Абрамович Марина | ART Узел
Марина Абрамович родилась в Югославии в 1946 году. В конце 1960-х она начала эксперименты со звуком и пространством. Она создавала работы, состоящие только из шума проигрываемой в магнитофоне чистой аудиокассеты или из стука метронома в пустой комнате. С середины 1970-х Абрамович начала заниматься перформансами, объявив собственное тело главным объектом и средством художественного выражения в своих произведениях. Она начала с серии длительных перформансов, содержавших протест против политического климата социалистической Югославии. В ранних перформансах Абрамович, как правило, ставила себя, а иногда и зрителей в экстремальные условия — на глазах у публики принимала большие дозы сильнодействующих психотропных лекарств («Ритм 2», 1974), нарочно наносила себе раны, втыкая ножи между пальцами («Ритм 10», 1973), лежала в горящей конструкции в виде пятиконечной звезды («Ритм 5», 1974), вырезала бритвой звезду у себя на животе и затем лежала на льду с кровоточащими ранами («Губы Томаса», 1975).
Кульминацией этих экспериментов над собой стал знаменитый перформанс «Ритм 0» (1974) в галерее Morra в Неаполе, во время которого Абрамович разложила перед зрителями 72 предмета, которыми люди могли пользоваться как угодно. Некоторые из этих объектов могли доставлять удовольствие, тогда как другими можно было причинять боль. Среди них были ножницы, нож, хлыст и даже пистолет с одним патроном. Художница разрешила публике в течение шести часов манипулировать её телом и движениями. Поначалу зрители вели себя скромно и осторожно, но через некоторое время, в течение которого художница оставалась пассивной, участники стали агрессивнее. Абрамович позднее вспоминала: «Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить. <…> Я чувствовала реальное насилие: они резали мою одежду, втыкали шипы розы в живот, один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике.
Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».
В 1975 году Абрамович переехала в Амстердам, где встретила художника Улая (Уве Лейсипена), ставшего ее спутником жизни и партнером в перформансах на 12 лет. Эксперименты в области исследования границ физиологических и психологических возможностей человека, начатые Мариной в «Ритмах», художники продолжили совместно. Одним из первых совместных перформансов Марины Абрамович и Улая стали «Отношения в пространстве», впервые показанные в 1976 году на Венецианской биеннале. Два обнаженных тела, набирая скорость, бегут навстречу друг другу и фронтально сталкиваются. Таким образом художники хотели соединить мужскую и женскую энергии, создав нечто третье, то, что они назвали ThatSelf («Та Сущность»). Идея другого перформанса, «Imponderabilia» (1977), заключалась в том, что художник становился входом в музей. Марину Абрамович и Улая пригласили на большой Фестиваль перформансов в Болонью, где они решили изменить главный вход в музей, сузив его своими телами.
Когда публика приходила в музей посмотреть перформансы, она оказывалась перед выбором: нужно было протискиваться через тесную дверь, развернувшись лицом к одному из обнаженных художников – пройти прямо было невозможно. Перформанс был рассчитан на шесть часов, но через три часа прибыла полиция и потребовала предъявить документы и паспорт – на этом перформанс завершился. В перформансе «Вдох / Выдох» (1979) Марина и Улай дышали друг другу в рот, вдыхая воздух, выдыхаемый другим, пока оба не падали без сознания. В перформансе «ААА-ААА» (1978) кричали друг на друга до потери голоса. В перформансе ««Энергия покоя» (1980) Улай целился отравленной стрелой натянутого лука прямо в сердце Марине, в то время как равновесие стрелы удерживалось лишь весом тел партнеров. «У нас было два микрофона, присоединенных к нашим сердцам, и мы могли слышать их биение. По мере развития нашего перформанса оно становилось все более интенсивным. Это длилось четыре минуты и десять секунд, и для меня они были вечностью.
Это был перформанс, полностью посвященный безграничному доверию».
Марина Абрамович и Улай приобрели у французских полицейских небольшой автобус «Ситроен» и жили в нем. В 1977 году они использовали эту машину в перформансе: именно «Отношения в движении» были на Парижской биеннале, где Улай у входа в музей вел машину, а Марина Абрамович, высунувшись с мегафоном из окна, выкрикивала количество проделанных им кругов, пытаясь понять, кто быстрее выдохнется – художники или машина.
Мотор сгорел через 16 часов, оставив чуть заметный черный след в виде кругов на мраморе.
Союз двух художников завершился в 1988 году перформансом «Поход по Великой стене». Живя в австралийской пустыне у аборигенов, Марина Абрамович и Улай увидели репортаж, в котором астронавты рассказывали, что единственные постройки человека, которые видны с Луны – это пирамиды и Великая китайская стена. Тогда у художников и возникла идея пройтись навстречу друг другу по Великой китайской стене. Чтобы получить разрешение на перформанс от китайских властей, им потребовалось почти восемь лет.
После Марина и Улай пришли к идее, что Великая китайская стена была построена не для защиты от Чингисхана и других врагов, а, скорее, несет в себе метафизический смысл, являясь точной копией Млечного Пути на Земле. Она начинается в Желтом море, где покоится голова Дракона, хвост его находится в пустыне Гоби, а туловище – в горах. Улай, как стихия огня, как мужское начало, начал свой путь из пустыни. Марина Абрамович, как женское начало – из воды, со стороны моря. Изначально они предполагали встретиться посередине стены и пожениться. Однако за годы, прошедшие между началом проекта и его завершением, отношения Абрамович и Улая сошли на нет. Этот перформанс стал их последним совместным проектом. Каждый из художников прошел две с половиной тысяч километров, чтобы встретиться посередине и расстаться, продолжая дальше работать по отдельности.
В 1990-е, в период политического конфликта на Балканах, Абрамович начала в своих работах исследовать культурное наследие своей страны.
В показанном на Венецианской биеннале в 1997 году перформансе «Балканское барокко» (премия «Золотой лев» Венецианской биеннале) она в течение четырех дней очищала от мяса и отмывала от крови две с половиной тонны говяжьих костей, распевая народные балканские песни и рассказывая жуткие истории о крысах-убийцах, которых выводят на Балканах.
В 2000-е художница все чаще обращается к восточным практикам медитации, самоочищения и постижения энергетических сущностей. Так, перформанс «Обнаженная со скелетом», повторенный Абрамович трижды — в 2002, 2005 и 2010 годах — отсылает к древней практике тибетских монахов, медитировавших рядом с мертвым телом. «Дом с видом на океан» (2002) — эксперимент по самоограничению (Абрамович голодала, пила только воду и постоянно находилась перед зрителями в течение 12 дней), призванный заставить посетителей, наблюдающих за перформансом, забыть о чувстве времени.
Еще один аспект деятельности Абрамович в 2000-е годы — работа с самой концепцией перформанса, его экспонирования и сохранения в истории искусства.
В частности, художница работает с молодыми исполнителями над реперформансами собственных произведений. В перформансе «Семь легких пьес» (2005, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк) Абрамович в течение семи дней по семь часов воспроизводила пять перформансов других художников («Давление тела» Брюса Наумана, 1974; «Постель для семени» Вито Аккончи, 1972; «Генитальная паника» ВАЛИ ЭКСПОРТ, 1969; «Подготовка, первая из трех фаз автопортрета(ов)» Джины Пейн, 1973; «Как объяснить живопись мертвому зайцу» Йозефа Бойса, 1965) и два собственных («Губы Томаса», 1975 и «Вход на другую сторону», 2005).
Крупнейшая ретроспектива Марины Абрамович The Artist is Present прошла в 2010 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Помимо основной экспозиции Абрамович представила новый перформанс: на протяжении всего времени работы выставки зрителям была дана возможность сесть напротив художницы и сколь угодно долго смотреть ей в глаза (многие не выдерживали больше десяти минут, и к тому же начинали плакать).
В 2011 году в расширенном виде и под названием «В присутствии художника» эта ретроспектива повторена в Центре современной культуры «Гараж» в Москве.
5 лучших перформансов Марины Абрамович
Работы сербской художницы-перформансиста Марины Абрамович, по праву, считаются одними из самых интересных и заслуживающих внимание проектов в сфере современного искусства. Они оказали влияние на творчество многих молодых художников, стиль которых пребывал на этапе формирования. Из множества перформансов художницы мы постарались отобрать 5, по нашему мнению, лучших.
Одним из наиболее социальных проектов Марины Абрамович был „Балканское барокко“, который оценили на Венецианской биеннале престижной премией „Золотой лев“. Суть работы заключается в критике явления, которое можно обозначить как чёрное пятно в истории, практически, каждого народа – войне. В данном перформансе художница сидела на полу и перемывала гору окровавленных костей в память жертв Югославской войны.
