лежит брошенная курительная трубка и рядом с ней — игральная карта. Стоящий на столе кувшин с вином дополняет ряд «негативных» эмблематических элементов, связанных с символикой суеты сует.

Такой же характер имеет и композиция картины из музея в Кельне, с тем отличием, что фигуры более отодвинуты в глубину и действие смещено влево. Игра в трик-трак сменилась на партию в карты, но набор предметов за исключением доски для нардов в основном остался прежним: полупустой бокал, курительные трубки, колода карт. Жи-

вописец детально их конкретизирует, можно увидеть, например, что женщина, сидящая за столом, держит в руке бубновую восьмерку, акцентированную наряду с другими значимыми по смыслу предметами ярким светом. В третьей из перечисленных работ Питера де Хоха, находящейся в частном собрании, передний и дальний планы перспективно противопоставлены друг другу, фигуры приближенных к зрителю служанки с бокалом в руке и солдата укрупнены и предельно освещены. По контрасту с ними трактована сцена с играющими в карты двумя другими солдатами, фигуры которых помещены в самую темную часть композиции, сильно затенены и почти сливаются по тону с коричневой плоскостью стены, выступая наглядной противоположностью цветовым созвучиям красного платья женщины и желтого мундира ее кавалера. В стилистическом отношении эти работы аналогичны другим творениям молодого Хоха с контрастной светотенью, сдержанностью палитры и еще достаточно робкими разработками глубины пространства.

Дидактический смысл игральных карт, костей и шашек был известен зрителю XVII столетия, хорошо знакомому с поучительной эмблематикой и литературой [2. Р. 229]. Они выступали и элементами натюрмортов ьаиИаз, символизируя вместе с другими предметами превратности судьбы, бренность богатства и земных соблазнов [9. Р. 23]. В натюрморте Жака де Клаува «Натюрморт со скрипкой» (середина 1650-х гг., Дж-эксонвилль, Флорида, Галерея Искусства), карта «туз пик» соседствует с песочными часами, увядшей розой, курительными трубками, глобусом и сломанными сургучными печатями. Слева художник изображает стопку других игральных карт.

Образы солдат и служанок, повторяющиеся у Хоха из картины в картину и несущие на себе печать демократизма и незамысловатой простоты, красноречиво говорят о том, что традиции харлемской и роттердамской школ оставили в его живописи глубокий след. Они, безусловно, уступают в тематическом разнообразии работам современников художника, в том числе Гербранда ван ден Экхаута (1621-1674) — ученика Рембрандта, создававшего свои «кордегардии», как и Хох, в первой половине 1650-х гг. Пристальное внимание Экхаута к деталям интерьера, сбалансированное цветовое решение переднего и дальнего планов, акцент на повествовательности в изображении сюжета ставят его картину «Игроки в трик-трак» (1651 г., частное собрание) в ряд лучших произведений на тему солдатского жанра. При сравнении с ней сцены Хоха, конечно, проигрывают в тематическом новаторстве и художественном мастерстве. Детали обстановки в картине Экхаута намного разнообразнее и богаче: на стене висит карта, рядом — вешалка с накинутым на нее плащом, на спинку стула небрежно брошена шляпа одного из игроков, сломанная курительная трубка на полу дополняет предметный ряд. Мягкое рассеянное освещение, отсутствие скованности в действиях героев в большей степени приближают изображенную Экхаутом сцену к реальности, которую она воспроизводит, и позволяют отнести этого художника, наряду с Людолфом де Йонгом и Герардом Терборхом, также создавшим немало композиций на игровую тему («Игра в трик-трак», ок. 1660 г., Бремен, Кунстхалле) к числу наиболее талантливых современников Питера де Хоха.

Но было бы ошибочным видеть несовершенство в творческом методе Хоха первой половины 1650-х гг. и говорить о какой-либо степени отставания от искусства близких ему по тематике мастеров. Рассмотренные картины на тему «кордегардий» убедительно показывают, что Питер де Хох, при всем внимании к своему художественному окружению, шел собственным путем. Уже в раннем творчестве он продемонстрировал самостоятельное понимание композиционных задач, в которые входило и сложное пространственное построение, и разработка проблем свето-воздушной среды, и изначальный интерес к женским образам, которые в дальнейшем являются неизменными

участницами любого его сюжета. Иными словами, Хох еще в начале своей карьеры начинает решать сложные задачи, интересовавшие его коллег по цеху чаще всего в зрелый период. И если рассматривать его ранние произведения на тему «кордегардий» с этих позиций, то бесспорным является смелое новаторство, ставшее залогом блестящего расцвета творчества Питера де Хоха в Делфте на рубеже 1650-1660-х гг.

Литература

1. Ошис В. В. Реализм в нидерландской литературе XVII века. Бредеро, Костер. М., 1987.

2. Alpers S. The art of describing. Dutch art in the seventeenth century. Chicago, 1983.

3. Briere-Misme C. Tableaux Inedits ou peu connus de Pieter de Hooch // Cazette des Beaux-Arts. 1927. Juin.

4. Fleischer R. An altered painting by Pieter de Hooch // Oud Holland. 1976. Vol. 90.

5. Fleischer R. Ludolf de Jongh and the early work of Pieter de Hooch // Oud Holland. 1978. Vol. 92. N 1.

6. Fleischer R. Ludolf de Jongh. Doornspijk, 1989.

7. Hibbard H. Caravaggio. London, 1983.

8. Houbraken A. De Groote Schouburg der nederlandsche konstschilders en schilderessen. H. 2. Amsterdam, 1721.

9. Jongh E. Real Dutch life and not-so-real Dutch life: some nationalistic vews of XVII century Nederlandish painting // Simiolus. 1990/91. Vol. 20. N 2/3.

10. Lilienfeld K. Wiedergefundene Gemälde des Pieter de Hooch // Zeitschrift fur Bildende Kunst. 1924-1925. N LVIII.

11. Robinson F. Gabriel Metsu. A Study of His Place in Dutch Genre Painting of the Golden Age. New York, 1974.

12. Sutton P. Pieter de Hooch. Complete edition. Oxford; New-York, 1980.

13. Sutton P. Pieter de Hooch. 1629-1684. Exhibition. Catalogue. Dulwich Picture Gallery, London. Hartford, 1998.

14. Valentiner W. Pieter de Hooch. Des Meisters Gemalde in 180 Abbildungen mit einem Anbang uäber die Genremaler um Pieter de Hooch und die Kunst Hendrick van der Burchs // Klassiker der Kunst. Vol. 35. Berlin; Leipzig, 1929.

Интерьерная фотосъемка – сложный интерьерный натюрморт глазами фотохудожника

Потребность в интерьерной фотосъемке в настоящее время стала ощутимо высока. Это связано и с возросшей потребностью риэлторского бизнеса и дизайнерских бюро в наиболее выгодном свете продемонстрировать созданные интерьеры помещений, а также и с желанием многочисленных заведений показать свое разнообразное внутреннее обустройство посредством профессиональной интерьерной фотосъемки.

