Объекты, инсталляции, реди-мейды • Arzamas
От Татлина до Кабакова: почему искусством стали кучи мусора, меховые чашки, гигантские ложки и разноцветные комнаты
Автор Галина Ельшевская
Ситуация с современным искусством начиная с XX века напоминает улыбку Чеширского Кота у Льюиса Кэрролла: Кот исчез, улыбка висит в воздухе, и непонятно, есть она или чудится. Непосвященному человеку совершенно непонятно, каковы критерии отбора, позволяющие художественному явлению попасть в ячейку современного искусства. Понятно лишь то, что художественность в привычном значении слова здесь ни при чем.
Один знаменитый художник упаковывает в нейлон и полипропилен мосты и общественные здания. Другой путешествует по миру и отмечает музеи и галереи, рисуя на их стенах банан. Третий, раздевшись догола, изображает собаку перед удивленными жителями Стокгольма. Люди покупают за большие деньги банки, на которых написано «Дерьмо художника»: что на самом деле в банках — неизвестно.
Само слово «объект» многозначное. Объектом, например, может считаться найденная вещь, к которой художник не прикасался (или почти не прикасался), а только назначил ее своим произведением. Первым, как считается, это сделал француз Марсель Дюшан. Его реди-мейды — велосипедное колесо, привинченное к табурету, сушилка для бутылок и, конечно, перевернутый и водруженный на подиум писсуар, получивший название «Фонтан». Главное здесь — это воля автора, а автор — это не тот, кто что-то сделал руками, скажем написал картину, а тот, кто сказал: вот искусство, потому что я, художник, это утверждаю. Здесь намерение во много раз важнее исполнения. Сушилка и писсуар — гораздо больше, чем просто сушилка и писсуар: они манифестируют новую роль художника, новый способ представления произведения и абсолютно новый контекст отношений искусства и зрителя.
1 / 3
Марсель Дюшан. Велосипедное колесо. 1951 год© Joseph Bergen / CC BY-NC-ND 2.0
2 / 3
Марсель Дюшан. Сушилка для бутылок. 1914 год© Flickr / neogejo / CC BY-NC-ND 2.0
3 / 3
Марсель Дюшан. Фонтан. 1917 годWikimedia Commons / Philadelphia Museum of Art
Но кроме объекта назначенного существует и объект сделанный, построенный. Не артистический жест, а рукотворная вещь. Такие объекты располагаются в мерцающем пространстве по соседству либо с традиционными видами искусства — живописью и скульптурой, — либо с менее традиционными — с архитектурной или машинной конструкцией. Они словно выламываются из этих видов и одновременно сохраняют с ними связь, память об их материалах и способах создания. И вообще память о ремесле.
В истории русского авангарда наиболее известным создателем таких объектов — контррельефов — был Владимир Татлин.
Это объемные композиции из деревянных, металлических и даже стеклянных частей, прикрепленных к доске: Татлин особенно ценил «правду материала» и любил эти материалы за их весомость, за то, что они представляют собой «реальную вещь», и, например, никогда не исправлял естественные повреждения дерева. Кроме Татлина на рубеже 1910−20-х годов подобного рода искусство создавали многие — Давид Бурлюк, Иван Клюн, Иван Пуни, Лев Бруни, Владимир Баранов-Россине и так далее; на Западе первооткрывателем трехмерных картин считается Пабло Пикассо. И все это действительно трехмерные картины — они могут висеть на стене, в них жива связь с живописью (у Татлина отчасти даже с иконой), но они активно захватывают пространство, не становясь при этом скульптурой. Много позже французский художник Жан Дюбюффе придумает для обозначения таких произведений слово «ассамбляж». Это коллаж, в котором используются не только плоские элементы, но также и объемные — включая готовые предметы, найденные или купленные.
1 / 2
Владимир Татлин (в центре) за работой над памятником III Коммунистического интернационала.
1919 годTretyakov Gallery / Bridgeman Images / Fotodom
2 / 2
Владимир Татлин. Угловой контррельеф. 1915 годState Russian Museum / Bridgeman Images / Fotodom
В объектах происходит совмещение элементов и материалов, и оно может быть самым разным по смыслу. Может, как у Татлина, взывать к органическому восприятию целого, одновременно к зрению и к осязанию. Или в игровой форме разрушать границу между искусством и жизнью. Случается использование материала и вовсе в несвойственной ему роли. Например, немецкий художник Гюнтер Юккер делает картины из гвоздей. Когда это просто абстракции, то расположение гвоздей имитирует все признаки картины: ритм, светотень и прочее. А когда тот же Юккер берется забивать гвозди не в плоскость, а в готовый предмет, например в стул или телевизор, то мы получаем абсурдистский объект в дадаистском и сюрреалистическом духе. Собственно, именно дадаисты и сюрреалисты этот новый вид объекта и узаконили. И это уже именно самостоятельный объект: он теряет связь с картинной плоскостью, он существует как отдельный предмет, для которого нет привычного жанрового определения.
1 / 2
Гюнтер Юккер. Пианино. 1964 год© John Kannenberg / CC BY-NC-ND 2.0
2 / 2
Гюнтер Юккер. Диагональная структура. 1975 год© flickr.com / centralasian / CC BY 2.0
Один из самых известных сюрреалистических объектов — «Меховой чайный сервиз» художницы Мерет Оппенгейм, созданный в 1936 году: чашка, блюдце и ложка, обтянутые коричневым мехом. Другая ее столь же абсурдистская работа 1963 года называется «Ящик с маленькими животными». Это ящик с дверцей, на внутренние стенки которого наклеены макароны в форме бабочек: по-итальянски они называются фарфалле, что и значит «бабочка»; эти макароны и есть те самые маленькие животные.
Мерет Оппенгейм. Меховой чайный сервиз. 1936 годСюрреалистические объекты даже в описаниях выглядят увлекательно. Например, «Телефон-омар» (он же «Телефон-афродизиак») Сальвадора Дали: телефон куплен в магазине, но вместо трубки на нем покоится скульптура омара.
Сам Дали объяснял это произведение так: «Не понимаю, почему, когда я заказываю в ресторане жареного омара, мне никогда не подают отварной телефон; а еще не понимаю, почему шампанское всегда пьют охлажденным, а вот телефонные трубки, которые обычно бывают такими отвратительно теплыми и неприятно липкими в прикосновении, никогда не подают в тех же серебряных ведерках с колотым льдом».
Франко-американский художник Ман Рэй сделал объект «Подарок» — это утюг с четырнадцатью шипами на подошве. И он же сделал объект под названием «Загадка Исидора Дюкасса», который выглядит как бесформенный узел из одеяла, перевязанного веревкой. Загадку можно разгадать, если знать, что Исидор Дюкасс, он же Лотреамон, — это писатель XIX века, кумир сюрреалистов и дадаистов, который произнес ключевую для них фразу: «Красота — это случайная встреча швейной машинки и зонтика на анатомическом столе».
Прекрасная история произошла с произведением Мана Рэя под названием «Объект для уничтожения», созданным в 1923 году. Это был готовый метроном, к маятнику которого была прикреплена маленькая фотография человеческого глаза — глаза Ли Миллер, фотографа, фотомодели и возлюбленной Мана Рэя в те годы. Метроном сопровождала инструкция: «Вырежьте глаз из фотографии того, кто был любим, но кого вы больше не видите. Прикрепите глаз к маятнику метронома и отрегулируйте его так, чтобы достичь нужного вам темпа. Дождитесь остановки маятника. Взяв в руки молоток, хорошенько прицельтесь и попробуйте разрушить всю конструкцию одним ударом». В 1957 году в Париже взбунтовавшиеся студенты ворвались на выставку, где находился «Объект для уничтожения», похитили его и, собственно, уничтожили — но не молотком, а посредством выстрела. Поскольку Ман Рэй был еще жив, он с радостью сделал несколько авторских повторений работы, но изменил ее название.
Можно сказать, что именно абсурдистская линия стала главной, доминирующей в развитии художественных объектов. В частности, эту же поэтику продолжает объект в поп-арте. Что естественно: главная мишень поп-арта — это общество потребления, и неудивительно, что основные потребительские товары он пародийно или критически воспроизводит. Например, американский поп-артист Клас Ольденбург возводил огромных размеров памятники простым вещам: прищепке, воланчику, вилке, ложке, рожку мороженого — их можно назвать антимонументами. Ложка у него превращается в мост — в реальный мост, оставаясь ложкой.
Клас Ольденбург. Ложка-мост и вишенка. Миннеаполис, США, 1985–1988 годы © Grace Rodriguez / CC BY-NC-ND 2.0Объекты, похожие на западный поп-арт, создавали и в России.
1 / 2
Работы Александра Косолапова «Семья» (в центре) и «Купальщица» (справа) на выставке «Современное искусство: 1960–2000. Перезагрузка». 2016 годФотография Сергея Пятакова / РИА «Новости»
2 / 2
Работы Александра Косолапова и Владимира Козина на выставке «Постпоп: Восток встречается с Западом» в Лондоне. 2014 год PA Photos / ТАСС
Еще из русских абсурдистских произведений стоит упомянуть ассамбляжи Бориса Турецкого — одного из самых интересных художников андеграунда.
Например, «Обнаженную» 1974 года. На листе оргалита наклеены предметы женского туалета — снизу вверх. Сначала туфли, потом спущенные чулки, перчатки, потом пояс для чулок, трусы, лифчик. Самой женщины нет, зато есть символизирующие ее предметы.
Мы уже поговорили об объектах, которые отталкиваются от живописи и от скульптуры. Осталось сказать о тех, которые отталкиваются от конструкции — от конструкции движущейся, кинетической. Такие объекты начинаются с мобилей Александра Колдера. Они представляют собой соединения разноцветных плоскостей, как правило напоминающих что-то природное, на проволочной оси, которые подвешиваются к потолку или крепятся на стене и приводятся в движение потоком воздуха — за счет собственного баланса. Колдер — художник, тоже близкий кругу сюрреалистов и дадаистов. Теория относительности, принцип неопределенности и прочие научные открытия XX века создали атмосферу тотального сомнения в самих основах физического мира.
Эта атмосфера питала искусство сюрреализма и дадаизма — и все оно про возмущенное мироздание, которое никак теперь не гармонизировать. Однако у этого есть и положительные стороны: раз все неопределенно, какая свобода открывается! Поэтому конструкция Колдера движется непредсказуемо, она реагирует на любое колебание воздуха. Совсем игровая кинетика, веселая, разноцветные конфигурации болтаются в воздухе — и вместе с тем очень серьезное искусство.
С похожим спектром идей связаны и механические конструкции кинетиста следующего поколения Жана Тэнгли. Он как раз пришел к своим машинам и к манифесту тотального движения от ассамбляжей под названиями «Мета-Малевич» и «Мета-Кандинский» (хотя они скорее отталкивались от Татлина). Приставка «мета» — авторский знак Тэнгли, он именует свои вещи «метаматиками», «метагармониями» и так далее. Это, как правило, довольно большие объекты, где смешано все со всем: колеса, железный хлам, бытовые предметы и их обломки, электрические лампочки и ударные инструменты.
Так что конструкции светятся, издают звуки, а некоторые — метаматики — еще и рисуют; эти спонтанные рисунки в машинах 1950-х годов были насмешкой над авторитетной в ту пору абстракцией.
1 / 2
Работа Жана Тэнгли в Музее Тэнгли в Базеле, Швейцария© Rosa Menkman / CC BY 2.0; Museum Tinguely
2 / 2
Работы Жана Тэнгли в Музее Тэнгли в Базеле, Швейцария© Rosa Menkman / CC BY 2.0; Museum Tinguely
Примерно с конца 50-х его конструкции становятся еще и самоуничтожаемыми — процесс умирания, развала машин входит в изначально задуманный сценарий. Каждая машина говорит нам и о механистичности, и о смерти механизма — этот поворот тоже иронический. Но и без этой иронии объекты Тэнгли прекрасно работают как игрушка, как аттракцион. Правда, в Москве на выставке Тэнгли произошел казус: выставка проходила в перестройку, когда мы еще не привыкли к новым искусствам, и нажимать на кнопочки и включать машины было строжайше запрещено.
Движущиеся объекты были представлены как статика — зато зал с ними выглядел как настоящая тотальная инсталляция.
