Анатомия кубизма: Анатомия кубизма — Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина

Содержание

что скрывается в маленькой тетрадке Пабло Пикассо – Москва 24, 30.08.2018

30 августа в ГМИИ имени Пушкина открывается выставка-инсталляция «Анатомия кубизма»: эскизы художника Пабло Пикассо к его «Авиньонским девицам» – картине, изменившей ход мировой истории искусства.

Редакция портала Москва 24 рассказывает об «Анатомии кубизма» и объясняет, на что стоит обратить особое внимание.

Фото: Агентство «Москва»/Антон Кардашов

«Авиньонские девицы» – это «добровольно незаконченная» (как характеризовал ее сам Пикассо) картина-исследование, работая над которой художник искал иной подход к изображению пространства и перспективы. Всего было сделано более 800 эскизов и набросков. Изначально работу над этой картиной Пикассо назвал актом экзорцизма.

Сегодня полотно входит в состав коллекции Нью-Йоркского музея современного искусства и не покидает постоянную экспозицию.


Маленькая ученическая тетрадь с эскизами Пикассо долгое время находилась в архиве художника, потом ее купил дом-музей Пикассо в Малаге.

На московской выставке показаны более 60 рисунков из этой тетради, созданной художником в мае-июне 1907 года.

«Наш проект связан с очень важной точкой не только внутри биографии Пикассо, но и внутри истории искусства. Это поворотный момент, некая точка, которая связана с зарождением кубизма. Нам понадобились разные инструменты, чтобы рассказать эту историю, рассказать таким образом, чтобы она стала более ясной», – объяснила директор ГМИИ имени Пушкина Марина Лошак.

«Анатомия кубизма» позволяет проникнуть в лабораторию художника, воссоздать ход его мыслей: рядом с рисунками из коллекции испанского музея представлены шедевры Древнего Египта, античная керамика, декоративно-прикладное искусство эпохи эллинизма – около 20 произведений из постоянной экспозиции и запасников ГМИИ имени Пушкина.

Фото: Агентство «Москва»/Антон Кардашов

«Для меня искусство не имеет ни прошлого, ни будущего. Искусство греков, египтян и великих художников других времен – это не искусство прошлого; в наши дни оно может быть более жизненно, чем когда-либо», – говорил Пабло Пикассо.



С помощью огромного стола-инсталляции архитекторы выставки создали «обдуманный и организованный беспорядок, который Пикассо порождает повсюду». Собранные все вместе, эти шедевры ретроспективно воссоздают ход мыслей и ассоциаций Пабло Пикассо.

Так, например, в начале второго этапа работы над «Авиньонскими девицами» он посещал Этнографический музей Трокадеро, где представлено искусство Африки, и под влиянием трибального искусства он переписал всю правую сторону картины.

Над масштабным полотном Пикассо трудился более девяти месяцев. «Он рисовал не предметы, а то, что они выражают. Проще говоря, рисунки были для него словами, это всегда был его способ разговаривать», – объясняла первая почитательница художника, писатель Гертруда Стайн.

Она также отмечала, что рисунок Пикассо всегда точен и скуп. «Рисует он по-разному: вспоминается то Энгр, то античные вазы», – писал близкий друг художника Илья Эренбург.

На выставке «Анатомия Кубизма» посетителям предоставляется уникальная возможность: не просто увидеть наброски величайшего художника, но и проследить, как зарождался замысел картины и вместе с тем одно из главных художественных течений ХХ века – кубизм.

Фото: Агентство «Москва»/Антон Кардашов

Открывает же выставку картина Поля Сезанна «Купание» из собрания ГМИИ.

«Если бы я знал Сезанна! Он был мой единственный учитель! Я смотрел на его картины! Я провел годы, их изучая. Он был как наш общий отец. Он всех нас защищал», – признался однажды Пикассо.


«Пикассо – это испанский художник, который родился в Малаге, он говорил по-испански и творил по-испански, но он уже не принадлежит испанцам, он принадлежит нам всем. Мэрия Малаги приобрела серьезную коллекцию Пикассо, и главное сокровище – это эскизы к «Авиньонским девицам», – рассказал директор дома-музея Пикассо в Малаге Хосе Мария Луна Агилар.

«Анатомия кубизма» открывает осень Пикассо в ГМИИ имени А.С. Пушкина — Российская газета

Выставка «Анатомия кубизма», которая открылась в Греческом зале ГМИИ имени А.С. Пушкина, могла бы вписаться в жанр «выставка одной картины»: сюжет экспозиции закручен вокруг «Авиньонских девиц» Пабло Пикассо.

Той самой — то ли законченной, то ли «добровольно незаконченной», обруганной и воспетой, радикально перетряхивающей общепринятые представления о языке живописи и ставшей важнейшей точкой отсчета для истории кубизма. Той, что пробыла почти десять лет в парижской мастерской Пикассо в безвестности с 1907 года. Для выставки «Современной живописи Франции» на «Салоне независимых» летом 1916 года пришлось сменить прежнее название «Философский бордель» на более пристойное — «Авиньонские девицы», чему автор, кажется, был вовсе не рад… К Авиньону его героини не имели никакого отношения: маленькая улочка Carrer d’Avinyo в Барселоне, неподалеку от которой Пикассо покупал краски и бумагу, превратилась в интерпретации его друзей во французскую Сalle d’Avignon.

Но жанр — дело тонкое. И проект, закрученный вокруг «Авиньонских девиц», делает изящный кульбит и оставляет знаковый демонстративный пробел на месте самой картины. «Авиньонские девицы» с 1937 года украшают экспозицию нью-йоркского МоМА, являясь одним из обязательных пунктов программы любого туриста. Понятно, что на фоне отсутствия обмена с музеями США, не говоря уж о прочих оттенках развития двусторонних отношений, приезд шедевра Пикассо исключен. Вместо него, огромного полотна, без малого на пять квадратов (243,9 см на 233,7см), — маленькая цветная репродукция, изящно «спрятанная» на оборотной стороне стены, за «Купанием» Сезанна (из коллекции ГМИИ им. А.С. Пушкина). Репродукция, которую надо найти, предъявляет, в сущности, знак, отсылку к воображаемому далекому шедевру.

Жанр инсталляции меняется в мгновение ока: не выставка одной картины, а лаборатория кубизма, его «анатомия». Фактически кураторы Сурия Садекова, Анна Клочкова и Николай Молок обращают к самой знаменитой «предкубистической» картине Пикассо его собственное оружие. А в помощь — раритет из раритетов: альбом рисунков и набросков художника как раз периода работы над «Авиньонскими девицами» из Дома-музея Пикассо в Малаге.

Этот альбом Пикассо не выставлял — он терпеть не мог, когда к нему лезли с вопросами откуда, почему, как пришла идея. .. Альбом с рисунками (в нем порядка 80 листов) наследники продали Дому-музею Пикассо в Малаге десять лет назад. В Россию привезли 60 драгоценных листов. Надо сказать, что вообще-то и рисунков было больше раз в десять — исследователи называют цифру 809. Но дело не в количестве: листы все равно невозможно разложить в хронологическом порядке. Речь идет о параллелях, выстраивающих систему «зеркал» для «Авиньонских девиц».

Отправная точка, понятно, «Купание» Сезанна, картина Пикассо — это ответ мастеру. Далее — точеный древнеегипетский сокол из глины и из дерева, профиль этой птицы появляется в альбоме Пикассо очень часто. Затем — жутковатая африканская маска, пусть и в копии XIX века, но, возможно, Пикассо мог видеть аналогичные в парижском этнографическом музее Трокадеро. Конечно, без античных ваз и чаш с чернофигурными атлетами, бегущими пару тысячелетий по их гладкому полю, не обойтись. Плюс собственные гуаши испанца 1907 года, купленные Сергеем Щукиным в Париже для своей коллекции. Не хватает только иберийской скульптуры для полноты «отражений»…

А ведь к Авиньону героини с картины Пикассо не имели никакого отношения…

Двоящийся образ археологического раскопа и стерильного функционального пространства лофта и создает архитектурная конструкция стола (Кирилл Асс, Надежда Корбут), где выставлены объекты и рисунки. Зритель обходит вокруг него. Если это и «лабиринт», то увиденный сверху, впечатляющий четким логичным членением пространства. Его прозрачность и ясность должны подчеркнуть «разумность» живописи Пикассо.

Сама структура этой выставки вроде бы соответствует легендарному шедевру, который Альфред Барр, директор МоМА, определял как «картину переходную». Он подчеркивал, что это «лаборатория или, точнее, поле битвы, где сражаются опыты и попытки; но это еще и картина, исполненная потрясающего динамизма и мощи». Нынешняя выставка в ГМИИ им. А.С. Пушкина — словно ответ легендарному директору МоМА. Это проект в редком у нас жанре «лаборатории».

Казалось бы, перед нами изящный кураторский экзерсис, созданный в просветительских целях. Чего же боле? Но дело в том, что «Авиньонские девицы» — одна из самых «темных» по смыслу, непрозрачных картин, в которых ужас словно таится за спиной обнаженных.

Парадокс в том, что чем яснее и прозрачнее объяснение процесса авторского поиска, чем стройнее здание, тем очевиднее, что речь идет об отчаянной попытке приручить «древний хаос», что «шевелится» за воем ночного ветра (у Тютчева) и фантомами женских фигур на полотне Пикассо. Музей — место, где «древний хаос» встроен в безопасный саркофаг (любой зритель голливудских блокбастеров знает об этом). Примерно так, как копия африканской маски, похожей на маленький котел с выбитым дном и без крышки, вписана в логику экспозиции.

Все под контролем, не правда ли? Знак пробела выглядит почти успокаивающе. Как там у Тютчева: «О, бурь заснувших не буди…»?

#Анатомия кубизма

 

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

Катя Белявская. Принт из серии “Барышня-крестьянка” 2019

 

27.05.21. Галерея ART & BRUT представила персональную выставку Ивана Глазкова «Послеполуденный отдых Фавна». Иван, художник в третьем поколении, в своих абстрактных полотнах дает нам возможность сбежать от современности в пространство античного мифа при помощи театрализованных декораций. Крупномасштабные абстрактные холсты воссоздают антураж нетронутого рукой человека дикого леса, арт-объекты напоминают алтари древним божествам, игра света и тени вовлекает в воздушный танец и переносит в другой, непонятный, одновременно таинственный и притягательный, мир. В выставочном пространстве в рамках проекта: Sound art –

Ковалев Родион и Михаил Гордеев Visual art – Максим Фортуна. Выставка работает по 25.06.21.

Фото: Егор Мелихов

Фотографии предоставлены галереей ART & BRUT

27. 08.21. Галерея JART представила новый выставочный проект «Семь» художника Тани Пёникер, состоящий из серии офортов. Цифра семь в европейской культуре глубоко символична. Число «семь» передает идею завершенности и тотальности. Интерес к инаковости и маргинальности, свойственной культуре XXI века, затейливому травестированию и безудержной карнавальности привел современных интеллектуалов к разговору о наступлении Нового Средневековья. Воскресшие бестии Средневековья мигрируют в мир современных политик и технологий, в аллегории человеческих страстей и желаний бренного мира, приобретая новые манеры присутствия в социальном пространстве. Офорты, представленные на выставке, реактуализируют тему греха в нашем пост-мета-модернистском глобализированном обществе. В христианской культуре понятие греха не просто «беззаконие» или «неправда», но заведомое преступление против истины, понимаемой в качестве богоданных заповедей.

Согласно Священному Писанию, человек был создан по образу и подобию Божиему, но грех исказил этот образ. Художник мог изобразить внутреннее состояние распада через внешние формы, рисуя античеловеческих мутирующих и чудовищных демонических существ. Главными признаны семь смертных грехов: обжорство (gula), похоть (luxuria), алчность (avaritia), лень (acedia), зависть (invidia), гнев (ira) и гордыня (superbia). Именно о них нам рассказывает выставка Тани Пёникер. Но даже Средние века не только порицали грех. Они считались с ним, даровав ему выход и разрядку в безумных карнавальных празднествах. Офорты, представленные на выставке, рассказывают о семи смертных грехах ярко, динамично, красочно и карнавально, сочетая темы и приемы старых мастеров с новым миром цифровых технологий, обществом потребления, ценностями консюмеризма. Все работы выполнены в одной технике офорта и в форме рондо. Начиная с эпохи Средневековья форма рондо в живописи ассоциировалась с образом мира и зеркала, в которое может посмотреться каждый зритель.
Выставка работает до 23.06.21.

