Живопись барокко — кратко
Новый XVII век прошёл под знаком нового стиля – барокко. На протяжении XVII-XVIII вв. все виды искусства были ему подчинены: от декора одежды и интерьеров до музыки.
Своё триумфальное шествие барокко начало с Италии в конце XVI в., а затем распространилось по всей Европе. Но каждая страна привнесла в барокко свои национальные особенности.
Термин произошёл от итальянского baroсco («причудливый, странный»).
Особенности стиля
Стилю барокко было присуще стремление к пышности и величию. Этот стиль был динамичным, он привлекал внимание контрастностью цветовой гаммы и этим отличался от гармоничного искусства эпохи Возрождения.
В барочной культуре были очень популярны развлечения: маскарады, фейерверки. Женщины создавали высокие вычурные причёски, сооружая на голове целые пирамиды. В моде были корсеты, юбки на каркасах, а у мужчин – напудренные парики. Естественная жизнь и одежда отвергались как дикость.
Барокко в живописи (баро́чная живопись)
Живописи барокко были присущи те же особенности: своеобразность сюжетов, динамичность, броская яркость красок.
Искусство барокко не располагало к созерцаниям и раздумьям, оно вызывало эмоции. На барочных картинах персонажи открыто выражали свои чувства. Важной особенностью также было изображение движения, порыва: костюмы людей развевались или уносились ветром. Другой особенностью живописи барокко был его аллегорический смысл, скрытый символом, который понимали образованные зрители.
Живопись Италии
Самым известным художником эпохи барокко в Италии был Микеланджело Меризи, прозванный Караваджо. По его имени назван стиль барокко – караваджизм. Его последователи и подражатели продолжили изображение на картинах буйных чувств, используя натурализм.
Каким бы незамысловатым ни был сюжет картин караваджистов, они были подчёркнуто реалистичны. Большое внимание уделялось объёму, контрастному освещению фигур, игре света и тени.
Например, картина Караваджо «Οтдых на пути в Εгипет» (1597).
Другие художники итальянского барокко – Джованни Тьеполо, Каналетто, Гварди, Беллотто.
Живопись Испании
Стиль барокко в Испании воплотился в более строгой форме. Самыми яркими представителями испанского барокко были Диего Веласкес, Хусепе Рибера и Франсиско Сурбаран, а также испанский художник греческого происхождения Доменико Теотокопули (Эль Греко). Все эти художники, кроме Веласкеса, в основном писали картины на религиозный сюжет. Диего Веласкес (1599-1660) вывел испанскую живопись из «стен» храмов. Он был мастером психологического портрета, живописцем характеров. Его полотна сложны и многофигурны, они отличаются детализацией, владением цветом.
Например, известная картина Веласкеса «Менины» (1656-1657).
Фламандская живопись
Расцвет фламандского барокко приходится на первую половину XVII в. – это творчество Рубенса, Ван Дейка, Снейдерса.
Питер Пауль Ру́бенс (1577-1640) – фламандский художник, обогативший живопись барокко динамикой, безудержной жизненностью и чувственностью. Его картины отличают исключительное разнообразие, особенно это выражено в композиции. Палитра Рубенса наполнена яркостью и богатством красок. Женщины на его полотнах (их называют «рубенсовскими») выглядят тяжеловесными, но отличаются своими формами.
Примером может служить картина П. Ρубенса «Пοхищение дοчерей Левкиппа» (1618), которая иллюстрирует миф о сыновьях Зевса и Леды, похитивших дочерей царя Левкиппа. Картина ярко передаёт динамику движения.
Охотничьи сцены в изображении Рубенса также отличаются неожиданной композицией, динамикой и сочностью красок.
Русское барокко
Пётр I приложил много сил для приобщения России к европейской культуре. Барокко в России задержалось надолго, но особенно ярко проявилось в архитектуре. Пётр I приглашал мастеров барочной архитектуры, а также посылал своих молодых художников и архитекторов на учебу за границу.
Первый этап развития барокко в России получил название «петровское барокко».
Живопись этой эпохи освобождается от церковных сюжетов и активно переходит к светским жанрам: портретам, пейзажам, жанровым сценам. Первым русским живописцем, побывавшим за границей, был портретист Иван Никитин (1680-ок.1742). Он 3 года провёл в Италии, но в его портретном творчестве выражены только некоторые элементы стиля барокко.
Успехов в создании барочного портрета достиг русский художник Иван Адольский (Одольский, 1686-ок. 1758).
Например, его Портрет императрицы Екатерины I с арапчонком.
Заключение
Начавший зарождаться еще в эпоху Возрождения в Италии, стиль барокко постепенно распространился по всей Европе и был преобладающим в европейском искусстве до XVIII в.
Главные его черты – торжественность, парадность, пышность и размах, динамичность, вычурность, обилие деталей, но самое важное в этом стиле –его жизнеутверждающий характер.
Картины в стиле барокко, даже вполне реалистические, отличаются сложностью композиции, обилием фигур и напряженностью сюжета.
Художники барокко обогатили искусство новыми приемами пространственной формы, жизненной динамикой. Вся человеческая жизнь с её чувственно-телесной радостью бытия и с трагическими конфликтами выражена в живописи барокко.
