homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

2. Архитектура модерна……………………………………………………………6

2.1. Архитектура модерна: основные черты, направления, история и динамика  развития………………………………………………………………..6

2.2. Каталонский модерн Антонио Гауди……………………………….10

2.3. Архитектура русского модерна………………………………………13

       2.3.1. Колористика московской архитектуры  модерна……………………………………………………………………………13

       2.3.2. Специфические особенности екатеринбургского модерна……………………………………………………………………………18

Заключение………………………………………………………. ……….28

Список литературы……………………………………………………….29

 Введение

Стиль по словарю Даля — это образ, вкус. Стиль в нашем понимании это единство художественного направления, гармоничная совокупность черт.

В любом искусстве — и в том числе в архитектуре и дизайне — каждая эпоха оставляет свой неизгладимый отпечаток, который может многое поведать об уровне культуры и жизненном укладе общества данной эпохи. Сложенные вместе и обобщенные, признаки типичные для определенного времени и места и составляют стиль.

Стиль находит свое выражение не только в каждом произведении искусства, но даже и в скромных формах повседневных предметов быта. Прежде всего, стиль — это своеобразный способ выражения, который проявляется и повторяется во всем, что создают человеческие руки в определенный исторический период.

Планируя ремонт, большинство из нас задумывается о принципиально новом дизайне, о заказе дизайн-проекта квартиры или офиса. Пожалуй, все стили давно уже придуманы, нам остается только выбирать, что это будет: хай-тек, классицизм, кантри или, может, готика… . Но, несомненно, самым популярным из «больших» исторических стилей в современном  интерьере является модерн. Само сочетание «исторический стиль модерн» звучит несколько парадоксально, ведь слово «модерн» и значит «современный». Таким образом, все вышеупомянутое послужило мотивами избрания мной данной темы для написания реферата.

Целью данной работы является изучение стиля модерн в архитектуре.

Реферат имеет 2 основные главы, каждая из которых решает определенную группу поставленных задач.

Первая — «Характеристика понятия стиль модерн в искусстве Европы и России» — определяет понятие стиля модерн, предпосылки его зарождения.

Во второй главе «Архитектура модерна» рассматриваются общие черты этого стиля, основные направления, история и динамика развития, а также проявление стиля модерн в архитектуре Москвы и Екатеринбурга.

ГЛАВА 1.

В 90е гг. XIX в. в Европе стал складываться новый стиль, получивший название «модерн».  Главным содержанием модерна ( франц.  Moderne от лат. Modernus — новый, современный)  было стремление противопоставить свое творчество историзму и эклектизму искусства второй половины XIX — отсюда название. Поэтому термин «модерн» следует отличать от общего смысла слова «современный» или «современное искусство», а также термина «модернизм», обозначающего все наиболее авангардистские, экспериментальные и формалистические течения в искусстве XX века. Хронологические рамки модерна очень узки, всего каких-нибудь тридцать лет: приблизительно 1886-1914 гг. Однако модерн — это не один какой-либо стиль, а множество различных стилей и течений, составляющих период, может быть, не менее важный, чем эпоха Возрождения XVI века.

На возникновение «нового искусства» повлиял Романтизм в формах национально-романтического движения, начавшегося в Европе после наполеоновских войн, и символизм, оформившийся в отдельное течение западноевропейского искусства в 1870-1880-х гг. Однако национальный романтизм ранее, в 1830-1880-х гг., способствовал формированию идеологии историзма и эклектики, а символизм присущ искусству, в особенности архитектуре, на всех этапах развития. Поэтому подлинной основой «нового стиля» следует считать не идеологию рубежа веков, а смену принципов формообразования, имеющую более глубокие внутренние причины.

Рубеж XIX-XX вв. имел «значение этапа, завершающего грандиозный цикл развития европейской культуры, начинавшегося еще в пору античности.
Несомненно, то, что предпринятая на рубеже веков попытка обобщения эстетического опыта человечества, синтеза художественных традиций Запада и Востока, античности и средневековья, классицизма и романтизма сопровождалась и, в известной мере, была порождена явлениями упадка, кризиса сложившейся к этому времени системы научных, эстетических и этических ценностей». В этих словах отражен созидательный пафос того времени. Однако, несомненно и другое — именно это искусство создало предпосылки, обусловившие радикальные изменения в мировой художественной культуре ХХ столетия

Многим, вероятно, тогда казалось, что на их глазах создается совершенно новое искусство. «Мы гребень вставшей волны», — писал В. Брюсов. В период модерна происходило стремительное переосмысление старых и открытие новых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. ».

Главным содержанием периода модерна стало стремление к синтезу различных источников, методов, стилей, форм и приемов.

Действительно, так же, как и в начале XX столетия, на рубеже веков преобладал идеализм, вера в то, что искусство может изменить жизнь. Однако художники модерна стали использовать в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусство этрусков и французского Рококо…

В сравнении с предыдущим периодом эклектики чаще применялся принцип формовычитания, а не формосложения, обеспечивающий целостность внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции.

Стремление к такой целостности и есть главное качество искусства модерна. В то же самое время многообразие художественных форм и различных композиционных приемов, сложность переходной эпохи, ее кратковременность не позволили принципу целостности реализоваться достаточно полно во всех произведениях. Поэтому в период модерна существовали разные стилистические течения. Во Франции: «флореальное», или Ар Нуво («Новое искусство»), в Австрии и Шотландии - геометрическое, в Германии близкое французскому Ар Нуво искусство именовали югендстилем, в Италии — либерти, в Польше — «сецессией». В России утвердился термин «модерн» (в западноевропейском искусствознании он не используется, обычно применяют название «Ар Нуво», а слово «модерн» означает просто современный, актуальный, передовой). Тем не менее, все эти термины — не синонимы, они имеют разный смысл.

ГЛАВА 2.  Архитектура модерна

 2.1. Архитектура модерна: основные черты, направления, история и динамика  развития

Главной особенностью искусства Модерна является то, что новое в нем формировалось прежде всего в области архитектуры, декоративного и прикладного искусства.

Для архитектуры модерна характерна антиэклектическая направленность, поиски стиля. Вместо механического объединения элементов различных стилей модерн предлагал идею синтеза различных видов искусств.

Стиль модерн» развивается главным образом в архитектуре городских особняков и дорогих многоквартирных зданий, загородных вилл и дач. Архитекторы модерна при формировании планов и композиции зданий смело шли на применение асимметричных решений в группировке объемов и расположении оконных и дверных проемов. Здесь, в среде частной жизни весьма состоятельного заказчика, воображение архитектора обретает материальную опору и свободу творчества. Формы окон, дверей, лестниц становятся разнообразными чуть ли не до бесконечности. Декоративное убранство фасадов, а особенно интерьеров достигает невероятной изощренности. Огромное значение придается в нем выразительности текучих ритмов, цвета и фактуры узорной поливной керамической облицовки, кованного чугунного железа, оконных и дверных витражей. Витражи модерна уже не абстрактны, как готические, а несут в себе бионические природные формы.

Для модерна характерны силуэты и орнаменты, стилизующие в плавных, легко изгибающихся линиях формы растений и водяных раковин. Фасады отличались округлыми, иногда фантастически выгнутыми контурами проемов, использованием решеток из кованого металла и глазурованной керамики сдержанного по тону цвета: зеленого, лилового, розового, серого. В зодчестве распространились плакучие, мягкие, словно бы самообразующиеся формы, в декоративном творчестве — стелющийся по поверхности, разрастающийся, обволакивающий стилизованный орнамент. Ряд орнаментальных мотивов модерна был позаимствован из искусства Дальнего Востока, прежде всего Японии. Мотивы эти получили впоследствии большое распространение.

В модерне широко применялись как железобетон (теория расчетов которого появилась как раз в этот период), таки металл как конструктивно-декоративный элемент. Широко использовалось стекло в металлоконструкциях. Появление этих строительных материалов воздействовало на творческое сознание архитекторов и строителей. Они подсказывали необычные конструктивно-архитектурные решения, их развитие шло вразрез с укоренившимся в практике эклектизмом. Модерн пытается переосмыслить железобетон как новый строительный материал эстетически, а не как новое подсобное средство в строительстве.

Большую роль в формировании интерьеров стиля модерн сыграло появление электричества в 1900 году. Искусственное электрическое освещение оказало влияние на цветовидение интерьеров. Витражи, подсвеченные изнутри, придавали зданиям неповторимую привлекательность, а интерьерам — выразительность.

Несомненное завоевание модерна — целостный подход к оформлению отдельных помещений, стремление к ансамблевому их решению. Особый интерес модерн проявил к оформлению оконных проемов со специфическим рисунком переплетов и заполнявшими их витражами. Он активно применял поливные изразцы в облицовке отдельных вставок на поверхности стен и в оформлении оконных проемов. Одну из главных ролей в оформлении фасадов, оконных и дверных проемов играл плоский гипсовый лепной орнамент. В рисунках витражей в качестве орнаментальных мотивов использовались цветы - ирисы, маки, различные травы, а также лилии и другие водные растения с длинными тянущимися стеблями. Использовался и геометрический орнамент, в том числе мотив меандра в специфической, характерной для модерна прорисовке.
         Модерн трактует стену не только как конструктивный и статичный по определению элемент. В эпоху модерна были заложены тенденции приближающегося к скульптуре выражения пластики стены в архитектурном объеме. Окна стали органичным выражением стиля. Впервые оконные и арочные проемы, их заполнения и декор становятся одинаково важной составляющей стиля как для фасада, так и в интерьере зданий.

Родоначальником модерна считают бельгийского художника-архитектора Виктора Орта. Тип нового здания, возникший во времена формирования модерна как стиля, — универсальный магазин - наиболее интересен. Он требовал применения больших остекленных поверхностей. Новаторским с этой точки зрения можно назвать магазин «Инновассион», построенный Орта в Брюсселе в 1901 году. Сплошь остекленный, с металлическими переплетами, фасад этого здания освещал общий торговый зал первого этажа, торговые галереи верхних этажей и объединяющую лестницу.

Знаменитый дом Эмиля Тасселя (1892-1893), профессора Брюссельского университета, стал своеобразным манифестом нового стиля. В этом же стиле были построены еще два особняка - Эйтвельд и Сольвейг. Современников, которые совершали специальное паломничество в Брюссель для знакомства с творчеством Орта, поражали безордерность фасада особняка Тасселя, металлические переплеты больших окон эркера, как бы слившиеся с фасадом.   

В особняке Тассель Орта впервые применил линию, названную «удар бича». Она явилась образным выражением напряжения металла, воплощением нервного, напряженного духа эпохи, его эмблемой. Изящество ее изгиба стало образцом графического искусства и стилизации в окнах и витражах зданий стиля модерн.

В Германии новый стиль распространился несколько позже, чем в других странах Европы. Он получил название «югендстиль» («Югенд» — художественный журнал, вокруг которого группировались сторонники этого течения). Программной постройкой немецкого модерна можно по праву считать фотоателье «Эльвира» (1897-1898) архитектора Августа Энделя.

Как и в других странах, с появлением железобетона получило развитие строительство крытых рынков, выставочных павильонов, залов для празднеств. Были созданы оригинальные пространственные решения фасадов и интерьеров с широким применением стекла и металла.

Наиболее интересным в этом отношении является немецкий архитектор Бруно Таут (1880-1938). Его «Железный дом» — выставочный павильон -был сооружен на строительной выставке в Лейпциге в 1913 году, в виде поставленных друг на друга, постепенно уменьшающихся объемов, увенчанных куполом. Каждая грань павильона отделена широкой полосой металла и со стороны воспринималась, как гигантская остекленная клетка. Другой павильон, сооруженный Таутом для выставки Веркбунда в Кельне и получивший название «Стеклянный дом», представлял собой прозрачный двенадцатигранный объем с большим куполом, состоящим из стеклянных пластин ромбовидной формы.

В творчестве архитектора Ганса Пельцига (1869-1936) заметна подчеркнутая экспрессивность. Это вертикали больших окон в построенном им конторском здании (1911) в Бреслау, ритмически разнообразные по размеру и очертаниямокна промышленной химической фабрики в Леобане, близ Познани.

Архитектурное течение ар-нуво внесло в архитектуру Франции свежую струю поиска и, что было особенно существенным, оказалось первым стилистическим течением, порвавшим с подражательскими стилями. Первый салон под название «Ар-нуво» открылся в Париже в 1895 г. Здесь соседствовали живопись и скульптура (Роден), прикладное искусство, стекло Галле и Тиффани, ювелирные изделия Лолика, графика Бодслея, Брэдли, Макинтоша.

Главным представителем модерна в архитектуре Франции был Гектор Гимар. В 1899 году он получил заказ на строительство станций парижского метрополитена. В этих необыкновенно легких, повторяющих органические формы павильонах из стекла и металла, сочетание конструктивных и декоративных элементов было особенно удачным.

Стиль модерн оказал свое влияние также на строительство Венского метрополитена. Отто Вагнер, выразитель идей «сецессиона», руководитель кафедры архитектуры в Академии пластических искусств, стремился к созданию нового стиля, который избавился бы от повторений прошлого и был созвучен времени. Станции метро, спроектированные и построенные Вагнером, отличаются простотой и чистотой линий модерна, изящно очерченными линиями оконных и дверных проемов, большими плоскостями остекления, использованием металла.

2.2. Каталонский модерн Антонио Гауди

Антонио Гауди-и-Корнет - самый необычный и своеобразный архитектор стиля модерн. В 90-х гг. в Испании в Барселоне возникает направление «каталонского модерна», к которому принадлежал Антонио Гауди-и-Корнет 91852-1926).

Для этого направления модерна характерной стала повышенная экспрессивность, свобода использования архитетурной формы, активное применение цвета.  Архитектура Гауди  информативна, она включает надписи, композиции на евангельские сюжеты, аллегорические изображения, символы. Гауди не пользовался  расчетами инженеров, его методы близки мастерам Средневековья и целиком основаны на опыте.

Главным в творчестве Гауди стало возведение в Барселоне собора Саграда Фамилиа. То ли человек играет в Бога, создавая такие шедевры, то ли Бог играет человеком, рождая в его голове подобные замыслы», — сказал один из исследователей творчества Антонио Гауди, застыв в изумлении возле храма Саграда Фамилия. Самый знаменитый храм Испании действительно поражает. Собор Саграда Фамилиа вырастает из- под земли с каким-то геологическим упрямством, свойственным лишь горным породам. Он вызывающе инороден и архитектурному стилю города, и эпохе — даже нынешней.  Одни его проклинали, другие превозносили — в результате даже недостроенный, он стал символом Барселоны и останется им надолго, если не навсегда.

Гауди мыслил собор по типу Базилики, то есть имел форму латинского креста, в центре которого должен был возвышаться величественный 170-метровый купол — Символ Христа. Три Монументальных фасада, обращенные на юг, запад и восток, устремлялись вверх, обрамляя купол Христа. С востока располагался фасад Рождества, с запада — Фасад Страстей Господних и с юга — Фасад Славы. Каждый из трех фасадов украшали башни-колокольни. Гауди тщательно изучил законы акустики. Он хотел, чтобы колокола приводились в движение не людьми, а ветром, который врывался бы в сквозные башни и заставлял гулкие голоса прославлять Господа. Кроме того, на самом верху каждой башни предполагалось специальное углубление для прожекторов. Благодаря им в пасмурную погоду и ночью храм должен был оставаться обителью света.

Гауди особенно трепетно относился к внутреннему убранству Храма Святого Семейства. Колонны, поддерживающие своды, символизировали апостолов и святых, которым посвящены приходские церкви всего мира. Необычна и форма колонн. В них Гауди использовал различные виды многоугольников, которые изменяются по мере движения ввысь. Колонны напоминают гигантские деревья, на кронах которых застыл небесный свод. «Это будет, подобно лесу. Мягкий свет будет литься через оконные проемы, находящиеся на различной высоте, и вам покажется, что это светят звезды», — писал Гауди.

Свою работу он рассматривал как миссию апостола, а эстетическим мечтам (в которых видел смысл жизни) придал религиозно-мистический характер. Саграда Фамилиа строится с 1883 года, но причина такого «долгостроя» отнюдь не в грандиозности проекта. Саграда Фамилиа возводится исключительно на частные пожертвования  и на скромные доходы находящегося в нем музея. Подобный метод работы отчасти  объясняет, почему церковь Саграда Фамилиа до сих пор остается незавершенной.

