Постмодернистский барьер. Что мешает нам понимать современную фотографию?
Постмодернистский барьер — это непонимание, которое возникает при попытке анализа современных (постмодернистских) произведений искусства, при помощи средств для анализа классического и модернистского искусства. То есть говоря проще, когда вы пытаетесь измерить массу при помощи линейки или узнать температуру на улице при помощи лупы — ситуация, когда средства, которыми мы пытаемся понять что-то для этого не годятся!
Для начала давайте разберемся, чем одно отличается от другого: то есть постмодернистское искусство от модернистского? Хотя я уверен, вы прекрасно знаете это и без меня, но на всякий случай, коротко напомню.
Модернизм (Modern Art) — направление в искусстве 1860-1970гг. Не путать с модерном (ар-нуво, югендстиль). Модернизм принимает основные ценности традиционного искусства, но занимается обновлением художественных средств при решении тех же вечных задач искусства. В этом смысле это тоже традиционное искусство, занятое поиском нового языка для описания того же самого, что и раньше.
Это пример, современных, но ещё тяготеющих к модернисткой эстетике фотографий. Сорокалетний Томас Руфф начал снимать эту серию в 1987 году. Фотографии художественны, гармонично подобраны цвета одежды, цвет фона и общая цветовая гамма. Эмоции, ракурс помогают нам понять характеры и мысли людей на каждой фотографии. Каждая фотография индивидуальна и красива по-своему. Хотя фотографии достаточно просты — это чистая модернистская эстетика. Можно сказать, что это такая фотоистория в портретах, где каждая фотография иллюстрирует идею автора.
Постмодернизм (Postmodern Art) — направление в искусстве 1970-1990-х и по наше время.
Это не жанр, не стиль и не школа. Это ситуация «после модернизма». Не принято говорить о жанровых канонах или особенностях стиля постмодернизма. Художник-постмодернист похож на ребенка, получившего наследство, но его критерии оценки радикально отличаются от системы ценностей бывших владельцев. Современное искусство — это второе имя искусства постмодернизма.
А это пример постмодернистской фотографии: сухая концептуальная фотография, лишенная каких-либо претензий на художественность; автор использует язык, заимствованный у прикладной фотографии на паспорт. Кроме того, это уже типология и по одной фотографии ничего не понятно — смысл появляется только когда мы посмотрим весь проект целиком. Томасу Руффу понадобились 3 года съемок, чтобы случилось такое волшебное качественное преобразование не только в его работах, но и в фотографии вообще!
Итак, когда мы смотрим работы современных фотографов, то мы не должны использовать те же критерии оценки, как, для работ модернистских фотографов.
То есть Юрген Теллер и Анри Картье-Брессон для разного снимают. Предпосылки, цели, задачи и вообще художественный контекст у этих работ будет совершенно различный. Смотреть на эти работы нужно с разных точек зрения. Давайте рассмотрим основные культурные установки и попробуем разобраться, в чем же отличия.
Произведение искусства
Модернизм: Произведение искусства — это виртуозно выполненный объект, одна работа как завершенное целое. Работа художника — мастерство и умение. Работа с визуальным, с понятие красоты, вызывающем эстетическое наслаждение. Красиво «по-модернистки» — это когда сложно сделать. Поиск совершенного языка, всё всегда очень качественно и серьезно — все соревнуются, кто красивее нарисует и качественнее сделает. Фотография понятна, красива, развлекательна. Оценка произведения искусства производится с точки зрения его авторства, эстетических и технических характеристик, уникальности — например, напечатали ли вручную, авторский ли отпечаток. Часто автор действует по наитию, спонтанно, бессознательно.
Постмодернизм: Произведение искусство — это мысль. Работа художника — это идея и художественный жест. Художник — больше не производитель объектов, а исследователь, который хочет более глубокого разговора, чем просто умение и навык. Он часто отбирает, комбинирует, переносит или размещает в новом месте. Отказ от ремесла — произведение может быть изготовлено не самим автором, так как не важно кто произвел, важно в чём художественный жест. Произведение — это бесконечный текст*, цитатность, интетекст, пастишь. Оно больше не работает с понятием красоты. Только серия воспринимается как произведение. Современное искусство не связано с понятиями гения, вдохновения и мастерства. Художник всегда знает, что делает. Это искусство практик менеджеров, где большое внимание уделяется знанию контекста. Знание в искусстве — это знание философии, науки, социологии.