Интерьерная фотосъемка достаточно специфический вид фотографии, как таковой. Большую роль в успехе фотосъемки играет сюжет. Для фотографа важно не просто показать все достоинства и уникальность того или иного интерьера, но и предоставить зрителю возможность почувствовать себя внутри него и ощутить предлагаемую посредством профессиональной фотосъемки реальность.

На многих работах профессиональной фотосъемки предметы мебели и интерьера выглядят как настоящие произведения искусства, сложенные в архитектурный натюрморт. Безусловно, мастерство фотографа в данном случае выступает главным инструментом, т.к. творческий подход и вкус художника постановочной фотосъемки интерьеров как нельзя лучше выразят поставленную задачу. Цена интерьерной фотосъемки складывается из многих факторов – это и предлагаемое техническое задание, и сложность концепции, и необходимое для съемки оборудование, и характер самого интерьера или мебели.

Для профессиональной интерьерной фотосъемки характерна достаточно продолжительная длительность процесса, внимание к деталям пространства, а также очень важны условия освещения на съемочной площадке, поэтому в данном виде фотографического процесса отличных результатов может добиться только профессионал. Большое значение в съемке помещения занимает правильно выбранный ракурс и верная расстановка освещения. В процессе интерьерной фотосъемки в Москве применятся высокопрофессиональное оборудование, специализированные осветительные приборы, различные виды штативов и многое другое фотооборудование.

В современном мире насчитывается огромное количество рекламных интерьерных изданий, каждое из которых стремится наиболее удачным образом представить имеющиеся интерьеры для покупателя. От качественно проведенной интерьерной фотосъемки напрямую зависит, сможет ли зритель полноценно, объемно и во всех деталях ощутить задумку интерьер-дизайнера и захочет ли он стать владельцем предоставляемого обустроенного помещения или предмета мебели. Поэтому, помимо всего прочего, для работы над профессиональной фотосъемкой очень важно правильно поставить задачу и грамотно расписать задуманную концепцию.

Интерьерная фотосъемка в Москве осуществляется для демонстрации многообразия интерьеров различных ресторанов, клубов, офисных и жилых помещений, мебельных салонов, отелей и частных коттеджей. Подобный жанр фотосъемки достаточно популярен в настоящее время и может быть использован не только в сугубо рекламных целях. Профессионально и талантливо проведенная съемка может предоставлять работы, которые сами по себе могут быть использованы для оформления помещений.

Thames & Hudson USA - Жанр

Thames & Hudson USA - Жанр - Дизайн интерьера
  • Андре Фу: На стыке культур с дизайном Кэтрин Шоу Читать далее
  • Дома на Шри-Ланке Джеймс Феннелл, Том Сайкс Читать далее
  • Книжная полка Алекс Джонсон Читать далее
  • Китайские коврики: руководство покупателя Ли Аллейн Читать далее
  • Современная классика: ДНК мебельного дизайна Тим Гослинг Читать далее
  • Креативная жилая страна Хлоя Гримшоу, Люк Уайт Читать далее
  • Творческая жизнь в Лондоне Эмили Уилер, Ингрид Расмуссен Читать далее
  • Создан для детей Филлис Ричардсон Читать далее
  • Собранный дом Джоанна Макленнан, Оливер Макленнан Читать далее
  • Французский Дом Шик Джейн Вебстер Читать далее
  • Французский стиль и украшения: справочник оригинальных дизайнов Стаффорд Клифф Читать далее
  • Hip Hotels США Герберт Ипма Читать далее
  • ХИП-ОТЕЛИ: Побег Герберт Ипма Читать далее
  • Дома у моря Эммануэль Граффин Читать далее
  • Культовый интерьер: с 1900 года по настоящее время Доминик Брэдбери, Ричард Пауэрс Читать далее
  • В романтическом стиле: создание интимности, фантазии и очарования в современном доме Лаура Червинске, Линда Чейз Читать далее
  • Индия Современная Генри Уилсон Читать далее
  • Дизайн интерьера с 1900 года: четвертое издание Энн Мэсси Читать далее
  • Здесь красиво: дома, в которых сердце бьется быстрее Меган Мортон Читать далее
  • Жизнь в Марокко: дизайн от Касабланки до Марракеша Ландт Деннис, Лизл Деннис Читать далее
  • Living Modern Tropical: Справочник по стильным интерьерам Филлис Ричардсон, Ричард Пауэрс Читать далее
  • Living Modern: Справочник по современным интерьерам Ричард Пауэрс, Филлис Ричардсон Читать далее
  • Living Modern: Справочник по современным интерьерам Ричард Пауэрс, Филлис Ричардсон Читать далее
  • Жизнь с книгами Доминик Дюпюич, Ролан Бофр Читать далее
  • Лондонский минимум Герберт Ипма Читать далее
  • Lumitecture: освещение интерьеров для дизайнеров и архитекторов Анна Юдина Читать далее
  • Как сделать жизнь прекрасной: освободите свой дом с помощью креативного дизайна Джордан Клуро, Рассел Уайтхед Читать далее
  • Мексиканский современный Герберт Ипма Читать далее
  • Современные иконки дизайна середины века: иконы дизайна Здесь Дизайн, Фрэнсис Эмблер Читать далее
  • Скоро! Книга домов-моноклей Тайлер Брюле, Нолан Джайлз, Эндрю Так Читать далее
  • Марокко Модерн Герберт Ипма Читать далее
  • Новые азиатские интерьеры Массимо Листри Читать далее
  • Новый творческий дом: лондонский стиль Ингрид Расмуссен, Талиб Чоудри Читать далее
  • Клейкая стена: история, узоры и техника изготовления обоев Лесли Хоскинс Читать далее
  • Paris Objet Trouvé Герберт Ипма Читать далее
  • Стиль растений: как озеленить ваше пространство Алана Ланган, Жаки Видаль Читать далее
  • Реальные дома Солви душ Сантуш, Филлис Ричардсон Читать далее
  • Новый! Ее собственная комната: в домах и жизни творческих женщин Робин Ли Читать далее
  • RSVP: простая изысканность. Легкое развлечение. Мари Франс ван Дамм, Герберт Ипма Читать далее
  • Сандерсон: сущность английского декора Мэри Шузер Читать далее
  • Совместное проживание: дизайн интерьера съемных и общих помещений Эмили Хатчинсон Читать далее
  • Спектр: узоры и цвета наследия Виктория и Альберта, Рос Байам Шоу, Каз Хильдебранд Читать далее
  • Тропический минимальный Даниэль Миллер, Ричард Пауэрс Читать далее
  • Вертикальная жизнь Доминик Брэдбери, Джон Хичкокс Читать далее
  • Дом-склад: индустриальное вдохновение для жизни XXI века Софи Буш Читать далее
  • Скоро! Где мурлыкают: креативные интерьеры и кошки, которые называют их своим домом Пол Барбера Читать далее
  • Мир бидермейера Линда Чейз, Карл Кемп, Лоис Ламмерхубер Читать далее

Голландские художники | Безграничная история искусства

Ter Brugghen, van Honthorst, Hals, Leyster

Хендрик тер Бругген, Геррит ван Хонтхорст, Франс Хальс и Джудит Лейстер были важными жанровыми художниками Голландской республики.