Архитектура Гауди была  далека от общепринятой. Казалось, что Гауди объявил «войну» прямой линии и навсегда переселился в мир кривых поверхностей. Гауди подходил к строительству как к органическому созидательному процессу: камень в его руках превращался в живую форму, орнамент и резьба вырастали из него, как листья и ветки из дерева. Точным чертежам архитектурных проектов он предпочитал расплывчатые эскизы, и сам стремился постоянно находиться на стройке. Такое наблюдение нужно было ему, чтобы этап за этапом видеть, как здание приобретает форму, дабы при необходимости тут же , на месте, внести коррективы.

Почти с уверенностью можно сказать, что, если бы Гауди сам завершал строительство церкви, он не довольствовался бы ее нынешним цветовым оформлением, сохраняющим окраску строительного камня. Он любил буйство красок и форм, его увлекали цвета живой природы.

Историки архитектуры отмечают, что русский модерн представлял собой художественное направление, соответствовавшее западноевропейским версиям этого стиля, но отличавшееся своими особенностями. В творениях признанных мастеров русского модерна нашло свое отражение сочетание заимствованных элементов с самобытными чертами, связанными с национальными традициями русской архитектуры, и в то же время ярко проявилось стремление к единству внешней красоты и внутреннего удобства зданий. В декоре построек появились характерные асимметричные живописные композиции с преобладанием растительных мотивов, многоцветные майоликовые панно на сюжеты русских народных сказок, выполненные по рисункам известных художников.

2.3.1. Колористика московской архитектуры модерна

Однако, обладая несомненными достоинствами, московский модерн привел и к невосполнимым потерям: в застройке Москвы на рубеже XIX и XX вв. было утрачено чувство ансамбля. Разрушение исторической городской среды, строительство многоэтажных доходных домов порой вызывало неприятие в московском обществе. Так, Валерий Брюсов с досадой отмечал: «Как изменилось все!.. На месте флигельков восстали небоскребы и всюду запестрел бесстыдный стиль модерн…».

Самыми выдающимися мастерами, создавшими подлинные шедевры московского модерна, были Л.Н. Кекушев и Ф.О. Шехтель. Оба зодчих использовали новую орнаментику, оба были блестящими мастерами сложных пространственных композиций.

Один из первых особняков в стиле модерн, известный как дом О. Листа (Н.К. Кусевицкой), был построен в Москве в 1898 — 1899 гг. Это был собственный дом Л.Н. Кекушева в Глазовском переулке, 8. В архитектурном решении зодчий использовал все декоративные и композиционные возможности нового стиля. Удивительно красиво сочетание золотистого тарусского «мрамора» с ярким многоцветным растительным орнаментом керамических панно. Особняк почти сразу же был продан фабриканту О. Листу, затем Н.К. Кусевицкой, жене известного дирижера. В доме постоянно бывали композиторы С.В. Рахманинов и Н.К. Метнер, в 1913 году останавливался Клод Дебюсси. В настоящее время в доме находится посольство Аргентины.

Второй собственный особняк Л.Н. Кекушева, официально принадлежавший его жене, был построен в 1900 — 1903 гг. на Остоженке, 21. Здание похоже на маленький замок, оформленный с явными приметами стиля модерн. Форма дома были заимствованы из европейского средневековья, но выстроены в духе модерна. Многоярусная угловая башня оканчивается шатром, уличный фронтон увенчан фигурой льва. Внутреннее решение дома типично для модерна: парадные помещения группируются вокруг лестницы, над ними расположены жилые комнаты.

Облик Москвы конца XIX — начала XX века во многом определяют творения еще одного выдающегося мастера модерна, «самого московского» архитектора того времени — Федора (Франца) Осиповича Шехтеля (1859 — 1919). Недаром существует понятие — «Москва Шехтеля». Трудно перечислить все, что построено по его проектам: это здания кинотеатра «Художественный» на Арбатской площади и Театра «Парадиз» (ныне Театр имени В.В. Маяковского) на Большой Никитской, Ярославского вокзала и «Боярского двора» на Старой площади, торгового дома М.С. Кузнецова на Мясницкой и банка Рябушинских на Биржевой площади, многоэтажные доходные дома и особняки. Ф.О. Шехтелем выполнена наружная и внутренняя отделка здания МХАТа в Камергерском переулке, знаменитая эмблема чайки на занавесе театра также принадлежит ему.

Но самыми знаменитыми «шехтелевскими» зданиями московского модерна являются особняки З.Г. Морозовой, С.П. Рябушинского, А.И. Дерожинской и два собственных дома архитектора.

В 1893 — 1898 гг. на Спиридоновке, 17, был построен особняк для жены богатейшего фабриканта и мецената Саввы Тимофеевича Морозова. По желанию заказчика дом был спроектирован в популярном в то время стиле викторианской готики. Для оформления интерьеров архитектору были предоставлены неограниченные финансовые возможности. К этой работе Ф.О. Шехтель привлек тогда еще малоизвестного художника М.А. Врубеля. Михаил Александрович написал три панно для малой готической гостиной: «Утро», «Полдень», «Вечер», украсил скульптурой «Роберт и Бертрам» парадную готическую лестницу и сделал рисунок для витража в готической раме с изображением рыцаря на коне.

Сейчас в нем располагается приемная Министерства иностранных дел России.

Самое известное творение Ф.О. Шехтеля — особняк в стиле модерн на Малой Никитской улице (№ 6/2), построенный в 1900 — 1904 гг. по заказу видного деятеля старообрядческого движения, коллекционера и мецената Степана Павловича Рябушинского. В башне особняка была устроена старообрядческая моленная, стены которой были украшены характерной для модерна живописью — спиралевидными завитками на темно-коричневом фоне. В моленной хозяин разместил свою превосходную коллекцию русских икон.

Особняк на Малой Никитской представлял собой яркий образец нового типа богатого индивидуального жилища. Архитектором был блестяще реализован принцип организации внутренних помещений по спирали. Главным в оформлении интерьера особняка является волна, символ вечного движения и жизни. Парапет парадной лестницы из зеленовато-серого мрамора напоминает движение морских волн.

Особняк С.П. Рябушинского имеет богатую историю. В советское время в нем поочередно размещались различные учреждения. Здесь прошли последние годы жизни Максима Горького (1931 — 1936). Спустя 30 лет в особняке был открыт мемориальный дом-музей писателя, существующий по сей день.

В 1901 — 1902 гг. в Кропоткинском переулке Ф.О. Шехтелем было построено еще одно замечательное здание в стиле модерн. Дом №13 известен как особняк А.И. Дерожинской, ставшей позднее женой фабриканта и мецената И.И. Зимина. Сам дом, ажурная уличная ограда и корпуса хозяйственных служб во дворе представляют собой целостный ансамбль. Через огромное окно можно увидеть изумительно красивый парадный зал с большим беломраморным камином. Дизайн интерьеров частично сохранился до наших дней. Все в этом доме, включая мебель, было создано по рисункам Ф.О. Шехтеля. При отделке стен, дверных проемов и лестниц декоративными элементами широко использовалось дерево. В 1930-х гг. здесь размещались представительства среднеазиатских союзных республик, позднее - резиденция посла Китайской Народной Республики, а теперь — посольство Австралии.

Как и Л.Н. Кекушев, Ф.О. Шехтель проектировал дома и для себя. В первом из них, на Петербургском шоссе за Тверской заставой, он прожил недолго и в 1895 году продал его директору императорских театров В.В. Всеволожскому (до наших дней дом не сохранился). Второй особняк и сейчас стоит на стыке Ермолаевского переулка (дом №28) с Трехпрудным (сейчас в нем находится посольство Уругвая). Архитектурное решение здания навеяно образом английского викторианского дома. Особняк напоминает маленький средневековый рыцарский замок-крепость из сказки. Фасад облицован керамической плиткой, имитирующей светло-коричневый кирпич. Над входом на золотом мозаичном фоне выложены цифры «96» (дата постройки) и латинские буквы «S» и «N» (инициалы жены архитектора — Шехтель Наталья). Три ириса (бутон, расцветший и увядающий) символизируют три возраста человека - детство, зрелость и старость. Сохранились холл с лестницей, гостиная с камином, вестибюль с витражами.

В 1910 году на Большой Садовой (№4) Ф.О. Шехтель построил для себя еще один небольшой, в два этажа, особняк. Это был его последний собственный дом, сооруженный асимметрично, исходя из потребностей внутренней планировки, но оформленный в духе неоклассицизма. Над входной аркой находится великолепный барельеф, исполненный по рисунку хозяина дома. Центральное место в композиции занимает фигура древнегреческой богини мудрости Афины, к которой с двух сторон шествуют музы живописи, скульптуры, музыки и архитектуры.

В доме на Большой Садовой бывал В.В. Маяковский, друживший с детьми Ф.О. Шехтеля. В 1920-х гг. здесь жил выдающийся военачальник Р.П. Эйдеман (в 1937 году он был репрессирован). В 1918 году особняк был национализирован, Ф.О. Шехтель с семьей был выселен и последние годы жизни провел в коммуналках. С горечью писал он И.Д. Сытину: «Я строил всем Морозовым, Рябушинским, фон Дервизам и остался нищим». В 1926 году замечательный мастер московского модерна скончался и был похоронен на Ваганьковском кладбище.

В наши дни Москва, как и сто лет назад, переживает новый строительный бум. На рубеже XX и XXI столетий в столице появился так называемый «постмодерн», который становится господствующим стилем в архитектурной практике. Среди строящихся и перестраивающихся зданий преобладают частные банки, офисы, дорогие магазины и особняки, демонстрирующие богатство их владельцев, не всегда обладающих хорошим вкусом. Столица все больше становится похожей на современный европейский мегаполис, а старая Москва уходит в прошлое…

2.3.2.  Специфические особенности екатеринбургского модерна

Историческая застройка центра современного Екатеринбурга в массе своей представлена зданиями и сооружениями второй половины XIX века и начала ХХ вв. В отличие от отдельных уникальных зданий и ансамблей классицизма, эта застройка носила периметральный характер и при этом хорошо сохранилась до наших дней в виде целых массивов, кварталов и улиц. При всей разностильности этой застройки нельзя не признать, что она во многом определяет неординарность облика современного города, придает характерность его историческому центру.

В 1900-х годах в архитектуру города проникает модерн — стилевое направление, стремившееся к выработке новых форм за счет подчеркивания ассиметрии, нарочито оригинальных декоративно-изобразительных приемов. Модерн как новый стиль ХХ века нашел отражение лишь в отдельных постройках Екатеринбурга, не получив большого распространения в архитектуре уральского города. В жилых домах отдельные приемы этого стиля, как правило, соединялись эклектичным смешением других стилей — это было проявление стилизаторского модерна, хотя есть и очень характерные здания «чистого» модерна. Поскольку модерн как архитектурный стиль имел определенные временные границы, а так как на рубеже ХIХ и ХХ веков город был ограничен с четырех сторон улицами Московской, Северной (сейчас Челюскинцев), Восточной, 4-й загородной (сейчас Щорса), то, естественно, что памятники модернисткой архитектуры и оказались сосредоточенными в центре современного города.

Просуществовав чуть более десятка лет, модерн сумел не просто внедриться в столичный и провинциальный быт, но и придать ему особую окраску. Рассчитанные не на музейные залы, а на бытование в повседневной жизни произведения модерна активно вторгались в окружающую среду, в обыденное сознание обитания этой среды, не только отражая сложившуюся духовную атмосферу, но и заметно влияя на нее. Даже спустя десятилетия хорошо видно, что модерн успел наложить заметную печать на архитектурный облик многих городов России, в том числе и облик Екатеринбурга.

«Несмотря на общность черт екатеринбургского модерна, проявившихся в различных зданиях, все они оригинальны и совершенно не похожи друг на друга, даже при одном и том же функциональном назначении, этому способствовали не только субъективные требования заказчиков, но и индивидуальная творческая манера архитекторов, при том, что заказчики не скупились на строительство из-за обилия денег. Наиболее красивые особняки в этот период времени имели лишь богатые купцы, которые любым способом стремились перещеголять друг друга».

Несмотря на достаточно широкое распространение в Екатеринбурге зданий, отражающих господствующий до модерна эклектизм, в нашем городе можно также выделить целый ряд зданий, построенных в стиле модерн на рубеже веков. Но многие из них, в которых наиболее отчетливо проявились черты модерна, либо не сохранились вообще, либо находятся в перестроенном или измененном виде. Так типичным образцом модерна в Екатеринбурге было здание первого в городе кинотеатра «Лоранж» (позднее «Совкино»), построенное в 1907 году архитектором Полковым. Оно просуществовало до середины 1960-х годов на углу Главного и Вознесенского проспектов (пр. Ленина, 43), потом было перестроено в здание нынешнего Театра Музыкальной Комедии. Здание отличалось преобладанием наклонных линий. Также наблюдалась некая ассиметрия в композиционных деталях фасада с выступающими вверх ризалитами. Между ризалитами были расположены окна, здание снаружи не имело декоративного декора. Но устремленные вверх ризалиты Коробовой формы на верху и причудливые линии, разделяющие этажи здания как бы ослабляли цельность стен и конструкций, придавали ему движение. Примечательными в этом здании были размеры и форма окон. Сейчас, конечно, не осталось даже отдаленного представления об этом здании в городе, имеется лишь фотография, изображающая кинотеатр того времени.

Печальная участь постигла и здание на углу Покровского проспекта (ул. Малышева) и улицы Вайнера, построенное в 10-х годах ХХ века. Типичный доходный дом того времени, известен был тем, что в нем был магазин, который торговал галошами фирмы «Красный треугольник», ныне в нижней части этого здания располагается «Салон часов». Это здание отличалось своеобразным оформлением фасада: извивающиеся, текучие линии карниза, изящный декор, невесомость. Здание имеет условную симметрию, вход в здание был с угла. Над входом в здание, на уровне третьего этажа возвышались две опоры, на которых восседали два орла и держали в клювах вывеску с названием фирмы. Сейчас модернистский верх не сохранился, здание было достроено, в том же виде сохранились лишь нижняя часть здания с характерными оконными проемами.

Остальные каменные здания, построенные в стиле модерн, сохранились до сих пор почти без всяких изменений, и таких зданий гораздо больше.

Так в стиле модерн была построена аптека (ул. Пушкинская, 16), интересно, что и до этого на этом месте было здание аптеки, построенное для нее специально. В конце прошлого ХIХ века здесь находилось одноэтажное здание с мезонином каменное здание аптеки, оно имело симметрическую композицию. К входу в высокий первый этаж, расположенному в центре фасада, вело до 2 метров высотой каменное распашное крыльцо, облеченное полуциркульной аркой и кованным металлическим ограждением. В 1910-м году на месте этого здания был построен двухэтажный каменный доходный дом, также с аптекой, размещенной на первом этаже. Дом является образцом использования фасадной композиции скульптурно-лепного декора в стиле классического модерна.

Здание «Облаптекоуправления» на улице Златоустовской (Р. Люксембург, 34), очень примечательно своеобразной наружной отделкой гранитом и керамическими плитками. Некоторая ассимметрия в композиции здания, необычные формы окон, башенки на крыше, разнообразные витые узоры решеток на балконах также доказывают принадлежность этого здания к стилю модерн.

Образцом особняков модернистского стиля считается одноэтажное каменное здание на Вознесенском проспекте (ул. Карла Либкнехта, 32). Средняя часть здания с широким окном, разделенная на всю высоту стен пилястрами, чуть выше других, фланирующих объемов. Тройное окно в верхней своей части имеет лучковое очертание. Венчает среднюю часть парапет сложного модернистского рисунка. Архитектурная композиция здания, в целом, несимметричная. Позднее справа к этому зданию был сделан, пристрой, но модернистский стиль здания сохранился. После революции здесь был расположен музей молодежных движений, сейчас там проходят всевозможные выставки и презентации.

На Вознесенском проспекте можно найти еще одно здание, принадлежащее стилю модерн (ул. К. Либкнехта, 33). Это трехэтажное каменное оштукатуренное здание, построенное где-то на рубеже ХIХ-ХХ веков. В целом симметричное, но несимметрично в деталях решение фасада с чуть выступающими боковыми ризалитами, возвышающимися над карнизом здания. Средняя, всего на пять окон, часть здания разбита на этажи горизонтальными тягами. Точных сведений о времени постройки этого здания и архитекторе найти не удалось, но принадлежность этого здания к стилю модерн неоспорима.

В качестве еще одного модернистского стиля можно пристрой к школе-гимназии № 9, которая находится на Главном проспекте. Пристрой выходит своим фасадом к реке Исеть на набережную Рабочей молодежи. Сейчас внутри этого здания располагается спортивный зал школы, и, конечно, только по внешнему виду здания можно определить архитектурный стиль постройки (арх. Бабыкин).