 

Фотографии предоставлены галереей JART

 

28.05.21. В пространстве арт-платформы Cube.Moscow состоялось открытие новых выставок. Галереи-резиденты арт-платформы Cube.Moscow представили новые проекты. В большом зале начал работу выставочный проект «Последний марш» американского художника, режиссера-документалиста Наума Медового и видеохудожника Никиты Шохова , которые вместе с композитором Олегом Макаровым рассказывают о трагедии миллионов военнопленных, пропавших без вести во время Второй Мировой войны. Галерея Syntax подготовила персональную выставку художника Георгия Острецова «Подобие подобному подобного»

, а галерея «Алиса» – проект Юлии Шафаростовой «Фонтаны Бачикистана». Галерея Window project представила персональную выставку грузинской художницы Русудан Хизанишвили «О богинях и женщинах», Arts Square Gallery – выставку «Свободны от времени» графических работ Анатолия Брусиловского и Эрнста Неизвестного, скульптуры Михаила Шемякина, живопись и графику Боба Кошелохова, галерея Cubed – выставку «Барышня-крестьянка» работ московской художницы Кати Белявской. Галерея «Среда»
показывает специальный проект 10 художниц Факультета современного искусства Высшей школы «Среда обучения». PA gallery открыла персональную выставку «Материалы» Владимира Трямкина. Галерея «КультПроект» подготовила выставку Татьяны Баданиной и Владимира Наседкина «Солнечный ветер».

Проект «Последний марш»

На выставке показана иммерсивная 10-канальная видеоинсталляция, в которую вошли архивные материалы советской и немецкой кинохроники времен Великой Отечественной войны, современные документальные съемки, сделанные в Москве, Нью-Йорке и Берлине. Экраны в человеческий рост позволяют зрителю стать очевидцем прошлого, наблюдая за ними из настоящего. На выставке показан цикл графических работ. Взяв за основу распечатанные черно-белые кинокадры из фильма, Медовой наложил на них образы полевых цветов как символов вечного женского ожидания близкого человека. Контрастное сочетание выцветших черно-белых снимков с живописью соединило и трагедию войны, и память погибшим, и радость великой победы. Выставочное пространство переплетается со звуками военной хроники и электронным звуковым рядом, созданным саунд-художником Олегом Макаровым. Кураторы выставки –

Антонио Джеуза, Анна Евтюгина. Диалог между двумя разными поколениями художников выстраивает культурный мост между американской и российской арт-сценами.   «Наш проект поможет зрителю проживать очень личный эмоциональный опыт», – Наум Медовой. Выставка «Последний марш» в большом зале Cube.Moscow работает до 04.07.21.

Выставка Георгия Острецова «Подобие подобному подобного» в галерее Syntax

Художник и дизайнер Георгий Острецов привычно иронизирует над современным обществом, навязанными штампами социального поведения, художник большую часть времени проводит за городом. Как заметил философ Алексей Лосев в «Античной мифологии», стоит перенестись на природу, как мировосприятие и оптика начинает меняться, и «вся природа вдруг становится мифической и магической, вдруг наполняется живыми существами, но по своей огромности и силе уже бесконечно превосходившими человека….». Бродя по лесу художник изучал очертания стволов, корявые изломы корней и сложную графику веток. Своим новым проектом Георгий Острецов размывает границы условного, оставаясь, верным своей ироничной манере. Выставка в галерее Syntax работает до 05.07.21.

Георгий Острецов “Если существует то мыслит” 2021

 

Выставка Юлии Шафаростовой «Фонтаны Бачикистана» в галерее «Алиса»

В экспозицию вошли графические работы из серии «Проекты неработающих фонтанов Бачикистана» и инсталляция «Питьевой фонтанчик». На Триеннале российского современного искусства музея «Гараж» художница Юлия Шафаростова демонстрировала мифологический проект о печально известном Музыкальном микрорайоне Краснодара, который был ею превращён в Бачикистанское ханство с изобильной культурой и инфраструктурой: здесь есть курорт, сад и арт-резиденция. Одним из реально существующих предметов, объединяющим вымышленный и реальный мир, стал фонтан во дворе художницы – реализованный объект благоустройства, но не работавший ни одного дня. Дороги и дворы Бачикистана постоянно затапливает дождевыми и сточными водами, но фонтан, который по своему назначению должен служить источником влаги, избегает своей функции, становясь символом бессмысленной роскоши. Каждое изображение становится местом встречи пышной ближневосточной абсурдной формы вымышленных нефункциональных предметов и содержания в виде флоры краснодарских широт – клевера, одуванчика, сливы, яблони, фруктов и трав, которые художница собирает во время прогулок по Бачикистану. Выставка в галерее «Алиса» работает до 02.07.21.

Фонтан Одуванчиковый

Выставка Русудан Хизанишвили «О богинях и женщинах» в галерее Window project

В работах, созданных между 2018 и 2021 годами, автор обращается к темам, которые красной нитью проходят через ее творческую практику последних пятнадцати лет. Хизанишвили сосредотачивается на женщинах во всем их могуществе, изображая их фрагментированные или видоизмененные тела, разомкнутые объятия, таинственные призрачные фигуры, сфинксов и цветочные формы. Будучи помещенными в центр внимания, героини все-таки остаются обезличенными, как это зачастую происходит с женщинами в Грузии. Хизанишвили убирает разрыв между прошлым и будущим, обозначая новую традицию. Ее живопись и керамика представляют собой объекты, которые нужно рассматривать не только с точки зрения их эстетических качеств, но и как призыв к дискуссии. Соединяя эти две функции, Хизанишвили делает более значимое заявление относительно женщин и их места в грузинском обществе. Современные женщины имеют достаточно смелости, дальновидности, таланта, выносливости и зрелости, чтобы выйти за рамки традиционных архетипов, воспринять новые идентичности, связанные не с воспитанием, но с собственным осознанным выбором. Выставка в галерее Window project работает до 05.07.21.

Русудан Хизанишвили Nameless Movement, 2018

Выставка «Свободны от времени» в Arts Square Gallery

Анатолий Брусиловский, Эрнст Неизвестный, Михаил Шемякин и Боб Кошелохов – все эти художники противостояли ограничивающему горизонты влиянию своей эпохи, и в своём творчестве ориентировались на собственную художественную позицию. Выставка в Arts Square Gallery работает до 05. 07.21.

Выставка «Барышня-крестьянка» Кати Белявской в галерее Cubed

Тиражные работы Кати Белявской регулярно выставляются в галерее Cubed. Серия «Барышня-крестьянка», созданная в 2019 году, впервые представлена московской аудитории. В XVIII веке был построен очаровательный маленький дворец Малый Трианон и затем подарен очаровательной маленькой Марии-Антуанетте. Там она с подругами отдыхала от двора и играла в «простую крестьянскую жизнь». Сейчас в мире инстаграма и глянцевых журналов эта игра стала повсеместной. Выставка в галерее Cubed работает до 05.07.21.

Принт из серии “Барышня-крестьянка” 2019

Выставка «Волнения» в галерее «Среда»

Работы 10 художниц из России и Беларуси с Факультета современного искусства Высшей школы «Среда обучения». Это серия живописных работ, представляющая современный срез осмысления старшего медиума искусства. Кураторами выставки выступили Арсений Жиляев и Елена Шолохова. Роберт Пастернак написал для выставки поэтический комментарий, который представлен на выставке в виде сопроводительного текста. Участницы выставки: Ольга Бахилина, Людмила Большагина, Соня Бондарева, Виолетта Гришина, Ирина Гулякина, Вика Журавлёва, Елена Шмакова, Ната Янчур. Выставка в галерее Cubed  работает до 07.07.21.

Выставка «Материалы» Владимира Трямкина в PA gallery

В экспозиции представлены шесть работ художника, созданных в период с 1981 г. до 2005 г. и выполненных в смешанной технике. Для создания этих объектов, кроме общепринятых художественных материалов, Владимир Трямкин использовал дерево, песок, картон, бензин, ткань, листы металла, различные детали и растения – фрагменты его визуальной и тактильной действительности. Окружающий мир для Трямкина – это цвет и структура, выраженные в символах, способных к передаче невыразимых словами ощущений и философских понятий. Предметность и беспредметность в его работах составляет единое живое пространство, свободно меняющее свои формы, переходя на уровни реального и нереального плана бытия. Выставка в PA gallery работает до 07.07.21.

В. Трямкин Без названия 1981

Выставка «Солнечный ветер» Татьяны Баданиной и Владимира Наседкина в галерее «Культпроект»

На выставке представлены работы двух художников Татьяны Баданиной и Владимира Наседкина «Солнечный ветер», объединенные темой «Космической одиссеи» звёздных яхт, гонимых по межгалактическим пространствам. «Картины замкнуты в своей игре формы и смысла, холодно отрешены и почти стерильны, но своими светло-серыми плоскостями помогают образно передать ощущение космоса через свою версию минимализма, предлагая зрителю отстраниться от суеты, погрузиться в медитацию, оставив ощущение тайны. Схемы-идеограммы созвездий парят и впечатываются в поверхность холстов, открывая дали геометрической бесконечности. Это попытка распознать ритмы вселенной и зафиксировать межпланетную мировую динамику светил» – Владимир Наседкин. Выставка в галерее «Культпроект» работает до 02.07.21.

Татьяна Баданина и Владимир Наседкин «Солнечный ветер» «КультПроект»

Фотографии предоставлены pr-службой Арт-платформы Cube.Moscow

 

28.05.21. Pop-up галерея Shilo Игоря Шиленкова в пространстве Cube.Moscow представила выставку «Random Vexillology» Антона Морокова, художника из Нижнего Новогода, участника Триеннале российского современного искусства в Музее современного искусства «Гараж», участника арт-резиденции при Philosophicum Basel в Базеле. Антон является резидентом мастерской «Тихая» в Нижнем Новгороде. На новой выставке представлены графические штудии, строящиеся из наблюдения случайного поведения флага в пространстве. В них нет привычной торжественности знамен или сигнальной функции флажков, эта серия про архитектуру и упорядочивание. Каждый̆ рисунок – сочетание и сочетаемость составляющих флага, запечатлённых в моменте. Из фигуративных изображений в начале серии, она все больше превращается в абстрактные или оп-арт произведения в конце. Выставка работает до 05.06.21.

Фотографии предоставлены pr-агентом галереи Shilo

 

 

29.05.21. Галерея «Квартира S» совместно с нетворкинг-зоной на Красном Октябре «Старт хаб» при поддержке журнала Cabinet de l’Art представляет персональную выставку живописи Екатерины Лебедевой «Красота внутри». Екатерина Лебедева: «Работая над этой серией, я искала новые цветовые сочетания. Мне был интересен сам процесс работы, энергия картины, ее детали. Я изучала эмоции и старалась включить их разнообразие в свои картины, продолжая совершенствовать свою технику». Торжественное открытие выставки «Красота внутри» и авторская экскурсия 06.06.21. в 16.00. В рамках вечера запланирован public-talk директора галереи Квартира S Олеси Суджан, куратора Саши Ришар и PR-директора Евгении Плохих на тему: «Работа художника с галереей.»  Выставка работает на Красном Октябре в «Старт хаб» до 13.06.21.

Фотографии предоставлены галереей «Квартира S»  

 

31.05.21. В Музее музыки в рамках Года языка и литературы Россия – Греция состоялся концерт «Бумажная луна» произведений композитора Маноса Хатзидакиса. Этот проект представляет собой концерт-путешествие по греческому миру с исполнением произведений известного греческого композитора и теоретика греческой музыки Маноса Хатзидакиса (Μάνος Χατζιδάκις) при участии сопрано Элени-Лидии Стамеллу и пианистки Екатерины Пресслер.

Концерт организован Российским национальным музеев музыки в сотрудничестве с Посольством Греции в России в рамках программы Года языка и литературы Россия – Греция. Одноимённое название концерта отсылает к самому первому произведению Хатзидакиса – мелодии для песни «Бумажная луна» («Χάρτινο το Φεγγαράκι») из оперы Теннесси Уильямса «Трамвай «Желание»». Манос Хадзидакис – всемирно известный композитор, получивший «Оскар» за музыку к фильму Жюля Дассена «Никогда в Воскресенье». В программу концерта включены греческие песни периода 1950-1980-х годов – весьма сложного исторического периода для Греции. В 1949 году совсем еще молодой композитор Манос Хатзидакис выступил с лекцией о важности греческих народных песен «ребетико» – песен, которые происходили из маргинальных низов общества. С этого момента Хадзидакис, обратившись к греческим народным корням, стал авторами некоего культурного возрождения на пересечении академического и народного элементов творчества. А обращение к творчеству поэтов Элитиса и Гацоса позволили создать песни высококультурного образца. Его произведения стали фундаментом греческой культуры своего времени, воспитали несколько поколений граждан поистине красивым искусством – подлинным, светлым, вечным.

Фото: Wikipedia.com

 

01.06.21. Музей современного искусства «Гараж» представил два новых выставочных проекта:

–  «Тишина» Павла Альтхамера 

–  «Яйцо и Камень» Наталии Турновой 

«Тишина» и «Яйцо и Камень» создают ситуации, которые выключают зрителя из временного потока и  кажутся подходящими для истощенного жизнью, усталого человека, его шансом на восстановление, которое дают художники и их терапевтические произведения: в саду Альтхамера можно просто сидеть или медитировать, в пространстве Турновой, созданном двумя как бы архаическими монументами, легко забыть, что ты в музее современного искусства.

