Ольги свибловой: Ольга Свиблова – биография, фото, личная жизнь, новости, Инстаграм 2023 — homyrouz.ru

Содержание

Ольга Свиблова – биография, фото, личная жизнь, новости, Инстаграм 2023

Биография

Ольга Львовна Свиблова – заметная персона в кругах отечественной культурной элиты. Имя этой женщины регулярно вносят в топ-50 наиболее влиятельных людей в российском искусстве. А в 2011-ом она вошла в международный рейтинг издания «Le journal des Arts», попав в сотню самых авторитетных персон мирового искусства.

Родилась Ольга Свиблова летом 1953 года в Москве в интеллигентной семье, где мама – филолог, преподаватель немецкого языка в университете, а папа – инженер в космической отрасли, работал в Курчатовском институте. При этом семья жила в коммуналке, где даже ванной не было. Зато в огромной квартире было много детей, а во дворе со старым сараем – собак, которых маленькая Оля обожала. Девочка даже заявила, что, когда вырастет, станет их пастухом.

Искусствовед и кинорежиссёр-документалист Ольга Свиблова

В 4-летнем возрасте Свиблова заболела костно-суставным туберкулезом. Она могла передвигаться с огромным трудом. Наверное, именно тогда у Ольги выработался характер: чтобы стать на ноги и преодолеть последствия страшной болезни, она была вынуждена упорно заниматься спортом, преодолевая боль и слабость.

Родители оказались мудрыми людьми. Они давали дочери возможность развиваться так, как ей хотелось. Никогда не давили и оставляли свободу действия, правильного или неправильного. Так Ольга Свиблова научилась мыслить и выбирать.

Ольга Свиблова

В старших классах математической школы Свиблова выбрала биологию. Поступила с легкостью, но скоро разочаровалась. Девушка ушла, бросив биологию после 3 курса, и поступила на психологический факультет МГУ. Окончила аспирантуру в 1987 году, защитив диссертацию по теме «Метафоризация творческих процессов».

Карьера

Биография Ольги Свибловой начиная с конца 1980-х связана с искусством. История прихода в мир прекрасного довольно проста и одновременно символична. В юности девушка увидела на столичной улице странных людей, которые отличались от общей серой массы. У них были длинные волосы и бороды. Одежда тоже выделяла их из толпы. Заинтересовавшись этими субъектами, девушка отправилась за ними, соблюдая дистанцию. Так Ольга впервые попала на выставку современного искусства. Атмосфера и гости мероприятия так ей понравились, что Свиблова начала регулярно посещать подобные собрания.

Искусствовед Ольга Свиблова

В середине 1980-х Ольга Львовна и сама взялась за организацию художественных выставок. На сегодня она куратор более 500 проектов, среди которых и современное художественное искусство, и фотография.

В 1996 году Свиблова основала Московский дом фотографии, который сегодня носит название «Мультимедиа Арт Музей». А еще она основала ассоциацию «Искусство конца века» и Московскую школу фотографии и мультимедиа имени А. Родченко.

Искусство фотографии Ольга Львовна выделяет особенно. В стенах возглавляемого ею «Мультимедиа Арт Музея» не так давно состоялась выставка любительских фотографий конца 1980-х. Непрофессиональные снимки, которые принесли люди, оказались необычайно занимательными в плане отображения духа прошедшего времени, той атмосферы и лет, когда стремительно менялась эпоха. Интерес к выставке оказался так высок, что ее признали одной из самых успешных на «Фотобиеннале».

Вторая половина 1990-х принесла Свибловой ряд новых творческих задач. Наряду с организацией экспозиций, Ольга стала художественным директором Московского «Фотобиеннале», конкурса «Серебряная камера» и фестиваля «Мода и стиль в фотографии».

А еще Ольга Львовна Свиблова известна как режиссер-кинематографист. На ее счету несколько работ, которые принесли ей известность далеко за границами России. Дебютный фильм Свибловой – лента «Архитектор Мельников». Спустя год, в 1987-ом, вышла картина под названием «Кривоарбатский переулок, 12». За эту работу Свибловой вручили приз на фестивале документального кино об архитектуре, который прошел в Лозанне.

В 1988 году режиссер представила на суд зрителей документальную картину «Черный квадрат». Фильм рассказывает о русском андеграунде периода с 1953 по 1988 годы. За него Ольга Свиблова была награждена главным призом Чикагского фестиваля документального кино и первым призом Бомбейского фестиваля документалистики. Но самая почетная и престижная награда – «Золотая пластина». Это приз парижской критики Каннского фестиваля.

В 1991-ом и 1995-ом Ольга Свиблова презентовала еще две документальные ленты – «В поисках счастливого конца» и «Дина Верни». Эти картины тоже получили престижные российские и зарубежные награды. Во второй киноленте рассказывалось о жизни музы французского художника Аристида Майоля, участницы французского «Сопротивления», неоднократно спасенной своим покровителем. В память о художнике Дина к 1995 году открыла посвященный его творчеству музей.

На родине труд искусствоведа и режиссера оценили по достоинству: в 2001 году Свиблову наградили орденом «За заслуги перед Отечеством» II степени.