Главной особенностью всего творчества Абрамович можно назвать способность рисковать и жертвовать чем-то, а иногда и собой, ради искусства и собственных идей.
Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния“. Таким образом, многие человеческие качества, которые нельзя проявить в социуме, оказались на поверхности, а люди показали себя как достаточно жестокие существа.Еще одним проектом, основанным исключительно на доверии, но уже не публике, а любимому человеку был проект „Энергия покоя“. На протяжении нескольких минут Абрамович держала лук, а Улай – стрелу, натянутую и нацеленную прямо в сердце Марины. В это время динамики транслировали ритм сердца и учащенное дыхание художников. Любое неосторожное движение Улая или Марины могло закончиться фатальной ошибкой, но проект получился более чем интересным и запоминающимся.
Окончание долгого периода отношений и совместной работы Марины и Улая тоже были оформлены как перформанс. В 1988 году они запланировали духовное путешествие с противоположных концов Великой китайской стены. Пройдя по 2500 км, они встретились посередине и приняли решение проститься навсегда.
Этот список закончит один из последних проектов Абрамович „Присутствие художника“, который состоялся в 2010 в Нью-Йоркском музее современного искусства. На протяжении нескольких суток заданием художника было смотреть в глаза зрителям, которые постоянно сменяли друг друга. За более чем 700 часов перформанса, Марина встретилась взглядом примерно с 1500 людьми, одним из них был и Улай. Стоит упомянуть, что это было их первой встречей после последнего совместного проекта в 1988 году. На несколько секунд художница поддалась эмоциям и расплакалась, но любовь к искусству оказалась сильней и уже через мгновение перформанс продолжился как ни в чем не бывало.
Автор статьи: Вика Ежевика
Комментарии
Марина Абрамович против Улая: выжили только художники :: Впечатления :: РБК Стиль
Перформанс «В присутствии художника»
© marinaabramovic.
com
Автор Алиса Курманаева
23 сентября 2016
Судебная тяжба между сербской художницей Мариной Абрамович и ее бывшим возлюбленным Улаем (настоящее имя Франк Уве Лайзипен) началась в ноябре прошлого года.
© marinaabramovic.
com
«Она не просто мой бывший партнер по бизнесу, — говорил Улай. — Все эти работы вошли в историю. Они теперь в школьных учебниках. Но она намеренно искажает информацию и вычеркивает мое имя». В результате окружной суд Амстердама обязал Марину Абрамович выплатить своему экс-партнеру €250 тыс. в качестве отчислений за доходы от продажи их работ, а также €23 тыс. за судебные издержки.
Журнал The New Yorker писал, что творчество Марины Абрамович делится на три периода: до, во время и после Улая. История их отношений началась в ноябре 1975 года, когда некий амстердамский галерист попросил Улая встретить художницу в аэропорту и помочь ей с логистикой для съемок ее перформанса «Губы Томаса». На тот момент уроженка Белграда Абрамович уже успела громко заявить о себе перформансами «Ритм 10», «Ритм 0», «Ритм 2» и «Ритм 4», во время которых исследовала границы физической и психической выносливости и пределы связи между художником и публикой.
Например, «Ритм 0» заключался в том, что она разрешила пришедшим на выставку людям манипулировать своим телом и движениями с помощью 72 различных предметов, а во время «Ритма 4» держала голову над мощной струей воздуха из воздуходувки. Эти эксперименты, к которым добавились исследования мужской и женской энергии, продолжились и в совместных работах Абрамович и Улая. Манифест художников звучал следующим образом: «Отсутствие постоянного места жительства, перманентное движение, прямой контакт, самостоятельный выбор, преодоление границ, умение рисковать, движущаяся энергия, никаких репетиций, непредсказуемый конец».
© marinaabramovic.com
Перформанс «Ритм 0»© marinaabramovic.
com
© marinaabramovic.com
Перформанс «Ритм 5» © marinaabramovic.comСовместные акции Улая и Абрамович были провокационными из-за подчас рискованных опытов и интенсивного вовлечения публики. В 1976 году творческий дуэт показал на Венецианской биеннале перформанс «Отношения в пространстве»: два обнаженных человека бежали навстречу друг другу и сталкивались, и эти движения постоянно повторялись. Таким образом Марина Абрамович и Улай хотели соединить мужскую и женскую энергии и создать нечто третье, что они называли «Та Сущность».
Еще одним ярким перформансом стала «Импондерабилия», в 1977 году показанная в галерее современного искусства в Болонье. Обнаженные художники стояли лицом друг к другу в дверном проходе, и зрителям, желающим пройти на выставку, приходилось протискиваться между ними и неминуемо поворачиваться лицом либо к Улаю, либо к Марине. Одной из самых рискованных арт-акций дуэта стала
Перформансы «Импондерабилия» и «Энергия покоя»
© marinaabramovic.
com
Некоторые совместные перформансы оказали влияние и на ее дальнейшие работы. Например, серия «Ночной переход», когда Улай и Марина на протяжении нескольких часов неподвижно сидели друг напротив друга, в 2010 году вдохновила Абрамович на ее знаменитую акцию «В присутствии художника» в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Тогда Марина сидела за столом около 740 часов, и любой желающий мог сесть напротив и посмотреть ей в глаза. Даже свое расставание творческий дуэт превратил в перформанс, пожалуй, самый известный широкой публике.
В 1988 году художники отправились навстречу друг другу с разных сторон Великой Китайской стены и преодолели по 2,5 тыс. километров, чтобы встретиться посередине, а затем попрощаться и разойтись. «Нам нужна была определенная форма завершения после того огромного расстояния, которое мы прошли вместе. Это очень человечно. Это в известной мере драматично, как окончание фильма.
Потому что в конце ты действительно одинок, что бы ты не делал», — объясняла художница в одном из интервью.
Перформанс «Поход по Великой Китайской стене»
© marinaabramovic.com
Сейчас Марина Абрамович является самой известной художницей-перформансистом в мире, и ее имя на слуху даже у тех, кто не особо интересуется искусством. Улая же широкая публика знала именно как ее партнера, несмотря на то, что его персональные выставки проводились в Амстердаме, Берлине, Афинах и Любляне, а в мае этого года он устраивал трехдневный перформанс Cutting Through the Clouds of Myth в Нью-Йорке. Однако совместный период их творчества ярче всего запомнился публике. И когда через много лет после расставания Улай пришел в Музей современного искусства на перформанс «В присутствии художника» и сел напротив Абрамович, а затем бывшие партнеры взяли друг друга за руки, зрители, стоявшие в очереди, зааплодировали. И это, пожалуй, было одним из самых очевидных доказательств того, какое сильное влияние оказывало на людей их искусство.
О чем вспоминает Марина Абрамович в своих мемуарах «Пройти сквозь стены»
К своему успеху она относится то с самоиронией, то честолюбивым прагматизмом. Пишет, например, что канал MTV не считал нужным платить ей за трансляцию видео ее выступлений, потому что перформанс не считался в те времена серьезным искусством. А после того, как на ее акцию сослались герои сериала «Секс в большом городе», с нее перестали брать деньги за клубнику в самом дорогом магазине Нью-Йорка. Абрамович это не понравилось: ей показалось, что ее высмеяли. Однако ее не задело, когда Леди Гага обеспечила ей новую волну популярности среди школьников, которые стали гуглить «странную сербскую тетку с большим носом».
Условно книга делится на три части: «до Улая», «с Улаем» и «после Улая». В 1970-е их воспринимали вместе — так же, как Диего и Фриду или Джона и Йоко. Она описывает их совместные 12 лет жизни: первые шесть они вместе с собакой колесили по Европе в фургоне, жили с аборигенами в Австралии и создавали большое искусство как пара влюбленных художников; еще 6 лет они ругались, изменяли и делали друг другу больно как мужчина и женщина. «Спор был о том же, —вспоминает она точку невозврата, — но на этот раз он перешел в крик, а потом внезапно Улай ударил меня по щеке. Это был не перформанс, это была реальная жизнь. И это было последнее, чего я ожидала».
После этих отношений Марина напишет в своем манифесте, что художник не должен любить художника. Улаю на первый взгляд отведена центральная роль и в ее книге, и в ее жизни. Однако наперекор традиционному сюжету о неистовом мужчине-гении и его музе, он оказался тем мужчиной, чье искусство и биография оказались в тени великой женщины. На самом деле в «Пройти сквозь» он выступает в качестве ширмы, за которой рассказывается история обретения Марины Абрамович себя через боль и свободу.