Описывая как в нашем городе представлен модерн, нельзя не назвать каменный особняк на улице Вайнера, 38, который выделяется своей модернистской лепниной, впрочем, несколько аляповатой, но зато в декоре этого здания можно увидеть разнообразие растительных мотивов, используемых в модерне.

В Екатеринбурге есть образцы не только раннего модерна, но и позднего, так называемого рационального, отказавшегося от декоративных моментов в пользу простоты и функциональности. К таким зданиям можно отнести угловой дом на улице Тургенева, 22 (здание бывшей хромолитографии) и особняк по улице Вайнера, 11 (сейчас там располагается картинная галерея). Этот особняк имеет очень интересную историю, что только не размещалось под его крышей. Надо сказать, что строилось оно не для картинной галереи, это был заказ купца Бардыгина на постройку особняка архитектору К.Т. Бабыкину. Особняк был построен в 1913-14 гг., внизу место было отведено для магазина, а наверху располагались жилые помещения самого купца и его семьи. Оно не перестраивалось, сохранило свой первоначальный облик. Это невысокое двухэтажное здание серого цвета почти лишено декора, выглядит очень просто, но изящно. Привлекает внимание необычная форма здания и интересные формы окон, а также своеобразная чугунная решетка в оформлении фасада.

Заканчивая описание каменных зданий Екатеринбурга, выполненных в стиле модерн, можно сделать вывод о распространении каменного модерна в нашем городе. Как оказалось, таких зданий у нас не так уж и мало, и каждое из них интересно и заслуживает особого внимания. К сожалению, не сохранились наиболее типичные и красивые здания, принадлежащие к этому стилю. Каждая эпоха, стиль архитектуры оставляет след, напоминание потомкам о своем существовании.

Однако в Екатеринбурге модерн нашел отражение не только в каменных, но и полукаменных постройках.

Такой постройкой является дом № 2 по улице К. Либкхнета/Вознесенский проспект и вызывает желание разобраться в секрете его обаяния. Это здание единственное у нас в городе и своего рода уникальное, больше таких зданий нет. Местоположение дома ставило перед архитектором контрастные задачи: с одной стороны, необходимость создания композиции, оформляющей пространство площади на пересечении проспектов, а с другой — создание образа, неизбежно подчиненного активной форме римско-католической церкви, расположенной напротив. Отсюда и достаточно сдержанное решение пластического образа, в то время как модерн декларировал подчеркнутую самостоятельность в архитектурно-пространственной среде. Здание имеет оригинальную конструкцию с угловой композиционной основой и в плане представляет собой ущербный квадрат, в отсутствующей ¼ части которого естественно располагается внутренний двор. В целом, объемно-пространственная композиция утрачивает характерный для классицизма и эклектики картинно-фасадный характер. Сами по себе симметричные фасады при взгляде с площади составляли исключительную композицию, милую глазу и сердца привыкшего к классицизму екатеринбуржца. Отсутствие импозантного декора, характерно для провинциального модерна, позволяет скорее увидеть те серьезные изменения в отношении к архитектурной форме, благодаря которым внешний облик стал отражать особенности внутренней жизни здания.

Строительные материалы этажей — кирпич первого и дерево второго — подчеркивают их независимое функционирование. Первый этаж из красного кирпича с перемычками над окнами из клинчатого кирпича. Деревянная часть здания отличается оконными проемами Коробовой кривизны и своеобразной Фомой здания. Здание имело угловой вход. К нему (в данное время не существующему) вел деревянный тротуар и гранитные ступени крыльца. Роль козырька выполнял декоративный балкон, тоже не сохранившийся.

В нашем городе проявился также и так называемый «деревянный» модерн, объединивший формальные находки, характерные для каменных сооружений, с традициями патриархальной деревянной резьбы и плотницкого ремесла. «Сложный сплав этих разных тенденций способствовал формированию тех своеобразных образов провинциального модерна, которые поражают непосредственно и смелостью трансформации характерных для «нового стиля». В архитектуре деревянных домов, построенных в стиле модерн, наблюдается тяготение к декоративности внешних форм. Для всех них характерны искривленные рисунки деревянных окон и деревянных рам. Некоторые деревянные особняки имеют ассиметричное решение фасадов, вычурные овальные окна со сложными переплетами (например, ул. Февральской революции, 9). Для него характерно применение в облике здания окружностей со смещенными центрами (например, окружность окна и кокошника над ним), смакование каждой архитектурной детали. Аналогичными особенностями обладает и деревянный особняк, расположенный на углу улиц Февральской революции и Боевых дружин, хотя может быть, чересчур вычурных форм окон здесь нет, но ассиметричное решение фасадов на лицо. Черты модерна прослеживаются и в украшавшем здания того времени чугунном художественном литье. Так и решетка палисадника этого дома повторяет причудливые очертания оконных проемов. Это здание было построено в начале ХХ века как особняк, сейчас это административное здание.

К стилю модерн также принадлежит и дом купца Агафурова (ул. Сакко и Ванцетти, 24), построенный в последней четверти ХIХ века. Несохранившиеся имена его авторов уральских резчиков, кузнецов, местных архитекторов, позаботившихся об изысканном украшении дома, — «читаются и сегодня в кованых коньках, причудливой кровле и деревянной резьбе». Дом был реставрирован в 1988 году.

Завершая описание деревянных особняков, построенных в стиле модерн, следует отметить, что образцы и каменного, и деревянного модерна по-своему необычны и оригинальны. Они составляют свою страницу в истории постройки города, и это требует бережного отношения к ним при ее современной реконструкции. Многие из таких зданий сейчас реставрируются, но, к сожалению, их интерьеры в большинстве своем утрачены безвозвратно.

В стиле модерн строились и важнейшие общественные здания города. Так здание нового вокзала в то время было построено в стиле модерн, но сейчас не осталось даже отдаленного напоминания о том, как тогда выглядел вокзал, после его многочисленных достроек, реконструкций и всевозможных декорировок. Интересно сложилась и судьба оперного театра, построенного в 1810-12 гг. В 1910-11гг. на конкурсе проектов нового театра победил проект А.В Семенова, выполненного в стиле модерн, однако он не смог лично заниматься строительством, так как жил в другом городе и приехать не смог. Поэтому сооружение этого здания по его проекту поручили молодому и подающему надежду архитектору К.П. Бабыкину, который свои первые здания строил в стиле модерн (ул. Вайнера,11). Но к этому времени он уже начал отходить от «чистого» модерна и стал все чаще обращаться к классике. Поэтому он ввел рабочее проектирование и осуществлял проект, но в детализации здания проявилась классика. Имеются разные мнения об архитектурно-стилевой принадлежности этого здания, но, по-нашему мнению, более правильным было бы отнести его к эклектическому стилю, так как здесь проявились и черты модерна, и классические черты.

К.Т. Бабыкиным при участии архитекторов Г.П. Валеннова и Е.Н. Кроткова было построено еще одно здание, которое сочетало в себе черты разных архитектурных стилей. Это здание делового клуба (ныне филармония) было начато еще до революции, а закончено в 1927 году. В этом здании уже проявилось конструктивистское направление, но можно выделить и черты, характерные для модерна его внешние пластические формы носят явно декоративный характер.

Таким образом, мы убедились, что модерн в Екатеринбурге достаточно разнообразно представлен, но наиболее своеобразным для нашего города является «деревянный модерн». В качестве основных особенностей Екатеринбургского модерна можно назвать самостоятельность каждого здания относительно окружающих построек и отсутствие импозантного декора. В заключение, хотелось бы привести слова Шарля Блана, которые выражают сущность модерна: «Архитектура … — это не сооружение, которое украшают, а украшение, которое строят».

Заключение

Для стиля модерн главным принципом является стилизация, но не в смысле интерпретации форм художественных стилей прошедших эпох, как это было в период историзма второй половины XIX в., а в смысле тенденции подчинения всех элементов композиции какому-либо одному, формообразующему началу. Таким началом могло служить все, что угодно: исторические и национальные стили, элементы народного и примитивного искусства, природные формы, геометрический мотив, новые конструкции и свойства новых материалов — стали, стекла, бетона. В каждом случае художники модерна искали целостности, органичности, гармонии ансамблевых решений — изображения и плоскости, отсюда декоративность рельефов и росписей, как бы вырастающих из поверхности стен зданий; орнамента и конструктивных элементов — стальных каркасов, железных решеток, формы и пространства, интерьера и экстерьера.

Отличительными особенностями стиля модерн являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (в особенности, в архитектуре), расцвет прикладного искусства. Модерн стремился сочетать художественные и утилитарные функции создаваемых произведений, вовлечь в сферу прекрасного все сферы деятельности человека.

Среди основных направлений модерна обычно выделяют: «ар-нуво» во Франции, «югендштиль» в Германии, сецессион в Австрии, «модерн стайл» в Англии, либерти в Италии, каталонский модерн в Испании.

Список литературы

1.                           Бхаскаран Л Дизайн и время. Стили и направления в современном искусстве и архитектуре. Арт-Родник, 2006 г. 136-142 стр.

2.                           Горюнов В., Тубли М. Архитектура эпохи модерна. СПб.: Стройиздат, 1992. —  9 — 25 стр.

3.                           Звагельская В.Е. Архитектура и градостроительство Урала. - Свердловск, 1988. 56- 62 стр

4.                           Ионина Н.А. 100 великих чудес света.  М.:  Вече, 1998. — 469-473 стр.

5.                           Лукьянин В., Никулина М. Прогулки по Екатеринбургу. - Екатеринбург, 1997.

6.                           Петкова С.М. Справочник по мировой культуре и искусству. — Изд. 4-е. — Ростов на Дону: Феникс, 2007. —   411-418 стр.

12.11.2008

Модерн

Модерн (не путать с модернизмом).

      Обычно в мебельном магазине нас спрашивают: «Вам Классику или Модерн?» И делают при этом две ошибки. Понятно, конечно, что подразумевается – мебель в старинном стиле мы хотим посмотреть или современную? А должны были спросить: «Вам Классицизм или Модернизм?» Путаница происходит потому, что Модерн и модернизм – слова одного корня. Только означают эти слова разные понятия.

        Термин «Модерн», стиль Модерн (франц. Moderne, от лат. modernus – новый, современный) следует отличать от общего смысла слова «современный» и от понятия «современное искусство» – модернизма. Модерн – стиль архитектуры, включающий художественные течения и школы, охвативший различные направления художественной мысли в сценографии, искусстве рекламного плаката, монументально-декоративной живописи, декоративно-прикладном искусстве и, в меньшей степени, в живописи и скульптуре на рубеже ХIХ — ХХ вв.

   Тогда как модернизм – это общее название ряда художественных направлений в мировом искусстве (и в большей степени
в живописи и скульптуре) практически того же временного периода. В частности, модернизм – это тот стиль Минимализм, стиль
простых и современных форм, из-за которого и происходит путаница в мебельном магазине. (Подробнее о модернизме – см. «Модернизм, или эстетические корни Ар-деко».)

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Модерн – это максимальный синтез всех частей интерьера: мебели, посуды, светильников, текстиля. «Инте-рьерный салон № 1».

Коллекция мебели, производит Medea (Италия). Коллекция мебели этой итальянской фабрики так и называется – «Либерти». «Интерьерный салон № 1».

      Период Модерна относительно короток: от конца 1880-х гг. до 1914 г., когда Первая мировая война оборвала развитие стиля в большинстве стран Европы. Это крупное интернациональное идейно-художественное движение известно под названиями: «стиль Модерн» в России, «Ар-нуво» («Арт-Нуво») в Бельгии и Франции, «Сецессион» в Австро-Венгрии, «Югендштиль» в Германии, «стиль Либерти» в Италии, «Модерн стайл» в Великобритании, «стиль Тиффани» в США и т. д.

Уходящий ХIХ в. оставил новой эпохе в наследство полную неразбериху в эстетике – в моде были буквально все стили и направления, которые отвечали тяге буржуазии к аристократической респектабельности. В конце века засилье этих используемых «новых стилей» превратило квартиры зажиточных горожан в некое подобие «свалки стилей», рассчитанной на внешний эффект. Подражая Гансу Макарту, австрийскому художнику и законодателю мод, интерьеры обставлялись в «романтическом» стиле: с помостами, тронными креслами, искусственными цветами («букеты Макарта»), плюшевыми занавесками, музыкальными инструментами, старинным оружием и резной мебелью в Нео-стилях.

        Вполне естественно, что передовые художники уже в конце 1890-х гг. начинают движение против фальшивой буржуазной культуры жилища, против засилья низкохудожественной промышленной продукции того времени. Решить эти задачи можно было, только освободившись от груза прежних эстетических традиций.

         Архитектура. В архитектуре стиль Модерн расцвел бурно и пышно. Представители этого движения, стремясь создать собственный стиль, отказались от традиционных псевдоклассических форм, регулярной планировки и классицистического лепного декора. При постройке модерновых зданий с причудливой асимметричной композицией использовались новейшие техникоконструктивные средства и своеобразная свободная планировка. Все элементы декора подчинялись единому орнаментальному ритму и общему образно-символическому замыслу.

       Романтическая идея «цельного произведения искусства», где все виды искусства объединяются в единый ансамбль, и мечта романтиков об «очаге красоты», своеобразном эстетическом оазисе, нашли наиболее последовательное воплощение в постройках архитекторов стиля Модерн – Х. Ван де Велле и В. Орта в Бельгии, Й. Ольбриха, О. Вагнера и Й. Хофмана в Австрии, А. Гауди в Испании, Ч. Р. Макинтоша в Шотландии, Ф. О. Шехтеля и Ф. И. Лидваля в России.

        Наиболее выразительны интерьеры особняков этого стиля с их перетекающим пространством, изогнутыми, круглящимися очертаниями карнизов, дверных и оконных проемов, декоративных деталей, с живописной гармонией блеклых тонов, широким использованием дерева, металла, цветного стекла, художественной росписи, керамических панно и резьбы.

Однако нигде стиль Модерн не стал государственным стилем, для официальных зданий он был слишком вольным и романтичным. Здесь предпочиталась солидная архитектура в классицистическом духе. Вместе с тем Модерн не смог широко распространиться и в массовом зодчестве, потому что его архитектурные фантазии требовали солидных финансовых затрат.

    В начале XX в. появился метод вытяжного проката стекол. Это позволило изготавливать стеклянные полотна больших размеров
и заполнять ими практически любые проемы, не прибегая к помощи свинцовых и деревянных импостов. Тогда-то и возникли первые окна-витрины, боковые витражи, «верхний свет», световые фонари и сплошное остекление фасадов. В жилых домах получили распространение эркеры – иногда в несколько этажей, что давало помещениям больше света.

        Сторонники Модерна призывали к пересмотру и полному отказу от всех художественных традиций. В архитектуре Модерна декларировался принцип: главное – чтобы в доме было удобно жить. Такой подход приводил к революционным для того времени
асимметричным композициям, планы зданий формировались свободно, исходя из удобства. Вследствие этого свободными и живописными стали объемно-пространственные композиции зданий.

      Широкое использование металлических и железобетонных конструкций и структур способствовало созданию больших пролетов и пространств, особенно необходимых для торговых, банковских, транспортных, промышленных и других общественных зданий. Все эти нововведения резко изменили внешний вид архитектуры, придавая ей индивидуальный облик.

    Чаще всего через журналы, снабженные фотоснимками и цветными литографиями (вид плоской гравюры), Модерн распространяется по всему миру, приобретая свойственный стране колорит и порой изменяясь до неузнаваемости. В качестве декоративного стиля, выросшего из ранних и необычных стилей – японского, кельтского, мавританского, готического, Барокко, Рококо и многих других – Модерн был встречен с энтузиазмом, хотя зачастую он воспринимался как нечто чужое, привозное. В Германии его назвали «бельгийским ленточным червем»
и фактически отвергли.

      В России, наоборот, поворот к рационализму поддерживался архитектурной критикой, которая была единодушна в осуждении господствующей в то время архитектуры. Новая художественная выразительность Модерна отвечала также интересам новой буржуазии. Она стремилась использовать архитектуру как средство в конкурентной борьбе домовладельцев, торговых и промышленных фирм.

        В России новое течение оказалось связано с поисками особого пути национальной культуры. На эстетическую программу русского Модерна повлияли мысли Ф. М. Достоевского о красоте, которая должна спасти мир, о всемирном, всечеловеческом назначении «русской идеи». Многие живописцы, объединенные новым художественным движением, расширили свое творчество до архитектуры и сценографии. Движение это имело национально-романтическую окраску и исходило от кружка художников, сложившегося вокруг мецената С. И. Мамонтова и связанного с его подмосковным имением Абрамцево.