Барокко в живописи: картины художники представители
Термин происходит от итальянского слова, используемого во времена Средневековья, чтобы описать отказ от схематической логики. Впоследствии слово стало обозначать любую искаженную идею или особый процесс мышления. Другим возможным источником является португальское слово «Barroco» (испанское «Barrueco»), используемое для описания несовершенной формы жемчуга. История работ в стиле насчитывает около 200 лет – развитие эпохи длилось с 1600-х по 1700-е годы.
В искусствоведении слово барокко используется для описания всего причудливого, ассиметричного, необычного, яркого, символизирующее отказ от установленных правил и пропорций.
Это представление появилось, благодаря критикам XVII века. До конца XIX века этот термин всегда носил подтекст гротеска, преувеличения, избытка декораций, пышности. Только в 1888 году термин стал использоваться в качестве обозначения стилистического направления, а не в качестве понятия, критикующего избыточность, чрезмерность в живописи.
Барочный стиль написания эмоционально насыщенной картины оказал глубокое воздействие на все формы искусства, в том числе архитектуры и скульптуры. Именно в живописи это направление искусства наиболее выражено.
Оглавление
История готического стиля в живописи
История развития стиля
Часть усилий по реформированию церкви должна была воспитывать своих прихожан, помогая им понять больше о вере. Это не было легкойзадачей, поскольку большинство людей были неграмотными в это время.
Было принято решение сделать искусство понятнее простым людям – необходимо использовать творение живописи для объяснения глубоких догматов веры всем, а не только образованным.
Для достижения их цели, картины на религиозную тематику должны было быть однозначными, эмоционально убедительными, мощными, чтобы вдохновлять зрителя к большей набожности.
Новые конфессии, например кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми. Однако официальная церковь и священники постановили, что искусство и его красота могут донести больше, чем их слово.
Караваджо
Основал стиль Караваджо – самый влиятельный художник раннего периода барокко. Ему принадлежит открытие главной особенностью – яркое освещение сцены из темноты работ в стиле барокко. В дальнейшем этот признак станет общей чертой живописи барокко.
Дадаизм как стиль в живописи
Караваджо вызывал критику своего творчества. Его картины на религиозную тематику вызвали споры относительно его желание отображать людей без идеализации. Живописец стремился передавать их несовершенство. Благодаря Караваджо произошел отрыв от ренессансной традиции идеализма, особенно – религиозных сюжетов.
Этапы развития
Среднее
Главный представитель – Караваджо. Период развития: 1600 – 1625 годы.
Высокое
Развивалось в 1625 – 1675 годы. В рамках этого этапа выделяют несколько направлений:
- Динамическое барокко: Рубенс;
- Реалистичное барокко: Рембрандт, Веласкес;
- Классическое барокко: Пуссен.
Позднее
1675-1725 годы. Стиль создали приемники представителей раннего и высокого этапов.
Основные черты
Искусство барокко в живописи характеризуется динамичностью (ощущение движения), которая дополняется экстравагантными эффектами (изогнутые линии, богатая отделка, яркое освещение).
Полномасштабное барокко или полное барокко была развито в южной части Западной Европы, в то время как северная Западная Европа создала классическое или сдержанное направление.
Для барокко характерно непрерывное перекрытие, пересечение фигур и элементов.
Особенности стиля:
- Драматическое использование цвета;
- Картины являются очевидными, драматичными, прямыми, без подтекста;
- Высокая эмоциональность и динамичность сюжета, что привлекает зрителя;
- Изображения позволяют чувствовать частью яркой реальности, которую передают художники барокко;
- Экстравагантные декоративные элементы изображения;
- Развиваются картины в жанрах портрет, натюрморт, пейзаж;
- Резкие контрасты между светлыми и темными, между светом и тенью.
История кубизма в живописи
Главные тематики полотен: преобразования, мученичество и смерть, битвы, интенсивные психологические моменты, любые формы проявления действия, их последствий. Барочная живопись можно назвать вершиной реализма в европейском искусстве. В эпоху Возрождения, европейские художники осознали важность формы и анатомии в представлении человеческих фигур реалистично. Творцы в стиле барокко преуспели в реалистичной передаче изображений людей – их портреты стали более вычурными, яркими, эмоциональными. Барочные художники были одержимы светом, картины точно изображают пейзаж или интерьер сцены.
Живопись эпохи барокко можно разделить на динамическое и реалистическое барокко. Первое можно рассматривать как продолжение итальянского Возрождения, последнее – в качестве искусства стран с другим уровнем развития живописи, в котором основное внимание фиксируется на физической составляющей.
Пейзажные картины представлены работами Якоба Исаакса ван Рейсдал из Ниделандов, натюрморты писал Жан Батист Симеон Шарден из Франции, портретный жанр — Франс Халс.
Их работы известны особой подачей и восприятием реальности.
Известные работы
«Распятие Святого Петра» Караваджо
В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, художники эпохи Возрождения, предпочитали рисовать сцены и людей с их природными недостатками.
Сюрреализм как стиль в живописи
Питер Пауль Рубенс «Четыре континента»
Художник принес энергию, чувственность и драматизм в барокко, не только в религиозные работы. В их изображении можно увидеть барочные черты яркого цвета, телесности и перекрывающихся фигур.