В манифесте Тэнгли «За статику» речь шла на самом деле о тотальном движении. Российские кинетисты в 1962 году так и назвали свою группу — «Движение». Создал ее Лев Нусберг, туда входили многие художники, в числе прочих Франциско Инфанте и Вячеслав Колейчук, а также физики и биологи. Вообще, это была вспышка радикального конструктивизма, только на новом этапе. Шестидесятые были периодом веры в технический прогресс, торжества физиков над лириками, и группа «Движение» испытала упоение новыми машинными возможностями. Ее деятельность мыслилась как стык научного знания и художественного воплощения. Их объекты не сохранились, но остались фотографии и описания. Кинетические конструкции включали в себя работу со светом и звуком; по размаху это было похоже скорее на инсталляции, нежели собственно на объекты. Художники группы «Движение» хотели переоформить видимый мир, создавать дизайн города и массовых праздников, и не их вина, что этого не случилось.
И здесь самое время перейти к инсталляции. Что такое инсталляция? Это некоторая среда, выстроенная по определенному сценарию, в соответствии с замыслом художника. Причем степень участия художника в ее конструировании может быть самой разной, вплоть до использования уже готового пространства, на которое предлагается взглянуть с неожиданной точки зрения. Но в любом случае инсталляция — это снова такая игра на границе искусства с жизнью. Вроде бы граница уже почти неразличима. Или требуется определенным образом сместить фокус зрения, чтобы ее различить.
Искусство инсталляции, как и многое другое, начинается с дадаистских затей. Например, с двух произведений немецкого художника Курта Швиттерса. Во-первых, это колонна, которую он воздвиг в собственном доме из разного хлама, — по сути, это был прототип джанк-арта, то есть искусства из отбросов, из мусора. Дом у Швиттерса был многоэтажный, колонна росла, и когда доросла до потолка комнаты, то потолок был пробит, и она продолжала вольно расти дальше на следующем этаже.
Продолжение истории с колонной — это «Мерцбау»: почти весь дом художника в Ганновере был превращен в тотальную инсталляцию. Предметы заполняли трехэтажное строение, и заполнили до того, что существовать в этом доме оказалось невозможно. В этом была идея соединения искусства с жизнью, синтетического целого. «Бау» значит «конструкция, строение»; «мерц» — обрывок слова «Коммерцбанк», слово случайное — и инсталляция растет как бы случайно, следуя движению самой жизни. Слог «мерц» стал собственным мемом Швиттерса, он определял его как «создание связей между всеми существующими на свете вещами».
1 / 2
Курт Швиттерс. Мерцбау. Ганновер, Германия, 1933 годFlickr / centralasian / CC BY 2.0
2 / 2
Курт Швиттерс. «Мерцбау» после реконструкции. Ганновер, Германия, 2004 годFlickr / centralasian / CC BY 2.0
В последнее время слово «инсталляция» часто используется с дополнительным определением — «тотальная».
Здесь имеется в виду в первую очередь масштаб: произведение не выгорожено в пространстве, а заполняет собой все пространство целиком — всю комнату, весь дом или всю галерею. И еще один аспект слова «тотальная» — использование в инсталляции разного рода мультимедийности: компьютеров, видео и вообще технологии. Современные инсталляции такого рода превращаются порой в совсем грандиозные действа.
Но термин «тотальная инсталляция» был придуман художником Ильей Кабаковым совсем по другому поводу, и смысл у него был иной. Так Кабаков назвал серию инсталляций Ирины Наховой «Комнаты», создававшуюся в течение пяти лет, с 1983 по 1987 год. Раз в год Ирина Нахова полностью перестраивала одну из комнат в своей квартире: выносила мебель или оставляла ее, но обклеивала белой бумагой, перекрашивала стены или заполняла все плоскости картинками из модных журналов — словом, создавала новые пространства из одной пространственной коробки. Словосочетание «тотальная инсталляция» здесь указывало не только на длительность процесса, но и на его повторяемость.
И еще это было указание на экзистенциальную значимость работы, ведь в этих инсталляциях проживалась целая жизнь.
В своих более поздних работах Ирина Нахова уже использует современные технологии: видео, звук, интерактивность. Например, инсталляция «Большой красный» представляла действительно очень большое и очень красное надувное существо. Если к нему приближался зритель, оно вырастало в размерах и тянулось навстречу, если зритель отходил — «Большой красный» разочарованно сдувался. Такая очень внятная и очень смешная история про коммуникацию вообще и про взаимоотношения зрителя с искусством в частности.
Ирина Нахова. Большой красный. 1998–1999 годы © Государственный центр современного искусстваИ наконец, нельзя не поговорить об инсталляциях Ильи Кабакова. Которые тоже тотальны именно в смысле их экзистенциальной наполненности: в них разрабатывается и длится одна, самая болевая для художника тема. Относительно ранняя инсталляция — «Человек, улетевший в космос из своей комнаты»: очень захламленная комната с приметами бедной советской коммунальной жизни, в центре ее стоит катапульта, а в потолке дыра — человек улетел.
Или наоборот, поздняя — «Туалет» — точка схода всех коммунальных рефлексий Кабакова. Это типовой павильон привокзального туалета с буквами М и Ж и всем, что полагается. Однако внутри помещения, помимо собственно атрибутов сортира, нормальная, даже уютная обстановка среднесоветской квартиры. Когда Кабаков показал эту инсталляцию, критик Андрей Ковалев написал, и не без основания, что теперь западная публика полагает, что русские жили в туалетах. Можно и так посмотреть.
1 / 3
Инсталляция Ильи Кабакова «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» (1982) на выставке в Москве. 2013 год© Фотография Сергея Фадеичева / ТАСС
2 / 3
Инсталляция художников Ильи и Эмилии Кабаковых «Туалет» (1992) на выставке в Москве. 2008 год© Фотография Станислава Красильникова / ТАСС
3 / 3
Инсталляция художников Ильи и Эмилии Кабаковых «Туалет» (1992) на выставке в Москве. 2008 год© Фотография Станислава Красильникова / ТАСС
Вообще, посмотреть можно по-разному, это искусство открыто для интерпретаций.
А помимо такого, в XX веке появляется и искусство, открытое для прямого зрительского соучастия. Это разного рода интерактивные работы, где художник может выступать даже не в роли собственно художника, а в роли куратора, организатора. И об этом искусстве мы поговорим в следующей лекции.
Что еще почитать об актуальных формах искусства:
Колейчук В. Кинетизм. М., 1994.
Мизиано В. «Другой» и разные. М., 2004.
Перчихина М. Чтение Белой Стены. М., 2011.
Савчук В. Конверсия искусства. СПб., 2001.
Турчин В. По лабиринтам авангарда. М., 1993.
Мифология медиа. Опыт исторического описания творческой биографии. Алексей Исаев (1960–2006).М., 2013.
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
Ликбез № 1
Русское искусство XX века
Современное искусство
Обожаю такие истории про «современное искусство».
В 2011 году, в музее немецкого города Дортмунд, уборщица уничтожила произведение современного искусства, застрахованное на 800 тысяч евро. Произведение под названием «Когда начинает капать с потолка» представляло собой таз, содержащий как бы осадок от капавшего с потолка. Уборщица увидела грязный таз и тщательно вытерла его, тем самым совершив один из самых мощных художественных актов в истории современного искусства. Показав, что хоть бы оно стоило и 800 тысяч евро — а ведь на самом деле обыкновенная грязь.
В 2014 году история повторилась в Италии. В музее города Бари уборщица выбросила пару экспонатов из мятой бумаги, а также смела со стола крошки печенья, которые, как потом выяснилось, были частью инсталляции стоимостью в 10 тысяч евро.
И вот — вы не поверите — история повторилась в третий раз. И снова в Италии. В городе Больцано уборщица музея увидела инсталляцию «Где мы будем танцевать сегодня вечером?», представляющую собой разбросанные по полу бутылки из под шампанского, окурки и конфетти. И, разумеется, выбросила всё это из помещения…. (Отсюда.)
Сразу вспоминается фильм «Квадрат», где этот дурдом неплохо продернули, хотя сам фильм — очень и очень так себе.
Кстати, в октябре в Москву приезжает Йоко Оно на открытие своей выставки. Собственно, ее «искусство» как раз и состоит из подобного рода инсталляций, так что я считаю, что на период размещения выставки из Московского музея современного искусства нужно немедленно уволить уборщицу.
Йоко Оно зажигает спичку и смотрит, как она догорает. Этот олицетворяющий жизнь короткий перформанс запечатлен как на многочисленных фотографиях, так и в одном из фильмов Йоко Оно. В своих работах художница часто использует такие элементы, как огонь, вода, воздух, земля. Одна из инсталляций состоит из наполненных водой сосудов, на которых красуются имена знаменитых людей. Эти «водные скульптуры» служат напоминанием о том, что человек на две трети состоит из воды. Инсталляции Йоко Оно нередко предполагают участие зрителей, в которых художница видит партнеров, помогающих ей творить. (Отсюда.)
Ну и вот одна из ее «инсталляций». Уборщице, главное, не показывайте.
А вот еще одна — автомат с пустыми пластиковыми шариками. У нас в Калейе тоже такой есть, только шарики там с игрушками. Но наш в Калейе стоит где-нибудь 300 евро, а этот, как предмет искусства, наверняка стоит тысяч тридцать. Или миллиона три. Пустые шарики — это же так концептуально.
О, вот еще нарыл ее шедевр. Этот тысяч на пятьдесят потянет. Прям сцена из «Квадрата».
Всегда хотелось сходить на какую-нибудь такую выставку и понаблюдать на людьми, которые совершенно серьезно туда ходят «наслаждаться искусством». Все это чрезвычайно познавательно.
Инсталляции XXI века — от замысла к воплощению на примерах современного искусства в России и странах СНГ – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка
DOI 10.25712/ASTU.2518-7767.2018.02.012 УДК. 7.067
ИНСТАЛЛЯЦИИ XXI ВЕКА — ОТ ЗАМЫСЛА К ВОПЛОЩЕНИЮ НА ПРИМЕРАХ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА В РОССИИ И СТРАНАХ СНГ
Мажейкина Галина Геннадьевна Независимый эксперт современного искусства, историк искусства, куратор арт-проектов. Россия, г. Москва [email protected]
Аннотация
Инсталляция как популярный жанр в современном искусстве XX—XXI веков анализируется, исходя из контекстных изменений в художественном языке визуальной культуры постмодерна. Автор рассматривает инсталляцию как презентационное поле смыслов, руководствуясь французской теорией (постструктурализм), темой желания и соблазна, положениями психологии бессознательного, современными коммуникационными стратегиями в массовой культуре. Инсталляции, выбранные в качестве материала исследования, демонстрируют влияние технологий массовой культуры на идеи проектов, а также маркируют проблему взаимодействия «зритель — произведение искусства», приглашая к диалогу. Автор прослеживает взаимосвязи «вызов — ответ», характерные для культуры постмодерна.
Ключевые слова: актуальное искусство, инсталляции, визуальная культура постмодерна, смена языка художественного высказывания.
Библиографическое описание для цитирования:
Мажейкина Г. Г. Инсталляции XXI века — от замысла к воплощению на примерах современного искусства в России и странах СНГ // Искусство Евразии. — 2018. — №2(9). — С. 154-163. DOI: 10.25712/ASTU.2518-7767.2018.02.012. [Электронный ресурс] URL: https://readymag.com/u50070366/1070646/27/
Термин «инсталляция» произошел от английского глагола «to install» (устанавливать), который описывает технические аспекты изготовления инсталляции. Ее не рисуют, не пишут, а именно устанавливают, формируют, составляют из отдельных частей. Пространство становится одним из главных составляющих проекта, так как позволяет не просто объединить различные объекты в инсталляции, но придать им некую смысловую нагрузку, отвечающую замыслу художника. Создать иную, отличную от обыденной, реальность. Пространство это, как правило, является трехмерным, зритель может как войти внутрь в него, так и рассматривать его со всех сторон, поразмышлять об искусстве и о бытии.
Инсталляция Яёй Кусама [10] предлагает публике собраться в комнате, где орнамент в виде белого горошка на красном фоне покрывает стены и конструкции,
образуя необычный ландшафт, лишающий зрителя привычных пространственных ориентиров (рис. 1). Подобная стратегия создания пространства позволяет зрителю отвлечься от обыденности, погрузиться в состояние «измененного сознания», сосредоточиться на иных формах восприятия — необычных, даже несколько агрессивных (по цвету), ощущениях.