Цели обучения

Объясните важность тер Бруггена, ван Хонтхорста, Хальса и Лейстера для жанровой живописи Голландской республики

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Тер Бругген и Хонтхорст были художниками из голландского города Утрехт, которые работали в традициях Караваджисти, подражая драматическому использованию света и тени Караваджо. Оба художника были напрямую вдохновлены путешествиями в Италию.
  • Таверны и другие изображения оживленных развлечений были обычным явлением для художников-жанристов этого периода.
  • Франса Хальса, еще одного известного голландского художника, помнят прежде всего за его портретную живопись и новаторское использование свободной манеры.
  • Джудит Лейстер - одна из немногих признанных женщин-художников Золотого века Голландии, известная тем, что изображает женские предметы в домашних сценах.
  • Работа Лейстер очень похожа на работу Хальс, поэтому некоторые историки предполагают, что она могла быть его ученицей.
Ключевые термины
  • светотень : Художественная техника, разработанная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.
  • Караваджисти : Стилистические последователи итальянского художника эпохи барокко XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо.
  • Маньеризм : Стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.

Золотой век Голландии

Золотой век Голландии был периодом в истории Голландии, обычно охватывающим 17 век, во время и после более поздней части Восьмидесятилетней войны (1568–1648) за независимость Голландии.Хотя голландская живопись Золотого века относится к общеевропейскому периоду живописи барокко и часто демонстрирует многие ее характеристики, большинству из них не хватает идеализации и любви к великолепию, типичных для многих работ в стиле барокко, в том числе из соседней Фландрии. Большинство работ в Голландии этой эпохи, в том числе и наиболее известные, отражают традиции детального реализма, унаследованные от ранней нидерландской живописи.

Отличительной чертой этого периода является распространение различных жанров картин, при этом большинство художников создают большую часть своих работ в рамках одного из них.Полное развитие этой специализации наблюдается с конца 1620-х годов, и период с тех пор до французского вторжения 1672 года является стержнем живописи Золотого века. Утрехтские караваджисты Хендрик тер Бругген и Геррит ван Хонтхорст, а также Франс Хальс и Джудит Лейстер были жанровыми художниками Голландской республики. В их работах обычно изображались таверны и другие развлекательные заведения, которые отвечали вкусам и интересам растущего сегмента голландского среднего класса.

ter Brugghen

Хендрик Янс тер Бругген (1588–1629) был голландским художником и одним из ведущих представителей голландских последователей Караваджо или голландских Караваджисти.Тер Бругген начал рисовать в возрасте 13 лет, обучаясь у Авраама Блумарта, художника-историка, обучавшегося маньеризму. Около 1604 года тер Бругген отправился в Италию, чтобы расширить свои навыки, как и многие его голландские коллеги. Находясь в Риме, он мог напрямую контактировать с Караваджо. Он, безусловно, изучал свои работы, а также работы своих последователей, известных как итальянский Караваджисти. По возвращении в голландский город Утрехт он работал с Жераром ван Хонтхорстом, еще одним членом голландского Караваджисти.

Флейтист Тер Бруггена, 1621 : Тер Бругген с Герардом ван Хонтхорстом импортировали техники Караваджо из Италии в начале 17 века.

Любимыми предметами Тер Бруггена были поясные фигуры пьющих или музыкантов, но он также создавал крупномасштабные религиозные изображения и групповые портреты. Он унес с собой влияние Караваджо, и в его картинах ярко выражено драматическое использование света и тени, а также эмоционально окрашенных предметов.Хотя он умер довольно молодым в возрасте 41 года, его работы были хорошо приняты и оказали большое влияние на его жизнь.

Концерт Тер Бруггена (1627), 99,1 x 116,8 см, Национальная галерея, Лондон : Некоторые из любимых предметов Тер Бруггена были поясными фигурами пьющих или музыкантов с сильным драматическим использованием света и тени в стиль Караваджо.

Ван Хонтхорст

Герард ван Хонтхорст (1590–1656) родился в Утрехте и также учился у Абрахама Блумарта.В 1616 году Хонтхорст также путешествовал по Италии и находился под сильным влиянием недавнего искусства, с которым он там познакомился. Хонтхорст вернулся в Утрехт в 1620 году и заработал значительную репутацию как в Голландской республике, так и за рубежом.

Хонтхорст ненадолго стал придворным художником Карла I в Англии в 1628 году. Его популярность в Нидерландах была такова, что он открыл вторую студию в Гааге, где писал портреты придворных и преподавал рисование. Хонтхорст культивировал стиль Караваджо и имел большое мастерство в светотени, часто рисовал сцены, освещенные единственной свечой.Помимо портретов, он известен тем, что рисует сцены в тавернах с музыкантами, игроками и людьми, которые едят.

Сват Джерарда ван Хонтхорста, 1625 : Эта картина демонстрирует использование Хонтхорстом светотени, стиля, ставшего популярным благодаря Караваджо.

Галс

Франс Хальс Старший (ок. 1582–1666) был особенно известен своей свободной живописной манерой рисования, живым стилем, который он помог привнести в голландское искусство. Галс также сыграл важную роль в развитии группового портрета 17 века.Он, пожалуй, наиболее известен своими портретами, которые были в основном состоятельными гражданами и известными купцами, такими как Питер ван ден Броке и Исаак Масса. Он также писал большие групповые портреты для местной гражданской гвардии и руководителей местных больниц. Его картины иллюстрируют различные слои общества: банкеты или собрания офицеров, членов гильдии, членов местных советов от мэров до клерков, странствующих игроков и певцов, джентльменов, рыбачьих хозяйок и героев таверн. В своих групповых портретах, таких как Офицеры роты милиции Святого Адриана , Хальс запечатлел каждого персонажа по-своему.Галс любил дневной свет и серебристый блеск, в отличие от Рембрандта, который использовал эффекты золотого свечения.

Офицеры роты милиции Св. Адриана Франса Хальса, 1633 : Это вторая картина для гражданской гвардии Клавени, Св. Адриана или Св. Адриана, написанная Франсом Хальсом; сегодня он считается одной из главных достопримечательностей музея Франса Хальса.

Лейстер

Джудит Янс Лейстер (1609–1660) была одной из трех выдающихся женщин-художников голландской живописи Золотого века.Двое других, Рэйчел Рюйш и Мария ван Остервейк, были специализированными художниками цветочных натюрмортов, в то время как Лейстер рисовал жанровые работы, несколько портретов и единственный натюрморт. Лейстер отказалась от живописи после замужества, в результате которого родилось пятеро детей. Лейстер была особенно новаторской в ​​своих домашних жанровых сценах. В них она создает тихие сцены с женщинами дома, которые не были популярной темой в Голландии до 1650-х годов.

Игра в карты Джудит Лейстер : Сюжет Лейстер был похож на других художников жанра того периода, за исключением того, что она, как правило, фокусировалась на женских предметах.

