homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Стиль Барокко и современность

1. Главная
2. О мебели
3. Дизайн интерьера
4. Стиль Барокко

Стиль барокко зародился в конце 16 века в Италии. За его основу принят античный стиль, с добавлением динамичности и криволинейных форм. Барокко можно узнать по необычайной пышности, помпезности, ярким цветам, позолоте, живописным деталям. Новый стиль пришелся по душе в первую очередь церкви, которая оценила величественность и патетичность барокко.

Из Италии новая архитектурная мода распространилась по всему миру. Архитекторы строили дворцы с пышным внутренним убранством, разбивали огромные регулярные парки вокруг них.

Барокко влияло и на ландшафтный дизайн. Кусты и деревья стали подстригать в виде эллипсов и пирамид, цветникам придавали сложные формы с многочисленными завитками. Монархи и представители аристократии того времени с удовольствием окружали себя патетичным барокко.

Распространившись по другим странам, стиль вбирал в себя лучшие местные архитектурные особенности. Так, французская интерпретация барокко пронизана изяществом, роскошью, негой и величественностью. Ярким памятником французского барокко является всемирно известный дворец в Версале.

Внутренний интерьер дворцов не уступал наружной отделке. Стены были украшены резным деревом, лепниной, затянуты драгоценными тканями и гобеленами, потолки украшены росписью. В росписи живописцы чаще всего использовали белый и золотой цвета. Мода того времени — цветочные орнаменты. Базовые формы классического стиля, круг и овал, сменились спиралями и извилистыми линиями. Популярными становятся выпукло-вогнутые лакированные поверхности, фактурные и шершавые.

Новый стиль пробуждал к жизни новые технологии. Мебельщики осваивали технику деревянного набора, фанерование. Прочный дуб уступил позиции ореху — мягкой породе дерева, которая легче поддается обработке и полировке. Деревянные изделия полностью покрывали позолотой и декорировали накладками из бронзы. Новинками в отделке стали фарфор, зеркало, слоновая кость, мозаика из камня, черепаший панцирь, перламутр.

Прямые и лаконичные формы мебели уступили свои позиции кривым линиям. Диваны, стулья и кресла обрели изогнутые ножки, а с ними – легкость внешнего вида. Для обивки применяли дорогие ткани, основу декора составляли позолота и бахрома. Именно барокко способствовало появлению первых мебельных комплектов. А также — шезлонгов, кресел, спинка которых была значительно отогнута назад, а сиденье удлинено для вытянутых ног. Формой диваны были похожи на несколько кресел, соединенных между собой. Верхний край спинки был волнистым, а для обивки использовали яркую, богато декорированную ткань.

Столы, сделанные в стиле барокко, имели массивную столешницу из цветной мозаики или мрамора. Особо модными были прямоугольные и круглые столешницы. Их края украшали резьбой или инкрустацией. Необычно и характерно для этого стиля выглядели ножки столов. Они имели вид женских фигур, голов животных – львов или баранов, и были богато инкрустированы. Некоторые предметы мебели выполняли преимущественно декоративную функцию, но пользовались большой популярностью. К примеру, легкие консольные столики на двух ножках, которые приставляли к стенам. Над такой консолью, как правило, вешали зеркало.

Мода того времени – принимать гостей, лежа в постели. Поэтому кровать становилась центральным предметом в интерьере. Ее пышно убирали, драпировали занавесями, всячески украшали. В результате вся конструкция напоминала богато убранный шатер.

Кабинетную мебель, секретеры изящно отделывали, украшали резьбой. Изобретение того времени – комод с выдвижными ящиками. В интерьере присутствовали постаменты для скульптур, напольные часы из бронзы, витрины и двустворчатые шкафы. Мебель имела массивный вид и поддерживалась точеными ножками. Красавицы эпохи барокко прихорашивались перед туалетным столиком с большим зеркалом, который стоял в спальне.