В «Пройти сквозь стены» бесконечно много страданий: сильнее всего глаза слезятся на моменте их расставания, которое пара превратила, пожалуй, в самое лирическое и масштабное произведение в истории искусства. С начала 1980-х они планировали перформанс, в котором Абрамович идет по Великой китайской стене с Востока, а Улай — с Запада, чтобы встретиться посередине и пожениться. На подготовку и местную бюрократию ушло 8 лет, их отношения изменились. Улай сломал не только романтическую идею с женитьбой, переспав со своей китайской переводчицей (она забеременела), но и весь художественный замысел.
27 июня 1988 года Марина встретила его не идущим на встречу — уже три дня он ждал ее в живописном месте между двумя монастырями. Почему остановился? Потому что место идеально подходило для фотографии — от такого предательства концепции Марина была в бешенстве, которое смягчило боль от потерянной любви. «Небольшая толпа наблюдателей присутствовала на нашей встрече, — вспоминает она момент. — Я зарыдала, как только он меня обнял. Это были объятия товарища, а не любящего человека: из них ушло тепло».
Идея каждого ее проекта, выступления и даже фотографии описана в мемуарах максимально подробно. Она рассказывает, зачем выпивала литр вина, съедала килограмм меда, чистила груду костей от крови и мяса на Венецианской биеннале, спускалась к крысам или с разбега врезалась в стену. Странно обвинять человека, превратившего свое тело и биографию в предмет искусства, что в его мемуарах осталось мало человеческого, но в «Пройти сквозь стены» действительно рисуется тонко проработанный триумфальный автопортрет. Она не рассказывает, что ей нравится за пределами искусства, не говорит, что ест на завтрак и есть ли в ней что-то, кроме творчества. Можно подумать, что ее умение сочетать философскую глубину и предельную искренность с пронзительными анекдотами — прием, который скрывает какую-то неведомую нам, настоящую Абрамович.
“Художник должен понимать тишину” – ICGT
Размышляя над темой Пауз и тишины, я не заметила, как прошла ночь и наступило утро. Ко мне приходило огромное количество образов, воспоминаний, ассоциаций. Вначале я старалась ухватиться за каждый из них, потом решила просто наблюдать, что приходит, что пытается задержаться. И здесь мне пришлось остановиться/взять паузу, чтоб сориентироваться. Оставаясь внимательной к себе, я заметила, что образы и эмоции, их сопровождающие, начинают разворачиваться: какие-то затухают, освобождая место другим процессам, а какие-то настойчиво удерживаются и напоминают о себе снова и снова. Такая пауза помогла мне распределить и сосредоточить внимание, отсекая все лишнее и, наоборот, включить созерцательность, охватывая как можно больше феноменов.
Все ярче стали всплывать картины из перформансов Марины Абрамович, они стали настолько навязчивыми, что мне пришлось отложить все остальное и отдаться именно им.
И на утро в “Манифесте жизни художника” Марины Абрамович я нашла такие слова:
Отношение художника к тишине
Художник должен понимать тишину
Художник должен создать пространство для того, чтобы тишина вошла в его творчество
Тишина – это остров посреди бушующего океана
Тишина – это остров посреди бушующего океана
Тишина – это остров посреди бушующего океана
Неслучайно на латыни слова «тишина» и «тайна» имеют общую форму – tacitum, а одно из значений слова silens – «посвященные в сакральное», давшие обет молчания. Молчанием символизируется сокровенность духовного восхождения, самопознания. Большинство перформансов Марины Абрамович проходят в полнейшей тишине. И мне хотелось бы рассказать о «бабушке мирового перформанса», как ее называют, и о некоторых ее работах.
Марина Абрамович родилась в Белграде 30 ноября 1946 года. Ее дедушка – Варнава Росич – был патриархом сербской православной церкви (причислен к лику святых после смерти). При этом ее отец и мать являлись убежденными коммунистами, а во время второй мировой войны были партизанами. Отец — национальный герой Сербии (Абрамович посвятила ему одну из своих работ под названием «Герой»: выехала в поле на белом коне, держа в руках белый флаг). Мать – майор армии, а в 60-х годах – директор белградского Музея Революции и Искусства. В одном из интервью Абрамович вспоминала: «меня и брата мать воспитывала в военном стиле. До 29 лет мне не разрешалось после 10 уходить из дома. Сегодня это выглядит безумием, но все перформансы, которые я делала в Югославии, проверяя возможности своего тела и сознания, — все это было показано до 10 вечера».
В своей книге она пишет: «У меня есть теория: чем хуже у тебя детство, тем лучше твое искусство — если ты по-настоящему счастлив, то у тебя не получится создать хорошее произведение. Мои родители были карьеристами, стремились добиться успеха в области политики. Они оба после Второй Мировой войны были признаны национальными героями. У них не было желания заниматься ребенком, и они отдали меня бабушке».
Свой первый урок перформанса она получила благодаря отцу.
В 14-летнем возрасте Марина попросила отца купить ей масляные краски. Тот выполнил ее просьбу, однако друг папы решил подшутить над подростком. Он вылил на холст смесь красок и подорвал ее петардой. Все участники остались целы и невредимы, и Марина тогда впервые осознала, что в искусстве процесс может быть важнее результата.
На становление художницы оказало влияние и слияние трех культурных парадигм – коммунизма, христианства и балканской культуры. По ее словам, коммунизм научил ее самодисциплине, а православие духовности. Проявление балканской культуры можно увидеть в ее методологии, сочетающей в себе Восток и Запад.
В 1970 году она закончила Университет Искусств в Белграде и начала сольные выступления.
Один из самых главных ее перформансов «Ритм 0» (Rhythm 0, 1974).
В течение шести часов (в период с 20.00 до 02.00 часов) художница неподвижно стояла перед публикой, а рядом располагался стол, на котором находилось 72 различных предмета. В руках Марины Абрамович была табличка, надпись на которой гласила, что перформансистка является объектом и, пользуясь предоставленными реквизитами, люди могут совершать в отношении нее любые действия. Всю ответственность за происходящее во время эксперимента Марина брала на себя.
На столе можно было найти карандаши, краски, фотокамеру, спички, ножницы, перо, свечу, нож, лезвие, оливковое масло, молоток, пилу, фонарь, цепь, хлеб, духи, вино, расческу, пистолет и прочее. В первые минуты с начала перформанса люди пребывали в некоторой растерянности, их поведение было осторожным и скромным. Постепенно публика начала активно включаться в предложенную им игру.
По воспоминаниям самой Марины и присутствующего на акции арт-критика Томаса Макэвиллей сначала действия людей носили вполне безобидный характер. Художницу трогали, двигали ее конечности, целовали, давали ей цветы. Но постепенно поведение толпы начало меняться и приобретать агрессивный характер. Описание этого перформанса часто цитируется во времена общественных катаклизмов, связанных с силой и влиянием толпы. Все шесть часов Абрамович стояла и не оказывала никакого сопротивления, хотя ее порезали и чуть не застрелили. По истечении шести часов она двинулась по направлению к выходу и публика ретировалась в испуге — испугалась, что дадут сдачи. Тогда-то, придя в отель, Марина обнаружила свою первую седую прядь волос.
В 1976 году она переезжает в Амстердам, где знакомится с немецким художником, известным под псевдонимом Улай (настоящее имя Франк Уве Лайзипен), который становится ее спутником жизни, соавтором работ и партнером в перформансах на следующие 12 лет. Вместе они продолжают исследовать границы возможностей тела и ума, вопросы, связанные с личностью, индивидуальностью человека и его самоопределением «внутри» отношений с Другим. Художники рассматривали возможность существования друг с другом, показывая трагедию человеческой близости. Помимо непосредственно перформансов, исследования эти привели к тому, что пара стала позиционировать себя как одно существо и даже придумала специальный термин – ThatSelf (возм. перевод «ТаСущность»). Позднее Марина Абрамович вспоминала: «Главной проблемой отношений с Улаем была невозможность сохранить личность каждого из нас свободной. Мы пытались существовать как гермафродит. И ради этого нам приходилось постоянно жертвовать собой. Привело это к ощущению смерти себя. Мы решили расстаться».
Один из первых совместных перформансов Марины Абрамович и Улая состоялся уже в 1976 году на Венецианской биеннале и назывался «Отношения в пространстве» (англ. Relation in Space). Художники в обнаженном виде бежали навстречу друг другу, в определенный момент сталкивались и затем повторяли все снова. Считается, что здесь речь идет о соединении энергий – мужской и женской – в нечто третье, пока неопределенное и условно названное, как было описано выше, ТаСущность.