Несмотря на то, что Лейстер была хорошо известна при ее жизни и уважалась современниками, после ее смерти Лейстер и ее работы были в значительной степени забыты. Лейстер был открыт заново в 1893 году, когда Лувр приобрел то, что, по его мнению, было картиной Франса Хальса, но обнаружил, что на самом деле она была написана Джудит Лейстер. Некоторые историки утверждали, что Хальс мог быть учителем Лейстера из-за близкого сходства их работ; например, Leyster's The Merry Drinker от 1629 года очень сильно похож на The Jolly Drinker из 1627–1628 годов Хальса.

Рембрандт

Рембрандта помнят как одного из величайших художников в истории Европы и самого важного деятеля Золотого века Голландии.

Цели обучения

Опишите характеристики картины Рембрандта

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) известен прежде всего портретами современников, автопортретами, пейзажами и иллюстрациями к библейским сценам.
  • Автопортреты Рембрандта исключительно искренние, откровенные и личные, иллюстрирующие его развитие с течением времени.
  • Стилистически работы Рембрандта эволюционировали от гладких к грубым в течение его жизни.
  • Толстые грубые мазки в работах Рембрандта были нетрадиционными в то время и плохо воспринимались многими его современниками, хотя сейчас эта техника рассматривается как важная для эмоционального резонанса его работ.
  • Хотя его помнят как мастера голландской живописи, успех Рембрандта при его жизни был неравномерным.
Ключевые термины
  • пестрый : с прожилками, пятнами или иным образом отмеченные различными цветами; очень красочно.
  • Караваджисти : Стилистические последователи итальянского художника эпохи барокко XVI века Микеланджело Меризи да Караваджо.
  • светотень : художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Обзор: Рембрандт

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) был голландским художником и гравером во время Золотого века Голландии, периода больших богатств и культурных достижений.Хотя более поздние годы Рембрандта были отмечены личными трагедиями и финансовыми трудностями, его офорты и картины пользовались популярностью на протяжении всей его жизни, что принесло ему отличную репутацию художника и учителя. В 1626 году Рембрандт создал свои первые офорты, широкое распространение которых во многом обусловило его международную известность.

Характеристики произведений Рембрандта

Среди наиболее ярких черт творчества Рембрандта - использование светотени, театрального применения света и тени.Эта техника, скорее всего, была получена от голландских Караваджисти, последователей итальянского художника эпохи барокко Микеланджело Меризи да Караваджо, который первым использовал технику светотени. Также примечательны его драматические и живые представления предметов, лишенные жесткой формальности, которую часто демонстрировали его современники, и видимое сострадание к человеческому субъекту, независимо от достатка и возраста.

На протяжении всей своей карьеры Рембрандт брал в качестве основных предметов портретную живопись (в зависимости от поручений богатых покровителей для выживания), пейзаж и повествовательную живопись.За последнее его особенно хвалили современники, превозносившие его как искусного интерпретатора библейских историй за его умение передавать эмоции и внимание к деталям. Его ближайшие родственники часто занимали видное место в его картинах, многие из которых были посвящены мифам, библейским или историческим темам.

Тит как монах Рембрандта, 1660 : Ближайшие родственники Рембрандта часто фигурировали на его картинах. В этом произведении изображен сын Рембрандта Тит в образе монаха.

В более поздние годы библейские темы все еще часто изображались, но его акцент сместился с драматических групповых сцен на интимные портретные фигуры (например, в Джеймс Апостол, 1661). В последние годы своей жизни Рембрандт написал свои наиболее рефлексивные автопортреты (он написал 15 с 1652 по 1669) и несколько движущихся изображений мужчин и женщин (например, Еврейская невеста, c. 1666) в любви, в жизни. , и перед Богом.

Еврейская невеста, Рейксмузеум в Амстердаме.: В более поздние годы Рембрандт написал несколько движущихся изображений мужчин и женщин, таких как эта картина Еврейская невеста.

Стилистически картины Рембрандта развивались от ранней «гладкой» манеры, характеризующейся тонкой техникой изображения иллюзионистских форм, до поздней «грубой» обработки богато пестрых красочных поверхностей, что позволило создать иллюзионизм формы, предполагаемый тактильным качеством самой краски. Современные источники иногда неодобрительно отмечают грубость манер Рембрандта, а сам художник, как говорят, отговаривал посетителей слишком внимательно смотреть на его картины.Богато разнообразное обращение с краской, многослойное и часто кажущееся случайным, предполагает форму и пространство как в иллюзорной, так и в очень индивидуальной манере.

Автопортрет

Автопортреты Рембрандта прослеживают прогресс от неуверенного молодого человека через щеголеватого и очень успешного портретиста 1630-х годов до тревожных, но чрезвычайно мощных портретов его преклонного возраста. Вместе они дают удивительно четкое представление о человеке, его внешности и его психологическом облике, о чем свидетельствует его богато обветренное лицо.В своих портретах и ​​автопортретах он наклоняет лицо натурщика таким образом, что кончик носа почти всегда образует демаркационную линию между ярко освещенными и темными участками.

Автопортрет , ок. 1629, : самые ранние автопортреты Рембрандта изображают его юность, а иногда и неуверенность.

Автопортрет Рембрандта, 1659 : многочисленные автопортреты Рембрандта свидетельствуют о его развитии как художника и дают представление о его личной психологии.

Пейзаж и интерьерная живопись

Пейзаж и интерьерная жанровая живопись Голландской республики в 17 веке становятся все более изощренными и реалистичными.

Цели обучения

Оцените голландский пейзаж и жанровую живопись в интерьере 17 века

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Первая фаза голландской пейзажной живописи была известна как «тональная фаза», которая характеризовалась мягкими контурами, атмосферным эффектом и фокусировкой на небе.
  • «Классическая фаза» голландских пейзажей началась в 1650-х годах и сохранила атмосферные качества; однако они отличались контрастом света и цвета и частым присутствием композиционного якоря, такого как видное дерево, башня или корабль.
  • Картины с изображением животных появились в это время как особый поджанр голландской пейзажной живописи.
  • Романтические итальянские пейзажи с мягким золотым светом также возникли как поджанр пейзажной живописи.
  • Картины в жанрах интерьеров также были чрезвычайно популярны во время Голландской республики, изображая живые сцены из повседневной жизни, такие как рынки, гостиницы, таверны и уличные сцены, а также домашние интерьеры.
  • Ян Вермеер, чьи работы уникально запечатлели освещение внутренних пространств, в настоящее время является самым известным художником-жанром Голландской республики.
Ключевые термины
  • атмосферный : Вызывает особые эмоциональные или эстетические качества.
  • атмосферная перспектива : Техника, при которой создается иллюзия глубины путем рисования более удаленных объектов с меньшей четкостью и более светлым тоном.
  • жанр : Стилистическая категория, особенно литературных или иных произведений искусства.

Фон: голландская и фламандская живопись

Пейзажная живопись была основным жанром в Голландской республике 17-го века, который был вдохновлен фламандскими пейзажами 16-го века, особенно из Антверпена. Эти фламандские работы не были особенно реалистичными, большинство из них были написаны в студии, отчасти из воображения, и часто все еще использовались стиль полуавтоматического вида, типичный для более ранней нидерландской пейзажной живописи в традициях Иоахима Патинира, Эрри встретил де Блеса, и Питер Брейгель Старший.