Рис. 1. Яёй Кусама. Инсталляция «Указатель в Рис. 2. Руслан Вашкевич. Проект «Не бесконечное пространство» (2015). Музей Garage. смотря ни на что». 2015. Галерея 11.12. Москва. Фотография из фондов музея Garage ВИНЗАВОД. Москва. Автор фото:
Г. Г. Мажейкина.
Идея инсталляции возникла с момента экспонирования в музее или галерее объектов промышленного производства, подписанных или раскрашенных художником. Предпосылки к новым формам в искусстве ХХ века можно обнаружить в картинах Пабло Пикассо «Аккордеонист» (1911) или «Спускающаяся по лестнице» (1912) Марселя Дюшана [12, 13]. Художники-модернисты стремились в изображенном ими движении выйти за пределы картины. Здесь лежат истоки расширения пространства холста, который кажется слишком малым для них. В 1913 году Марсель Дюшан экспонирует «Велосипедное колесо», в 1917 появляется «Фонтан», которые вошли в хрестоматийную историю искусства [14]. Появление в пространстве музея предметов, не созданных рукой художника, а заимствованных из среды обитания, привело к появлению термина «реди-мэйд» (готовый или сделанный продукт). Готовые вещи делает художественным объектом лишь воля и подпись автора, контекст выставки или музея. «Реди-мейды в пространстве музея — это искусство, — настаивал Дюшан, — взяв обычный предмет обихода, я позиционировал его так, чтобы значение пользы искусства исчезало под давлением другого смысла и другого подхода» [9]. Его не интересовала эстетика, цель — стремление уйти от визуального восприятия, «восприятия сетчатки», как он это называл, к чисто интеллектуальному или «церебральному» восприятию. Смысл подобной демонстрации реди-мейдов в пространстве музея был не в том, чтобы увидеть писсуар в новом свете, «но чтобы думать о нем с иных позиций» [9].
Дюшан подписал «Фонтан» псевдонимом «R.Mutt» (каламбур, напоминавший о популярных мультипликационных героях Матте и Джеффе) 1. И подпись, и
1 Оригинальное название: Mutt and Jeff. Год выпуска: 1916-1926. Жанр: Мультсериал, приключения, комедия, семейный. Выпущено: США, Bud Fisher Film Corporation Режиссер: Чарльз Р. Бауэрс и Бад Фишер (примечание автора статьи).
экспонирование готового изделия на выставке стали манифестацией того, что истоки идей и вдохновения художникам необходимо искать в массовой культуре. Напомню, год 1917, а создание серии мультфильмов — 1916, задолго до поп-арта.
Идеи Дюшана и их теоретическая важность для будущего концептуализма были позднее проанализированы с позиции современной философии американским художником Джозефом Кошутом, автором знаменитой инсталляции «Один и три стула» [11]. В своём эссе «Искусство после философии» (Art after Philosophy, 1969) Кошут писал: «Все искусство (после Дюшана) — концептуально по своей природе, потому что искусство и существует лишь в виде идеи» [5]. В этом же году термин «инсталляция» был закреплен за новым жанром художественного творчества.
Думать об объекте, выставляемом в пространстве музея, с иных позиций — это уже смена языка художественного высказывания, т.е. дискурса, который в ХХ веке становится необходимым компонентом в контекстуальном анализе культурных явлений. Объекты, заимствованные художником из реалий повседневности, наделяются функцией «проводника», цель подобной стратегии — адаптировать сложный язык современного (актуального) искусства, сделать его понятным зрителю. Другая задача — это налаживание взаимосвязей между «Я» и миром, который сегодня воплощает как массовая культура и ее технологии, так и виртуальное пространство интернет-коммуникации. Художники очень тонко и чутко определяют, куда перемещается интерес социума, вносят в произведения имиджи, взятые из различных культурных страт. Именно здесь нужно искать ответ на вопрос, почему так популярна сегодня тема повседневности во всех жанрах искусства от живописи и скульптуры до инсталляций. Визуальная культура становится не просто частью нашей повседневной жизни, она и есть сама жизнь с ее заботами и чаяниями. Дискурс повседневности становится определяющим, а массовая культура — полем смыслов, с которыми работает актуальный художник, находя темы для творческих идей [7, с. 92-124]. Рассмотрим примеры.
Название проекта «Не смотря ни на что» Руслана Вашкевича2 (рис. 2) явно повествует о лингвистической игре автора со смыслами. Первичная аллюзия при знакомстве с проектом — визуализация пост-постмодернистской ироничной художественной рефлексии автора на популярные телевизионные сериалы, ставшие частью повседневного быта домохозяек в любой стране мира. Казалось бы все просто! Однако, это не так.
Куда смотрят люди, изображенные на картине? Чтобы начать видеть то, что открылось четырем персонажам известных «мыльных опер», зрителю придется одолжить их взгляд. Это становится возможным, когда мы погружаемся в историю странствий картины. «Приключения Взгляда» разворачиваются далеко за пределами стен мастерской, в различных социальных пространствах. Это морг, церковь, гипермаркет, городская мусорная свалка, детсад, кладбище. Фотосессия с картиной, ее перемещения и экспонирование подтверждают этот процесс. Каждая встреча, как очная ставка
2 Руслан Вашкевич, родился в 1966 году в Минске, Белоруссия. В 1992 г. закончил Академию искусств. В 1993 — стажировка/стипендия, Hannover, Германия. 1995 — член Союза Художников Республики Белоруссия. 1999 — стажировка, Cite Internationale des Arts, Paris, Франция. 1999 — член Cite Internationale des Arts, Paris. 2001 — стажировка/стипендия, Kunstlerhaus Boswil, Швейцария. 2007 — стажировка, Cite Internationale des Arts, Paris, Франция. Авторская позиция: «Художник не имеет права крепко двумя ногами стоять на земле — это неудобная поза для полета. Гораздо лучше, когда ты в углу — и против всего мира». Пунктуация художника сохранена (примечание автора статьи).
наблюдателя и объекта. Причем наблюдателем может быть картина с её персонажами, а объектом изменяемое пространство, и наоборот. Вечная философская проблема о взаимосвязях субъекта и объекта. Наблюдатель здесь сам находится под наблюдением.
Выбранная художником Р. Вашкевичем новая/другая форма презентации картины, предлагает совершенно иные содержание и смысл, в отличие от традиционного экспонирования живописного произведения в выставочном зале. Что же изменилось, и каковы смысловые контексты этих изменений? Какой message (художественное сообщение или посыл к нему) нужно отправить сегодняшнему, искушенному соблазнами видеопрезентаций искусства зрителю, чтобы зацепить его внимание. Журналистам и искусствоведам, работающим с медиатехнологиями известно, что когда делается репортаж, то создается некое информационное событие, которое рассчитано на определенную аудиторию. Та же стратегия сегодня и у художника, он выбирает иную форму представления своих произведений, создавая некий новый феномен позиционирования своего творчества, опираясь на современную философию и технологии visual culture studies [6, с. 503-514]. Руслан Вашкевич выбрал форму перемещения своей картины в пространстве социальных страт.
Рис.3. Александр Дашевский. Бомбоубежища. Х/м. 2015. Размер варьируется. Галерея Art.4, Москва. Автор фото: Г. Г. Мажейкина.
Рис.4. Александр Дашевский. Преображение. Х/м. 127х100.2015. Галерея ART4. Москва. Автор фото: Г. Г. Мажейкина.
Санкт-Петербургский художник Александр Дашевский3 (рис. 3, 4) меняет классическую традицию создания и экспонирования живописи на холсте, но делает это по-другому, не так, как его коллега из Беларуси Руслан Вашкевич. Прекрасно зная современные постструктуралистские теории, Дашевский разрушает/переструктурирует
3 Александр Дашевский является членом IFA Творческого союза художников Санкт-Петербурга, по мнению журнала Forbes он вошел в категорию «восьми лучших художников мира». В 2016 году стал победителем международной премии Arte Laguna Prize в секции «живопись». Проект А. Дашевского «Неподдерживаемое содержимое» демонстрировался в галерее ART4 осенью 2016 г. в Москве.
ТЬе Ал 0£ Еига81а №2(9) • 2018
картину, разбивая априорную идею целостности живописного произведения как традиционно замкнутого пространства. Как он это делает? Он использует сложные формы конструкции подрамников, их нестандартную толщину, тем самым задавая специфический внешний объем будущей работе, заранее планируя поле развески частей произведения на стене. Он строит, объединяет, а где-то и разъединяет фрагменты запечатленной и визуализированной им реальности бытия социума. Его объекты «не привязаны» к строго определяемой локальности (страны, города и т.д.). Отнестись к его произведениям только как к картинам, было бы неправильно, художник, безусловно, создает инсталляцию из произведений в четко выверенной им геометрии. Его цель — создать убедительный образ тревожности, который чрезвычайно актуален в жизни социума любой страны мира в XXI
Второй аспект, не менее важный, — это тема телесности. Художника интересует не физическое, а «социальное тело». Экспериментируя с формой, Дашевский вступает в теоретический диалог с Ж. Делезом и Ф. Гваттари относительно философского понятия «тело без органов» [4], а также с Р. Бартом в контексте термина «текстуальное тело» [1, 2]. Дашевский — не просто художник, он — исследователь философии современного искусства, стремящийся почувствовать и прочувствовать другое пространство, каковым является холст и то, что находится за его границами.
Как человек не может быть замкнут сам на себя, так и картина замкнута не только на ее содержательную часть, но и на то, что находится за ее пределами, — на закартинное пространство. Дашевского, как и других современных авторов, интересует социальная повседневность, моменты которой он привносит в свои работы [6, 7].
Сегодня многие художники отсылают исследователей своего творчества к французской теории, к теме желания и соблазна (Ж. Бодрийяр) [3], взывая коллективному бессознательному, демонстрируя картинами-полиптихами напряженность современных социально-политических реалий. Жилища, бомбоубежища, транспортные артерии: метро, автобус, самолет и т.д., — эти пространства сегодня априори опасны для людей. Мир обитателей Земли вынужден сегодня существовать среди агрессивных стратегий и технологий, которые мы сами и создаем. Художник чутко улавливает актуальные веяния, к каковым относится желание изменить как форму представления живописи, так и смысловые контексты, возникающие при просмотре его картин, которые уже и не назовешь просто картиной, это инсталляции в пространстве выставочного зала. Отрицая (конечно, далеко не впервые в истории искусства) картину как «окно в мир», делая всё для борьбы с ней, художники делают свои произведения открытыми для интерпретаций [8]4.
В Доме впечатлений Музея изобразительных искусств им. А.С. Пушкина в ноябре 2016 года демонстрировался проект Ирины Наховой5 «Взгляд», который она сделала с куратором, философом Еленой Петровской. Проект состоит из семи видеоинсталляций,
4 Описание феномена «открытого произведения», в котором «воспринимающая сторона» (зритель) становится подлинным соавтором произведения, с приведением множества примеров из различных областей искусства. С моделью открытого произведения связывают идею бесконечных интерпретаций.
5 Ирина Нахова (р. 1955, Москва) — художник, представительница московского концептуализма. Работает в жанрах живописи и инсталляции. Окончила Московский полиграфический институт. С 1989 года провела более 30 персональных выставок в Москве, Лондоне, Барселоне, Зальцбурге, Нью-Йорке, Чикаго и других городах Европы и США. Лауреат Премии Кандинского (2013) в номинации «Проект года». В 2015 году представляла Россию на 56-й Венецианской биеннале.
веке [7,с. 92-103].
созданных по мотивам произведений художников разных школ из собрания Музея изобразительных искусств им.Эриана ван Стрека, «Геркулес и Омфала» Франсуа Буше, «Натюрморт с атрибутами искусств» Жана-Батиста Симеона Шардена. Произведения выбирались по самым разным критериям: эпоха, стиль, техника, жанр, тема. Цель авторов проекта — мотивировать зрителя к просмотру картины, замедлив время его восприятия, остановиться, всмотреться в конкретное произведение. Сегодня стало модно не столько рассматривать произведение искусства, сколько просто снять его на мобильный телефон, что, по мнению куратора, не что иное, как желание быстрее пройти мимо, оставив вдумчивое восприятие, в лучшем случае, на потом (рис. 5).