Искусствовед и кинорежиссёр-документалист Ольга Свиблова

Начиная с 90-х годов Ольга Свиблова сотрудничает с французскими, британскими и исландскими музеями, регулярно становясь куратором выставок. Ольга вывозит в столицу Франции инсталляции российских художников и фотографов, среди которых Валерий Кошляков, Мария Серебрякова, Сергей Чиликов, Александр Родченко и другие. На Венецианском биеннале современного искусства Ольга представляла российский павильон. При участии Свибловой в 2016 году в музее Помпиду в Париже прошла выставка «КОЛЛЕКЦИЯ! Современное искусство в СССР и России 1950–2000: уникальный дар музею», организованная Благотворительным фондом Владимира Потанина.

Ольга Свиблова знаменита собственным стилем, который выработался у нее с годами. Ольга не изменяет многолетней привычке носить эффектные украшения в виде массивных колье и бус. Одно время искусствовед регулярно появлялась с жемчужным колье, основа которого была сделана из сетчатого материала. Позднее Ольга стала отдавать предпочтение бусам, сделанным из крупных прозрачных шаров, которые называла мыльными пузырями. Впервые Свиблова приобрела их в Венеции, в магазинчике сестер Марианны и Сюзанны Сент. Благодаря Ольге Свибловой коллекция вошла в моду и принесла авторам финансовый успех.

Кинорежиссёр-документалист Ольга Свиблова

Из одежды Ольга Львовна предпочитает модели коллекций японских и бельгийских модельеров. Любимый цвет предметов гардероба – черный. По словам Свибловой, вкус ей привила мама, которая водила ее еще девочкой на модные показы в ГУМ. А летом родители привозили вещи из Германии, на турпутевки в которую копили целый год. Благодаря маме Ольга научилась находить в комиссионных магазинах брендовые вещи. Любую депрессию она исцеляет походом в секонд-хенд, чтобы «лечение» не получилось разорительным. А еще Свиблова с детства не выбрасывает одежду, а переделывает ее, так как считает, что с нарядом покупает часть себя.

Личная жизнь

Впервые искусствовед пошла под венец в 18 лет. Но этот опыт оказался печальным. Приближающийся день бракосочетания вызывал в невесте не восторг и радость, а желание все отменить. Но белое платье было куплено, зал заказан, и отступать было некуда. То, что совершает ошибку, Ольга поняла в день бракосочетания. Поэтому сбежала сразу же после торжественного объявления пары мужем и женой. Развод последовал спустя 3 месяца.

Второй раз Ольга Свиблова вышла замуж через несколько лет. Ее мужем стал талантливый и творческий человек, поэт Алексей Парщиков. В 1983 году у пары появился сын Тимофей. Супруги прожили вместе 18 лет, но в результате расстались.

Ольга Свиблова с сыном

Личная жизнь Ольги Свибловой сложилась счастливо после встречи и знакомства с Оливье Мораном, французом по национальности, владельцем страховой компании, директором выставочного центра La Base в Париже и своим единомышленником. Супруга не стало в 2014 году. В третьем браке общих детей не было.

Сын Ольги Свибловой, Тимофей Парщиков, окончил операторский факультет ВГИКа и отучился на высших курсах режиссеров и сценаристов. Позднее стал знаменитым в Москве фотографом.

Ольга Свиблова сейчас

За многолетнее плодотворное сотрудничество Ольга Свиблова в 2017 году удостоилась титула Офицер Ордена Почетного легиона от французского правительства. Сейчас искусствовед продолжает совместную работу по проведению выставок в российских и европейских музеях, о чем свидетельствуют фото в «Инстаграме» Свибловой.

Ольга Свиблова рассказывает историю своих легендарных бус

МОДА•ИНТЕРВЬЮ

Текст: Алина Григалашвили

Директора московского Мультимедиа Арт Музея, заслуженного деятеля искусств Российской Федерации Ольгу Свиблову невозможно представить без ее неизменных бус — серебристых шариков в черной сетке. В новой рубрике The Blueprint «Знакомые вещи» она рассказывает о том, где и как эти бусы были найдены и почему стали важной частью ее жизни.

Я купила эти бусы в дизайн-шопе на улице Риволи в Париже, в Музее моды. Я вообще очень люблю дизайнерские отделы, дизайнерские магазинчики в музеях, в некоторых люблю больше, в некоторых меньше. Это было четырнадцать лет назад. Я покупала их не для себя, а в подарок. Кому именно — уже не могу вспомнить. Я вернулась в Москву и оставила их там.

В январе 2007 года я должна была решить для себя вопрос: приму ли я предложение курировать Российский павильон на Венецианской биеннале. Я узнала об этом в декабре в Лондоне, была на большой международной конференции: мне звонит пресса, говорит: «Какой у вас проект?» Я говорю: «А почему вы меня спрашиваете?» Он говорит: «Ну вы куратор».

Меня не предупредило Министерство культуры. Я еду туда в январе: оказалось, что наш павильон находился в ужасном состоянии — промокший и разбитый, как руина, там жили бомжи. Я зашла в эту руину, посмотрела на нее: проекта нет, бюджета нет, и руину надо восстанавливать. Я лечу в Москву в глубоком потрясении, в самолете Венеция—Москва, и у меня на пальцах кольца любимые, подаренные мне мужем, с которыми я не расстаюсь, — а без колечек и без каких-то бирюлек я не работаю. В самолете я обычно сдираю все бирюльки, потому что у меня опухают руки, и я засунула в косметичку все кольца мужа.