 

Пространственная инсталляция «Тишина» знаменитого польского художника Павла Альтхамера представляет собой сад для медитаций на площади Искусств рядом с Музеем «Гараж». Сад для Альтхамера – собирательный образ, каждый элемент которого представляет собой скрытую цитату, а вся композиция в целом становится особой средой, где захваченный суетой городской житель может изменить режим времени, как бы перенесясь в живописное пространство предыдущих эпох, когда ритмы и скорости жизни позволяли медитировать, предаваться созерцанию и размышлению. «Тишина», как говорит художник, – это место, где все происходит здесь и сейчас, и только так человек сможет по-настоящему найти время для самого себя. Для проекта «Тишина» Альтхамер совместно с российскими специалистами по работе с людьми с инвалидностью разработал ряд специальных медитаций и духовно-телесных практик, в которых могут участвовать все люди и которые будут проходить внутри пространства сада по расписанию. Тифломедитация построена на принципах аудиодескрипции – методе передачи информации незрячим, который предполагает объективное и безоценочное описание предметов и пространства, что дает возможность по-новому прочувствовать кажущуюся очевидной окружающую действительность. Йога вибраций построена на способе концентрации, где вспомогательным инструментом является не музыка, а издаваемые различными инструментами – такими, как поющая чаша или камертон, – вибрация. Внутри инсталляции пройдет серия перформативных мероприятий, с той или иной интенсивностью модулирующих ее «тишину». Также частью проекта станет медитативный перформанс, созданный совместно с артистами Большого театра, которые примут в нем непосредственное участие. Инсталляция реализована совместно с ландшафтно-архитектурным бюро Мох. Куратор проекта «Тишина»: Андрей Мизиано. Выставка работает до 30.09.21.

Вид инсталляции Павла Альтхамера «Тишина». Музей современного искусства «Гараж», Москва. 2021
Фото: Егор Слизяк
© Музей современного искусства «Гараж»

 

Очередной проект регулярной программы музея Garage Atrium Commission представляет крупноформатные скульптуры Наталии Турновой (род. 1957). На протяжении всей своей художественной биографии Турнова остается вне зоны явного внимания со стороны профессионалов и зрителей, избегая определений и назначений в контексты, группы и объединения. Проект в Музее «Гараж», созданный специально для его модернистского пространства, представляет собой неожиданный жест, уводящий в очередной раз зрителя от «привычной» Турновой с ее вниманием к цвету, большим живописным плоскостям или скульптурам из самых разных материалов. В Атриуме Музея зритель входит в пространство, которое создается двумя масштабными головами, фактура которых напоминает природные поверхности. Фрагменты коры, листьев, камней сцеплены между собой и образуют сложный ландшафт, который очевидно контрастирует с регулярной геометрией модернистского здания. Фигуры, по словам художницы, организуют своеобразный «пересадочный узел», связывающий различные пространства Музея. Расписание медитаций здесь.  Выставка работает до 22.08.21.

Вид инсталляции Наталии Турновой «Яйцо и Камень». Музей современного искусства
«Гараж», Москва. 2021
Фото: Иван Ерофеев
© Музей современного искусства «Гараж»

Фотографии предоставлены pr-службой Музея современного искусства «Гараж» 

 

02.06.21. В Новой Третьяковке была представлена выставка «Вячеслав Колейчук. Живая линия» посвящена двум юбилеям – 100-летию Второй весенней выставки ОБМОХУ и 80-летию выдающегося художника. Вячеслав Фомич Колейчук (1941–2018) – один из пионеров кинетического искусства в России. Создатель самонапряженных и «самовозводящихся» конструкций, вантово-стержневых структур, невозможных фигур и самоколлажей, штриховых стереографий и установок светового формообразования, звучащих объектов и «гравицапы» для фильма «Кин-дза-дза!». Колейчук на протяжении всего своего творческого пути работал на стыке разных видов искусств. С 1960 по 1966 год он учился на градостроительном факультете Московского архитектурного института. В 1966–1967 годах художник был одним из участников группы «Движение». Начиная с 1960-х годов, Колейчук занимался исследованием проблем формообразования и «преодоления материала». В 26 лет он реализовал один из самых дерзких своих проектов – 13-метровый вращающийся и звучащий «Атом». Кинетическая композиция, установленная в 1967 году перед зданием Института атомной энергии Академии наук СССР им. И.В. Курчатова, продемонстрировала неординарность художественного таланта мастера. Известный не только как художник, но и как исследователь, Колейчук стал автором ряда статей, посвященных истории русского конструктивизма. Невозможно переоценить значимость его вклада в воссоздание художественного наследия советских художников 1920-х годов. По архивной фотографии художник реконструировал экспозицию Второй весенней выставки Общества молодых художников (ОБМОХУ), прошедшей в 1921 году. Выставка ОБМОХУ, ставшая наиболее значительным событием в деятельности объединения, продемонстрировала лабораторные эксперименты авангардистов в области поиска новых форм. Изучив и «разгадав» основанные на взаимодействии формы и движения конструкции Александра Родченко, Карла Иогансона и других авторов, Колейчук в своем искусстве продолжил художественные поиски 1920-х годов. Так творчество мастера продемонстрировало преемственность идей конструктивизма в искусстве второй половины XX века. В коллекции Третьяковской галереи представлены объекты Колейчука, являющиеся истинными пластическими шедеврами автора: «Мачта», «Стоящая нить», «Куб, мгновенно жесткий», «Сферы». К их числу относится и работа «Живая линия», созданная художником в 1981 году. Она представляет собой вращающуюся латунную трубку, которая буквально оживает на глазах зрителя, преодолевая инерцию материала и формы. Эта простая, но невероятно выразительная кинетическая скульптура дала название выставке. Проект открывается реконструкцией Второй весенней выставки ОБМОХУ, который является частью постоянной экспозиции Новой Третьяковки. Реконструкция, ставшая наглядным пособием для посетителей музея, позволяет ознакомиться со всем многообразием творческих поисков русских художников-конструктивистов. Продолжается выставка в залах искусства ХХ века, где представлены отдельные объекты Колейчука. Завершается выставка инсталляцией, воссоздающей мастерскую и творческая лабораторию художника в зале экспериментальных проектов. Кураторы: Ирина Горлова, Анна Колейчук.  Выставка работает по 26.09.21.

Фотографии Cabinet de lart

 

02.06.21. В рамках фестиваля «Мода и стиль в фотографии-2021» Мультимедиа Арт Музей, Москва впервые представил выставку легендарного американского фотографа Билла Каннингема. Выставка «Билл Каннингем. Мода на подиумах и тротуарах» включает 150 снимков, которые не только демонстрируют хронику пяти десятилетий элитарной и уличной моды, но и рассказывают о жизни большого города, который в те годы был совсем не похож на современный Нью-Йорк. В 2019 году Кэти Хорин, знаменитый критик моды и бывший контрибьютор The New York Times, писала в предисловии к книге «Билл Каннингем. На улице: пять десятилетий культовой фотографии»: «[Билл] первым запечатлел женщин, которые отказались от каблуков и начали ходить на работу в кроссовках, показал возвращение широких костюмов 30—40-х, появление джинсов с низкой посадкой, моду на камуфляж, а также добрую сотню стильных нарядов, защищавших ньюйоркцев от непогоды. Он считал, что истинный портрет моды — и, опосредованно, эпохи — определяется тем, как одеваются реальные люди, будь то подростки в экстравагантных толстовках или богачи на благотворительных приемах. Модных подиумов ему было недостаточно, поэтому каждый день он брал в руки камеру и выходил с ней на улицу». Творчеству Каннингема посвящены многочисленные публикации. Его биография легла в основу отмеченного наградами документального фильма «Билл Каннингем. Нью-Йорк» (2010), а также недавно вышедшего «Эпоха Билла Каннингема» (2018).   Кроме того, незадолго до смерти Каннингем закончил автобиографическую повесть Fashion Climbing, которая была опубликована в 2018 году. На русском языке она была издана под названием «Модное восхождение». Также нельзя не упомянуть о скромности и щедрости Билла Каннингема. Многие из его друзей пострадали от эпидемии СПИДа, поэтому на протяжении всей своей жизни фотограф жертвовал большую часть доходов благотворительным организациям, помогающим ВИЧ-инфицированным. С целью сохранения и популяризации наследия фотографа был основан Фонд Билла Каннингема. Куратор: Анна Зайцева. Проект представлен Bruce Silverstein Gallery, Нью-Йорк. Выставка работает до 10.07.21.

Билл Каннингем
Анна Винтур. Январь 1973
© Фонд Билла Каннингема,
Предоставлено Галереей Брюса, Сильверстайна, Нью-Йорк

Фотографии предоставлены pr-службой МАММ

02.06.21. В рамках фестиваля «Мода и стиль в фотографии-2021» Мультимедиа Арт Музей, Москва представил выставку «Здесь цель одна — доставить развлеченье». Звездный фотограф легендарного фотоагентства «Магнум», куратор и коллекционер Мартин Парр заново переоткрывает деятельность ирландской фотостудии Джона Хайнда, которая навсегда изменила представление об искусстве открытки. На выставке показаны фотографии Эльмара Людвига, Эдмунда Негеле и Дэвида Ноубла, работавших в студии в 1960—1970-е годы. Снимки обожаемых англичанами центров отдыха «Батлинс» предназначались для создания открыток и являются блестящим примером непревзойденного мастерства фотографов студии Хайнда. По словам Мартина Парра, «это самые выразительные фотографии Великобритании шестидесятых и семидесятых годов», которые во многом сформировали и его собственный визуальный язык. На выставке использованы тексты интервью фотографов Дэвиду Ли, опубликованные в книге Our True Intent Is All for Your Delight (Chris Boot. Куратор: Мартин Парр. Экспозиция: Анна Зайцева, Мария Лаврова. Выставка работает до 29.08.21.

Дэвид Ноубл.
Центр отдыха «Батлинленд Скегнесс». Вид ночью. 1967—1972
© John Hinde Archive

Фотографии предоставлены pr-службой МАММ

02.06.21. В рамках фестиваля «Мода и стиль в фотографии-2021» Мультимедиа Арт Музей, Москва представил выставку одного из самых ярких современных мировых фотографов – Эрвина Олафа. В этом году МАММ представляет серии Эрвина Олафа «Шанхай» (2017) и «Палм-Спрингс» (2018), в которых художник исследует проблемы современной цивилизации и анализирует их последствия – одиночество, потерянность, разобщенность, неравенство, стремление казаться, а не быть… Кульминацией выставки являются видео-портреты, присутствующие в каждой из серий, для которых Эрвин Олаф просит главных героев глядя в камеру напрямую обратиться к зрителю с просьбами, понятными и близкими каждому: «Люби меня!», «Услышь меня!», «Пойми меня!», «Прикоснись ко мне!». Куратор: Анна Зайцева. Проект представлен Studio Ervin Olaf and Rabouan Moussion Gallery, Paris. Выставка работает до 29.08.21.

Эрвин Олаф
Воздушный змей.
Из серии «Палм-Спрингс». 2018

Фотографии предоставлены pr-службой МАММ

 

02.06.21. В рамках фестиваля «Мода и стиль в фотографии-2021» Мультимедиа Арт Музей, Москва представил выставку Коки Рамишвили – современного швейцарско-грузинского художника, участника 53-й Венецианской биеннале и многочисленных выставок в ведущих музеях мира, среди которых Тейт Модерн (Лондон), музеи современного искусства MAMCO (Женева) и CoBrA (Амстердам). Название выставке дала серия фотографий «Световые машины», в которой Рамишвили исследует ключевые для его творчества темы движения, сопряженности времени и пространства, восприятия света. Выстраивая предметные композиции для снимков, художник следовал принципам классического жанра натюрморт, тщательно прорабатывая освещением пластические объемы. Однако его интересовала не застывшая, «мертвая природа», а происходящие с объектами процессы — «вторжение времени», метаморфозы фигур, света и тени.

Создавая свои «машины», Рамишвили обращался к наследию великих модернистов XX века, цитируя архитектурные элементы метафизических картин Джорджо де Кирико или скульптурные формы Константина Бранкузи, первая выставка которого в России также прошла в Мультимедиа Арт Музее. В работах Коки Рамишвили прослеживаются мифологические и библейские отсылки (триптих «Эол», серия «Сотворение»), однако не менее важным источником для художника являются естественно-научные труды. Так, «Световые машины» возникли в том числе благодаря изучению автором работ по квантовой механике и астрофизике.

Фотографии, выполненные Рамишвили за пределами студии, объединяет общая со «Световыми машинами» поэтика. Свет и высвобожденная энергия пространства здесь также являются главными героями. Примечательно, что в процессе обработки фотографий Рамишвили, который начинал свой творческий путь как фотограф-документалист, нередко искусственно меняет изображение, совершая манипуляции со светом постфактум. Как известно, изначальное название фотографии как технологии, фиксирующей изображение, – «светопись», то есть «рисование светом». Куратор: Мария Лаврова. Проект представлен галереей Window Project. Выставка работает до 10.07.21.