«Снятие с креста» Рембрандт
Живописец стремился к естественной передаче движения. В своем работе переданы черты работ в стиле барокко: эмоциональность сцены, повышенная драматичность, активное использование света и тени.
Значение
Яркий и узнаваемый стиль эпохи раннего нового времени оказал огромное влияние на искусства Европы. Принес в живопись реализм, насыщенность, эмоциональность, динамику – именно, благодаря этим качествам можно узнать полотна барочных художников без труда.
Наибольшее влияние оказано на рококо.
Искусство эпохи Возрождения и искусство барокко: понять разницу
Тайная вечеряМеня не раз спрашивали, и я встречал разных людей, которые выражали недоумение относительно искусства барокко и искусства эпохи Возрождения. На самом деле, несмотря на несколько курсов по истории искусства и оценке искусства, мне все же потребовалось несколько часов индивидуального обучения, чтобы по-настоящему понять разницу. Большинство людей понимают, что если картина или скульптура созданы в Европе между 1300 и 1600 годами, то, скорее всего, это произведение эпохи Возрождения. И, если это европейская работа, сделанная между 1600 и 1750 годами, то это барокко. Но если вы не знаете дат работы, или если вы не знаете художника или когда он жил, как вы можете сказать, барокко это или ренессанс?
Итак, прежде чем мы обсудим, что отличает эти два искусства, давайте посмотрим на некоторые сходства между искусством барокко и ренессанса, чтобы мы могли ясно понять, почему возникает путаница: оба термина («Ренессанс» и «барокко») используются для обозначения двух разные вещи, касающиеся изобразительного искусства: историческая эпоха и художественный стиль.
Оба термина относятся к явно европейским эпохам и стилям. Известно, что оба стиля преуспевают в изображении реализма. В обоих стилях используются яркие, вызывающие воспоминания пигменты, и, что, пожалуй, больше всего раздражает, так это то, что в отношении предмета обе эпохи делают сильный акцент на темы из иудео-христианской Библии или греко-римской мифологии. Неудивительно, что происходит смешение эпох и стилей. Если вы один из них, ободритесь; ты далеко не один.
В качестве основы для изучения разницы между этими двумя эпохами и этими двумя стилями может быть полезно начать с двух ключевых слов. Хорошее слово для искусства эпохи Возрождения — «стабилизировать», а для барокко — «драматизировать». Один прекрасный способ продемонстрировать важность этих двух слов — взглянуть на искусство в мире научной фантастики 21-го века. Художники, работающие над франшизами «Звездный путь» и «Звездные войны», также должны уметь демонстрировать драму и стабильность по отдельности.
Статья продолжается после объявления
ЧАСТЬ I: СТРАТЕГИЯ LINE
В мире «Звездного пути», когда художники и режиссеры хотят показать «Энтерпрайз» (если он не на сверхвысокой скорости) или космическую станцию — K7 или DS9 — как стационарные и устойчивые, они показывают объект как горизонтальный с точки зрения зрителя.
В качестве альтернативы, чтобы продемонстрировать устойчивость чего-то, что должно быть узким и стоячим, можно добиться того же эффекта с помощью идеальной вертикальной перспективы. Это простое устройство, горизонтальное или вертикальное, но наиболее эффективное для демонстрации того, что все в порядке. Теперь давайте разберемся в этом: мы говорим о космосе. Для тех, кто находится внутри корабля или станции, есть ясность вверх и вниз, но для самой станции или самого корабля в космосе нет ни верха, ни низа. Если вы и я приближаемся к космической станции на космическом корабле, мы можем быть полностью на одной стороне или даже вверх ногами по отношению к станции, и никто не почувствует разницы. Но ради кино или телевидения показ обоих под одним и тем же углом в пространстве предполагает, что все стабильно.
Искусство эпохи Возрождения использует тот же прием и для той же цели, хотя вы редко (если вообще когда-либо) найдете космический пейзаж эпохи Возрождения. Но когда вы видите изображение Мадонны с Младенцем или Распятия, использование отчетливо выраженных горизонтальных или вертикальных линий явно подчеркивается.
Иногда художник заходит так далеко, что создает картину, визуально похожую на пирамиду, так что самая широкая часть объекта находится внизу, а самая узкая часть вверху, потому что пирамида является наиболее устойчивой трехмерной формой. . Посмотрите ниже на «Мадонну со щеглом», которая представлена дважды, чтобы продемонстрировать горизонтальную и пирамидальную форму в отредактированной версии.
Композиция в форме пирамиды характерна и для скульптуры эпохи Возрождения. Рассмотрим знаменитую «Пьету» Микеланджело. Если смотреть спереди, пьедестал и ноги Марии составляют дно с Христом, который заметно меньше Марии, на ее коленях в середине скульптуры, а плечи и голова Марии обозначают вершину. Он, как и многие произведения искусства эпохи Возрождения, соответствует фактору горизонтальной устойчивости.
Однако, как я упоминал ранее, есть еще один способ создать ощущение стабильности в искусстве эпохи Возрождения: вертикальная линия. В большинстве случаев вертикальная линия все еще имеет некоторую форму горизонтальной линии, которая ее сопровождает, что является одной из причин того, что крест на картине распятия всегда так заметен.