Долетаю до Москвы, понимаю, что прилетела мертвая и что мне нечего есть. По пути из аэропорта я прошу водителя довезти меня в магазин (кажется, «Азбука Вкуса» рядом с Лубянкой). В магазине я встречаю любимую художницу, мы о чем-то разговариваем, я оставляю свою сумку на тележке, покупаю еду домой и утром понимаю, что моя косметичка исчезла.

Мало того, что это ужас, потому что в старенькой косметичке у меня все мои драгоценности (я очень не люблю покупать что-то новое, и все мои контакты с косметикой — это, как правило, Duty Free по пути в какую-то командировку). Я начинаю судорожно искать колечки — я парализована, потому что у меня есть привычка надевать колечки для того, чтобы начать работать. Я дергаюсь, звоню мужу. Оказывается, что эти колечки были не простые, а очень драгоценные — большие камни. Я не знаю, что делать, идут розыски. Наконец, кому-то приходит в голову обратиться в магазин — по камерам видеонаблюдения мы находим, что действительно было два человека, которые за мной следили, и когда я отвернулась от своей сумки, они схватили ее и выхватили из нее косметичку. Видимо, думая, что там может быть бумажник и так далее.

Я как бы осталась в печали, и совершенно непонятно, что делать: колец нет, никакая милиция ничего не ищет, что и следовало как бы ожидать, но мне надо что-то надеть, потому что без колец я просто не могу работать.

Я хожу по дому в прострации, что-то ищу, перебираю мешочек за мешочком и открываю тот, в котором находятся вот эти бусы и колечко с точно такой же сеточкой. Это колечко меня спасло. Притом я понимаю, что это был подарок кому-то, но уже прыгаю, как обезьянка, потому что женщина оживает, когда что-то находит. И вот я уже решила, что предыдущие бусы не годятся к этому колечку — я надела комплект и поняла, что пора принимать решение. В итоге я решила, что буду делать этот проект, и он очень хорошо получился.

Дальше история сложилась так, что колечко как-то исчезло, а бусы сели и прижились. Причем так, что менять их уже было невозможно, потому что, когда я их надевала, все говорили: «Ой какие бусы!», а когда я была без них, все спрашивали: «А почему у вас нет сегодня бус?» В результате я стала рабом своей же собственной игрушки. Это действительно игрушка, в сеточке не жемчуг, а пластиковые шарики, и эта игрушка так прижилась, что стала важнейшей частью жизни. Ее соучастником. И даже сейчас, когда я сижу на карантине — работать или созвониться с кем-то в зуме, — первое, что я делаю, это надеваю бусы.

Я надеваю их и вхожу в рабочую форму. Это дисциплинирующая связь бижутерии и моего психического состояния, потому что, как только я возвращаюсь домой и понимаю, что рабочий день закончен, то первое, что делаю, — это снимаю все колечки и бусы. Как только я все это снимаю, начинается мое время. Если я в них, это значит, что я в рабочей форме.

Естественно, от постоянного ношения бусы абсолютно уже пришли в негодность. Шарики из серебристых превратились в черные, железная проволочка растянулась, и надо было явно покупать новые. А они исчезли из этого бутика, и я их больше нигде не видела.

Я прилетаю в Нью-Йорк и встречаюсь там с директрисой симпатичного Австралийского музея современного искусства, и она говорит: «Ой, я знаю, кто дизайнер этих бус!» Она называет мне имя итальянского дизайнера, и я спрашиваю: «Ты можешь ей как-то написать? Я мгновенно куплю пять пар». Вот такой я запасливый Буратино — каждый раз, когда покупаю, например, обувь, думаю: «Хорошая, надо купить несколько пар».

В итоге эти бусы пришли в тот же самый бутик — на улицу Риволи. Там продавались другие украшения того же дизайнера, но меня они никак не трогали. Когда я увидела свои бусы, я купила сразу пять пар. Какие-то я выложила, какие-то оставила, и те, что выложила, сразу потеряла. Сегодня у меня осталось две пары: одни уже выношенные, другие поновее — вот я их ношу. В какой-то момент мне (а я не живу в социальных сетях) написала эта дизайнер, которая видит, как я везде в ее бусах. Эта лента тут же ушла, и я так и не понимаю, как ее найти. Я снова забыла ее имя, и думаю, что однажды, когда мои бусы испортятся, надо будет ее найти, потому что эти бусы подходят абсолютно ко всему: от халата до любого платья. Я живу в надежде, что у меня будет время найти этого дизайнера заново, и если надо будет, прикупить еще парочку. А пока они у меня, как бы это сказать… красиво старятся.

{«width»:1200,»column_width»:90,»columns_n»:12,»gutter»:10,»line»:40}false7671300falsetruetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».

editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}

Лучшие материалы The Blueprint — в нашем телеграм-канале. Подписывайтесь!

