homyrouz.ru — Банкетный зал Хоми Роуз

Триптих, Полиптих, Диптих картины

Диптих, триптих и полиптих — понятия в живописи родственные. Если объяснить простыми словами, то — это картина или работа, которая состоит из нескольких частей, связанных по смыслу и содержанию. Самым известным среди этих разновидностей многосоставных картин является триптих, так как часто используется в одном из жанров иконописи. На самом же деле, триптихи, диптихи и полиптихи вовсе не являются изобретением церкви и свою историю ведут ещё со времён Древней Греции и Древнего Египта. Надо сказать, что такие составные картины являются не только предметом живописи, но и предметом интерьерного искусства, дизайна и декора.

Диптих (с древнегреческого — сложенный вдвое). Греки и римляне изначально так называли специальные таблички для записей, которые были архаичными записными книжками. Делались они из дерева, металлических пластин и другого материала. На внутренних сторонах складывающегося диптиха делались записи, а внешние стороны были украшены различными картинками. В настоящее время диптих — это картина, фреска, гравюра, рисунок, который разделён на две части.

Триптих (с древнегреческого — сложенный втрое). Имеет такую же историю, как и диптих, только с тремя составными частями. Картина, рисунок и т.д. разделены на три части, секции или панели.

Полиптих (с древнегреческого — состоящий из многих дощечек или складок). По аналогии с описанием диптиха и триптиха, вы уже могли понять, что полиптих — это картина, полотно, которое состоит из более, чем трёх частей. Этих частей может быть четыре, пять, шесть, десять, двадцать и так до бесконечности.

Далее вы можете увидеть картины всех трёх видов составных картин, что бы более ясно понимать и разбираться в этих понятиях.

Если вы хотите украсить свой дом произведением искусства такого жанра, то заказать и приобрести триптих вы всегда можете в Арт Салоне Терекс. Самые красивые модульные картины любого жанра, начиная от пейзажей и заканчивая абстракцией.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Если вы занимаетесь бурением, то в этом вам сможет помочь компания Финвал Бурмаш. Только здесь продажа бурового оборудования самого высокого качества. Огромный выбор техники и оборудования для любых задач.

как правильно вешать большие модельные из 4 или 5 частей или наборные трансформеры, небольшие раздельные картины для детской или спальни

Люди, всегда испытывают потребность в декорировании помещения в котором они живут либо трудятся. Это помогает улучшать атмосферу, добавить уюта и поднять настроение. В статье рассмотрим такие варианты декора, как картины, которые издавна считаются одним из оптимальных вариантов решения подобной проблемы.

Современный декор. Модульные картины

Модульными являются те картины, изображения на которых разделены на две либо более частей, а части эти наносятся на отдельные холсты. Модули либо фрагменты могут иметь любые формы, расположение и ориентацию относительно друг друга. При их помощи можно декорировать помещения любого назначения.

Актуальность модульных картин в интерьере: когда и где применяется

Модульные картины – это достаточно универсальный предмет, который даёт возможность обновлять интерьер квартиры исходя из индивидуальных пожеланий и предпочтений её обитателей. Востребованность подобных картин дополнительно обуславливается тем, что они способы внести весомые изменения во внешний вид помещений без затрат и усилий. Единственным недостатком и одновременно преимуществом является немалый размер картин состоящих из трёх, четырех и более кусков.

Модульные картины дают возможность закрывать большие пустующие пространства в жилых и вспомогательных помещениях. В зависимости от общей цветовой гаммы и стиля комнаты, будет отличаться и сама картина, однако же, зачастую модульные картины изображают пейзажи.

Какие есть модельные картины для стен

Среди базовых разновидностей картин можно выделить:

• Диптих. Это модульные картины, состоящие из двух частей и представляющие собой простейший тип таких картин.
• Триптих. Картина, состоящая из трёх элементов.
• Пенаптих. Модульные картины, разбитые на пять частей.
• Полинаптих. Шесть и больше.

Количество модулей непосредственно влияет на декоративные свойства и габариты, но не на содержимое самой картины. Независимо от того, на сколько частей разбивается изображение, каждый из фрагментов одинаково важен и даёт возможность составить полноценную картинку.

Модульные картины, как правило, выполняются на холстах и имеют массу преимуществ: универсальность применения, оригинальность стиля, масштабность, ненавязчивость дизайна.

Для того чтобы модульная композиция была уместной в том или ином помещении, её следует правильно выбрать. Следует руководствоваться такими критериями выбора: цветовая палитра, тематика, геометрические формы, интерьер помещения.

Большие модульные из нескольких частей

Большие модульные конструкции из нескольких частей — это то, с чем ассоциируется это понятие у большинства людей. Модульные картины уже давно не новинка, и находят широкое применение как в квартирах, так и в гостиницах, ресторана.

Изображение, раздробленное на множество частей, отличается оригинальностью и необычностью, а потому именно на них зачастую обращается внимание при выборе. Можно выделить ряд видов модульных картин состоящих из нескольких фрагментов.

Раздельные из 4 частей

Как уже было указано выше, картины, состоящие из четырех частей, называются полиптихами. Они являются современным дизайнерским решением, как для обычных потребителей, так и для декораторов. Ансамбль, создаваемый из четырех композиций, даёт возможность произвести неповторимый эффект, как на хозяев, так и на гостей. Панно на холсте из четырех частей занимает большой участок стены, но благодаря своей масштабности, изображение как будто бы оживает перед глазами наблюдателя.

Модульные картины из 4 частей объединяются единой сюжетной, цветовой и тематической составляющей. А вот размеры фрагментов могут быть совершенно неравноценными. Они могут быть одинаковы по размеры, спускаться каскадом либо и вовсе идти зубцами.

Как правило, в отличие от традиционных холстов, изображения на модульных картинах просты и незамысловаты. Их задачей является подарить положительные впечатления, как простому обывателю, так и ценителю объектов искусства.

Наборные из 3 частей

Модульные картины из трёх сегментов называемые триптихами, являются одними из максимально смелых и оригинальных дизайнерских решений в истории. При их помощи можно интересно и необычно декорировать любой интерьер. Изображения на таких холстах могут быть расположены относительно вертикали либо горизонтали и разбиты на три части, но они будут объединены единой тематикой и стилем.

Но, непосредственно сами фрагменты могут сильно отличаться друг от друга по расположению и размерам. Известно немалое количество вариаций расположения сегментов триптихов, а потому каждый, даже искушенный пользователь сможет подобрать вариант по собственному вкусу.

Трансформеры из 5-ти и более частей

Многие ошибочно полагают, что подобного рода картины занимают крайне много места, и при выборе игнорируют их. Однако сегментные картины также отличаются необычным расположением фрагментов, которое может быть не только горизонтальным, но также вертикальным, произвольным.

Одним из примечательных преимуществ таких изображений является как раз то, что многие считают главным недостатком – их размер. Благодаря большому масштабированию, качественно изготовленные холсты дают возможность получать максимально крупное, красочное и детализированное украшение на свою стену.

Как правильно вешать модульные картины на стены

Прежде чем начать украшать стену, следует понять, как это делается правильно. Существует ряд рекомендаций:

• В случае, когда взаимосвязь между сегментами носит композиционный характер, то фрагменты на стену вешать следует с небольшими промежутками.
• Сложные изображения, которые создают визуальный эффект, должны размещаться согласно авторскому замыслу, который можно отыскать в сопутствующей документации.
• В случае, когда взаимосвязь сегментов осуществляется только за счет оттенков либо сюжета, то расположением частей можно варьировать по собственному желанию.
• Нижний край полотна должен располагаться на уровне глаз наблюдателей.
• Тематическая и смысловая составляющая не должны быть нарушены.
• Все части должны равномерно освещаться.
• Массивные и тяжелые фрагменты следует надежно закреплять на стене.

Какое выбрать крепление для картин из нескольких составных частей

Простой и очевидный вариант крепления – гвозди, а также дрель и шурупы. Впрочем, это далеко не единственные возможные варианты:

• Легкие полотна можно аккуратно закрепить булавками, иглами и кнопками. В случае, если стена не из гипсокартона, то понадобится предварительно закрепить на ней, к примеру, деревянную рейку.
• Полотна с фрагментами средних габаритов и массы можно крепить двухсторонним скотчем. Однако такое крепление отличается минусом, выражаемым в его перманентности – невозможно снять такое крепление не повредив покрытие поверхности стены.
• С тяжелыми полотнами справятся не только традиционные, но и «жидкие» гвозди.
• В качестве альтернативы скотчу и булавкам может выступать липучка из швейного магазина.

Не стоит забывать и о специализированных системах крепления модульных картин, которые зачастую можно приобрести в комплекте. Возможно, это не очень выгодный вариант, но наверняка наиболее действенный, особенно, если украшение не планируется передвигать.

Как повесить модульную картину из 5 частей

Выбор крепления для такого вида осуществляется исходя из материала стены, веса и размеров частей, а также учета возможности передвижения украшения в дальнейшем. Независимо от выбранного варианта, крепление должно быть надежным.

Как крепить модульные большие конструкции

Конструкции с большими фрагментами, особенно, если они растянуты по горизонтали, могут требовать, и пару креплений для каждого из них. Здесь важно соблюдать равномерность и правила расположения частей, а также рекомендуется обратить внимание на специальные крепежи, предлагаемые к покупке в комплекте.

Какой уход

В случае, когда конструкция закреплена надежно, то последующий уход потребует только проверки состояния крепежей, а также очищения поверхности изделия от пыли. Для того, чтобы не нанести ущерба, очистку можно производить при помощи: фланели, перьевой метелки либо же синтетическим веничком.

Модульные картины это универсальный способ придать уюта помещению, создать нужную атмосферу, а также подчеркнуть вкус и статус владельца.