Кока Рамишвили. Эол II. 2017
Предоставлено галереей
Window Project

Фотографии предоставлены pr-службой МАММ

03.05.21. В Гостином Дворе состоялось открытие 26-ой международной выставки архитектуры и дизайна АРХ Москва. На экспозиционной площади 12700 кв.м. представлены более 200 участников – отечественных и зарубежных архитектурных студий, дизайн-бюро, профильных учебных заведений, производителей и дистрибьюторов эксклюзивных материалов. Выставка проходит под патронатом: Правительства Москвы и Комитета по архитектуре и градостроительству города Москвы (МОСКОМАРХИТЕКТУРА). Тема выставки АРХ Москва-2021: «ИДЕИ», автор темы – Владимир Кузьмин, архитектор-дизайнер, сооснователь проектной группы «Поле-Дизайн», профессор Московского отделения Международной академии архитектуры (МААМ), член Союза архитекторов России. Кураторы – Илья Мукосей, архитектор, журналист, креативный директор Artplay Today, основатель бюро mukosey : architecture / design / media, и Василий Бычков, руководитель выставки АРХ Москва.

Специальный проект – мероприятия, посвященные градостроительной политике города Москвы.

Цели проекта АРХ Москва 2021: отобразить максимально широкую панораму актуальной архитектуры и дизайна и привлечь к обсуждению данного контента не только профессионалов, но и широкую публику, представить градостроительную политику города Москвы, ознакомить посетителей с международным опытом и последними тенденциями в девелопменте, строительстве, образовательных технологиях.

АРХ Москва 2021 приглашает к разговору о том, как, откуда и зачем появляются новые идеи, как устроен мир идей, в каких взаимоотношениях он находится с материальным миром, как придумывается и рождается будущее, и как будущее придумывает нас. Традиционный взгляд архитектора на мироустройство дополняется оптикой философа, художника, ученого.

В центре внимания выставки – Идея Москвы в системе координат «НАСТОЯЩЕЕ. БУДУЩЕЕ. ИДЕАЛЬНОЕ». Единицей измерения экспозиций могут служить разные пространственные «сущности»: от фрагментов архитектурных идей и теорий до идеи создания нового города. Дискуссионные залы АРХ Москвы становятся на время выставки исследовательскими лабораториями по переосмыслению языка архитектуры как языка идей и прорывов.

В числе специальных проектов, представленных на выставке, – проект «ВЕНЕЦИЯ». В конце мая этого года вместе с открытием архитектурной биеннале в Венеции открылся после реставрации российский павильон, построенный в садах Жардини Алексеем Щусевым более 100 лет назад. 29 апреля 1914 года «Санкт-Петербургский курьер» писал об открытии павильона России в венецианских садах Джардини: «Построен он архитектором Щусевым в русском стиле XVIII века. Сперва казалось странным перенесение такого стиля на венецианскую почву, хотя она и привыкла к пестроте. Возникало опасение, что наш павильон не будет гармонировать с пейзажем. На самом деле этого нет. Павильон уютно прячется между громадными деревьями, густая зелень которых образует для него вполне подходящие фон и рамку. Архитектурные линии просты, ясны, нет ничего лишнего, а серо-синеватая окраска стен приятна по тону…».   Собственно реконструкция, процесс реализации и результат стали основой экспозиции этого года, перебрасывая мост в 2004 год, к проекту «Workshop Russia», когда по приглашению Евгения Асса 90 с лишним студентов-архитекторов со всей России в стенах венецианского павильона придумывали идеи для будущего. А 15 лет спустя многие из тех студентов, став зрелые архитекторами, приняли участие в открытом конкурсе, объявленном комиссаром павильона Терезой Мавикой, на реконструкцию того самого Щусевского здания, которое сыграло в их жизни столь значительную роль. Экспозиция на АРХ Москве посвящена обоим событиям – воркшопу и конкурсу – став своего рода «филиалом» венецианского павильона. Куратор – Юлия Шишалова, архитектурный журналист и куратор, главный редактор изданий «Проект Россия». Проект «Венеция» организован при поддержке Регионального общественного фонда поддержки художественных проектов.

ПАВИЛЬОН «ИДЕЯ МОСКВЫ»: фасады символической высотки, которая поднимется над центральным дискуссионным пространством выставки, стали полем для творческого высказывания всемирно известного художника Олега Кулика. Созданные им образы должны вдохновить экспертов и публику на поиски интуитивных и прикладных формулировок сути и смысла Идеи Москвы в системе координат «НАСТОЯЩЕЕ. БУДУЩЕЕ. ИДЕАЛЬНОЕ».

Кураторы: Илья Мукосей, Василий Бычков. Павильон «Идея Москвы» организован при поддержке Регионального общественного фонда поддержки художественных проектов.

БУМАЖНАЯ АРХИТЕКТУРА АЛЕКСАНДРА ЗОСИМОВА: Александр Зосимов (1960 – 2020) – настоящий современный классик «бумажной архитектуры», являвшейся в свое время альтернативой советскому модернизму конца 1980-х гг. Темы его творчества последних лет – рефлексия не только советского наследия, но и мировой архитектуры в целом. Все его работы пронизаны тончайшим юмором, сюрреалистической таинственной атмосферой и безупречной прорисовкой деталей. Куратор – Александр Кожевников, кандидат архитектуры, профессор МАрхИ, член Союза московских архитекторов.

Проект «Бумажная архитектура Александра Зосимова» организован при поддержке Регионального общественного фонда поддержки художественных проектов.

ПРОЕКТ «БУМАЖНАЯ АРХИТЕКТУРА. АРХИВ»: существуют проекты, изначально не предназначенные для реализации, так называемые концептуальные, ориентированные не на будущего потребителя, а на сегодняшнего реципиента, то есть не вверх по оси времени, а куда-то в сторону, по горизонтальной оси, подчиняясь центробежной силе. Бумажная архитектура – проектирование без конкретной цели в пространстве бумажного листа – явление из прошлого, всё более редкое, так как сегодня на бумаге уже не проектируют, но всё более ценное, потому что, отосланная в никуда, она всегда находит своего адресата. Куратор – Юрий Аввакумов, архитектор, художник, действительный член Российской академии художеств.

ЮБИЛЕЙНЫЕ ПРОЕКТЫ:

Инсталляция «Взаимосвязь»: к 30-летию архитектурного бюро ABD architects. Концепция символизирует взаимодействие людей и процессов, создающих архитектуру. 

Павильон XX: архитектурная группа DNK ag в этом году отмечает 20-летие компании. 

«Идея выражается ощущениями, ощущения воплощаются в формах, материалах и определяются их взаимодействием для того, чтобы генерировать посредством постройки исходные ощущения. Общее решение обусловливает детали. Мы создаем сооружения и среду, подчеркивающие богатство реальности и наполняющие контекст новыми свойствами и значениями».

ПРОГРАММА МЕРОПРИЯТИЙ ВЫСТАВКИ  на сайте выставки. www.archmoscow.ru
Выставка работает по 06.06.21.

Фотографии Cabinet de l’Art

 

03.06.21. Moon Gallery представила выставку Порфирия Федорина «ОЗАРЕНИЯ» во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства. В экспозиции первой персональной выставки художника в Москве представлено более 50 работ 2007–2021 годов. Творчество Порфирия сформировалось под влиянием византийской иконы, живописи Макса года Эрнста, Одда Нердрума и Отто Дикса, а также искусства российских мастеров, таких как Гриша Брускин, Леонид Пурыгин и Александр Ройтбург. 18+ Выставка работает по 04.07.21.

Strange harvest, 2020

Фотографии предоставлены Moon Gallery

 

Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Анатомия кубизма в Пушкинском музее

30 августа в ГМИИ им. А.С. Пушкина откроется выставка-инсталляция «Анатомия кубизма».

Euromag
30 августа 2018

Впервые мы сможем так наглядно познакомиться с историей рождения одного из главных художественных течений ХХ века — кубизма (1907–1923). Британский историк Джон Голдинг назвал направление «самой важной и, безусловно, самой полной и радикальной художественной революции со времен Возрождения».

Ядро экспозиции — тетрадь с эскизами Пабло Пикассо к «Авиньонским девицам» (1907) — картине, изменившей ход мировой истории искусства. Само масштабное полотно не выезжает из Нью-Йоркского музея современного искусства (МоМА). 

На московской же выставке впервые показаны более 60 рисунков из тетради, созданной художником в мае — июне 1907 года и хранящейся в собрании Дома-музея Пикассо (Museo Casa Natal) в Малаге.

«Авиньонские девицы» — произведение, открывшее новую эру в истории искусства. Это «добровольно незаконченная» (как характеризовал ее сам Пикассо) картина-исследование, картина-поиск, работая над которой, художник искал иной подход к изображению пространства и перспективы, с помощью новых выразительных средств пытался найти ответы на вопросы об истоках мироздания.

В период работы над картиной «Авиньонские девицы»  Пикассо создал более 800 эскизов и набросков. Большинство из них долгое время хранились у самого художника, и, как пишет автор каталога-резоне «Кубизм Пикассо» и один из главных биографов художника Пьер Декс, «кажется, Пикассо старался избежать публичного показа подготовительных эскизов к своему огромному полотну, может быть из боязни быть втянутым в раздражавшую его до глубины души дискуссию об истоках его замысла». Маленькая ученическая тетрадь с бесценными эскизами долгие годы находилась в коллекции наследников Пикассо, а в 2006 году была приобретена Домом-музеем Пикассо в Малаге.

«Для меня искусство не имеет ни прошлого, ни будущего <…> Искусство греков, египтян и великих художников других времен — это не искусство прошлого; в наши дни оно может быть более жизненно, чем когда-либо», — говорил Пабло Пикассо в своем интервью 1923 года. 

Чтобы проиллюстрировать это высказывание художника кроме рисунков из коллекции испанского музея в экспозиции представлены около 20 произведений из постоянной экспозиции и запасников ГМИИ им. А.С. Пушкина, относящиеся к самым разным периодам мировой истории Древнему Египту, античности и т.д.. И, конечно, эта выставка была бы невозможна без африканских статуэток и гуашей Пикассо из всемирно известной коллекции Сергея Щукина. 

С помощью огромного стола-инсталляции архитекторы выставки создали «обдуманный и организованный беспорядок, который Пикассо порождает повсюду», — как писал в воспоминаниях о своем друге Илья Эренбург. Собранные все вместе, эти шедевры ретроспективно воссоздадут ход мыслей и ассоциаций Пабло Пикассо.

Еще больше интересного в нашем канале Яндекс.Дзен. Подпишитесь!

Читайте также

В Пушкинском музее изучают анатомию кубизма • ARTANDHOUSES

Выставка «Анатомия кубизма», посвященная истории возникновения одного из самых радикальных стилей ХХ века, открывается в московском ГМИИ имени А. С. Пушкина. Архитекторы экспозиции создали собственное посвящение главному герою экспозиции — огромный стол-инсталляцию, где «обдуманный и организованный беспорядок, который Пикассо порождает повсюду», будет продемонстрирован наглядно.

Первым произведением кубизма считаются «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо, написанные в 1907 году. Пять прекрасных фурий с лицами, напоминающими африканские маски, произвели революцию в мире искусства. И не только провокационным сюжетом — прототипами персонажей картины стали обитательницы борделя на улице Авиньон в Барселоне. Изначально картина так и называлась «Философский бордель», а более благообразную версию названия придумал поэт Андре Сальмон.

Именно в этой работе впервые был продемонстрирован новый подход к изображению пространства, ломающий представление о привычной линейной перспективе. Картина вовсе не была случайным открытием: Пикассо долго трудился над ее идеей, о чем свидетельствует тетрадь с эскизами, создаваемыми на протяжении девяти месяцев, которая и легла в основу выставки в Москве.

В экспозиции можно увидеть шестьдесят рисунков из заветной тетради, ныне хранящейся в Доме-музее Пикассо в Малаге. Помимо рисунков покажут и гуаши из коллекции Сергея Щукина, а откроет выставку картина «Купание» (1890–1894) Поля Сезанна, которого Пикассо считал отцом современной живописи, отказавшимся от предметности.

Также здесь можно будет увидеть источники, которые привели Пикассо к кубизму. Африканская скульптура, античная керамика, шедевры Древнего Египта, прикладное искусство эпохи эллинизма — всё это вдохновило художника на создание нового стиля. На примере двадцати произведений из коллекции Пушкинского музея можно рассмотреть, из чего же складывался кубизм.