Об отношениях Марины и Улая написаны тысячи статей, они создали несколько очень значимых акций. В 1980 году художники решили пожениться на середине Великой Китайской стены. Улай должен был начать свой путь из пустыни, Марина – со стороны моря, и встретиться посередине. Разрешения от китайских властей ждали восемь лет. Перформанс состоялся в 1988 году: чтобы встретиться, каждый прошел более 2000 километров навстречу друг другу. При встрече художники обнялись и расстались – к этому времени их отношения исчерпали себя. Так в историю искусства вошли не только их отношения, но и их разрыв – вряд ли хоть одна пара в мире расставалась столь эффектно и человечно одновременно.
Один из наиболее известных и часто упоминаемых перформансов (наряду с «Ритмом 0») – это «В присутствии художника» (The Artist is Present, 2010).
Смысл акции заключался в том, чтобы посмотреть художнику в глаза. Вот он, сидит напротив – и у каждого есть несколько минут, чтобы прикоснуться ко внутреннему миру творца. Этот перформанс в общей сложности продлился 736 часов. Каждый день по 7-8 часов художница сидела неподвижно и смотрела в глаза каждому посетителю, который решался сесть перед ней на стул.
«Я пристально смотрела в глаза многим людям, которые несли в себе столько боли, что я мгновенно видела ее и чувствовала. Я стала для них зеркалом их собственных эмоций. Один огромный ангел ада с татуировками уставился на меня свирепо, но спустя десять минут разревелся и стал стонать, как дитя малое», – вспоминает Марина Абрамович
На протяжении всего своего творческого пути она занимается изучением телесности, пределов человеческих возможностей как физических, так и психических.
Все ее перформансы с протяженностью во времени – это способ прожить настоящее время, настоящий момент.
Для Марины Абрамович не важны видеозаписи, она их не ценит, важен тот опыт, который художник и зритель получает вживую. И стирается грань авторства, кому принадлежит произведение? Зритель – и автор, и исполнитель. А Автор становится свидетелем рождения нового произведения, которое больше не принадлежит только ему, а принадлежит всем участвующим. То есть стираются границы между автором и зрителем, а также стираются границы между различными видами искусства. Художник стремится уйти от авторитаризма, хочет найти новые отношения между автором и зрителем, в которых каждый человек становится создателем и носителем уникального, своего смысла. И произведением становится не некий артефакт или объект, созданный и существующий независимо от автора, а событие сиюминутное, не поддающееся фиксации и отчуждению от создавших его людей. И в этом моменте, когда Марина и зритель могли выйти за границы привычного, рождалось чудо.
В художественной сфере смысловое поле тишины составляет множество оттенков: здесь и благостное умиротворение, и напряженное ожидание, и погружение в сон-забытье, и романтическая греза и т.д. Исследуя смыслы тишины в искусстве, Е.В. Назайкинский в своей книге «Звуковой мир музыки» заметил, что «тишина как объемный образ, …как элемент образной палитры искусства… представляет собою скорее целую вселенную, к которой нужно лишь несколько приблизиться, чтобы она перестала восприниматься как одна звезда».
Если вы заинтересовались творчеством Марины Абрамович, то прикладываю несколько ссылок:
- Фильм «В присутствии художника»
- Выступление на TED Talks
- Лекция искусствоведа Ирины Кулик
Искусство Марины Абрамович — Visitculture
ПРЕДМЕТАМИ ПЕРФОРМАНСА В ЖИЗНИ МАРИНЫ АБРАМОВИЧ СТАНОВИЛОСЬ АБСОЛЮТНО ВСЕ: СОБСТВЕННОЕ ТЕЛО, ПЕРЕЖИВАНИЯ, ОТНОШЕНИЯ — ВЕДЬ ПРИСУТСТВИЕ ПУБЛИКИ ТОЛЬКО ПОДТВЕРЖДАЕТ ПОДЛИННОСТЬ.
Текст Наталья Смольянинова
Женщина неподвижно сидит за столом в круге света: длинные черные волосы, белое восковое лицо, струящееся платье в пол. Напротив нее по одному садятся люди, каждый из которых выстоял ради этого многочасовую очередь, некоторые ночевали на полу. Кого тут только нет: студенты арт-колледжей, татуированные байкеры, подростки, уставшие матери с младенцами, знаменитости. Они ждут возможности пару минут просто посидеть за одним столом с женщиной и заглянуть ей в глаза — разговаривать запрещено.
В эти безмолвные минуты происходит удивительное: кто-то начинает рыдать, кто-то смеется, некоторые впадают в транс, есть даже случаи потери сознания. Позже обмен впечатлениями: «Это был настоящий религиозный опыт», «У меня вся жизнь пронеслась перед глазами», «Я словно увидел ожившую картину». Именно такого эффекта добивалась Марина Абрамович, скандальная художница и «бабушка перформанса».
Сорок лет она исследовала границы искусства (и собственного тела), но именно перформанс «В присутствии художника» в 2010 году в одночасье сделал 63-летнюю Абрамович звездой. В общей сложности она просидела в Нью-Йоркском музее современного искусства 736 часов 30 минут и заглянула в глаза полутора тысяч посетителей, в том числе Леди Гаге, Шэрон Стоун, Бьорк, Изабелле Росселлини.
«Если честно, я их даже не узнала, потому что была в другом измерении, — признавалась Абрамович. — Я ждала славы 40 лет, но она меня не изменила: я остаюсь солдатом, который борется за подлинные человеческие эмоции».
«Для того чтобы быть хорошим перформансистом, нужно ненавидеть театр. в театре все поддельное»
В ПОИСКАХ
В интервью Абрамович не раз говорила, что обожает свои дни рождения, ведь они напоминают о начале самого главного перформанса — жизни. «Когда меня спрашивают, откуда я, я никогда не говорю ”из Сербии“. Я родилась в стране, которой больше нет». Родители Абрамович были «красной буржуазией» — югославскими партизанами, которым позже присвоили статус национальных героев. Марина вспоминала, что дома господствовал практически военный режим — она прожила с родителями до 29 лет, и даже в этом возрасте ей запрещалось покидать дом после десяти вечера. Другая же часть семьи была ультрарелигиозной и ненавидела «красный режим»: патриарх сербский Варнава приходился ей двоюродным дедом.
«Меня воспитывали коммунисты и религиозные фанатики, именно поэтому я такая выносливая и упертая. Для меня не существует невозможного», — говорит она.
Марина начала рисовать уже в раннем детстве, хотя родители это не поощряли. В один прекрасный день она отправилась на военную базу и без смущения попросила у охранника разрешения полетать на истребителе — чтобы потом реалистично его нарисовать. Конечно, девочку отправили домой. «На этом мой путь художницы закончился, я больше не нарисовала ни одной картины в жизни. Вместо этого я начала искать искусство вокруг — и нашла его в самой себе», — вспоминает Марина.
искусство выносливости
Марина все-таки поступила в Белградскую академию изящных искусств (тогда это был единственный путь для артистической югославской молодежи) и вскоре начала выступать с первыми перформансами. Интересно, что Абрамович не знала о таком виде искусства и его апологетах (даже о знаменитом тогда Йозефе Бойсе) и просто действовала по наитию. Ее работы с самого начала были очень эмоциональными, шокирующими — и на пределе человеческих возможностей. Главным объектом перформансов Марина всегда делала себя — вне зависимости от того, какую тему она исследовала: политика, любовь, горе, экология.
«Для того чтобы быть хорошим перформансистом, нужно ненавидеть театр, — говорила она. — В театре все поддельное: кровь, нож, эмоции — а в перформансе ровно наоборот».
Первыми сольными работами Абрамович в 1970-х был цикл «Ритмы», в котором она исследовала возможности человеческого тела, обходясь с ним довольно чудовищными способами. Марина делала все это не для того, чтобы просто шокировать аудиторию: «Искусство должно быть многогранным, будоражащим и неудобным. Благодаря моим перформансам каждый зритель открывает новое в себе». Апофеозом стала знаменитая работа «Ритм О», для которой Марина полностью отдалась во власть публике. На столе неапольской галереи Морра были разложены 72 предмета (от розы и банки с медом до ножа и заряженного пистолета), и зрители могли как угодно применять их к художнице. Позже Абрамович признавалась, что недооценила силу толпы: никогда она не чувствовала себя в такой опасности. В завершение перформанса Марина встала и медленно направилась к зрителям, мучившим ее шесть часов. Те в ужасе выбежали из галереи. «Каждый из них понял что-то очень важное о себе», — удовлетворенно заключила Абрамович. «Ритмы» прославили Абрамович в постмодернистских кругах, и она переехала в Амстердам, чтобы продолжить изучать историю искусств. На протяжении следующих 12 лет все ее новые проекты были такими же опасными и противоречивыми, но уже не одинокими. Во всех безумных экспериментах Марину теперь сопровождал главный человек ее жизни — Улай.