Художники «абрамцевского круга», не скованные профессиональными стереотипами, — и прежде всего В. Д. Поленов и В. М. Васнецов – предложили новые эстетические ценности и критерии «русского стиля», основанные на народном фольклоре и изобразительных приемах древних иконописцев.

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Новый стиль явно тяготел к декоративности, ведь его создателями были живописцы и графики, а они, давая волю фантазии, мало считались с функциональностью и технологичностью. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Новый стиль обещал явное омоложение мебельного искусства – он решительно отказался от старых стилевых форм. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Неясный колорит блеклых тонов и мягкий свет хрустальных плафонов усилен сиянием золота стульев. «Интерьерный салон № 1».

Виктор Васнецов стал одним из первооткрывателей «неорусского стиля». Яркостью образов и праздничной театральностью отмечены многие постройки, выполненные по эскизам художника. И самая известная
из них – фасад-эмблема, объединивший разрозненные старые здания Третьяковской галереи. Интересно, что фасадная стена с белокаменным гербом г. Москвы никак
не связана с внутренней структурой здания. Она подобна театральному занавесу, где рисунок основывается на весьма общих, образных представлениях художника о древнерусской архитектуре.

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Ирисы и тюльпаны – излюбленный цветок стиля Модерн. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Художник В. М. Васнецов. Фасад и детали здания Третьяковской картинной галереи, Москва. Фото Ю. Волох. Здание заметно пострадало от бомбежки в период Великой Отечественной войны (1941–1945). Реконструкция здания была основана на идее максимального сохранения исторического облика сооружения.

В профессиональной архитектуре начала века «неорусскому» стилю близки национально-романтические поиски Ф. О. Шехтеля. Самым значительным произведением Шехтеля (при участии строителя железной дороги С. И. Мамонтова) в русле национального романтизма стала перестройка здания Ярославского вокзала. Здесь Шехтель, создавая образ русского Севера, усиливает наиболее характерные признаки средневековой архитектуры. Вокзал украшают одиннадцать керамических панно, которые своим цветом и сюжетами придают разнообразие мощным, суровым стенам: темы живописи навеяны природой северного края.

Архитектор Ф. О. Шехтель. Решетка особняка Дерожинской в Штатном переулке (ныне Кропоткинский пер., 13), 1901. Фото Ю. Волох.

        Экономический подъем в России перед Первой мировой войной привел к появлению добротных доходных домов, многие из которых по качеству архитектуры не уступали частным особнякам. В доходных домах, в отличие от особняков, редко делали окна сложной криволинейной формы, но размеры, пропорции окон и виды остекления также разнообразны. Все архитектурные элементы использовались для придания образу здания индивидуальности, большое внимание уделялось декорированию балконов, их решеток и консолей, орнаментальной облицовке, керамической мозаике, скульптурному убранству. Впрочем, теперь, спустя годы, все это уже не кажется нам чрезмерным.

Архитектор Ф. О. Шехтель. Здание Ярославского вокзала, 1902–1904. Фото Ю. Волох.

    При этом полностью отвергались традиционные, ставшие в этот период обычными, декоративные формы и их элементы. Вместоних в архитектуре и в прикладном искусстве утверждалась специфическая стилизация цветов (лилии, ирисы, орхидеи), причудливо изгибающихся и переплетающихся стеблей болотных растений и элементов флоры, олицетворяющей «силы зла». Стала распространенной произвольная деформация привычных очертаний, определенная манерность и вычурность деталей.

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Очень легкий по виду столик, а кресло-качалка – просто олицетворение невесомости. Этому во многом способствует белый цвет. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). По этому причудливому переплетению цветов, стеблей и листьев мы сегодня узнаем Модерн. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Обратите внимание, это кресло не похоже ни на один стиль Франции, ни на один стиль Англии – это что-то совершенно необычное. «Интерьерный салон № 1».

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). В условиях растущего темпа деловой жизни начала ХХ в. растет и стремление к разумному комфорту. Для квартир в доходных домах требовалась легкая, мобильная обстановка. «Интерьерный салон № 1».

      На протяжении своего короткого существования (около полутора десятков лет) русский Модерн несколько изменился. И если начинался он с полного отказа от каких бы то ни было традиций, то позднее использовал формальные элементы исторической архитектуры, конечно сильно их изменяя и сочетая с новаторскими приемами, – это так называемый Модерн-классицизм, наиболее сильно проявившийся в архитектуре Петербурга.

Архитектор Л. Н. Кекушев. Собственный дом архитектора на ул. Остоженка, 21, 1900–1901. Фото Ю. Волох.

   Антонио Гауди (1852–1926). Интересно, что самые программные, идеологические по замыслу и назначению постройки стиля Модерн возникли еще в ХIХ в. С 1891 г. Антонио Гауди начинает возводить в Барселоне фасад церкви Саграда Фамилиа (исп. Sagrada Familia – «Святое Семейство»). Ее башни, воссоздающие тектонику органической и неорганической природы и сложенные словно бы из оплавленного камня, и сегодня высятся как памятники космической драмы.

       Гауди называли «гением Модерна», он был родом из Каталонии и работал в Барселоне. Ему удалось создать столь невероятный, фантасмагорический стиль, что для него пришлось придумать специальное название: каталонский Модерн. Человек своей эпохи, Гауди вдохновлялся традициями родной ему каталонской Готики. Он закончил Высшую техническую школу архитектуры, но работал без инженеров-проектировщиков, интуитивно, как средневековый мастер, импровизируя на строительной площадке. Помимо подготовительных рисунков и скульптурных макетов в 1:10 натуральной величины, то, что он хотел сделать, Гауди рисовал прямо на доске, во время строительства, и его помощникам приходилось прикладывать немало усилий, чтобы претворить эти фантазии в материале.

      Несмотря на всю свою фантастичную скульптурность, его постройки – не декорации и не аттракцион. Это настоящая, глубоко продуманная архитектура с удивительной тектонической точностью при бесконечном богатстве формы. Функция у Гауди не преклоняется перед формой. Гауди – абсолютный функционалист: все здания логично и удобно спроектированы, ничто ни с чем не спорит – спальни связаны с ванными, а кухни со столовыми.

           Произведения Гауди лишь отчасти можно назвать архитектурой – они не строились, а вырастали, как природные органические образования. Конструкция неуловимо преображалась в скульптурное изображение, которое тут же могло превратиться в мозаику на объемной поверхности, стать живописью, инкрустацией, а потом снова перерасти в некое подобие органо-конструктивной формы. Но уникальные «аморфные» постройки непоколебимы, стекла, несмотря на всю их кривизну, не лопаются, дерево не разрушается. Для этого Гауди глубоко изучил и использовал математику строения форм. Например, архитектора интересовало, как в природе держится, колышется и не падает лист дерева, он изучал его сетку, которая пружинит и компенсирует любое движение.

           Органическая архитектура Гауди населена причудливыми существами, фигурами людей и животных, усеяна цветами и деревьями из камня, со стенами из разноцветного бетона, извивающимися, как змеи, и крышами с гребнями, похожими на грозного каталонского дракона. В некоторых зданиях Гауди нет ни одного прямого угла, что необычно для архитектуры, но свойственно искусству Модерна. Важная роль в этих фантастических произведениях отводилась цвету и фактуре: тут и облицовка битым керамическим черепком, и мозаика из разноцветного стекла. В Доме Бальо (1905–1907) А. Гауди придумал навершия из стеклянных шаров, заполненных окрашенным песком, и разноцветные стеклянные колокольчики, звенящие на ветру.

   Искренний религиозный порыв чувствуется в главном произведении его жизни – соборе Саграда Фамилиа. Этой постройке Гауди отдал сорок три года, но так и не успел ее завершить из-за трагической случайности, оборвавшей его жизнь. Во множестве необычных, часто
натуралистичных элементах собора прорывается неудержимый религиозный символизм. И такого фантастического взлета форм, дви-
жения масс, льющихся потоков света не знала старая каталонская Готика. Собор Саграда Фамилиа не окончен, и его строительная площадка стала «музеем Гауди», местом паломничества архитекторов разных стран мира.

       В ХХ в. стиль Модерн развивается главным образом в архитектуре городских особняков и дорогих многоквартирных домов, загородных вилл и дач. Здесь, повинуясь прихоти состоятельного заказчика, организм здания формируется, растет изнутри, приживляя одно к другому помещения разных размеров и очертаний, размещая их на разных уровнях, наращивая пластическую оболочку. Формы и декор окон, дверей, лестниц становятся разнообразными чуть ли не до бесконечности. Декоративное убранство фасадов, а особенно интерьеров, достигает невероятной изощренности; огромное значение придается в нем пластике ритмов, фактуре и цвету узорной поливной керамической облицовки, кованого гнутого железа, витража.

        Особенность стиля была навеяна изобразительным искусством декадентов. Модерн воспринял поэтику символизма и характерные для него образы, сочетая их со стилизованным ритмом гибких и текучих линий и цветовых пятен. Эти пятна не выделяют объемы, а, наоборот, сливают их с плоскостью и создают особый нематериальный мир, где нет глубины пространства и все предметы лишены массы.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). На стене – огромное фотоизображение постройки А. Гауди «Дом Бальо», рядом – шкаф (производит Carpanelli, Италия), который удивительным образом повторяет оконные проемы дома.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). На фоне стенного покрытия с изображением фасада церкви Саграда Фамилиа должна стоять очень необычная мебель, например, шкаф производства Carpanelli (Италия).

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Головокружительная лестница церкви Саграда Фамилиа и головокружительный шкаф от Carpanelli (Италия) – головокружительный
интерьер.

       Интерьер. Своеобразные особенности Модерна ярко проявились и в прикладном искусстве, в частности в мебели, осветительных приборах. Ведь Модерн декларировал проектирование жизненной среды человека в одном стиле до последних мелочей. Дом
изнутри и снаружи оформлялся как цельный художественный объект, пригодный для нормальной жизни. И прихотливость форм не должна была противоречить комфорту и практичности вещей.

        Как когда-то в искусстве Рококо, Модерн стремится к максимальному синтезу всех частей интерьера. Мебель буквально выходит из стен, а отдельные предметы воспринимаются как акценты в единой композиции помещения. Ниши и полки не только на стенах, но и на каминах, шкафах, буфетах, диванах. И всюду можно поставить лампы, или вазы, или декоративные безделицы, производство которых переживает настоящий взлет.

         Портьеры, обивка мебели, обои эпохи Модерна почти всегда с прихотливым растительным орнаментом, крупными цветками или японскими мотивами. Изысканными считаются палевые, серебристые, лиловые, серовато-зеленые цвета, неяркие, словно подернутые флером символизма и тайны.

      В дорогой мебели применялись ручная резьба, инкрустация, хрустальные панно. Но Модерн мог использовать как экзотические, так и самые простые декоративные материалы и породы дерева. Новый стиль не стремится к аристократичности. Рациональное фабричное производство серийной мебели требовало упрощенных форм и рентабельного декора, зато развивалось быстро, так что позволить модную обстановку могли люди и среднего достатка.

Коллекция мебели Liberty, производит Medea (Италия). Эта полка – очень стильная вещь, ни с чем этот стиль не спутаешь. Интерьерный салон № 1.

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Везде: на занавесках, на плитке, на стекле душевой кабины – изысканные цветы. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Ирисы дробятся и множатся в зеркале, текут по стене прихотливым потоком. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Этой на первый взгляд грубоватой мебели керамические вставки придают особую неотразимость. Бронзовые ручки мебели в виде бабочек – тоже элемент Модерна. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Типичная мебельная ткань эпохи Модерн. Стебли растений изогнулись и переплелись, цветы стилизовались до неузнаваемости, цвет обивки самый модный – блекло-линялый. «Интерьерный салон № 1».

      Мебель эпохи Модерна требует декора в соответствующем стиле: ирисов, тюльпанов и чертополохов на обивках и вставках. И хотя форма кресла могла напоминать о Луи XV или Наполеоне III, тем не менее даже завиток на его спинке Модерн трактует по-своему. Для Модерна характерны изгибы растительных форм в беспрестанном и прихотливом движении. Ножки кресел обычно изогнуты, но в поздних образцах мебели могут быть и прямые.

Кресло в стиле Модерн, Россия, начало ХХ в. Ольха, береза, массив, тонировка под красное дерево, резьба, шелк. Музей Мебели (Москва).

        Сегодня, когда речь заходит о Модерне, перед глазами непременно возникают витражи с переплетающимися листьями и стилизованными цветами. Ведь витражи – это самый излюбленный элемент этого стиля. Так что интерьер в стиле Модерн получается очень даже затратным, но Модерн, конечно, стоит этого.

Витраж «Модерн» (техника «тиффани»). Художник Св. Михайлова. Каждый большой лист стекла художник рассматривает на просвет, чтобы отыскать фрагмент с нужным рисунком, который войдет потом в витраж. «Студия Светланы Михайловой».

Витраж «Модерн» (техника «тиффани»).
Художник Св. Михайлова. В витраже
использованы оптические свойства про-
зрачного стекла – преломление из-за
сложного, неровного рельефа. «Студия
Светланы Михайловой».

Витражная вставка в дверь «Нарциссы» (техника «тиффани»). Пропорции двери позволяют применить излюбленную пропорцию Модерна – узкий и длинный прямоугольник. «Студия Светланы Михайловой».

     Эмиль Галле (1846–1904). На эпоху Модерна приходится расцвет творчества Эмиля Галле. Имя Эмиля Галле в нашей
стране, к сожалению, больше известно узкому кругу знатоков и коллекционеров, но на антикварных аукционах, в кругу ценителей, в Эрмитаже имя Галле звучит с оттенком почитания.

Люстра с изображением вишневого дерева. Репродукция Эмиля Галле, производит Art-Galle (Румыния). Четырехслойное стекло: выдувание в форму, травление, гравировка, химическое матирование фоновой и внутренней поверхности. Оправа – бронза: литье, чеканка, резьба. Эмиль Галле основал свое производство в Румынии, несколько фабрик сохранилось и до наших дней. ООО «Троянец».

Эпоха Модерна вообще отличалась особым вниманием к художественному стеклу, этому замечательному пластическому материалу. Многие художники экспериментировали в этой области и добились удивительных результатов. Но, пожалуй, никто, кроме Галле, не достиг таких вершин. Его стекло говорило и пело шелестом листьев и трепетанием стрекоз, объемностью и выразительностью образов и настроений. Обилие приемов просто не поддается перечислению: техника опалового стекла с изумительным сапфировым оттенком, камейная резьба по многослойному стеклу различных цветов и фактур, кислотное травление и гравирование, впекание пластин, фольги и порошка из золота, эмалирование, в том числе и перегородчатое. И еще масса «живописных» технологических эффектов в виде пузырьков и трещинок придавали неповторимость каждой его работе.

     «Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Комод коллекции Liberty (производит Medea, Италия), портрет певицы Иветты Гильбер, которую запечатлел в своих работах А. де Тулуз-Лотрек, нежный пастельный колорит интерьер в стиле Модерн.

           Эффект легкости и хрупкой утонченности, свойственный изделиям из стекла, как нельзя лучше отвечал стремлению мастеров Ар-нуво к открытости интерьера, к его наполненности светом. С цветным художественным стеклом интерьеры приобрели насыщенное эмоциональное звучание.

        Тиражная графика. Мир Модерна сформировал новый тип художника – универсальной артистической личности, мечтателя и практика одновременно. Художник той поры был архитектор, дизайнер мебели, книжный график, создатель скульптуры, майоликовых панно, мастер архитектурного оформления интерьера и торговых витрин, теоретик, поэт, драматург, создатель шрифта, ювелирных украшений, театральных плакатов.

         Стиль Модерн прямо причастен к чрезвычайно широкому подъему тиражной графики. Литографированный рисованный плакат, выполненный первоклассными мастерами, вторгается на улицы, расцвечивая и иллюминируя городскую среду. Это были: во Франции – Ж. Шере, П. Боннар, Ф. Буиссе, Л. Капьелло, Т. А. Стейнлен, А. Тулуз-Лотрек, А. Муха, в Германии – Л. Бернхард, Б. Пауль, О. Фишер, Ф. Штук, в Англии – Д. Харди и Дж. Хассел, в США – У. Бредли, М. Пэррис и другие.