* — здесь под текстом понимается обобщенный совокупный культурный опыт, последовательность написанных до автора произведений, повлиявших на его становление, как бесконечная цепь опыта, отсылок и цитат.
Автор произведения
Модернизм: Триумф гения автора. Автор — герой, сильная личность. Он стремится к совершенству языка. Он меняет мир к лучшему, каждый день с 9:00 совершая подвиги. То, что видит зритель тождественно тому, что нарисовал художник. Согласно классической парадигме, зритель не влияет на произведение искусства и, как следствие, не является его частью. Постмодернизм: Смерть автора — нет никакой авторской заслуги в работе. Авторская функция — теперь производная от текста, художественного и жизненного контекста. Восприятие художника и зрителя может не совпадать. Задача художника создать среду, в которой зритель почувствовал бы себя сопричастным к созданию произведению искусства.
Зритель перетрансформирует в своем восприятии оригинальный текст так, что тот в результате деконструкции, перестает быть тождеством оригиналу и становится не текстом автора, а текстом читателя. Зритель — полноправный творец произведения наравне с автором.
Авторский стиль
Модернизм: Автор за свою жизнь вырабатывает авторский стиль, в котором все выверено, правильно и понятно зрителю. Часто работает только в одном жанре: пейзаж, портрет и тд и никогда их не смешивает.
Постмодернизм: Отказ от узнаваемой техники и стиля. Новый проект — новый язык. Гибридизация — смешение жаров внутри одного проекта. Преодоление разного рода границ и условностей: жанровых, культурных, мировоззренческих. Выход за пределы бинарной логики — хорошо-плохо, правильно-неправильно.
Презентация
Модернизм: Произведение — это отдельная мастерски выполненная работа. Каждая фотография по отдельности — прекрасна! Произведения искусства должны выставляться в музеях и галереях, то есть в специально созданных для этого почетных местах, должны быть оформлены и выставлены соответствующим образом: для фотографии — рама, паспарту, стекло, линейная развеска.
Постмодернизм: Произведением является серия. Одной фотографией сложно донести мысль, всё это работает только в серии. Произведение часто извлекается из естественного контекста и помещается в несвойственный ему ранее контекст, приобретая при этом новое звучание. То ест выставлять произведения искусства теперь можно где угодно: на вокзалах, в лесу, в магазине… в совершенно несвойственных для выставок местах. Оформлены могут быть как реклама, напечатаны на газетной бумаге и приклеены как афиши, могут быть без рамы, хаотичная развеска работ разного размера и тп.
Нюансы фотографии
Модернизм: Фотография — искусство с собственными ценностями. Фотография — искусство красивое и развлекательное и , как следствие, всем понятное. Фотография документальна, то есть правдива и объективна. Фотограф-наблюдатель. Дистанция между автором и объектом съемки огромна.
Постмодернизм: Фотография — всего лишь одно из медиа современного искусства, с которым работает художник, наряду с живописью, инсталляцией, видео-артом и тд.
Фотографии не развлекательные, требует текста и пояснения для интерпретации. Ставится под сомнение миф об объективности документальной фотографии. Фотограф-участник. Сокращенная дистанция между автором и объектом.
Ну вот, теперь, надеюсь, вам стало немного понятнее, чем отличается новая фотография от старой, то есть современная фотография от модернисткой и будет проще понимать современную фотографию.
А теперь традиционный вопрос: Как вы думаете, имеет ли смысл вообще так заворачиваться, ведь хорошую фотографию видно сразу? Ваше мнение пишите в комментариях.
Смерть автора в объективе: постмодернистская фотография в книге Шарлотты Коттон
18 Декабря / 2019
Публикуем отрывок из книги «Фотография как современное искусство» Шарлотты Коттон.
Как минимум с середины 1970-х годов в также эстетических и технических новшеств, которые внедрялись в фотографию, каковая, как считалось, обладает собственной внутренней логикой. В результате критики, стоявшие на позициях модернизма, создали канонический ряд самых выдающихся фотохудожников — первопроходцев, которые расширяли возможности фотографии, тех «немногих», кто отличается от «многих» рядовых фотографов.