Эпоха монархов и знати оказала свое влияние на развитие этого стиля. Барокко стал квинтэссенцией величия и власти. Его основные приемы – пышность отделки, антиквариат, золоченая мебель, роскошь и блеск, достойные музейных залов. Драгоценные материалы, помпезная архитектура зданий, изогнутые линии и обилие орнаментальной росписи для многих привлекательны и в наши дни.

Особенности стилей барокко и рококо

Наша рубрика основных архитектурных стилей завершится направлениями барокко и рококо, связанными друг с другом по «родственному» признаку. И начнём этот экскурс с особенностей истории возникновения «избыточного» стиля барокко.

©mykaleidoscope.ru

Барокко

Стиль барокко зародился в Италии, на излёте эпохи Возрождения в XVI—XVII веках. Название стиля, появившегося в противовес строгости классицизма и рационализма, происходит от итальянского слова barocco — «странный», «нелепый», «причудливый», «склонный к излишествам», а с португальского языка (perola barroca) переводится как — «жемчужина неправильной формы». Португальский перевод — это своего рода отсылка к одной из особенностей стиля — овальной форме построек, которые были до барокко совсем не популярны.

Барокко зародился в ту эпоху, когда страна стремительно теряла своё былое могущество на мировой арене. И именно появлением пышного барокко католическая власть хотела довольно обстоятельно продемонстрировать якобы по-прежнему сильное положение и богатую казну, что, увы, было далеко от реальности. Проще говоря, денег строить новые дворцы не было, поэтому старые обильно декорировали элементами в стиле барокко. К тому же роскошные барочные храмы должны были, по сравнению со скромными постройками протестантов, демонстрировать мощь папского престола.

Фонтан Треви в Риме ©wallhere.com

Дворец Келуш в Лиссабоне ©million-wallpapers.ru

Архитектура и оформление интерьеров в барокко главные: им подчиняются и живопись, и скульптура. Архитекторы направления не только отстроились от классических традиций в сторону масштабности и визуального «достатка», но и стилизовали основные элементы архитектуры Возрождения — каноничные купола и колоннады в барокко стали больше, выше и декоративнее.

Ещё из характерного — многократное повторение в фасаде здания одних и тех же декоративных приёмов, как наследие архитектуры эпохи Возрождения, которая, в свою очередь, берёт истоки в античных традициях.

Как мы уже говорили выше, для барокко очень характерен избыточный декор: многочисленные ангелы, обилие росписей (мозаик и фресок) на потолке и стенах, витые колонны (как бы создающие иллюзию движения вверх) и величественные лестницы, которые не только выполняют свою прямую функцию, но и становятся предметом интерьера, нередко центральным в помещении. Пространства, кстати, часто анфиладные.

Большой Екатерининский дворец в Пушкине ©fineartamerica.com

Собор Санта-Мария Делла Салюте в Венеции ©holidaygid.ru

Узнать барочные интерьеры довольно несложно: в них всегда присутствет обилие позолоты, множество мелких деталей, резьбы, лепнины с растительными мотивами (виноградные лозы, листья, цветы) и античной темой. Помимо насыщенного декора и пышных форм, очень часто используется приём цветового контраста в рамках барочной палитры: бордово-красный, темно-изумрудный, горчично-бежевый и др. В барокко используется ещё один контраст — света и тени, что напрямую отражается на идее системы освещения, центр которых роскошная люстра. Мебель в этих интерьерах всегда массивная, резная и драпированная дорогим текстилем, и на окнах — тяжёлые ткани и гобелены.

Из Италии барокко распространился по всей Европе и даже в Америку, став первым общемировым архитектурным стилем. А так как этот стиль призван выразить полноту жизни и наслаждение ею, все постройки этого периода масштабны и величественны. Яркие примеры чему: собор Санта-Мария Делла Салюте в Венеции, базилика Санта-Кроче в Лечче, Королевский дворец в Мадриде, палаццо Кариньяно в Турине, Фрауэнкирхе и Цвингер в Дрездене, фонтан Треви в Риме.