//= $articleUrl; ?>

теги: ИНТЕРВЬЮ

Мультимедиа Арт Музей, Москва, Ольга Свиблова ломает свой личный стиль

Воскресный вечер в Мультимедиа Арт Музее, Москва, и Ольга Свиблова, директор и основатель музея, приглашает меня на персональную экскурсию по выставке Константина Бранкузи. . Трое подростков ходят позади нас на цыпочках, пока во время короткой паузы в разговоре один из них набирается смелости, чтобы вежливо вмешаться и попросить Свиблову сфотографироваться с его другом, который слишком нервничал, чтобы попросить об этом самостоятельно. Свиблова с радостью соглашается, обнимая девушку за плечи. Несмотря на ее откровенную доброту, поощряющую их юношеский интерес к искусству, их трепет по отношению к Свибловой небезоснователен: ведь она знаменитость здесь, в Москве, как и в мире искусства в целом.

Свибловой очень легко запугать. Она резковата, резка и деловита. Как торнадо, она заставляет дрожать семиэтажное здание, проносясь по его залам. Охранники волшебным образом открывают двери, люди вытягивают головы, чтобы мельком увидеть ее, и когда она садится за свой офисный стол, тут же заваривается чашка чая. Ее бесстрашный характер соответствует ее острому взгляду: Свиблова носит черные очки в толстой оправе, а ее серебристые волосы собраны назад и собраны в пучок, подчеркивая ее скулы. В день нашей встречи она была одета в черное платье Max Mara с запахом, которое туго затянуто вокруг талии. Позже той же ночью она наденет то же платье на церемонию награждения, организованную 9.0005 журнала Forbes , а затем — на торжественное мероприятие для московского универмага класса «люкс» ЦУМ.

Книжная полка Свибловой. Фото: Туркина-Фасо

Как у одной из самых влиятельных личностей в мире искусства, у Свибловой мало времени, чтобы заниматься своим гардеробом. Для нее простое черное платье, как у дневного Max Mara, является ее униформой. «Мне нужно навести какой-то порядок, а одежда помогает мне быть в порядке», — говорит Свиблова. «[Днем] мне нужно быть в офисе. Ночью я должен пойти на официальную вечеринку. А вечером я делаю инсталляцию [где я буду] двигать довольно тяжелые куски. Я должен быть готов к каждой ситуации. Мне приходится менять много ролей».

Эти роли сильно менялись с тех пор, как Свиблова начала свою карьеру, так как ее карьера началась не самым благоприятным образом. После окончания учебы в университете по истории искусств она пошла по обычному пути к карьере в академических кругах и шесть лет работала дворником в Москве. «Это была минимальная зарплата, но у меня было много свободного времени, а свободное время — это самое дорогое, что есть в жизни», — говорит она. «Сегодня у меня их нет, но они были тогда, и я думаю, что потратил их с пользой». В этот период она смогла сформировать круг русских художников. В 19В 89-м году она выпустила отмеченный наградами документальный фильм « Черный квадрат, » о российской андеграундной авангардной сцене. До распада Советского Союза она организовывала независимые выставки и боролась за продвижение творчества новаторских русских художников, таких как Александр Родченко. (Ранее в этом году Гоша Рубчинский и Канье Уэст посетили Мультимедиа Арт Музей, выставку Родченко в Москве). В 1996 году возглавила Московский Дом фотографии, впоследствии ставший Мультимедиа Арт Музеем, Москва.

Свиблова в Мультимедиа Арт Музее, МоскваФото: Туркина Фасо

Самые популярные

Теперь ее рабочий день не требует излишеств. Гардероб Свибловой, как правило, полностью черный, за исключением случайных вспышек оптически белого цвета. Ее философия в отношении одежды смешана с юмором. «Для женщин важно делать покупки. Это лучше, чем платить за психотерапию», — говорит Свиблова, добавляя, что, в отличие от психиатра, шоппинг дает «немедленный результат!» Тем не менее, с ее плотным графиком и предпочтением монохрома, она редко оказывается в магазине. Когда она это делает, ее выбор варьируется от Zara до Issey Miyake, от Prada до винтажа. Одежда, объясняет Свиблова, должна быть вашей второй кожей: » Одежда — твои лучшие друзья, ты не можешь выбрать друзей за пять минут».

Тем не менее, от ее прошлой богемной жизни осталось несколько романтических тенденций, которые проявляются, когда она говорит об аксессуарах. Для Свибловой они привносят красочную детскую атмосферу в ее черный с головы до пят. «Моя жизнь достаточно серьезна. Вы не можете сказать, когда я больна или устала, или когда ситуация плохая», — говорит она. «Я ищу смех из детских времен. Если бы у нас не было этого юмора, мы бы не выжили». Она оглядывается на свои украшения, а именно на черные модернистские часы с желтой, синей и красной бусиной сбоку. Это подарок от ее второго мужа, француза Оливье Морана, страхового брокера, скончавшегося три года назад. (в 19, она вышла замуж за известного русского поэта Алексея Парщикова, от которого у нее есть общий сын; они развелись в 1991 году. ) «Эта [часовая] модель дизайна из 70-х годов. Я [носила] эти часы с любовью много лет», — говорит она. Ожерелье — ее фирменное украшение — сетчатая трубка, напоминающая змеиный хвост, обернутая вокруг ее шеи, с горсткой жемчужин размером с ноготь большого пальца, некоторые из которых сколоты и прыгают вокруг нее. По словам Свибловой, арт-сообщество Италии называет его «ожерельем, которое носит русская Ольга». Фирменный предмет этой эффектной женщины никогда не казался более подходящим.0003