В модернистском каноне фотографов эти «немногие» — те, в чьем творчестве чувствуется преобладание формальных и интеллектуальных исканий над функциональной, прагматической, бытовой и популярной анонимностью большинства снимков. Постмодернизм, напротив, подошел к фотографии с иных позиций, он не занимался созданием пантеона фотографов-творцов по типу того, который уже существует в живописи и скульптуре. Вместо этого фотографию как технику в постмодернизме рассматривали, отталкиваясь от ее создания, подачи и восприятия зрителем, прежде всего останавливаясь на ее исконных свойствах: воспроизводимости, мимикрии и обманчивости. Фотографии трактовались не как проявление оригинальности фотографа (или отсутствия таковой) или как воплощение авторского замысла, а как знаки, которые обретают смысл или ценность только благодаря своему положению внутри более широкой системы социального и культурного кодирования. Эта теория, на которую сильнейшее влияние оказали принципы структурной лингвистики и порожденной ею философии структурализма и постструктурализма, особенно в том виде, в котором ее сформулировали французские мыслители Ролан Барт (1915–1980) и Мишель Фуко (1926–1984), постулировала, что смысл образа не создается его автором и не обязательно ему подконтролен, но возникает из сопоставления с другими образами и знаками.
Работы американской художницы Синди Шерман (род. 1954), однозначно отсылающие к постановочной манерности кино, модной фотографии, порнографии и живописи, во многих отношениях служат идеальными примерами постмодернистской художественной фотографии. Из всех фотографов, которые с конца 1970-х годов смогли добиться внимания критики на ниве переработки и переосмысления типических зрительных образов, чаще всего упоминается именно Шерман. В 1990-е ее серия «Кадры из фильмов без названия» была признана (что занятно, в рамках модернистских понятий об оригинальности) крайне значимым ранним примером сознательно постмодернистского художественного подхода. На каждой из шестидесяти девяти фотографий небольшого размера представлена одиночная женская фигура, причем каждое изображение заставляет вспомнить энигматические, но сюжетно-заостренные эпизоды из черно-белых фильмов 1950–1960-х годов. Одним из самых изумительных свойств этой серии является то, что все женские «типы» опознаются без всякого усилия.
Хотя нам понятна лишь общая идея вероятных киносюжетов, которые нам представляют, но поскольку мы знакомы с кодовой системой таких фильмов, мы без труда можем восстановить нарратив, заложенный в каждую фотографию. Соответственно, «Кадры из фильмов без названия» — это зрительное воплощение тезиса, в защиту которого выступает теория феминизма, а именно, что «женственность» — это производная от культурных кодов, а вовсе не качество, которое естественным и обязательным образом должно быть присуще любой женщине. Шерман выступает в этих работах и фотографом, и моделью, тем самым делая серию емким образцом постмодернистских фотографических практик: она — и наблюдатель, и наблюдаемая. А поскольку в этой серии она выступает единственной моделью, из этого следует, что женственность можно в буквальном смысле надеть на себя и разыграть, видоизменить и спародировать силами одного актера. Объединение двух ролей, объекта и творца, служит способом визуализации женственности, который заставляет по-новому взглянуть на определенные вопросы, возникающие в связи с образами женщин, — например, кто перед нами, кто создает эту проекцию «женственности» и для кого.
В большинстве работ Шерман исследование образа и идентичности происходит с позиции зрительного наслаждения. Например, частью зрительского переживания, вызванного «Кадрами из фильмов без названия», безусловно, служат радость и удовольствие от слежения за развертыванием нарратива. Еще одна серия, состоящая из масштабных красочных фотографий, на которых Шерман предстает в костюмах, сценическом гриме и плохо подогнанных лицевых и других протезах, — в позах, характерных для исторического живописного портрета, в коммерческом плане остается одной из самых успешных ее работ. Эти впечатляющие произведения искусства, которые прекрасно смотрятся на музейных стенах и одновременно иронически обыгрывают традиционное благоговение перед художниками-портретистами, являются примерами эстетического мастерства и критического постмодернистского мышления.
Перевод — Александра Глебовская
Понравился материал? Расскажи другим
Определение традиционной, современной и постмодернистской фотографии
Несмотря на свою историю, фотография прошла три различных художественных этапа.
Здесь вы узнаете об этих трех фазах и о том, что делает их важными.