Поль Сезанн
«Купание»
1890 – 1894
ГМИИ им. А. С. Пушкина

Пабло Пикассо
«Три женщины. Этюд»
1907-1908
ГМИИ им. А. С. Пушкина

Пабло Пикассо
«Дружба (II). Этюд»
1907-1908
ГМИИ им. А. С. Пушкина

Пабло Пикассо
«Обложка альбома Пикассо № 7 для «Авиньонских девиц» с изображением Орла», 1907
Коллекция Фонда Пикассо, Дом-музей Пикассо, Городской совет Малаги

Пабло Пикассо
«Набросок: Орел, Сова и крокодил / Сцена в интерьере и орел», 1907
Коллекция Фонда Пикассо, Дом-музей Пикассо, Городской совет Малаги

Пабло Пикассо
«Набросок сидящей женщины: обнаженная с драпировкой», 1907
Коллекция Фонда Пикассо, Дом-музей Пикассо, Городской совет Малаги

Пабло Пикассо
«Набросок обнаженной с драпировкой», 1907
Коллекция Фонда Пикассо, Дом-музей Пикассо, Городской совет Малаги

Пабло Пикассо
«Женский бюст/ Набросок с кувшином, чашей и лимоном», 1907
Коллекция Фонда Пикассо, Дом-музей Пикассо, Городской совет Малаги

«Авиньонским девицам» вернули мужчин – Газета Коммерсантъ № 158 (6396) от 01.09.2018

В Пушкинском музее открылась выставка «Анатомия кубизма». Эскизы к «Авиньонским девицам» Пабло Пикассо из дома-музея художника в Малаге дополнены произведениями египетского, древнегреческого, африканского искусства, гуашами самого автора и «Купанием» Сезанна (все — из собрания ГМИИ): экспозиция призвана пролить свет на историю создания шедевра. Рассказывает Игорь Гребельников.

Несмотря на скромные размеры выставки («Анатомия кубизма» уместилась в один зал), смотреть ее хочется долго, даже в отсутствие виновниц торжества. «Авиньонские девицы» (1907) — гордость коллекции нью-йоркского МоМА, картина вообще не покидает постоянной экспозиции с тех пор, как приобретена музеем в 1937 году. А ведь довольно продолжительное время «Девицы» не то что не могли пристроиться в музей — от них шарахались даже продвинутые коллекционеры. Да что там, ближайшие друзья Пикассо и такие же, как и он, реформаторы живописи Анри Матисс, Жорж Брак, Андре Дерен недовольно фыркали и злобно высмеивали полотно.

Изначально Пикассо планировал несколько иной сюжет (в распоряжении исследователей — 809 эскизов и набросков, относящихся к его работе над «Авиньонскими девицами»). Предполагались и мужские персонажи, впрочем, одетые: сидящий в центре моряк, которого окружают голые жрицы любви, и студент, только переступивший порог борделя. Но от легко считываемой аллегории порока и добродетели художник отказался, захваченный совершенно другой идеей. Головы девиц теперь обращены к зрителю, их тела своими изломами словно вонзаются в него, вводят в оцепенение лицами-масками; нет ни перспективы (фон дробится на осколки), ни радующего глаз колорита. Подкованные во фрейдизме исследователи находят в этой гендерной и стилистической редукции всю положенную гамму интерпретаций — от «страха кастрации» до мотива «отцеубийства». Но и без этих трактовок очевидно, что картина будто ощетинилась против всей истории европейской живописи и традиции ее восприятия. Считается, что искаженные формы девиц, увиденные как бы одновременно с разных ракурсов, и решенная в соответствии с этим вся структура картины — результат знакомства Пикассо с африканскими масками, увиденными на выставке в Этнографическом музее Трокадеро, и иберийской скульптурой в коллекции Лувра.

Выставка «Анатомия кубизма» (куратор — Сурия Садекова), представляя разворот за разворотом тетрадь с эскизами и набросками Пикассо, прибывшую из дома-музея в Малаге (мэрия города приобрела ее у наследников художника), обращается к куда более широкому художественному материалу. Причем в подборе экспонатов, устанавливающих связи между его рисунками и древним искусством, иногда удается достичь чуть ли не хирургической точности. Вот, скажем, эскизы рук, грубоватые по форме, и им в рифму нашлась кисть статуи с Кипра, датируемая V веком до нашей эры.

Соответствующая ревизия запасников и постоянной экспозиции ГМИИ (особенно коллекций древнегреческого, древнеегипетского и, разумеется, африканского искусства) была проведена в отношении всего разнообразия поз обнаженных из тетрадки Пикассо. Они нарисованы поодиночке, группами, акробатическими пирамидами, стоящими со сложенными руками, сидящими на корточках, с тенями, с тканями. Рядом с этими листами, расположенными на большом столе, уверенно заняли места статуэтки, вазы, сосуды, маски, обломки скульптур, архитектурного декора. Африканские маски из коллекции Сергея Щукина соседствуют тут и с древнеегипетскими статуэтками птиц: в тетради Пикассо то и дело мелькают изображения орлов и сов, в общем-то, они не имеют прямого отношения к «Девицам», но свидетельствуют о том, что художник не раз посещал залы с египетским искусством в Лувре.

Занятно, но с зарисовками будущих девиц зачастую соотнесены древние изображения мужчин. Тут и бегущие воины на древнегреческой вазе, и танцующие божества на сосуде для питья, и египтянин на пластине из слоновой кости, и деревянный африканский «первопредок». Разнообразие этих изображений, географическое, временное, пластическое, создает впечатляющий и довольно затейливый ансамбль. В этом дизайнерском решении, придуманном Кириллом Ассом и Надеждой Корбут с оглядкой на пассаж Ильи Эренбурга, описавшего мастерскую Пикассо как «хорошо продуманный беспорядок», есть что-то от антуража «кукольного домика», населенного причудливыми персонажами, с удивлением разглядывающими себя в рисунках и на присланной из МоМА маленькой репродукции «Авиньонских девиц».

что скрывается в маленькой тетрадке Пабло Пикассо — Рамблер/субботний

30 августа в ГМИИ имени Пушкина открывается выставка-инсталляция «Анатомия кубизма»: эскизы художника Пабло Пикассо к его «Авиньонским девицам» – картине, изменившей ход мировой истории искусства.

Редакция портала Москва 24 рассказывает об «Анатомии кубизма» и объясняет, на что стоит обратить особое внимание.

Маленькая ученическая тетрадь с эскизами Пикассо долгое время находилась в архиве художника, потом ее купил дом-музей Пикассо в Малаге. На московской выставке показаны более 60 рисунков из этой тетради, созданной художником в мае-июне 1907 года.

«Наш проект связан с очень важной точкой не только внутри биографии Пикассо, но и внутри истории искусства. Это поворотный момент, некая точка, которая связана с зарождением кубизма. Нам понадобились разные инструменты, чтобы рассказать эту историю, рассказать таким образом, чтобы она стала более ясной», – объяснила директор ГМИИ имени Пушкина Марина Лошак.

«Анатомия кубизма» позволяет проникнуть в лабораторию художника, воссоздать ход его мыслей: рядом с рисунками из коллекции испанского музея представлены шедевры Древнего Египта, античная керамика, декоративно-прикладное искусство эпохи эллинизма – около 20 произведений из постоянной экспозиции и запасников ГМИИ имени Пушкина.

С помощью огромного стола-инсталляции архитекторы выставки создали «обдуманный и организованный беспорядок, который Пикассо порождает повсюду». Собранные все вместе, эти шедевры ретроспективно воссоздают ход мыслей и ассоциаций Пабло Пикассо.

Так, например, в начале второго этапа работы над «Авиньонскими девицами» он посещал Этнографический музей Трокадеро, где представлено искусство Африки, и под влиянием трибального искусства он переписал всю правую сторону картины.

Над масштабным полотном Пикассо трудился более девяти месяцев. «Он рисовал не предметы, а то, что они выражают. Проще говоря, рисунки были для него словами, это всегда был его способ разговаривать», – объясняла первая почитательница художника, писатель Гертруда Стайн.

Она также отмечала, что рисунок Пикассо всегда точен и скуп. «Рисует он по-разному: вспоминается то Энгр, то античные вазы», – писал близкий друг художника Илья Эренбург.

На выставке «Анатомия Кубизма» посетителям предоставляется уникальная возможность: не просто увидеть наброски величайшего художника, но и проследить, как зарождался замысел картины и вместе с тем одно из главных художественных течений ХХ века – кубизм.

Открывает же выставку картина Поля Сезанна «Купание» из собрания ГМИИ.

«Пикассо – это испанский художник, который родился в Малаге, он говорил по-испански и творил по-испански, но он уже не принадлежит испанцам, он принадлежит нам всем. Мэрия Малаги приобрела серьезную коллекцию Пикассо, и главное сокровище – это эскизы к «Авиньонским девицам», – рассказал директор дома-музея Пикассо в Малаге Хосе Мария Луна Агилар.

Кубизм: тела | Музей Пикассо Малага

Подробнее

В начале двадцатого века Пикассо сделал серию замечательных рисунков фигур. Самая ранняя дата — 1906 — начало 1907 года, когда он принял важное решение отказаться от описательного языка Возрождения и вместо этого искать более «примитивный» способ визуального выражения. За ними следуют листы более поздних 1907 и 1908 годов, когда он использовал геометрическую огранку для создания новой расы титанических фигур.Исследования 1910 года документируют его революционное нападение на тело, разбив его твердую массу на множество свободно плавающих плоскостей, конусов и цилиндров. В 1911–1912 годах разрушенная фигура поглощается каркасом «сетки», новой изобразительной структурой, которую Пикассо и Жорж Брак, его партнер в изобретении кубизма, создали в качестве замены перспективы эпохи Возрождения. В 1912–1913 годах Пикассо резко прояснил кубизм, сведя его сложные структуры к горстке перекрывающихся плоскостей и заменив прямые линии и углы кажущимися наивными кривыми.

Изображение стоящей обнаженной мадемуазель Леони послужило отправной точкой для серии рисунков и холста, выполненных осенью 1910 года. В Стоящая обнаженная женщина (Мадемуазель Леони) Пикассо отказался от привычного карандашного рисунка и выполнил этюд непосредственно бумага, перо, тушь. Несколько ключевых элементов стоящей фигуры сохраняются на протяжении всей серии: нос нарисован в виде треугольника; Плечо слева представляет собой большую полукруглую форму, напоминающую ломтик дыни, перемежающуюся небольшим перевернутым шипом, который может представлять собой острие воротника, в то время как плечо справа нарисовано совершенно по-другому, как восходящее треугольник.Бедро справа представлено в виде открытого конуса или цилиндра, в который спускается заштрихованный правый край туловища. В 1910–1912 годах Пикассо обычно использовал такие изогнутые формы для изображения анатомических суставов: места, где одна конечность вращается вокруг своего соединения с другой конечностью. Наконец, следует отметить, что фигура вырисовывается на фоне пустого пространства, без намека на окружающую сетку.

Текст: Пепе Кармель «Язык тела: человеческая фигура в рисунках Пикассо, 1906–1913».В каталоге Диалоги с Пикассо. Коллекция 2020-2023

характеристик кубизма — кто изобрел кубизм?

Можно с уверенностью сказать, что изобретателем кубизма был Пабло Пикассо. Совершенно очевидно, что прорывная работа — это Les Demoiselles d’Avignon, которая знаменует внезапную смену стиля и показывает влияние африканских и примитивных форм искусства. Обнаженные на картине лица имеют маскоподобные лица и состоят из острых угловатых форм. Общий эффект — один из раздробленных и искаженных изображений.Что касается того, кто изобрел собственное название «кубизм», то это произошло в 1908 году, когда художник Анри Матисс описал «Дома в L’Estaque» Жоржа Брака как состоящие из маленьких кубиков. После этого термин быстро получил широкое распространение.

Кто изобрел кубизм — история и характеристики кубизма

«Гитарист» Пабло Пикассо 1910 года

Как и большинство современных течений в искусстве, кубизм возник из желания порвать с прошлым и изменить смысл искусства. Кубизм стал продолжением работ Поля Сезанна, который был очень озабочен структурой и разбиением объектов на их простейшие формы, а также подчеркивал множественные точки зрения бинокулярного зрения.

Основными характеристиками кубизма были отказ от единой точки зрения в пользу показа фрагментированного предмета с нескольких разных точек зрения в сочетании с упрощением форм. Художники-кубисты пошли гораздо дальше Сезанна, изображая объекты так, как если бы они были видны со всех сторон одновременно.

Характеристики кубизма — аналитический кубизм (1910-1912)

Обычно признаются две основные ветви кубизма — аналитический кубизм и более поздний синтетический кубизм.Аналитический кубизм занимался аналитическим разбиением форм на упрощенные геометрические формы по всей картине. Они были почти как рисунки в отсутствии цвета и монохроматической концентрации линий и форм.

Важная выставка работ Поля Сезанна в 1907 году оказала огромное влияние как на Пабло Пикассо, так и на Жоржа Брака. Аналитический кубизм был прямым развитием подхода Сезанна к живописи. Пикассо продвинул этот подход, и Брак отказался от своего фовистского стиля живописи, чтобы работать с Пикассо над развитием кубизма.