Полезное видео

Основные правила развески картин в интерьере — Сделай сам

Картины, фотографии, постеры и панно во все времена служили главными украшениями любого интерьера. Казалось бы, красивая картина хороша сама по себе, вне зависимости от окружения и месторасположения, однако, на практике это утверждение далеко не всегда является истинным. Всегда ли для декора интерьера нужны живописные шедевры или можно обойтись «малой кровью»? Какую стену в комнате выбрать для развески картин? Как правильно расположить и оформить несколько фотографий или рисунков в единую композицию? На какой высоте их лучше всего развесить? Постараемся подробно ответить на все эти немаловажные вопросы.

На стене можно размещать не только картины маслом, но и зеркала, рельефы или любимую коллекцию рисунков и открыток, главное подобрать для них достойное обрамление, Ballards Designs

Декор и аксессуары в интерьере выполняют немаловажную роль, создавая целостность образа и атмосферу уютного и обжитого пространства. Даже когда отделка завершена, а мебель заняла свои места, стены комнаты зачастую выглядят слишком пустыми и скучными, и именно тогда возникает потребность украсить их картинами, плакатами и т.п. Прекрасно, если у вас уже есть несколько живописных или графических полотен, достойных украсить интерьер, однако, если коллекцией произведений искусства вы не обладаете, это не повод оставлять стены пустыми.

Семейные фото в аккуратных рамах, цифровая печать любого изображения на холсте,интерьерные коллажи, которые можно изготовить своими руками и т.п. вполне могут стать оригинальной и стильной заменой привычным картинам. К тому же, полотна, сами по себе не являющиеся шедеврами, объединенные на стене в общую группу, создают вполне привлекательную и интересную композицию, которой можно задать определенный ритм или использовать в интерьере как недостающий цветовой акцент.

Старинные и не очень карты тоже могут стать интересным вариантом декора комнаты, Pottery Barn

Совет: если вы хотите скорректировать размер изображения, используйте паспарту. С его помощью, например, можно заставить небольшой рисунок казаться больше.

Геометрия и функция помещения

На композицию развески картин в интерьере непосредственно влияет геометрия окружающего пространства, при этом картины на стене способны зрительно скорректировать недостатки помещения. Так, например, расположенные вертикально вряд картины могут заставить потолок казаться выше, а, напротив, развешанные по горизонтали — ее ширину. Если стоит задача заставить узкую и длинную комнату казаться короче, достаточно разместить на ее торцевой стене одну крупную и яркую картину.

Человеческое восприятие крайне чувствительно к горизонтальным линиям, поэтому выстраивая композицию из нескольких изображений, старайтесь, чтобы их нижняя часть выстраивалась в горизонталь.

Картины и фотографии можно не только вешать, но и, например, расставлять на полках, однако, этот вариант не подойдет для интерьеров в строгой, классической стилистике

Немаловажную роль играет и функция помещения. Крупные и яркие полотна декораторы не рекомендуют размещать в спальне, точно также как и драматические и батальные изображения, которые, без сомнения, будут мешать отдыху и релаксации.

Оригинальный вариант размещения картины на мольберте, Pottery Barn

Совет: если не уверены, как в интерьер впишется конкретное полотно, разместите его сначала на пюпютре или мольберте и посмотрите, как оно будет сочетатья с обстановкой. Этот же прием подходит для размещения картин в помещениях, где в силу каких-либо обстоятельств, нельзя портить стены и вбивать в них гвозди.

Высота

Важно правильно выбрать высоту развески картин, чтобы их было хорошо видно. Ориентироваться при этом надо на воображаемую линию, проходящую точно через центр картины. Классический, «музейный» вариант развески картин составляет — 152 см от пола до данной серединной линии. Размещая группу картин, соответственно, надо учитывать высоту рам, паспорту и промежутков между картинами. Таким образом, центр картины должен располагаться чуть ниже уровня глаз стоящего человека (то есть примерно на уровне 150 см). Мелкие картины и фото можно повесить чуть ниже, чтобы их было легко рассмотреть, более крупные — выше, примерно на высоте 160 см от пола.

Памятка: картины в столовой и кухне лучше повесить чуть ниже, так как любоваться ими вы, скорее всего, будете не стоя, а сидя за столом.

Ассиметричная композиция из картин разного формата

Если вы не планируете ставить крупное полотно или постер прямо на пол (декоративный прием, иногда применяемый с современной живописью и графикой), вешать картины, ниже 60 см не рекомендуется.

Соотношение с мебелью

Картины в интерьере не являются частью пустого музейного пространства с белыми стенами, а дополняют помещение, уже наполненное разнообразными предметами мебели, с которыми они должны органично взаимодействовать. Развешивая картины, следует обратить внимание на наличие выступов и ниш, уровень верхнего края дверей и окон, положение мебели.

Простые рисунки или орнаменты, повторить который под силу почти каждому, могут органично украсить интерьер. Пример симметричной композиции из работ одинакового формата, Pottery Barn

Совет: вешать картины рядом с высокими шкафами не рекомендуется, а вот крупная картина даже над небольшим каминным порталом будет смотреться весьма эффектно.

Классический вариант размещения картин в гостиной — над диваном или другим крупным, но невысоким предметом мебели

Чаще всего картины группируют на одной из стен комнаты, например, над камином, низким комодом или диваном. В этом случае, важно, проведите воображаемую линию от края предмета обстановки, и расположить картина таким образом, чтобы между ними и этой линией оставалось свободное пространство.

Композиция

Как уже отмечалось, даже самые простые изображения могут стать впечатляющим дополнением интерьера, если объединить их в единую композицию и правильно ее расположить. Количество, размер и формат картин может быть совершенно произвольным, что, в свою очередь, делает задачу их компоновки еще более сложной. Группировать картины можно по технике (например, акварели или гравюры), цветовой гамме (например, черно-белые фотографии), тематике (принты с животными или натюрморты).

Вариант симметричной композиции над диваном

Памятка: если вы не хотите прекратить комнату в музейный зал, для размещения картин лучше выбрать только одну из стен.

Некоторые декоративные панно можно размещать как вертикально, так и горизонтально, Improvements

Варианты группировки картин в единую композицию:

• картины примерно одного формата и размера можно развесить симметричной «сеткой», то есть одинаковые полотно вешаются в одну линию с равными промежутками между ними
• мелкие изображения можно сгруппировать вокруг более крупной картины, либо выстроить их на одной оси, при этом, более крупное изображение смещается от центра композиции левее или правее примерно на 30 см
• если у вас есть два изображения разного размера, более крупное можно повесить чуть выше, чтобы облегчить его восприятие (центр картин, в данном случае, совпадет)

Подсветка

Немаловажным аспектом восприятие картин в интерьере является их освещенность. Разумеется, подсветить каждое полотно в индивидуальном порядке удается не всегда, поэтому лучше изначально выбрать для развески картин хорошо освещенную часть помещения. Наиболее ценные и привлекательные предметы коллекции можно подсветить отдельно, воспользовавшись, например, рамами со встроенной подсветкой или специальными светильниками. Для подсветки специалисты рекомендуют использовать галогенные лампочки, так как их белый свет не влияет на цветовосприятие. Лампы следует направлять непосредственно на полотно, регулируя их положение до тех пор, пока с него не исчезнут все лишние отсветы и блики.

Специальные лампы для подсветки картин обычно имеют вытянутую форму и располагаются над рамой, Lucifero’s

Несколько ярких постеров, коллажей или стильных фотографий действительно способны преобразить облик помещения, даже без затрат на серьезный ремонт. Смелее экспериментируйте с декором интерьера, чтобы придать своему дому неповторимую индивидуальность и подчеркнуть стиль.

Источник

Композиция в рисунке, основы композиции в рисунке и живописи

Содержание статьи

Композиция в изобразительном искусстве – объемная, сложная и важная тема с одной стороны, но с другой, ее не стоит воспринимать, как нечто крайне необходимое, обязательное к исполнению. Понятие о композиции помогает сформировать чувство прекрасного, гармонии и эстетики. Но не дает гарантии, что у Вас будет идеальная работа, если Вы будете следовать композиционным правилам. Однако, если у Вас будет понятие о композиции, Вы будете подходить к своим работам более грамотно, более гармонично компоновать предметы в листе, с большей выразительностью доносить свои идеи и задумки до зрителя.
Итак, композиция происходит от латинского слова compositio — «сочинение; составление; связывание; примирение» и этим все сказано. Я скажу просто, это то, как Вы здорово, или может не очень здорово, организовали изображаемые Вами предметы на листе.
Про композицию очень много всего написано, причем одно может противоречить другому. Я выделила такие основные положения, которые следует знать, и соответствуют такому базовому, школьному уровню. Я подобрала для Вас примеры не из абстрактных конструктивных картинок, а из произведений нашего культурного наследия.

Композиционный центр

В удачной композиции всегда есть композиционный центр, в котором расположен главный акцентный предмет. Все остальные предметы расположены вокруг и имеют второстепенное значение по отношению к композиционному центру.
Композиционный центр — то место в Вашей композиции, куда в первую очередь притягивается внимание зрителя. Это самое важное, самое главное место. Все остальное, все другие элементы композиции должны быть подчинены композиционному центру и тому акцентному предмету, который в нем находится.
Акцентный предмет может выделяться:
— Размерами.
Например, большой кувшин в окружении разных предметов, причем, обратите внимание, какая яркая драпировка на переднем плане, но все ж таки в первую очередь мы обращаем внимание на кувшин, потому что он самый крупный из предметов.

— Формой.
Например, в этом пейзаже домик является акцентным предметом, и не по тому, что он практически в центре, а потому что выделяется среди деревьев прямыми и геометрически правильными линиями.