Ольга Свиблова | Art Blart

Сроки проведения выставки: 25 января – 3 апреля 2013

Куратор: Свиблова Ольга

Варвара Степанова 94-1958)
Красноармейцы
1930
Фотомонтаж за Зарубежье журнал
Бамперный пост на интересную тему. Портрет Толстого невероятен; более пронзительны фотографии до Первой мировой войны (последние дни царской династии) и до Второй мировой войны ( Портрет Юрия Рыпалова, внизу). Люди смотрят в камеру, не подозревая, что водоворот вот-вот обрушится…
Маркус
.
Большое спасибо Foam за возможность опубликовать текст и фотографии в постинге. Пожалуйста, нажмите на фотографии для увеличения версии изображения.

Михайлов Борис (украинец, 1938 г.р.)
Без названия
1971-1989 5 Лурики
0 Из серии0006

Василий Улитин (Русский, 1888-1976)
Пламя Парижа

9005 Дом Музей 1932 Bromoil 9005 Фотография 0050 © Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей Московский Дом фотографии

Бальтерманц Дмитрий (Русский, 1912-1990)
Мужской разговор
1950-е
Цветная печать
Московский Дом фотографии0050 © Архив Дмитрия Бальтерманца
© Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей Московский Дом фотографии

Дмитрий Бальтерманц (Русский, 1912-1990)
s 0 Дождь 0
Цветная печать
Московский Дом Музей фотографии
© Архив Дмитрия Бальтерманца
© Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей Московский Дом фотографии

Яков Халип (Россия, 1908-1980)
Морские кадеты
Конец 1940-х
Цветная печать художника
На обороте текст поздравления Александру Родченко
Собрание Музея «Московский Дом фотографии»
© Мультимедиа Арт Музей, Москва/ Московский Дом Музея фотографии

Выставка Примула – Русская цветная фотография проводится в рамках выставки Нидерланды-Россия 2013. весна. Первоцвет – Российская цветная фотография представляет ретроспективу различных попыток в России производить цветные фотографические изображения. Этот процесс начался в начале 1850-х годов, почти одновременно с открытием самой новой среды. Техника колорирования, основанная на традиционных приемах мастеров, добавлявших цвет в определенный контурный рисунок, определила целое самостоятельное направление в истории фотографии в России, от «открыточных» пейзажей и портретов до советской агитационной и репортажной фотографии.
Использование цвета в России восходит к началу 1850-х годов и практически совпадает с изобретением самого средства. Термин «цветная фотография» несколько лукавит, поскольку сначала он относился к технике тонирования, при которой черно-белые фотографии раскрашивались вручную. Традиционно эту технику использовали специализированные ремесленники, добавлявшие фотографии определенным способом и в пределах контуров изображения. Эта техника стала настолько популярной, что сама по себе стала трендом и во многом определила облик и эстетику цветной фотографии в России. Первоначально использовавшийся специально для портретов, пикториалистских пейзажей и обнаженной натуры, позже он также обрел популярность у художников-авангардистов. Интересно, что эта эстетика также послужила отправной точкой для советской пропаганды, портретов, политических лидеров и репортажей.
Первоцвет – русская цветная фотография можно рассматривать как путешествие через различные техники и жанры, смыслы и сообщения, массовые практики и индивидуальные эксперименты. На выставке представлены работы известных фотографов и художников, таких как Сергей Продукин-Горский, Иван Шагин, Дмитрий Бальтерманц и Роберт Диамент. Но также представлены уникальные фотографии Александра Родченко и Варвары Стефановой, а также недавние работы из знаменитой серии «Лурики» Бориса Михайлова, в которых он высмеивал визуальную культуру советской пропаганды.
Пресс-релиз с веб-сайта Foam [Online] Процитировано 24.03.2020 больше не доступен в сети 0005 Москва. Лубянка
1910-е
Отпечаток
Собрание Музея «Московский Дом фотографии»
© Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей «Московский Дом фотографии» 937)
Таня, Наташа, Коля и Лиза Козаковы, Вера Николаевна Веденисова и Елена Францевна Базилева. Ялта
1910-1911
Копия; оригинал – автохром
Московский Дом фотографии музей
© Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей Московский Дом фотографии провинция
1910

Родченко Александр (русский, 1891-1956)
Гонка. Стадион «Динамо»
1935
Художественная серебряно-желатиновая печать, гуашь
Собрание Музея «Московский Дом фотографии»
© Архив А. Родченко – В. Степанова
© Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей «Московский Дом фотографии»

Дмитрий Бальтерманц (русский, 1912-1990)
Встреча в тундре
1972
Из серии « Встречи с Чукоткой. 02 Инсталляционные фотографии выставки Первоцвет – русская цветная фотография в Foam, Амстердам