Интерьеры в стиле барокко ©evdom.ru / ©diabaz-angarsk.ru

Рококо

Наследником, правда, в своей манере, стал рококо. Можно сказать, что рококо — это перерождение роскошного барокко в более изящной и причудливой форме. Направление появилось в первой половине XVIII века во Франции и продлилось вплоть до конца правления Людовика XV, ярого фаната рококо. А вот наибольшую популярность этот стиль получил в Баварии.

И так же, как барокко, рококо наиболее развился в архитектуре и дизайне интерьеров. Его отличительная особенность в обеих сферах — изогнутые линии, вплоть до прямой ассоциации зданий с морской ракушкой, что, кстати, вполне обосновано (с фр. rocaille или в более поздней версии rococo — «причудливый», «капризный», «ракушка», иногда произносится как «рокайль»).

Театр имени Юлиуша Словацкого в Кракове ©na-dache.pro

Дворец Сан-Суси в Потсдаме ©vita-property.ru

Это направление стремится быть ещё более торжественным, несимметричным и особенно изысканным, затейливым, светлым и воздушным, в отличие от массивного барокко. В оформлении интерьеров преобладают закруглённые плавные линии и обилие резьбы, лепнины, позолоты, а также мелких предметов декора и богатая отделка. Один из самых узнаваемых и характерных элементов стиля — картуши (декоративная лепнина в виде щита или развёрнутого свитка).

В интерьерах в стиле рококо ощущается стремление к комфортной жизни, поэтому в период расцвета стиля создаётся чрезвычайно удобная мебель. Конечно, с изогнутыми ножками и множеством декоративных украшений. Палитра рококо — пастельная, нежная: часто используются сочетания белого с нежными розовым, светло-зелёным, голубым, сиреневым, что не исключает классическое роскошное сочетание — слоновой кости с золотом.

Дворец Шарлоттенбург в Берлине ©about-planet.ru

Испанская лестница в Риме ©planetofhotels.com

В оформлении окон используются орнаменты лепнины также с «ракушечной» темой или растительной. А внутренние пространства «волнистых» зданий — камерные, уютные и сильно напоминающие будуары. Стены оформляются деревянными панелями, на полу — узорный паркет и ковры-гобелены, множество зеркал — для создания ощущения открытого пространства.

Рококо преимущественно реализовывался в домах аристократии, где главное — желания заказчика и фантазия архитектора, как их реализовать. Знаменитые постройки в стиле рококо: Малый Трианон в Версале, дворец Сан-Суси в Потсдаме, Испанская лестница в Риме, Азамкирхе в Мюнхене, Дворец Келуш в Синтре, Дворец Шарлоттенбург в Берлине, Дворец Чапских в Варшаве.

Интерьеры в стиле рококо ©mykaleidoscope.ru / ©rehouz.info

Стиль рококо появился позже стиля барокко, что позволило ему унаследовать многие черты «старшего брата». Оба стиля строятся на причудливости, изогнутых линиях, растительных мотивах и обилии декоративной отделки. И барокко, и рококо являются антагонистами классицизма, хоть и в разной степени. Барокко и рококо похожи по общему ощущению величия и торжественности, сильной декоративной составляющей и наибольшей сосредоточенности скорее на оформлении зданий внутри — на интерьерах, чем на фасадах. Но между стилями есть и характерные отличия: если барокко стремится поразить зрителя, рококо — продемонстрировать изысканный и утончённый вкус владельца дома и его архитектора.

Заказчиком барокко были сплошь королевские особы и приближённые к ним по уровню жизни, что отражалось на парадном характере направления и его цели производить внешний эффект. Рококо же скорее предназначен для красиво оформленной частной жизни. Но, наверное, главное различие между ними — это масштаб. У барокко — всё грандиозное и серьёзное, а в рококо — мельче, изящнее и игривее.