Кроме того, это не означает, что диагональных линий не будет. То, что мы обсуждаем с идеей стабильности в искусстве эпохи Возрождения, является основным и наиболее заметным фокусом композиции. В «Распятии» Андреа Мантенья вертикальные линии подчеркнуты полюсами трех крестов, но три горизонтальные линии заключены вверху тремя поперечными балками, в средней части — ногами осужденного с крестом. вершины голов зрителей, а внизу с боковыми линиями в ступенях у основания. Ниже представлено «Распятие» Мантеньи сначала без, потом с правкой. После этого идут еще четыре сцены распятия, чтобы вы могли сами найти горизонтальные и вертикальные линии.
Как я упоминал ранее, в то время как ключевое слово для Ренессанса — «стабилизировать», ключевое слово для барокко — «драматизировать», но с концепцией драмы также связана отмеченная нестабильность или интенсивная энергия, и художники Звезды Трек использует некоторые тактики, которые были хорошо известны в Европе эпохи барокко. Когда им нужно показать, что корабль или станция попали в беду или дрейфуют по течению, они помещают «Энтерпрайз» или их станцию под сильным углом от точки зрения зрителя, обычно с чем-то еще на изображении, чтобы подчеркнуть необычную ориентацию — еще одним большим или возможно, ближе объект.
Еще одним эффектом изображения объекта под углом является демонстрация большой энергии, например, на изображении клингонского крейсера ниже. На этой картинке предполагается, что корабль движется с большой «варповой» скоростью. Угол корабля помогает передать ощущение скорости и энергии.
Художники эпохи барокко Европы также понимали этот принцип: строить композицию под углом, чтобы придать энергии или создать нестабильность или добавить драматизма. Однако в барокко линии, которые там есть, визуально еще менее подчеркнуты, чем в ренессансе. Кажется, часто в эпоху Возрождения предметы размещают в композиции для того, чтобы подчеркнуть горизонтальные и вертикальные линии, включая даже сам горизонт. В барокко линии могли начинаться с одной части композиции и продолжаться с другой, казалось бы, не связанной с ней частью композиции. На самом деле иногда чернота фона действует как диагональная линия. Для того, чтобы сделать различие между двумя эпохами как можно более ясным, я продолжу с теми же нарисованными темами, что и раньше, чтобы вам было легче сравнивать и сопоставлять.
Рассмотрим сначала картину «Мадонна с младенцем и святой Иоанн Креститель». На горизонтали нет акцента, кроме как в основании окна, но даже это занимает менее трети холста и кажется совершенно случайным. Тем не менее, есть сильная диагональная линия, отмеченная, в частности, краем красных занавесок, а также головой и рукой Марии, головой и спиной Христа. Есть также две параллельные диагональные линии: одна проходит от головы Марии и вниз по ее руке, другая следует за левой рукой Иоанна Крестителя и поднимается к руке Иисуса. Обратите также внимание на то, что глаза Марии и Христа устремлены на Иоанна, создавая подразумеваемую букву «V» в центре холста. Эта картина представлена ниже, один раз без и один раз с редакционными пометками.
В «Мадонне с младенцем» неизвестного бельгийского художника эпохи барокко четко прослеживается линия, идущая от глаз Иоанна Крестителя к глазам Христа и вверх к глазам Иосифа. Обратите внимание, что глаза Марии не включены, но расположены намного выше линии, проведенной тремя другими, чтобы подчеркнуть ее место на небесах.
Ее делает еще более заметной ангел, находящийся над ней, но смотрящий вниз на Марию, и это создает вторую линию почти вертикальной, но не совсем. Третья линия создается углом тела ангела, который образует линию, доходящую до макушки головы Иосифа. Эти три линии создают почти невидимый треугольник. Также обратите внимание, что на картине почти нет ничего горизонтального. Вместо этого, словно вопреки горизонту, художники использовали платье Марии, чтобы создать полукруг по низу. Еще раз, эта картина помещена ниже дважды.
Такое же использование диагоналей используется и в теме Распятия, но с еще большей драматичностью. В «Распятии» Педро Орренте очевидна диагональ лестницы, которую удваивают два человека на этой лестнице. Другая линия начинается с левой руки Христа, мимо его глаза и прямо вниз к вершине обвинения, которое должно быть прибито к кресту прямо над ним. Другая линия начинается с пальца ноги человека в правом верхнем углу холста, проходит мимо глаз трех свидетелей и следует по линии их тел.
Я также указал линию, которая вовсе не видна, затемнена свидетелями, но подразумевается основаниями трех поперечных шестов в земле, и эта линия будет прямо контрастировать с крестовой балкой Христа над ней.
Интересно, что на этой картине есть горизонтальная линия, проведенная движением поперек ног трех приговоренных к голове и плечам мальчика слева. Это может иметь религиозный подтекст, возможно, предполагая стабильность, принесенную жертвой Христа, но если принять во внимание абсолютную необходимость перспективы от одного человека к другому и впечатляющее качество искусства, нужно учитывать, что эта линия, пересекающая ступни, абсолютно безупречна. преднамеренно, а значит, имеет какое-то значение.