Голландские пейзажи

Более реалистичный стиль вскоре развился в Нидерландах, с более низкими горизонтами, позволяющими подчеркнуть часто впечатляющие облачные образования, столь типичные для этого региона. Излюбленными сюжетами были дюны на западном побережье моря и реки с прилегающими к ним широкими лугами, где пасся скот, часто с силуэтом города вдалеке. Зимние пейзажи представляли собой замерзшие каналы и ручьи. Море также было излюбленным предметом, имеющим как военное, так и торговое значение.Важными ранними фигурами в движении к реализму были Эсайас ван де Велде (1587–1630) и Хендрик Аверкамп (1585–1634).

Тональная фаза

С конца 1620-х годов началась «тональная фаза» пейзажной живописи, когда художники смягчили или размыли свои контуры и сосредоточились на атмосферном эффекте. Большое внимание уделялось небу, человеческие фигуры обычно либо отсутствовали, либо были маленькими и далекими. Ведущими художниками этого стиля были Ян ван Гойен (1596–1656), Саломон ван Рейсдал (1602–1670), Питер де Молин (1595–1661), а в морской живописи Симон де Влигер (1601–1653) с множество второстепенных фигур.

Река Сцена Ян ван Гойен, 1652 : Ян ван Гойен оказал влияние на «тональную фазу» голландской пейзажной живописи, которая характеризовалась смягченными или размытыми контурами и акцентом на небе.

Классическая фаза

С 1650-х годов началась «классическая фаза», сохранившая атмосферность, но с более выразительными композициями и более сильными контрастами света и цвета. В морских работах композиции часто закрепляются одним «героическим деревом», ветряной мельницей, башней или кораблем.Ведущим художником этого периода был Якоб ван Рейсдал (1628–1682), создавший огромное количество разнообразных работ, включая северные пейзажи темных и драматических горных сосновых лесов с бурными потоками и водопадами.

Ветряная мельница в Вейк-бий-Дуурстеде : Якоб ван Рейсдал (1628–1682) был одним из самых выдающихся художников классической фазы голландских пейзажей.

Другие стили ландшафта

Пейзажи с животными на переднем плане были отдельным подтипом и были написаны Эльбертом Кейпом, Паулюсом Поттером (1625–1654 гг.), Адрианом ван де Велде (1636–1672 гг.) И Карелом Дюжарденом (1626–1678 гг.) С Филипсом Вауверманом. рисование лошадей и всадников в различных условиях.Корова была для голландцев символом процветания и, помимо лошади, самым часто изображаемым животным; козы использовались для обозначения Италии.

Другим важным типом ландшафта, созданным на протяжении всей тональной и классической фаз, был романтический итальянский пейзаж, обычно более гористый, чем в Нидерландах, с золотым светом и иногда живописным Средиземным морем и руинами. Ян Бот (ум. 1652), который был в Риме и работал с французским художником Клодом Лорреном, был ведущим разработчиком этого поджанра.Итальянские пейзажи были популярны как гравюры, и в этот период на гравюрах было воспроизведено больше пейзажных картин художника Николая Берхема, чем у любого другого художника.

Южный пейзаж с руинами Яна Бота : Оба были известны своей работой в итальянском пейзажном стиле.

Голландская интерьерная жанровая картина

Помимо пейзажа, наиболее отличительной чертой голландской живописи этого периода является развитие и огромная популярность жанровой живописи.Эти жанровые картины представляли сцены или события из повседневной жизни, такие как рынки, домашние интерьеры, вечеринки, сцены в гостиницах и уличные сцены.

Жанровая живопись возникла на основе реализма и детального фона ранней нидерландской живописи, которую Иероним Босх и Питер Брейгель Старший одними из первых превратили в свои основные сюжеты. Стиль отражал растущее процветание голландского общества, и обстановка становилась все более удобной, богатой и тщательно изображаемой в течение века.

Адриан Брауэр признан фламандским мастером крестьянских сцен в трактирах. До Брауэра крестьяне обычно изображались на улице; он обычно показывает их в простом и тусклом интерьере. Среди других художников, общими темами которых были интимные внутренние сцены, были Николаес Маес, Жерар тер Борх и Питер де Хох. Ян Вермеер специализировался на внутренних сценах жизни среднего класса; хотя долгое время он был очень малоизвестной фигурой, теперь он является самым уважаемым жанровым художником в голландской истории.

Доярка Вермеера, 1658 : Вермеер - признанный мастер голландской жанровой живописи, известный своими внутренними сценами жизни среднего класса.

Натюрморт

Натюрморт процветал в Золотой век Голландской республики.

Цели обучения

Обсудить темы и атрибуты голландских натюрмортов 17 века

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Амброзиус Босхарт был одним из первых художников-натюрмортов Голландской республики.
  • Натюрморты предоставили художникам возможность продемонстрировать свои способности в работе со сложной фактурой и сложными формами.
  • Тема vanitas , моральное послание, часто встречающееся в натюрмортах, намекает на мимолетную природу жизни.
  • В середине 16 века появился стиль pronkstilleven , ориентированный на изысканные и экзотические предметы.
  • Натюрморты часто рисовали копированием цветов в книгах, так как голландцы были лидерами в области научных и ботанических рисунков и иллюстраций.
Ключевые термины
  • vanitas : натюрморт, символ смерти и характерный для голландской живописи 16-17 веков.
  • Pronkstilleven : стиль витиеватых натюрмортов, созданных в Голландии в 17 веке.

Обзор: голландский натюрморт

Голландская традиция натюрморта была в значительной степени инициирована Амброзиусом Босхартом (1573–1621), фламандским художником-цветочником, который к началу этого периода поселился на севере и основал династию.Ранние натюрморты были относительно ярко освещены, а букеты цветов были просто расставлены. С середины 15 века аранжировки, которые можно было бы справедливо назвать барочными, обычно на темном фоне, стали более популярными, примером чему служат работы Виллема ван Альста (1627–1683). Художники из Лейдена, Гааги и Амстердама особенно преуспели в этом жанре. В дополнение к натюрмортам голландцы в то время были мировыми лидерами в области ботанических и других научных рисунков, гравюр и книжных иллюстраций.

Цветы в фарфоровой вазе - Амброзиус Босхарт Старший : Босхарт был одним из первых художников-натюрмортов, основавших династию художников-цветочников.

Темы натюрмортов

«Натюрморты» давали прекрасную возможность продемонстрировать умение рисовать текстуры и поверхности с мельчайшими деталями и с очень реалистичными световыми эффектами. Пища всех текстур, цветов и форм - серебряные столовые приборы, замысловатые узоры и тонкие складки скатертей и цветов - все это бросало вызов художникам.

Картины цветов были популярным поджанром натюрморта и пользовались популярностью у выдающихся женщин-художников, таких как Мария ван Остервик и Рэйчел Рюйш. Еще одним поджанром были мертвая дичь, а также птицы, нарисованные живьем, но изученные с мертвой точки, а также мертвая рыба - основной продукт голландской диеты. Абрахам ван Бейерен часто писал эту тему.