«с возрастом я обрела буддийский подход к искусству. я поняла, что главный перформанс — это время»
любовь как перформанс
Марина Абрамович и немецкий художник Уве Лайсипен познакомились в свой (общий!) день рождения. Марина и Улай были неразлучны: они путешествовали по миру, жили в племени австралийских аборигенов, тибетских монастырях, хиппи-коммунах и стареньком фургоне- «ситроене». И, конечно, творили. Вся их совместная жизнь была перформансом: они утверждали, что являются единым целым, «двухголовым существом», одинаково одевались и копировали движения друг друга. За годы своего союза Марина и Улай создали более 20 перформансов, в которых исследовали гендер, сексуальность, брак и т. д. Многие из этих работ стали знаменитыми. Например, «Отношения во времени» — художники неподвижно сидят 16 часов спиной друг к другу, их волосы заплетены в одну косу.
В свои перформансы они вовлекали и публику. Работа Imponderabilia символизировала роды: обнаженные Марина и Улай стояли по разные стороны узкого дверного проема, и зрители, чтобы попасть в зал, должны были протискиваться между ними. Верховодила в их паре все-таки Абрамович: ей принадлежало большинство идей, и она была выносливее. Во время одного из представлений, когда пара несколько часов молча сидела друг напротив друга, Улай не выдержал и ушел.
Марина продолжила неподвижно сидеть перед пустым стулом. К 1988 году отношения изжили себя. Конечно же, художники превратили свой разрыв в перформанс «Любовники». Улай и Марина двинулись навстречу друг другу по Великой китайской стене: он шел от пустыни Гоби, она — от Желтого моря. Путешествие продлилось три месяца, каждый прошел по 2500 км. Встретившись, они в последний раз поцеловались и попрощались.
А ведь изначально перформанс задумывался как предсвадебный — но разрешение от китайских властей не приходило долгие восемь лет, и Улай даже успел жениться на другой. Как выяснилось — попрощались не навсегда. В 2010 году Улай неожиданно появился на том самом перформансе Абрамович в Нью-Йоркском музее современного искусства, и Марина не смогла сдержать слез, когда напротив внезапно сел ее бывший возлюбленный. Пять лет спустя Улай по дал на нее в суд, обвинив в удерживании доходов от их совместных работ, и выиграл. А в 2017 году художники внезапно помирились, встретившись на общей выставке-ретроспективе в Музее Луизианы.
«Мы поняли, что вся грязь и ненависть остались в прошлом, — сказала Марина в интервью. — Имеют значение лишь прекрасные работы, которые мы создали вместе».
круговорот энергии
Абрамович со смехом говорит, что каждый день получает сообщения с вопросами, не вампир ли она — ведь в Сербии их полно! А как еще объяснить тот факт, что в 72 года она так молодо выглядит? Художница говорит, что дело в жесткой дисциплине. Она разработала «Метод Марины Абрамович», позволяющий сохранять выносливость и здоровье, и охотно обучает ему молодых художников. Он сочетает принципы программы NASA и тибетских монахов: строгое вегетарианство, сон урывками, медитации.
«Иногда я мечтаю о том, чтобы было с кем позавтракать воскресным утром, почитать газету бок о бок, — признается Абрамович. — Но не иметь семью и детей — мой сознательный выбор. Я предпочла направить всю свою энергию в искусство». После успеха в 2010 году карьера Абрамович вышла на новый уровень: офис в Нью-Йорке, личные ассистенты, бесконечные гастроли и интервью. Художница снялась в нескольких концептуальных фильмах, стала героиней книг, но главным достижением считает открытие Института Марины Абрамович, который называет «храмом перформанса» — там молодые артисты учатся и живут, как в настоящем монастыре. Конечно же, 72-летняя Абрамович продолжает выступать сама:
«Я по-прежнему упражняюсь в выносливости, мне нравится контролировать свой разум и тело. Но с возрастом я обрела буддийский подход к искусству. Мои работы стали более спокойными и долгими, теперь мне нравится часами сидеть на одном месте, обмениваясь энергией со зрителями. Я поняла, что главный перформанс — это время».
Художники по направлению: Перформанс Арт (Performance Art)
направление
Перфо́рманс (англ. performance — исполнение, представление, выступление) — форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношение художника и зрителя. В этом заключается отличие перформанса от таких форм изобразительного искусства, как картина или скульптура, где произведение определяется выставленным объектом.
Ультраперфоманс — новая форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. Принципиальное отличие от первоисточника[чего?] в том, что это обычно происходит в месте, где уже совершается перформанс[что?] в той или иной форме.[источник не указан 222 дня]
Иногда перформансом называют такие традиционные формы художественной деятельности, как театр, танец, музыка, цирковые выступления и т. п. Однако в современном искусстве термин «перформанс» относится обычно к формам авангардного или концептуального искусства, наследующим традицию изобразительного искусства.
Впервые слово «перформанс» было применено к своему произведению-действию композитором Дж. Кейджем в 1952 году, исполнившим на сцене «4′33″» (4 минуты 33 секунды звуков окружающей среды, которые будут услышаны во время прослушивания композиции). В афише этого концерта значилось — перформанс. Перформанс родился из уличных выступлений футуристов, клоунады дадаистов, театра Баухауза. Появление перформанса связано с проблемами живописи авангарда: преодоление живописного пространства картины, выход к конструкции как основная тенденция авангардного искусства.
Как направление искусства перформанс возник в 1960-е годы в творчестве таких художников, как Ив Кляйн, Вито Аккончи, Герман Нитч, Крис Бурден, Йоко Оно, Йозеф Бойс и др. B наше время Марина Абрамович, Ваграм Зарян, Стивен Коэн и др.
В России наиболее известны перформансы Петра Павленского, Олега Кулика, Олега Мавроматти, Елены Ковылиной, Стаса Барецкого и пр.
Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/ПерформансМарина Абрамович — Художники — Галерея Шона Келли
Абрамович преподавал и читал лекции в Европе и Америке. В 1994 году она стала профессором исполнительского искусства в Hochschule für Bildende Künst в Брауншвейге, где преподавала в течение семи лет. В 2004 году ей было присвоено звание почетного доктора Института искусств в Чикаго, Плимутского университета и Уильямс-колледжа.
Она была награждена Золотым львом за лучшую артистку на Венецианской биеннале 1997 года за выдающуюся видеоинсталляцию / перформанс «Балканское барокко», а в 2003 году получила награду New Media Bessie за «Дом с видом на океан» ‚12-дневный спектакль. в галерее Шона Келли.
В 2005 году Абрамович представил Balkan Erotic Epic в Фонде Pirelli в Милане, Италия, и в Шоне Келли в Нью-Йорке. В том же году она провела серию перформансов под названием «Семь легких пьес» в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке. Она была удостоена награды «Семь легких пьес» Гуггенхайма на их Международном гала-концерте в 2006 году и AICA-USA, который присудил ей звание «Лучшая выставка искусства, основанного на времени» в 2007 году. Она была предметом большой ретроспективы в Музее современного искусства. Искусство Нью-Йорка, Художник присутствует, 2010; В следующем году Центр современной культуры «Гараж» в Москве также представил крупную ретроспективу творчества Абрамовича.Работы Абрамовича находятся во многих крупных государственных и частных коллекциях по всему миру.
В 2011 году Абрамович участвовал в постановке фантастического фильма Роберта Уилсона «Жизнь и смерть Марины Абрамович», получившем признание критиков переосмыслении биографии Абрамовича, который продолжает гастролировать по всему миру. Полнометражный документальный фильм «Марина Абрамович: Художник присутствует», премьера которого состоялась в январе 2012 года на кинофестивале «Сандэнс», с тех пор получила широкое признание критиков.В 2015 году Абрамович стал предметом крупной персональной выставки в Музее старого и нового искусства, Тасмания, под названием «Частная археология». В рамках своей персональной выставки в MONA Абрамович провела 12-дневную программу резиденции через Kaldor Public Art Projects в Сиднее, Австралия.
Абрамович основал Институт Марины Абрамович (MAI), платформу для нематериальной и длительной работы с целью создания новых возможностей для сотрудничества между мыслителями всех областей. В 2016 году институт обрел свою наиболее полную форму в сотрудничестве с NEON в As One , Музей Бенаки, Афины.