         Яркий представитель постимпрессионизма – Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901). В его полотнах и литографиях на темы быта парижской богемы (актеров, циркачей, завсегдатаев кафе) язвительная ирония подчеркнута острой композицией и выразительным рисунком. В 1892 г. афиши Тулуз-Лотрека с певцом кабаре Аристидом Брюаном произвели в Париже настоящий фурор. На площадях и бульварах города глаз моментально выхватывал его афишу, выполненную в броских, лишенных тональностей красках. Но если грубоватая лотрековская афиша с Брюаном вызывала одновременно восхищение и возмущение, то появление изящной афиши Альфонса Мухи с изображенной Сарой Бернар убедило парижан в том, что плакат может быть произведением искусства.

        Имя чеха и страстного чешского патриота Альфонса Мария Мухи (1860-1939), безусловно, ассоциируется со стилем Арнуво и Парижем той эпохи. И если архитектура стиля Модерн не получила в Париже всеобщего признания, то плакат Мухи завоевал сердца парижан буквально за одну ночь. Томная расслабленность женщин с его плакатов подчас напоминает болезненную смесь экстаза и смерти. Почти во всех женских образах Мухи присутствует более чем намек на «фатальность». Изысканные, прихотливые, в затейливом узоре из нежнейших цветов и своих волос, эти женщины «стиля Мухи» вошли во всемирную галерею женских образов.

Ванная комната. Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Здесь все дышит творчеством А. Мухи. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). А. Муха ввел в моду романтические женские фигуры с ниспадающими волосами и печальными лицами. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Керамическая плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). У А. Мухи эта цветная литография называется Плющ» (1901). Салон интерьеров
«Арт-Рум».

        Стиль Модерн, и в частности Ар-нуво, произвел опыт слияния европейской и восточной художественных традиций. Изобртательность японских художников в использовании минимального количества красок для создания богатой цветовой палитры продемонстрировала западным художникам, что цветовую ограниченность литографии можно превратить из недостатка в преимущество. Японские мастера показали также, что текст и картина могут составлять единое целое.

Рельефная плитка коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Контур рисунка наносится художником на плитку вручную – так кондитер украшает торт кремовыми розочками. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Рене Жюль Лалик (1860–1945). В конце ХIХ в. ювелирное искусство украшений с бриллиантами переживает упадок. В моду входит бижутерия. В этой моде искусство Японии соединилось с небывалым интересом европейских художников к достижениям мастеров западного Средневековья, умело применявших растительные мотивы в декоративном убранстве. Художник, ювелир, график Рене Лалик был наиболее талантливым представителем этой натуралистской моды. Образы природы – лирические пейзажи, мотивы виноградной лозы, хризантем, жасмина – художник использовал во всех своих работах. Беспокойные насекомые словно жужжат с поверхности его ювелирных украшений. Осы, стрекозы, кузнечики пересекаются в них с летящими ласточками и ночными летучими мышами. Змея, с ее ползущими, прямо-таки модерновыми, движениями и особым смыслом в мифологии, занимает в его работах особое место.

         Густав Климт (1862–1912). Живопись и скульптура не так сильно, как архитектура и прикладное искусство, были затронуты стилем Модерн. Вскоре союз с символизмом, который давал содержание стилю в конце ХIХ в., распадается. Лишь немногие мастера начала ХХ в., следуя собственной фантазии, создают свой мир причудливых образов стиля.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Диадема «Кузнечики» была приобретена у Р. Лалика в 1903 г. и сейчас находится в музее К. Гюльбекяна в Лиссабоне. Столик и лампа – коллекция Liberty (производит Medea, Италия). Такой интерьер мог быть в эпоху Модерна – нежные краски, текучие линии.

          Среди них – австрийский художник Густав Климт. В Климте венская сексуальность нашла своего величайшего поэта. Ни один художник его уровня не был столь открыто привержен воспеванию Эроса, и прежде всего женщины — музы, вампира, сексуальной приманки и символа упоения. Задолго до экспрессионизма и сюрреализма Климт решился на откровенную демонстрацию сексуальности в искусстве, сделав ее лейтмотивом своего творчества. Томная, экзальтированная атмосфера фрейдистской Вены, казалось, отчетливо стимулировала художника поставить женщину и эротику в центр произведения.

      Искусство Климта словно состоит из борьбы противоположных импульсов – чувственного, исключительно натуралистического изображения человеческого тела и едва ли не маниакальной жажды к заполнению холста сияющими загадочными орнаментами. Это борьба чувствуется даже в его портретах светских женщин и в великолепных, к сожалению, недооцененных пейзажах.

   В наиболее прославленных работах Климта, таких как «Поцелуй», чувство и декоративное богатство соединяются в непревзойденном сплаве. «Поцелуй» считается апогеем «золотого» периода художника. В нем сияющие геометрические орнаменты, кажется, готовы поглотить человеческие фигуры. Обнявшаяся пара, облаченная в мозаичные одежды, изображена на щедром абстрактном фоне из золота и серебра. Напряженность атмосферы усиливается за счет глубокого контраста между натуралистическими и декоративными деталями. Реалистически написанные лица, руки и ноги влюбленных окружены плоскостями с абстрактным рисунком. И этот рисунок соответствует фактуре ткани и цветам.

«Интерьерная композиция» (компьютерный коллаж: архитектор Н. Софиева). Диадема «Кузнечики» была приобретена у Р. Лалика в 1903 г. и сейчас находится в музее К. Гюльбекяна в Лиссабоне. Столик и лампа – коллекция Liberty (производит Medea, Италия). Такой интерьер мог быть в эпоху Модерна – нежные краски, текучие линии.

     Шедевр Климта можно рассматривать не только как картину, но и как произведение прикладного искусства. Подобный подход отвечал идеологии венского Сецессиона – отколовшейся от официального искусства группы художников, желавших создавать свои работы в более экспериментальном виде. Сецессион проповедовал универсальность искусства и стирание границ между его различными видами, родами и жанрами, а в конечном счете – между искусством «чистым» и «функциональным».

           Ранние скандальные работы художника делили его аудиторию на две неравные части: большую – яростных противников; и небольшую – единомышленников и поклонников. «Поцелуй», ставший эмблемой венского Сецессиона, получив безоговорочное признание, на время примирил и тех и других. Завораживающее золотое сияние, притушенный эротизм (на картине открыты лишь лица, руки и ноги героев) и очевидная целомудренность изображения вызвали восторг публики, в том числе консервативной и пуританской.

Г. Климт. «Поцелуй». 1907–1908. Керамическая картина из коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Салон интерьеров «Арт-Рум».

Г. Климт. «Поцелуй». 1907–1908. Деталь керамической картины из коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Салон интерьеров «Арт-Рум».

Сейчас женские образы Г. Климта и его золотой завиток можно увидеть везде – на керамических вазах и блюдах, на мебели и настенных гобеленах. И получается, что сто лет тому назад художник писал для нашего времени.

     Однако главная идея стиля Модерн о соединении художественного творчества и производства бытовых изделий заключала в себе внутреннюю неустойчивость. На практике резко разделяются дорогостоящие изделия и дешевые подделки, где штамповка и цветное стекло имитируют кованый металл и драгоценные камни. Одни становятся принадлежностью элитарного круга, другие – «массовой культурой», но машинное производство вызывает к жизни новый тип художественного творчества – дизайн, конструирование массовых изделий, наделенных стандартным уровнем качества. Эта рациональная эстетика в корне отрицает хрупкую декоративность стилистики Модерна. Постепенно эклектичный и элитарный стиль Ар-нуво стал вытесняться стилем Ардеко (Арт-деко), который не опускался до изготовления дешевых подделок и массового производства.

Керамическая плитка из коллекции Gaudi, производит Latina Ceramica (Испания). Если вдуматься, эстетика Антонио Гауди ближе стилю Ар-деко, чем стилю Модерн. Современные коллекции плитки это ярко доказывают. Компания «Керамика для вас».

Керамическая плитка из коллекции Artworks, производит Original Style (Англия). Сегодня, в век эклектики, рациональная эстетика «виндзорского» кресла только подчеркивает декоративность цветов Мо-
дерна. Салон интерьеров «Арт-Рум».

Источник:  

Софиева Н. Дизайн интерьера: стили, тенденции, материалы/ — М.: Эксмо, 2012. — 665с.

Роль науки в формировании культуры рубежа 19-20 вв. и символики художественного стиля модерн

Жизнь, непосредственно соприкасаясь с прикладными отраслями науки
т.е. с искусством в обширном смысле слова,
при решении всех своих вопросов обращается к науке,
чтобы узнать и принять к сведению результаты, добытые ею.
Илья Мечников [1]

Именно микроскопические формы природы, такие как радиолярии и иные одноклеточные планктонные организмы, увиденные в микроскоп профессора Амичи, вдохновят Геккеля на написание им книги «Красота форм в природе», которая вскоре станет настольной книгой в каждом доме, где интересовались вопросами науки и искусства. Многие из представленных в книге микроорганизмов впервые были описаны именно Геккелем.

Его эскизы и акварели были переведены в печатную форму Адольфом Глитчем. Первоначально этот совместный труд публиковался в период с 1899 по 1904 г. в комплектах по 10 оттисков, полная версия из 100 оттисков вышла в 1904 г. Классические формы модерна были рождены как раз под влиянием именно этой книги, что подтверждают такие исследователи стиля модерн, как Габриэле Фар Беккер [4] и Е.А.Заева-Бурдонская [5].

Генезис художественного стиля модерн начинается как раз с экспедиций Эрнста Геккеля и Николая Миклухо-Маклая на Канарские острова, где ученые изучают открывшийся им новый мир наземной и морской флоры и фауны. Знакомство с немецким зоологом Антоном Дорном, общение этих уникальных для своего времени людей позволило им задать соответствующий вектор развития культуры и искусства модерна. В этой связи особое значение приобретают их исследования в сфере океанологии.

В сферу научных интересов Николая Миклухо-Маклая, Антона Дорна и Эрнста Геккеля в то время входит изучение жизни прежде всего морских животных, губок и радиолярий; одновременно они занимаются исследованиями в области энтомологии и лепидоптерологии. Впоследствии результаты этих исследований лягут в основу известной книги Ж.А.Фабра «Жизнь насекомых» (она станет очень популярной не только среди ученых, но и у обычных читателей), а также окажут свое серьезное влияние на формирование художественного стиля модерн на рубеже 19-20 вв.

Морские биологические станции, где ученые смогут заниматься наблюдениями – вот о чем начинают мечтать и что начинают воплощать в жизнь Николай Миклухо-Маклай и его друг Антон Дорн. Последнему удается реализовать идею о такой станции в Неаполе, куда со всего мира приезжают ученые для наблюдения и исследования отдельных видов морских растений, микроорганизмов, беспозвоночных и отдельных видов рыб. На станции работают персонал и библиотека, где ученые имеют возможность обратиться к необходимым изданиям.

Раскрывшиеся новые горизонты подводного биологического микромира начинают служить источником вдохновения для художников, занимающихся оформлением жилого пространства в эпоху модерна, сказываются на архитектуре и оформлении театральных постановок: морские обитатели становятся излюбленным сюжетом костюмов, театральных декораций и украшением домов.

На Всемирной выставке в Париже в 1900 г. Эмиль Галле, чье творчество в значительной мере определялось «морской» символикой, планировал представить витрину, целиком посвященную одной теме “Eau de mer” (Морская вода). К сожалению, данный замысел автора не был в полной мере реализован [6].

Артур Манжен (1824-1887) в своих произведениях также уделяет внимание и миру океана, и миру цветов, и представителям наземной и воздушной фауны: «Счастливый человек – видел океан! Но, в самом деле, он его видел? – Нет, Океан, не составляет подобно горам части суши. Он есть мир, вдвое больший нашего, если только взглянуть на его поверхность, окружающую нас отовсюду. Это мир, который в своих глубинах, в лесах кораллов заключает легион существ. Это мир, который человек после стольких веков, усилий и жертв едва начинает познавать…» [7]

Стиль модерн – художественный стиль жизни общества, на которое существенное влияние оказывает наука. Это с одной стороны. С другой стороны, и сама наука вызывает в то время неподдельный общественный интерес.

Четырехлетняя научная экспедиция корабля «Челленджер», на борту которой работал Эрнст Геккель, стала возможна только благодаря взносам людей, интересовавшимися открытиями в естествознании. Этот факт говорит о том, насколько подобные научные исследования были нужны и важны для тех, кто жил в эти годы и обладал средствами. «В скором времени начала приводиться в исполнение на самых широких началах и с необычайной энергией, свойственной англичанам, организация грандиозной “челенджеровской” экспедиции. Экспедиция была снаряжена на общественные средства, – пишет профессор Конрад Келлер в издании «Жизнь моря. Животный и растительный мир моря. Его жизнь и взаимоотношения». – <…> Английское общество отнеслось к нему с полной симпатией и на осуществление этой гигантской затеи смотрело, как на свой национальный долг – этим оно доказало лишь, что вполне сознательно относится к своим культурным задачам. <…> Привезенный материал был чрезвычайно обширен, и обработка его занимала в течение многих лет наиболее выдающихся специалистов по различным отделам естествознания. Изданные на счет британского правительства “Отчеты” экспедиции были закончены печатанием в 1889 году; всего их 82 и занимают они 32 солидных тома, иллюстрированных 2600 таблицами – гигантское произведение, необычайно обогатившее наши зоологические познания…» [8].

Во всем мире натуралисты и исследователи обращаются как к флоре и фауне тех регионов, где живут и работают, так и к изучению флоры и фауны новых земель.

Появившаяся новая техника и новые технологии научных исследований позволили ученым той эпохи раздвинуть горизонты познания, сделать научные открытия в сфере изучения природы.

Первая зоологическая станция в России открывается в Севастополе по просьбе Николая Миклухо-Маклая в августе 1869 г. для изучения флоры и фауны Черного моря.

В Мессине (Италия) Дорн и Миклухо-Маклай разработали план покрытия земного шара сетью зоологических исследовательских станций, аналогичных железнодорожным станциям, где ученые могли бы останавливаться, собирать материал, проводить наблюдения и ставить эксперименты, а потом переходить к научным исследованиям на следующей станции.

Дорн и Миклухо-Маклай понимали, насколько важно для ученых, изучающих морскую фауну, прибыть на место и найти готовую к использованию лабораторию. Такие исследовательские станции вскоре были открыты по всему миру. В частности, Вилла-Франкская зоологическая станция (Океанологическая обсерватория Вильфранша) – одна из первых российский морских биологических станций, открытая в 1886 г. на побережье Средиземного моря недалеко от города Вильфранш-сюр-Мер, в шести километрах восточнее Ниццы. На этой станции проводили свои исследования такие ученые, как Ценковский Л.С., Ковалевский А.О., Овсянников Ф.В., Усов М.М., Богданов А.П., Вагнер Н.П., Заленский В.В., Ганин М.С., Ульянин В.Н.

Аналогичная станция была создана на Севере России с целью изучения морской флоры и фауны – Соловецкая биологическая станция, действовавшая на Большом Соловецком острове Соловецкого архипелага с 1881 по 1899 г. Эта станция на момент создания была самой северной из существовавших в то время подобных исследовательских лабораторий.

В 1889 г. открылся Океанографический музей в Монако. В 1885 г. принц Альберт I впервые поднял вопрос о создании лаборатории морской биологии в Княжестве. Это случилось через несколько месяцев после обнародования результатов экспедиций под руководством известного французского зоолога и естествоиспытателя профессора Анри Милна-Эдвардса (Henri Milne-Edwards). Сама идея возникла вследствие большого интереса, вызванного научными сборниками о результатах указанной экспедиции, которые были представлены на Всемирной выставке в Париже в 1889 г. Идея принца имела целью пополнение коллекций, собранных экспедицией в ходе научных кампаний, а также распространение и популяризацию новых знаний о море и его биологических богатствах.

В 19 в. вообще осуществляется активная популяризация научных знаний и открытий. Культурные процессы в науке и искусстве начинают оказывать друг на друга непосредственное влияние. Построенные биологические станции начинают активно изучать флору и фауну разных регионов России, озер, морей и океанов. Научные открытия, в свою очередь, начинают оказывать свое влияние на формирование символики нового искусства.

В оформлении архитектуры модерна довольно часто встречаются фрески, где сюжетом служат океанографические зарисовки, что говорит о внимании художников к открытиям в области океанографии. В стилистике искусства модерна становятся популярны винтовые лестницы в виде закрученных раковин или в виде морской волны (например, особняк А.И.Дерожинской – винтовая лестница в виде морских волн, особняк С.П. Рябушинского в Москве – винтовая лестница).