Натюрморт со стулом, порожденным тростью, любезно предоставлен Interactive Fountains

Характеристики кубизма — синтетический кубизм (1912-1920)

Синтетический кубизм является более поздним развитием кубистского движения, и первым представителем живописи этого стиля считается «Натюрморт с плетением стула» Пабло Пикассо 1912 года. Основными характеристиками синтетического кубизма были использование смешанной техники и коллажа. и создание более плоского пространства, чем с аналитическим кубизмом.Другими характеристиками были более широкое использование цвета и больший интерес к декоративным эффектам.

В развитии синтетического кубизма Пикассо был первым человеком, который использовал коллаж и текст в живописи изобразительного искусства. Картины кубизма включали вырезки из газет, ноты, кусочки ткани и нарисованный текст. Синтетический кубизм имел тенденцию сталкивать объекты вместе, а не разбирать их для анализа. Многие из используемых устройств были предназначены для выравнивания картинной плоскости и создания изображения с меньшей глубиной, чем более ранние картины аналитического кубизма.

Характеристики кубизма — Жорж Брак

Жорж Брак, «Натюрморт со скрипкой» 1914

Пикассо и кубизм

Ни одно художественное направление в этом веке не приобрело большего престижа, чем кубизм. Последнее обычно считается искусством двадцатого века по преимуществу. И все же большинству из нас было скучно на выставках кубизма. Нам говорят, что кубизм — великий вклад Пикассо в искусство, но мы смотрим на эти мутные коричневые картины, практически идентичные друг другу, с чувством мрачного разочарования.Но нужно ли нам, кто ошибается? Давайте сначала посмотрим, что критики говорят о картинах.

Обычно утверждается, что кубизм является продолжением стиля Сезанна. В то время как импрессионисты придерживались единой точки обзора, Сезанн создавал впечатление, скажем, холма, как если бы он слегка поворачивал голову в разные стороны, тем самым предполагая разные точки зрения и некоторую двусмысленность в отношении того, где находится объект в пространстве. Предполагается, что Пикассо продолжает эту линию, но принимает множество точек зрения, которые объясняют, почему так трудно понять, что это за картина.

Ясно, что если единственное достижение Пикассо состояло в том, чтобы смешать эти точки обзора вместе так, чтобы изображенные объекты не были видны, то он сделал не больше, чем спрятал объект и ничего не обнаружил! Критики отвечают на это возражение аргументом, что, хотя Пикассо придерживается многих точек зрения, изображенный объект все же описан доходчиво, то есть мы можем сказать, что это такое и где он находится, и что таким образом он достигает подвига, позволяя зрителю увидеть объект. с разных точек зрения одновременно.Итак, правы ли критики и можем ли мы сказать, в чем дело, или мы правы, а мы не можем, — это простой факт. Если критики правы, то все, что им нужно сделать, это сделать снимок, подобный «Ма Джоли» (1912), и показать, как можно реконструировать красивую девушку из названия, то есть как, работая с различными частями картины, мы может реконструировать объект в пространстве, который предполагается изображать. Увы, такое объяснение есть! Никогда не давали, и есть две простые причины, почему этого не могло быть.Во-первых, мы не можем сказать, какого цвета вещи, потому что кубистские изображения имеют тенденцию к одному цвету, а это означает, что объекты могут быть только более светлого или более темного оттенка этого цвета, а свет имеет тенденцию быть туманным, что снижает видимость цвета. Если мы посмотрим на пиджак Амбруаза Воллара на его портрете, мы не сможем сказать, черный он, синий или серый. Во-вторых, изображение разбивается на неровности, что, нарушая непрерывность поверхностей (например, лица), делает невозможным определение формы и положения вещей.Таким образом, мы должны сделать вывод, что лицо Амбруаза Воллара, например, не описано нам более подробно, потому что с нескольких точек зрения, а скорее скрыто от нас. Кубизм не может заключаться в визуальном реализме. Итак, мы должны спросить, о чем это?

Пабло Пикассо. Les Demoiselles d’Avignon

Мы описали, как портрет Амбруаза Воллара скрывает визуальную реальность, но если сравнить картину с «Девушками», мы поражены ее реалистичностью. Вся картина состоит из света и тени.У нас гораздо более четкое впечатление о человеческой фигуре, созданной светом и тенью, даже если визуальная информация была «зашифрована». Критики обычно подчеркивают преемственность между «красавицами» и кубизмом: предполагается, что одно привело к другому. Но на самом деле это противоположные способы выражения относительности чувственного опыта. В «Девушках» Пикассо представляет альтернативный вид пространства, отличный от того, что мы обычно знаем, — искривленное пространство; наши чувства говорят нам, что кожа мягкая, поэтому Пикассо представляет ее твердой; и таким образом мы получаем впечатление альтернативной реальности, которая предполагает, что реальность, которую приносят нам наши чувства, может сама по себе сильно отличаться от того, как наши чувства описывают ее нам.В «Амбруазе Волларе» нам не дается ряд альтернатив — другой вид пространства, другая текстура, другой объем тела и т. Д. — Мы чувствуем, что эти качества остаются такими же, как обычно. Что изменилось, так это наш способ восприятия объектов: наше зрение стало относительным. Это просто обратная сторона медали по сравнению с «красавками», поскольку зрение включает два элемента: видимую вещь и действие видения. Итак, «красавки» изменили наблюдаемое — они дали нам представление об относительности чувственных переживаний, изменив объекты нашего зрения (пространство, текстуру и т. Д.)). Кубизм оставляет объекты видения такими же (мы узнаем человека, мистер Воллар), но меняет видение человека, который видит объект — он искажает визуальные сообщения — чтобы создать впечатление относительности зрения.

Таким образом, в то время как в «Красавках» нормальные качества предметов противоречат друг другу (например, пространство становится прерывистым, мягкий материал занавеса становится твердым и т. Д.), Кубизм противоречит нормальному зрению. Вместо того, чтобы видеть вещи в их обычных цветах, все стремится к одному цвету, и поэтому цветовые различия заменяются различиями в светлоте и темноте.Вместо того, чтобы дать нам представление о округлости вещей, наш сайт производит впечатление плоского (костюм Воллара). Свет, как обычно, не сообщает нам о форме, объеме и положении объектов, но кажется, что он слишком ярко светит на объект; он ослепляет зрителя и нарушает целостность образа. И в то время как наше зрение обычно дает нам непрерывный обзор пространства, ромбовидные формы кубизма с острыми краями предполагают смещение зрительного образа, как на сломанном телевизионном экране.

Возражение против такого искаженного зрения очевидно: что может отличить Пикассо от искаженного праздничного фото, которое я получаю из аптеки, когда я использовал неправильное время экспозиции? Ответ — гармония композиции. Все искажения нормального зрения в «Амбруаз Воллар» вместе создают впечатление единства. И, что еще более важно, Пикассо удалось достичь баланса между фигурой человека и пространством, составляющим фон.Кажется, что оно либо выходит из фона, либо сливается с ним, что неоднозначно очень напоминает движение Микеланджело. Драматизм картины заключается в этом напряжении между человеком и окружающим его пространством и светом. В этом есть нечто большее, чем намек на тему бытия и небытия, существования и пустоты. Это поразительный образ ненадежности жизни. А закрытые глаза и рот предполагают то состояние покоя, которым живые представляют смерть.

Девушка с мандолиной, 1910 г. Пабло Пикассо

«Девушка с мандолиной» (1910 г.) — еще более яркий пример того, как искажения реальности Пикассо используются для выразительного эффекта. Волшебство и очарование картины проистекают именно из оттенков света и упрощенной прямоугольности формы тела. Поскольку изображение полностью коричневое, можно использовать все оттенки от почти белого до почти черного. И именно сочетание этих оттенков создает необыкновенную атмосферу картины, которая, кстати, гораздо менее театральна, чем голубая эпоха.Эта волшебная атмосфера достигает своего апогея в бренчащей руке девушки, в полосе чистого света, которая проходит вдоль линии, где должны были быть суставы. Утонченность руки подчеркивается простотой ее формы, особенно в области запястья. Это очень напоминает бренчащую руку в «Concert Champêtre» Джорджоне. Правая грудь игрока тоже приобретает сладострастие из-за резкого контраста между светлыми и темными оттенками коричневого, а также из-за нереально щедрой кривой.Он удивительно близок по ощущениям к обнаженной натуре 1930-х годов. Голова дает нам хорошее представление о прическе, но черты лица мало помогают, а округлость головы противоречит квадратному контуру. И все же, какую изящность мы угадываем за этим внешним видом. И разве не аксиома, что женское очарование усиливается за счет маскировки?

Почти слишком очевидно, чтобы требовать комментариев, что картина приобретает значение, когда она рассказывает о молодой девушке и музыке. Как бы красиво это ни изобразил Пикассо, рыбный нож в руках девушки в корне изменил бы смысл произведения! И все же критики обычно считают, что кубизм научил нас тому, что искусство — это стиль, а не предмет.Но если мы посмотрим на такую ​​картину, как «Ма Джоли» 1912 года, название которой означает «Моя красотка», разве мы не имеем права разочаровываться? Что картина говорит нам о красоте девушки? Если мы отвергаем точку зрения, что все, что делал Пикассо, должно быть хорошим и объективно размышлять над этим вопросом, есть веские основания полагать, что абстракция позднего кубизма знаменует упадок художественного выражения.

Мне кажется, что в позднем кубизме Пикассо преследовал философский блуждающий огонек, но для того, чтобы понять это, необходимо исследовать философское значение более ранних кубистских картин, которые мы уже обсуждали.Они учат нас тому, что наш сайт обладает не только физическими способностями, но и умственными способностями. Когда мы видим объект, мы также в некотором смысле создаем его. Если я перестану смотреть на эти линии, они не перестанут существовать, потому что они все еще там, когда я оглядываюсь назад, но мы не можем сказать, в какой форме они существуют, когда на них никто не смотрит. Итак, то, что передают «Амбруаз Воллар» и «Девушка с мандолиной», — это именно тот процесс, с помощью которого мы вызываем предметы, глядя на них. Объекты, мужчина и девушка, не сформированы полностью не потому, что наше зрение размыто, как на дождливой улице импрессионистов, а потому, что объект не полностью принял форму, он принимает форму в результате нашего взгляда на него. Это.

Пикассо, конечно, мог бы сделать свои картины все более и более размытыми, объединяя цвета объектов друг с другом, постепенно делая все цвета светлее, что привело бы к полностью белому холсту, или темнее, что привело бы к черный холст. Таким образом, он выразил бы идею о том, что объекты исчезают, когда мы не смотрим на них, но этот белый или черный холст не выражал бы ничего, кроме этого факта: он ничего не сказал бы нам о природе объекта, когда он не просматривается.Что делает кубизм, так это визуальное выражение нашего знания о том, что объект, даже если на него не смотрят, все еще существует. Его достижение — найти визуальный способ выразить то, что не визуально. Это может показаться парадоксальным, но, если подумать, тот же парадокс применим ко всем натуралистическим представлениям, поскольку картина может представлять только одно мгновение времени, отрезанное от всех других, тогда как в действительности все наши моменты видения объединены в единое целое. континуум времени. В действительности, один случай не может быть отделен от того, который ему предшествует, и делает это не путем копирования того, как мы видим вещи, а путем предложения наших знаний о них.Таким образом, картина Мане с бегущей лошадью не просто копирует визуальный образ, который бросается в глаза, когда мы видим бегущих лошадей. Такой образ не может существовать, потому что движение — это то, что мы видим в континууме времени: мы следим за движением во времени. Кино-камера может показать нам движение, потому что ее пленка движется во времени, но отдельная фотография не может показать нам движение, потому что она ограничена во времени одним мгновением и, таким образом, может показать нам только лошадь, которая неподвижна. Поэтому картина Мане не может быть изображением реального движения.Это должна быть ментальная абстракция. Он показал, как выглядело бы движение, если бы его можно было увидеть в одно мгновение. Он сделал это, используя свет, чтобы разбить и размыть формы. Это создает впечатление, что наше зрение, статичное в один момент, не может полностью уловить формы, потому что они находятся в движении. Таким образом, он дает нам изображение движения, видимого в одно мгновение, что составляет статическое представление о движении, каким было бы движение, если бы его можно было остановить. Очевидно, что такое изображение реальности может быть только абстракцией ума, способом вообразить, что такое реальность.Таким же образом Пикассо находит визуальный способ описания ментальной абстракции объекта в процессе его возникновения. Ясно, что никакая картина не может быть такой же, как этот процесс, поскольку последний является ментальным, а не визуальным процессом — возникающий объект сильно отличается от объекта, который выглядит размытым, возможно, потому, что он удален, и постепенно становится более четким по мере того как мы сосредотачиваемся на нем более пристально — Пикассо намеренно рисует те объекты, которые обладают теми качествами, которые обеспечивают точное зрение (они неподвижны и близки).