ЧАСТЬ II: ЗАЯВЛЕНИЕ О ВРЕМЕНИ
Стабильность искусства эпохи Возрождения заключается в гораздо большем, чем использование горизонтальных и вертикальных линий; также необходимо учитывать временные рамки. Есть причина, по которой композиция мотива Мадонны с младенцем эпохи Возрождения часто пирамидальна и стабильна: в искусстве эпохи Возрождения подразумевается продолжительность времени — от нескольких секунд до, возможно, минут.
Я не говорю о «безвременье», в котором содержание произведения может иметь место практически в любую эпоху, я говорю о длительности времени в самом произведении.
Само собой разумеется, что сцены Распятия предполагают продолжительность, даже несколько, отдельных событий, показанных одновременно. Но в случае с Мадонной с младенцем мы можем посмотреть на исполнение этого мотива как Да Винчи, так и Гирландайо. В последнем из двух есть восхитительная двусмысленность обмена между матерью и ребенком. В каком-то смысле кажется, что Мария смотрит на младенца Иисуса, который возвращает ее взгляд, как любой младенец оглядывается на свою мать. Его позиция, когда он опирается на свою мать. . . стабильность . . . может быть чисто детской попыткой неумелого стенда. Даже его жест правой рукой мог быть жестом младенца, неуверенного в том, собирается ли он упасть или нет.
Но в то же время, присмотревшись к их взглядам, можно увидеть, что Иисус смотрит не Марии в глаза, а смотрит немного вдаль.
Его позу можно было рассматривать как человека, ведущего глубокую, но небрежную беседу, а жест его правой руки можно было рассматривать как указание на будущее на небесах или как контрапункт — почти как если бы Христос в младенчестве все еще обладал всеми способностями. для интеллектуального разговора зрелого человека. Мария, при ближайшем рассмотрении, тоже на самом деле не смотрит на младенца Иисуса, но смотрит вниз слева (с ее точки зрения) от Иисуса, и на ее лице печаль, возможно, учитывая ужас надвигающейся смерти ее старшего сына на кресте. Однако, как бы вы ни смотрели на картину, в композиции есть время, потраченное на нее. Мария могла стоять так часами, как Младенец Иисус.
Этот принцип актуален и для скульптуры эпохи Возрождения. Рассмотрим знаменитую статую Микеланджело Давида. Здесь у нас есть 20-футовый молодой человек в очень устойчивой позе. Его правая нога задействована и в результате полностью вертикальна, как и его правая рука и туловище. Статуя изображает Давида, который вот-вот сразится с великаном Голиафом в битве, и Давид либо занят обдумыванием своей стратегии, либо ждет, пока Голиаф завершит свои обычные насмешки.
В любом случае, эта скульптура требует времени. Дэвид может сохранять эту позу в течение длительного периода времени.
Есть также «Давид» Донателло, изображающий Давида после битвы с Голиафом. Его ступня опирается на голову великана, в то время как задействованная нога плотно прилегает к его мечу. От скульптуры исходит отчетливое отношение, но, опять же, в скульптуре нет непосредственности.
В том же ключе рассмотрим выражения лиц этих двух изображений. В обоих есть эмоции; есть четкое понимание мысли, переданной зрителю, но нет отчетливой мышечной напряженности ни у одного из субъектов. Опять же, нет никаких причин, по которым эти выражения не могут продолжаться в течение длительного времени.
В резком контрасте с этими выражениями ниже изображено лицо Давида работы Джованни Бернини, итальянского скульптора эпохи барокко, чье изображение Давида напоминает ему, что он бьет камнем Голиафа. На его лице мимолетное выражение напряжения, решимости и отчетливой концентрации человека, использующего хорошо отработанный навык.
Суть в том, что это портрет кратчайшего из примеров — моментальный снимок движения.
Поскольку это скульптура, а не картина, мы имеем дело больше с кривизной, чем с линиями, но к барочной скульптуре применимы те же углы, что и к живописи; пересекающиеся дуги придают скульптуре барокко тот же динамизм, что и живописи, но в обоих случаях мы находимся в драматических муках мгновения времени. Скульптура Давида Бернини не смогла бы сохранять свою позу дольше, чем застывший мимолетный фрагмент момента времени.
ЧАСТЬ III: ФОНЫ
Последний раздел этой статьи посвящен больше ключевому слову барокко, чем ключевому слову ренессанса, потому что он касается фона картин, которые делают больше для драмы в барокко, чем добавляют стабильности в ренессанс. Тем не менее, между ними существует резкий контраст, и поэтому его можно исследовать.
В эпоху Возрождения фоны всегда представляют собой полностью развитые части картин. Это могут быть сцены горизонта или сцены задней части комнаты, но фоны там с удивительной детализацией.
Как таковые, они мало что делают для стабильности, но добавляют измерение завершенности. Возьмем, к примеру, знаменитую картину Леонардо «Мона Лиза»: портрет молодой женщины, сидящей на балконе, на чисто вымышленном фоне вдалеке. У вас все еще есть вертикальные и горизонтальные линии в видимых частях балкона, а также на горизонте. У вас есть отчетливая временная составляющая. Ведь как долго человек способен комфортно сидеть на красивом балконе? И у вас есть полный фон, изобилующий типичным эффектом сфумато в стиле да Винчи (придание области туманного эффекта за счет постепенного смешивания цветов). «Мона Лиза» — это все, чем должна быть великая картина эпохи Возрождения.