Помогают нам также сразу обратить внимание на него линии деревьев, сходящиеся в перспективе и линии деревьев на заднем плане, лежащие в уровень с домиком. То есть у нас есть направляющие к нему.

Да простит меня Сислей, я позволила себе немного пофотошопить его шедевр и убрала этот домик. И что получилось, что стало акцентом, как Вы думаете?

Человечки! Да, мы сразу обратили большее внимание на фигурки людей.
— Человеческие лица и фигуры являются самыми притягательными объектами для человеческого взгляда.
Вот такой же пример с Владимиркой, Левитана. Фигурка человека на пустынной дороге притягивает наше внимание.

Казалось бы, все линии ведут нас в горизонт! Но человека мы замечаем быстрее, чем то, что у нас на горизонте.

Помогают нам так же вот эти тропки, на пересечении которых находится человек.

А вот пример с лицом Гюстава Климпта «Поцелуй».

Очень декоративная композиция, очень много мелких, ярких деталей, много золота. Казалось бы! Затеряться в этой декоративности очень просто. Но мы сразу бросаем взгляд на лицо девушки, оно для нас притягательнее всего, никакое золото нас так не заставляет зависнуть на работе как ее лицо. Композиционно здесь все держит нас вокруг этого лица, наш взгляд никак не может выбраться из этого окутавшего лицо кокона. И это один из моментов, почему «Поцелуй» обладает такой притягательностью.
Если в композиции несколько людей, то в центре окажется, то лицо, которое смотрит на нас или больше остальных повернуто к нам.

— И последнее, чем можно выделить акцентный предмет, это цвет (или тон в графике) и контраст.
Например, пейзаж со скалой.

Наш взгляд ни секунды не колеблется по картине – сразу приковывается к темной скале на фоне желтого неба! Очень яркое, контрастное сочетание делает это место центром композиции.
А вот лошадка.

Ее сильно освещенная морда на фоне черной двери моментально притягивает взгляд, хотя спина у нее освещена не меньше, но там нет такого контраста.

А вот картина Петр I.

Здесь много средств, усиливающих впечатление, что Петр не просто центральная фигура, а он огромный, величественный.
Во-первых, размер – он больше других людей. Во-вторых, сильный контраст его фигуры на фоне неба. В-третьих, все визуальные линии в картине направлены на него.
Птички — расположены по линии в направлении Петра.

Облака — в направлении Петра.

Лодка — направлена к Петру.

Даже непонятные мазочки в нижнем правом углу тоже в направлении к нему. Со всех углов нас направляют к Петру.

Плюс низкая линия горизонта еще больше усиливает впечатление о его размерах, о его значении.
В композиционном центре может быть также несколько предметов. Но они должны смотреться единой, целой группой, а не разрозненно сами по себе в одном месте листа. Тот же самый пример с натюрмортом.


Голландцы любили изображать в натюрморте очень много всего и посуды, и фруктов и даже дичи. Вот такой довольно скромный пример.
Однако, композиционных центров может быть несколько. Лучше – не больше трех.
И все равно, один из них по отношению к другим будет доминантным. Он будет крупнее, ярче, значительнее, выразительнее.
И опять натюрморт, два белых блестящих объекта в окружении какой-то черноты.

Один доминирует над другим. Но наш взгляд цепляет как один, так и другой.
А как Вам такая куча мала!?

«Утро стрелецкой казни» Сурикова. Честно скажу, в этой картине очень много всего, о чем можно поговорить. Но согласитесь – центр это вот этот стрелец.

На него в первую очередь падает взгляд. Он контрастный и возвышается над массой. Но он не один здесь такой. Вторая фигура — молодой Петр.

Мы его замечаем не сразу, но как только мы его видим, он приобретает не меньшее значение, хоть и на заднем плане, хоть и не такой четкий, как стрелец. Он является вторым композиционным центром, потому что автор принял все меры, чтобы его выделить. Он так же возвышается над массой и контрастно выделен на фоне стены, просто в сторонке. Среди множества фигур здесь таких только две. Остальные все сливаются в общей массе.
Композиционный центр может не иметь предмета вообще. Может быть пустым местом. Например, в пейзаже часто таким местом выступает небо.

В таких композициях обычно все предметы расположены довольно равномерно, имеют определенную однородность и сливаются в массе по отношению к пустому пятну, в котором расположен композиционный центр.

Итак: чтобы Ваш рисунок был как минимум интересным, всегда думайте, какой у Вас будет композиционный центр, что будет в нем расположено и каким образом Вы его выделите.

Как гармонично расположить композиционный центр в листе

Существует несколько композиционных приемов, по которым можно выстраивать композиция.

Правило третей в композиции

Это самый простой и популярный способ компоновать предметы. Его очень любят фотографы(не зря на фотоаппаратах и телефонах часто есть функция разбивки на девять клеточек, как раз, чтобы искать композиционный центр). По правилу третей идеальное расположение композиционного центра на пересечении этих линий или прямо на них.

Это, естественно, работает не только в фото, но и в рисунке и в живописи.
«Купание лошади» Серова.

Все по клеточкам.

Композиционный центр – это морда лошади и голова человека, которые выстроились в одну линию. Тело лошади заканч

12 простых правил выгодного размещения объектов

Разместить на холсте даже один объект — уже непростая задача. Сделать его крупнее или мельче? Сдвинуть влево или вправо? Если объектов много, сложность возрастает в разы. Художники и фотографы столетиями экспериментировали и учились друг у друга, чтобы открыть большие правила и маленькие хитрости композиции. Здесь мы собрали те из них, которые, с одной стороны, легки в исполнении, а с другой — эффективно работают на результат.

1. Ведущие линии

Если вам нужно увести взгляд зрителя в глубь холста, используйте естественные линии объектов, которые уходят далеко в перспективу. Это могут быть берега рек, дороги, мосты, поезда, изгороди, лестницы. Такие линии называются ведущими. Очень часто они ведут взгляд зрителя к каким-то важным фрагментам полотна.

Ведущие линии сходятся на фигуре человека. Стив Маккарри

Ведущие линии не обязательно должны быть прямыми:

Изогнутая линия дороги ведёт к дереву и дальше в туман

2. Симметрия

Художники обычно стремятся избегать симметричных построений, особенно если рисуют естественные объекты. Считается невыгодным и размещение объектов в центре холста. Но иногда эти приемы можно использовать очень удачно — например, когда вы хотите изобразить архитектурный ансамбль.

В изображении моста используется симметричное построение. Барри О’Кэррол

3. Диагонали

Помните, что диагональные линии и треугольники привносят в композицию динамическое напряжение. Дело в том, что вертикальные и горизонтальные линии стабильны: если человек стоит на горизонтальной плоскости, он не прилагает к этому усилий, и ему незачем куда-то идти. Но поместите его на наклонную плоскость, и стабильность исчезнет — даже для того, чтобы остаться на месте, ему придётся приложить усилие. Так в композиции появляется динамическое напряжение.

Диагональные линии создают эффект движения идущих людей. Стив Маккарри.

Диагонали и треугольники придают динамическое напряжение даже совершенно неподвижным объектам вроде зданий. Разместите здание под углом — так, как мы редко видим его в повседневной жизни. От этого само положение наблюдателя будет казаться неустойчивым, и в картине сразу почувствуется динамика.

Показанное под углом здание выглядит более динамично. Барри О’Кэррол.

4. Рама в раме

Используйте в композиции естественные рамы — окна, двери, арки, свисающие ветви деревьев. Это эффективный прием, чтобы придать изображению глубину. Рам на картине может быть несколько:

Окна — это естественные рамы. Стив Маккарри

Излюбленный прием живописи Ренессанса — использование арки в качестве естественного обрамления:

Площадь в обрамлении арки. Барри О’Кэррол

Естественное обрамление может быть разомкнутым или неполным:

Использование ветви дерева в качестве рамы

5. Форма и фон

Создайте контраст между объектом и фоном, на котором он расположен — это придаст композиции глубину. Такой контраст можно создать с помощью глубокой тени:

Фигура балерины на темном фоне. Стив Маккарри

6. Заполнение холста

Чтобы привлечь внимание к объекту, разместите его на переднем плане, ближе к зрителю.

Фигура человека размещена на переднем плане. Стив Маккарри

Если человек на переднем плане смотрит на зрителя, поместите его доминантный глаз в центр холста. Доминантным называется глаз, который всегда смотрит прямо. При этом второй обычно расположен под небольшим углом. Если доминантный глаз будет в центре полотна, у зрителя возникнет ощущение, что взгляд человека на картине следует за ним.

Размещенный по центру глаз всегда смотрит на зрителя. Стив Маккарри

7. Уравновешенные объекты

Основной объект композиции часто сдвигают к краю полотна. Если он при этом выдвинут на первый план, может возникнуть ощущение дисбаланса. Уравновесьте его другим объектом, менее важным или меньшим по размеру, который отвлечет на себя часть внимания.

Эйфелева башня «уравновешивает» фонарь. Барри О’Кэррол

Конечно, в реальности башня гораздо больше по размеру, чем фонарь. Если в работе получается наоборот, это придает ей глубину, позволяет подчеркнуть планы.

8. Негативное пространство

Оставляйте на холсте побольше негативного пространства — так называют «пустое» (не заполненное образами) пространство вокруг объекта. Оно может быть и заполнено, но чем-нибудь нейтральным, например, небом. Это придаст композиции выгодную простоту и направит взгляд зрителя к основному объекту.

Обилие негативного пространства фокусирует внимание на статуе. Барри О’Кэррол

9. Достаточное пространство

Если на полотне есть движущийся объект — корабль, автомобиль, пешеход — позаботьтесь о том, чтобы впереди у него было достаточно пространства для дальнейшего движения. Например, если лодка идёт слева направо, разместите её в левой части холста, а в правой покажите гладь реки, по которой ей предстоит пройти.