Практически все натюрморты содержали моралистическое послание, обычно касающееся краткости жизни. Это известно как тема vanitas .Тема vanitas была включена в явные символы, такие как череп, или менее очевидные символы, такие как наполовину очищенный лимон (представляющий жизнь: сладкий на вид, но горький на вкус). Цветы увядают, пища разлагается, а серебро душе бесполезно. Тем не менее, сила этого послания кажется менее сильной в более сложных произведениях второй половины века.

Изначально сюжеты натюрмортов были обычно обыденными; однако, начиная с середины века, более популярным стал pronkstilleven («показной натюрморт»), на котором изображены дорогие и экзотические предметы.Виллем Клаэсун Хеда (1595–1680) и Виллем Кальф (1619–1693) были лидерами в этом сдвиге в сторону пронкстильвена. В работах всех натюрмортов цвета имели тенденцию быть приглушенными, с преобладанием коричневого, особенно в середине века.

Банкетный натюрморт , Авраам Ван Берейен, 1660 : Эта работа - пример показного натюрморта.

Несмотря на интенсивный реализм отдельных цветов, картины были составлены на основе отдельных этюдов или даже книжных иллюстраций, и цветы из самых разных сезонов обычно включались в одну и ту же композицию.Одни и те же цветы снова появляются в разных произведениях, как и предметы посуды. На самом деле букеты цветов в вазах в то время были не обычным явлением; даже очень богатые люди, как правило, выставляли цветы один за другим в фаянсовых подставках для тюльпанов.

Жанровая живопись - Art Term

Жанр живописи особенно развился в Голландии в XVII веке. Наиболее типичными сюжетами были сцены крестьянской жизни или выпивки в тавернах, как правило, небольшого размера.В Британии современные моральные сюжеты Уильяма Хогарта представляли собой особый жанр по своей откровенности и часто острой социальной сатире.

Более простые жанровые картины появились в конце восемнадцатого века, например, у Джорджа Морланда, Генри Роберта Морланда и Фрэнсиса Уитли. Жанровая живопись стала чрезвычайно популярной в викторианскую эпоху после успеха блестяще умелых, но глубоко сентиментальных работ сэра Дэвида Уилки.

К концу девятнадцатого века возникло новое направление жанровой живописи.Художники хотели запечатлеть волнение и мимолетность современной жизни, которую они видели вокруг себя в быстрорастущих мегаполисах, таких как Лондон и Париж. Простые и слегка сентиментальные жанровые сцены викторианской эпохи сменились шумными уличными сценами и сверкающими интерьерами кафе, запечатленными такими художниками-импрессионистами, как Огюст Ренуар и Клод Моне. Размышления о недостатках урбанизации также стали предметом обсуждения художников. Жанровые сцены художника Camden Town Group Уолтера Сикерта, написанные в начале двадцатого века, включают отчужденные пары в интерьерах, что говорит о том, что люди могут чувствовать одиночество в больших городах.

Что сбивает с толку, слово «жанр» также используется в искусстве для описания различных типов или общих предметов живописи. В семнадцатом веке были установлены пять типов - или «жанров» - живописи, а именно: историческая живопись; портретная живопись; пейзаж; жанровая живопись (сцены повседневной жизни) и натюрморт. Эти жанры рассматривались художественным истеблишментом как имеющие разный уровень важности: историческая живопись (рисование сцен из истории, библии или литературы) как наиболее важный жанр, а натюрморт (картины неподвижных объектов) как наименее важный. .

| Tutt'Art @ | Питтура • Скультура • Поэзия • Музыка

Archivioluglio 2021 (25) giugno 2021 (45) maggio 2021 (29) aprile 2021 (29) marzo 2021 (40) febbraio 2021 (31) gennaio 2021 (36) dicembre 2020 (42) novembre 2020 (27) ottobre 2020 (37) settembre 2020 (37) agosto 2020 (65) luglio 2020 (52) giugno 2020 (33) maggio 2020 (52) aprile 2020 (65) marzo 2020 (84) febbraio 2020 (57) gennaio 2020 (71) dicembre 2019 (77) ноябрь 2019 (83) октябрь 2019 (37) settembre 2019 (49) agosto 2019 (61) luglio 2019 (77) giugno 2019 (64) maggio 2019 (50) aprile 2019 (86) marzo 2019 (91) febbraio 2019 (86) gennaio 2019 (66) dicembre 2018 (63) novembre 2018 (75) ottobre 2018 (83) settembre 2018 (24) agosto 2018 (21) luglio 2018 (38) giugno 2018 (50) maggio 2018 (17) aprile 2018 (31) marzo 2018 (60) febbraio 2018 (56) gennaio 2018 (57) dicembre 2017 (63) novembre 2017 (61) ottobre 2017 (51) settembre 2017 (23) agosto 2017 (39) luglio 2017 (35) июнь 2017 (25) maggio 2017 (21) aprile 2017 (27) marzo 2017 (39) febbraio 2017 (47) gennaio 2017 (38) dicembre 2016 (36) novembre 2016 (39) ottobre 2016 (41) settembre 2016 (4) 9) agosto 2016 (30) luglio 2016 (42) giugno 2016 (41) maggio 2016 (52) aprile 2016 (61) marzo 2016 (61) febbraio 2016 (69) gennaio 2016 (45) декабрь 2015 (40) ноябрь 2015 ( 56) ottobre 2015 (46) settembre 2015 (42) agosto 2015 (53) luglio 2015 (35) giugno 2015 (31) maggio 2015 (15) aprile 2015 (20) marzo 2015 (21) febbraio 2015 (23) gennaio 2015 ( 21) dicembre 2014 (16) novembre 2014 (28) ottobre 2014 (13) settembre 2014 (8) agosto 2014 (13) luglio 2014 (18) giugno 2014 (21) maggio 2014 (26) aprile 2014 (18) marzo 2014 ( 23) febbraio 2014 (54) gennaio 2014 (35) dicembre 2013 (39) novembre 2013 (44) ottobre 2013 (29) settembre 2013 (20) agosto 2013 (35) luglio 2013 (21) giugno 2013 (18) maggio 2013 ( 36) апрель 2013 (13) марзо 2013 (65) февраль 2013 (38) gennaio 2013 (28) декабрь 2012 г. (39) ноябрь 2012 г. (43) октябрь 2012 г. (40) наступление 2012 г. (49) назад 2012 (43) luglio 2012 ( 47) giugno 2012 (28) maggio 2012 (26) aprile 2012 (60) marzo 2012 (37) febbraio 2012 (37) gennaio 2012 (41) dicembre 2011 (48) novembre 2011 (42) ottobre 2011 (68) settembr e 2011 (40) agosto 2011 (20) luglio 2011 (26) giugno 2011 (12) maggio 2011 (16) aprile 2011 (26) marzo 2011 (20) febbraio 2011 (15) gennaio 2011 (13) dicembre 2010 (2) ноябрь 2010 г. (1) октябрь 2010 г. (4) сентябрь 2010 г. (3)

Жанр живописи и ее влияние на современное искусство

Раньше в истории, особенно в эпоху Возрождения, существовала иерархия жанров живописи, определяемых в соответствии с их тематикой.Один из них был назван жанровой живописи (как бы сбивчиво это ни звучало). Жанровая живопись, в отличие от жанра из живописи, относится к тем произведениям, в которых рассказ художника иллюстрирует бытовые сцены из повседневной жизни.