Одна вещь, которая не часто обсуждается, — это различные этапы, через которые прошла фотография как искусство. Искусство до фотографии, например, имеет долгую историю с несколькими отчетливыми периодами. Классическая античность предшествовала искусству Возрождения, за которым последовали виды искусства эпохи Просвещения — рококо, неоклассицизм и другие. У фотографии есть определенные периоды, подобные этому, но форма искусства не так стара, поэтому их меньше и они короче.
На сегодняшний день мы прошли три этапа: традиционная фотография, современная фотография и постмодернистская фотография. Некоторые даже утверждают, что мы перешли от постмодерна к постмодерну, но об этом в другой раз. А пока давайте рассмотрим каждую из уникальных фаз и виды фотографии, которыми они известны.
Традиционная фотография
Фотография начиналась как наука. Было обнаружено, что с помощью света и правильных химических веществ можно задокументировать мир.
Однако как только эта новая наука стала более совершенной, творческие люди начали использовать ее для создания искусства, и родилась традиционная фотография. Этот тип фотографии включает в себя такие вещи, как широкие пейзажи, натюрморты, портреты, которые придерживаются строгих художественных правил и так далее.
Примером традиционного фотографа может быть Ансель Адамс. Его фотографии обладают документальным качеством, присущим первым научным фотоизображениям, но они не только это. Вместо того, чтобы просто документировать, работа Адамса предназначена для того, чтобы показать вам великую красоту природы. В отличие от модернизма и постмодернизма, традиционная фотография не обязательно требует более глубокого смысла. Цель традиционной фотографии часто состоит не более чем в художественной демонстрации красивых предметов. Это достигается соблюдением композиционных правил, резкими цветовыми и тональными контрастами и т. д.
Современная фотография
В современной фотографии мы начинаем видеть более глубокий смысл изображений.
Это не отличается от модернистской живописи тем, что работа часто концептуальна. Среди художников работы Пикассо, особенно те, которые появились после его кубистической фазы, считаются модернистскими. Не обязательно реалистическая, но концепция реальности, имеющая более глубокий смысл. В модернизме вы найдете сцены невероятной красоты, но они часто устроены так, чтобы вы думали не только о декорациях, на которые смотрите. Здесь также много абстракции, и фотографы этого периода также начали экспериментировать с такими эффектами, как размытие в движении, чтобы добавить к изображениям.
Анри Картье-Брессон — идеальный пример модерниста. Чтобы понять, что такое модернизм в фотографии, посмотрите на фотографию Брессона с велосипедистом. С первого взгляда вы увидите, что это изображение не столько для документирования повседневных действий, сколько для того, чтобы заставить вас задуматься более глубоко.
Постмодернистская фотография
Постмодернистская фотография возникла во второй половине 20 века и охватывает множество тем.
Прежде всего, постмодернизм строится на темах и концептуальных идеях, зародившихся в период модернизма. Этот тип фотографии также часто включает в себя сюрреализм, экспрессионизм или другие подобные темы. Наконец, мы также иногда видим отход от традиционных правил искусства. Композиции могут нарушать правила, размещая предметы в странном порядке, или даже может отсутствовать определенный предмет.
Идеальным примером абстракции, нетрадиционных композиций и сюрреализма, которые вы можете увидеть в постмодернистской фотографии, является снимок Кена Джозефсона в Дроттнингхольме, Швеция. Имейте в виду, что этот тип изображения ни в коем случае не является пределом постмодернизма — вместо этого вы найдете бесконечное множество жанров, сюжетов и фотографических стилей.
Какой период правильный?
Фотографы часто задаются вопросом, должны ли они создавать изображения, относящиеся к тому или иному периоду, но, честно говоря, выбор за вами, и нет причин останавливаться на чем-то одном.
Я сам сделал много традиционных изображений, потому что иногда достаточно простой красоты. Однако, когда возникает необходимость быть более вдумчивым, я не колеблясь творю по стандартам модернизма или постмодернизма.
Другие фотографы задаются вопросом, могут ли они каким-то образом преодолеть разрыв между традиционными и современными или постмодернистскими образами. На мой взгляд, нет, этого делать нельзя, потому что, как только вы начинаете добавлять что-то концептуальное в работу, это уже не простое, традиционное документирование реальности. По умолчанию все, что имеет абстрактный или концептуальный уклон, попадает в категории модерна или постмодерна.