У лодки впереди достаточно пространства для дальнейшего движения. Барри О’Кэррол

Это же правило стоит соблюдать, если на холсте изображён человек, взгляд которого направлен в мир кадра или картины (а не в сторону зрителя). Перед его глазами должно быть достаточно пространства, которое он обозревает. Например, сидящий в левой части кадра человек должен смотреть вправо.

Музыкант на левой части кадра развернут направо. Барри О’Кэррол

10. Узоры, текстуры и повторения

Не забывайте, что узоры и повторения эстетически приятны для человеческого глаза — они навевают ощущение гармонии. Узор можно составить из естественных объектов, таких как лепестки цветов или головы людей в толпе. Но самое лучшее — когда повторение неожиданно прерывается.

Зелёная фигура прерывает повторение красных тюрбанов. Стив Маккарри.

Узор может вести взгляд зрителя к определенному объекту, становясь ведущий линией:

Узор ведет взгляд зрителя к храму Барри О’Кэррол.

Текстуры нравятся фотографам и художникам потому, что на их выпуклостях выразительно играют свет и тени:

Игра света и тени на текстуре камня также направляет взгляд зрителя. Барри О’Кэррол.

11. Нечётное число объектов

Если вы планируете разместить на полотне несколько похожих объектов, пусть их количество будет нечётным — оно считается более естественным и легким для восприятия — в то время как чётное количество объектов рассеивает внимание зрителя и не дает ему сконцентрироваться на каком-то одном.

Нечётное количество арок и людей кажется более естественным. Барри О’Кэррол.

Это правило можно и нужно нарушать, в зависимости от темы работы. Например, вы можете изобразить двоих людей за беседой. Внимание зрителя будет постоянно переключаться с одного на другого, отражая таким образом ход воображаемого разговора.

Двое мужчин за беседой Барри О’Кэррол

12. Правила существуют для того, чтобы их нарушать

Не бойтесь экспериментировать и нарушать правила, создавая композиции по собственным схемам. Иначе из ваших работ исчезнет индивидуальность. У выдающегося экспериментатора — Карлсона, который живёт на крыше — была одна-единственная картина. Она называлась «Очень одинокий петух» и отличалась нестандартной композицией: «На большом, совершенно чистом листе в нижнем углу был нарисован крохотный красный петушок». Выглядело это, в лучшем случае, так:

Вариация на тему картины «Очень одинокий петух» Карлсона

Благодаря этому гениальному композиционному ходу её знает весь мир.

Декорируем картинами гостиную: 5 основных правил

Картины – универсальный способ оформления настенного пространства, который в силу своей простоты и доступности стал классическим. Картины украсят любую комнату, но именно гостиная является идеальным местом для их размещения. Ведь именно в гостиной необходима эксклюзивная атмосфера, не только запоминающаяся, но и располагающая к общению. Картины всегда в моде, но все же для создания современного интерьера гостиной мы рекомендуем руководствоваться несколькими правилами.

1. УЧИТЫВАЙТЕ ВЛИЯНИЕ КАРТИН НА ВОСПРИЯТИЕ ЖИЛОГО ПРОСТРАНСТВА

Для небольшого помещения с низкими потолками выбирайте вытянутые картины вертикальной ориентации. Не забывайте о пропорциональности размеров полотна и помещения. В малогабаритной гостиной массивные картины смотрятся нелепо, впрочем, как и мелкие – в большой. Но исключения бывают. Например, композиция из множества мелких картин на одной стене вполне уместна в просторном помещении. Неплохо выглядят в маленькой гостиной крупные абстракции, пейзажи с перспективой – они зрительно увеличивают глубину пространства, выгодно прибавляя к имеющейся площади пару квадратных метров.

Возможны ситуации, когда в смежной гостиной после перепланировки отсутствуют окна. Тогда обратите внимание на модульные картины, сюжет которых напоминает вид из окна. Каждая фрагмент такого изображения имитирует часть пейзажа. Для усиления сходства модульной картины с окном выбирайте варианты, предусматривающие оформление каждой части в отдельную раму.

2. ПОМНИТЕ, ЧТО КАРТИНА ЗАДАЕТ НАСТРОЕНИЕ ИНТЕРЬЕРУ

Чем крупнее картины – тем значимее ее влияние на интерьер в целом. Одно изображение может кардинально изменить атмосферу гостиной как в лучшую, так и в худшую сторону.

Если интерьер изобилует яркими деталями, то монохромная картина смягчит его. Напротив, броское художественное полотно эффектно разнообразит монотонную обстановку.

Если гостиная кажется слишком традиционной и даже скучноватой – развесьте картины асимметрично. А симметрично расположенные изображения одинакового размера упорядочат даже самый хаотичный интерьер.

При выборе картины учитывайте, что ее цветовая гамма и сюжет должны отражаться в одном или нескольких предметах интерьера. Например, картина с маками гармонично будет смотреться над красным диваном.

3. ИЗУЧИТЕ ВЕСЬ АССОРТИМЕНТ СОВРЕМЕННЫХ КАРТИН

Разнообразие современных картин не ограничивается привычной живописью или графикой, написанными рукой художника. Для того чтобы подобрать наиболее подходящий для вашего интерьера вариант, необходимо ознакомиться со всем диапазоном возможных решений.

Картина маслом в массивном багете подойдет для классической гостиной. Размещать такое полотно лучше над диваном или камином. Но многое зависит и от техника, в которой написана картина. Полотна, написанные мастихином, впишутся даже в самый экстравагантный интерьер.

Акриловые картины гармонично смотрятся в гостиной, оформленной в стиле поп-арт или в винтажных традициях. Яркие изображения хорошо выглядят и в эклектичных гостиных.

Акварельные полотна станут ненавязчивым дополнением интерьеров в стиле шебби-шик, средиземноморский, кантри, прованс. Из акварелей можно составить целую галерею даже в небольшой гостиной. Такая акварельная коллекция смотрится легко и воздушно.

Графика в тонкой раме украсит сложные эклектичные интерьеры. Изображение под стеклом не утяжелит обстановку, а сделает ее изысканной.

Постер, то есть напечатанное на бумаге изображение, гармонично выглядит в гостиной в стиле хай-тек, скандинавский, контемпорари или минимализм.

Фотокартины, но только при условии наличия у них реальной художественной ценности, являются достойной заменам живописе или графике. Рискуем вас расстроить, но все же… Портреты с полупрофессиональной фотосессии, выполненной провинциальным умельцем, или фотопейзажи с курортных городов не имеют никакого отношения к картинам. Рекомендуем хранить их в качестве напоминания о приятно проведенном времени, но не выставлять на всеобщее обозрение в надежде произвести впечатление на гостей вашего жилища.

К сожалению, подавляющее большинство напечатанных на холсте картин также не способны заменить настоящие полотна или качественные постеры. Издалека изображения на холсте могут выглядеть неплохо. Но при при приближении к нему положительные эмоции быстро исчезают. Исключениям являются качественные фотокартины на холсте.

Похожая ситуация наблюдается и с модульными картинами, которые в последние годы производятся повсеместно и в промышленных масштабах. Поэтому цена их более чем демократична по сравнению с живописью. Обычному человеку, решившему приобрести модульную картину и не знакомому с тонкостями дизайна, довольно легко попасть в ловушку безвкусицы. Поэтому в целом рекомендуем в случае с картинами не экономить. Если концепция модульных изображений вам очень нравится – лучше заказать их написание у настоящего художника.

4. ПРИ ВЫБОРЕ КАРТИНЫ ПРИСЛУШИВАЙТЕСЬ К СВОИМ ОЩУЩЕНИЯМ

Существующие правила сочетания цветов и другие законы дизайна очень важны. Но своими ощущениями пренебрегать не стоит, особенно при выборе картиной в гостиной, где приятная и дружественная атмосфера имеет первостепенное значение.

Как на практике проверить, не ухудшит ли картина обстановку в гостиной на эмоциональном уровне? Возьмите ткань, цвет которой близок к доминирующему в картине. Например, если на полотне – морской пейзаж, то понадобится синий текстиль. Приложите его к стене, осмотрите гостиную. Затем закройте глаза и прислушайтесь к своим ощущениям. Если гостиная запомнилась как уютная, а впечатление осталось приятное – то смело покупайте понравившуюся картину.

5. ЭКСПЕРИМЕНТИРУЙТЕ С РАЗМЕЩЕНИЕМ

Что касается вариантов размещения нескольких картин на стене, то вариантов существует множество. Например, нижняя или верхняя часть трех-четырех полотен выравнивается по одной горизонтальной линии. По вертикали может быть выровнен центр картин, висящих друг под другом. Как разместить картины – хаотично или симметрично, зависит от того, сколько изображений есть в наличии и одинаковы ли их размеры. Строгих правил не существует.

Размещать картину в гостиной над диваном – классический, но далеко не единственный вариант. Так, картина над комодом или камином вместе с установленным на нем декором может составить оригинальную интерьерную композицию.

Если в гостиной есть пустая стена, то попробуйте реализовать такой интересный дизайнерский прием как art wall. Стена полностью заполняется различными изображениями. Картины даже могут соседствовать с постерами, фото, вышивками и открытками. Заполнять стену можно постепенно, но главное – предварительно выбрать одну-две характеристики, объединяющие будущую коллекцию. Например, похожую цветовую гамму или одинаковое обрамление.

Картины на полке – практичный вариант размещения для тех, кто не желает портить стену гостиной многочисленными отверстиями. Картины можно менять как угодно часто.

Оригинально выглядит композиция, состоящая из одной крупной картины с размытым абстрактным изображением и установленными на ее фоне несколькими мелкими, более яркими и четкими.