Абрамович был одним из первых артистов-перформансистов, официально признанных институциональным музейным миром: крупные персональные выставки проходили по всей Европе и США в течение более 25 лет. Ее первая европейская ретроспектива The Cleaner была представлена в Moderna Museet в Стокгольме, Швеция в 2017 году, после чего последовали презентации в Музее современного искусства Луизианы в Копенгагене, Дания, Хени Онстад, Санвика, Норвегия (2017), Bundeskunsthalle, Бонн, Германия (2018), Центр современного искусства, Торунь (2019), и Музей современного искусства Белграда, Сербия (2019).Опера художника 7 смертей Марии Каллас дебютировала в Bayerische Staatsoper, Мюнхен, Германия в 2020 году, а дальнейшие выступления запланированы во Дворце Гарнье, Париж, Франция, и Греческой национальной опере, Афины, Греция, в 2021 году. В 2023 году Абрамович будет стать первой художницей, которая проведет крупную персональную выставку в Главных галереях Королевской академии художеств в Лондоне.
Марина Абрамович живет и работает в Нью-Йорке.
Художников по направлению: Концептуальное искусство
Художественное движение
Концептуальное искусство, иногда просто называемое концептуализмом, — это искусство, в котором концепция или идеи, задействованные в работе, имеют приоритет над традиционными эстетическими, техническими и материальными проблемами.Некоторые произведения концептуального искусства, иногда называемые инсталляциями, могут быть созданы кем угодно, просто следуя набору письменных инструкций. Этот метод был фундаментальным для определения концептуального искусства американским художником Солом Левиттом, одним из первых появившихся в печати:
Тони Годфри, автор книги «Концептуальное искусство» (Art & amp; Ideas) (1998), утверждает, что концептуальное искусство ставит под сомнение природу искусства, понятие, которое Джозеф Кошут возвысил до определения самого искусства в своем основополагающем раннем манифесте концептуального искусства. , «Искусство после философии» (1969).Идея о том, что искусство должно исследовать свою собственную природу, уже была мощным аспектом видения современного искусства влиятельным арт-критиком Клементом Гринбергом в 1950-х годах. Однако с появлением исключительно языкового искусства в 1960-х годах художники-концептуалисты, такие как Джозеф Кошут, Лоуренс Вайнер и English Art & amp; Языковая группа начала гораздо более радикальный допрос искусства, чем это было возможно ранее (см. Ниже). Одной из первых и наиболее важных вещей, которые они подвергли сомнению, было распространенное мнение о том, что роль художника заключается в создании особых видов материальных объектов.
Благодаря ассоциации с Молодыми британскими художниками и премией Тернера в 1990-х годах, в популярном употреблении, особенно в Великобритании, «концептуальное искусство» стало обозначать все современное искусство, которое не использует традиционные навыки живописи и скульптуры. Можно сказать, что одна из причин, почему термин «концептуальное искусство» стал ассоциироваться с различными современными практиками, далекими от его первоначальных целей и форм, заключается в проблеме определения самого термина.Как предположил еще в 1970 году художник Мел Бохнер, объясняя, почему ему не нравится эпитет «концептуальный», не всегда полностью понятно, к чему относится «концепт», и есть риск того, что его перепутают с «намерением». Таким образом, описывая или определяя произведение искусства как концептуальное, важно не путать то, что называется «концептуальным», с «намерением» художника.
Французский художник Марсель Дюшан открыл дорогу концептуалистам, предоставив им образцы прототипов концептуальных работ — например, реди-мейды.Самым известным из реди-мейдов Дюшана был Fountain (1917), стандартный писсуар, подписанный художником псевдонимом «R.Mutt» и представленный для включения в ежегодную выставку Общества независимых художников Нью-Йорка без участия жюри. Йорк (который отверг его). Художественная традиция не рассматривает обычный предмет (например, писсуар) как искусство, потому что он создан не художником и не с каким-либо намерением быть искусством, а также не является уникальным или изготовленным вручную. Актуальность и теоретическая важность Дюшана для будущих «концептуалистов» была позже признана американским художником Джозефом Кошутом в его эссе 1969 года «Искусство после философии», когда он писал: «Все искусство (после Дюшана) концептуально (по своей природе), потому что искусство существует только концептуально».
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Conceptual_artхудожников по направлению: феминистское искусство
Художественное движение
Феминистское искусство, категория искусства, связанная в первую очередь с феминистками конца 1960-х и 1970-х годов и феминизмом в целом, критиковала традиционные гендерные ожидания и канон истории искусства, используя искусство для создания диалога между зрителем и произведением искусства через феминистскую линзу.Вместо того, чтобы создавать произведения искусства для визуального удовольствия зрителя, феминистское искусство было направлено на то, чтобы заставить зрителя подвергнуть сомнению социальные и политические нормы общества в надежде, что это вдохновит изменить суть феминизма — положить конец сексизму / угнетению. Использование средств массовой информации варьировалось от традиционных форм искусства, таких как живопись, до нетрадиционных методов, таких как перформанс, концептуальное искусство, боди-арт, крафтивизм, видео, кино, а также волокнистое искусство. Феминистское искусство послужило инновационной движущей силой в расширении определения искусства за счет включения новых медиа и новой перспективы.
Исторически сложилось так, что, вероятно, есть художницы, которые были бы сопоставимы с Микеланджело или Леонардо да Винчи, прежде всего потому, что женщины были исключены из обучения в качестве художников, особенно когда дело дошло до изучения человеческого тела и, следовательно, необходимости видеть обнаженную модель. К концу 1960-х феминистское движение в искусстве возникло в то время, когда идея о том, что женщины в корне ниже мужчин, подвергалась критике, особенно в мире искусства. В статье «Почему не было великих женщин-артисток» Линда Ночлин написала: «Ошибка не в наших звездах, наших гормонах, наших менструальных циклах или наших пустых внутренних пространствах, а в наших учреждениях и нашем образовании».Через различные средства массовой информации женщины-художницы раскрыли патриархальную историю, в которой большинство самых известных произведений искусства были созданы мужчинами для мужчин. После 1960-х годов мы видим рождение новых медиа и постепенное снижение гендерной дискриминации в искусстве.
Хотя история феминистского искусства традиционно начинается в 1960-х годах, история также признает аспекты феминистского искусства, зародившиеся намного раньше, чем 1960-е и 1970-е годы. Феминистское искусство — это просто феминистка, создающая искусство.Хотя якобы это термин, который зависит от сознания феминистской теории искусства.
Согласно определению из словаря, слово «феминистка» появилось около 1852 г. и означало «женские качества». Вскоре после этого оно стало обозначать модерн / современные интонации, присущие «феминистскому искусству». Примерно в это время есть несколько исследовательских статей, ссылающихся на конкретных писателей / художников:
Мина Лой, автор феминистского манифеста, работала с Пегги Гуггенхайм в 1923 году над созданием абажуров, стеклянных новинок и вырезок из бумаги.В 1936 году она создала коллажи найденных объектов в Нью-Йорке.
Существует движение феминистского искусства, начавшееся в 1970-х годах, но это менее широкая категория, чем термин «феминистское искусство», и поэтому истоки феминистского искусства можно переопределить как в смысле языка, так и с помощью начало признания — по крайней мере — в конце 1800-х годов.
Люси Р. Липпард заявила в 1980 году, что феминистское искусство не было «ни стилем, ни движением, а скорее системой ценностей, революционной стратегией, образом жизни.»
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Feminist_artМарина Абрамович | Выставка | Королевская академия художеств
Марина Абрамович — одна из самых выдающихся артисток мира.Здесь художница представляет первую в Великобритании выставку, охватывающую творчество ее жизни, включая живые повторные показы знаковых работ, а также совершенно новые работы для этих галерей.
Мы приняли трудное решение отложить Марина Абрамович до 2023 года. Новые даты будут объявлены в свое время. Если вы уже забронировали билет, мы свяжемся с вами.
За последние 50 лет Марина Абрамович заслужила всемирное признание как пионер исполнительского искусства.Абрамович постоянно проверяла пределы своей физической и умственной выносливости в своей работе и приглашала зрителей испытать это вместе с ней.
Работы, такие как Rhythm 0 (1974), предлагали публике свободно взаимодействовать с Абрамович по своему выбору, что, как известно, привело к заряженному пистолету, приставленному к ее голове. Более поздние работы, такие как « Художник присутствует» (2010) в Музее современного искусства в Нью-Йорке, заставляли зрителей сомневаться в собственных эмоциях, когда они молча сидели напротив художника.
На первой крупной выставке Абрамович в Великобритании мы объединяем работы, охватывающие ее 50-летнюю карьеру, вместе с новыми работами, созданными специально для этих галерей. Когда Абрамович приближается к середине 70-х, ее новая работа отражает изменения в теле художника и исследует ее восприятие перехода между жизнью и смертью.
Зрители также будут вовлечены в продолжающуюся дискуссию, которую Абрамович исследует на протяжении всей выставки: может ли перформанс пережить момент перформанса? Абрамович исследует вопрос наследия через фотографии, видео, инсталляции и повторные выступления молодых исполнителей.