Теперь стало бы видно, что этот процесс разделения визуального образа может продолжаться до тех пор, пока мы не останемся с изображением объекта, полностью независимым от его обычных визуальных качеств, т. Е. Изображение объекта, как оно есть в себе, как визуальная возможность. На такой картинке мы вообще не должны различать объект. Но если объект неузнаваем, это означает, что изображение любого объекта было бы неотличимо от любого другого, что означало бы, что ни один объект не может быть изображен, поскольку то, что мы называем объектом, по определению является тем, что не является множеством других вещей ( девушка не стол, не фен и т. д.).

Пабло Пикассо. «Ма Джоли». Париж, зима 1911-12 гг. | MoMA

В этом, я думаю, причина всех этих скучных мутно-коричневых картинок столешниц, газет и трубок. Пикассо считал, что в кубизме он нашел метод изображения реальной природы объектов, в отличие от нашего обычного способа их видения. Он думал, что может выразить реальность объектов, скрытую за их визуальным внешним видом. Таким образом, «действительность внизу» становится важной, а объект становится менее важным.И поэтому не имеет значения, является ли объект неузнаваемым — то, что мы видим на картинке, «реальность» объекта — вот что имеет значение! Проблема в том, что, визуализируя объект таким образом, что он становится неузнаваемым, мы теряем чувство различия между объектами: все объекты одинаковы. Это имеет два печальных последствия. Во-первых, мир становится непонятным, потому что уже невозможно отличить одно от другого. И если мы не можем отличить вещи друг от друга, тогда мы не можем говорить о большей или меньшей ценности: моя мать не может быть важнее моих туфель, потому что я не могу отличить.А во-вторых, когда объект исчезает, напряжение в композиции изображения исчезает, поскольку объект больше не борется за его визуальное выживание. Между фигурой и фоном нет напряжения, поскольку они стали одним целым. Причина, по которой стиль такой нежной и красивой картины, как «Девушка с мандолиной», в том, что она о девушках и музыке. Это то, что мы понимаем с точки зрения человеческих ценностей. Стиль не более чем выражает эту ценность. Итак, когда девушка и музыка исчезают, мы теряем поэзию стиля и остаемся с темно-коричневой геометрией.

Художник осознал это сознательно или бессознательно, поскольку приложил все усилия, чтобы сохранить индивидуальность объекта. В «Ма Джоли» он пишет название на холсте. Другими словами, он передает некоторые значимые объекты в узнаваемой форме, чтобы дать ключ к разгадке личности изображенного человека. А в «коллаже» (что по-французски означает «наклеивание вещей») он начал наклеивать на холст реальные объекты, например, кусочки газеты. Но эти попытки восстановить разборчивость не могли сделать ничего, кроме прикрытия трещин, иногда буквально! Поздний кубизм представляет собой обанкротившееся видение человека, делая человеческие ценности невозможными.Некоторые критики хотят заставить нас поверить в то, что это его величайшее достижение и что остальная часть его карьеры представляет собой достойное сожаления отклонение от него. Мы должны быть благодарны, что художник не согласился.

Связанные

Что такое кубизм; характеристики, этапы и писатели — примечания к прочтению

Фактическим основателем кубизма был испанский художник Пабло Пикассо (р. 1881), последователь Поля Сезанна, великого французского постимпрессиониста, а Жорж Брак был близок к Пикассо, заняв второе место.Сезанн сформулировал теорию, согласно которой все в природе моделируется на сфере, конусе и цилиндре: сначала нужно понять, как рисовать эти простые фигуры, а затем можно рисовать что угодно ». Открытие сопоставимых основных элементов формы в негритянском и примитивном искусстве оказало укрепляющее влияние.

Кубист не пытается дать точное воспроизведение любых визуализируемых объектов, но стремится по-своему интерпретировать структуру, лежащую в основе внешнего вида поверхности.

Кубизм считался самым влиятельным движением века, возглавляемым художниками Пабло Пикассо и Жоржем Браком.Начало этому движению положила картина Пикассо, получившая название «Les demoiselles d’Avignon».

Основной целью движения было использование геометрических форм для создания искусства, попытка представить с их помощью объекты сцены. Это было одно из главных художественных направлений — не связывать столько с реальностью или эстетикой и отдавать предпочтение чему-то более абстрактному, воображаемому и сюрреалистическому.

10 Характеристики кубизма

Основные черты кубизма:

  • Используйте геометрические фигуры в своих работах
  • Разбиение изображений на геометрические фигуры
  • Использование коллажей для придания нового значения и смысла какому-либо изображению
  • Не использовать перспективу, вызывающую ощущение «скульптурной» картины
  • Использование более темных закрытых цветов
  • Используйте цвет на плоских поверхностях
  • Создайте ощущение трехмерной фигуры
  • Использование металла для выражения идей
  • Более широкое использование абстрактных

Этапы кубизма

В годы своего подъема кубизм разделился на три фазы: чаннийский, аналитический и синетический.

События Сезанна происходили между 1907 и 1909 годами. Как вы можете догадаться по названию, Поль Сезанн был одним из величайших вдохновителей кубизма в этот период, а также черпал вдохновение из африканских работ. Этот период также называют «преаналитической» или ранней фазой.

Аналитика произошла между 1910 и 1912 годами. Это был пик кубизма, и что было более «трудным» — получить более широкую интерпретацию работ, потому что они были очень абстрактными и с большим использованием геометрических форм.

Наконец, синтетическое произошло между 1913 и 1914 годами. В этот период коллаж широко использовался в кубизме, происходило несколько реконструкций изображений, придающих им новый смысл. За это время реферат был немного меньше, с большими шансами на интерпретацию

Художники кубизма

Основные названия кубистических картин:

  • Пабло Пикассо (испанский)
  • Поль Сезанн (французский)
  • Марсель Дюшан (французский)
  • Жорж Брак (французский)
  • Фернан Леже (французский)
  • Умберто Боччони (итальянец)
  • Диего Ривера (мексиканец)
  • Александра Нечита (румынка)

Скульпторы кубизма

Основные названия кубистических скульптур:

  • Пабло Пикассо (испанский)
  • Марсель Дюшан (французский)
  • Жорж Брак (французский)
  • Умберто Боччони (итальянец)
  • Хулио Гонсалес (испанский)
  • Жак Липшиц (литовский язык)
  • Хуан Гри (французский)

Писатели кубизма

Основные названия кубистских произведений:

  • Эрико Вериссимо (бразилец)
  • Джон Степс (американец)
  • Гийом Аполлинер (французский)
  • Жан Кокто (французский)
  • Освальд де Андраде (бразилец)

Кубизм: история, характеристика

Кубистическая скульптура

Кубистическая скульптура, похожая на конструктивизм, был слишком радикальным, чтобы стать неотъемлемой частью художественного мейнстрима.Несмотря на это, идеи кубизма также были поглощены и адаптированы теми, кто работал в других дисциплинах, таких как абстрактные скульптура, а также архитектура и прикладное искусство. Кубистическая скульптура разработан из коллажа и папье-коллектора и передан в сборку. Новые техники не только позволили скульпторам использовать новую тематику. материи, но также побудили их думать о скульптурах как о построенных, а не просто моделированные, объекты. Найденные математические и архитектурные качества в творчестве Гриса здесь оказали большое влияние, как видно из работы Архипенко и Осип Задкин, Раймон Дюшан-Вийон и Анри Лоренс, литовский Жак Липшиц, французский скульптор венгерского происхождения Жозеф Чаки (1888-1971), и чешские скульпторы Эмиль Филла (1882–1953) и Отто Гутфройнд (1889–1927).

Пикассо (1881-1973)
Голова женщины (1909) МоМА, Нью-Йорк.
Гитара (1912) Музей Пикассо, Париж.

Раймонд Дюшан-Вийон (1876-1918)
Большая лошадь (1914) Национальный музей современного искусства, Париж.

Анри Лоренс (1885-1954)
Голова женщины (1915) МоМА, Нью-Йорк.

Александр Архипенко (1887-1964)
Женщина на прогулке (1912) частное собрание.
Маршевый солдат (1917) частное собрание.

Наум Габо (1890-1977)
Голова женщины (1917-20) МоМА, Нью-Йорк.

Жак Липшиц (1891-1973)
Человек с гитарой (1915) МоМА, Нью-Йорк.
Матрос с гитарой (1915) Национальный музей современного искусства, Париж.
Купальщицы III (1917) Фонд Барнса.

Кубист Дизайн в Чехословакии

Кубистические теории дизайна были с энтузиазмом восприняты в Чехословакии художниками, скульпторами, дизайнеры и архитекторы, воплотившие черты кубизма живопись (упрощенные геометрические формы, контрасты светлого и темного, призматические граней, угловатых линий) в архитектуру и декоративную искусство, в том числе мебель, украшения искусство, посуда, керамика и ландшафтный дизайн.Видными были участники группы художников-пластиков , которая была основана в 1911 году Филла, чтобы сосредоточиться на кубизме. Группа была активна в Праге до 1914 года, в том числе скульпторы Филла и Гутфройнд. как архитекторы и дизайнеры Павел Янак, Йозеф Гокар (1880-1945), Йозеф Чохол (1880-1956), Властислав Гофман (1884-1964) и Отокар Новотны. Gutfreund опубликовал важные статьи в ежемесячном журнале группы.

Дом Черной Мадонны (1911-12), универмаг, спроектированный Гокаром, был первым произведением кубистской архитектуры. быть построенным. Grand Cafe Orient находится на первом этаже, дополненный кубистским интерьером и кубистскими светильниками, быстро стал место встречи авангарда до его закрытия в середине 1920-х годов. В настоящее время здание является частью Чешского музея изящных искусств и в нем находится Музей чешского кубизма, открытый в 1994 году, с постоянным выставка кубистской живописи, мебели, скульптуры и фарфора. В В Музее чешского кубизма также есть выставка коллажей чешских художников. художник и поэт Иржи Колар, который также работал во Франции.Его идеи позже представил коллаж в более широком контексте. Париж, возможно, был местом рождение кубизма, но именно в Праге его возможности были исследован наиболее полно, в целом образ жизни.

Наследие

В конечном итоге кубизм менее важен в собственное право — как художественный стиль — и что более важно как индикатор о том, что возможно в изобразительном искусстве. Это расширило границы искусства включить альтернативы традиционной одноточечной перспективе; это продемонстрировало что изящное искусство можно сделать из чего угодно, даже из клочков мусора; и он поднял важные вопросы о природе реальности в искусстве.Это было одно из самых важных движений, связанных с Ecole de Paris и внес значительный вклад в авангардное искусство. в начале 20 века. В частности, кубизм имел широкое распространение и стойкое влияние на самые разные живописные движения, в том числе, самое главное, футуризм (ок. 1909-14) — см. например, Женщина на балконе (1912, частное собрание) Карло Карра (1881-1966).Другие движения и стили, на которые повлияли кубистские мотивы, включают: французский Орфизм (ок. 1910-13), английский вортицизм (ок. 1913-19), Русский лучизм (ок. 1912-15) и конструктивизм (c.1914-25), голландская дизайнерская группа De Stijl (1917-31), а также американские стили, такие как синхромизм (c.1913-18) и Precisionism (1920-е). Его элементы антиискусства стимулировали появление дадаизма в 1916 году и сюрреализм в 1924 году.

Величайший кубист Картины

Пабло Пикассо
Дома на холме (1909) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Женщина с веером (1909) Пушкинский музей.
Портрет Амбруаза Воллара (1910), Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина Искусство.
Девушка с мандолиной (Фанни Телье) (1910) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Натюрморт со стулом-тростью (1911–12) Музей Пикассо, Париж.
Три музыканта (1921) Музей современного искусства, Нью-Йорк.
Герника (1937) Художественный музей королевы Софии, Мадрид.
Плачущая женщина (1937) Коллекция Тейт, Лондон.

Жорж Брак
Дома в L’Estaque (1908) Художественный музей, Берн.
Large Nude (Nu) (1908) Национальный музей современного искусства, Центр Помпиду.
Натюрморт с сельдью / рыбой (1909-11), МоМА, Нью-Йорк.
Португальский (1911) Художественный музей, Базель.
Блюдо для фруктов и бокал (1912) частная коллекция.

Хуан Грис (1887-1927)
Портрет Мориса Рейналя (1911) частное собрание.
Портрет Пабло Пикассо (1912) Художественный институт Чикаго.
Скрипка и гитара (1913) частное собрание.
Натюрморт с фруктами, бутылка воды (1914) Кроллер-Мюллер Музей, Оттерло.
Пакет с кофе (1914) Ульмерский музей, Ульм.

Фернан Леже (1881-1955)
Обнаженные в лесу (1909-11) Кроллер-Мюллер, Оттерло.
Свадьба (1911) Национальный музей современного искусства, Центр Помпиду.
Солдаты Игра в карты (1917) Государственный музей Кроллер-Мюллера, Оттерло.