Шесть художественных композиционных конструкций

Шесть художественных композиционных структур для лучшей живописи

Вы можете улучшить свои картины, используя структуры художественной композиции, которые веками использовались в великих картинах. Эти основные элементы художественной композиции выступают в качестве строительных блоков, которые вы можете использовать для создания , просто и смело создавать свои картины.

Смешивайте и сопоставляйте эти элементы, чтобы создать динамическую композицию для ваших собственных картин, и, изучая картины других людей, ищите эти же элементы, чтобы увидеть, что работает, а что не работает в их композиции.

Чем больше вы внедряете эти принципы в свое сознание и используете их в качестве руководящих принципов в своем искусстве, тем сильнее станут ваши композиции.

• Структура художественной композиции №1 — L-образная форма

  Разделите поверхность на две неравные части. Разделительная линия может быть горизонтальной или вертикальной. Элементы можно смещать в любую сторону: вверх, вниз, влево или вправо. Затем введите элемент, перпендикулярный этой разделительной линии, чтобы сместить дизайн (и создайте «L-образную форму»).L-образная форма — очень часто используемая структура в пейзажных картинах, где она создает ощущение покоя и безмятежности.

  Вы можете использовать несколько L-образных форм для дальнейшего улучшения своей картины, как показано ниже на картине Гая Орландо Роуза.

  Линия деревьев воспроизводится на фоне горизонтальной линии крыши и горизонта.

• Структура художественной композиции №2 — S-образная форма

  В этом дизайне вы создаете извилистую линию, желательно с большей частью изгиба к нижней части картины.Это смещает дизайн картины, и S-образная форма привлечет ваши глаза. Вы можете использовать его, чтобы направлять взгляд зрителя через картину. Обычно вы будете использовать S-образную форму, чтобы привлечь внимание к центру композиции.

• Структура художественной композиции №3 — Диагонали

  Диагональные линии на картинах отлично подходят для создания динамичного дизайна. Они создают напряжение и, следовательно, визуальный интерес к картине, которая отличается от горизонтальных и вертикальных линий.

  Пример этой дизайнерской техники представлен на картине Поля Сезанна «Купальщицы». Он, по-видимому, знал об использовании диагональных линий тела купающихся для создания очень сильной композиции. Также подчеркнута диагональная направленность стволов деревьев над купальщиками.

• Структура художественной композиции №4 — Точка опоры

  Поместите две массы неравного веса рядом друг с другом, чтобы создать динамическую связь.Убедитесь, что между двумя формами есть небольшое пространство, чтобы создать рычаг, соединяющий две массы.

• Структура художественной композиции № 5 — Группировка

  Используйте сгруппированные формы или элементы (в отличие от разрозненных фигур), чтобы придать композиции веса. В картине Эдгара Дега «Четыре танцора» использован этот элемент дизайна. Он собрал четырех танцоров, чтобы создать одну большую фигуру на фоне небольшой массы деревьев справа. В свою очередь, эти отношения между танцорами и деревьями прекрасно иллюстрируют концепцию точки опоры.

• Структура состава Ar №6 — Излучающие линии

  Это шаг за пределы диагонального элемента дизайна. Вы создаете линии из разных точек на картине, которые сходятся в фокусе. Эти излучающие линии направляют ваш взгляд к фокусной точке и задерживают их на некоторое время, прежде чем вы перейдете к другим частям изображения.

---

Сделайте это упражнение дома — изучите великие исторические картины или ваши любимые произведения современного искусства.Проанализируйте, почему они хорошо разработаны. Хорошие картины создаются не случайно.

Скорее всего, вы можете найти в них множество правил композиции, применяемых в них — интуитивно или намеренно — художниками.

Вы постепенно усвоите «скрытые» элементы дизайна и сможете использовать их в своем искусстве. Рендеринг картины с плохой композицией — пустая трата времени и хорошая краска, поэтому начните и узнайте все, что можно о композиции.

Другие статьи о составе …….

У вас нет средства просмотра, чтобы быстро кадрировать объекты? Щелкните здесь, чтобы приобрести его!

Изучите рисунок и живопись > Композиция > Шесть рамок композиции

элементов композиционной росписи

Fine. Но композиция на самом деле включает в себя больше, чем просто расстановку ваз с фруктами, драпировку, и т.п.которые составляют натюрморт. Это означает развертывание всех живописных элементов, заставить их работать вместе.

И работать с какой-то целью, с какой-то целью. Все зависит от того, что задумал художник. Благочестивые художники Высокого Возрождения, например, обычно расположены фигуры Мадонны, Младенца и покровителей в виде пирамида, композиция, вызывающая обнадеживающее ощущение прочности и покоя. Напротив, фигуры Дега часто кажутся уходящими из картины целиком, цель — запечатлеть анимацию повседневной жизни Парижа.

Элементы композиции

Оставив пока намерение в стороне, каковы элементы композиции в картине? Краткое перечисление может быть:

Место: несколько форм, в том числе:

иллюзионист: создан в линейной перспективе, воздушный перспектива (удаленные объекты теряют контраст и детализацию), размер (удаленные объекты меньше), перекрываются (ближние объекты скрывают те, что находятся дальше).

двухмерный: объекты деформируются и моделируются на плоской поверхности холста: Сезанн и много модернистской живописи.

плоский узор: объекты отображаются как декоративные театральные квартиры без линейной перспективы: персидские миниатюры и некоторые средневековые западная живопись.

восточный: осязаемое ощущение пустоты с предметами как бы сливались из этой пустоты: традиционные китайские пейзажи.

самостоятельно создано: акт живописи создает собственное ощущение пространства, которое локализовано и не предопределено: немного современного искусства.

примитив: объекты распределяются случайным образом, без немедленного Очевидная управляющая особенность: примитивное, наивное и детское искусство.

Форма: Области, ограниченные линией или различиями тона, текстуры и цвета. Формы имеют абстрактное качество и часто рассматриваются как положительные (включая узнаваемые объекты на картине) или негатив (области, оставленные между или вокруг узнаваемых объекты). Формы взаимодействуют и независимо друг от друга вызывают ощущение покоя, волнения, целенаправленная энергия, направление и т. д.

Строка: Строки заключают формы и отметить либо края, где пересекаются две плоскости, либо ограничивающий контур объекта видно на далеком фоне.Больше, чем формы, линии обладают властью свои собственные, создавая движение, интеграцию и текстуру.

Тон или значение степень светлого или темного в элементе. Если работа не является рисунком, или использует только серый цвет, тон также входит в качества цвета, наряду с оттенок и чистота. Тон может создавать настроение (например, темные тона для угрозы или тайны), драматизм (широкий тональный диапазон) или акцент (выделение интересующего объекта).

Текстура — это визуальный узор и может быть абстрактным (текучесть глазури или акварель) или информативный (шелковое платье очень отличается от атласного).При отсутствии других функций текстура может помочь создать приятное разнообразие, чтобы сосредоточить интерес и / или навязать необходимое единство работе.

оттенок это сам цвет, конкретная длина волны. Цвета создают сложные физиологические и психологическое воздействие на зрителя, поэтому оттенки являются основным средством получения или усиления эмоционального воздействия работы.

Чистота цвета означает яркость и интенсивность оттенка, отсутствие примесей. других оттенков.Чистые цвета — это цвета одной длины волны, обладающие ослепительным прозрачность витражей — т.е. совсем нереальная, чтобы использовать с величайшая осторожность. Но возможны бесконечные градации в сочетании с тоном и оттенок, делает чистоту цвета выразительным приемом в руках чувствительного и опытного художник.

Центр культурных ресурсов и обучения (CCRT)