Выставка, организованная в тесном сотрудничестве с Абрамович, предложит посетителям интенсивную физическую встречу, благодаря которой она стала известна. Абрамович примет участие в программе переговоров и мероприятий, связанных с выставкой.
# MarinaAbramovićRA
Даты будут объявлены дополнительно
Вт – Вс: 10–18
Подпишитесь на рассылку обновлений билетов по электронной почте. Станьте другом, чтобы увидеть это бесплатно.
Главные галереи, Берлингтон Хаус, Королевская академия художеств
Марина Абрамович.Художник присутствует. 2010
С начала 1970-х годов Марина Абрамович выходит за пределы воспринимаемых ограничений тела и разума и исследует сложные отношения между артистом и аудиторией с помощью перформанса , которые бросают вызов как ей самой, так и, во многих случаях, участникам эмоционально, интеллектуально и физически. Идеи, вдохновляющие ее работы, являются ключевыми, как и использование ее собственного тела для передачи своих идей. Она занимается искусством с детства и рано поняла, что не обязательно делать это в студии или даже брать бетон или .«Я поняла, что… я могу творить искусство со всем… и самое главное [вещь] — это концепция», — рассказывает она. «И это было началом моего перформанса. И в первый раз, когда я представил свое тело аудитории, я понял: это мой носитель ». 1
В 2010 году в Музее современного искусства Абрамович участвовал в расширенном перформансе под названием Художник присутствует . Работа была вдохновлена ее убеждением в том, что увеличение продолжительности выступления сверх ожиданий помогает изменить наше восприятие времени и способствовать более глубокому вовлечению в этот опыт.Молча сидя за деревянным столом напротив пустого стула, она ждала, пока люди по очереди сидели на стуле и смотрели ей в глаза. В течение почти трех месяцев, по восемь часов в день, она встречала взгляды 1000 незнакомцев, многие из которых были тронуты до слез.
«Никто не мог представить … что кто-нибудь найдет время, чтобы сесть и просто взглянуть на меня друг другу», — объяснил Абрамович. Фактически, стул всегда был занят, и люди стояли в непрерывных очередях, ожидающих, чтобы сесть на него.«Это была полная неожиданность… эта огромная потребность людей в контакте». 2
Марина Абрамович, цитата из «Марина Абрамович: Ранние годы», Институт Марины Абрамович, http://www.mai-hudson.org/about-mai/.
Марина Абрамович, цитата из «Марина Абрамович: Ранние годы», Институт Марины Абрамович, http://www.mai-hudson.org/about-mai/.
Пако Бланкас в tumblr, https: //www.tumblr.ru / search / paco% 20blancas.
Марина Абрамович, цитируется в «Ритм 0», Институт Марины Абрамович, http://www.mai-hudson.org/about-mai/.
Термин, появившийся в 1960-х годах для описания разнообразных живых выступлений артистов, включая действия, движения, жесты и хореографию. Перформанс-искусству часто предшествуют, включают в себя или позже представляют в различных формах видео, фотографии, объекты, письменную документацию или устную и физическую передачу.
Материалы, используемые для создания произведения искусства, и категоризация искусства на основе используемых материалов (например, живопись [или, точнее, акварель], рисунок, скульптура).
Форма или структура объекта.
О том, чтобы быть рядом с художником
Один посетитель описал сидение с Мариной Абрамович как «трансформирующее переживание — оно светится, поднимает настроение, в нем много слоев, но оно всегда возвращается к присутствию, дыханию, поддержанию зрительного контакта.Это удивительное путешествие — иметь возможность испытать произведение и поучаствовать в нем ». 3 Он был настолько увлечен этим, что возвращался, чтобы посидеть с художником 21 раз!
To the Extreme
Марина Абрамович известна тем, что в своих выступлениях доходит до крайностей, испытывая боль, дискомфорт, уязвимость и незащищенность. Для нее достижение границ терпимости — это способ проверить и обнаружить силу тела и разума: «Мне интересно, как далеко вы можете подтолкнуть энергию человеческого тела, как далеко вы можете зайти, а затем посмотреть что на самом деле наша энергия почти безгранична.Дело не в теле, а в уме, [который] доводит вас до крайностей, о которых вы даже не догадывались ». 4
Произведения искусства Марины Абрамович, которые вы должны знать
Ее можно любить, можно ненавидеть, но одно можно сказать наверняка — ее нельзя игнорировать. Марина Абрамович Арт никого не оставляет равнодушным. Или надо сказать — Марина Абрамович никого не оставляет равнодушным. Жизнь Марины Абрамович, ее выступления, боди-арт, неоднозначные эксперименты, статус знаменитости — все это можно было понять как одно гигантское произведение искусства (конечно, Марины Абрамович).«Бабушка исполнительского искусства», безусловно, раздвинула границы современного искусства в целом, а не только перформанса. Ничто не будет прежним в перформансе после того, как этот знаменитый сербский художник из Нью-Йорка провел десятки захватывающих дух перформансов, которые стали неотъемлемой частью истории современного искусства.
Написать о произведениях Марины Абрамович, которые вы должны знать, — непростая задача. Прежде всего, можно задать вопрос: можно ли говорить о произведениях искусства Марины Абрамович? Что такое или в ее творчестве? Фотографии ее выступлений? Это большой вопрос, который показывает, как перформанс и концептуальное искусство могут быть проданы или собраны.К сожалению, у нас недостаточно места, чтобы написать об этой проблеме (но мы скоро это сделаем). Кроме того, многие из самых известных работ Марина Абрамович создала в сотрудничестве с Улай — ее бывшим партнером. Сегодня они не в хороших отношениях (почему, читайте здесь), и порой сложно представить работы Марины Абрамович без участия Улая. Но давайте на время забудем об их недоразумениях — в этой статье мы также упомянем некоторые работы, созданные Мариной Абрамович в сотрудничестве с Улай.
Наконец, в этой статье мы хотим установить связь между важными работами Марины Абрамович и арт-рынком (а точнее аукционами). Посмотрим, что можно купить на аукционах, и что связано с выступлениями Марины! Вы ведь не можете купить художника? Поэтому некоторые известные произведения богини перформанса будут исключены из этого списка (например, Художник присутствует, 512 часов, и многие другие). Просто фотографии или гравюры с этих спектаклей сложно найти на аукционных торгах.
Прокрутите вниз и взгляните на некоторые из самых известных работ Марины Абрамович!
Несение скелета
Чтобы написать о Марине « Несение скелета », невозможно не упомянуть одно из ее самых ярких выступлений — « Обнаженная со скелетом ». В этом перформансе художник использует точную копию скелета, чтобы символизировать столкновение со смертью. Работа частично относится к древней тибетской традиции, в которой буддийские монахи медитируют на жизнь, смерть и смертность, спя со скелетами разной степени разложения в течение нескольких ночей подряд.Как объясняет Абрамович: Работа действительно о том, чтобы противостоять вашей собственной смертности. Это то, чего в жизни мы боимся больше всего. Речь идет о страхе боли и страхе смерти .
Carrying the Skeleton является логическим продолжением модели Nude with Skeleton . Более подробную информацию об изделии, а также о том, где и как его купить, можно найти здесь. Хромогенный отпечаток перформанса получил самую высокую цену (108 000 долларов) на Christie’s в Париже в 2014 году.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Несение скелета
Герой
Спектакль « Герой » посвящен отцу художника, который во время Второй мировой войны был югославским партизаном.Он вдохновлен историей родителей Амбрамовича, когда ее мать спасла жизнь ее отцу. Как поясняет Абрамович: После смерти отца я решил заняться этой работой. Я неподвижно сижу на белом коне с развевающимся на ветру белым флагом. Я остаюсь там на неопределенное время. Женский голос поет на ее память гимн Югославии времен Тито. Видеоизображение черно-белое, потому что я хотел подчеркнуть прошлое и воспоминания .
Цветная печать перформанса была продана за 24 500 долларов в 2013 году.Более подробную информацию о работе вы можете найти здесь.
Марина Абрамович — Герой (любезно предоставлено Phillips)
Ритм 5
Rhythm 5 — одно из первых значительных выступлений в карьере Марины Абрамович. В этом перформансе Абрамович стремился вновь вызвать энергию сильнейшей телесной боли, используя большую залитую нефтью звезду, которую артист зажег в начале выступления. Во время выступления артист чуть не задохнулся.Как поясняет Марина: Я конструирую пятиконечную звезду (из дерева и щепы, пропитанной 100 литрами бензина). Я поджег звезду. Я хожу вокруг него. Я стригся и бросаю пучки в каждую точку звезды. Я подстригаю ногти на ногах и бросаю вырезки в каждую точку звезды. Я вхожу в звезду и ложусь на пустую поверхность. Лежа, я не замечаю, что пламя израсходовало весь кислород. Я теряю сознание. Зрители не замечают, потому что я лежу на спине. Когда пламя касается моей ноги, а я все еще не проявляю никакой реакции, в звезду входят двое зрителей и выносят меня .Позже Марина Абрамович прокомментировала: Я очень разозлилась, потому что поняла, что есть физический предел: когда ты теряешь сознание, ты не можешь присутствовать; вы не можете выполнить .