Первоцвет
Эта выставка с метафорическим названием Примула демонстрирует появление и развитие цвета в русской фотографии с 1860-х по 1970-е годы и в то же время раскрывает историю России в фотографии. На примерах работ классиков отечественной фотографии, таких как П. Павлов, К. Бергамаско, А. Эйхенвальд, А. Родченко, В. Микоши, Г. Петрусов, Д. Бальтерманц и Б. Михайлов, а также неизвестных фотографов мы можно увидеть, как менялась жизнь в России на протяжении столетия, пережившего исторические и социально-политические катастрофы, а также ту разнообразную роль, которую играла в этот период фотография.
Цвет в русской фотографии получил распространение примерно в то же время, что и в Европе – в 1860-е годы. Это зависело от ручного тонирования фотоотпечатков акварельными и масляными красками либо самими фотографами, либо работающими с ними художниками. В первую очередь это касается индивидуальных или семейных портретов, заказанных на память. Фотоателье Нечаева, Ушакова и Эрикса и Эйхенвальда изготовили тысячи тонированных портретов, которые стали важной частью домашнего интерьера.
Люди стремились увидеть собственное изображение в цвете, и притом в живописной форме. Окрашивание ранних фотоснимков также могло скрыть дефекты отпечатков, в том числе дефекты, появившиеся на альбуминированной бумаге. Со временем эта бумага пожелтела. Чтобы скрыть это, бумагу подкрашивали в зеленый, розовый и другие цвета и раскрашивали акварелью, гуашью, маслом, а позднее анилиновыми красками. Иногда в процессе тонировки фотография частично перерисовывалась, и на заднем плане появлялись лиственные украшения или различные предметы интерьера.
К концу 19 века, к 1880-м и 1890-м годам, цветная фотография была распространена на архитектурные, пейзажные и промышленные объекты. Например, фотоателье Троице-Сергиева монастыря (фотоателье при русских монастырях стали очень распространенным явлением) создавало многочисленные цветные архитектурные изображения православных храмов.
В конце 19 — начале 20 веков в России, с одной стороны, происходила активная европеизация, что нашло отражение в стиле архитектурных сооружений, интерьеров, костюма и быта, но вместе с тем шли и поиски национального самосознания, новых интерес к национальным особенностям жителей Российской империи. Появились целые серии раскрашенных фотографий, изображающих людей в национальных костюмах – русских, татар, кавказцев, украинцев и так далее.
С промышленным бумом конца 19 — начала 20 веков люди стали украшать свои стены не только тонированными пейзажами, но и фотографиями промышленных сооружений (например, фотография Дмитрия Езучевского Строительство моста ). В начале 20 века, в 1910-е годы, особой популярностью пользовались цветные фотографии русских офицеров, важного социального класса до начала Первой мировой войны.
Фотодокументация жизни Российской империи в начале ХХ века приобрела статус государственного объектива во многом потому, что царь Николай II и его семья были увлеченными фотографами-любителями. 19 мая09 Император Николай II дал аудиенцию фотографу Сергею Прокудину-Горскому. В 1902 году Прокудин-Горский впервые объявил о технике создания цветных фотографий, а в 1903 году опубликовал брошюру «Изохроматическая фотография ручными камерами». Прокудин-Горский использовал черно-белые фотопластинки, сенсибилизированные по его собственным формулам, и камеру собственной конструкции. Были сделаны три быстрых снимка последовательно через светофильтры синего, зеленого и красного цветов (фотографу удалось сократить время экспозиции до абсолютного минимума). Из этого тройного отрицательного был приготовлен тройной положительный. Для просмотра снимков использовался проектор с тремя линзами перед тремя рамками на фотопластинке. Каждый кадр проецировался через цветной фильтр того же цвета, что и тот, через который он был сфотографирован. После объединения трех изображений на экране появилось полноцветное изображение. Прокудину-Горскому удалось сделать полиграфические репродукции своих снимков, напечатанные в виде фотокарточек, а также в качестве вкладышей в иллюстрированные журналы.
Восхищенный этим изобретением, император Николай II попросил фотографа сделать цветные снимки всех сторон жизни различных регионов, входивших тогда в состав Российской империи. Для этого фотографу был выдан специально оборудованный железнодорожный вагон. Правительство предоставило ему небольшой пароход с экипажем, способный пересекать мелководье для работы на водных путях, и моторную лодку для реки Чусова. Для съемки Урала и Уральского хребта в Екатеринбург был отправлен автомобиль «Форд». Прокудину-Горскому были вручены официальные имперские документы, которые давали ему доступ во все части Империи, а правительственным чиновникам было приказано помогать Прокудину-Горскому в его поездках.
Тем временем в России начала ХХ века стали очень популярны автохромные картины братьев Люмьер, с которыми работал Прокудин-Горский после эмиграции из Советской России. Автохромы, цветные диапозитивы на стеклянной подложке, впервые были произведены в промышленных масштабах в 1907 г. На стеклянную пластину наносили гранулы картофельного крахмала, окрашенные в красный, желтый и синий цвета. Гранулы работали как цветовые фильтры. Добавление второго слоя гранул обеспечило оранжевый, фиолетовый и зеленый оттенки. После этого наносили светочувствительную эмульсию. Пластину обнажали и проявляли. Автохромы можно было рассматривать против света или проецировать с помощью специальной аппаратуры, которую в то время выпускала собственная фирма братьев Люмьер (диаскопы, хромодиаскопы, зеркальные стереоскопы и т. д.). Автохромами братьев Люмьер пользовался, например, Петр Веденисов, зажиточный дворянин, выпускник Московской консерватории, поселившийся в Ялте, в Крыму, в конце 1880-х годов. Как и в случае с автохромами братьев Люмьер, любимым сюжетом Веденисова была собственная семейная жизнь фотографа. Однако то, что на первый взгляд было очень частной и личной фотографией, позже стало прекрасным описанием типичного образа жизни образованных русских дворян в начале 20 века.
Начавшаяся в 1914 году Первая мировая война и Октябрьская революция 1917 года уничтожили Россию, память о которой сохранилась в тонированных фотографиях и автохромах второй половины XIX — начала XX веков.
Владимир Ленин и новое советское правительство активно поддерживали фотографию в первые послереволюционные годы, видя в ней важное пропагандистское оружие для страны, где 70% населения не умели ни читать, ни писать. Сначала упор делался на фоторепортаж, но очень скоро стало ясно, что реальные перемены в стране, где после революции и Гражданской войны царили голод и разруха, столь же иллюзорны, как и утопические мечты ярых революционеров. С середины 19В 20-е годы в СССР был широко распространен фотомонтаж, горячо поощряемый большевиками. Фотомонтаж позволил соединить документальную достоверность и новые советские мифы. В 1920-е годы его практиковали такие талантливейшие модернисты, как А. Родченко, Г. Клуцис, Эль Лисицкий, В. Степанова и другие. Фотомонтаж охватил цвет и стал идеологическим «визуальным оружием».