Живопись — одна из самых тонких форм искусства, выражающих человеческие мысли и чувства с помощью линий и цвета.За много тысяч лет до рассвета истории, когда человек был всего лишь пещерным обитателем, он рисовал свои убежища в скалах, чтобы удовлетворить свою эстетическую чувствительность и творческий порыв. Среди индийцев любовь к цвету и дизайну настолько глубоко укоренилась, что с самых ранних времен они создавали картины и рисунки даже в те периоды истории, о которых у нас нет прямых доказательств. Самые ранние образцы индийской живописи, свидетельства которых мы обнаружили, находятся на стенах некоторых пещер в хребте Каймур в Центральной Индии, на холмах Виндхья и в некоторых местах в Уттар-Прадеше. Картины представляют собой примитивные записи диких животных, военных шествий и сцен охоты. Они нарисованы грубо, но очень реалистично. Все эти рисунки имеют поразительное сходство со знаменитыми картинами испанского убежища в скалах, которые, как предполагается, принадлежат к эпохе неолита. Настенная роспись танцора, Бхимбетка, Мадхья-Прадеш Картина: Пещера I, пещера Аджанта, Махараштра Если оставить в стороне богатство материалов хараппанской культуры, искусство Индии в целом исчезает из нашего поля зрения на долгие годы.Этот пробел в индийском искусстве пока не может быть удовлетворительно восполнен. Однако мы можем немного узнать об этой темной эпохе, обратившись к некоторым из наших старых произведений, относящихся к столетиям до и после рождения Христа. Винаяпитхак, буддийский текст примерно III — IV веков до нашей эры. во многих местах относится к домам удовольствий, в которых есть картинные залы, украшенные раскрашенными фигурами и декоративными узорами. Расписные залы также описаны в Махабхарате и Рамаяне, композиция которых в их первоначальном виде признана очень древней.Эти ранние настенные росписи можно считать прототипами резных и расписных картинных галерей последующих периодов буддийского искусства, таких как расписные пещерные храмы Аджанты, расположенные в штате Махараштра недалеко от Аурангабада. В скале полукругом высечено 30 пещер. Их казнь охватывает период около восьми веков. Самый ранний из них, вероятно, вышел во II веке до нашей эры. и самое последнее датируется 7 веком н.э., г. Сюжет этих картин почти исключительно буддийский, за исключением декоративных узоров на потолках и колоннах.В основном они связаны с джатаками, сборником историй, записывающих предыдущие рождения Господа Будды. Композиции этих картин велики по размеру, но большинство фигур меньше, чем в натуральную величину. Главные персонажи большинства рисунков выполнены в героических пропорциях. Центральность — одна из главных особенностей композиции, так что внимание сразу привлекается к самому важному человеку в каждой сцене. Контуры фигур Аджанты великолепны и демонстрируют острое восприятие красоты и формы.Нет излишнего стремления к анатомической точности, рисунок спонтанный и необузданный. Художники Аджанты осознали истинную славу Будды, история жизни которого использовалась ими здесь как мотив для объяснения вечного образа жизни человека. Истории, проиллюстрированные здесь, являются непрерывными и подробными, представляя драму Древней Индии, разыгрываемую во дворцах королей и в деревнях простых людей, одинаково занятых поисками прекрасных и духовных ценностей жизни. Картина: Пещера 2, Узор на потолке, Пещеры Аджанты, Махараштра Самые ранние рисунки в Аджанте находятся в пещерах № IX и X, из которых единственная сохранившаяся — группа на левой стене пещеры X. На ней изображен царь со служителями перед деревом, украшенным флагами.Король пришел к священному дереву Бодхи для выполнения какого-то обета, связанного с принцем, который сопровождает его рядом с королем. Эта картина, хотя и фрагментарная, показывает хорошо развитое искусство как в композиции, так и в исполнении, которому, должно быть, потребовалось много столетий, чтобы достичь этой стадии зрелости. В изображении человеческих фигур с точки зрения их одежды, украшений и этнических особенностей есть большое сходство между этой картиной и скульптурами Амаравати и Карла ранних правил Сатаваханы примерно во II веке до нашей эры.С. Еще одна сохранившаяся картина в Аджанте, чрезвычайно длинная непрерывная композиция Шадданта Джатаки вдоль правой стены той же пещеры (пещера № X), принадлежащая примерно 1 веку нашей эры, — одна из самых красивых, но, к сожалению, одна из наиболее поврежденных и может только на сайте. У нас мало свидетельств картин следующих двух-трех веков, хотя несомненно, что когда-то существовало значительное количество.Следующая сохранившаяся и самая важная серия картин Аджанты находится в пещерах №XVI, XVII, II и I, выполненных между 5 и 7 веками нашей эры, г. Прекрасным примером этого периода является картина, изображающая сцену с Джатакой, которую обычно называют «умирающей принцессой» в пещере №XVI, написанная в начале V века нашей эры. История рассказывает, как Нанда, который был страстно влюблен в эту девушку обманом унесла Будда и унесла на небеса.Ошеломленный красотой апсар, Нанда забыл о своей земной любви и согласился войти в буддийский орден, чтобы быстрее попасть в рай. Со временем он осознал тщеславие своей чисто физической цели и стал буддистом, но принцесса, его возлюбленная, была жестоко оставлена ​​на произвол судьбы без какого-либо такого утешения. «Это одна из самых замечательных картин Аджанты, потому что движение линии уверенное и устойчивое. Эта адаптация линии — главный персонаж всех восточных картин и одно из величайших достижений художников Аджанты.Эмоции и пафос здесь выражаются управляемым поворотом и уравновешенностью тела и красноречивыми жестами рук. В пещере № X есть летающие апсары, относящиеся к концу VI века нашей эры. Богатый орнамент, характерный для того периода, прекрасно изображен в ее тюрбане, украшенном жемчугом и цветами. Обратное движение колье предполагает полет apsara , мастерски раскрашенный. Более поздние рисунки в Аджанте, безусловно, большая часть того, что сохранилось, была написана между серединой VI и VII веками нашей эры и находится в пещерах № II и I. Они также иллюстрируют истории Джатаки с более подробными деталями и орнаментом. Сцены Махаджанаки Джатаки в пещере № 1 являются лучшими сохранившимися образцами картин Аджанты, относящихся к этому периоду. В сцене принц Махаджанака — будущий Будда, обсуждает проблемы королевства со своей матерью, королевой, которая изображена в чрезвычайно изящной позе и окружена служанками.Несколько из них с вениками стоят позади короля. В их беседе принц, вероятно, ищет совета у своей матери, прежде чем начать свой поход, чтобы отвоевать свое королевство, узурпированное его дядей. Подробная сцена с принцем показывает изящный жест его правой руки. Следующая сцена рассказа представляет собой путешествие на коне князя со всей его свитой.Твердая решимость прекрасно демонстрируется его энергичным конем, в то время как сам принц показан как истинное воплощение нежности, словно тающий в Каруне (доброте). Эти три служанки принадлежат к королевскому дому. Один одет в белую мантию с красивым орнаментом в виде уток. Принц, прибывающий в столицу своего дяди, обнаруживает, что его дядя только что умер, и назначил своим преемником человека, который завоюет руку его дочери Сивали.Последний влюбился в князя, и предзнаменования уготовили ему занять трон. Поэтому он был возведен на трон, и последовала великая радость. Сцена церемонии освящения, где принц купается в двух кувшинах над головой. В левой части сцены к балдахину подходит горничная с унитазом. На нем изображен королевский гарем, где величественно восседает король Махаджанака, а царица Сивали изящно сияет в сторону своего возлюбленного. Им нравятся танцы и музыка. Следующая сцена изображает роскошно одетую девушку-танцовщицу в красивой диадеме, ее волосы украшены цветами, и она танцует под аккомпанемент оркестра. Слева две женщины играют на флейте, а справа несколько женщин-музыкантов с различными инструментами, включая два барабана и тарелки. Танцовщица и музыканты были приглашены королевой Сивали, чтобы доставить удовольствие и отвлечь короля, а также отговорить его отречься от мира.Однако король решил вести суровую жизнь на крыше своего дворца и идет послушать проповедь отшельника, который укрепит его в его решении. Его путешествие на спине слона — это изображение королевской процессии, проходящей через королевские ворота. В последней сцене рассказа изображен двор скита, где царь слушает речи отшельника. Картина Бодхисатвы Падмапани из пещеры I — один из шедевров живописи Аджанты, выполненный в конце VI века A.D. По-королевски он носит корону, украшенную сапфирами, его длинные черные волосы красиво ниспадают. Эта красиво украшенная фигура больше, чем в натуральную величину, и изображена слегка остановившейся и держащей в правой руке цветок лотоса. По словам одного из критиков современного искусства: «Это великое искусство выделяется выражением печали, чувством глубокой жалости; и, изучая его, мы поймем, что находимся лицом к лицу с благородным человеком. находясь под тяжестью трагического решения, горечь отказа навсегда от жизни в блаженстве смешивается с тоской, чувством надежды на счастье в будущем «.Сильный прямой рисунок плеч и рук мастерски исполнен в своей неизменной простоте. Брови, от которых во многом зависит выражение лица, нарисованы простыми линиями. Показанный здесь способ удерживания лотоса и жесты руки — величайшее достижение художников Аджанты. Живопись, Пещера I, Бодхисаттва, пещеры Аджанта, Махараштра Живопись, Пещера I, Будда в гостях у жены и сына, пещеры Аджанта, Махараштра Изображение одного из памятных событий жизни Будды после просветления, которое входит в число лучших картин Аджанты, находится в пещере No.XVII, написанная, вероятно, примерно в 6 веке нашей эры. Это представляет собой визит Будды к дверям обители Яшодхары в городе Капилавасту, когда она сама вышла со своим сыном Рахулой на встречу с Великим Королем. Художник нарисовал фигуру Будды в большом масштабе, очевидно, чтобы показать его духовное величие по сравнению с обычными существами, например, изображение Яшодхары и Рахулы выглядит очень маленьким по сравнению с этим. Голова Будды значительно наклонена к Яшодхаре, проявляя сострадание и любовь.Черты лица стираются, но глаза ясны, а медитативный взгляд предполагает погружение ума в духовное. Вокруг головы Великого Царя есть нимб, а над ним Видхьядури держит зонтик как символ своего владычества над землей и небом. Внизу, сбоку от двери, нарисованы фигуры Яшодхары и Рахулы, последний смотрит на своего отца с любовью, смешанной с удивлением, поскольку ему было всего семь дней, когда Гаутама отрекся от мира.Яшодхара была показана со всем очарованием естественной красоты и внешнего убранства костюмов и ювелирных украшений, но гораздо более поразительным было то, как она смотрит на Будду, больше с чувством любви, чем почтения. Ритмичная обработка различных частей ее тела, изящная поза и тонкая работа кисти, показанная в завитках над ее висками и в прядях на плечах, — все это изображает искусство высокого уровня и делает эту картину одной из самых красивых. лучшие изображения женственной элегантности и красоты. Прекрасное изображение женской красоты, задуманное художником из Аджанты, по-видимому, узнается как Майя Деви, мать Будды, красоту которой художник хотел очертить без ограничений, налагаемых происшествием любой истории. Принцесса изображена со всем телесным обаянием, которое мастерски продемонстрировал художник. Художник выбрал для принцессы позу стоя и, чтобы добавить естественности и изящества, заставил ее прислониться к столбу, чтобы лучше всего можно было оценить красоту ее стройных и стройных конечностей.Наклонив голову, художница очень ловко передала очарование темных завитков волос, украшенных цветами. Рядом с этими буддийскими картинами есть также несколько брахманических фигур, представляющих иконографический интерес. Индра, индуистское божество, изображено летящим среди облаков вместе с небесными нимфами, держащими музыкальные инструменты. Индра носит королевскую корону, жемчужные ожерелья, а в поясе меч и кинжал. О скорости его полета свидетельствует обратное движение жемчужных ожерелий.Это из пещеры №XVII и относится примерно к 6 веку нашей эры, году. Кроме этих религиозных картин, потолки и колонны пещерных храмов украшены декоративными узорами. В отличие от эпосов и непрерывных картин Джатаки, их квадраты представляют собой законченные конструкции. Вся флора и фауна в мире художников и вокруг него точно изображена, но мы никогда не находим повторения формы и цвета. Художники Аджанты, словно здесь внезапно освободившись от изречения текста Джатаки, дали полную свободу своему восприятию, эмоциям и воображению. Пример украшения потолка из пещеры №XVII, относится примерно к 6 веку нашей эры. Розовый слоник из той же декоративной росписи », его можно увидеть в деталях. Этот поразительный слон представляет собой точное очертание живой плоти, присущей этому животному, наряду с достойным движением и линейным ритмом, и его, пожалуй, можно назвать одним из лучших произведений искусства. Картины из пещер Баг в Мадхья-Прадеше соответствуют изображениям Аджанты в пещере No.I и II. Стилистически оба принадлежат к одной и той же форме, но фигуры Бага более плотно смоделированы и имеют более четкие очертания. Они более земные и человечные, чем в Аджанте. К сожалению, сейчас их состояние таково, что оценить их можно только на площадке. Самыми ранними известными до сих пор брахманическими изображениями являются фрагменты, найденные в пещерах Бадами в пещере № III, относящейся примерно к 6 веку нашей эры. Так называемые Шива и Парвати довольно хорошо сохранились.Хотя техника повторяет технику Аджанты и Баг, моделирование гораздо более чувствительно по текстуре и выражению, а очертания мягкие и эластичные. Картины Аджанты, Баг и Бадами представляют классические традиции Севера и Декана в лучшем виде. Ситтаннавазал и другие центры живописи показывают степень его проникновения на юг. Картины Ситтаннавасала тесно связаны с джайнскими темами и символами, но имеют те же нормы и технику, что и у Аджанты.Контуры этих картин прочно прорисованы темным на светло-красном фоне. На потолке веранды нарисована большая декоративная сцена необычайной красоты: пруд с лотосами, птицы, слоны, буйволы и молодой человек, собирающий цветы. Следующая серия сохранившихся настенных росписей находится в Эллоре, месте огромной важности и святости. Ряд индуистских, буддийских и джайнских храмов были раскопаны между 8 и 10 веками нашей эры.Д. из живого камня. Самым впечатляющим из них является храм Кайлашнатх — это отдельно стоящее сооружение, которое на самом деле представляет собой монолит. Есть несколько фрагментов росписи на потолке различных частей этого храма и на стенах некоторых связанных джайнских пещерных храмов. Композиция картин в Эллоре измеряется прямоугольными панелями с толстыми границами. Таким образом, они были задуманы в заданных пределах рамок, в которых находятся картины. Таким образом, в Эллоре нет места в смысле Аджанты.Что касается стиля, живопись Эллоры — это отход от классической нормы картин Аджанты. Конечно, классическая традиция моделирования массы и мягких округлых очертаний, а также иллюзия выхода из глубины не игнорируются. Но наиболее важными характерными чертами живописи Эллоры являются резкий поворот головы, нарисованные угловатые изгибы рук, вогнутый изгиб сомкнутых конечностей, острый выступающий нос и длинные нарисованные открытые глаза, которые вполне можно рассматривать как средневековый характер индийских картин. Летающие фигуры из пещерного храма № XXXII в Эллоре, относящиеся к середине девятого века нашей эры, являются прекрасным примером стремительного движения сквозь облака. Здесь хорошо заметны как характеристики, так и округлая пластика моделей Аджанты классической эпохи на лицах, а также угловатые изгибы рук средневековых тенденций. Возможно, это продукт переходного периода. Самые важные настенные росписи в Южной Индии происходят из Танджора, Тамил Наду.Танцующие фигуры из храмов Раджараджешвары в Танджоре, относящиеся к началу 11 века нашей эры, являются прекрасными образцами средневековых картин. Широко открытые глаза всех фигур — явное отрицание традиции Аджанты о полузакрытых опущенных глазах. Но фигуры не менее чувствительны, чем фигуры Аджанты, они полны движения и пульсируют от жизненной силы. Другой пример танцующей девушки из храма Брихадешвара в Танджоре, относящейся к тому же периоду, является уникальным изображением быстрых движений и скрученных форм.Ярко и реалистично изображена спина и бедра фигуры: левая нога фирна на основании, а правая брошена в пространство. Лицо показано в профиль с заостренным носом и подбородком, а глаз широко открыт. Руки вытянуты, как острая линия, балансирующая. Восхитительная фигура преданной храмовой танцовщицы с вибрирующими контурами является истинным воплощением изысканности в искусстве и дарит очарование, покорение и притягательность для глаз. Последние серии настенных росписей в Индии взяты из храма Лепакши недалеко от Хиндупура и относятся к 16 веку А.D. Картины впрессованы в широкие фризы и иллюстрируют шиваитскую и светскую темы. Сцена с тремя стоящими женщинами, несмотря на их хорошо сложенные формы и контуры, в этом стиле стала несколько жесткой. Фигуры показаны в профиль довольно необычным образом, особенно это касается обработки лиц, где второй глаз нарисован горизонтально в пространстве. Цветовая гамма и орнамент этих фигурок очень приятны и свидетельствуют об очень изысканном вкусе индийских художников. Охота на кабана из того же храма также является примером двумерной живописи, которая почти становится характерной для позднесредневековых картин на стене, пальмовом листе или бумаге. После этого начался упадок индийской настенной живописи. Искусство продолжалось в 18-19 веках нашей эры в очень ограниченном масштабе. В период с 11 века нашей эры появился новый метод выражения в живописи, известный как миниатюра на пальмовых листьях и бумаге; возможно, намного проще и экономичнее уже началось. Стоит упомянуть некоторые из настенных росписей этого упадочного периода правления принца Траванкора в Керале, во дворцах Джайпура в Раджастане и в Рангмахале дворца Чамба в Химачал-Прадеше. Картины Чамбы в Рангмахале заслуживают особого упоминания в этой связи, так как в Национальном музее хранятся эти картины начала 19 века в оригинале. ТЕХНИКА- Было бы интересно и, возможно, необходимо обсудить технику и процесс создания индийских настенных росписей, которые обсуждались в специальной главе Вишнудхарамотарам, санскритского текста V / VI веков нашей эры.D. Процесс создания этих картин, по-видимому, был таким же во всех ранних образцах, которые сохранились, за единственным исключением в храме Раджараджешвара в Танджоре, который, как предполагается, был выполнен истинным методом фрески на поверхности скалы. Большинство цветов было доступно на местном рынке. Кисти были сделаны из шерсти животных, , таких как коза, верблюд, мангуст и т. Д. Земля была покрыта чрезвычайно тонким слоем известковой штукатурки, поверх которой были нарисованы акварели.В истинном методе фрески картины выполняются, когда поверхность стены еще влажная, так что пигменты уходят глубоко внутрь поверхности стены. В то время как другой метод рисования, которому следовали в большинстве случаев индийской живописи, известен как tempora или fresco-secco. Это метод покраски на оштукатуренной извести поверхности, которой сначала дали высохнуть, а затем залили свежей известковой водой. На полученной поверхности художник приступил к зарисовке своей композиции. Этот первый набросок был нарисован опытной рукой и впоследствии исправлен во многих местах с помощью сильной черной или темно-коричневой линии, когда был добавлен окончательный рисунок.После того, как художник нарисовал свою первую схему красным цветом, он приступил к нанесению на нее полупрозрачного монохромного terraverte, через который можно было видеть его контур. Над этой предварительной глазурью художник работал в своих местных красках. Основными используемыми цветами были красная охра, ярко-красный (киноварь), желтая охра, синий индиго, лазурит, черный свет лампы (Каджал), белый мел, терраверт и зеленый.