Интерьер в стиле барокко ©maax-mebel.ru

Интерьер в стиле рококо ©legko.com

__________
На обложке: ​интерьер в стиле рококо ©admagazine.ru

9.3: Итальянское барокко (1580-е – начало 1700-х гг.)

1. Последнее обновление

2. Сохранить как PDF

Идентификатор страницы

56317

• Дебора Гастлин и Зои Гастлин
• Колледж Эвергрин Вэлли через открытый образовательный ресурс ASCCC Инициатива

Италия стала пионером периода барокко, когда художники объединили великий стиль живописи эпохи Возрождения с эмоциональной драмой периода маньеризма. Италия была центром искусства более двух столетий, и период барокко не стал исключением, распространившись по всей Европе. Караваджо, Джентилески и Бернини создали стили периода барокко с дополнительным акцентом на эмоциональном искусстве.

Одним из наиболее убедительных представителей искусства барокко был Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610), родившийся в Милане, Италия. Используя процесс, который он революционизировал, Караваджо создал освещенное освещение, резкий контраст между светлыми и темными областями, чтобы создать драматические религиозные сцены, в которых человеческая форма появлялась из глубокой тени. Тенебризм с его сильными различиями света и тени стал процессом рисования, используемым для барокко в Италии.

Презирая традиционную идеализированную интерпретацию религиозных сюжетов, Караваджо брал свои модели с улиц и рисовал их реалистично. В Распятие Святого Петра (9.7), Караваджо показывает вознесение креста Святого Петра прямо перед зрителем. Караваджо был мастером секуляризации религиозного искусства, изображая обычных людей, грязь и все такое. Создается впечатление, что он намеренно рисовал, чтобы шокировать и оскорбить зрителя, делая картину еще более захватывающей.

9.7 Распятие святого Петра 9.8 Призвание святого Матфея

Призвание святого Матфея (9.8) иллюстрирует момент, когда Христос взывает к Матфею, когда они смотрят друг на друга через комнату, их положения отмечены стрелой света. Свет появляется за кадром, противопоставляя мужчин за столом светлыми и темными тенями. Резкое использование света освещает участки картины, которые Караваджо считал важными, например, руку Христа, указывающую на Матфея, а затем отбрасывает несущественные элементы в глубокие тени. Драматический эффект смелый, интенсивный и фиксирует момент, когда Христос якобы сказал: «Следуй за мной».

Первая художница-феминистка, Артемизия Джентилески (1593-1653), следовала за Караваджо по стилю и театральному освещению. Джентилески была первой женщиной-художником, которая прославилась в свое время, изображая картины на феминистские темы. Используя методы светотени эпохи Возрождения и сочетая их с использованием света Караваджо, Джентилески создал Джудит и ее служанку (9.9). В большинстве своих картин она изображала женщин как главных героев, мужественных, могущественных и непокорных, лишенных общих женских черт слабости и боязливости. На этой мощной картине две женщины только что убили Олоферна, и его голова находится в корзине, которую она несет. Торжествуя после обезглавливания, они знают об опасности, но не выказывают страха. Есфирь перед Артаксерксом (9.10) следует той же теме, Есфирь, и еврейская героиня предстает перед царем, чтобы умолять за свой народ, теряя сознание от стресса своих действий.