С середины 1920-х годов А. Родченко возродил забытую технику ручной раскраски собственных фотографий. Он использовал тонировку благодаря своему опыту фотомонтажа (9).0005 Рекламная стена Дома Моссельпрома, Беговой стадион «Динамо», и др.), а также применил его для разработки экспериментов с позитивно-негативной печатью (сцены из фильма Альбидум ) и для очень личных и даже интимных портретов своей музы Регины Лемберг — Девушка с лейкой. В 1937 году, в разгар сталинских репрессий, А. Родченко начал снимать классический балет и оперу, используя арсенал своих эстетических противников, русских пикториалистов, которые к тому времени подверглись в Советском Союзе еще более жестким репрессиям, чем фотографы-модернисты. . Для Александра Родченко мягкий фокус, классическая тематика и типичная для пикториальной фотографии тонировка были опосредованным способом выражения внутреннего эскапизма и трагического разочарования в советской утопии.
В 1932 году в СССР были изданы общие правила социалистического реализма, как единственного творческого метода для всех видов искусства, в том числе и фотографического. Советское искусство должно было отражать советские мифы о самых счастливых людях в самой счастливой стране, а не реальную жизнь и реальных людей. На этом прокрустово ложе трудно было не только модернизму с его конструктивистской эстетикой, но даже пикториализму вписаться в эстетику соцреализма.
Пикториализм был одним из важнейших направлений русской фотографии начала ХХ века, а русские фотографы-пикториалисты были отмечены золотыми и серебряными медалями на международных выставках. Пикториальная фотография отличалась не только способом съемки и сложными приемами печати, призванными сблизить фотографию с живописью, но и выбором традиционных сюжетов. Романтические пейзажи и архитектурные руины или этюды обнаженной натуры были с точки зрения соцреализма опасными пережитками прошлого. Некоторые фотографы-пикториалисты оказались в сталинских лагерях, им запретили заниматься своей профессией или селиться в столице или других крупных городах. Оставшиеся на свободе, например, Василий Улитин, участник крупных международных фотовыставок, обладатель медалей и дипломов в Париже, Лондоне, Берлине, Лос-Анджелесе, Торонто, Токио и Риме, с трудом пытались приспособиться к новой реальности. и пытались изобразить революционную тематику ( Пламя Парижа, красноармеец ), тем самым получив от большевиков индульгенцию и право на работу.
Почти одновременно, в 1936 году, немецкая компания Agfa и американская компания Kodak представили цветную пленку. Широкое распространение и выход на рынок любительской фотографии были отложены началом Второй мировой войны. В СССР цветная фотография появилась только в конце войны. Производству цветной пленки советского производства в СССР способствовало немецкое трофейное оборудование в 1946. С этого года Иван Шагин и еще несколько фотографов начали ретранслировать в страну свою цветную новостную хронику.
До 1946 года цветные фотографии Советской России делались лишь в единичных случаях, на немецкую или американскую пленку. До середины 1970-х годов в СССР негативная пленка для печати цветных фотографий была роскошью, доступной лишь нескольким официальным фотографам, работавшим на крупные советские издания. Его использовали такие классики советской фотографии, как В. Микоша, Г. Петрусов, Д. Бальтерманц, В. Тарасевич и другие. Все они так или иначе были обязаны следовать канонам соцреализма и практиковать постановочный репортаж. В те времена даже натюрморты с фруктами несли идеологический посыл, фотографируясь для кулинарных книг, в которых советские люди могли видеть продукты, отсутствовавшие в голодной послевоенной стране, где еще действовала карточная система распределения продуктов (Иван Шагина, Лимоны и Фрукты, 1949).
С конца 1950-х, в хрущевскую оттепель после развенчания культа личности Сталина, каноны соцреализма смягчились и допустили некоторую эстетическую свободу, позволив фотографии приблизиться к реальности (серия Дмитрия Бальтерманца Арбатская площадь ). В послевоенный период, в 1950-1960-е годы, жизнь постепенно налаживалась, и в массовом рынке вновь появились цветные сувенирные фотопортреты. Делали их, как правило, неизвестные и «неофициальные» фотографы, поскольку частные фотоателье, выполнявшие такие заказы с середины 19 в.века были запрещены, и к 1930-м годам государство установило полную монополию на фотографию. Борис Михайлов копировал и увеличивал такие китчевые цветные фотографии в качестве сувениров, чтобы пополнить свой доход в своей фотолаборатории в Харькове в начале 1970-х годов. Он начал их собирать. Они составляют основу новой эстетики, которую он разработал в серии Lyrics начала 1980-х годов. Подкрашивая эти наивные фотографии, он раскрывал и деконструировал природу советских мифов.
Цветная светопрозрачная пленка появилась на советском массовом рынке в 1960-х и 1970-х годов. В отличие от цветной негативной пленки, требующей сложного и дорогого процесса проявления для последующей печати, цветную слайд-пленку можно проявлять даже в домашних условиях. Прежде всего, его широко использовали любители, которые создавали диапозитивы, которые можно было просматривать дома с помощью диапроектора. Возникший в это время в СССР неофициальный вид искусства выработал эстетику и средства нового художественного осмысления действительности, совершенно отличные от господствовавшего, хотя и несколько видоизмененного, социалистического реализма. Фотография занимала значительную роль в этом неофициальном искусстве. Это было в конце 1960-х и начале 1970-х годов Борис Михайлов начал фотографировать свою серию Suzi Et Cetera на цветную диапозитивную пленку.
Более полувека советской власти после революции 1917 года коренным образом изменили Россию. Окружающая действительность пришла в упадок, и люди, воспитанные на советских лозунгах, и не думали обращать на это внимание. Но это была единственная реальность, предлагаемая нашему восприятию, и Борис Михайлов старается развить ее колорит, очеловечить ее своим вниманием и дать ей право на существование. Учебники по фотографии того периода на одну треть состояли из технических формул и на две трети из описания того, что и как фотографировать. От фотографа, конечно же, не требовалось и даже не разрешалось делать этюды обнаженной натуры. Телесность и сексуальность являются неотъемлемыми признаками самостоятельной личности, самости. Советская система специально пыталась нивелировать любое чувство самости, душить его и бросать вызов таким идеям с коллективной общностью и безличным «мы» советской нации. На фото Suzi Et Cetera Борис Михайлов нарушает нормы и раскрывает характеры, свои и героев. Показывать эти кадры на публике было невозможно, но слайды можно было проецировать дома, в мастерских его друзей-художников или небольших, часто полуподпольных клубах научно-технической интеллигенции, начавших возрождаться в хрущевскую оттепель после Сталинские репрессии. Слайд-проекции Бориса Михайлова теперь аналогичны квартирным выставкам неофициального искусства. С помощью цвета он показал мрачную стандартизацию и убожество окружающей жизни, а его слайд-спектакли помогли объединить людей, чье сознание и жизнь в те годы стали вырываться из догматической сети советской идеологии, допускавшей только один цвет — красный.
Куратор Ольга Свиблова
Директор, Мультимедиа Арт Музей, Москва