Отпечаток перформанса на бромойно-желатиновом серебре был продан за 20 000 долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в 2010 году. Более подробную информацию можно найти здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Ритм 5 (любезно предоставлено rudygodinez.tumblr.com)
Отношения в пространстве
Отношения в космосе — перформанс под управлением Марины Абрамович и Улая.В этом представлении 1976 года они несколько раз сталкивались друг с другом в течение часа, смешивая мужскую и женскую энергию в третьем компоненте, называемом «это я». Приближаясь друг к другу с разных сторон пространства, Улай и Абрамович сталкиваются друг с другом посередине и затем исчезают из поля зрения. Иногда они не появляются снова в течение следующих двадцати секунд, прежде чем процесс начинает повторяться. На начальных этапах Улай и Абрамович мягко касаются друг друга при прохождении, как будто случайно.Но ходьба постепенно превращается в бег, и удары двух тел неуклонно нарастают.
Бромойл, желатиновый серебряный отпечаток перформанса был продан на Christie’s в Лондоне за 51 300 долларов. Более подробную информацию вы можете найти здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович и Улай — Отношения в космосе
Ритм 0
Ритм 0 , наверное, одно из самых известных и самых важных выступлений Марины Абрамович. Этот спектакль прославил ее.Это также одно из самых значительных произведений в истории исполнительского искусства, которое когда-либо проводилось. Спектакль состоялся в 1974 году в Неаполе. Работа заключалась в том, что Абрамович стояла неподвижно, в то время как публике предлагалось делать с ней все, что они хотели, используя один из 72 предметов, которые она поместила на стол. В их число входили роза, перо, духи, мед, хлеб, виноград, вино, ножницы, скальпель, гвозди, металлический пруток и пистолет, заряженный одной пулей. Как позже описал Абрамович: Я вот что узнал… если вы оставите это на усмотрение аудитории, они могут убить вас .
Серебряный отпечаток перформанса был продан на Christie’s в Лондоне за 26 600 долларов. Нажмите здесь, чтобы увидеть, как эта работа продвигается на аукционах.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Ритм 0 (любезно предоставлено blackieloveless.tumblr.com)
Победа
Это произведение представляет собой портрет Марины Абрамович в джунглях, в то время как художник держит в руках нож.Марина Абрамович много путешествовала. Она провела год в дороге по Европе, месяцы в австралийской пустыне, в Тибре, Индии и так далее. О своем опыте в австралийской пустыне Абрамович заявила: Для меня аборигены — самые естественные люди: они живут не в прошлом или будущем, а в настоящем. У них есть история и смысл для всего . Она добавила: В той пустыне я провела много времени, просто сидя: медитируя, слушая тишину. Это то, что открыло мою вселенную .
Цибахромный принт Victory был продан на Christie’s в Париже за 63 600 долларов. Более подробную информацию о работе вы можете найти здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Победа (любезно предоставлено res.cloudinary.com)
Балканское барокко
Марина Абрамович родилась в Белграде, Югославия. Когда Югославия распалась, и последовали жестокие войны, Белград стал столицей Сербии. Как она сказала The Guardian : Когда меня спрашивают, откуда я, я никогда не говорю из Сербии.Я всегда говорю, что приехал из страны, которой больше нет . Balkan Baroque был установлен на Венецианской биеннале в 1997 году. В этом спектакле Абрамович сидит среди огромной кучи окровавленных коровьих костей, промывая их одну за другой, исполняя народные песни из своего детства. Название « Balkan Baroque » побуждает зрителей подойти к произведению как к ответу на опустошенную войной Абрамовичем страну, бывшую Югославию. В инсталляцию включены три видеопроекции, передающие темы насилия и травм.Четыре дня художник сидит в середине кучи, вытирая 1500 свежих говяжьих костей. Ее платье все больше покрывается кровью, когда она поет народные песни и плачет.
Репродукция перформанса «Cibachrome» была продана на аукционе Sotheby’s в Париже за 33 800 долларов. Щелкните здесь, чтобы узнать больше о работе.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Балканское барокко (любезно предоставлено thedaysofyore.com)
Томас Липс
В перформансе Thomas Lips Марина Абрамович предпринимает ряд действий, которые доводят ее физические возможности до крайности и в конечном итоге приводят к нарушению границ тела.Она начинает с того, что съедает 1 килограмм меда, а затем выпивает 1 литр красного вина. Затем она разбивает бокал рукой. Постепенно действия становились все более жестокими, достигая кульминации в попытках нанесения себе увечий, таких как вырезание пятиконечной звезды в животе бритвой, изображение, ставшее культовым в истории исполнительского искусства. Скульптурная инсталляция Thomas Lips 2005 года демонстрировалась на мониторах, установленных друг на друга, и была вдохновлена этим перформансом.
Хромогенный принт выступления 2005 года был продан на Christie’s в Нью-Йорке за 90 000 долларов. Для получения дополнительной информации щелкните здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Томас Липс (любезно предоставлено thegroundmag.com)
Голова дракона
Спектакли, относящиеся к серии «Головы дракона» , были первыми выступлениями Марины Абрамович после разлуки с Улая. Во всех версиях Абрамович сидит неподвижно, а по ее телу скользит змея.По словам Абрамовича, отправной точкой для этой работы стало следующее наблюдение: «Змеи могут следовать за энергией планеты, куда бы вы их ни поместили». Таким образом, змеи в спектаклях фактически никогда не выходили на публику, потому что они не скользили по льду, окружавшему Абрамовича и змей. Змеи должны были следовать по линиям тепла и энергии на голове и теле Абрамовича.
Цветная фотография была продана за 2740 долларов в De Vuyst Lukeren. Нажмите здесь, чтобы увидеть, как эта работа влияет на аукционные продажи.
Показанное изображение: Марина Абрамович — Голова дракона (любезно предоставлено flickr.com)
Любовники
«Любовники» — часть последнего совместного выступления Абрамовича и Улая. В 1988 году, после нескольких лет напряженных отношений, Абрамович и Улай решили совершить духовное путешествие, которое положило бы конец их отношениям. Каждый из них прошел по Великой Китайской стене в части под названием The Great Wall Walk , начиная с двух противоположных концов и встречаясь посередине.Как описал это Абрамович: Эта прогулка стала полной личной драмой. Улай стартовал из пустыни Гоби, а я — из Желтого моря. После того, как каждый из нас прошел 2500 км, мы встретились посередине и попрощались с .
Фотография произведения была продана за 2400 долларов в Freeman Philadelphia. Чтобы узнать больше о произведении искусства, щелкните здесь.
Показанное изображение: Марина Абрамович и Улай — Любовники (любезно предоставлено phaidon.com). Все изображения используются только в иллюстративных целях.
представлений, биографий и идей Абрамовича | TheArtStory
Краткое содержание Марины Абрамович
К концу 1950-х годов, когда абстрактное искусство начало терять импульс, многие художники по всему миру начали принимать перформанс. Перформанс был характерной чертой авангардного искусства примерно с 1910 года, но работа Марины Абрамович типична для целей нового поколения в ее стремлении избегать традиционных предметных художественных материалов (таких как краска и холст) и вырезать сократить расстояние между артисткой и публикой, сделав медиумом ее собственное тело.Воспитанный во время репрессивной коммунистической диктатуры Югославии и воспитанный родителями, тесно связанными с режимом, драматические и опасные выступления Абрамовича часто кажутся катарсическими реакциями на эти ранние переживания. Она создала множество скульптур, но наиболее известна своими перформансами и остается одной из немногих артистов-перформансистов своего поколения, которые продолжали выступать в конце своей карьеры.
Достижения
- Работа Марины Абрамович типична для ритуального перформанса 1960-х годов.Это часто связано с тем, что она подвергает себя серьезной опасности и выполняет длительные, вредные действия, в результате которых она получает порезы или ожоги, или терпит лишения. Она рассматривает свое искусство почти как жертвенный и религиозный обряд, выполняемый ею самой для группы зрителей. И физические испытания, которым она подвергается, формируют основу для изучения таких тем, как доверие, выносливость, очищение, истощение и уход.
- Мы можем интерпретировать ее работу как вытеснение искусства из традиционных медиа, таких как живопись и скульптура, и перенесение его непосредственно на ее тело.