9.9 Юдифь и ее служанка 9.10 Эсфирь перед Артаксерксом

Джан Лоренцо Бернини (1598-1680), один из величайших скульпторов XVII века и, возможно, один из самые впечатляющие архитекторы Рима, спроектировавшие скульптуры для разных частей церквей Рима, в том числе собора Святого Петра. Бернини создал романтический стиль скульптуры в период барокко, впервые выразив эмоции и движение. Он вырезал свои статуи в форме историй, хождение вокруг скульптурных фигур открывало сказку, историю, рассказанную в камне. На Бернини сильно повлияли греческие и римские античные мраморные скульптуры, которые он изучал, но он пошел еще дальше. Балдахин (балдахин на четырех столбах) (9.11) над главным алтарем в св. Петре построен из четырех огромных витых и желобчатых мраморных столбов, парящих над алтарем, украшенных херувимами и скрученными ветвями маслины и лавра. Капители на вершине каждой колонны украшены резными ангелами, держащими гирлянды, вся конструкция соединена сверху крестом и золотым шаром.

9.11 Балдахин Бернини

Одно из самых значительных достижений и наиболее выдающихся работ Бернини находится в капелле Корнаро, Санта-Мария-делла-Виттория, Рим. Экстаз святой Терезы (9.12) является кульминацией способности Бернини использовать архитектуру, скульптуру и театральные декорации для создания запрестольного образа, похожего на сценическое представление, построенного из камня.

9.12 Экстаз Святой Терезы

На сцене была изображена лежащая Святая Тереза, парящая на каменном облаке (9.13). Вырезанная из блестящего белого мрамора, она находится в тот момент, когда в нее попадает ангельская стрела божественной любви (9.14). Длинные позолоченные потоки золота позади святого освещаются скрытым окном, создающим иллюзию света с небес.

9.13 Ангел и Святая Тереза ​​9.14 Санта Тереза ​​9.15 Боковые ложи

Бернини создал театральное представление для всех членов церкви, создав «оперные» ложи по бокам от святого (9.15). Многих членов семьи Корнаро можно найти в ящиках, вырезанных в разных позах, занятых глубоким разговором, молитвой или чтением книги. Сложная аранжировка рассказывает историю, возрождая страсти Христовы и приглашая зрителя на сцену.

---

Эта страница под названием 9.3: Итальянское барокко (1580-е – начало 1700-х) распространяется по незадекларированной лицензии, ее авторами, ремиксами и/или кураторами являются Дебора Гастлин и Зои Гастлин (Инициатива открытых образовательных ресурсов ASCCC).

1. Наверх

• Была ли эта статья полезной?

1. Тип изделия

   Раздел или Страница

   Автор

   Дебора Гастлин и Зои Гастлин

   Показать оглавление

   нет

   Включено

   да

2. Теги

   1. Артемизия Джентилески
   2. Бернини
   3. Караваджо
   4. Итальянское барокко
   5. источник[1]-человек-31886

Как искусство барокко получило свое название и что его породило? Определите это искусство

Как искусство барокко получило свое название?

Барокко означает жемчуг неправильной формы, происходящий от барокко на португальском языке, впервые использованный в середине 1700-х годов.
Искусство барокко не имеет никакого отношения к жемчугу, но это слово использовалось как эпитет для стиля, не отвечавшего высоким художественным стандартам предшествующей эпохи Возрождения. Независимо от своего происхождения, оно имело коннотации «причудливого» и «абсурдного», когда использовалось его критиками, отвергавшими его как декадентского преемника почитаемого движения Возрождения. До конца 19го века, а иногда и в настоящее время, некоторые люди используют это слово в его первоначальном значении как оскорбление всего, что они находят гротескным или ненормальным. Например, блогер в 2011 году жестко раскритиковал фильм «Черный лебедь» аллитеративно как «мрачный, барочный и берсерковый».