Михайлов Борис (украинец, 1938 г.р.)

0 Без названия 71-1985
Из серии Лурики

Владислав Микоша (Русский, 1909-2004)
Портрет Юрия Рыпалова
1938-1939
3
3
3 02
В. Янковский
«В память о службе в армии». Санкт-Петербург
Начало 1910-х
Коллодий, живопись
Собрание Музея «Московский Дом фотографии»
© Музей «Московский Дом фотографии» )
Портрет девушка в малороссийском костюме. Санкт-Петербург
1900-е годы
Серебряно-желатиновая печать, живопись
Собрание Музея Московский Дом фотографии
© Музей «Московский Дом фотографии»

Нечаев А.
Портрет девушки
1860-е 1860-е
Музейная живопись
Соленая бумага. 0050 © Мультимедиа Арт Музей , Москва / Музей Московский дом фотографии

Сергей Прокудин-Горский (русский, 1863-1944)
Портрет Льва Толстого
23 мая 1908
Отпечаток
Коллекция Мультимедиа Арт Музей, Москва

Петр Веденисов (Русская, 1866-0903 изв.) женщина , Крым, Ялта
1914

Веденисов Петр (русский, 1866-1937)
Козаков Андрей Александрович. Ялта
1911-1912
Копия; оригинал – автохром
Московский Дом фотографии Музей
© Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей Московский Дом фотографии

Петр Веденисов (Русский, 1866-1937)
Вера Козакова в народном костюме 0050 Собрание Музея Московский Дом фотографии
© Мультимедиа Арт Музей, Москва / Музей Московский Дом фотографии

Сцены в автохромах Веденисова происходят в Ялте или в Симбирской губернии, где проживала семья Козаковых, родственники фотографа.