Паоло Веронезе | Презрение | NG1324

Это одна из четырех картин Веронезе, получивших название «Презрение» в 1727 году, которые посвящены испытаниям и наградам любви, хотя их точное значение остается неясным.Композиции созданы таким образом, чтобы их было видно снизу, поэтому мы знаем, что изображения предназначались для потолка или ряда потолков.

Голый мужчина лежит на разрушенном классическом строении. Купидон встает на грудь человека и бьет его луком, тетива которого порвалась. Купидон, кажется, наказывает его за его приверженность гедонистической сексуальности.

Женщина с обнаженной грудью смотрит на него сверху вниз, по всей видимости, с презрением, поскольку ее уводит другая женщина, держащая горностай, символ чистоты и умеренности, а также беременности и родов.Женщины могут символизировать взаимозависимые земные и божественные аспекты любви, в то время как гедонистическая сексуальность мужчины представляется недопустимой в добродетельной жизни.

Это одна из четырех картин Веронезе, посвященных испытаниям и наградам любви, хотя их точное значение остается неясным. Названия не являются оригинальными и были даны картинам в 1727 году. Композиции созданы так, чтобы их было видно снизу, поэтому мы знаем, что картины предназначались для потолка или ряда потолков.

Картины записаны в 1648 году в коллекции императора Священной Римской империи в Праге. Мы не знаем, кто их заказал, но наиболее вероятно, что покровителем Четырех аллегорий любви был итальянец и что картины все еще находились в Италии в 1620-х годах, когда Антони ван Дайк записал две композиции в свой итальянский альбом для рисования ( Британский музей, Лондон). Возможно, что картины были написаны для параллельных апартаментов комнат мужа и жены, две — для приемной и спальни мужчины и две — для эквивалентных комнат его супруги.Эта картина и «Уважение», возможно, кажутся особенно предназначенными для зрителя-мужчины.