Однако в стиле барокко фоны считаются настолько неважными, что их часто просто затемняют. Имейте в виду, иногда — с портретами — художник эпохи Возрождения использовал бы этот подход, но гораздо реже. Но художники эпохи барокко используют эту концепцию в своих интересах, чтобы драматизировать свои картины. Но опять же, чтобы полностью понять эффект, давайте посмотрим на современный пример: необычную работу Бев Дулиттл под названием «Неизвестное присутствие».
Сам холст поразительно горизонтален, более половины его полностью окутано тьмой. Сюжет картины, одинокий, 19 летПутешественник 19-го века и его лошадь настороже возле своего костра. Их внимание резко привлекла темнота. На их лицах читается удивление, осторожность, бдительность и, может быть, немного страха, когда путешественник тянется за винтовкой.
Темнота этой картины немаловажна. Неважно, что именно побудило путника и его лошадь так разбудить их. Однако темнота служит для того, чтобы показать зрителям, что именно чувствует путешественник. Мы видим, как он смотрит в темноту, и мы тоже. Мы щуримся и пытаемся сфокусироваться на черной краске, как путешественник делает или будет делать в темноте, пытаясь найти какой-нибудь слабый намек на то, что там. Это НЕ «ничего».
Это яркий пример отличного использования так называемого «тенебризма», который, в зависимости от того, как вы хотите сфокусироваться, представляет собой либо саму темноту, либо контраст освещенной области с темнотой.
Он также известен как «драматическое освещение» и достигается за счет использования очень темных пигментов, не обязательно только черного, и ярко выраженной «светотень», так называется эффект света, падающего с одного направления или источник. Художники эпохи барокко использовали этот прием, «тенебризм», с большим эффектом в течение 150 лет.
Рассмотрим версию Питера Пауля Рубенса «Прикованный Прометей», где тенебризм несет спину орла в глубины гибели. Рассмотрим его «Воздвижение Креста» и тенебризм прямо за головой Христа. Там темнота настолько густа, что позади Иисуса из ниоткуда появляется один человек, чтобы помочь поднять крест. Почти весь фон Рембрандта — тьма в его собственной версии «Воздвижения Креста». Тенебризм можно использовать, чтобы вызвать ощущение безрадостности или запустения, или его можно использовать, чтобы подчеркнуть драматизм мгновенного действия, которое кажется освещенным.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ
Да, полагаю, я мог бы рассказать о многом: о разном использовании мазков художниками, о более широком поле тем в барокко, о сводящем с ума обилии греко-римских аллюзий в эпоху Возрождения, но у вас уже достаточно, чтобы начать собственное исследование двух стилей/эпох.
Ключевые слова «стабилизировать» и «драматизировать» для эпохи Возрождения и барокко, соответственно, и то, как они воплощают эти идеи в своем искусстве, по-прежнему согласуются с другими вещами, которые предстоит открыть, но они четко очерчены в горизонтальной и вертикальной ориентации в Ренессанс и сильно угловатые ориентиры в барокко. Стабильность времени в Ренессансе в отличие от мимолетности момента в барокко. Теперь изучите стили сами и откройте для себя новые отличия.
Ниже приведена краткая викторина с 10 картинами, некоторые из которых выполнены в стиле барокко, а некоторые — в стиле ренессанс. (Каждого из них может быть пять, а может и не быть.) Все они пронумерованы, и я предлагаю вам проверить себя, чтобы увидеть не только то, что вы усвоили в этой статье, но и то, насколько ясно она написана. Да, некоторые из них сложны. Дайте нам знать, как вы набрали баллы и что, по вашему мнению, я могу прояснить в статье.
Продолжение статьи после объявления
Искусство эпохи Возрождения и барокко Викторина:
Указания: Пронумеруйте запасной лист бумаги от 1 до 10.
Внимательно рассмотрите картины по одной и рядом с каждой цифрой на своей странице укажите эпоху картины, написав букву «Р», если работа относится к эпохе Возрождения, и букву «В», если работа относится к эпохе барокко. Ответы представлены в конце этой страницы.
1
2
3
4
5
6
7
8
9 075
Ответы на викторину ниже
О писателе:
А. Дж. Миттендорф — заядлый любитель искусства, более двух десятилетий изучающий историю искусства, оценку и интерпретацию искусства. Его степень магистра находится в области литературы, а степень бакалавра — в области английского образования. Как педагог, ему нравится писать для международного онлайн-журнала по искусству Art, Artists, Artwork, поэтому он может использовать свое образование и навыки в области искусства, чтобы продвигать художников и помогать покупателям выбирать искусство, которое лучше всего подходит для них.