Что породило движение барокко в искусстве? и где?
Придя на смену маньеризму, искусство барокко возникло в Риме, художественной столице Европы XVII века, и распространилось в другие европейские страны, где слилось с местными традициями и культурами. Религиозные картины продолжали преобладать, но в этот период также появились нерелигиозные картины, такие как королевские портреты, пейзажи, натюрморты и картины, изображающие частную и придворную жизнь, а также исторические события. Королевские особы и правители заказывали портреты для демонстрации величия. Нерелигиозные темы стали более популярными. Члены королевской семьи семнадцатого века, аристократы и другие богатые люди по сути ничем не отличались от людей сегодня, они использовали доступные технологии и инструменты (например, картины и другие изобразительные искусства), чтобы продемонстрировать свое богатство, нанимая художников, чтобы нарисовать их портреты, гордо позирующие и демонстрирующие свои платье и украшения. Поручить художнику нарисовать свой сложный портрет, чтобы повесить его у себя дома, было символом статуса, подобным современному новейшему смартфону или крутой машине.

В следующий раз, когда вы увидите религиозную картину в стиле барокко, помните, что, скорее всего, она из католической Европы (например, Италии, Франции, Испании и Фландрии), но если она нерелигиозная (например, натюрморты, пейзажи и портреты), то, скорее всего, из протестантской Европы, то есть из Голландии и Англии. Есть исключения из этого правила, потому что некоторые голландские художники, такие как Рембрандт, рисовали религиозные картины для потенциальных покупателей.

Религия (священная и светская)

Искусство барокко обязано своими корнями религиозной напряженности, которая сохранялась до 1600-х годов. К тому времени католическая церковь потеряла большую часть Европы, где она перестала быть верховной властью, базирующейся в Риме, как это было столетием ранее. Это последовало за крупным восстанием многих христиан, которые «протестовали» против католических традиций и учений. Позже религиозное движение получило название протестантской Реформации. В католической Европе главной целью искусства было прославление католических верований и самой церкви. Следовательно, в такое время религиозного конфликта никто не задумывался об использовании искусства в политических целях, особенно потому, что церковь была самой богатой и самой могущественной организацией в Европе наряду с европейской королевской семьей. Католики, встревоженные теми, кто пытается «реформировать» их многовековую Церковь, вступили в духовную борьбу (и подчас воинственную), пытаясь любыми способами вернуть себе «заблудшие души». Драматические библейские изображения в визуальном церковном искусстве были одним из самых простых способов обратиться и произвести впечатление на простых людей, поскольку большинство европейцев были неграмотными. Церковь заказывала искусство с популистским призывом не для хорошо образованной элиты, а для класса крестьян. Их художественная «маркетинговая кампания» стремилась к этому художественному стилю, который обращается к людям, чтобы вернуть их в Церковь, нанимая художников, которые изображали драматические, яркие сцены библейских историй, чудес и святых. Эти комиссии положили начало эре искусства барокко, когда оно было просто инструментом католической контрреформации. Именно поэтому сначала ему сопротивлялись в протестантских странах, но позже оно стало чисто светским искусством, распространившись по остальной протестантской Европе, где оно стало лишенным религиозных или политических посылов.

В католических церквях с самого начала своего существования искусство служило очень высокой цели. Иконические изображения Христа или другие библейские сцены всегда считались священными, в то время как в протестантских (реформатских) церквях изобразительное искусство, включая картины, знамена, кресты или даже случайные скульптуры, считались только символическими или орнаментальными, а не священными сами по себе. Глубоко иконоборческая протестантская церковь не заказывала искусство. Отсутствие процесса утверждения, проводимого епископами, когда художники могли столкнуться с возможностью отказа, если их произведение основано на «ложной доктрине», оставляло художникам возможность нарушать старые правила визуальной интерпретации