Это самая сложная для интерпретации картина из серии. Обнаженный мужчина лежит на антаблементе под разрушенным классическим строением, которое украшено двумя скульптурами: одна — сатир без конечностей или фавн (получеловек, полу-козел), а другая — стоящая фигура, держащая свирель в нише. В классической мифологии такие существа ассоциировались с грубой сексуальностью. Амур стоит у мужчины на груди, бьет его луком.Его веревка порвалась, что говорит о разрыве самой любви. Амур, кажется, наказывает мужчину за его приверженность гедонистической сексуальности.

Женщина с обнаженной грудью смотрит на мужчину сверху вниз, поскольку ее уводит другая женщина, держащая горностая (у белого животного хвост с черным кончиком). Во время итальянского Возрождения горностай был символом чистоты и умеренности, а также беременности и родов, поскольку считалось, что животное защищает беременных женщин. Леонардо использовал горностай как символ для выражения этих концепций в своем портрете «Дама с горностаем» (Национальный музей, Краков).

Двух женщин со сцепленными руками можно понять как иллюстрацию того, как любовь охватывает, но также разделяет желание и преданность. Две женщины могут представлять земную и небесную любовь, держась за руки, потому что они оба существенны и находятся в синтезе. Каменный сатир кажется символом звериной любви, недопустимой в добродетельной жизни. Хотя в 1727 году этой картине было присвоено название «Презрение», ее тема, похоже, связана с современными неоплатоническими представлениями о любви, что также отражено в «Священной и светской любви» Тициана около 1514 года (Галерея Боргезе, Рим).

Лист с эскизами рисунков пером и тушью Веронезе для этой серии картин хранится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке. Пять различных позиций, в которых изображен обнаженный мужчина в «Презрении», показывают внимание, которое Веронезе уделял проблемам ракурса, возможно, используя восковую модель фигуры, чтобы помочь решить эту позу.

английских картин

Британские картины, в основном средневековые и религиозные, оказали влияние на Европу в 15 веке.В XVI и XVII веках Ренессанс уступил место импортированным талантам, таким как Ван Дайк, сэр Питер Лели, сэр Годфри Кнеллер, Ганс Гольбейн и Орацио Джентилески. Николас Хиллиард, художники елизаветинской эпохи, перенял высокие английские традиции у художников с континента, и эту традицию продолжили и другие художники, включая Исаака Оливера.

История английской живописи имеет прямое отношение к европейской живописи. Раньше портреты заказывали короли и королевы таких художников, как голландцы, фламандцы и немцы.Иностранные художники излучали величественную ауру даже на монархию, и их не смущали их импозантные ситтеры. В 18 и 19 веках молодые люди из британских высших классов путешествовали в континентальную Европу в надежде на расширение своего образования. Европа предложила изысканный вкус к искусству, что повлияло на их уровень покровителей искусства. Это привело к открытию Королевской академии в Лондоне в 1769 году. Сэр Джошуа Рейнольдс был ее первым президентом. Он был блестящим художником, писателем и влиятельным лектором.

Бенджамин был Королевским академиком, как и Джон Мартин. Многофигурные, драматические и библейские панорамы этих художников в последнее время отмечались как воспоминания. Пейзажная живопись, появившаяся в конце 18 века, увидела работы Ричарда Уилсона, одного из таких блестящих художников. Он был известен тем, что рисовал идеализированные сцены, в то время как Джозеф Райт из Дерби рисовал мир природы, как он видел его через индивидуальные и индивидуальные видения. Томас Гейнсборо рисовал оригинальные морские пейзажи и пейзажи.

В 19 веке в Англии появились великие цветущие пейзажи. Два выдающихся художника Дж. М. У. Тернер и Джон Констебл воплотили в жизнь пейзажи. Констебль подчеркивал английскую сельскую местность, сочетая ее с чистотой природы, а Тюнер растворял формы в свете и атмосфере. У Констебля и Тернера было свежее видение, и они повлияли на некоторых художников, включая европейских и американских художников.

Англия, считающаяся прибрежным островным государством, в английском искусстве часто изображала похожие темы.Благодаря четырем характерным временам года световые и погодные эффекты стали частью английского искусства. Это современный аспект английской пейзажной фотографии.

Искусство 20-го века продолжилось с викторианской эпохи, когда Джон Сингер Сарджент, американец, стал успешным лондонским портретистом. Среди других восходящих фигур в 20-м веке были Август Джон, Джон Лавери и Уильям Орпен. Отношение к искусству в Британии поляризовало художников и критиков, которые лелеяли и критиковали модернистские движения.Джек Батлер Йейтс, лондонский художник ирландского происхождения, когда-то был романтиком, экспрессионистом и демонстрировал символизм. Пережив ужасы Первой мировой войны и вернувшись к пасторальной тематике, Эрик Равилиус и Пол Нэш представляли такие картины.

Живопись [ˈpeɪntɪŋ]	библейский [ˈbɪblɪkəl]
средневековый [ˌmedɪˈiːvəl]	панорама [ə ˌpænəˈrɑːmə]
Ренессанс [rɪˈneɪsns]	пейзаж [ə ˈlændskeɪp]
для импорта [tuː ɪmˈpɔːt]	представить [tuː ɪntrəˈdjuːs]
в эксплуатацию [tuː kəˈmɪʃən]	морской пейзаж [ə ˈsiːskeɪp]
к полученному [tuː ɪˈmɪt]	видный [ˈprɒmɪnənt]
аура [ɔːrə]	констебль [ˈkɒnstəbəl]
возмущать [tuː pəˈtɜːb]	сельская местность [ˈkʌntrisaɪd]
внушительный [ɪmˈpəʊzɪŋ]	растворено [dɪˈzɒlvd]
няня [ˈsɪtə]	, изображаемый [tuː pɔːˈtreɪ]
уширение [ˈbrɔːdənɪŋ]	отличительный [dɪˈstɪŋktɪv]
сложный [səˈfɪstɪkeɪtɪd]	лелеять [tuː ˈtʃerɪʃ]
покровитель [ə ˈpeɪtrən]	пастырский [ˈpɑːstərəl]
многофигурное [ˈmʌltiˈfɪɡəd]	ужас [ə ˈhɒrə]

Пит Мондриан: анализ 120 известных картин и полное собрание сочинений

Пит Мондриан — голландский художник, занявший для себя уникальную нишу на мировой платформе, не уступающую другим знаменитым художникам.Возможно, он наиболее известен как один из основателей De Stijl, который включал в себя художественное движение, которое работало вокруг абстрактных работ, и новые формы искусства, которые были представлены миру в начале 20-го века. Движение также было основано на редуктивной теории; что заняло изображение в более крупном масштабе, и воплотил его в жизнь на холсте, в архитектурных произведениях, в скульптурных формах, а также в форме графики.

Пит Мондриан родился в Нидерландах и получил там формальное образование; он посетил Rijksadame van Beeldende в Амстердаме.Мондриан вырос в период бурного развития искусства. В тот год, в котором он родился, во Франции Клод Моне написал «Впечатление», «Восход солнца», что вызвало одни из величайших последствий, которые видел мир искусства. со времен Возрождения. Когда Мондриану было 12 лет, Жорж Сёра начал рисовать точками чистого цвета, вместо того, чтобы смешивать цвета на своей палитре. Шесть лет спустя земляк Мондриана, Винсент Ван Гог застрелился на кукурузном поле, а через 12 лет после этого Пабло Пикассо написал Les Demoiselles d’Avignon, работа, которая глубоко повлияла на живопись и то, как художники воспринимали себя.

Пит Мондриан интересовался техникой импрессионизма и этой формой искусства в своих ранних работах. Как и Ван Гог, Мондриан использует чистые, светящиеся цвета и выразительную манеру письма под влиянием пуантилизма и фовизма. В натюрморты, работы ландшафтного дизайна и другие сцены, которые он изображал в начале своей карьеры, — все это изображало этот стиль, хотя его палитры в этот период больше похожи на охры, рыжие и коричневые цвета. Картины Рембрандта.

В первое десятилетие 20-го века Пит Мондриан начал менять свой стиль. Его работы начинают двигаться в сторону пуантилистов и кубизма, а также других абстрактных сред, которыми он занимался. на этом раннем этапе своей карьеры. В то время голландские художники все больше узнавали о радикальных работах Поля Сезанна и художников-кубистов. Активен в авангардных кругах, Мондриан находился под сильным влиянием нового движения в искусстве, происходящего в Париже.В 1911 году он впервые увидел ранние кубистские работы Пабло Пикассо. Он был глубоко впечатлен. Почти сразу он начал перенимать концепцию кубизма в своих целях, о чем свидетельствуют две версии «Натюрморта с имбирным горшком», выполненные в зимние месяцы 1911-1912 годов. В первой версии объекты переданы как узнаваемые формы из повседневной жизни; во втором он преобразовал одни и те же объекты в композиционные структуры, взяв свое стремление к абстракции. дальше, чем когда-либо прежде.

Летом 1914 года Пит Мондриан вернулся в Нидерланды, чтобы навестить своего тяжело больного отца, и начало Первой мировой войны помешало ему вернуться в Париж. В тот период, когда он был дома и в Голландии, он решил работать над формой абстрактного искусства, которая позже была классифицирована как неопластический стиль. Работы, которые он создал в этот период, были изображены более светлыми цветами, упрощенным выбором цвета и сбалансированными формами. в своих композициях.Он также разработал работы, которые углублялись в духовную сферу и создавали большую связь с религией и его верой, в отличие от предыдущих работ, которых не было в

.