Кураторы используют видеокамеру, которая запрограммирована таким образом, чтобы выбирать нужное направление движения взгляда («искусственного глаза» камеры), выделяя отдельный фрагмент картины, размывая остальные. Подобная технология «искусственного глаза» позволяет исследователю узнать и увидеть то, что происходит, когда зритель смотрит на подлинник в выставочном зале музея. Фокус камеры медленно перемещается от одной детали на картине к другой: от лица героя к его рукам, от деталей одежды к книгам на полке и т. д. (рис. 6).
Рис.5. Виртуалы и Рембрандт. Источник: https://i.imgur.coml R6utH7Q.png
Рис.6. Ирина Нахова. Проект «Взгляд». Дом впечатлений. Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина. 2016-2017г.г. Фото из архива художника
ТЬе Ай 0£ Еига81а №2(9) • 2018
По мнению куратора Елены Петровской, одна из важнейших проблем в философии
— это проблема общего и частного, человеческий разум также не способен воспринять общее, он воспринимает только частное. Выбранная Наховой визуальная стратегия, позволила имитировать тактильное восприятие живописи: глаз зрителя, так же как и «искусственный глаз» камеры, меняет фокус, стихийно выбирая, на каких деталях в картине остановиться. Момент случайности в проекте «Взгляд» один из основных, так как, наблюдая за зрителем, весьма сложно определить, куда направлено его внимание при просмотре картины. Старик обратит внимание на одни детали, юноша — на другие, девушка — на третьи. Вопрос, заданный художнице Наховой аудиторией зрителей её проекта: зачем нужна подобная видеоинсталляция, дублирующая шедевр? Ценитель искусства привык смотреть картину в музее, воспринимая ее непосредственно в пространстве зала. Для чего подобная опосредованность восприятия? Авторы проекта объясняют: музей стал хранилищем мертвых предметов искусства. Использование экранов
— это попытка изменить технологию восприятия произведения искусства зрителем, что дает посыл к созданию нового музея и новых технологий визуализации. Видеоинсталляция мотивирует к непосредственному общению зрителя не просто с картиной, а с миром художника, создателя шедевра, формируя другие ощущения восприятия, которые, по мнению Наховой, возвращают нас к самим себе, создавая нечто магическое [7, с. 92-124].
Почему многим зрителям нравится смотреть картины, широко сегодня представленные видеорядом произведений импрессионистов, постимпрессионистов, например, видеоинсталляции Клода Моне или Винсента Ван Гога на больших экранах? Потому что персонажи картины «оживают», зритель как бы считывает рассказ, созданный художником на картине. К примеру, работа Ван Гога «Красные виноградники в Арле», в ней куратор намеренно делает акцент на деталях: ожившие сборщицы винограда, их наряды, поля, линия горизонта, структура и фактурность/пастозность мазка художника. Таким образом, зритель воспринимает повествовательный рассказ лучше, для него картина становится «живой». Для обычного зрителя технология работы живописца не так и важна, не все знают, как лессировками достичь желаемого оттенка прозрачности, для публики важен конечный результат, законченный сюжет. Безусловно, это упрощенный подход к восприятию искусства. Именно потому Ирине Наховой важно разбудить чувственность почти на тактильном, но при этом визуальном уровне, чтобы зритель мог считывать не только смыслы, волнующие художника в сюжете, но и его художественный поиск правильного цветового или композиционного решения. Зритель становится как бы соучастником действия, создания произведения. Подобная технология трансляции шедевров рассчитана на массового зрителя, незнакомого с историей искусства, что мотивирует многих к изучению и узнаванию нового.
Современные технологии способствуют тому, что художники, искусствоведы и философы вынуждены формулировать текущие и насущные проблемы визуализации и восприятия искусства. Музей становится не просто публичным пространством, что было всегда. Благодаря современным технологиям, сегодня зрители приглашаются к диалогу, к публичному, коллективному, а не только индивидуальному просмотру картин в пространстве выставочного зала.
Приведенные примеры инсталляций показывают, что сейчас художник сознательно включается в какой-то странный, но очень интересный, с позиции иного мировосприятия
и мироощущения, процесс. Интуитивно чувствует его новую органику, формируя новый для себя и зрителей образ миропонимания. Инсталляция как жанр искусства становится public art (публичным искусством), когда художественный проект мифологизирует пространство, делает его идеологически и художественно привлекательным, тем самым демонстрируя, что нет такой категории искусства, которая не выводила бы на социально значимый разговор. Приведенные проекты также наглядно демонстрируют важность направления visual culture studies как исследовательского метода анализа современных произведений искусства.
1. Барт Р. Ролан Барт о Ролане Барте. — Москва: Ad Marginem, 2014.
2. Барт Р. Избранные работы: Семиотика: Поэтика: Пер. с фр. // Общая риторика. — М.: Прогресс, 1986.
3. Бодрийяр Ж. Соблазн. Москва: Ad Marginem, 2000.
4. Делёз Ж., Гваттари Ф. Анти-Эдип: Капитализм и шизофрения. — Екатеринбург: У-Фактория, 2007.
5. Кошут Дж. Искусство после философии (Art after Philosophy, 1969) / Цитируется по: [Электронный ресурс]. — URL: http://www.ubu.com/papers/kosuth_philosophy.html
6. Мажейкина Г. Г. На распутьях современного искусства: практика и критика// Искусствознание: журнал по истории и теории искусства. — 2011. — №3/4. — С. 503-515.
7. Мажейкина Г. Г. Другое как критерий формирования художественного образа в актуальном искусстве XXI века // Искусствознание: журнал по истории и теории искусства. — 2014. — №1/2. — С. 92-124.
8. Эко У. Открытое произведение. Форма и неопределенность в современной поэтике. — СПб.: Академический проект, 2004.
9. Высказывание М. Дюшана цитируется по: [Электронный ресурс]. — URL: http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/605-marcel-duchamp.html
10. Выставка «Яёй Кусама: теория бесконечности». — [Электронный ресурс]. — URL: http://garagemca.org/ru/event/718
11. Дж. Кошут. — [Электронный ресурс]. — URL: http://artuzel.com/content/%D0%BA %D0%BE%D 1%88%D 1 %83%D1%82-%D0%B4%D0%B6%D0%BE%D0%B7%D0%B5%D 1%84.
12. Картины П. Пикассо. — [Электронный ресурс]. — URL: http://picasso-picasso.ru/pablo-pikasso-akkordeonist/
13. Марсель Дюшан. Картины. [Электронный ресурс]. — URL: https://artchive.ru/artists/10948~Marsel_Djushan/works/294741~0bnazhennaja_spusk ajuschajasja_po_lestnitse
14. Великое и непонятное: Как писсуар стал искусством. — [Электроный ресурс]. — URL: https://www.be-in.ru/review/34232-marsel-dyushan-i-ego-redi-mejdy/
Статья поступила в редакцию 27.04.2018 г.
Литература
Received: April 27, 2018
DOI 10.25712/ASTU.2518-7767.2018.02.012
INSTALLATIONS OF THE XXI CENTURY — FROM THE CONCEPTION TO THE IMPLEMENTATION OF CONTEMPORARY ART EXAMPLES IN RUSSIA AND THE CIS
Mazheykina Galina
Independent expert of contemporary art, art critic, curator of contemporary art projects. Russia, Moscow [email protected]
The installation as a popular genre in contemporary art of the XX — XXI centuries is analyzed on the proceeding of contextual changes in artistic languages of visual culture of postmodernism. The author considers the installation as a presentation field of significances, referring by the French Theory (Poststructuralism), the theme of desire and seduction, the position of the psychology of the unconscious, current communication strategies in mass culture. Installations selected for the research material demonstrate the influence of mass culture technologies on project ideas and also mark the problem of interaction between spectators and artworks, inviting to dialogue. The author traces «challenge — response» interdependency characteristic of postmodernism culture.
Keywords: contemporary art, installation, visual culture of postmodernism, contextual changes in artistic languages.
Bibliographic description for citation:
Mazheykina G. G. Installations of the XXI century — from the conception to the implementation of contemporary art examples in Russia and the CIS. Iskusstvo Evra%ii — The Art of Eurasia, 2018, no 2(9), pp. 154-163. DOI: 10.25712/ASTU.2518-7767.2018.02.012. Available at: https://readymag.com/u50070366/1070646/27/ (In Russian).
1. Barthes R. Roland Barthes by Roland Barthes (Russ. ed.: Bart. R Rolan Bart o Rolane Barte. Translated from French. Moscow, Ad Marginem, 2014).
2. Barthes R. Selected works: Semiotics (Russ. ed.: Bart. R. Izbrannye raboty: Semiotika. Translated from French. Moscow, Progress Publ., 1986).
3. Baudrillard J. De la seduction (Russ. ed.: Bodriiyar Zh. Sobla%n. Translated from French. Moscow, Ad Marginem, 2000).
4. Deleuze G., Guattari P.-F. L’anti-Œdipe : Capitalisme et schizophrénie (Russ. ed.: Delez Zh., Gvattari F. Anti-Edip : Kapitalizm i shizofreniya. Ekaterinburg, U-Faktoriya Publ., 2007).
5. Kosuth J. Art after Philosophy and After (Quoted in: Russ. ed. Koshut Dzh. Iskusstvoposle filosofii (1969). Available at: http://www.ubu.com/papers/kosuth_philosophy.html. (In Russian)
Abstract
References
6. Mazheikina G. G. Na rasput’yakh sovremennogo iskusstva: praktika i kritika [At the Crossroads of Contemporary Art: Practice and Criticism]. Iskusstvoznanie: zhurnalpo istorii i teorii iskusstva — Art History: The Journal of History and Theory of Art. 2011. No. 3/4. Pp. 503-515.
7. Mazheikina G. G. Drugoe kak kriterii formirovaniya khudozhestvennogo obraza v aktual’nom iskusstve XXI veka [Another as a criterion for the formation of the artistic image in the contemporary art of the 21st century]. Iskusstvoznanie: zhurnal po istorii i teorii iskusstva — Art History: The Journal of History and Theory of Art. 2014. No. 1/2. Pp. 92-124.
8. Eco U. The Open Work: Form and Uncertainty in Contemporary Poetry (Russ. ed.: Eko U. Otkrytoe proizvedenie. Forma i neopredelennost’ v sovremennoi poetike. Translated from Italian. Saint-Petersburg, Akademicheskii proekt Publ., 2004).
9. Marcel Duchamp statement quoted in: Khudozhnik Marsel’ Dyushan [The Artist Marcel Duchamp], 2012, 21 June. Available at: http://www.artcontext.info/pictures-of-great-artists/55-2010-12-14-08-01-06/605-marcel-duchamp.html). (In Russian)
10. Exhibition «Yayoi Kusama: theory of infinity» [Vystavka «Yaei Kusama: teoriya beskonechnosti»], 2015, 12 June. Available at: http://garagemca.org/ru/event/718 (In Russian)
11. Kosuth Joseph [Koshut Dzhozef]. Available at: http://artuzel.com/content/%D0%BA%D0%BE%D1%88%D1%83%D1 %82-%D0%B4%D0%B6%D0%BE%D0%B7%D0%B5%D1%84 (In Russian)
12. P. Picasso «Accordionist». Available at: http://picasso-picasso.ru/pablo-pikasso-akkordeonist/(In Russian)
13. Marcel Duchamp «Descending the Stairs». Available at: https://artchive.ru/artists/10948~Marsel_Djushan/works/294741~0bnazhennaja_spuskajusch ajasja_po_lestnitse (In Russian)
14. Velikoe i neponyatnoe: Kak pissuar stal iskusstvom [Great and incomprehensible: How the urinal became an art]. Available at: https://www.be-in.ru/review/34232-marsel-dyushan-i-ego-redi-mejdy/ (In Russian)
что это / Статьи / Newslab.Ru
В период «посткартинного» существования искусства, когда вместо прямоугольников на стенах музеи предлагают совсем другое, произведения искусства часто называются инсталляциями — об этом вездесущем понятии и хочется сегодня рассказать.
Инсталляция (от английского installation — установка) представляет собой некий набор предметов, объединенных общей идеей. Первые инсталляции делали сюрреалисты и Марсель Дюшан — его «Велосипедное колесо» (1913) и «Фонтан» (1917) знает теперь каждый. Это привело к появлению термина «реди-мэйд», значащего внесение в музей готового, сделанного чужими руками не для искусства, предмета. Первая инсталляция в России (поправьте меня, если что) появилась в 1973 году: «Рай», созданный Комаром и Меламидом, — квартира, заполненная символами существующих и вымышленных религий (под музыку, при свете фонаря).