Культурные процессы так или иначе репрезентируются через произведения художественного искусства. Книга Конрада Келлера «Жизнь моря», опубликованная в Санкт-Петербурге в 1896 г., во время рассвета стиля ар-нуво, позволяет ответить на вопрос, почему океанологические сюжеты оказались настолько популярны в искусстве ар-нуво.

Раскрытие горизонтов морского биологического микромира позволило проводить художественные аналогии между миром морских обитателей и миром людей.

Так, например, в главе «Явления сожительства животных или симбиоз» К.Келлер в упомянутом сочинении пишет: «Стоит припомнить многочисленные формы общественных, деловых, политических или чисто гуманитарных симбиозов. Мы встречаем их и на наиболее высоких ступенях духовной жизни, в литературе, науке и искусстве…» [9]

Культура 19 в. в прочтении стиля модерн раскрывается в горизонте новых открытий в сфере океанологии, ботаники, энтомологии и лепидоптерологии. Сюда можно отнести и появившуюся страсть к коллекционированию, к классификациям, интерес к аналогиям образа жизни тех же актиний и радиолярий и человеческого общества, и т.д.

Научными исследованиями в указанных областях знания занимался в то время, в частности, на уже упомянутой Вилла-Франкской станции известный российский ученый И.И.Мечников. Он размышлял о взаимовлиянии культуры, искусства и науки в своем фундаментальном труде «Сорок лет искания рационального мировоззрения»: «Со временем, когда наука устранит современные бедствия, когда можно будет не трепетать за здоровье и благополучие близких, когда собственная жизнь станет протекать нормально, человек поднимется на более высокую ступень и легче, чем теперь, отдастся служению высшим целям. Тогда искусство и теоретическая наука займут то подобающее им место, которого они лишены теперь благодаря множеству забот…» [10]

Занимаясь в течение 20 лет эмбриологией насекомых и других представителей фауны, Мечников написал 43 научных труда, среди которых такие фундаментальные исследования, как «Исследования по эмбриологии насекомых» (1866), «Материалы к познанию синофр и медуз» (1872), «Материалы к познанию губок» (1876), «Эмбриологическое исследование медуз» (1886). Именно в этот период Мечников работал на Неаполитанской зоологической станции (1878-1879), а также в Мессине (1882-1883) и Вильфранше (1870-1885).

Вот что пишет И.И.Мечников о взаимосвязи жизненных процессов, которые подчиняются гармонии и красоте, и о взаимном влиянии естествознания и искусства: «Жизнь, непосредственно соприкасающаяся с прикладными отраслями науки, т.е. с искусством в обширном смысле слова, при решении всех своих вопросов обращается к науке, чтобы узнать и принять к сведению результаты, добытые ею…» [11]

В 1883 г. Мечников выступил с докладом «О целебных силах организма», положившим начало отхода Ильи Ильича от чисто зоологического направления в сторону проблематики патологии и иммунологии. Оставив Одесский университет, он несколько лет заведовал Одесской бактериологической станцией. В 1887 г. Мечников лично познакомился с французским микробиологом Луи Пастером, чьи открытия в области иммунологии стали поворотными в медицине и спасли миллионы жизней в конце 19 в. и в последующее время.

Это было время создания знаменитого Пастеровского института. Годы, проведенные И.И.Мечниковым в Париже по приглашению Пастера, ознаменовались окончательной победой фагоцитарной теории, которая вначале вызывала недоверие и критику многих европейских ученых. В 1908 г., вместе с одним из создателей гуморальной теории иммунитета Эрлихом (1854-1915), Мечников получил Нобелевскую премию за работы в области иммунологии [12].

Не только Мечников пишет о взаимосвязи естествознания и художественной культуры данной эпохи. Аналогичные мысли высказывают и немецкий философ Р.К.Эйкен в книге «Основная черта нового миропонимания» (1907), и бельгийский писать М.Метерлинк. «Естественнонаучные» мотивы можно найти в таких известных художественных творениях данной эпохи, как лампы Эмиля Галле и братьев Дом, украшения Рене Лалика, и т.д.

Вот что пишет в этой связи И.И.Мечников: «Наука может и должна в будущем даровать людям счастливое существование. Но отсюда не следует, чтобы искание истины было единственной целью нашей деятельности, как думает Пуанкаре. Когда наука обеспечит человечеству нормальный цикл жизни, когда люди забудут большинство болезней, подобно тому как они могут не тревожиться теперь из-за чумы, холеры, дифтерита, бешенства и других бичей, до последнего времени угрожавших им, тогда на первый план еще более чем теперь выступит искание удовлетворения высших потребностей душевной жизни. Но наряду с исканием знания ради высшего наслаждения, то есть наряду с “наукой для науки”, человечество еще более теперешнего будет искать счастья в наслаждении всяческой “красотой”, то есть в “искусстве для искусства”…» [13].

В конце 19 – начале 20 в. подобные идеи были особенно актуальны для зоологов и медиков. На рубеже столетий были сделаны выдающиеся открытия в бактериологии (тем же Пастером), позволившие победить болезни, которые уносили тысячи человеческих жизней, – а этот фактор, очевидно, так или иначе повлиял на мировоззрение людей той эпохи, на их культуру.

В этой связи есть интересная история. В 1865 г. Жан Батист Дюма предложил Пастеру выяснить причину заболевания шелковичных червей: ситуация была катастрофической – эпидемия охватила всю Европу. Исследования Пастера проходили в Италии (Вилла Вичентина недалеко от Триеста) и во Франции (Алес). Ученому удалось понять причину заболевания и найти способ борьбы с ним – таким образом, тысячи бабочек были спасены. Чуть позже, сверив результаты своей работы с наблюдениями за простейшими организмами, Пастер нашел и способы борьбы с возбудителями смертельных болезней у человека. Успех Пастера вызвал тогда невероятный ажиотаж в обществе.

Каким образом все это отразилось в стилистике модерна?

Эмиль Галле посвятил одно из своих художественных произведений – «Вазу Пастера» – знаменитому ученому. Морис Метерлинк в своей книге «Разум цветов» выразил свою концепцию красоты – через ботанические и лепидоптерологические образы. (Вообще, в стиле модерн ярко отразились тогдашние «модные» увлечения эстетикой ботанических садов, флоральных орнаментов.). Метерлинк писал: «Как бы то ни было, мы стоим перед новым реальным фактом, заключающемся в том, что мы живем в мире, где цветы стали прекраснее и многочисленнее, чем в прежние времена, и, быть может, мы вправе прибавить, что и мысли людей стали более справедливыми и жадными к истине. Малейшая обретенная радость и малейшая побежденная печаль должны быть отмечены в книге человечества. Не надо пренебрегать ни одним из доказательств, подтверждающих, что мы, наконец, начинаем распоряжаться некоторыми законами, управляющими судьбой живых существ, что мы акклиматизируемся на нашей планете, что мы украшаем наши дома и мало-помалу увеличиваем счастье и красоту жизни…» [14]

Очевидно, что стиль модерн в качестве одного из своих источников имеет исследования и открытия в области естествознания; в частности – в аспекте понимания роли и значения света в жизни растений. От того, где расположен источник естественного освещения, зависят жизнь и цветение растения. Вот и в стиле модерн воспроизводится идея о человеческой душе, стремящейся, подобно цветку, к свету. Эта мысль становится одной из основных у художников стиля модерн.

Энтомологические мотивы можно, например, проследить в стилистике оформления архитектурного проекта Федора Шехтеля – известного дома С.А.Рябушинского на Никитской улице. В декоре этого уникального памятника эпохи модерна в России можно прочесть лепидоптерологическую символику в оформлении камина, океанологические мотивы – в оформлении лестницы в виде морской волны с лампой-медузой, поднимающейся с характерным для стилистики модерна изгибом, ботанические мотивы – в оформлении фризов фасада здания, где изображены орхидеи, а также в декоративном оформлении потолков цветами.

Часто в архитектурном пространстве стилистики модерна есть одна уникальная деталь: ручки дверей и особая форма дверей. Если провести аналогии, то человек, входящий в раскрывающееся перед ним пространство, уподобляется бабочке, влетающей в окно, благодаря специальной конструкции двух дверей, открывающихся одновременно, и ручек, имитирующих крылья.

«Для всякого внимательного наблюдателя изобретательные насекомые, обнаруживающие в своих работах самое утонченное искусство, представляют зрелище, в одно и то же время странное и имеющее своеобразное величие. Инстинкт доведен здесь до высочайшей степени, какая только встречается в природе, и смущает человеческий разум. Тщательное и мелочное изучение всех подробностей жизни этих существ еще более увеличивает это смущение», – пишет французский энтомолог Эмиль Бланшар в предисловии к первому тому издания «Инстинкт и нравы насекомых» Ж.А.Фабра [15].

Проведение параллелей между миром людей, миром лепидоптерологии и энтомологии, миром океана, наблюдаемых в микроскоп одноклеточных и многоклеточных организмов позволяет прочесть иконографию художественных памятников архитектуры и предметов искусства модерна в контексте культурных процессов, вектор формирования которых определялся в то время как раз развитием естествознания. Вот почему объяснение культурных процессов в искусстве эпохи модерна можно найти в корпусах трудов таких ученых-естествоиспытателей, как Луи Пастер, Илья Мечников, Эрнст Геккель.

Именно организация жизни, пространства обитания человека в аналогии с организацией жизни представителей биологического микромира является ключом к пониманию генезиса стиля модерн, в соответствии с открытиями, которые были совершены в то время в естествознании.

Проведение аналогий между поведением людей, бабочек и жуков, одноклеточных и многоклеточных организмов являются одним из источников вдохновения для творцов в стиле ар-нуво. Научные открытия, совершенные Луи Пастером, Ильей Мечниковым и другими учеными-естествоиспытателями, оказали свое очевидное влияние на стилистику модерна. Научными открытиями эпохи вдохновляются философы и писатели данного времени: М.Метерлинк, Р.Эйкен, А.Бергсон и т.д.

На Всемирных выставках в Париже в 1889 и в 1900 годах уделяется особое внимание наблюдениям и открытиям в области ботаники, энтомологии, лепидоптерологии и океанологии, – в контексте искусства модерна и естествознания.

Стилистика искусства модерна – не столько в эстетике волнообразных линий и женских образов, украшенных цветами, сколько, по существу, в аллюзиях к сферам научных исследований ботаников, энтомологов, лепидоптерологов, океанологов.

При этом надо учитывать, что именно открытия в данных сферах дали возможность ученым победить и различные страшные болезни человека, что так или иначе сыграло серьезную роль в формировании мировоззрения и культуры того времени.

В этом отношении довольно причудливо переплетаются «искусство» и «наука» эпохи в трудах и творениях Манжена Артура («Океан, его тайны и чудеса»), Жюля Верна («Двадцать тысяч лье под водой»), Конрада Келлера («Жизнь моря»), Жана Анри Фабра («Жизнь насекомых»), Владимира Набокова («Другие берега»), Николая Михайловича Романова («Воспоминания о бабочках», “Mémoires sur les lépidoptères”), Ильи Мечникова («Записки оптимиста»), Эрнста Геккеля («Красота форм в природе») и во многих других текстах, которые еще предстоит подробно изучить в ракурсе взаимосвязи искусства, культуры и науки данной эпохи.

В стиле модерн актуализируется идея поиска лучшей жизни, заполненной гармонией, красотой и высшим смыслом познания, идея бережного отношения ко всему живому.

Для исследования культурного наследия данной эпохи, связанного, прежде всего, со стилистикой искусства модерна, необходимо учитывать естественно-научный фактор, лежащий в основании как искусства модерна, так и всей культуры рубежа 19-20 вв.

Искусство жизни этой эпохи аллегорически символизируется в поисках красоты в мире микробиологии, в его причудливом соотношении с жизненным пространством человека, чье местообитание начинает напоминать морские гроты, с одной стороны, и воздушное пространство, с другой, где душа человека порхает и парит, словно бабочка, в поисках цветочного нектара.

Таким образом, логично сделать вывод о том, что сюжеты из сферы океанологии, энтомологии, лепидоптерологии и ботаники, которые так часто можно увидеть в художественных произведениях модерна: в архитектурных элементах, предметах декоративно-художественного творчества и т.п., воспроизводят «миры», открытые и тщательно исследованные учеными-естествоиспытателями. Эти открытия самым серьезным образом повлияли на культурную жизнь общества, на мироощущение и мировоззрение человека рассматриваемого времени. Именно во взаимовлиянии науки, искусства и культуры следует читать иконографию сюжетов стиля модерн.

Сорок лет искания рационального мировоззрения. – М.: Научное слово, 1913. – C. 99.

[2] Геккель Э. Мировые загадки: общедоступные очерки монистической философии / Пер. с нем. О.Капелюша. – Лейпциг; СПб.: Миллер; Мысль, 1906. – С.178-179.

[3] Letter that Ernst Haeckel wrote to his father from Messina on 15 December 1859 // Ernst Haeckel. Italienfahrt. Briefe an die Braut 1859/1860. Koehler, Leipzig, 1921. P. 135-136; Uschmann G. Ernst Haeckel. Biographie in Briefen. Leipzig-Jena-Berlin, 1983. P. 54-55.

[4] Fahr-Becker G. Art Nouveau. GmbH: Tandem Verglag, 2004. P.12

[5] См. подробнее: Заева-Бурдонская Е.А. Эмиль Галле: Апокриф и канон стиля : науч.-учеб. изд. / Заева-Бурдонская Е. – М.: ВНИИТЭ, 2010.

[6] Линии Галле. Европейское и русское цветное многослойное стекло конца 19 – начала 20 века в собрании музеев России / Авт. кол.; шеф-ред. Т.Юдкевич. – М.: Первая публикация, 2013.

[7] Манжен А. Океан, его тайны и чудеса. – М.: Братья Салаевы, 1868. – С. 7.

[8] Келлер К. Жизнь моря. Животный и растительный мир моря. Его жизнь и взаимоотношения / пер. с нем. с дополн. П.Ю.Шмидта. – СПб.: Изд. А.Ф,Дервиза, 1896. – С. 14.

[9] Там же. С. 138-139.

[10] Мечников И.И. Указ соч. С. 22.

[11] Там же. С. 99.

[12] Фокин С.И. Русские ученые в Неаполе. – СПб.: Алетейя, 2006. – С. 200-201.

[13] Мечников И.И. Этюды оптимизма. – М.: Научное слово, 1909. – С. 5.

[14] Метерлинк М. Разум цветов: натурфилософские и философские очерки. Старомодные цветы. – СПб,: Леонардо, 2011. – С. 135-136.

[15] Бланшар Ж.А. Инстинкты и нравы насекомых. В 2 т. Т. 1. – М.: Терра, 1993.

Российский научно-исследовательский институт

культурного и природного наследия им.Д.С.Лихачева (Москва),

История стиля модерн в интерьере и архитектуре

Стул в стиле ар-нуво, 1898, спроектированный Анри ван де Вельде (1863–1957), Бельгия, XIX век.

В соответствии с приверженностью к тому или другому полюсу модерн условно разделяют на два направления — декоративное и конструктивное. К первому относят французский и бельгийский ар-нуво, представленный творчеством Виктора Орта, Эктора Гимара, Анри ван де Вельде, а также школой Нанси.

Отель Solvay по проекту Виктора Орта.

Входившие в школу Нанси художники Эмиль Галле и братья Дом, владельцы знаменитых стеклодувных мастерских, создали самый цитируемый впоследствии вариант модерна: текучие формы, таинственная ночная фауна, лилии, бабочки и ундины в рассветно-сумеречной цветовой гамме.

Стеклянная настольная ваза, 1910-ые, дизайнер Луи Мажорель (1859-1926), завод Daum Freres в Нанси. Франция, 20 век.

К декоративному направлению причисляют и каталонского гения Антонио Гауди, и итальянского дизайнера Карло Бугатти, чья мавританско-византийская мебель произвела фурор на Всемирной выставке в Турине в 1902 году.

Коридор первого этажа с параболическими арками, школа при монастыре Святой Терезы в Барселоне. Архитектор Антонио Гауди.

Винтажный обеденный стол, Casa Mila (La Pedrera или The Stone Quarry), Антонио Гауди, 1905–1911, Барселона, Испания.

Пост почитания Антонио Гауди

25 июня исполнилось 166 лет со дня рождения великого испанского архитектора, перевернувшего представление об архитектуре начала XX века, создавшего каталонский модерн и определившего облик Барселоны, той, которую мы все любим и знаем. В честь этого рассказываем о творческом пути Гауди и показываем его главные проекты.

Стол из орехового дерева и четыре стула, украшенные инкрустациями из слоновой кости и металла, 1898, дизайнер Карло Бугатти (1855–1940), Туринская выставка, Италия, XX век.