Однако только в конце эпохи Возрождения этот тип выражения стал все более популярным среди художников и их покровителей. Переход от исторической живописи и портретной живописи, которые были наиболее благоприятными, не был полностью самоиндуцированным или автохтонным.

Скорее, это было в значительной степени связано с расколами, отмечавшими христианство в 16 веке. Однако важно также отметить, что разница между категориями никогда не была полностью очевидной, а это означает, что многие картины этого периода принадлежали более чем к одному конкретному жанру.


Питер Брейгель Старший - Крестьянская свадьба, 1568

Иерархия жанров

С этой точки зрения мы могли бы спросить себя, почему картины были ранжированы в первую очередь.Чтобы понять это, нам нужно вернуться в эпоху Возрождения и попытаться представить себе настроение эпохи. Академическая иерархия жанров была принята как система, представляющая ценности, ценимые академиками того периода. В соответствии с этой иерархией отдельные произведения искусства были оценены и распределены по различным категориям: историческая живопись, портретная живопись, жанровая живопись, пейзаж и натюрморт. Поскольку Ренессанс был в значительной степени направлен на восстановление и следование античной идеологии и их моральному кодексу, они считали, что высшей формой художественного выражения было образное изображение, посвященное человеческой форме.В этом смысле изобразительное изображение, сосредоточенное вокруг человеческого тела, было более важным или, как некоторые сказали бы, более благородным, чем изображение натюрморта или пейзажа. Кроме того, иерархия была частично организована в соответствии с еще одним принципом, а именно отображаемым значением каждой категории. Делалось различие между публичными и отечественными экспозициями. [1]


Джозеф Райт из Дерби - Эксперимент над птицей в воздушном насосе, 1768. Пример жанровой живописи в сочетании с историческими элементами и портретной живописью

Академическая оценка в эпоху Возрождения

Эта система вызвала много споров даже в свое время.Из-за большего признания исторической живописи и портретной живописи многие натюрморты и пейзажи были обделены, даже если они были стилистически и технически гораздо более выдающимися. Более того, историческая живопись получила титул грандиозного жанра, что означало, что она считалась самой «художественной» из всех. На большинстве исторических картин изображены религиозные сцены, часто аллегорические и поэтому рассматриваемые как морально возвышающие и утвердительные. Это оставляло мало места для других видов искусства, которые можно было бы рассматривать в том же свете и развивать.Более того, художники должны были адаптироваться к строгой академической системе, чтобы вообще считаться достойными практиками, или, другими словами, оставаться частью академии.


Квентин Метсис - Ростовщик и его жена, 1514 (деталь). Один из самых ранних образцов жанровой живописи в протестантской Голландии

Рецепция жанровой живописи

Жанровая живопись была своеобразным переходом между этими категориями . Несомненно, он учитывал человеческую фигуру и опыт, но его повествование не было таким вдохновляющим (по крайней мере, не для академии).С точки зрения их способности удивлять, эти произведения искусства считались менее могущественными, чем историческая живопись и портретная живопись (последнее относится к более крупным портретам покровителей, которые часто были богатыми и влиятельными, или иногда портретами исторических или мифических существ) . Их чаще демонстрировали дома и в домашней обстановке, чем в любом другом контексте. В этом смысле жанровая живопись была ближе к двум менее ценимым жанрам.


Иоганнес Вермеер - Доярка, 1658 (фрагмент)

Как жанровая живопись стала жанром номер один в Северной Европе

После 1517 года страны Северной Европы отказались от римского христианства и начали исповедовать протестантскую веру. Это отмечено как один из решающих моментов в развитии жанровой живописи и значение, которое она приобрела с течением времени. Вместо того чтобы настаивать на дорогих украшениях для отделки своих церквей и роскошных публичных выставок, протестанты полностью отказались от фресок. Это оказало большое влияние на авторов из стран Северной Европы, таких как Нидерланды и Германия. Они начали обращаться к покровителям, которые принадлежали к среднему классу и чьи интересы заключались в том, чтобы просто украсить свои дома небольшими «приятными для себя» картинами, которые им были близки.Это не означает, что итальянцы были незнакомы с этим жанром, а просто то, что католические взгляды пренебрегли его потенциалом. Интересно, что за этим поворотом от фрески к масляной живописи последовала мелочь. Историки считают, что климат северных стран сыграл важную роль в переходе к станковой живописи, так как воздух был слишком влажным для сохранения фресок.


Караваджо - Призвание святого Матфея, 1600 (фрагмент)

От голландских реалистов до постимпрессионистов

Первой волной, посвященной преимущественно жанровой живописи, было движение голландского реализма.Он возник в 17 веке как форма голландского барокко и помог этому стилю развиваться как независимая художественная ветвь, действующая через пять основных школ: Утрехт, Харлем, Лейден, Делфт и Дордрехт. Наиболее частыми предметами были ситуации из крестьянской или солдатской жизни, повседневные удовольствия, светские мероприятия и сцены пьянства. Голландские реалисты объединили людей, природу, архитектуру и статичные объекты как части своих простых, гражданских повествований. Более того, такие художники, как Йоханнес Вермеер, Ян Стин и другие, оказали влияние на большинство своих современников по всей Европе, в том числе из Фландрии, Англии, Италии, Франции и Испании. [2]

Позднее, в 19 веке, религиозные мотивы как увлекательный предмет постепенно упали. В отличие от религиозного или аллегорического содержания, обычные сцены стали более интересными источниками вдохновения. За этой особой трансцендентностью последовало существенное изменение масштаба - наконец, жанровая живопись встретилась с большим холстом. Это был период, когда стали известны некоторые из самых известных художников жанра, такие как французские Гюстав Курбе и Жан-Франсуа Милле, или британские художники, такие как Уильям Пауэлл Фрит и Дэвид Уилки.В Италии одним из первых сторонников этого нового, «героического» типа жанровой живописи был Пьетро Лонги, хотя многие утверждали, что Караваджо играл с уникальным, возвышенным типом жанровой живописи в свое время (см. « Зов святого» Караваджо. Mathew , которая на первый взгляд кажется жанровой картиной, но тем не менее содержит множество скрытых религиозных мотивов). Другой пик пришелся на эпоху импрессионистов и постимпрессионистов. Моне, Сезанн, Мане и Дега - лишь некоторые из художников, чьи работы вы найдете представительными в этом отношении.