Есть несколько отличительных особенностей инсталляций:
1. Инсталляция — это композиция из элементов пространства и вещей
Если вы входите во вдруг непривычно обустроенный зал, или если носок ботинка зацепил валяющийся мусор — наверное, это новая инсталляция. Это могут быть вещи из прошлого, восстанавливающие картину быта, или современные предметы, теряющие свою утилитарную функцию — в любом случае это вполне реальные объекты с фактурой, тенями, отражениями, которые обыгрываются, и смыслами, которые они заново приобретают.
2. Инсталляция — это соединение различных искусств
Кроме изобразительного искусства, всегда являющегося отправной точкой и опорой музеев, инсталляция включает в себя музыку, видео, реальность — поэтому ее можно слушать, трогать, нюхать, пробовать на вкус, и поэтому инсталляция трехмерна.
3. Инсталляция — это обязательное взаимодействие со зрителем
Вытекающее из предыдущего пункта свойство — инсталляция всегда напрямую вовлекает в себя зрителя, поэтому зачастую никто не заставляет сдерживать детский хватательный рефлекс (даже наоборот — иногда смысл произведений заключается в его стимулировании), поэтому можно тыкать пальцами в изображения и нервировать смотрительниц изменением положений предметов.
4. Инсталляция должна находиться в музее
Иногда именно музей делает из искусства искусство, поэтому одно из свойств инсталляции — принадлежность закрытому месту, предполагающему сценическую конструкцию. Дмитрий Пригов пишет об этом: «Инсталляция представляет собой нечто, воздвигнутое в замкнутом помещении. Размер последнего варьируется от предельно малого, куда можно только заглянуть одним глазком, до нескольких залов в крупных музеях. Инсталляция, в отличие от плоских росписей и единичных объектов, делает акцент на организацию интерьерного пространства».
При этом очень многое и вне музеев можно назвать инсталляцией.
5. Инсталляция — это не скульптура
Скульптура представляет собой сооружение (фигуру, предмет), которое имеет объемную форму и изготовлено из какого-то материала. Инсталляция может напоминать скульптуру, при этом она отличается, прежде всего, разнородностью материалов — то есть вместо бронзы или гранита или глины (в скульптуре) — в инсталляции может быть это все, смонтированное вместе.
6. Инсталляция мало живет и почти не хранится
Чаще всего музеи не могут сохранить инсталляцию в том виде, в котором она выставляется, потому что никто не знает, как ее хранить: невозможно положить ее как лист бумаги, картину, упаковать в ящик, как скульптуру. Инсталляция, вслед за другими формами современного искусства, сохраняется в побочных документах — фотографиях, видео, зарисовках, эскизах и только иногда воссоздается заново.
7. Инсталляция — магическое искусство
Основной эффект, к которому стремятся художники, это создание иллюзии — при помощи изменения обликов привычного возникает ощущение магического или даже мистического переживания. Человек как будто попадает в пространство, полностью переделанное, иное. Маргарита Тупицына в беседе с Ильей Кабаковым сказала: «Инсталляционное пространство — еще и суррогат пещеры. И если, согласно общепринятой версии, искусство родилось в пещерах, где впервые были сделаны наскальные рисунки, то в этом смысле мне кажется, что инсталляционная метафора действительно может восприниматься как какой-то очень архаичный вид творческой манифестации, и в частности — как возвращение к первоистокам искусства»
Не пугайтесь, когда находитесь в музее и не знаете, как назвать то, что перед вами — если это не картина или скульптура и не спектакль, скорее всего это инсталляция.
10 лучших инсталляций современного искусства 2016 года
https://twizz.ru/wp-content/uploads/2016/12/new-underwater-museum-by-jason-decaires-taylor-in-lanzarote-1-1.jpgПредлагаем вашему вниманию самые запомнившиеся, ставшие знаменитыми на весь мир инсталляции современного искусства, созданные художниками-новаторами. С помощью своих неординарных творений они призывают обратить внимание на ту или иную мировую проблему или же просто открывают новые страницы в истории искусства.
1. Инсталляция «Inside Out»
В честь проведения Олимпийских игр в Рио, французский уличный художник JR создал огромную фигуру атлета, прыгающего через многоэтажный дом.
2. Инсталляция «JR au Louvre»
Все тот же художник JR заставил исчезнуть известнейшую стеклянную пирамиду рядом с Лувром в Париже. Он добился этого эффекта, завернув её в полотно с принтом стоящего позади пирамиды фасада музея.
3. Инсталляция «Plexus 35»
Мексиканский художник Габриэль Дав известен по всему миру своими красочными радужными инсталляциями. В этом году он порадовал посетителей музеев искусства новым творением под названием «Plexus 35».
4. Инсталляция «Розовый дом»
Чтобы сохранить традиционное искусство вязания крючком и подогреть к нему интерес, скульптор из Польши Агата Олексияк (или просто Олек) покрыла целый дом огромным вязанным чехлом розового цвета.
5. Инсталляция «Дождь»
Украинский художник Назар Билык воздвиг в Киеве скульптуру мужчины с огромной каплей воды на лице. Это произведение символизирует взаимоотношение людей с природными элементами.
6. Инсталляция «Слон и мышь»
Скульпторы Рэй Виллафэйн и Сью Беатрис объединились для создания 2,5 метровой скульптуры слона Чесси Транкстон, играющего в шахматы с крошечной мышкой по имени Херсел Хиггинботом.
7. Инсталляция «Джунгли Амазонки с человеческим лицом»
Французский фотограф и уличный художник Филлипп Ишару представил яркий перфоманс, чтобы привлечь внимание к проблеме вырубки лесов в Амазонке. С помощью светового проектора он перенес фотографии лиц местных жителей на различные участки растительности, тем самым демонстрируя глубокую связь людей и флоры.
8. Инсталляция «Tili Wiru Tjuta Nyakutjaku»
Используя более 50 000 лампочек, художник Брюс Мунро создал целое светящееся море посреди австралийской пустыни рядом со скалой Улуру.
9. Инсталляция «SafePassage»
Китайский художник и архитектор Ай Вэйвэй прикрепил к колоннам здания Концертного зала в Берлине 14 тысяч спасательных жилетов беженцев. Эта акция призывает обратить внимание на множество проблем, с которыми сталкиваются беженцы с Ближнего Востока.
10. Инсталляция «Рубикон»
Известный на весь мир своими подводными произведениями художник Джейсон Тейлор создал целый музей под водой. Эти скульптуры из камня от Джейсона в первую очередь призваны проиллюстрировать экологические процессы в морской среде, а дальше – отражать взаимоотношения окружающей среды с загадочным миром искусства. Создание подводного парка скульптур несет в себе послание, которое рассказывает о важности понимания природы и сохранения такого деликатного мира.
Современное искусство: фото инсталляции «Часы» Кристиана Марклея
Согласитесь, понять современное искусство порой бывает непросто, однако это того стоит. Все эти необычные работы, инсталляции и перформансы хранят в себе глубокий смысл, который вложил в творение художник, а также проводят параллели с важными вопросами сегодняшнего дня. Одна из таких захватывающих работ этой осенью приехала в лондонскую галерею современного искусства Тейт. Гостям покажут знаменитую инсталляцию американо-швейцарского художника Кристиана Марклея «Часы», рассказывающую о времени через нарезку кадров из культовых кинофильмов. Vogue встретился с кураторами показа Кларой Ким и Фьонтаном Мораном и расспросил, что нужно знать об инсталляции и почему она так актуальна в наше время.
О художнике и турнтаблизме
Художник и композитор Кристиан Марклей — пионер арт-движения турнтаблизм, суть которого заключается в использовании виниловых или электронных проигрывателей для создания новых музыкальных записей. «Работы Марклея исследуют связь между звуками, фотографией, и кино», — говорят Ким и Моран. Больше всего художника интересуют звуки, которые никому не нужны, например, шумы испорченной пластинки. Ключевые инструменты его творчества — винил и вертушки.
О том, что такое «Часы»
Его работа «Часы» — это 24-часовая видеоинсталляция с нарезкой из 12 000 фрагментов фильмов и телешоу: от работ режиссера Орсона Уэллса до «Криминального чтива», «Титаника» и «Твин Пикс». В каждом фрагменте главным действующим персонажем становятся часы, показывающие время, которое соответствует настоящему моменту.
Если брать шире, то «Часы» — кинематографический портрет нашего времени, путешествие по истории кино. «Эта инсталляция — коллективная память поколений, которая передается посредством фильмов и ТВ», — объясняют Ким и Моран. Тема времени используется для отражения основной идеи: «Она заставляет нас задуматься о том, что наша жизнь наполнена рутиной и обыденностью. В эпоху скорости эта работа побуждает зрителя остановиться, присмотреться, прислушаться и перестроиться на новый временной ритм».
О процессе создания «Часов»
Мягко говоря, это было непросто. На создание работы у Марклея и его команды из трех ассистентов ушло три года. Сложность состояла не только в том, чтобы собрать все видеофрагменты, но и в том, чтобы правильно свести звуковые дорожки в единую музыкальную тему. «Марклей использовал уже существующие мелодии, которые объединил в нечто абсолютно новое», — говорят Ким и Моран.
Почему инсталляция «Часы» свободна для посещения
Художник не запрашивал разрешение на использование звуковых фрагментов. И если верить легенде, это главная причина, по которой музеям приходится показывать работу бесплатно. Но по словам команды галереи Тейт, Марклей просто хочет, чтобы его инсталляцию посмотрело как можно больше людей.
Отзывы о работе
Американский поэт Бен Лернер в своей новелле «22:04» назвал «Часы» произведением, демонстрирующим «наше коллективное бессознательное ощущение времени».
Британская писательница Зэди Смит считает инсталляцию лучшим фильмом, который вы можете посмотреть: «Часы — не плохая и не хорошая работа; но, возможно, это лучший фильм, на который вам придется прийти утром, вечером и глубокой ночью, отложив все другие дела».
Автор The New Yorker Дэниел Залевски отмечает желание Марклея создать нечто новое «посредством аккуратного разрушения старого».
И напоследок для тех, кто хочет выглядеть настоящим знатоком…
Если вам понравится работа Марклея, вы наверняка оцените лауреата премии Тернера Марка Лекея, чья большая персональная выставка откроется в галерее современного искусства Тейт в 2019 году. «Лекей часто работает с видео и монтажем, например, его знаменитая работа Fiorucci Made Me Hardcore 1999 года, которая представляет собой компиляцию видеосюжетов из различных ночных клубов, собранных за 30 лет», — говорят Ким и Моран.
Осознать ценность времени и посмотреть «Часы» в галерее Тейт в Лондоне можно до 20 января 2019 года. Советуем не терять времени зря.
Подпишитесь и станьте на шаг ближе к профессионалам мира моды.
Фото: Tate Modern, Ben Westoby
Как современные российские художники вдохновляются классической русской живописью
Русское искусство – невероятный кладезь идей, которые веками трансформируются и адаптируются под новую реальность, но при этом все равно остаются такими же, какими их изначально видели художники. Классика живет не только в стенах Государственной Третьяковской галереи, но и в современном искусстве. Молодые художники, дизайнеры и артисты вдохновляются монументальными полотнами лучших живописцев и с помощью средств самовыражения создают на их основе нечто новое. Мы с детства ходим по залам Третьяковской галереи и впитываем в себя главные образы русского искусства, поэтому оно впоследствии может отражаться и в наших работах.
Именно эту идею передает коллаборация бренда «ТВОЕ» и Государственной Третьяковской галереи. Вообще, подобного рода сотрудничество в последние годы – не единичная история, но самый настоящий тренд. Российские и иностранные музеи регулярно работают с модными брендами с целью популяризировать классическое искусство в молодежной среде.
И чтобы привлечь молодежь в музеи и галереи, брендам приходится придумывать оригинальные способы заинтересовать аудиторию. Один из таких – создание коллекции, в которой сочетаются искусство и мода. Для того чтобы представить «ТВОЕ Искусство», была организована съемка лукбука, из которого мы видим, что классика может быть актуальной во все времена. Молодые артисты решили передать свое видение шедевров живописи и стали героями инсталляции, которая демонстрирует, как искусство проходит проверку временем. Рассказываем о каждом из героев и о том, какими картинами они вдохновлялись.