Совершенно иная трактовка стиля возникла в Шотландии в рамках так называемой школы Глазго во главе с Чарльзом Ренни Макинтошем. Его работы поражают чистотой геометрических форм, в которых едины декор и конструкция.

Стул Argyle, 1903–1905, дизайнер Чарльз Ренни Макинтош (1868–1928), изготовитель Cassina.

Геометрическая ветвь модерна, вставшая на путь очищения структуры от орнамента, продолжается в творчестве художников Венского сецессиона: Отто Вагнера, Йозефа Марии Ольбриха, Йозефа Хоффмана, которого критики окрестили “квадратным” за его любовь к простой геометрической форме. Именно конструктивная, сдержанная линия модерна получила дальнейшее развитие, став тем фундаментом, на котором возникла философия и эстетика модернизма — движения, уже в 1920-е годы получившего статус нового, современного стиля.

Кресло с откидной спинкой в стиле ар-нуво, около 1903, фанера из бука. Дизайнер Йозеф Хоффман (1870–1956). Австрия, ХХ век.

В истории русского модерна особое место занимал архитектор Федор Шехтель. Среди его знаковых проектов — особняк Рябушинского на Малой Никитской улице в Москве с волнообразной оградой. Внутри природную тему продолжает знаменитая лестница-волна. Особняк П. П. Смирнова на Тверском бульваре авторства Шехтеля — еще один отличный пример русского модерна, в котором воплотились все главные темы этого стиля.

Фото: Getty Images, Alamy/ТАСС

В гармонии с природой. Орнамент эпохи модерна

Жорж Буржео. Репа

Лист из альбома Эжена Грассе «Растения и их декоративное применение». Париж, 1896

   
Дом в стиле модерн — это одновременно цветущий вишнёвый сад и летний луг, подводный мир и мир насекомых и птиц, а еще домик на дереве или само дерево, внутри которого ты магическим образом оказался. Глядя на эти эскизы, я вспоминала шикарную мебель в Поленово и особняк Рябушинского, в котором интерьер кажется бесконечным сплетением плавных линий
 
Арнольд Лёйнгрюн. Декоративные элементы для экрана и камина

Поистине, фантазия тех, кто подарил нам восхитительные украшения, бесподобные живописные произведения, удивительные предметы интерьера и потрясающую архитектуру в стиле модерн, была безграничной настолько, насколько бесконечны природные образы, которые вдохновляли художников
Э.Бек. Растительный орнамент.
Лист из альбома «Растения и их применение в искусстве и промышленности». Вена. Издатели: Герлах и Шенк. 1887

А.Смит. Животные мотивы

Рене Боклер. Женские головы в медальонах

Ваза-конфетница. 1908-1914

Русская Польша, Варшава. Фабрика Норблина, братьев Бух и Т.Вернера.

Оловянный сплав «Verit», штамповка, гальваносеребрение

Современная мебель против современной | Мебель Современная Классика

В сознании большинства людей слова: «модерн», «модернизм» и «современник» взаимозаменяемы, но на самом деле они не совсем то же самое применительно к мебели, искусству и моде. Предлагаем краткое обсуждение « Современная «мебель» по сравнению с «современной» мебелью, включая некоторые исторические перспективы, просто как введение в предмет, чтобы помочь вам понять, почему мы выбрали эту мебельную нишу.

Проекты мебели, представленные на этом веб-сайте, относятся к движению модернизма, существовавшему с 1918 по 1970 годы. Большинство людей называют эту подгруппу мебели современной классикой, поскольку они являются знаковыми предметами, созданными некоторыми из величайших дизайнеров в истории мебели. . Мы уделяем особое внимание этой нише, чтобы сосредоточиться на производстве и продаже современной классической мебели высочайшего качества по доступным ценам.

Рождение модернизма:

Модернизм — это движение, возникшее в начале 20 века (около 1910 года), когда начали появляться новые творческие силы, стремящиеся к инновациям, оригинальности и простоте дизайна.Было желание избавиться от чрезмерного орнамента, обнаруженного в викторианском дизайне мебели, и использовать новые строительные технологии и материалы. Таким образом, движение модернизма в общих чертах определяется как разрыв с классическими формами и продолжалось до середины 20 века (около 1960 года). Следующая диаграмма отображает эволюцию современного движения.

Современная мебель

После Первой мировой войны в Европе зародилась первая концепция движения модернизма.Эта война изменила представления людей о культурных ценностях и традициях. Они начали бросать вызов традиционным методам производства и материалам, принимая новые. Это раннее современное движение можно было увидеть во всем мире, но в частности в Германии, Франции, Дании и Италии. Каждая страна имела свою историю и эволюцию стиля и дизайна модернизма с различным использованием материалов, популярных в их странах. Например, Дания использовала древесину, Германия и Франция предпочитали сталь и т. Д.

К 1930 году модернизм стал признанным и общепринятым стилем дизайна. Поскольку они были основаны на технологиях промышленного производства, современных материалах (например, хром, сталь и стекло) и прямолинейной геометрии, производители, производящие эти простые и практичные формы, достигли большей экономии и эффективности в производстве и материалах.

На ModernClassics.com мы специализируемся на производстве и продаже мебели четырех основных движений модернизма: баухуа, модерна, скандинавского стиля и модерна середины века.

Современная мебель в стиле Баухаус

Мебель периода модерн Баухаус, начало современного движения, охватывающего период с 1917 по 1933 год. Особенно важно то, что школа Баухаус в Германии стимулировала и определила этот шаг в сторону модерна и дала начало некоторым из величайших дизайнеров всех времен, включая Вальтера Гропиуса, Миса ван дер Роэ и Марселя Брейера. Хотя школа Баухаус была закрыта в 1933 году, эта группа дизайнеров продвигала использование новых технологий и социальных идеалов того времени, бросая вызов традиционным идеалам декора и создавая совершенно новую эстетику, основанную на форме и функциях.Вот наши самые продаваемые продукты той эпохи:

L’Epirit Nouveau Modern

В 1925 году во Франции Ле Корбюзье продвигал свой современный стиль дизайна L’Epirit Nouveau на Парижской выставке под названием Pavilion de L’Esprit Nouveau. В 1929 году в Осеннем салоне Ле Корбюзье вместе с Шаротт Перриан и Пьером Жаннере создали скульптурную мебель из стальных труб, кожаной и парусиновой обивки и стекла. В то время эти конструкции были настолько радикальными, что не сразу стали успешными.Эйлин Грей тоже работала в этот период. Вот наши самые продаваемые продукты той эпохи:

Современный скандинавский

Незадолго до Второй мировой войны скандинавские страны (Дания, Швеция, Норвегия, Финляндия и Исландия) формулировали свое собственное чувство модернизма с их инновационным дизайном бескомпромиссного качества. Модернистский подход в этих странах вырос из традиций каждой из своих стран; например, шведы использовали более светлую древесину, датчане — глубокое богатое красное дерево.Ранние проекты скандинавского модерна включали в себя традиционную древесину, столярные и каркасные методы и применяли современные линии и инструменты для создания универсально привлекательных скандинавских дизайнов. Некоторые из самых известных скандинавских дизайнеров мебели середины века эпохи скандинавского модерна включают Ханса Вегнера, Арне Якобсена, Финна Юла, Пола Кьяерхольма и Борге Моргенсена; все дизайны мебели которых мы работаем, чтобы воспроизвести их высочайшего качества по доступным ценам. Вот наши самые продаваемые продукты той эпохи:

Модерн середины века

После Второй мировой войны зародилась еще одна эпоха модернизма, ныне известная как Модерн середины века.Дизайнеры по всей остальной Европе и США были вдохновлены более мягкой формой скандинавской современной мебели и начали создавать новое поколение современной классики. Основное внимание в то время уделялось производству мебели современного дизайна, но при этом прочной; хорошо сделана с использованием новейших технологий; все же доступный. Произошел переход к органическим формам, предметам, которые были визуально приятны при взгляде с любой стороны, с использованием нового пластика и тканей ярких цветов, которые были доступны впервые.Среди самых известных дизайнеров эпохи модерна середины века — Чарльз и Рэй Имз, Ээро Сааринен, Вернер Пантон и Исаму Ногучи. Вот наши самые продаваемые продукты той эпохи:

Дизайн современной мебели

Теория дизайна мебели с использованием «модерна» не закончилась после 1970 года, однако мир дизайна действительно перешел в новую эру постмодерна.Доступная, качественная мебель не вышла из моды, и дизайнеры продолжают создавать новые образы и тенденции, используя новейшие технологии и текстиль. Этот жанр минималистской, модной и изысканной мебели считается «современной» и ее можно найти на многих веб-сайтах и ​​в мебельных магазинах.

История современности середины века

Модерн середины века

«Модерн середины века» — это термин, созданный Карой Гринберг для описания особого стиля архитектуры и дизайна мебели, который был известен в США в послевоенные годы.Истоки этого особого стиля вместе с аксессуарами, которые его сопровождают, были созданы в период процветания, когда американские солдаты возвращались домой, экономика процветала и по всей стране строились новые дома.

Из этого периода времени пришло множество новых дизайнерских идей, которые сформировали архитектуру и мебель на основе современных технологий. С изменением технологий и рождением нового поколения детей в постъядерную эпоху современный стиль середины века начал быстро исчезать.К 1980-м годам современный стиль середины века уже не считался «модным», хотя многие люди до сих пор росли в домах и мебели того периода.

Современный стиль середины века не следует путать с художественным декором, который доминировал в предыдущую эпоху, в частности, после окончания Первой мировой войны. Тем не менее, он взял несколько реплик из прежнего стиля с точки зрения линий и углов, используемых в более крупных структурах.

Конец Второй мировой войны принес большие изменения в США, поскольку вернувшиеся солдаты вместе со своими невестами предъявили огромный спрос на новое жилье.Внезапный всплеск привел к появлению так называемого «урочища», которое возникло в бывших сельских районах на окраинах больших и малых городов. Жилье урочища было простым по конструкции и в некоторых местах срезано углы, чтобы дома можно было строить быстрее.

Современное жилье середины века

Однако скорость строительства домов привела к появлению новых дизайнерских решений, которые стали отличительной чертой послевоенного периода, который длился до начала 1970-х годов.Акцент на горизонтальные линии и чистая, открытая обстановка делают современный стиль середины века очевидным в архитектурных решениях жилых домов. Даже после этого современный стиль середины века возродился, как это часто бывает с ретро-тенденциями, особенно в популярных сериалах, таких как «Безумцы» AMC.

Одним из самых больших изменений в современном доме стал гараж для автомобиля. Это новое дополнение к домам началось в 1920-х годах, когда стали популярными автомобили, но действительно стало популярным после Второй мировой войны с появлением жилых домов.Автомобильные порты были еще одной особенностью, которая заменяла гаражи в зависимости от общей конструкции.

Помимо домов, более крупные коммерческие постройки также отражали современный стиль середины века, в котором подчеркивались чистые линии, которые иногда стилизовались под углом или по размаху. Такие здания, как Башня Риверплейс в Джексонвилле, Флорида, или Колледж экологического проектирования Калифорнийского Поли в Помоне, имели прямые прямоугольные формы, знакомые на горизонте. Однако главный терминал аэропорта Даллес в Северной Вирджинии или поразительная Северная христианская церковь в Колумбусе, штат Огайо, больше отражают действительно выделяющиеся размах и угол линий.

Хотя Фрэнк Ллойд Райт был, пожалуй, самой заметной фигурой современного стиля середины века с точки зрения создания коммерческих и частных построек, он определенно находился под влиянием других, включая движение Баухаус и работы Мис ван дер Роэ и Ле Корбюзье.

Стул для яиц

Мебель также отражала этот особый вид с чистым, простым дизайном, который подчеркивал изгибы, геометрические формы и другие углы вместо более сложного и богато украшенного внешнего вида, который был обычным в мебели и жилищах до Второй мировой войны.

Примеры современного стиля середины века в мебели включают знаменитое кресло Egg, созданное Арне Якобсеном, или кресло Eames Lounge Chair, созданное Чарльзом и Рэем Имзом, кресло, которое широко использовалось в таких телевизионных программах, как «Frasier».

Tulip Стол и стулья

Пожалуй, наиболее показательным явлением в дизайне мебели стало то, что он не был привязан к одной цели.Например, стулья можно использовать по разным причинам, а не подгонять под гостиную, кухню или логово. Столы стали местом, где люди могли есть, писать, складывать журналы, играть в карты и многое другое. Мебель больше не ограничивалась одной целью, что, в свою очередь, создавало более единообразный стиль во многих разных домах.

Даже мебель, которая все еще использовалась для особой цели, приобрела более простой и понятный вид. Журнальные столики, например, стали аккуратными и чистыми по дизайну с акцентом на линии и углы, а не на богато украшенные.

Помимо домов и мебели, такие аксессуары, как лампы, часы, изделия из стекла и даже произведения искусства, приобрели более простой и понятный дизайн, отражающий новую эпоху.

Более простой и универсальный стиль также отражал подход к повседневной жизни, в результате которого появились более удобные аксессуары, такие как тостеры, экономящие время гаджеты, наборы для барбекю и тому подобное, что либо сэкономило время и усилия, либо помогло создать более непринужденную атмосферу в доме. С взрывом популярной музыки в 1950-х годах стереосистемы или Hi-Fi также стали обычным явлением.Конечно, всем этим новым приборам и аксессуарам нужно было место для хранения, когда они не использовались, поэтому были созданы и более простые конструкции шкафов.

Среди наиболее заметных произведений современного стиля середины века с точки зрения мебели и аксессуаров — Чарльз и Рэй Имз, Гарри Бертойя, Исаму Ногучи, Арне Якобсен, Ханс Вегнер и многие другие.

К середине 1960-х годов эпоха модерна середины века быстро угасала, поскольку появление новых домов и новых вкусов в дизайне, мебели и аксессуарах становилось все более модным.Неудивительно, что современный стиль середины века совпадает с поколением бэби-бумеров, которое состоит из младенцев, рожденных с 1946 по 1964 год. Начало нового поколения в сочетании с достижениями в технологиях и материалах привело к строительству больших домов, которые больше всего заброшены. типичного стиля модерн середины века, который был так распространен прежде.

Сегодня современный стиль середины века считается ретро-стилем, который уважает подходы и практичность того времени.Хотя эта эпоха прошла, она, безусловно, не была забыта, и пережитки этого стиля продолжают влиять на современных дизайнеров.

МоМА | Что такое современное искусство?

Рождение модернизма и современного искусства восходит к промышленной революции. Этот период быстрых изменений в производстве, транспорте и технологиях начался примерно в середине 18 века и продолжался на протяжении всего 19 века, оказывая глубокое влияние на социальные, экономические и культурные условия жизни в Западной Европе, Северной Америке и, в конечном итоге, во всем мире.Новые виды транспорта, включая железную дорогу, паровой двигатель и метро, ​​изменили образ жизни, работы и передвижения людей, расширив их мировоззрение и доступ к новым идеям. По мере того, как городские центры процветали, рабочие стекались в города в поисках промышленных рабочих мест, а городское население быстро росло.

До XIX века художники чаще всего получали заказы от богатых покровителей или учреждений, таких как церковь. Большая часть этого искусства изображала религиозные или мифологические сцены, рассказывающие истории, предназначенные для наставления зрителя.В 19 веке многие художники начали создавать искусство, основываясь на собственном личном опыте и на выбранных ими темах. С публикацией работы психолога Зигмунда Фрейда Толкование снов (1899) и популяризацией идеи подсознания многие художники начали исследовать сны, символизм и личную иконографию как способы изображения своих субъективных переживаний. Подвергая сомнению представление о том, что искусство должно реалистично изображать мир, некоторые художники экспериментировали с выразительным использованием цвета, нетрадиционных материалов и новых техник и сред.Среди этих новых средств была фотография, изобретение которой в 1839 году открыло радикальные возможности для изображения и интерпретации мира.

MoMA собирает работы, созданные после 1880 года, когда атмосфера была созрела для художников-авангардистов, чтобы они могли использовать свои работы в новых, удивительных и современных направлениях.

Обычаи, искусство, социальные институты и достижения определенной нации, народа или другой социальной группы.

Сеттинг или часть рассказа или повествования.

Метод, с помощью которого художник, писатель, исполнитель, спортсмен или другой продюсер использует технические навыки или материалы для достижения готового продукта или проекта.

Форма, знак или эмблема, которые представляют что-то еще, часто что-то несущественное, например идею или эмоцию.