Экономика

Капитализм зародился гораздо раньше эпохи барокко, но в 1600-х годах в Западной Европе он развивался очень быстро. В протестантских странах этому способствовала идея Реформации, которая сняла клеймо ростовщичества, поэтому было разрешено кредитование под проценты, а богатство рассматривалось как знак небесных благословений. Бедность перестала быть добродетелью. Поощрялись упорный труд и инвестиции для приобретения богатства, что привело к росту значительного среднего класса в таких странах, как Нидерланды. Обратите внимание, что, несмотря на сегодняшнюю секуляризацию культуры, эта вера по-прежнему лежит в основе западного капитализма, и ревностные верующие рассматривают ее как долговременную гармоничную связь между протестантской этикой и свободным рынком, которые возникли почти в одно и то же время. место в истории. Некоторые протестантские лидеры, такие как Жан Кальвин, выступили против и удалили иконы и другие изображения из церквей, поскольку они считались идолопоклонством. Неудивительно, что свободный рынок заменил церковь в качестве главного покровителя искусства. Это момент, когда впервые в истории западного искусства искусство стало коммерчески доступным для покупки, а индивидуальные заказы были доступны практически каждому. Это было рождение рыночного арт-бизнеса. Хотя это художественное движение зародилось в католической Европе (например, в Италии, Франции и Испании), оно процветало в протестантских странах, таких как Голландия. Замените церковь и монархию католической Европы средним классом в протестантских странах, и вы поймете, что рынок искусства намного больше. В отличие от католической Италии или Франции, растущий художественный рынок Голландии стимулировал художников эпохи барокко, усиливал конкуренцию между ними, и производство картин росло. Искусство как бизнес процветало, жесткая конкуренция сбивала цены, не любили голые стены, владение картинами для домашнего декора превратилось в моду, в домах богатых было до 100, а иногда и 200 картин. Искусство стало настолько популярным, что, как говорят, стены почти каждого голландского дома украшали картины. Историки называют XVII век в Нидерландах, в частности, голландским золотым веком искусства, торговли и науки.

Новый класс самодельщиков (средний класс), вытеснивший аристократию и церковь в качестве главных потребителей и заказчиков искусства, не искал библейских или мифологических тем, он хотел видеть себя. Главной темой, модной художественной темой стала повседневная жизнь простого горожанина. Картины о домашней жизни, родителях, детях, животных, работе по дому будут изображены на картинах, даже самые обыденные или неприглядные задачи, такие как:
Интерьер с матерью, удаляющей от вшей ребенка [удаление вшей], известная как «Долг матери» автора Питер де Хох, родившийся в Роттердаме в 1617 году.0032

Поскольку художники пытались не отставать от рыночного спроса, они позволяли потенциальным клиентам ходить в свои мастерские, чтобы наблюдать за их работой и рассматривать их картины. Художники продавали большую часть своих работ, но оставляли некоторые шедевры в студии для рекламы своего мастерства.

Политика

Феодализм (9-15 вв.) – социально-политическая структура, при которой король делит свою землю между дворянами (также известными как землевладельцы, когда этот термин был впервые использован), которые нанимали рыцарей для защиты земли, и крестьяне (крепостные). Крестьяне живут и обрабатывают землю (известную как феод или феодум на латыни). Этот общественный договор был несправедлив по отношению к миллионам семей, которые всю свою жизнь прожили в рабстве, сохраняя при этом самый минимум для себя. С крестьянами часто обращались как с рабами, которые работали на помещиков в обмен на защиту от посторонних. К середине 1500-х или 1600-х годов феодализм почти исчез из Европы, и при абсолютных монархиях возникали могущественные военные национальные государства. В «добрые» старые времена темного Средневековья король или королева из королевской семьи восходили на престол, потому что это считалось правом по рождению. Однако абсолютный монархист — это правитель, который верит и пропагандирует, что их абсолютная власть — это больше, чем право по рождению, это дарованное Богом («божественное») право, которое работало в их пользу, поскольку критика потенциально могла означать нападение на религию. Другими словами, если вы произносите что-либо, кроме восхваления Царя, назначенной Богом власти, вы можете совершить богохульство. Возникновение абсолютной монархии заполнило пробел, оставшийся после ослабления влияния католической церкви и упадка феодальной знати. Среди абсолютных монархий, появившихся в Европе в 1600-х годах: Франция (Людовик XIV), Испания (Филипп II), Пруссия, бывшее государство в Германии (Фридрих Великий) и Россия (Петр Великий, а затем Екатерина Великая). (Примечание: вы заметили, что многие монархи, кажется, имеют слово «Великий» приложенное к их именам?! Я был бы не против такого ярлыка в учебниках истории, чем быть навсегда известным как русский 16-го века « Иван Грозный»). Экономически капитализм заменил феодализм, а политически абсолютные монархии заменили ослабленные феодальные монархии. Во многих европейских странах, таких как Франция, искусство барокко играло роль в зарождающихся монархиях, где оно использовалось правителями и аристократами для демонстрации своего престижа и богатства. В то время как искусство барокко использовалось в качестве инструмента пропаганды итальянской Римской церковью, оно также использовалось в аналогичных пропагандистских целях европейскими правителями. Людовик XIV был олицетворением абсолютной монархии Европы (каламбур, на самом деле он стал королем в возрасте 5 лет).