Sova
@sava_saava
Молодая художница, актриса и модель считает каждую из своих работ отдельным перформансом. Третьяковку она считает своим местом силы и той площадкой, где можно выстроить «диалог» с художниками прошлых поколений. Sova представила картины Михаила Врубеля и Виктора Васнецова и постаралась передать холодную атмосферу мрачной русской сказки так же, как это сделали сами живописцы.
Кирилл Григорьев
@nenkid_
Первое, что приходит на ум, когда мы слышим имя Ивана Айвазовского, – это, конечно, вода. Маринист умел передать свое видение моря так, что его картины впоследствии стали классикой. Поэтому нет ничего удивительного в том, что Кирилл Григорьев стал моделью в съемке, организованной под водой.
Маша Макос
@mariamakoskakos
Мария – художница, которая сочетает в своем творчестве театр и художественно-эстетический лицей. Реальность лайфстайла в ее работах преобразовывается в фантазийные образы. Поэтому один из главных ее посылов – отражение сказки на новый лад. Так получилось и с «Богатырями» Васнецова. Съемка на открытом воздухе посвящена свободе и безграничности на фоне разрушенной реальности. В таких условиях сам классик велел задаться вопросом: «Богатыри не мы?»
Михаил Цатурян
@mishalibertee
Михаил Цатурян – художник и промышленный дизайнер, который с помощью индивидуального стиля и чувства юмора создает вирусные работы, обсуждаемые в интернете. Поэтому при работе с классикой решил выбрать что-то максимально нестандартное. Его выбор пал на работы Лентулова и Куинджи. Особого внимания заслуживает попытка передать характер картины «Лунная ночь на Днепре». Инсталляция представлена в неоне, и это, пожалуй, лучшим образом отражает настроение работы Архипа Куинджи.
Алина Золотых
@peopleimetandiliked
В работе с искусством девушка считаем самым важным не столько конечный результат, сколько сам процесс. И это можно заметить на снимках. Ведь она не столько позирует для кадра, сколько играет в нем. Алина решила стать героиней картины Серова и передать настроение «Девочки с персиками». Также девушка оказалась внутри работы Лентулова «Астры» и показала, как можно интерпретировать абстракционизм в XXI веке.
Александр Ефимов
@bagateliyaaa
«Черный квадрат» Казимира Малевича – одна из самых загадочных картин в истории русской живописи. Поэтому в работе с этим полотном было очень важно пригласить человека, который понимает абстракционизм. Александр Ефимов (более известный под псевдонимом Александр Багателия) работает в этом стиле, поэтому может передать настроение картины лучшим образом. Художник исследует остросоциальные явления и старается показать их через призму собственного опыта.
Клара Балде
@klatikalakuta_
«Сирин и Алконост» Виктора Васнецова – картина контрастов, на которой изображены два противоположных состояния человека – печаль и радость. Танцовщица Клара Балде с помощью своего образа постаралась передать эти эмоции через фото. Постановка кадров показывает контраст между двумя мифическими существами. И Клара отлично справляется с ролями обеих птиц.
Матисс Сартойо
@matiss_s_art_oyo
Матисс Сартойо назвал незабываемым креативным мероприятием совмещение моды, живописи и графики. В рамках проекта он принял участие в инсталляции с картиной «Красная площадь» Василия Кандинского. Матисс отразил двойственность и многообразие с помощью футуристичных образов. Молодой уличный художник оказался будто бы внутри картины и попытался передать настроение современного города. И хоть Москва за сто лет изменилась, эта работа показывает, что город во многом сохранил свой шарм.
Максим AXIMM
@aximm_aximm
Кандинский своими работами вдохновил многих современных художников. Среди них и Максим, который стал лицом инсталляции. Работа отражает идею «интимных» размышлений с помощью ярких красок, которые привлекают внимание к проблемам. Поэтому в проекте было важно отразить рефлексию современного художника. С помощью своего образа Максим следует основным «заветам» Кандинского и стремится выплеснуть всю свою внутреннюю энергию с помощью искусства. А что художник хотел этим сказать, каждый решит для себя сам.
Госпожа Рохас
@gospoja_rokhas
Госпожа Рохас – дизайнер нестандартных украшений из разных нестандартных материалов, и ей удалось перенести эту непосредственность в работу над инсталляцией картин Валентина Серова и Аристарха Лентулова – двух творцов с разными взглядами на искусство. Тем не менее оба проекта дизайнеру удалось воссоздать со свойственной ей смелостью и дерзостью. Именно поэтому «Похищение Европы» и «Собор Василия Блаженного» в этой инсталляции выглядят органично.
9 художественных инсталляций, которые поразят ваш разум
Любите вы современное искусство или нет, нет никаких сомнений в визуальном воздействии художественных инсталляций. Но что они собой представляют и что делает их такими особенными?
СВЯЗАННЫЕ: 15 НЕВЕРОЯТНЫХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ РАБОТ, СДЕЛАННЫХ ИЗ МУСОРА
Какова цель инсталляции?
Арт-инсталляция — относительно новый жанр современного искусства. Обычно это работы художников-постмодернистов, но не всегда.
Эти виды искусства могут быть постоянными или временными.
По своему назначению они, как правило, используются как альтернатива более традиционным произведениям искусства. В этом отношении зрители могут входить, перемещаться и взаимодействовать с ним так, как это невозможно с картинами и скульптурами.
Кто начал инсталляцию?
Художественные инсталляции приобрели известность примерно в 1970-х годах. Многие приписывают начало этому жанру искусства работам Марселя Дюшана и Курту Швиттерсу ‘ Мерц примерно того времени.
Но следует отметить, что философия, лежащая в основе этого жанра художественных работ, использовалась в прошлом. Одним из ярких примеров является захватывающий опыт тематических парков, таких как Диснейленд.
Источник: Matthew Mohr StudiosВ чем разница между скульптурой и инсталляцией?
Большинство обывателей, позаимствовав фразу, могли бы на самом деле посчитать эти две вещи похожими. Но на самом деле их можно рассматривать как противоположность друг другу.
«Скульптуры предназначены для [рассмотрения] извне как замкнутого набора форм, тогда как инсталляции часто окутывают зрителя или пользователя в пространстве произведения.»- hafilahamin.blogspot.com.
10 Примеры умопомрачительных установок
Теперь, когда вы понимаете, что это такое, вот несколько отличных примеров, которые поразят вас.
1. Невероятное
GaiaMotherTree от Эрнесто Нето
Художник Эрнесто Нето создал свое GaiaMotherTree , чтобы «[исследовать] конструкции социального пространства и природного мира, приглашая к физическому взаимодействию и сенсорному опыту.Зрителям предлагается изучить строение внутри и снаружи.
Поистине вдохновляет.
2.
Охота на троллей Томаса Дамбо — это круто Источник: Иден, Джанин и Джим / FlickrОхота на троллей Томаса Дамбо — забавный взгляд на концепцию художественной инсталляции. Он состоит из примерно шести «подлых» троллей, расположенных вокруг дендрария Мортон в Иллинойсе летом 2018 года.
3.
Небоскреб (Брюгге-Кит) от StudioKCA Источник: J.М. Мюллер / Wikimedia CommonsЭта 38-футовая (11,5 м) инсталляция «Кит» от StudioKCA впечатляет. Он полностью сделан из пластиковых отходов и был установлен в рамках Триеннале Брюгге в 2018 году.
4.
Narcissus Garden от Яёи Кусамы версия 2005 года. Источник: brewbooks / Flickr«Сад нарциссов» от Яёи Кусама — это старая инсталляция, которая была впервые представлена в 1966 году. Она была разработана, чтобы показать тщеславие и коммерциализацию современного искусства.
Его последняя версия в 2018 году была установлена на заброшенной военной базе США в Форт-Тилден.
5.
Лес чисел Эммануэль Муро Источник: Эммануэль МоуроНациональный центр искусств в Токио недавно принимал Лес чисел к Эммануэль Муро по случаю их 10-летия. Он занимал площадь 2000 м2, и состоял из более чем 60 000 номеров в 100 различных цветах.
6.
РУБИКОН Джейсона Декареса Тейлора
«Рубикон» — это художественная инсталляция с изюминкой — она полностью погружена в море. Museo Atlantico, расположенный в первом в мире музее современного подводного искусства, состоит из гиперреалистичных статуй людей.
7.
Пустота Кэти Патерсон и Целлер и Мойе Источник: Кэти Патерсон«Пустота» — это великолепная интерактивная художественная инсталляция, разработанная Кэти Патерсон и Целлер и Мойе.Древесина, состоящая из более чем 10 000 видов деревьев, разрезается на доски и укладывается на стены, пол и потолок, наподобие сталактита и сталагмита.
8.
Плавучие пирсы по Христо Источник: ХристоПлавучие пирсы по Христо — одно из его величайших произведений «ленд-арта». Инсталляция состояла из серии плавучих желтых дорожек, по которым посетители могли пройти по воде в Сульцано, Италия.
9.
Tili Wiru Tjuta Nyakutjaku , Брюс Манро
Дизайн британского художника Брюс Манро , Tili Wiru Tjuta Nyakutjaku — еще одна забавная художественная инсталляция. Установленный в Улуру, Австралия, «глядя на множество красивых огней» демонстрировался до 2017 года.
Что такое «Искусство инсталляции»? | История и лучшие художественные инсталляции с 2013 года
Heartbeat Шарля Петиллона
Как и большинство движений, составляющих современное искусство, искусство инсталляции проявляет интерес к инновациям.Хотя практика погружения похожа на скульптуру и связана с рядом современных художественных жанров, она предлагает уникальный способ познакомиться с искусством. Чтобы понять значение такого движения, важно понять, что делает его таким особенным, от его отличительных качеств до его художественного влияния.
Здесь мы исследуем авангардное движение, уделяя особое внимание способам творческого вовлечения аудитории и создания новых впечатлений.
Что такое инсталляция?
Искусство инсталляции — это современное движение, характеризующееся захватывающими, грандиозными произведениями искусства.Обычно художники-инсталляторы создают эти предметы для определенных мест, что позволяет им умело преобразовать любое пространство в индивидуальную интерактивную среду.
Plexus 35 от Габриэля Доу
Характеристики
ИммерсивныйКлючевым атрибутом инсталляционного искусства является его способность физически взаимодействовать со зрителем. В то время как все художественные среды имеют возможность вовлекать людей, большинство из них не полностью погружают их в интерактивный опыт.
Помимо облегчения диалога между наблюдателями и произведениями искусства, эта уникальная характеристика предлагает людям взглянуть на искусство с новой и иной точки зрения — буквально!
Лес чисел Эммануэль Муро
БольшойУчитывая их интерактивный характер, большинство произведений инсталляционного искусства имеют большой размер. Их значительный рост позволяет зрителям полностью погрузиться в любую необычную среду.Во многих случаях он даже позволяет им сидеть, стоять или ходить по нему — отличительная способность, которую обычно не найти в более традиционных формах искусства.
The Urchins от Choi + Shine Architects
Для конкретного объектаВ отличие от скульптур, картин и подобных предметов, инсталляции обычно планируются с учетом определенных мест — от комнат в галереях и музеях до открытых пространств. Учитывая стратегический характер их дизайна и уникальность окружающей среды, произведения искусства, ориентированные на конкретную территорию, гарантируют уникальную эстетику и впечатления.
Spiral Jetty, Роберт Смитсон, 1938–1973 (перенесено из en.wikipedia в Commons.) [Public domain или CC BY-SA 2.5], через Wikimedia Commons
Влияния
Как и многие современные жанры, форма искусства инсталляции уходит корнями в несколько различных движений, а именно, дадаизм, концептуализм и перформанс.
Дада
Подобно Дада, авангардному движению, появившемуся в начале 20 века, инсталляции часто демонстрируют экспериментальный подход к искусству.В частности, использование в инсталляции смешанной техники и акцента на трехмерность, несомненно, навеяно двумя основными элементами Дада: готовыми мейдами и сборками.
Концептуализм
Вдохновленные дадаистами, художники-концептуалисты считают, что идея произведения искусства важнее его эстетики. Это чувство присутствует и в инсталляционном искусстве: известные современные художники, такие как Ай Вэй Вэй и Дэмиен Херст, используют свои знаменитые инсталляции как средство передачи сообщений зрителям.«Как человек я родился, чтобы высказывать свое мнение», — объясняет Ай Вэй Вэй. «Высказывая свое мнение, я понимаю, кто я».