Эдгар Дега - Абсент, 1875-6

Искусство ХХ века

Первая половина 20 века ознаменовалась появлением нескольких исторических реализмов, таких как американский реализм и социалистический реализм. Первая находилась под непосредственным влиянием школы Ашкан, которая сделала акцент на социальном аспекте реализма как такового, введя категорию социального реализма (не путать с упомянутым выше социалистическим реализмом). Их художники изображали американскую городскую жизнь в неидеализированной манере, точно так же, как реалисты поступали с персонажами непредставительного характера, такими как проститутки, пьяницы и мужчины среднего класса.Этот тип реализма, основанный на Курбе, использовал жанровую живопись как технику, которая служила агентом социального класса в искусстве 20-го века. Умышленно или нет, но эта конкретная категория была политически вовлечена в развитие коллективного сознания, которое делает обычного человека неотъемлемой частью мира искусства. [3]


Уинслоу Гомер - Щелкни кнутом, 1872

Живопись во время и после эпохи современного искусства

Но когда мы говорим об искусстве ХХ века, фигуративная живопись - это не первое, что приходит в голову, не так ли? Учитывая, что эта эпоха была отмечена значительными изменениями в мышлении, хорошо известный переход от фигурации к абстракции изменил лицо живописи, каким мы его знаем сегодня.За последние 100 лет изменились представления об искусстве и его значении. Модернизм представил универсальный язык, который дал толчок к новому взгляду на живопись. Вместо того, чтобы имитировать сцены из повседневной жизни посредством имитации изображения, художники начали создавать формы и фигуры собственного воображения. Они больше не чувствовали необходимости представлять реальность, скорее, было более вероятно, что они изобрели другую реальность. Интеллектуализированное, а не сенсационное, изобразительное искусство стало таким же сложным, как сам язык, без какого-либо повествования.

После того, как якобы закончилась современная эпоха, стало ясно, что фигуративная форма, вероятно, никогда не будет полностью оставлена. Однако искусство не вернулось в свое досовременное состояние. Скорее, он стал раскрепощенным, чтобы принимать любую форму, которую автор сочтет подходящей. Тем не менее, вопрос в том, оставалась ли жанровая живопись как все более популярное тематическое ограничение раннего модерна и досовременного периода неизменным в 20-м и 21-м веках. Его роль в обществе такая же? Информирует ли он и иллюстрирует, как это было раньше, новый рабочий класс и его жизнь в том же духе?


Дэвид Хокни - Мои родители, 1977

Признание жанровой живописи в нашем недавнем прошлом

После Де Стиджла, Баухауза, супрематизма и подобных движений, которые пытались установить иной вид выражения в искусстве, в Европе в 1930-х и 40-х годах произошло небольшое возвращение к фигуративной живописи.Однако этот период считался регрессивным и политически заряженным из-за его связи с нацистским движением. Когда закончилась Вторая мировая война, одна из самых тесных связей с повседневной жизнью на холсте была обнаружена в поп-арте с его новым видом признания обыденного. Хокни, безусловно, один из художников, чьи работы конца 60-х и 70-х годов были в некоторой степени похожи на первоначальный принцип жанровой живописи, даже если они были слегка идеализированы или затронуты определенным социальным статусом (взгляните на некоторые из его картин этого периода. ).Даже если не все поп-артисты изображали ситуации, в которых участвовали люди, выбор их темы демонстрировал определенное увлечение обычным и обычным. В этом смысле даже натюрморты Уэйна Тибо представляют удовольствия обычной жизни в жанровом смысле этого слова.


Уэйн Тибо - Две стоящие на коленях фигуры, 1966

Жанровая живопись в современном искусстве?

Найти связь между современным искусством и жанровой живописью кажется проще, чем есть на самом деле.Многие современные художники занимаются фигурацией, и многие из них, кажется, имеют дело со сценами из повседневной жизни. Однако из-за отсутствия ясности в эту эпоху мы не совсем уверены, какие из этих ситуаций реальны, а какие придуманы или придуманы. Более того, тот факт, что художник изображает, казалось бы, обычную ситуацию, не обязательно должен быть самоцелью, потому что, как и Караваджо, современный художник может использовать своих персонажей в качестве посредников, чтобы передавать сообщения и скрывать значения.С другой стороны, автор может намереваться поразить нас не столько повествованием, сколько цветом, атмосферой, текстурой или любым другим аспектом произведения искусства.


Джули Блэкмон - Планировка, 2015

Возможная связь между жанровой живописью и фотографией

Еще одна вещь, на которую стоит обратить внимание, это то, что в эпоху Возрождения не было камер. Мы знакомы с фактической природой фотографии и ее ценностью как источником знаний и информации.Это также причина, по которой его всегда помещали между искусством и документацией, и почему до недавнего времени он вообще не считался искусством. Тем не менее, фотографирование повседневной жизни стало увлекательной тенденцией, которую ввел в мир искусства Энди Уорхол (даже если это не было его первоначальной идеей представлять свои фотографии как произведения искусства). Обычные люди и жизнь в целом оказались такими же удивительными, как и фантастика. Способность распознавать и фиксировать эти моменты сравнима со способностью художников 17, 18 и 19 веков, учитывая, что наша эпоха - это эпоха пост-медиума. [4] Таковы, например, работы Юргена Теллера, Ричарда Биллингема или Джули Блэкмон. Тем не менее, вдохновляющее заявление Блэкмон с ее веб-сайта может стать идеальным завершением этой дискуссии.

" Голландская пословица« дом Яна Стина »возникла в 17 веке и используется сегодня для обозначения беспорядочного дома, полного шумных детей и шумных семейных сборищ. Фламандские художники-жанристы помогли вдохновить эту коллекцию работ.Я старшая из девяти детей, а теперь мать троих детей. Как личные рассказы Стина о семейной жизни изображены почти 400 лет. назад слияние искусства и жизни - это область, которую я исследовал, фотографируя повседневную жизнь моей семьи и жизни моих сестер и их семей дома. Эти изображения являются как вымышленными, так и автобиографическими, и отражают не только нашу сегодняшнюю жизнь и нашу жизнь детей, растущих в большой семье, но и выходят за рамки документального фильма, чтобы исследовать фантастические элементы нашей повседневной жизни, как воображаемой, так и реальной. " [5]

Совет редакции: Голландская жанровая живопись семнадцатого века: ее стилистическая и тематическая эволюция

Историки называют период между 1600 годом и началом 17 века Золотым веком голландского реализма. В этот период жанровая живопись претерпела значительную эволюцию, будучи сформулированной руками великих мастеров, таких как Вермеер, Стин, де Хуч, Доу и т. Д. Глядя на эти произведения искусства, мы также можем увидеть истории, стоящие за ними, и большинство из них интерпретируются и объясняются в этой книге известным ученым Уэйном Фрэницем, интересующимся этой темой.Эта всеобъемлющая эволюция жанровой живописи в Голландии сопровождается более чем сотней иллюстраций, и ее рекомендуется всем, кто хочет получить более глубокое представление о том, что происходило в этой части истории.

Ссылки:

  1. Арменини, Г.Б., De verapretti della pittura , 1587. «Об истинных заповедях искусства живописи»
  2. Fuchs, RH., Dutch Painting , Thames and Hudson, London, 1978.
  3. Моррис, П., Реализм , Рутледж, Лондон, 2003.
  4. Osborne, P., Anywhere or Not at all , Verso, 2013.
  5. Blackmon, J., Domestic Vacations , официальный сайт Джули Блэкмон, 2008 г. [23 октября 2016 г.]


Избранные изображения: Ян Стин - Остерегайтесь роскоши, 1663; Диего Веласкес - Менины, 1656 г .; Адриан ван Остаде - Крестьяне в интерьере, 1661 г. Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Перейти к основному содержанию Поиск