9Ренессанс и барокко. Петра» (1600) Караваджо (1571-1610)
3. Ренессанс: «Пьета Бандини» (1547) Микеланджело (1475-1564)
4. Ренессанс: «Прекрасная садовница» (1507) Рафаэль (1483-1520)
5. Ренессанс: «Портрет кардинала» (1510) Рафаэля (1483 -1520)
6. Барокко: «Призвание святого Матфея» (1600) Караваджо (1571-1610)
7. Барокко: «Человек в золотом шлеме» (ок. 1650) Рембрандта (1606) -1669)
8. Барокко: «Экстаз святой Терезы» Бернини (1598-1680)
9. Ренессанс: «Афинская школа» (1509-1511) Рафаэль (1483-1520)
10. Ренессанс: «Венера и Марс» (1483) Ботичелли (1445-1510)
Надеюсь, вам было весело!
Украшения в стиле барокко | Университет антикварных украшений
Введение
С началом 17 века украшения эпохи Возрождения постепенно превратились в новый стиль.
Начиная с 1625 года мы видим явную реакцию против жестких и асимметричных платьев, которые носили дамы эпохи Возрождения. Мягкие струящиеся платья с глубоким вырезом стали предметом предпочтения, а новые украшения были созданы в соответствии с новой модой. Вышеизложенное в основном верно для Франции, Италии, а затем и Испании, но из-за региональных различий в Европе, существовавших в 17 веке, этого нельзя автоматически сказать о Германии, Англии и Нидерландах.
Вторая половина 17-го века была подвержена религиозным конфликтам , которые разделили Европу и заставили многих протестантских мастеров бежать из своих католических стран рождения и искать убежища в протестантских государствах, таких как Республика Нидерланды. Французский двор стал новым ведущим законодателем моды. В эпоху Возрождения эту роль выполняли дворы Габсбургов в Испании и Австрии, привнося единообразие в придворную одежду благодаря дипломатическим бракам и политическим влияниям. Международная торговля процветала, что позволило среднему классу купцов и ремесленников подняться и значительно увеличить свое богатство.
Это позволило буржуазии начать покупать украшения, которые до этого предназначались только для знати. Именно в 17 веке появляются розничные ювелиры, отличные от ювелиров-ремесленников прошлого.
L’Égaré Chain Designs.
Стили и техники
От Ренессанса к Барокко
Прекрасный образец украшений позднего ренессанса (или раннего барокко). Старинная камея, окруженная симметричным массивом бриллиантов, рубинов и эмалированного золота.
В последние годы 16 века и начало 17 века произошло постепенное изменение внешнего вида украшений. Эти изменения были вызваны использованием мотивов арабески, симметрии и другого типа закрепки драгоценных камней. Назвать ли этот период поздним Возрождением или ранним барокко, решать читателю; это была естественная эволюция стилей, соединивших два декоративных периода. Поскольку типичные мифические и религиозные темы эпохи Возрождения все еще прочно сохранялись, новые стили набирали силу медленно.
Стили барокко
Раннее барокко
С конца второго десятилетия XVII века дизайн ювелирных изделий становится все более и более натуралистичным. Эта тенденция зародилась во Франции, но вскоре распространилась по Европе благодаря печатным рисункам. Формы Cosse-de-pois (стручки гороха) и более поздние цветы стали очень популярными, и в течение 3-го и 4-го десятилетий было произведено множество дизайнов в этой моде. Экзотические цветы были чрезвычайно популярны, и ботаника стала самостоятельным предметом изучения. Интенсификация торговли с Ближним Востоком принесла в Европу невиданные ранее цветы, и это вызвало настоящее увлечение ими. Тюльпаномания 1634 года – выдающийся пример.
Флора, модная в вышивке с конца 16 века, теперь была перенята и ювелирными дизайнерами. Повсюду были расписная эмаль, выемчатая эмаль и электронная почта на цветах ronde bosse.
Начиная с 1650-х годов, гравюра на металле была еще одним, а позднее предпочтительным методом изображения цветов.
Подвеска Дизайн Даниэля Миньо, Позднее Возрождение.
Работа с фигурками со временем вышла из моды, и акцент на ярких цветах, созданных с помощью эмали, постепенно уступил место блеску драгоценных камней на золоте. Мотивы арабески часто гравировались «силуэтом» на металле или выполнялись выемчатой эмалью. Мода на мавританское искусство пришла из Испании, где до 149 г.2, исламский халифат был расположен. Мотивы были отличным способом украшения больших плоских поверхностей, таких как миниатюрные корпуса, а также корпуса часов, которые были новым явлением в репертуаре ювелирных изделий. Закрепка драгоценного камня теперь была сосредоточена на подчеркивании и улучшении драгоценного камня в результате повышения качества, достигнутого за счет усовершенствованных методов огранки и фольгирования. Более продвинутые конструкции огранки также позволили создать гораздо большее разнообразие доступных форм, и ювелиры начали уделять особое внимание демонстрации самих камней, а не только скульптурным изделиям из золота.
Реверс Зеркало – золото с окрашенной эмалью, 1670 г.
Позднее барокко
Во второй половине XVII века значение ограненных драгоценных камней в дизайне еще более возросло. Оправы из драгоценных камней стали более изящными, а дизайн перешел от кластерных оправ к натурализму и бантикам из лент.
Дизайн броши в виде банта, 17 век.
Бант — одна из самых распространенных черт украшений в стиле барокко. Его происхождение связано с лентой, которая использовалась для крепления драгоценного камня к одежде и сама превратилась в популярный мотив. Изготовленная из драгоценного металла и украшенная драгоценными камнями, жемчугом и эмалью, брошь-бантик или кулон можно увидеть на многих портретах и рисунках.