Искусство перформансаХотя перформанс — практика, выполняемая перед аудиторией — может показаться непохожим на инсталляцию, форму изобразительного искусства, эти два движения связаны одной ключевой характеристикой: творческим и концептуальным использованием пространства. В обоих случаях художники находят новаторские и изобретательные способы переосмысления и переосмысления повседневной среды.
Теперь, когда мы знаем, что такое искусство инсталляции, давайте взглянем на лучшие художественные инсталляции каждого года с 2013 года и познакомимся с лучшими художниками по инсталляции в этой области.
Искусство инсталляции — Art Term
Произведения инсталляции (также иногда называемые «средами») часто занимают целую комнату или пространство галереи, через которое зритель должен пройти, чтобы полностью погрузиться в произведение искусства.Однако некоторые инсталляции созданы для того, чтобы их можно было просто обойти и созерцать, или они настолько хрупки, что их можно увидеть только через дверной проем или в одном конце комнаты. Что отличает искусство инсталляции от скульптуры или других традиционных форм искусства, так это то, что это полный единый опыт, а не демонстрация отдельных отдельных произведений искусства. Акцент на том, как зритель воспринимает работу, и желание доставить им насыщенный опыт — доминирующая тема в искусстве инсталляции.Как сказал художник Илья Кабаков:
Главный действующий субъект всей инсталляции, главный центр, к которому все обращено, для которого все предназначено, — это зритель.
Искусство инсталляции возникло из среды, которую художники, такие как Аллан Капроу, создавали примерно с 1957 года, хотя были и важные предшественники, такие как Merzbau 1933 Курта Швиттерса, среда из нескольких комнат, созданная в собственном доме художника в Ганновере.В недатированном интервью, опубликованном в 1965 году, Аллан Капроу сказал о своем первом окружении:
Я просто заполнил всю галерею… Когда вы открыли дверь, вы оказались посреди целого окружения… Материалы были разнообразными: листы пластик, скомканный целлофан, клубки скотча, кусочки порезанной и замазанной эмали и кусочки цветной ткани… пять магнитофонов, разбросанных по пространству, воспроизводили электронные звуки, которые я сочинил.
С 1960-х годов создание инсталляций стало одним из основных направлений современного искусства.Это все чаще происходило с начала 1990-х, когда «крах» арт-рынка в конце 1980-х привел к возрождению интереса к концептуальному искусству (искусство сосредоточено на идеях, а не на объектах). Разные материалы (смешанная техника), свет и звук остались основой инсталляционного искусства.
Комната уничтожения (2012) Последовательность (2008) Арне Куинза. Instant Karma БРИТАНСКАЯ УСТАНОВКА АРТ. | Определение & Характеристики Арт-инсталляция — относительно новый жанр современного искусства — практикуется все большее количество постмодернистов художники — что предполагает настройку или «установку» объектов в пространстве, например, в комнате или на складе.Получившаяся аранжировка материала и пространства составляет «произведение искусства». Потому что установка обычно позволяет зрителю входить и перемещаться сконфигурированное пространство и / или взаимодействовать с некоторыми из его элементов, он предлагает зритель очень отличается от (скажем) традиционной картины или скульптура, которую обычно видят с единственной точки отсчета. Более того, инсталляция может задействовать несколько органов чувств зрителя, включая осязание, звук и запах, а также зрение. Благодаря своей гибкости и трехмерности, искусство инсталляции находится под влиянием компьютерных разработок. искусство — например, разработка программного обеспечения в видео и кинопроекция — а также техники, используемые в авангардном театре и танцевать. Архитектура и дизайн интерьера также повлияли на это. Прежде всего, установка — это форма концептуального искусство — жанр, в котором «идеи» и «воздействие» считается более важным, чем качество готового «продукта» или «произведение искусства».(Помните, установка — это чисто временная произведение искусства. Если это не сфотографировано или задокументировано каким-либо образом, там не будет свидетельством его существования.) Если традиционное произведение искусства позволяет Чтобы оценить мастерство художника, инсталляция позволяет нам, чтобы испытать «произведения искусства» и, возможно, даже переосмыслить наши отношения и ценности. Как и во всех общих формах концептуального искусства, художников-инсталляторов больше интересует презентация своих сообщение , чем материал, использованный для его представления.Однако в отличие от «чистое» концептуальное искусство, которое якобы переживается в умах тех, кто с ним познакомился, инсталляционное искусство более обосновано и остается привязан к физическому пространству. Концептуальное искусство и искусство инсталляции — вот два самые популярные образцы постмодернистского искусства, общая тенденция, отмеченная его попытками расширить определение Изобразительное искусство. Обе формы широко представлены во многих лучших в мире галереи современного искусства. Чтобы узнать о других новых стилях искусства, см. Contemporary Art Movements (с 1970 г.). |
Инсталляция Art Movement Обзор | TheArtStory
Краткое изложение искусства установки
Искусство установки — это термин, обычно используемый для описания произведения искусства, расположенного в трехмерном внутреннем пространстве, поскольку слово «установить» означает размещение чего-то внутри чего-то другого. Он часто привязан к конкретному объекту — разработан для установления определенных отношений, временных или постоянных, с его пространственной средой на архитектурном, концептуальном или социальном уровне.Он также создает высокий уровень близости между собой и зрителем, поскольку существует не как драгоценный объект, на который нужно просто смотреть, а как присутствие в общем контексте своего контейнера, будь то здание, музей или назначенная комната. Произведения искусства призваны вызывать настроение или чувство и, как таковые, требуют от зрителя приверженности. Движение остается отдельным от подобных ему форм, таких как ленд-арт, искусство интервенций и паблик-арт, но между ними часто есть совпадения. Идеи, лежащие в основе произведения искусства инсталляции, и ответы, которые оно вызывает, имеют тенденцию быть более важными, чем качество его носителя или технические достоинства.Художники отстаивают этот жанр за его потенциал изменить мир искусства, удивляя публику и вовлекая зрителей по-новому.
Ключевые идеи и достижения
- Искусство инсталляции способствует смещению фокуса с того, что искусство визуально представляет, на то, что оно передает. Художники-инсталляторы менее сосредоточены на представлении эстетически приятного объекта зрителям, поскольку они заключают этого зрителя в среду или набор систем, созданных ими самими. Изменение субъективного восприятия зрителя — желаемый результат художника.Произведения, принадлежащие этому движению, резонируют с нашим собственным человеческим опытом — как и мы, они существуют внутри и всегда находятся в разговоре с их жизненной средой.
- Художники-инсталляторы озабочены тем, чтобы сделать искусство менее изолированной концепцией — размещая работы за пределами галерей и музеев и используя более утилитарные компоненты, такие как найденные предметы, промышленные и повседневные предметы, обычные материалы и технологии для населения. Это движение расширило сферу искусства.
- Поскольку искусство инсталляции особенно сложно собирать и продавать, это движение выступает против превращения искусства в товар, тем самым бросая вызов традиционным механизмам, используемым для определения ценности произведений искусства.
- Попытки продать инсталляции вызвали вопросы о процессе демонтажа и повторной установки работ, которые были задуманы для определенного места, и о том, как это могло или не могло уменьшить первоначальное значение и ценность. Это также спровоцировало диалог внутри художественных и архивных сообществ о том, можно ли реконструировать и продать временное произведение под видом оригинала, или же непостоянное произведение можно воссоздать до бесконечности, чтобы увековечить его существование.
Обзор инсталляции
«Меня полностью интересовал физический мир, и я всегда буду что-то делать», — сказала Рэйчел Уайтрид о своем детстве, — «Играя с кусочками и частями, меняя их из одного в другое» стал первым источником вдохновения для ее инсталляционных работ.
Искусство инсталляции — концепции и стили
Искусство начала инсталляции
Ранние влияния
Искусство инсталляции не возникло в результате определенного коллективного импульса или организованного намерения.Скорее, она возникла органически из цепочки концептуальных, театральных, конкретных мест и времени проектов различных художников из нескольких движений. Корни инсталляционного искусства часто восходят к великим художникам-концептуалистам, таким как Марсель Дюшан, который первым поместил обыденное сиденье для унитаза в обстановку «изобразительного искусства» во всей ее буквальной простоте, чтобы ее можно было рассматривать вне контекста. Таким образом, реди-мейды Дюшана стали предшественниками этого жанра наряду с другими ранними влиятельными людьми, такими как авангардные дадаисты, которые были первыми художниками-концептуалистами, которые предпочли сосредоточиться на создании работ, вызывающих вопросы, а не на создании эстетически приятных объектов.Немецкий художник Курт Швиттерс с его антикоммерческими коллажами Merz предметов из повседневной жизни и Эль Лисицкий с его картинами Proun , которые были радикальным переосмыслением пространства и материала, выражали проблемы раннего искусства инсталляции наряду с нотами пространственности — движение, отстаивавшее синтез звука, зрения, пространства, движения и времени в новых формах искусства. Все эти предыдущие усилия наряду с вдохновением от театра — особенно заметные в таких легендах перформанс-искусства, как группа Гутай из Японии, создавшая крупномасштабные мультимедийные среды, — слились в рождение искусства инсталляции.
Ранняя версия этой инновационной категории искусства была обнаружена в экспрессионистской «среде» художников 1950-х и 60-х годов, таких как Аллан Капроу. Капроу превратил целые пространства галереи в предметы искусства, которыми мог бы быть поглощен гость. В своем значительном произведении « слов » (1961) он установил рулоны бумаги с беспорядочными фразами и проиграл аудиозаписи для аудитории, когда они проходили через инсталляцию. Ив Кляйн был еще одним пионером курируемой среды, хотя его подход был гораздо более скудным. Пустота , произведение Кляйна в 1958 году, представляло собой белую галерею, которая была радикально пуста. Он стремился утвердить пространство как объект, достойный художественного внимания, тем самым формируя путь для искусства инсталляции.
Название стиля: 1970-е.
Термин «искусство инсталляции» стал использоваться в 1970-х годах для описания работ, внимательных ко всему пространству, которое они занимали, и к процессу просмотра публикой. В течение этих десятилетий социальных, политических и культурных потрясений мир искусства вступил во время экспериментов, стирающих границы между дисциплинами.Художники-инсталляторы все больше интересовались выполнением работ, которые можно было бы показать нетрадиционно и которые учитывали бы весь чувственный опыт зрителя. Например, клаустрофобные произведения Брюса Наумана 1970-х годов играли с дискомфортом аудитории и были нацелены на то, чтобы зрители чувствовали себя не синхронизированными с окружающей средой. Проходя по его инсценированным коридорам и комнатам, посетители испытывали чувство запертости или покинутости. Для таких артистов, как Вито Аккончи, оттачивание дискомфорта публики также было средством вовлечения.В перформансе 1972 года под названием Seedbed художник мастурбировал под установленным временным полом в галерее Sonnabend, в то время как посетители проходили над головой и слышали, как он озвучивал сексуальные сценарии, в которых они участвовали.
Меняющиеся опасения
Изначально искусствоведы сосредоточились исключительно на привязке к конкретным местам и эфемерности художественных работ Инсталляции, чтобы определить их, но этот фокус сместился, поскольку сторонники жанра начали делать работы, отсылающие к культурным контекстам и социальным проблемам.Дебаты об отношении искусства к повседневной социально-экономической реальности людей стимулировали трансформацию инсталляционного искусства в конце 70-х годов.
Увеличение площадок для выставок современного искусства и мода на крупномасштабные выставки в 80-е годы проложили путь к нынешнему распространению инсталляционного искусства. Например, фильм Сильдо Мейрелеш « — » (1983–1989) был очень политизированным произведением, в котором зрителям предлагалось пройти через лабиринт барьеров, битого стекла и других сбивающих с толку препятствий.Публикация должна была стать критикой социальных репрессий, консьюмеризма и политической цензуры. Билл Виола был еще одним художником, который тщательно курировал среду. Он был известен тем, что использовал видеотехнологию для исследования элементарного человеческого опыта. Например, для инсталляции «Комната святого Иоанна Креста » (1983) Виола создал черную кабину со смотровым окном, через которое зрители могли видеть небольшой цветной монитор, расположенный на деревянном столе рядом с металлическим кувшином.На экране на заднем плане было изображение заснеженной горы, в то время как голос тихо декламировал стихи, создавая успокаивающую и полностью захватывающую сцену.