Марсель Дюшан (1887-1968)
Обнаженная, спускающаяся по лестнице (№ 2) (1912) Филадельфийский музей Изобразительное искусство.
Король и королева, пройденные быстрой обнаженной натурой на высокой скорости (1912) Филадельфия.

Роберт Делоне (1885-1941)
Окно (1912) Коллекция Мортона Дж. Неймана, Чикаго.
Круглые формы: Солнце и Луна (1912) Художественный музей, Цюрих.

Фрэнсис Пикабиа (1879-1953)
Удни, молодая американка (1913) Национальный музей современного искусства.

Альберт Глейз (1881-1953)
Портрет Жака Найрала (1911) Галерея Тейт Модерн, Лондон.
Женщина с животными (1914) Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция.

Жан Метцингер (1883-1956)
Чайное время (Женщина с чайной ложкой) (1911) Художественный музей Филадельфии.
Танцовщица в кафе (1912) Художественная галерея Олбрайт-Нокс, Буффало.

Лионель Файнингер (1871-1956)
Францисканская церковь (1924) Государственная галерея, Штутгарт, Германия.

Roger de la Fresnaye (1885-1925)
L’Artillerie (1911, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).

Кубизм — Arthistory.net

Кубизм — это авангардное направление истории искусства, которое появилось в начале 20 века, за десять лет до того, как Европа оказалась втянутой в Первую мировую войну.Некоторые говорят, что кубизм был естественным результатом более ранних движений, таких как импрессионизм и экспрессионизм.

Пабло Пикассо и его современные импрессионисты, в том числе Анри Матисс, Клод Моне и Сезанн, уже были известны своими авангардными картинами. Эти блестящие художники работали во время творческого взрыва в Париже, культурной столице Запада, и откликались друг на друга новыми картинами. Кто бы создал картину, положившую начало новому движению в искусстве, даже если бы оно длилось всего несколько лет, прежде чем в Париже появилось следующее?

Хотя первые художники, названные кубистами, были разными, настоящий источник кубизма берут свое начало в произведениях Пабло Пикассо и Жоржа Брака.Например, «Авиньонские девицы» Пабло Пикассо (1907) — это красивая картина маслом на холсте, которая показывает визуальные принципы кубизма, в том числе неправильные человеческие фигуры, а также формы и формы, которые скорее геометрические, чем реалистичные.

Хью Хонор и Джон Флеминг, редакторы журнала «Визуальные искусства: история», описывают изменения в Пикассо в начале:

«Итак, отказавшись от единой точки зрения и нормальных пропорций, сведя анатомию в основном к геометрическим ромбам и треугольникам, он [Пикассо] полностью перестроил человеческий образ.”

На первом этапе аналитического и синтетического кубизма Пикассо и Брак продемонстрировали доказательства геометрических форм в «Трех женщинах» (1908–1909) и «Обнаженная женщина» (1910) и Браке «Дома и деревья» (1908). Картины кубизма разбивают фигуры на холсте, что придает им большую глубину и жизнь на двухмерной поверхности. Любители истории искусства также могут найти письменные заметки Брака, его афоризмы или выражения любви на тему искусства. Эти произведения были впервые опубликованы в 1917 году и раскрывают его мысли как кубиста.Например, Брак писал: «Чтобы быть чистой имитацией, живопись должна абстрагироваться от внешнего вида».

Второй этап кубизма, называемый орфическим кубизмом, был побочным путем от Пикассо и Брака. Известными художниками были Робер Делоне, Соня Делоне-Терк, Марсель Дюшан, Фернан Леже и Фрэнсис Пикабиа. Картины, олицетворяющие эту ветвь кубизма, — это «Одновременные контрасты» Сони Делоне, «Круглые формы» Робера Делоне и «Контраст форм» Леже. Дюшан и Пикабиа вскоре стали ключевыми участниками движения Дада; однако дадаизм в значительной степени сосредоточился на нескольких формах искусства, включая написание и публикации, основанные на потоке сознания, и радикальное искусство перформанса.

В 1911 году несколько художников выставили свои работы на парижской выставке. Письменные отчеты об этих произведениях называли их первыми «кубистами» даже после того, как Брак и Пикассо уже создали несколько кубистских работ. В 1912 году Европу охватили и другие выставки кубизма, но Брак и Пикассо в них не участвовали. Два художника, Альбер Глез и Жан Метцингер, даже опубликовали книгу на эту тему «Du Cubisme». Хотя работа Пикассо насчитывала почти столетие, когда люди думают о Пикассо, они часто вызывают в воображении образ одной из его знаменитых кубистских картин.

Art We Crave: Кубизм — Уголок коллекционеров

Кубизм, получивший широкое признание как первая абстрактная техника, был поистине революционным стилем современного искусства, разработанным Пабло Пикассо и Жоржем Браком. Попытка художников возродить утомленные традиции западного искусства, эта форма искусства бросает вызов традиционным формам репрезентации, таким как перспектива и анатомическое представление.

На протяжении многих лет художники неоднократно перенимали эту технику и впоследствии разработали ее собственную уникальную версию.Будь то деконструкция форм или преднамеренное разделение оттенков, техника кубизма не перестает забавлять зрителей.

Ниже представлена ​​небольшая, но разнообразная подборка избранных работ художников Agora Gallery, вдохновленных кубизмом. Для получения дополнительной информации посетите www.art-mine.com.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

Холст, смешанная техника
39,5 ″ x 39,5 ″
5250 $ (каждый)


На картинах Патрисии Кейруга краска накапливается, разбрызгивается и принимает форму, почти как будто имитируя движения резких и плоских нот в музыке.В ее работах отчетливо прослеживается художественная изысканность материала и техники. «Я считаю, что экспериментирование — это ключ к творчеству художника», — говорит она.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

Холст, масло
35,5 ″ x 31,5 ″
4100 $ +


В портретах Ивы Милановой используются упрощенные, плоские изображения. Художница проявляет чувствительность к цвету: она научилась ткать, красить и смешивать цвета у своей бабушки в очень раннем возрасте. Хотя ее фигуры явно современны, в ее работах сразу же заметно влияние религиозной иконографии.«Я надеюсь, что мои работы принесут радость и счастье людям, которые смотрят на мои работы», — говорит она.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

Холст, смешанная техника
20 ″ x 28 ″
$ 8000 +


Имея опыт работы в архитектуре, Хулио Лопес Виетри создает образы, сочетающие в себе спонтанность с высокоразвитой структурой. «Уравновешивая эзотерику с конструктивизмом и сюрреализмом, сохраняя при этом близость линии, мои произведения искусства частично отвечают моему профессиональному образованию профессионального архитектора, а частично — моим философским поискам», — объясняет он.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

Бумага, смешанная техника
24 ″ x 18 ″
5500 долл. США (каждый)


Максимально эффективно сочетая свои цвета, Майкл Долен создает мир, который точно продуман, но при этом обладает свободой и непосредственностью мечты. «Когда меня привлекают биоморфные формы, я хочу, чтобы они казались неотразимыми сами по себе, а также как динамические элементы в дизайне, который никогда не бывает полностью комфортным с его собственными устройствами», — говорит он о своей работе.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

Холст, масло
28 ″ x 39,5 ″
11000 $ (каждый)


«Я живу, потому что хочу рисовать. Я рисую, потому что хочу жить », — говорит чешский художник Войцех Тут Чехлински. Создавая картины маслом из густо нанесенной краски и фрагментированных видений мира, он умудряется передать раскованные эмоции своими работами.

Если вы любите искусство так же сильно, как и мы, и хотите получать самую свежую информацию о галерее Agora, наших выставках и наших художниках, не забудьте подписаться на нашу рассылку!


Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

Холст, масло
46 ″ x 35 ″
4300 $ (каждый)


Работы Кристины Прието Креспи, сочетающие контрастные текстуры, техники и цвета, интригуют как визуально, так и мысленно. «Мои произведения искусства отмечены постоянным изучением различных языков и художественных форматов», — говорит она.

Для этого слайд-шоу требуется JavaScript.

Дерево, масло
39,5 ″ x 31,5 ″
2600 долл. США (каждый)


Яркие красно-черные картины Франка Састре быстро захватят внимание зрителя своими резкими линиями и смелым выбором цвета.«Мне нравится выражать новые ощущения цвета, которые могут придать картине эмоции», — говорит он, и, добавляя в смесь яркие желтые, зеленые и синие цвета, он оживляет каждое изображение с высокой энергией и любопытной спонтанностью.

Вы коллекционируете произведения искусства, посвященные определенным темам и интересам? Воспользуйтесь нашими кураторскими услугами! Чтобы узнать больше, свяжитесь с нами по адресу [email protected]

Преобразите свое пространство с помощью вечно завораживающих картин в стиле кубизма. Посетите ARTmine, чтобы просмотреть нашу обширную коллекцию!

Анатомия напитка: кубистический коктейль

Чтобы быть хорошим барменом, необходимо в равной степени обаяние и гостеприимство, а также, возможно, время от времени готовность предлагать некоторую любительскую терапию.Креативность также является важным компонентом успешного барменского дела, и такие соревнования, как Diageo Reserve World Class и Bacardí Legacy, являются уважаемыми демонстрациями этих талантов, награждая участников значимыми этапами в их карьере и оставляя неизгладимый след в индустрии напитков. Бармен австралийского происхождения Энди Уотсон-Кальдерон переехал в Швецию, чтобы сменить обстановку и найти новые напитки. Его новое местоположение в небольшом городке Норрчёпинг, в трех часах езды к югу от Стокгольма, где он сейчас управляет коктейльным клубом Lagerqvist, принесло долгожданные вызовы в установлении отношений с новой аудиторией и вдохновило его участие в конкурсе Global Bacardí Legacy (в партнерстве с Ликер.com): кубистический коктейль.

«Я знал, что для создания классического коктейля мне нужно сначала захватить свой небольшой рынок. Для этого я хотел создать коктейль, который был бы доступным, доступным для сеансов и, прежде всего, сложным для потребителя », — говорит Уотсон-Кальдерон. «Вдохновение для меня пришло, когда я увидел необходимость для барменов предложить международный подход к отрасли и отказаться от простого акта уступки стандартной водке Redbulls… Мой город развивается, и потребители начали расширять свои горизонты.Это дает мне возможность способствовать изменению культуры употребления алкоголя, чему я более чем рад помочь … По мере того, как город растет и развивается, я стремлюсь быть рядом с ним, помогая любым возможным способом ».

Объяснение кубизма — непростая задача — это может вызвать перестройку синапсов во многом так же, как изменение положения деталей на холсте, — но Уотсон-Кальдерон дает ему шанс: «Мой коктейль, кубист, — это аналитический подход к наслаждению коктейлем. Он основан на предпосылке фрагментации и искусстве перспективы.Движение кубистов было сформировано на основе радикальной идеи искажения изображения, основанной на переживании этого изображения через серию промежуточных перспективных дублей. Для меня это было довольно интересно, поскольку все мы разделяем отдельные события, которые происходят на личных волнах ».

Эту философию можно интерпретировать, исходя из нашего подхода к сенсорному аспекту питья коктейлей. «Ни один отдельный момент не доставляет удовольствие разным людям, вместо этого мы применяем наш собственный опыт, знания и предвзятые идеалы в развитии указанного события.Создавая коктейль, я хотел создать современную классику, которую можно было бы легко воспроизвести по всему миру, но при этом достаточно сложную по вкусу, чтобы предложить каждому человеку уникальный опыт, во многом напоминающий искусство кубизма ».

Какая связь между этим и пуэрториканским ромом? «Кубистическое искусство было настолько радикальным по своей концепции, что навсегда изменило историю искусства», — объясняет Уотсон-Кальдерон. «Это породило волну экспрессионизма, это было так важно для истории происхождения рома Bacardí. От Дона Факундо Бакарди потребовалась радикальная идея, чтобы изолировать единственный штамм дрожжей, что привело к рождению индустрии рома [и коктейлей], которую мы знаем сегодня.»

Что делает коктейль« Кубист »? «Когда мне нужно подумать о вкусах, стеклянной посуде или гарнире, если мне нужно время, чтобы осмыслить и понять включение какого-либо элемента в напиток, тогда я считаю, что в создание напитка вошел уровень более глубокого понимания. Необязательно любить каждый напиток, который он пробует, однако, как и искусство, если оно заставляет вас обсуждать его через несколько часов, дней или недель, тогда искусство победило. Он заставил вас взаимодействовать с ним в той или иной форме. Мы все должны стремиться применять формы кубизма в нашей повседневной жизни.Следуйте за Энди в Instagram на @cubist_cocktail #CubistCocktail #BacardiLegacy

Также поздравляем американских финалистов Мелину Мезу из Broken Shaker, Лос-Анджелес, Калифорния, и Уилла Исаза из Blossom Bar, Бруклин, Массачусетс, а также всех участников, которые дошли до этого места!

Кубистический коктейль

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.