В популярных работах по психологии — разделение разума, содержащее сумму всех мыслей, воспоминаний, импульсов, желаний, чувств и т. Д., которые не зависят от восприятия или контроля человека, но часто влияют на сознательные мысли и поведение (существительное). Сюрреалисты черпали вдохновение из теорий психоаналитика Зигмунда Фрейда о сновидениях и работе подсознания.

«Модерн» может означать «относящийся к настоящему времени», но он также может указывать на связь с определенным набором идей, которые на момент их развития были новыми или даже экспериментальными.

Материалы, используемые для создания произведения искусства, и категоризация искусства на основе используемых материалов (например, живопись [или, точнее, акварель], рисунок, скульптура).

Элемент или вещество, из которого что-то может быть сделано или составлено.

Предмет изобразительного искусства, часто придерживающийся определенных условностей художественного изображения и наполненный символическими значениями.

Запрос или запрос на изготовление произведения искусства.

Воспринимаемый оттенок объекта, обусловленный тем, как он отражает или излучает свет в глаз.Также вещество, например краситель, пигмент или краска, придающее оттенок.

Французский означает «авангард», этот термин используется в английском языке для описания группы, которая является новаторской, экспериментальной и изобретательной в своей технике или идеологии, особенно в сферах культуры, политики и искусства.

Связанные художники: Эжен Атже, Ипполит Бланкар, Поль Сезанн, Сальвадор Дали, Макс Эрнст, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Гектор Гимар, Василий Кандинский, Рауль Франсуа Ларш, Жак-Анри Лартиг, Фернан Леже, Анри Матисс, Жоан Миро, Жоан Миро, Паула Модерзон-Беккер, Эдвард Мунк, Пабло Пикассо, Анри Руссо, Жорж-Пьер Сёра, Уильям Дж.Шу, Пол Стрэнд, Чарльз Шилер, Анри де Тулуз-Лотрек, Эдуард Вюйар

Современное искусство — Развитие и идеи

Определение современного искусства

Современное искусство — это ответ творческого мира на рационалистические практики и перспективы новой жизни и идей, обусловленные технологическими достижениями индустриальной эпохи, которые заставили современное общество проявить себя по-новому по сравнению с прошлым.Художники работали над тем, чтобы представить свой опыт новизны современной жизни подходящими новаторскими способами. Хотя термин «современное искусство» относится к огромному количеству художественных жанров, охватывающих более века, эстетически говоря, современное искусство характеризуется намерением художника изобразить объект таким, каким он существует в мире, в соответствии с его или ее уникальной точкой зрения и характеризуется отказом от общепринятых или традиционных стилей и ценностей.

Начало современного искусства

Классическое и раннее современное искусство

Века, предшествовавшие современной эпохе, стали свидетелями многочисленных достижений в изобразительном искусстве, от гуманистических изысканий периодов Возрождения и барокко до сложных фантазий стиля рококо и идеальная физическая красота 18 ^-го -го века европейского неоклассицизма.Однако одной из преобладающих характеристик в эти ранние современные эпохи была идеализация предмета, будь то человеческий, естественный или ситуативный. Художники обычно рисовали не то, что они воспринимали субъективными глазами, а скорее то, что они представляли как воплощение своего предмета.

Эпоха модернизма и искусства

Современная эпоха наступила с началом промышленной революции в Западной Европе в середине 19-го, ^-го, -го века, одного из важнейших поворотных моментов в мировой истории.С изобретением и широкой доступностью таких технологий, как двигатель внутреннего сгорания, крупные заводы с механическим приводом и производство электроэнергии в городских районах, темпы и качество повседневной жизни резко изменились. Многие люди мигрировали из сельских ферм в центры городов в поисках работы, перемещая центр жизни из семьи и деревни в деревне в расширяющиеся городские мегаполисы. Благодаря этим разработкам художников привлекли эти новые визуальные пейзажи, теперь наполненные всем разнообразием современных очков и мод.

Фотография стала крупным технологическим достижением, тесно связанным с изобразительным искусством. Фотографические технологии стремительно развивались, и в течение нескольких десятилетий фотография могла воспроизводить любую сцену с идеальной точностью. По мере развития технологий фотография становилась все более доступной для широкой публики. Фотография концептуально представляла серьезную угрозу классическим художественным способам изображения объекта, поскольку ни скульптура, ни живопись не могли передать такую ​​же степень детализации, как фотография.В результате точности фотографии художники были вынуждены находить новые способы выражения, что привело к новым парадигмам в искусстве.

Перспектива художника и современное искусство

В первые десятилетия 19, ^и века, ряд европейских художников начали экспериментировать с простым актом наблюдения. Художники со всего континента, в том числе портретисты и художники-жанристы, такие как Гюстав Курбе и Анри Фантен-Латур, создавали работы, направленные на объективное изображение людей и ситуаций, несовершенства и все такое, а не на создание идеализированного изображения предмета.Этот радикальный подход к искусству стал составлять широкую школу искусства, известную как реализм.

Также в начале 19, ^-го, -го века романтики начали представлять пейзаж не обязательно таким, каким он объективно существовал, а скорее таким, каким они его видели и чувствовали. Пейзажи, написанные Каспаром Давидом Фридрихом и Дж. Тернера — это драматические изображения, в которых запечатлено чувство возвышенного, которое поразило художника при просмотре этой конкретной сцены на природе. Это представление чувства в сочетании с местом явилось решающим шагом в создании инновационной и уникальной перспективы современного художника.

Ранняя абстракция и современное искусство

Точно так же, в то время как одни художники сосредоточились на объективном представлении, другие сместили свой художественный фокус, чтобы подчеркнуть визуальные ощущения наблюдаемых ими предметов, а не их точное и натуралистическое изображение. Эта практика представляет собой начало абстракции в изобразительном искусстве. Двумя ключевыми примерами этого являются «Ноктюрн в черном и золотом» Джеймса Макнила Уистлера: «Падающая ракета » (1874 г.) и «Бульвар Капуцинов » Клода Моне (1873 г.).В первом случае художник сочетает большие брызги и маленькие пятна краски, чтобы создать портрет ночного неба, освещенного фейерверком, который был скорее атмосферным, чем репрезентативным. В последнем Моне показывает с высоты птичьего полета оживленную парижскую жизнь. Изображая эту сцену, Моне изображал пешеходов и городской пейзаж как «впечатление» или, другими словами, визуальное представление мимолетной, субъективной и слегка абстрактной перспективы.

Темы и концепции современного искусства

Современные художники

История современного искусства — это история лучших художников и их достижений.Современные художники стремились выразить свои взгляды на окружающий мир с помощью визуальных средств. Хотя некоторые связали свою работу с предшествующими движениями или идеями, общая цель каждого художника в современную эпоху состояла в том, чтобы продвинуть свою практику до состояния чистой оригинальности. Некоторые художники зарекомендовали себя как независимые мыслители, выходя за рамки того, что считалось приемлемыми формами «высокого искусства» в то время, которые были одобрены традиционными государственными академиями и покровителями изобразительного искусства высшего класса.Эти новаторы изображали предметы, которые многие считали непристойными, противоречивыми или даже совершенно уродливыми.

Первым современным художником, который, по сути, стал самостоятельным в этом отношении, был Гюстав Курбе, который в середине ^{-х годов} века стремился развить свой собственный стиль. Это было достигнуто в значительной степени благодаря его картине 1849-1850 годов, Похороны в Орнане, , которая шокировала мир французского искусства, изображая похороны простого человека из крестьянской деревни. Академию возмутило изображение грязных сельскохозяйственных рабочих вокруг открытой могилы, поскольку только классические мифы или исторические сцены подходили для создания такой большой картины.Первоначально Курбе подвергался остракизму за его работы, но в конечном итоге он оказал большое влияние на последующие поколения современных художников. Этот общий образец неприятия и последующего влияния был повторен сотнями художников в современную эпоху.

Движения современного искусства

Дисциплина истории искусства имеет тенденцию классифицировать людей на группы единомышленников и исторически связанных художников, обозначенных как различные движения и «школы». Этот простой подход к установлению категорий особенно уместен, поскольку он применим к централизованным движениям с единственной целью, таким как импрессионизм, футуризм и сюрреализм.Например, когда Клод Моне выставил свою картину « Впечатление, Восход солнца » (1872) в рамках групповой выставки в 1874 году, картина и выставка в целом были плохо восприняты. Тем не менее, Моне и его коллеги-художники были в конечном итоге мотивированы и объединены критикой. Таким образом, импрессионисты создали прецедент для будущих художников, мыслящих независимо друг от друга, которые стремились объединиться на основе единого объективного и эстетического подхода.

Такая практика группирования художников в движения не всегда полностью точна или уместна, поскольку многие движения или школы состоят из самых разных художников и способов художественной репрезентации.Например, Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Поль Сезанн считаются главными художниками постимпрессионизма, движения, названного так из-за отклонений художников от импрессионистских мотивов, а также их хронологического места в истории. Однако, в отличие от своих предшественников, постимпрессионисты не представляли собой сплоченное движение художников, объединенных под одним идеологическим знаменем. Более того, можно утверждать, что некоторые художники не вписываются ни в какое конкретное движение или категорию.Ключевые примеры включают таких, как Огюст Роден, Амадео Модильяни и Марк Шагал. Несмотря на эти сложности, несовершенное обозначение движений позволяет разбить обширную историю современного искусства на более мелкие сегменты, разделенные контекстными факторами, которые помогают исследовать отдельных художников и произведения.

Авангард и прогресс современного искусства

Авангард — это термин, происходящий от французского «авангард», ведущая дивизия, идущая в бой, буквально авангард, и ее обозначение в современном искусстве очень много. как его военный тезка.Вообще говоря, большинство успешных и творческих современных художников были авангардистами. Их целью в современную эпоху было продвижение практик и идей искусства и постоянный оспаривание того, что составляет приемлемую художественную форму, чтобы наиболее точно передать опыт художника современной жизни. Современные художники постоянно исследуют прошлое и переоценивают его по отношению к современному.

Искусство модерна, современности и постмодерна

Вообще говоря, современное искусство определяется как любая форма искусства в любой среде, которая создается в наши дни.Однако в мире искусства этот термин обозначает искусство, созданное во время и после эпохи пост-поп-арта 1960-х годов. Рассвет концептуализма в конце 1960-х годов стал поворотным моментом, когда современное искусство уступило место современному искусству. Современное искусство — это широкое хронологическое определение, охватывающее широкий спектр движений, таких как искусство Земли, искусство перформанса, неоэкспрессионизм и цифровое искусство. Это не четко обозначенный период или стиль, это конец периодизации модернизма.

Постмодернизм — это реакция или сопротивление проектам модернизма, начавшаяся с разрыва репрезентации, произошедшего в конце 1960-х годов. Модернизм стал новой традицией, присутствующей во всех институтах, против которых он первоначально восставал. Художники постмодерна стремились выйти за рамки, установленные модернизмом, деконструируя великий нарратив модернизма, чтобы исследовать культурные коды, политику и социальную идеологию в их непосредственном контексте. Именно это теоретическое взаимодействие с идеологиями окружающего мира отличает постмодернистское искусство от современного искусства, а также определяет его как уникальную грань современного искусства.Особенности, часто связанные с постмодернистским искусством, — это использование новых медиа и технологий, таких как видео, а также техника бриколажа и коллажа, столкновение искусства и китча и присвоение более ранних стилей в новом контексте. Некоторые движения, обычно называемые постмодерном: концептуальное искусство, феминистское искусство, искусство инсталляции и искусство перформанса.

Модерн середины века против современного постмодерна

Если вы устали от всего этого старомодного, вы ищете современный дизайн.Но ждать! Какая версия Modern вас интересует?

Понимаете, в английском языке прилагательное «модерн» означает «современный» и / или «нынешней эпохи». Однако на языке дизайна современное означает разные вещи в зависимости от ссылки.

Оригинальный «Модерн» технически античный

Первая эра современного дизайна (заглавная буква «М», поскольку это особая школа дизайна) началась в Германии 1920-х годов и быстро превратилась в то, что мы сейчас называем модерном середины века.

В то время эта новая тенденция дизайна полностью контрастировала с ведущими школами дизайна того времени, избавляясь от лишних акцентов, зрелищности и фальшивости. Вместо этого современные дизайнеры сосредоточились на чистой, художественной привлекательности гладких, обтекаемых, серьезных элементов дизайна.

Телевизионная драма «Безумцы» здесь почти всегда упоминается, потому что первые несколько сезонов сериала проходили в 1950-х годах — пора расцвета современного дизайна середины века. Примеры современного дизайна середины века включают в себя такие вещи, как:

• Низкопрофильная мебель и фурнитура, часто округлой формы
• Партии натуральных и промышленных материалов — дерево, бетон, сталь
• Плоские линии — включая линии крыши
• Использование геометрических фигур и узоров
• Размытые линии между наружным и внутренним пространством
• Много контрастов — черный / белый / серый с яркими акцентами

Вы правы, если ломаете голову, думая: «Но погодите-ка! Все это верно для современного дизайна… «

Новый модерн — это современный постмодерн

Они есть, но сделаны они иначе. Дом, оформленный в соответствии с 1950, 1960-ми и 1970-ми годами — каждый из которых основан на стилях и предпочтениях современного дизайна середины века — не выглядит так же, как дом, оформленный с использованием современного подхода к дизайну, даже если многие из тех же идей или фокусы поддерживаются. Заметили, что мы сделали ударение на слове «дом» выше? Это потому, что в то время как дома все еще играли с модернизмом середины века, архитекторы и художники 1960-х годов уже меняли облик дизайна середины века, и только в последнее десятилетие или два постмодернистские принципы повлияли на дизайн дома в тренде. установка путь.

Постмодернистский современный дизайн берет минимализм модерна середины века и немного его классифицирует. 1960-е принесли в мир взрыв цвета и узоров. Однако вы заметите, что во многих проектах домов 21 века домовладельцы предпочитают упрощать свои цветовые схемы, потому что нейтральные палитры более идеальны для тех темпов, по которым мы покупаем и продаем дома в наши дни.

При этом постмодернистским дизайнерам не нравилась жесткость правил дизайна середины века, поэтому в постмодернистском дизайне есть немного больше свободы для самовыражения — и дизайн часто будет учитывать и отражать историю, географию и т. Д.площади. Таким образом, например, если вы живете в оригинальном доме Мастера, скорее всего, постмодернистский дизайн кухни будет включать в себя некоторые из этих оригинальных архитектурных дизайнерских идей с акцентом на дереве, но при этом проигрывает их постмодернистским способом.

Это основные характеристики, которые отличают постмодерн-модерн от дизайна середины века:

• Интеграция с другими стилями дизайна
• Дальнейший минимализм, даже если не использовать аппаратное обеспечение
• Столешницы с толстыми плитами, квадратными краями и водопадом
• Четкие, гладкие и блестящие, с чистыми линиями и краями
• Яркий и промышленный дизайн, меньше влияния природы
• Акцент на нейтральные цвета, с меньшим количеством цветовых акцентов

И, конечно же, в наши дни все дело в технологиях.Таким образом, кухня постмодерна также использует преимущества высокотехнологичных устройств и умных штуковин в изобилии.

Основное различие между этими двумя модальностями дизайна заключается в том, что модерн середины века — это собственный стиль. Его нелегко смешать с другими стилями дизайна, потому что, как только вы начинаете вводить в комнату элементы модерна середины века, он имеет тенденцию преобладать в качестве доминирующего стиля. С другой стороны, постмодернистский современник — это гораздо более гибкий и интегрирующий стиль, который не обязательно относится к определенному периоду времени, и поэтому его легче объединить с различными тенденциями дизайна.

Итак — вы модернист середины века или постмодернист? Или, возможно, комбинация того и другого? В любом случае, команда Kitchen Magic может помочь вам спроектировать кухню, которая останется актуальной на протяжении веков.

Современное искусство против современного: в чем разница?

По мере того, как вы начинаете изучать направления и стили в искусстве, часто путают современное искусство и современное искусство. Слова «современный» и «современный» часто используются как синонимы для описания чего-то модного или нового.

«Современное» обычно используется для описания настоящего или недавнего времени, а не далекого прошлого, поэтому справедливо предположить, что современное искусство было создано недавно.На самом деле это не так. Современное искусство — это искусство, созданное в определенный период в прошлом, и многим известным образцам современного искусства почти 200 лет.

Когда мы говорим об искусстве настоящего, мы говорим о современном искусстве. «Современное» — это правильный термин для описания искусства настоящего времени, обычно создаваемого живыми работающими художниками.

В этой статье будут описаны основные различия в стилях и темах между современным искусством и современным искусством, а также способы их идентификации.