К 1990-м годам более активное участие зрителей стало центральной проблемой для художников-инсталляторов. Карстен Холлер и Розмари Трокель, например, создали House for Pigs and People (1997) — метафору социального разделения, состоящего из дома, разделенного на две части односторонним зеркальным стеклом. Люди занимали одну сторону дома, а свиньи — другую, и зеркало позволяло людям видеть свиней, но не наоборот.Художники чувствовали, что, буквально погружая зрителей в концепцию, которую они пытались выразить, зрители получат интуитивный, а не интеллектуальный опыт.
Начиная с 2000-х годов в искусстве инсталляции наблюдается рост внедрения постоянно растущих технологических достижений в работы, которые создают еще более захватывающую среду. В этих очень стимулирующих произведениях используются свет, датчики, компьютеры и видео-реальности, и они могут быть инсталлированы в Интернете, галереях и даже на мобильных устройствах.Брюс Науман продолжает работать с аудиозаписями для создания контролируемых ситуаций в таких работах, как Raw Materials (2004). Произведение объединяет несколько перекрывающихся друг друга прочтений текста, содержание которых варьируется от резкого повторения отдельных слов до более задыхающейся декламации более длинных текстов в звуковой инсталляции. Некоторые художники проектируют эти инсталляции так, чтобы они отвечали на вмешательство зрителей, например, в работе Мориса Бенаюна Brain Factory (2016).Произведение переводит эмоции посетителя в визуальные данные с помощью 3D-принтера, чтобы зрители и машина работали вместе над созданием произведения искусства. Мозговые волны, обнаруживаемые у зрителя, рассматриваются как абстрактная пища для материализации твердых объектов и скульптур.
Искусство инсталляции: концепции, стили и тенденции
Специфика места: местоположение как неотъемлемый элемент
Эта категория искусства возникла в 1960-х годах, когда художники, разочаровавшись в растущей коммодификации мира искусства, начали отказываться от художественных условностей в поисках альтернативы.Многие художники-инсталляторы начали создавать работы, которые были созданы исключительно для того, чтобы существовать во взаимосвязи с определенным пространством. Таким образом, если бы он был удален из указанного пространства, он потерял бы свой смысл.
Прекрасным примером этого является комната Вальтера де Марии New York Earth Room (1977), которая долгое время экспонировалась в Dia Art Foundation. Эта часть представляет собой целую комнату, заполненную грязью — попытка де Марии принести природу внутрь, чтобы на самом деле содержать то, что обычно считается свободным от сдерживания.Энди Голдсуорси проводил аналогичные эксперименты по манипулированию природой. Известно, что он красил грязью целые стены галерей и других архитектурных пространств. По мере того, как грязь высыхает и трескается, детали физически меняются и портятся, что позволяет зрителям наблюдать эрозию в режиме реального времени. Немецкий художник Эберхард Босслет использует существующие пространства для вдохновения строительных проектов. С 1985 года он создал множество интерьерных работ с использованием промышленных строительных материалов, которые существуют в виде структурных элементов, которые легко сливаются с существующими архитектурными каркасами.Кара Уокер известна тем, что прикрепляет свои черные силуэты, изображающие афроамериканский опыт, прямо на стены, так что ее сообщения о повсеместном распространении расизма невозможно удалить или стереть.
Концептуализм
Искусство инсталляции также пересекается с движением концептуального искусства, поскольку оба они отдают приоритет важности идей над техническим достоинством работы. Тем не менее, концептуальное искусство имеет тенденцию быть более сдержанным и минималистичным, тогда как искусство инсталляции часто более смелое и более объектно-ориентированное.Некоторые примеры, которые связывают эти два движения, включают работы Дженни Хольцер с 1970-х годов, где она выразила свои собственные идеи о состоянии человека с помощью текстовых световых проекций и светодиодных скульптурных вывесок на стенах многих общественных зданий. Ее мысли становятся единым целым с окружающей средой, приглашая посетителей прямо в ее сознание. Когда британский художник Дэмиен Херст хотел выразить глобальную зависимость общества от фармацевтических препаратов, он построил настоящие аптечные шкафы, заполненные флаконами с лекарствами.Полки сверху вниз соответствовали телу человека — лекарства для головы заполняли верхнюю полку и так далее до нижней полки от болезней ног. В 2010 году, когда посетителям выставки Ai Weiwei’s Sunflower Seeds , 2010 в Тейт разрешили забрать одно из (почти) миллиарда крошечных фарфоровых семян, сложенных на полу целого пространства галереи, они также убрали отражения на географии. -политика культурного и экономического обмена вокруг слов «Сделано в Китае».
Взаимодействие и погружение: акцент на вовлеченности зрителя
Произведения, относящиеся к этой категории инсталляционного искусства, смещают акцент с искусства как простого объекта на искусство как побудитель диалога.Так преднамеренно занимая места, произведение искусства заставляет зрителей тесно взаимодействовать, так что просмотр искусства Инсталляции больше похож на акт взаимодействия, чем на созерцание. Художник Олафур Элиассон сказал: «Я всегда стараюсь делать работу, которая побуждает зрителя стать сопродюсером нашей общей реальности». Китайский художник Цай Го-Цян воплощает это понятие. После стратегического размещения пороха на гигантских поверхностях или конструкциях, он устраивает публичные взрывы работ, которые могут соперничать с захватывающими шоу с петардами.После того, как искры угаснут, остается созерцать великолепные, темные как сажа картины. Другая художница, Рэйчел Уайтред, известна масштабными инсталляциями, которые побуждают зрителей задуматься о внутреннем пространстве. На набережной , , она заполнила комнату в музее Тейт сотнями белых кубиков, отлитых из пустых ящиков и контейнеров. Прогуливаясь по этим положительным впечатлениям от негативного пространства, гости были вынуждены размышлять обо всех «призраках» внутренних пространств в своей собственной жизни.
Некоторые художники-инсталляторы создают полностью иммерсивную среду, чтобы заключить зрителя в ощущения, полностью отделенные от реальности. Эти предметы становятся похожими на аттракционы в парке развлечений или экспериментальные мероприятия для добровольного участия посетителя. Яркой иллюстрацией является « Infinity Room » Яёи Кусамы (2016), инсталляция внутри целого зала музея Броуд, куда посетители с билетами заходят по одному, чтобы испытать себя в одиночестве. Черная комната, освещенная тысячами крошечных огней, вызывает чувство пребывания в космосе или где-то вне этого мира.
С появлением технологических достижений художники этого жанра все чаще стремятся захватить все чувства зрителя через запах, звук, перформанс и иммерсивную видео-реальность (все это связано с широко используемым термином 4-D). Работы художника Натаниэля Стерна являются часто в прямом сотрудничестве со зрителями, поскольку они требуют, чтобы движения частей тела посетителей влияли на различные действия произведения искусства. В одном фрагменте, enter: hektor (2001), он заставлял гостей преследовать проецируемые слова руками, чтобы вызвать произнесенные слова.
Использование огромных масштабов
Грандиозные проекты, превращающие общественные места в пространства для созерцания, долгое время принадлежали сфере инсталляционного искусства, а крупномасштабные заказы стали обязательными предметами в большинстве крупных художественных музеев. Эти работы делают смелые заявления и, как правило, являются фаворитами публики, но некоторые утверждают, что крупномасштабные произведения стали чрезмерно повсеместными и бесполезными, а общественная привлекательность намного превосходит художественные достоинства произведений. Действительно, кажется, что известные художники часто обращаются к изготовлению этих массивных инсталляций, которые наверняка понравятся публике и еще больше увеличат их известность.Дуэт Христо и Жанна-Клод, широко известный своими впечатляющими работами на открытом воздухе, однажды заполнил атриум 50 на 50 футов Института современного искусства в Филадельфии двухэтажной мастабой, состоящей из 1240 бочек с маслом, по которым гости с трудом могли пройти. космос. Некоторые из самых известных работ Аниша Капура подходят к этой категории, в частности, его огромные скульптурные вмешательства в здания, которые (часто инвазивно) занимают несколько областей, комнат и даже этажей.
Восприятие пространства
Некоторые инсталляции пытаются изменить наше восприятие пространства, манипулируя окружающей средой. Например, известный художник Джеймс Террелл работает с архитектурой, светом и тенью, чтобы избавиться от человеческого восприятия глубины. В своей основополагающей работе Breathing Light (2013) для Художественного музея округа Лос-Анджелес он превратил комнату с помощью стратегически расположенных светодиодов во всеобъемлющее ощущение, которое заключило зрителя в нечто, напоминающее дышащее небесное лоно.В The Weather Project (2003) Олафур Элиассон привнес наружу внутрь, превратив комнату с помощью моночастотного света и дымки в жуткое выражение солнца. Ричард Серра известен массивными металлическими скульптурными формами, которые деформируются, волнообразны и управляют внутренним пространством таким образом, что настраивают равновесие и чувство баланса зрителя, когда они входят, повсюду и вокруг произведений гигантского масштаба. Эти типы инсталляций переносят аудиторию в, казалось бы, другие измерения, часто провоцируя мысли о существовании — физическом, эфирном и / или духовном.
Дальнейшие разработки — искусство после инсталляции
Современные художники продолжают использовать искусство инсталляции как средство создания целостного единого опыта. С появлением революционных технологий и быстро расширяющегося набора инструментов для цифрового искусства можно сказать, что художники только начинают понимать возможности Installation art 2.0. В последнее время художники-инсталляторы обращаются к работам, которые погружают зрителей в виртуальную реальность, таким как Phantom Даниэля Стигмана Мангрейна (2015).Сюжет переносит зрителей в бразильский тропический лес с шелестящими листьями и внушительными стволами деревьев. Хотя эти новые технологии еще не получили широкого распространения в мире искусства, многие считают, что они призваны стать одним из важнейших направлений в будущем современного искусства.
Искусство инсталляции | Современное искусство
26 октября 2011 г. — 15 января 2012 г.
www.newmuseum.org
Карстен Хёллер родился в 1961 году в Брюсселе, Бельгия, в семье немцев.Он изучал сельскохозяйственную энтомологию в Кильском университете, где в 1988 году получил докторскую степень. К 1990-м годам он начал создавать произведения искусства и в конечном итоге отказался от науки как профессии, чтобы продолжить карьеру художника.
Хёллер часто вдохновляется исследованиями и экспериментами из истории науки и использует эти исследования в своих работах, которые изменяют физические и психологические ощущения аудитории, внушая сомнения и неуверенность в окружающем мире. Его работы часто привлекают социальные пространства за пределами музея, такие как парк развлечений, зоопарк или игровая площадка, но впечатления, которые они дают, всегда далеки от наших обычных ожиданий от этих мероприятий.
Гигантские тройные грибы , 2010
Искусство Хёллера выражается в предложениях радикальных, новых образов жизни путем создания скульптур и диаграмм для мечтательной архитектуры, а также альтернативных транспортных средств, таких как его знаменитые слайд-инсталляции. Эти концепции могут показаться невозможными в настоящее время, но они предлагают новые модели на будущее.
Каждый этаж выставки исследует различные общие темы работ Хёллера, чтобы обеспечить тщательно спланированное путешествие по зданию и творчеству художника.
Зеркальная карусель (2005)
Четвертый этаж посвящен теме движения — здесь представлена впечатляющая зеркальная карусель Mirror Carousel (2005 г.), созданная художником, которая дает гонщикам совершенно иной физический опыт, чем традиционная ярмарочная карусель, и в то же время отражает и освещает окружающее его пространство.
На третьем этаже собраны произведения, призванные создать измененный или утопический опыт архитектурного пространства.Например, его Giant Psycho Tank (2000) предлагает зрителям невесомо плавать в воде бассейна сенсорной депривации, обеспечивая мрачный, внетелесный опыт.
Гигантский психобанк , 1999
На протяжении многих лет художник использовал психотропные препараты, мигалки и другие раздражители, чтобы потенциально изменить психическое состояние зрителя. Его новая инсталляция на втором этаже, Double Light Corner , мерцает взад и вперед по центральной оси, создавая захватывающие галлюцинаторные ощущения.
Светлая комната, 2008
Работа сочетается с воссозданием коридора опыта Хёллера , в котором зрителю предоставляется возможность провести ряд экспериментов над собой.
Функционируя как альтернативная транспортная система в пределах музея, одна из фирменных слайд-инсталляций Холлера будет проходить с четвертого этажа на второй, перфорируя потолки и полы, чтобы перемещать зрителей через выставку в виде гигантской пневматической почтовой системы длиной 102 фута.