К концу 17 века преобладали асимметричные букеты или отдельные цветы, а использование эмали сократилось до такой степени, что ее можно было найти только в самых консервативных кругах.
Рококо
Несмотря на то, что стиль рококо относится к георгианскому периоду времени, мы кратко коснемся его здесь, так как он дополняет часть этого раздела, посвященную позднему барокко. Начавшись во Франции около 1730 года, но распространившись по всей Европе в последующие годы, стиль рококо отличается асимметрией натуралистических рисунков. Цветы, листья и перья были тиснены или выгравированы на металле. Эмаль полностью отказалась от декоративной техники в ювелирных изделиях. Мы находим стиль рококо в основном в функциональных украшениях, таких как шатланы и табакерки.
Типичная коробка для предметов первой необходимости в стиле рококо, ок. 1750 г.
Материалы
Из портретов становится ясно, что новая мода на струящиеся платья с глубоким вырезом чаще всего дополнялась ношением комплектов жемчужных украшений.
В те дни Персидский залив был главным поставщиком чрезвычайно популярного жемчуга. Большой промысел жемчуга в Персии (современный Иран) описал известный французский путешественник и торговец драгоценными камнями Жан-Батист Тавернье в своей автобиографической работе «Шесть путешествий». Также производился искусственный жемчуг, о чем свидетельствует патент парижского джентльмена по имени Жакин, датированный 17 веком. Стеклянные сферы покрывали смесью измельченной рыбьей чешуи и лака, после чего сферы заполняли воском для придания прочности.
Алмазы также были чрезвычайно популярны в эпоху барокко. Их доступность значительно увеличилась в результате активизации торговли с Индией португальскими, британскими и голландскими торговыми компаниями, которые достигли страны морем. В начале 17 века было обнаружено важное месторождение алмазов: Хайдарабад в районе Голконды. Тавернье посетил несколько районов добычи алмазов в Индии, и его отчеты говорят нам об огромных масштабах операций.
Генриетта Анна, герцогиня Орлеанская.
Жемчужная и бриллиантовая парюра.
В первый раз, когда я был на этой шахте, там работало около 60 000 человек, включая мужчин, женщин и детей, которые были заняты по-разному: мужчины копали, женщины и дети таскали землю…
1
Дизайн броши, ок. 1723 г.
Термин «бриллиант» стал использоваться для описания ограненных бриллиантов. Бриллианты в стиле барокко имели преимущественно квадратную или подушкообразную форму, с короткими гранями безеля, открытой калеттой и довольно крутыми павильонами и коронами. Чтобы усилить идею размера, бриллианты теперь были оправлены в серебро и покрыты фольгой, чтобы усилить их блеск на вечеринках, освещенных свечами. Большинство бриллиантов того времени были подвергнуты повторной огранке в более современные формы, чтобы повысить их стоимость. Прискорбный случай, поскольку это часто означало, что драгоценный камень, из которого они были извлечены, был отправлен в плавильный тигель.
Среди цветных камней наиболее ценились рубин, изумруд и топаз. Высококачественная бижутерия со стразами (пастой) производилась в больших масштабах, чтобы удовлетворить возросший спрос растущей буржуазии.
Эмаль долгое время сохраняла свою популярность. От средневековья до эпохи Возрождения и глубокого периода барокко можно наблюдать непрерывную линию в эмалировании. Жану Тутену из Блуа, Франция, удалось дать совершенно новый импульс расписной эмали, создав замечательные миниатюры чрезвычайно высокого качества, мастерство, которое он передал своим сыновьям.
Типы украшений
Как упоминалось ранее, парюры украшений из жемчуга, часто содержащие короткое ожерелье, серьги-подвески, шнурок для волос и застежки платья для лифа, рукавов и талии, встречаются во многих портреты эпохи барокко. Серьги часто представляли собой простые жемчужины каплевидной формы, подвешенные к золотой серьге, но к 1650-м годам стали носить более сложные стили. Наиболее типичным и известным типом серег конца 17 века является жирандола, серьга, состоящая из центральной части, на которой подвешены три свисающих украшения.
Мужские украшения были самыми экстравагантными во Франции. Это, безусловно, отразилось на периоде правления Людовика XIV, который к концу жизни имел огромную коллекцию драгоценностей и драгоценных камней. В основном благодаря усилиям кардинала Мазарини в этой коллекции было немало знаменитых бриллиантов. В Англии мужские украшения были более сдержанными. Похоже, что континентальная мода не сильно повлияла на Англию в середине 17 века, когда она находилась под пуританским правлением Оливера Кромвеля. Роялистские украшения с миниатюрными изображениями казненного короля Карла I стали популярны среди противников пуританства. Испанские мужчины носили меньше всего украшений, за исключением некоторых религиозных или рыцарских предметов, ношение украшений было ограничено законом.
Принцесса Англии Анна Генриетта, герцогиня Орлеанская.
Новой разработкой стали часы. В 17 веке он сам по себе стал украшением. В эпоху Возрождения часы были интегрированы во все виды существующих украшений, но теперь часы заняли свое место.