Когда дело доходит до дела, выбирайте темы и стили, которые вам нравятся в данный момент. Конечно, владельцы галерей скажут вам, что постмодернистская фотография — единственный путь, потому что это современный стиль. Это то, что продается за самые большие деньги, потому что это то, что хотят видеть коллекционеры произведений искусства.
Это не означает, что нет рынка для фотографий более старых периодов. На самом деле, я думаю, что все три вида фотографии одинаково важны как для фотографов, так и для любителей искусства, и они должны быть выражены на усмотрение фотографа, который делает фотографии.
На самом деле, я призываю фотографов попробовать все три: традиционный, современный и постмодернистский. Из каждого периода есть чему поучиться. Традиционализм, например, научит вас всем правилам композиции, потому что, в значительной степени, это и есть традиционализм — следование правилам для документирования вещей, которые вы видите.
Современная и постмодернистская фотография научит вас, как обойти те правила, которые вы выучили. Кроме того, вы также узнаете, как мыслить абстрактно и как использовать различные эффекты, чтобы усилить смысл работы, которую вы создаете.
Суть в следующем: Все три типа фотографии ценны. Каждый из них научит вас чему-то уникальному, и хотя тенденции диктуют, что мир искусства хочет видеть постмодернизм, вы обнаружите, что многие другие люди будут наслаждаться фотографией всех типов.
Модернизм и постмодернизм в фотографии — Роуэн Кэти — фотограф
Модернизм был временем, когда фотографы придумали набор правил того, что должно сделать хорошую фотографию, и они оценивали другие фотографии по этим правилам. Фотографии эпохи модернизма должны были показать утопическое видение будущего. До прихода модернизма фотография считалась всего лишь способом документирования объектов и мест, но благодаря Альфреду Штиглицу и Ласло Мохой-Надь они помогли сделать фотографию формой искусства и изменить то, как фотографы фотографируют. Фотографы начали использовать в своем искусстве механистическую и беспристрастную сторону камеры, которую они привыкли затемнять. [1] Штильглиц играл важную роль в модернизме не только в мире
Альфред Штиглиц фотографии, но и в мире искусства в целом, устроив одну из своих самых влиятельных выставок в галерее под названием «291», где он показал работы таких художников, как: Пикассо, Брак, Ансель Адамс, Джорджия О’Кеффле и Пол Стрэнд.
. [2] Стилглиц тратил так много времени на продвижение других художников, что никогда не продвигал свои работы, где он проводил много времени, фотографируя свою жену Джорджию О’Киф в соответствии с пуристским духом, который подчеркивал чистоту женской формы. У него также был романтизм вокруг его фотографий, которые воплощали модернизм, где они прославляли связь между человеком и машиной. Он посвятил свое время миру искусства, но никогда не верил, что завершил то, что намеревался сделать, но только после его смерти его оценили за всю работу, которую он проделал, чтобы сделать фотографию равной в мире искусства. [3]
В эпоху постмодернизма Синди Шерман создала коллекцию изображений под названием «Кадры из фильмов без названия», на которых изображено множество женских персонажей из современных фильмов. Постмодернизм — это результат того, что фотографы начинают задумываться о себе и своей работе, заставляя их думать о том, что они включают в кадр и как они могут изменить точку зрения на изображении.
Изменение подхода к процессу фотографии
, чтобы выйти из своей зоны комфорта и развить модернистское движение, которое было раньше. За это время фотография превращается в маску, чтобы отражать окружающий мир или надевать новое лицо, которое, возможно, не было бы тем, которое вы обычно видите. Шерман использовала эту маску в своих интересах в «кадрах из фильмов без названия», особенно учитывая, что она использовала себя в качестве модели, маска делает ее не собой и дает ей возможность держаться особняком, что помогает лучше отображать персонажей. В то время как некоторые фотографы в постмодернизме маскировались, используя что-то вместо того, что они фотографировали, чтобы попытаться скрыть смысл или изменить смысл, такие как Эйлин Коуин и Лори Симмонс, другие пытались изменить смысл, фотографируя чужую фотографию. Самым известным фотографом, сделавшим это, был Ричард Принс, который сфотографировал человека Мальбро, чтобы показать другую сторону оригинальных фотографий.