Несмотря на то, что искусство во времена правления Людовика XIV предназначалось в основном для прославления его самого и государства Франции, он также был великим покровителем искусства, который щедро поддерживал его. Людовик XIV стал символом избытка эпохи барокко, олицетворяя Францию ​​в искусстве, как главу государства, обладающего абсолютной властью. Он был очарован собственным образом, заказал себе 300 портретов. Хотя нет ничего необычного в том, что монарх заказывает большое количество портретов, просить, чтобы ваше лицо было нарисовано 300 раз, — это немного самовлюбленно! Когда вы политик и у вас много свободного времени, значительную его часть можно потратить на позирование для фотографий… или картин. Увековеченный возможной неправильной цитатой: «l’état, c’est moi» (что означает «я есть государство»), эгоистичный Король-Солнце даже поручил «художникам войны» следовать за ним, чтобы записывать и рисовать его военные кампании. Во времена до фотографирования это был единственный способ графически зафиксировать важные события. Людовик XIV одобрял искусство во всех формах, живопись, скульптуру и архитектуру. Несмотря на свою эксцентричность, он превратил Францию ​​в один из крупнейших европейских центров искусства и культуры, и этот статус сохранялся до Второй мировой войны.

Философия и наука

Среди основных протестантских идеалов было поощрение независимости христиан от власти традиционной церкви, что означает, что церковь не должна быть единственным посредником между верующими и спасением. Эта концепция духовной независимости отражалась во всех сферах жизни, в том числе и в искусстве. Расширение знаний и новые течения индивидуализма, рационализма и гуманизма, а также Реформация ознаменовали интеллектуальную эпоху Просвещения, начавшуюся в середине 1600-х годов, а затем охватившую 1700-е годы и далее. Их кредо было философией Рене Декарта: «je pense, donc je suis» («Я мыслю, следовательно, я существую»). Для художников эта идеология индивидуализма означала свободу. Художники вышли за рамки просто религиозных или политических образов. До этого момента в западной истории искусство служило четкой цели или должно было нести послание, будь то обучение общественной морали, повышение духовности прихожан, запись важных событий, прославление правителей, украшение соборов или помпезное украшение дворцов. По мере того, как искусство становилось независимым от многовековой заповеди Церкви, это открывало перед художниками врата творчества. Если бы я был художником эпохи барокко, то теперь я свободен в создании произведений искусства, лишенных каких-либо людей, я могу нарисовать корзину с фруктами, или деревья (пейзаж), или вернуться к религиозным картинам, но изобразить библейские сцены так, как я их вижу, а не так, как мне велено их просматривать. Это безудержное творчество положило начало новой концепции, известной позже, в XIX веке.века, по словам Теофиля Готье, как «l’art pour l’art» (искусство ради искусства).

Также к середине 1600-х годов большинство ученых в Европе были сторонниками Коперника (отсылка к астроному Николаю Копернику, чья шокирующая, но научно доказанная теория 1543 года утверждала, что Земля не является центром Вселенной).